Kreative Illustration: Eine Einführung in die Fantasy-Kunst

1. Einführung: Hey, mein Name ist Ira Marcks. Ich bin ein Karikaturist aus Upstate New York. meinen Illustrationen und Comics geht es um die Erkundung anderer Welten. Ich mag es, Bilder zu erstellen, die dich neugierig machen, was du wirklich ansiehst. Viele meiner Arbeiten sind wirklich inspiriert von den seltsamen Charakteren in seltsamen Welten der Fantasy-Kunst. Ich liebe die Farben und Texturen, die dieser Stil des Geschichtenerzählens wirklich in einem bildenden Künstler hervorbringt. Heute werde ich Sie Schritt für Schritt durch den kreativen Prozess hinter einer meiner Fantasie-Stil-Illustrationen führen. Diese Klasse soll meinen kompletten Prozess betrachten beginnend mit meinen frühen Inspirationen in der Fantasy-Buchkunst, dann betrachten wir meinen Skizzierprozess und die Art und Weise, wie ich Konzepte für eine Illustration entwickle. Als nächstes schauen wir uns meine bevorzugten digitalen Tools an und runden das mit einigen Tipps ab, wie ich aussagekräftige Farbpaletten und Texturen und stimmungsvolle Vibes in meiner endgültigen Kunst erstelle . Ich hoffe, dass Sie lernen, mit Ihrer Lieblings-Zeichen-App zu arbeiten, um eine schnelle kleine Skizze in eine vollfarbige Illustration zu verwandeln , die aussieht, als ob es aus einem verlorenen und vergessenen Fantasy-Buch fiel. Lassen Sie uns die reale Welt für eine Weile ausschalten und beginnen, einige andere Welten zu erkunden. Fantasy-Illustration. 2. Kursübersicht: Willkommen in der Klasse, danke fürs Kommen. Bevor wir anfangen, werde ich Ihnen einen kurzen Überblick darüber geben, was Sie von diesem Kurs erwarten können. Wenn du neu in meinem Skillshare Kanal bist, findest du vielleicht meinen Unterrichtsstil ein wenig einzigartig. Jetzt komme ich mit einem dreistufigen Prozess an. Zunächst möchte ich einige Kontexte für das, was das Projekt ist und die Themen, die es umgeben, vorstellen . Danach gehen wir in das Konzept der Kunst ein, was auch die Komposition und die darin eingebaute Erzählung bedeutet. Dann erstellen wir die endgültige Illustration. Wir springen nicht einfach direkt zur Zeichnung. In den ersten Kapiteln anderer Welten werde ich Ihnen meine persönliche Beziehung und Inspiration vorstellen, um Fantasy-Kunst zu kreieren. Da ich Fantasy-Kunst für eine erzählerische Kunstform halte, werden wir ein von Geschichten inspiriertes Thema verwenden, um unser Klassenprojekt zu leiten. Halten Sie Ihre Augen und Ohren offen für den Satz „Moment der Entdeckung“. Danach werden wir direkt ins Erstellen von Skizzen in Adobe Fresco springen. Sie können mich mit Adobe Fresco oder einer anderen Zeichen-App oder mit einem Bleistift und Papier verbinden oder einer anderen Zeichen-App . Ist in Ordnung. Was auch immer Sie verwenden möchten, Sie werden immer noch in der Lage sein, mit meinem kreativen Prozess zu folgen. Ich bin sehr beeinflusst von den Prinzipien der Grafikkunst, und ich werde Ihnen zeigen, wie ich sie in einer Komposition verwende , um mit der Wahrnehmung der Zuschauer zu spielen und sie mit der einfachen Erzählung zu beschäftigen. mich ist Skizzieren die Reise, die wir unternehmen, um eine Bedeutung für unser endgültiges Bild zu finden, und es ist mein Lieblingsteil des gesamten kreativen Prozesses wirklich. Der letzte Abschnitt der