Kunstgeschichte: So nutzt man die Konzepte des Impressionismus in eigenen Designs

1. Einführung: Kunst ist ein Werkzeug, das unsere Weltanschauung beeinflusst. Die Geschichte der Kunst, transportieren uns in andere Zeiten, und bringt uns näher an verschiedene Arten von Realitäten. In dieser Klasse werden wir wissen, wer die größten Exponenten des Impressionismus und Post Impressionismus waren , wie sie mit der Kritik dieser Zeit umzugehen und einige Punkte zu überprüfen, warum diese Künstler die Kunst revolutionierten und wie sie die Fundament für moderne Kunst. Weil es vor und nach ihnen gibt. Nach diesen beiden Avantgarden war Kunst nie wieder dieselbe. Hallo, ich bin Eveling und ich bin Grafikdesignerin aus Lima-Perú. Und meine Liebe zur Kunst und ihrer Geschichte war immer mit meinem Leben und meiner Karriere verbunden. Ich denke, das Verständnis von Kunst ermöglicht es uns, neue Perspektiven zu schaffen, zu beobachten, aber auch zu hinterfragen. Diese Klasse ist ideal für Designer, Illustratoren, Künstler. und für alle, die neugierig sind zu wissen, wie die große Veränderung, die in der Kunst im 19. Jahrhundert entstanden ist, entstanden ist. Und für alle, die ihr Wissen erweitern und nach neuen Konzepten suchen, um zu schaffen. Für Ihr Klassenprojekt sehen wir, wie Sie die Konzepte und Techniken von Impressionisten und Post-Impressionismus nutzen und in den persönlichen Stil Ihrer Kreationen übersetzen können. Im Laufe des Kurses werden wir sehen, warum Kunst wichtig ist. Sie werden über die künstlerische Revolution wissen, die sie erzeugt haben. Wir werden darüber reden, ob Van Gogh Impressionist ist oder nicht? Und wir werden die wichtigsten Kunstwerke überprüfen, die Sie kennen müssen. Weil das Leben voller momentane Eindrücke ist, kennen Sie die Konzepte und Techniken dieser Avantgarden und wenden Sie sie auf Ihre nächsten Illustrationen oder Designs an. Fangen wir an! 2. Einführung – Kursprojekt: Drücken Sie sich durch Kunst und erstellen Sie eine Komposition mit Ihrem Stil, Anwendung des Konzepts des Impressionismus und Post-Impressionismus, Dieses Projekt ist ideal, um über neue Möglichkeiten zu lernen, um Ihr Wissen zu erweitern und es auf Ihre Design oder Illustrationen. Die Avantgarden Review in den Lektionen sind Stile, die die Wende der Kunstgeschichte verändert und alles revolutioniert, was bis zu ihnen bekannt war. Sie eröffnen neue Wege, neue Gedanken, neue Konzepte und kreierten eine neue Art, Kunst zu machen. Die Bedeutung dieser Künstler begleitet uns bis heute, weil sie die Perspektive dessen verändern, was Kunst war. Es wird also nützlich und sehr vorteilhaft sein über diese Transformation zu wissen, die sie entstanden sind. Zum Beispiel gibt es wichtige Beiträge dazu, wie sie Farben und Formen verwenden. Lernen Sie sie in den folgenden Lektionen kennen und wenden Sie sie auf Ihre Kunst oder Kompositionen an. Um dieses Projekt zu erstellen werden wir die wichtigen Merkmale identifizieren, die ll Künstler dieser beiden Stile teilen und sie in die Praxis umsetzen wenn ein neues Design oder eine Illustration erstellt wird. Sie können die Technik, die Ihnen am besten gefällt, verwenden und sie durch Ihre Kreation die Fähigkeiten demonstrieren , die Sie in den Lektionen lernen werden. Sie müssen nur für Informationen empfänglich sein Identifizieren Sie das Konzept des Impressionismus, Post-Impressionismus, und wenden Sie sie auf Ihr Design. Wenn Sie Fragen oder Kommentare zu Impressionismus oder Post Impressionismus teilen Sie es im Diskussionsbereich dieser Klasse. 