Klasse konzentriert sich darauf, unsere konzeptionellen Skizzen mit den digitalen Werkzeugen oder traditionellen Werkzeugen, die wir zur Verfügung haben, in ein endgültiges Bild zu verwandeln. Wenn du zum ersten Mal in Fresco arbeitest, ist das total cool. Ohne vorherige Erfahrung, werden Sie die grundlegenden Werkzeuge zum Skizzieren, Freihandarbeiten, Färben und Erstellen von Effekten in dieser wirklich coolen App lernen . Ich hoffe, diese Klasse inspiriert Sie dazu, eine eigene Illustration zu erstellen. Wir wickeln das Ganze zusammen, indem wir unsere Kunst fertigstellen, exportieren und auf der Skillshare Studentenprojektseite veröffentlichen. Das ist diese Klasse auf den Punkt gebracht, lasst uns anfangen. 3. Der Blick auf Fantasy-Kunst: Fantasy-Kunst zu machen, ist alles über Ebene mit Wahrnehmung. So denke ich wenigstens daran. Wenn ich eine Illustration mache, ist mein Ziel, etwas zu erschaffen, das ins Auge fällt, aber nicht sofort sein wahres Selbst offenbart. Ich möchte, dass meine Kunst eine lustige sofortige Attraktivität hat, aber auch die Möglichkeit gibt, ein wenig tiefer zu schauen und die Geschichte hinter dem Bild zu entdecken. Unsere Ziele als Künstler kommen aus frühem Einfluss in Beziehung zu verschiedenen Formen. Meine Arbeit ist stark inspiriert von narrativen Kunst, Bildern aus Büchern und Geschichten. Ich mag Geschichten über Charaktere, deren Blick auf die Welt herausgefordert wird , wenn sie sich in surrealen Situationen befinden. Für mich gibt es zwei verschiedene Etappen, um interessante narrative Illustration zu entwickeln. Erstens, da ist das Konzept. Die Art und Weise, wie ein Künstler visuelle Prinzipien verwendet, um eine Komposition zu erstellen. Die Art und Weise, wie grundlegende künstlerische Elemente wie Form, Linie, Form, Farbe zusammenkommen, um ein einheitliches Ganzes zu schaffen. Die Entscheidungen, die ich treffe, beeinflussen, wie die endgültige Kunst auf emotionaler und konzeptueller Ebene wahrgenommen wird . Auf der Grundlage des Konzepts baue ich das endgültige Kunstwerk. In der letzten Kunst beginne ich mit einer Skizze. Ich baue die Komposition aus, verfeinere Details von Charakter und Einstellung in meinem Kopf und auf Papier. Oben auf der Skizze kommt mein Streben nach Stil, die Art und Weise, wie ich Tinte, Farbe, Linie und Textur verwende , um ein endgültiges Bild zu erstellen. Ich denke, die Aufgabe eines Illustrators ist es, dem Publikum eine Idee auf eine lustige und ansprechende Weise vorzustellen. Um dies zu tun, muss der Illustrator die Phantasie seines Publikums einbinden. Fantasy-Kunst, einer meiner größten Einflüsse, nutzt das Unbekannte, um unsere Aufmerksamkeit zu erregen. Sobald wir dort sind, verbindet es sich mit uns auf emotionaler Ebene. Ich denke, diese Kombination aus Emotionalität und surrealer Bildsprache macht Fantasy-Kunst so cool. Meine ersten Erfahrungen mit dieser Form der visuellen Erzählung stammen aus Buchumschlägen, interessanten Taschenbüchern, die ich in den hinteren Ecken der Bibliotheken gefunden habe, oder im $ Bin in der gebrauchten Buchhandlung. Dinge, die von Master-Illustratoren erstellt wurden, die diskontiert werden, sind Lowbrow, einfach weil sie an eine kommerzielle Massenmarkt-Industrie gebunden sind, aber es gibt so viel von Buchkunst zu lernen, dass Sie nicht unbedingt bekommen von einem traditionellen kunsthistorischen Kurs oder einem Museumsbesuch. Was macht diese Covers funktionieren und warum finde ich sie inspirierend? Nun, vor allem, jeder von ihnen dient einem bestimmten Zweck, und das ist, um die Phantasie zu wecken. Ich denke, das ist eine edle Verfolgung. Diese Buchumschläge bringen uns die Frage, was ist dieser Ort, an dem wir uns ansehen? Wer sind diese Charaktere? Welche Gefahren warten auf sie? Wie werden sie es lebend aus dieser Situation schaffen? Jede dieser Kompositionen wurde sorgfältig von einem Illustrator geplant , um Hinweise zu Charakteren, Kulissen, Umwelt, kulturellen Aspekten dieser imaginären Welt, Hoffnungen und Träume und Ängste zu geben, die die Themen dieser Geschichte ausmachen. Indem wir interessante Fragen hervorrufen, führt uns die Illustration in die Geschichte, bevor wir überhaupt das Cover des Buches öffneten. Alle Zeichnungen, die ich hier teile, sind inspiriert von erzählerischen Momenten, von denen viele sich universell fühlen, aus Geschichtenarchetypen und Tropen gezogen. Sobald Sie sich wie ein Illustrator denken, werden Sie in der Lage sein, jede Art von Story-Moment zu übersetzen. dieser Klasse willen Umdieser Klasse willenwerden wir uns auf einen bestimmten Story-Moment konzentrieren , der sehr häufig für Fantasy-Welt-Building und Erzählung ist. Ich nenne diese Teile einer Geschichte : „Der Moment der Entdeckung“. 4. Momente der Entdeckung (Teil 1): Was ist ein Moment der Entdeckung? Auf den ersten Blick ist es eine Illustration, die einen Charakter zeigt , der etwas trifft, eine Person, einen Ort oder eine Sache, die sie aus ihrer vertrauten Realität herausnimmt und sie in eine fantastische Situation versetzt. Nun, um ein wenig tiefer zu schauen, ist ein Moment der Entdeckung eine einmalige Begegnung, die einen Charakter auf eine Reise führt , die grundlegend verändern wird, wie die Welt sie sieht und wie sie sich selbst sehen. Ein Moment der Entdeckung ist etwas für Besseres oder Schlimmeres, von dem man nicht zurückkehren konnte. Zum Beispiel in der King Arthur Legende ist es, wenn der junge Knappe Arthur das legendäre Schwert aus dem Stein zieht und seinen Platz als rechtmäßiger König von Großbritannien einnimmt. Arthur hat entdeckt, dass er nicht der Verlierer ist, den er immer für sich hielt. Er ist etwas Besonderes, und jetzt, wo es jeder weiß, gibt es kein Zurück mehr. Im Zauberer von Oz ist der Moment der Entdeckung, wenn Dorothys Haus auf der bösen Hexe des Ostens landet. Plötzlich ist Dorothy nicht nur ein Kind aus dem Mittleren Westen Amerikas, sie ist ein Held. Von hier aus muss ein Charakter nun ihre Rolle in der Geschichte übernehmen, in die sie eingetreten sind. Ein Moment der Entdeckung ist spannend, denn es ist der Beginn eines Abenteuers. Betrachten wir ein wenig tiefer, wie Illustratoren im Laufe der Geschichte, Entdeckungsmomente geschaffen haben und wie ihr historischer Punkt ihre Symbolik und künstlerische Botschaft beeinflusst. Wir betrachten die Art und Weise, wie jede Komposition unsere Wahrnehmung des endgültigen Bildes lenkt. Nun hatte die Renaissance einen solchen Einfluss auf das westliche Geschichtenerzählen. Es ist sehr einfach, Illustrationen und Bilder oder Wandteppiche in diesem Fall zu finden, die uns ikonische Entdeckungsmomente geben , die wir immer wieder in