3. Warum Kunst wichtig ist?: Um über die Bedeutung der Kunst nachzudenken achten Sie auf den folgenden Satz, Van Gogh schrieb, ich möchte Menschen mit meiner Kunst berühren. Ich möchte, dass sie sagen, er fühlt sich zutiefst, er fühlt sich zärtlich. Ein gutes Bild ist gleichbedeutend mit guter Tat. Gemälde haben ein eigenes Leben, geboren aus der Seele des Malers. Es gibt Dinge in Farbe, die in mir kommen, während ich malen, große, intensive Dinge Sein Pinsel ist in den Dienst seines Geistes Kunst ist ein schwieriges Konzept zu definieren, aber seine Bedeutung kann durch diese Phrasen reflektiert werden, die wir gerade gesehen haben - Van Gogh. Er wollte Gefühle durch seine Kunst reflektieren, ihn fühlen lassen, eine gute Tat durch seine Kunst schaffen und im Dienst seines Geistes sein und Malerei als eine Möglichkeit haben, es zu erreichen. All diese Handlungen schaffen Wert, weil Kunst die Seele aufhebt und auch hebt. Aber Kunst hat nicht nur ein Ziel, denn in der Kunst gibt es keine Grenzen, aber Kunst hilft uns auch fühlen frei Kunst kann ein Werkzeug sein, um mit Emotionen fertig zu werden; wie Schmerz, Traurigkeit, Liebe, Komfort hat die Macht, all diese Emotionen auszugleichen. Kunst kann uns auch dazu führen, Empathie zu empfinden, uns zu sensibilisieren, uns zu verschiedenen Arten von Realitäten zu führen und sogar in verschiedene Zeiten zu gehen. Auf der anderen Seite schafft Kunst Meinungen, schafft Reflexion, hilft Argumente aufzubauen, stellt Fragen und sucht nach Lösungen. Und all dies werden wir in der Haltung widerspiegeln, die die Impressionisten und Post-Impressionisten hatten. Kunst ist an sich wichtig, weil sie ein Werkzeug ist , um unsere Weltanschauung zu beeinflussen. In der nächsten Lektion werden wir über die Impressionisten sprechen, wie der Name entstanden ist, wie der Name entstanden ist und wie sie eine Revolution in der Kunst begannen. 4. Impressionismus – Die Kunstrevolution: Willkommen zurück. Jetzt sprechen wir speziell über die Impressionisten und alles Wichtige, was Sie über sie wissen müssen. Impressionismus ist eine bildhafte Bewegung, die im späten 19. Jahrhundert in Frankreich entstanden ist. Es entstand zu der Zeit, als das Foto popularisiert wurde. Vor dem Impressionismus war Realismus, eine Bewegung, die auf akademischer Kunst basiert. Künstler haben viel Zeit damit verbracht, an Akademien zu studieren, um realistische Kunst zu produzieren. Aber der Impressionismus entstand gegen die künstlerischen Formeln, die von der französischen Akademie der bildenden Künste auferlegt wurden, die die Modelle zu folgen und förderte offizielle Ausstellungen im Pariser Saal und 1970 die Veranstaltung der bildenden Künste wurde auf dem Pariser Salon organisiert. Viele der impressionistischen Künstler präsentierten die von der Akademie organisierten Wettbewerbe, Aber Akademiker wollten Kunst bestimmte Standards haben, die sie setzen. Es war das elitäre Ereignis des Augenblicks und gab nur die besten Werke der besten Künstler der Zeit zu, aber dass sie wählten. Aus diesem Grund wurden viele Künstler wegen mangelnder Technik und kompositorischer Perfektion abgelehnt. Nach Angaben der Akademie wussten die Impressionisten nicht gut zu malen und beschlossen, eine separate Veranstaltung für alle Künstler zu eröffnen, die abgelehnt wurden. Diese Ausstellung hieß „Die Halle der Abgelehnten“ Das Gemälde, das den Impressionismus gab Sein Name war der Eindruck der aufgehenden Sonne. Einer der zurückgewiesenen Künstler war Claude Monet. genau den Namen dieser Bewegung. entstand aus Monets „Impression der aufgehenden Sonne 1874. Und der Begriff Impressionisten wurde ihnen vom Kritiker Louis Leroy abscheulich auferlegt, als er dieses Werk sah. Leroy schrieb die folgende Rezension: „Als ich das Stück betrachtete dachte ich, meine Brille sei schmutzig. Was stellt dieser Stoff dar?... der Rahmen hatte kein Recht oder zurück... Drucken! , natürlich, erzeugt Eindruck. Als Reaktion auf diese Form der Spott sie erhalten, hey beschlossen, diese Rezension zu nehmen, um den Namen in ihre künstlerische Bewegung zu verwandeln. Sie akzeptierten es und nahmen seine vermeintliche Schwäche und fügten den Titel des Impressionismus sehr stolz hinzu. So entstand die Bewegung „Impressionisten“ Danach begann der Perspektivwechsel des Kunsts bis dahin. Das Übliche war, im Offiziellen Saal auszustellen, aber die neuen Künstler mussten nach alternativen Orten suchen , an denen sie ihre Werke ausstellen durften . So fand am 15. April 1874 die erste impressionistische Ausstellung statt im Salon des Fotografen Nadar. Die Hauptfiguren dieser Bewegung waren: Degas, Claude Monet, August Renoir, Morisot, Pisarro und Sisley. Die Kunst, die wir heute kennen, ist den Impressionisten zu verdanken weil sie die Tür zu einer neuen Perspektive des Kunstschaffens öffneten. Um diesen Wandel zu beginnen, die Auswirkungen der Industrialisierung auf ihre Entwicklung von entscheidender Bedeutung. Nun, das machte es für Künstler, in der Lage zu sein, die Farbtuben nach draußen zu nehmen Vor dieser Erfindung, die Künstler selbst kreierten ihre Gemälde, es war eine großartige Arbeit und Prozess, die sie durchführen mussten, um zu malen. Aber nach der Erfindung der Farbtuben hatten die Impressionisten die Möglichkeit, ihre Bilder im Freien mitzunehmen und zu malen, was sie sahen. Ein weiterer Punkt in dieser Veränderung war, dass die Impressionisten erkannt haben , dass es nicht mehr sinnvoll war, Realismus durch die Malerei nachzuahmen , weil Fotografie zu diesem Zweck bereits existierte. Sie wollten der Kunst eine neue Anwendung geben und die Realität anders erfassen. So versuchten die Impressionisten, mit der Tradition und der Art zu brechen , wie sie Kunst machten . Sie wollten, dass das Gemälde nicht mehr genau reflektiert, wie die Dinge waren, aber sie wollten die veränderte Realität des Lichts zeigen und -Farben. Die Kunst, etwas Klassisches, Technisches, Plantes und Perfektes zu sein, wurde sofort, natürlich, energisch und revolutionär. Die Impressionisten zielten darauf ab, die Natur zu erfassen und was sie durch Licht und Farbe sahen, sie malten nicht für Symbolik, sie übertragen auf die Leinwand nicht in Bezug auf erworbenes Wissen sondern in Bezug auf die Art und Weise, wie sie sahen Dinge oder die Natur. Auf diese Weise drückten sie den momentanen Eindruck aus, den sie auf sie gemacht hatte. Sie beginnen im Freien zu arbeiten, malen Landschaften, urbane Szenen, machen lose Striche voller Licht und Freude und reproduzieren die Natur des Lebens mit Frische. Impressionismus brach mit präzisen Strichen, durchgehenden Linien, Konturen. Sie übertrugen freie und ausdrucksstarke Pinselstriche auf die Leinwand, oft mit reinen, unverblendeten Farben. Sie verwendeten Primärfarben, blau, rot und gelb. und ihre ergänzenden Orange, Grün und Violett. handelte das Gemälde auf einer Autobahn, ohne zu versuchen, ihre fragmentierten Pinselstriche zu verbergen. Sie entfernten die Details und verwandelten das Gemälde in eine Momentaufnahme der von sich selbst ausgedrückten Realität. Jetzt sind seine Werke Meisterwerke und revolutionäre Werke. Sie legten den Grundstein für alle moderne Kunst und von ihnen war die Kunst nie wieder dieselbe. „ Jeder diskutiert meine Kunst und gibt vor, zu verstehen, als ob es notwendig wäre wenn es nur Liebe ist“ Monet. Es ist sehr faszinierend, die Geschichte dieser Avantgarden zu kennen , die die Regeln der Kunst damals verändert hat. In der nächsten Lektion werden wir sehen, ob Vang Gogh Impressionist war. Was meinst du? Sehen Sie sich in der nächsten Lektion? 5. Ist Van Gogh: Ich versuche jetzt, das Wesentliche zu übertreiben, das ich nicht genau reproduzieren möchte, was vor meinen Augen ist, aber ich benutze willkürlich Farbe, um mich stärker auszudrücken. Vicent Van Gogh Vicent Van Gogh, wurde 1883 in Holland geboren. Er begann seine Karriere als Künstler im Alter von 27 sein Spätanfang und mangelnde akademische Ausbildung sind in seiner frühen Arbeit offensichtlich. Es würde noch mehrere Jahre dauern, um seinen Stil zu etablieren aber trotzdem zeigte seine Arbeit immer besondere Energie mit einer intensiven Qualität, die sein ganzes Leben lang zunehmen würde. Van Gogh kam, um eine innovative Technik für seine Zeit zu meistern und entwickelte einen soliden ästhetischen Vorschlag, in dem impressionistische Striche, surreale Kontraste und Formen mit großer Ausdruckskraft koexistieren. Er wandte die Entdeckungen des Impressionismus, eine so neue Theorie über Licht und die divisionistische Behandlung von Tönen Sie nahm Abgaben Techniken und nahm sie auf eine andere Ebene. Van Gogh wird als Fortsetzung und Kontrast zum Impressionismus dargestellt Es nimmt Elemente des Impressionismus, aber zur gleichen Zeit lehnt die Grenzen davon Er weiterhin lebendige Farben verwenden, leuchtende Paletten, unterscheidbare Pinselstriche und reale Themen, aber versuchte, mehr Emotion und Ausdruck in seinen Gemälden mit einem subjektiven Blick auf die Welt zu tragen . Die Farben, die Van Gogh zu verwenden begann, wurden zunehmend mit einer symbolischen Bedeutung verbunden. Zum Beispiel drückten The House of a Light Yellow und Deep Blue Sky die Zufriedenheit des Künstlers zu dieser Zeit aus. Das ist auch das Gelbe Haus 1888 1888 . Die Vicent Zimmer in Arles im Jahr 1888 Nach dem, was er schrieb „Es ist nur mein Zimmer, nur hier Farbe tut alles und angesichts seiner Einfachheit, was es zu tun schafft, ist mehr Stil zu den Dingen zu geben , hier ist es schlägt Ruhe und Schlaf im Allgemeinen Unterscheidung sich auf diese Weise von den Impressionisten. Er fügte Farben hinzu, die nicht der Realität entsprechen, aber es gelang , seine Werke auf eine persönlichere und subjektive Ebene zu heben. Durch diese Eigenschaften gilt Van Gogh als post-impressionistischer Künstler Dieser Stil ist aufgrund der künstlerischen Freiheit als Ganzes Es ist die Grundlage für moderne und zeitgenössische Stile. Und das ist es, worüber wir in der nächsten Lektion sprechen werden. Der Wandel der Kunst für immer. und wie wir es heute kennen. Postimpressionismus 6. Post-Impressionismus – Geänderte Kunst: In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts entstanden Maler, dass aus dem Impressionismus begann, ein persönlicheres Gemälde zu schaffen, sein Stil wäre der Schlüssel zu den bildhaften Bewegungen des 20. Jahrhunderts. Der Begriff Post-Impressionismus war ein Begriff, der nach dem Tod aller seiner Künstler geschaffen wurde. Daher nannten sich Künstler dieses Stils nicht Post-Impressionisten. „ Ein Kunstwerk, das nicht in Emotionen begann , ist kein Kunstwerk“ Paul Cezanne. Dieser Satz von Paul Cezanne, einer der Künstler des