Erzählungen bis heute sehen . Das Unicorn is Found ist ein wunderschöner Wandteppich eines unbekannten Künstlers oder einer Künstlergruppe, und es war der erste in einer Reihe erzählerischer Wandteppiche aus den Niederlanden, die bis zum Ende des 15. Jahrhunderts zurückreichen. In The Unicorn is Found sehen wir eine Gruppe von Adligen, die entlang der Waldgrenzen der französischen Landschaftjagen die entlang der Waldgrenzen der französischen Landschaft wenn sie plötzlich ein legendäres Einhorn entdecken. Lassen Sie uns die Symbolik in diesem Stück finden. Jetzt wurde das Bild von Künstlern geschaffen, die vor dem Zeitalter der Erkundung und wissenschaftlichen Entdeckungen lebten . Für sie war ein großer Teil der Welt außerhalb ihrer Burgmauern ein totales und völliges Geheimnis. Für viele Europäer aus dem 15. Jahrhundert war das Einhorn ein Symbol der ungezähmten Wildnis. Es war etwas Unberührtes von der Menschheit. Ein reines und anmutiges Wesen mit der Kraft, Giftwasser zu reinigen und die Kranken zu heilen. Sauberes Wasser war ein riesiges Problem im 15. Jahrhundert. Dieser Wandteppich fragt, was es bedeutet, ein Symbol der Hoffnung zu entdecken , die im Wald direkt außerhalb des Königreichs wandert. Schauen wir uns die Komposition an. Um die kompositorischen Entscheidungen in diesem Wandteppich zu verstehen, kann es hilfreich sein, die Szene auseinander zu brechen. Lassen Sie uns im Hintergrund an der Horizontlinie beginnen, wir können sehen, dass es sehr hoch auf der Seite ist, was uns das Gefühl gibt, dass wir nach unten auf diese Szene schauen. Der Hintergrund auf der linken Seite, wir haben das Schloss, ein Hinweis darauf, woher diese Charaktere kamen. Das Schloss stellt ihre vertraute Realität dar, und hier im Vordergrund am unteren Rand des Bildes haben wir ihre Entdeckung, die in diesem Fall das Einhorn ist, das das Wasser des Brunnens in der Mitte verzaubert des Wandteppichs. Man könnte sagen, dass diese Szene ein sehr inszeniertes Gefühl hat. Es ist sehr theatralisch mit den Charakteren, die alle in einer Linie stehen, die uns gegenüber, dem Publikum. Es ist nicht sehr dynamisch und obwohl es deutlich liest, ist es sehr steif. Es ist fast so, als würden wir uns ein paar Kinder in ihrem ersten Stück ansehen. Aber hey, das war das 15. Jahrhundert und Illustratoren und Bildmacher hatten noch viel zu lernen, wie man ein Publikum mit ihrem visuellen Geschichtenerzählen anspricht. Dies ist eine Illustration aus den Seiten des Romans Jules Verne, Reise zum Zentrum der Erde. Dieser Moment der Entdeckung sagt uns, dass es mehr in dieser Welt gibt als das, was wir sehen können. Jetzt haben wir dieses Bild bis Mitte des 19. Jahrhunderts vorangegangen, und wir stellen fest, dass die Wissenschaft sprunghaft gewachsen ist und wissenschaftliche Entdeckungsfelder wie Geologie und Botanik die Phantasie der Menschen erobert haben. Wir graben unter diesen Königreichmauern und reisen unter der Oberfläche, um die Ursprünge unserer Welt zu erfahren. Jules Verne war eindeutig ein Fan der Wissenschaft und in diesem Klassiker der Science-Fiction von 1864 folgt er Professor Lidenbrock und seinen Gefährten, als sie in den isländischen Krater eintreten, in der Hoffnung, einen Weg zum Zentrum der Erde zu entdecken. Wir sehen Charaktere, wie sie eine große unterirdische Höhle betreten und einen