Impressionismus, fasst das Gefühl des Post-Impressionismus perfekt zusammen. Post-Impressionismus bezieht sich nicht auf eine stilistische Strömung im engeren Sinne, sondern eine Reihe von verschiedenen Trends, Techniken und Stilen Die erste gemeinsame Basis unter allen Autoren ist, dass sie ihren Stil auf dem Impressionismus basieren. Daraus hatte jeder einen persönlichen Stil. Jeder stimmte zu, ein Bild der Realität darzustellen, ohne gleichen Realität zwingend ähnlich zu sein, denn das Ziel, das sie hatten, war nicht, das Objekt darzustellen sondern das Gefühl aufzuzeichnen, das bei der Erfassung mit seinen Sinnen empfangen wurde. Sie stimmten überein, das Kunstwerk als eine autonome Welt zu betrachten, in der ihnen eine neue kreative Rolle gegenüber dem Kopieren der objektiven Realität eingeräumt wird. Sie präsentierten eine subjektive Sicht auf die Welt und weigerten sich, sie treu zu reflektieren, verließen die Realität als Hauptthema und begannen, Emotionen zu priorisieren. Das Hauptmerkmal ist, dass sie die in ihren Werken reflektierten Objekte als eine Möglichkeit konzipierten , Gefühle zu vermitteln Eine emotionale Symbolik, dachten sie, dass ein Kunstwerk nicht auf einen bestimmten Prozess, ästhetische Herangehensweise oder Stil. Das Wichtigste für sie war, dass das Gemälde einen Schwerpunkt auf den unterbewussten Gedanken des Künstlers hatte. Ein weiteres Merkmal war, dass sie sich nicht nur um die Aufnahme von Licht, sondern auch um die Ausdruckskraft menschlicher Menschen, Objekte und Figuren kümmerten . Unterschiede Impressionismus vs Post-Impressionismus. Auffällige Farben Ein Unterschied zwischen Impressionisten und Post Impressionisten war die Verwendung von Farbe. Die Post-Impressionisten verwendeten eine neue Verwendung von Farbe, die es mehr auf die Erfahrung des Künstlersmit reinen Farben mit großer emotionaler Ladungbezieht mehr auf die Erfahrung des Künstlers reinen Farben mit großer emotionaler Ladung während die Impressionisten versuchten, zu reflektieren, wie natürliches Licht durch Beeinflussung von Objekten handelte Post-Impressionisten setzten eine künstliche Farbpalette ein, um ihre sentimentale Wahrnehmung der Realität darzustellen . Das Ergebnis waren Arbeiten mit gesättigten Farbtönen, Schatten mit verschiedenen Schattierungen und einer Vielzahl von auffälligen Farben. Sie verwendeten Farbe auch kontrastierender, wodurch flache Formen definiert und ein Gefühl der Entfremdung erzeugt wird. Pinselstriche. Die Post Impressionisten zeichnen sich durch ihre dicken Pinselstriche aus, die das bloße Auge und so ihren Werken Textur und große Tiefe verleihen. Gauguin: Geboren in Frankreich 1848 Interessanterweise lebte er in Lima Peru während seiner Kindheit und reiste dann nach Frankreich und ließ sich dann in Tahiti nieder. Es hebt den ausdrucksstarken Gebrauch von Farbe hervor, es tut dies durch starke und lebendige Töne. Sein Farbsinn würde später die Fauvisten und Expressionisten beeinflussen. Cezane Er wurde in Frankreich geboren 1839 Im Leben war er ein ignorierter Maler und nur selten seine Kunst ausgestellt. In seiner Kunst wird das Volumen dank der Geometrie und Definition der Formen durch ihre Pinselstriche wiederhergestellt . Ohne die hochintensive Farbe aufzugeben, fügen Sie Kontraste und Farbe hinzu. Seine Malerei beeinflusste den Kubismus und beeinflusste Künstler wie Picasso und Matisse. Van Gogh. Er wurde in den Niederlanden geboren 1853 Er begann seine ernsthafte Karriere als Maler im Alter von 32 Jahren aber ging weiter, um etwa 900 Gemälde und mehr als tausend und sechshundert Zeichnungen zu malen. Leidenschaftlich über Farbe als Fahrzeug, um seine Emotionen mit dicken und gewundenen Kursivstriche auszudrücken Es öffnet die Türen zum Expressionismus des 20 Jahrhunderts. Toulouse-Lautrec. Er wurde in Frankreich geboren 1864 Er war mehr als alles andere ein Illustrator, Aufgaben, mit denen er in der Lage war durch die Inbetriebnahme von Plakaten für Kabarette, Shows und Werbung Seine Ölgemälde sind knapp. aber in ihnen kann man den gleichen Geschmack für böhmische Umgebungen und Charaktere, Spontaneität und Bewegung und ungewöhnliche Rahmen aus Fotografie und japanischen Drucken sehen. Wie wir gesehen haben, haben Postimpressionismus-Künstler nicht mehr die gleichen Eigenschaften und alle unterscheiden sich voneinander. Sie versuchten, Emotion und Ausdruck einen Schritt weiter zu nehmen und alle präsentierten eine besondere Sicht auf die Natur und eine subjektive Sicht auf die Welt. Daher ist jeder der Künstler dieses Stils sehr unterschiedlich. Sie wurden im Allgemeinen nicht geschätzt im Leben, aber sie schafften es, die Grundlagen der modernen Kunst zu legen und jetzt sind ihre Gemälde die teuersten in der Geschichte. In der nächsten Lektion werden wir die wichtigsten Werke dieser beiden Avantgarden sehen 7. Kunstwerke, die du wissen solltest: Frühstück auf Gras Edouard Manet Dieses Gemälde wurde 1863 gemalt und wurde unter dem Namen Le bain im Salon der Abgelehnten in Paris ausgestellt . Das Thema verursachte sofort einen großen Skandal, und obwohl Präzedenzfälle wie die Werke von Raphael und Tizian sein könnten erhielt er eine feindliche Rezeption. Der Protest war vor allem auf die Anwesenheit des Aktszurückzuführen Anwesenheit des Akts obwohl es nicht eine Neuheit in künstlerischen Werken, bei dieser Gelegenheit war nicht vorhanden die mythologischen oder literarischen Kontext, die es rechtfertigen konnte, aber in einem zeitgenössischen -Einstellung. Obwohl seine Kunst realistischer war als impressionistischer Stil Manets schafft große Räume aus den Gegenüberstellungen von Pinselstrichen , die unterschiedliche Lichtgrade vermitteln und die Linien, die die Konturen bestimmen, wurden aufgegeben aufgegeben worden Es. Und genau das ist die herausragende Technik der Impressionisten. Edgar Degas - The Dance Class Die Impressionisten waren die Maler des zeitgenössischen Lebens und entsprechen daher nicht den Standards der Akademie. In dieser Farbe kopiert Degás direkt die kompositorischen Muster japanischer Gravuren. Auf diese Weise erhält der Autor sehr ausdrucksstarke Verkürzung. Tanz im Le Moulin de la Galette. Pierre- Auguste Renoir 1876 malte Renoir dieses Werk 1876 und präsentierte es im darauffolgenden Jahr in der dritten impressionistischen Ausstellung. Die ersten beiden Skizzen des Gemäldes wurden von Renoir im Freien ausgeführt . Renoir versucht zu erreichen, ist eine sorgfältige Untersuchung der chromatischen und Lichteffekte, die sich in einer Menschenmenge und der umgebenden Landschaft widerspiegeln , gerade in dem Moment, in dem der Künstler sie ansieht. Blaue Seerosen - Claude Monet, 1916 Musing Museum von Orsay, Paris Monet hatte eine starke Vorliebe für die dynamische Verwendung von Pinselstrichen zusammen mit markanten Farben, die ihm erlaubt, auf die Leinwand eine echte und ehrliche übertragen Eindruck einer Realität sehr sorgfältig beobachtet. Die idealisierte und künstliche Sicht der Natur, die existierte, bevor sich der Impressionismus änderte, zugunsten einer viel engeren und direkteren Beziehung zur Realität. Was Monet und die