Wald von riesigen Pilzen entdecken. Dieser Moment der Entdeckung spricht durch seine Symbolik mit der Kultur der Zeit. Es zeigt, wie die Geschichtenerzähler dieser Epoche Werke der Geologie, Botanik und Wissenschaft nutzten, um die Phantasie ihres Publikums zu wecken, das sich bereits über dieselben Themen und Ideen wundern würde . Kulturelle Relevanz kann es so viel einfacher machen, mit Ihrem Publikum zu interagieren und sie auf ein fantastisches Abenteuer mitzunehmen. De Neuville war damals ein sehr bekannter Illustrator, und seine kompositorischen Techniken beeinflussen immer noch moderne Illustratoren. Sie waren viel dynamischer als das, was wir in den 1500er und Jahrhunderten zuvor gesehen haben. Sie sind kinematischer, in gewisser Weise ist die Horizontlinie viel niedriger in dieser Szene, was es der Illustration ermöglicht, die Skala der Pilze auszudrücken. Diese Welt fühlt sich massiv an und um einen Sinn für Kontext zu schaffen, sind wir hinter den Charakteren platziert. Wir sehen ihre winzigen Silhouetten hier in der Mitte des Bildes. Viele Entdeckungsmomente nutzen ein Gefühl von Ehrfurcht und Größe Weite und Kontrast der Größe, um uns in eine fremde Welt einzuführen. Im nächsten Kapitel werden wir uns zwei weitere Beispiele ansehen. 5. Momente der Entdeckung (Teil 2): Dies ist das Cover einer aktuellen Ausgabe des Kinderbuches „The Secret Garden“, illustriert von Inga Moore im Jahr 2008. Aber die Geschichte selbst ist viel älter. „ The Secret Garden“ wird während des letzten Cholera-Ausbruchs in den Vereinigten Staaten im Jahr 1910. Die Geschichte folgt einem Waisenkind namens Mary, ihre Familie an die allzu echte Pandemie verloren hat, und Abstieg, um mit ihrem wohlhabenden Onkel im Misselthwaite Manor zu leben. Im Gefolge ihrer unruhigen Vergangenheit, wo jeder weiß, dass Mary gestorben ist. Mary wird unhöflich und sauer in ihrer neuen Umgebung. Aber eine Reihe von magischen Ereignissen führt sie dazu, einen geheimen Garten zu entdecken. Es ist hier, dass Mary einen neuen Zweck findet, als sie beginnt, die Pflanzen im Inneren zu heilen, und dann sich selbst und dann ihre Freunde. Der geheime Garten ist keine Geschichte, die in einem Reich der Fantasie oder Science-Fiction klar gesagt wird, wie die anderen beiden Werke, die wir uns angesehen haben. Aber die Symbolik verborgener Welten und magische Heilkräfte in der Natur präsentieren sich hier auf die gleiche Weise, so dass diese Geschichte nicht zu sehr anders ist als die, die wir uns angesehen haben. Es ist eine Fantasy-Geschichte in der Art und Weise, dass es ein bisschen Eskapismus an einem dunklen Punkt in der amerikanischen Geschichte bietet . Sehen wir uns nun die Komposition des Künstlers an. Ich habe diese Version des Bucheinschlags ausgewählt, weil der Künstler Moore wirklich das Gefühl eingefangen hat, das Sie bekommen, wenn Sie diese Geschichte trotzdem für mich lesen. Es gibt eine Freude, die davon kommt, sich vorzustellen , umgeben von grünen Wänden, die durch dieses Labyrinth laufen, den Schatten und das Geräusch der Blätter über Kopf, und helle bunte Blumenbeete, die auf Sie schauen. Perspektive ist sehr nützlich beim Erstellen von Fantasy-Kunst, weil sie Ihnen ein Gefühl von Tiefe gibt, und ermöglicht es Ihnen, mehr visuelle Elemente in die Szene und eine höhere Detailgenauigkeit hinzuzufügen . Die Art und Weise, wie der Illustrator diese Szene komponiert, lässt uns zusammen mit Maria den Garten entdecken. Ein Gefühl von Tiefe und versteckte Details und kontrastierende Farbpaletten wie das Grün und das Rot, das wir hier sehen, sind alle Tricks, die der Illustrator verwendet, um eine Fantasy-Welt zu bauen. Die Sache, die sie fantastisch macht, ist das, was sie für die Geschichte darstellen. Zum Beispiel ist der lebendige rote Vogel hier nicht nur ein Aspekt der Natur, sondern der Charakter, der Maria zu ihrem Entdeckungsmoment führt. Es führt sie in den Garten ein. Diese Führungsfiguren, wie dieser Vogel oder wie Gandalf in „Herr der Ringe“, sind Story-Tropes, die wir in der Fantasy-Kunst sehen. Der „Geheime Garten“ mag in einer realen Welt gesetzt werden, aber es ist ein Gefühl des Staunens ist definitiv im Reich der Fantastischen. Dies ist eine Illustration aus dem Buch Shaun Tans, „The Arrival“ aus dem Jahr 2006. Es ist eine Geschichte über einen Einwanderer, der ein besseres Leben für seine Frau und sein Kind in einem unbekannten Land sucht . Wir sehen ein Schiff, das in einem Hafen ankommt. Das sieht aus wie Metropolis aus einer parallelen Dimension. Von nur diesem einen Bild. Es ist nicht schwer zu verstehen, dass Shaun Tan Geschichte eine Allegorie für die Erfahrung von Einwanderern ist. Er nutzt Symbolik auf eine wirklich einzigartige Art und Weise, indem er die vertrauten mit Fantasy-Welt Bauelemente ersetzt , die eine sehr primitive Geometrie haben. Wir können verstehen, wie es sein muss, um zum ersten Mal irgendwo anzukommen. Von eigenartig geformten Tieren fasziniert zu sein, zwischen seltsamen Gebäuden und Architektur zu wandern und von den Formen einer fremden Sprache verwirrt zu sein. Dies ist wirklich eine Geschichte über kulturelle Wahrnehmung. Um mit einem Publikum zu kommunizieren, ohne Worte zu verwenden, muss ein Illustrator clevere Wege finden, visuelle Elemente und Prinzipien zu mischen und aufeinander abzustimmen. In dieser Abbildung hilft uns Shaun Tan zu entdecken, dass man etwas Neues zu sein bedeutet, dass man nichts von den Dingen, die man über die Welt kennt, als selbstverständlich nehmen kann. In einer Shaun Tan Komposition gibt es viel zu denken. Er lässt sich eindeutig von klassischen Fantasy-Abenteuer-Illustratoren inspirieren. Er nutzt ein Gespür für Geschick und dramatische Sichtweisen. Aber Shaun Tan bringt auch einen sehr ursprünglichen grafischen Sinn in seine Kompositionen. Er umgibt seine menschlichen Charaktere mit unkonventionellen Geometrien, die von den abstrakten und surrealistischen Künstlern des 20. Jahrhunderts inspiriert sind. Dieser Moment der Entdeckung ist so fesselnd, weil er der Beginn einer Reise ist und was es bedeutet, irgendwo einen Ort zu finden, an dem man einfach nicht passt. In jedem dieser vier Beispiele sehen wir Charaktere, deren Überzeugungen von magischen Ereignissen herausgefordert werden. Die Geschichte, die passieren wird, wird zeigen, wie sie sich verändern und wachsen. Der Moment der Entdeckung ist der erste Blick in diese fortlaufende Geschichte. Jetzt möchte ich, dass Sie eine Liste Ihrer Lieblingsmomente der Entdeckung aus den unvergesslichen Geschichten in Ihrem Leben machen. Sobald Sie Ihre Liste haben, denken Sie über die Bilder aus dem Buch oder dem Film oder die Videospiel-Cutscene