anderen Impressionisten so sehr angezogen hat, war das Licht Die Herausforderung der Künstler bestand darin , den leuchtenden und atmosphärischen Zustand einer Landschaft auf der Leinwand darzustellen . vor allem, wenn man versuchte, vergängliche und wechselnde Momente zu reflektieren war Monet fasziniert von der Wandelbarkeit des Lichts in einer Outdoor-Szene in fernen Zeiten und liebte es, in einem Bild die Tausende von Farben zu reproduzieren Modulationen und die vielfachen Reflexionen, die im Laufe des Tages geschehen. Daher liebte er es, die Seerosen zu malen , weil sie sich ständig auf dem Wasser bewegten, ohne feste Form oder Farbe, Monet konnte immer das wechselnde Licht reflektieren. Sternennacht - Vicent Van Gogh, 1889. Moma, New York „Ich habe eine Landschaft mit Olivenbäumen gemalt und ich habe hier ein Studio von einer Sternennacht“ Dies sind die Worte von Van Gogh in einem Brief an seinen Bruder Theo verwendet kommentiert, dass die Sternennacht vorbei ist. Eines seiner berühmtesten Werke. Die Blautöne und die einzigen Lichtblitze kommen von den goldenen Sternen. Die verwendete Farbe ist dicht und dick Die Pinselstriche, die wie auf der Erde gezogene Furchen und Lichtwirbel am Himmel aussehen sind in emotionaler Spannung, Spannung, die derselbe Künstler während seines ganzen Lebens spürte. Frauen von Tahiti am Strand - Paul Gauguin, 1891, Musing von Orsay, Paris Wenn zunächst, verdankte sein Stil viel den Lehren der Impressionisten. Gauguin entwickelte bald eine neue Vision der Malerei und der Kunst im Allgemeinen, in der das Kopieren der Natur und das Respektieren von treuen Nachahmungen nicht mehr die Kriterien waren, die zu befolgen waren. Jedes dieser bedeutenden Gemälde der Kunstgeschichte, sowohl von impressionistischen als auch postimpressionistischen Künstlern, öffnete den Grundstein für alle Kunst, wie wir sie heute kennen. In der nächsten Lektion werden wir speziell deren Konzepte und Funktionen sehen und wie Sie sie in Ihren Kreationen verwenden können. 8. So verwendest du die Konzepte des Impressionismus in deiner Kunst/Design/Illustration: Es gibt einige wichtige Beobachtungen und Techniken, die Impressionisten charakterisieren und die wir für unsere zukünftigen Entwürfe berücksichtigen können. Impressionistische Technik und Ästhetik Sie verwendeten reine oder gesättigte Farben. Sie führten zu dem Gesetz des chromatischen Kontrastes alle Farbe ist relativ zu den Farben, die es umgeben. Sie verwendeten das Gesetz der Komplementärfarben, sie verwendeten die Verwendung von reinen Farben unter Kontrasten. Im Allgemeinen kalt und warm Die Schatten gingen von der Zusammensetzung von dunklen Farben zu komplementären Farben und Schaffung Illusion der Tiefe Das Hauptmerkmal ist die Verwendung von komplementären. Verwendung von gesättigten Farben für Lichter und Schatten. Wie diese Monet Cathedral Gestals Pinselstrich Sie verwendeten die Techniken dessen, was später Gestaltungstheorie sein würde. Sie verwendeten kleine Pinselstriche von reinen Farben Obwohl die Pinselstriche isoliert einer bestimmten Form oder der entsprechenden Farbe des Modells nicht vollständig gehorchten , kann sie global und ein definiertes Ganzes wahrgenommen werden. Sie haben seine Pinselstriche nicht versteckt. Form. Sie versteigerten die Form in den Hintergrund. Sie werden verdünnt und ungenau gemischt Sie verzichtet auf die besonderen Bedingungen der Beleuchtung Sie versuchten, die Änderung der Leuchtkraft zu erfassen, sofort dachte - Breit erfassen Licht und Instant. Objekte sind nicht definiert, aber