nach, die diesen Moment der Entdeckung darstellt. Hinter diesem Bild steht ein Künstler oder eine Gruppe von Künstlern, die mit der Visualisierung dieser Szene beauftragt wurden. Jedes dieser Bilder verwendet kompositorische Elemente und Prinzipien, um die Wahrnehmung des Publikums zu beeinflussen und eine Idee zu vermitteln. Es gibt nur wenige visuelle Prinzipien , die uns helfen können, diesen Effekt in unserer eigenen Arbeit zu erreichen. Holen wir uns unsere Zeichenwerkzeuge heraus und erkunden Sie die unerforschten. 6. Skizzieren in Adobe Fresco: Dieses Kapitel enthält eine kurze Einführung in die Werkzeuge, die Sie in Adobe Fresco benötigen, um gemeinsam mit mir zu skizzieren. Wenn Sie ein anderes Zeichenprogramm verwenden, wie Photoshop oder Procreate, bleiben Sie trotzdem herum, die meisten dieser Tipps können auf alle drei angewendet werden. Zunächst klicke ich auf die Home-Schaltfläche in der oberen linken Ecke und richte ein neues Dokument ein. Ich werde auf die ursprüngliche Zeichenfläche klicken, die 3600 Pixel mal 3600 Pixel ist. Wenn ich eine Skizze nur zum Spaß oder für eine Klasse mache, arbeite ich oft in einem quadratischen Format. Der einzige Grund dafür ist, dass es einfach ist, in sozialen Medien zu teilen, und manchmal beeinflusst eine Landschaft oder ein Porträt meine Komposition wirklichauf und manchmal beeinflusst eine Landschaft oder ein Porträt meine Komposition wirklich eine Art und Weise, die ich nicht wirklich mag. Ich werde es quadratisch halten. Dreißig sechshundert mal 3600 Pixel ist eine gute Auflösung, wenn Sie eines Tages planen, dieses Bild zu drucken, das heißt, Sie könnten es drucken, und es wird schön und scharf aussehen mit bis zu 11 x 11 Zoll. Kleiner als das, können Sie immer noch einen anständigen Druck daraus bekommen. Aber wenn Sie es zu stark verkleinern, wird Ihr Bild pixelig und dann bleibt es für den Rest seines Lebens einfach in digitaler Form stecken, was traurig sein kann. So funktioniert 3600 von 3600 gut für mich. Ich bin jetzt in Fresco. Ich habe diese schöne Option hier, um meine Ansicht anzupassen. Ich werde verkleinern, nur damit wir die ganze Seite sehen können. Ich werde nur ein paar grundlegende Werkzeuge überprüfen, die ich skizzieren muss. Auf der rechten Seite haben wir das Menü „Ebenen“. Die weiße Ebene ist der Hintergrund, und ich werde auf der Schachbrettschicht zeichnen. Schachbrett stellt eine Transparenz dar. Ich zeichne nie direkt auf den Hintergrund, weil dann meine Linie arbeiten und skizzieren und alles auf dem Hintergrundpapier fixiert ist, was bedeutet, dass ich es nicht auf der Seite bewegen kann. Oft, wenn ich skizziere, nehme ich gerne die Elemente, die ich gezeichnet habe, und verschiebe sie herum, lege kleine Notizen in die Ecke, und wenn ich auf dem Hintergrund zeichne, kann ich das nicht tun. Ich arbeite immer an einer transparenten Ebene. Auf der linken Seite werde ich auf die Pixelpinsel klicken, und Sie haben hier alle Arten von Optionen, für jetzt müssen wir nur das Skizzieren wissen. Wir haben Bleistift und Stift. Ich werde einen Bleistift benutzen. Daneben sehen Sie diesen kleinen Stern, Ihnen erlaubt, das aktuelle Werkzeug in Ihrem Lieblingsbereich zu setzen. Jetzt, wenn ich zu Pixelpinseln gehe, ist es genau da und ich kann das Werkzeug einfacher auswählen. Jetzt gehen wir hier