der visuelle Druck wird gemalt. Die Post-Impressionisten. Sie verwendeten lebendige Farben, unre diskrete Pinselstriche. Sie fügten dem Gemälde Emotion und Ausdruck hinzu. Sie verwendeten Subjektivität, wenn sie Emotionen durch die Verwendung von Farbe übertragen . Wie benutzt man die Konzepte von Impressionisten oder Post Impressionismus? sich in Ihren nächsten Kreationen mit gesättigten Farben inspirieren, fügen Sie chromatischen Kontrast wählen Sie eine komplementäre Farbpalette und fügen Sie diese Farben auch zu den Schatten hinzu. Verwenden Sie gesättigte Farben auch für Lichter und Schatten. Wenn Sie ein neues Teil erstellen, überprüfen Sie die Gestaltgesetze und wählen Sie diejenige aus, die am besten für Ihr Projekt geeignet ist. Relayt die Shapes in den Hintergrund. Üben Sie Ihre Kreationen mit verschiedenen Lichtarten je nach Tageszeit und beobachten Sie die Unterschiede. Erstellen Sie durch Subjektivität und die Emotionen, die Sie eindringen. Und am wichtigsten, fügen Sie Ihre Identität hinzu. Die Künstler dieser Zeit haben uns verlassen und wir können ihre Techniken nutzen und sie erfassen und sie zu unseren Kreationen hinzufügen und so unseren Stil erweitern und neue Wege erleben unseren kreativen Prozess zu visualisieren und durchzuführen. 9. Schlussfolgerungen und Grundlegende Konzepte: Diese Avantgarden zeichnen sich durch eine Haltung Diese Haltung hatte einige Gemeinsamkeiten unter jedem der Künstler Zum Beispiel, Zu Beginn wurden die meisten Künstler abgelehnt Sie alle teilen diese Bedingung der Ablehnung vor die Akademie , die Orte waren, an denen Künstler gelehrt wurden was Kunst war und wie sie gemacht werden sollte. Aber wir wissen aus den Lektionen gesehen, dass sie begannen, diese Standards in Frage zu stellen , die verlangt und auferlegt wurden, um eine neue Art zu schaffen, Kunst hinzuzufügen, indem sie moderne Themen über alltägliche Themen, die nicht bewertet wurden, bevor sie erschienen zu schaffen. Sie haben den Eindruck des Augenblicks gemalt. von der Akademie auferlegten Regeln umgehen, lernten sie, die Welt mit ihren eigenen Augen zu betrachten. Sie malten kein Thema, sondern eine Tageszeit. Sie forderten die Welt heraus, in die Welt zu gehen und die Natur zu malen und schnell die wechselnden Bedingungen des Lichts zu erfassen. Das Auto nicht über Details war ein Besitz als Ganzes. Es ist wichtig zu bedenken, dass seine Pinselstriche kurz waren und nebeneinander stehen, um schnell die gesamte Komposition seiner Gemälde zu erfassen. Farb- und Wahrnehmungstheorie sind die Grundlage für Gemälde der Impressionisten Sie verwendeten die Regeln der Primär- und Komplementärfarben. Sie haben kein Schwarz verwendet, um Schatten hinzuzufügen stattdessen erstellt sie eine intensive Farbpalette. Ich freue mich sehr, diese Klasse mit Ihnen geteilt zu haben, ich hoffe, Sie haben es so sehr genossen wie ich und haben etwas Neues gelernt. Wenn ja, zögern Sie nicht, Ihr Klassenprojekt mit mir zu teilen. Laden Sie es in den Projektbereich , wenn Ihnen die Klasse gefallen hat Folgen Sie mir. Sie werden benachrichtigt, wenn meine neue Klasse draußen ist. Sie können mir auch auf Instagram folgen, um zu sehen, welche anderen Arten meiner Kunst ich liebe 3D-Designs zu kreieren. Wie die, die ich für mein Projekt dieser Art erstellt Wenn Sie lernen möchten, wie Sie beginnen, Kompositionen zu erstellen und wickeln Sie sich in eine erstaunliche Welt Ich schlage vor, Sie folgen diesen Klassen Ich hoffe, Sie haben etwas Neues gelernt und Genießen Sie die Klasse. Wir sehen uns das nächste Mal.