runter zu Einstellungen. Das ist diese kleine graue Schachtel. Lassen Sie uns zuerst über die Größe des Pinsels sprechen. Du wirst bemerken, dass ich es auf 40 gesetzt habe, was mir eine Linie gibt, die so aussieht. Das ist die Seite, und das ist der Punkt. Siehst du. Das ist eine Einstellung für einen Pinsel, der viel größer ist als der Standardwert. Vielleicht ist der Standard eher wie eine 10. In der Tat ist es viel größer, als Sie mit dem Bleistift erreichen , es sei denn, Sie hatten einen wirklich langweiligen Bleistift, mit dem Sie gearbeitet haben. Wenn ich skizziere, habe ich gerne die Möglichkeit, Formen wirklich schnell auszufüllen und ein Gefühl für die Beziehung von positivem und negativem Raum zu bekommen. Das ist etwas, das Sie nicht wirklich tun können, wenn Sie Ihre freie Hand zeichnen. Nutzen Sie es also, wenn Sie digital arbeiten. Wenn ich einen kleinen dünnen Bleistift habe, sagen wir, das ist meine Seite und ich möchte mit einer großen Dreiecksform experimentieren. Vielleicht steht es für einen alten Alientempel. Ich kann den Umriss bekommen, aber ich kann ihn nicht einfach und schnell ausfüllen, ohne wie eine große massive Textur zu kreieren, die sowieso super ablenkend ist. Also gib es eine Chance. Stellen Sie Ihren Bleistift auf etwa 40, und sehen Sie, ob Sie so viel Abwechslung in Ihrer Linie haben möchten. Wenn Sie nicht sicher sind, mit einem Bleistift, senkt wahrscheinlich besser für Sie. Aber ich kann viele verschiedene Effekte bekommen, indem ich nur meine Hand auf wenig Weise verschiebe. Darunter haben wir gerade die Einstellung für Flow. Wenn Ihr Fluss wirklich niedrig ist, wird Ihr Bleistift leicht sein. Das ist in Ordnung. Wir skizzieren einen leichten Bleistift, der gut sein kann. Aber lassen Sie uns hier eine andere Schicht machen. Wenn Sie Ihren Fluss ganz nach oben setzen, haben Sie das Potenzial, nach unten zu drücken und eine wirklich harte Linie zu bekommen. Sagen wir mal, Sie zeichnen wie ein kleines Alien-Gesicht und Sie arbeiten hier die Details. Sie setzen sich auf einige Elemente , die Sie wirklich mögen, und Sie wollen sie einfach ein wenig mehr definieren. Wenn Sie Ihren Flow ganz eingestellt haben, können Sie jetzt härter drücken und einige dieser Linien auftauchen lassen und ein Gefühl davon bekommen, wie es in der letzten Tintenstufeaussehen könnte in der letzten Tintenstufe ohne auf ein anderes Werkzeug zu wechseln. Wenn Sie Ihren Flow niedriger eingestellt haben, können Sie diese harten dunklen Linien nicht ganz bekommen. Also wieder, der Fluss gibt Ihnen nur mehr Abwechslung mit dem aktuellen Werkzeug, mit dem Sie arbeiten. Ich gehe zurück, um es hoch zu stellen. Darunter haben Sie Glättung. Jetzt schauen wir uns einfach die Extreme an. Wenn Sie diese den ganzen Weg weg glätten, haben Sie ein sehr natürliches Glück in der Linie, die Ihre tatsächliche Geste widerspiegelt. Das ist wahrscheinlich etwas klumpig auf dem Weg. Aber wenn Sie Ihr Glättungsset ganz oben haben, übernimmt der Computer die Kontrolle und macht Ihre Linie nur ein wenig eleganter. Das Problem damit ist jedoch, dass die Linie beginnt zu ziehen. Sie werden feststellen, was ich persönlich sehr ablenkend finde , wenn ich nur skizziere und versuche, Ideen zu erarbeiten. Ich möchte nicht versuchen, einen Gedanken zu erarbeiten und meine Linie ziehen zu lassen und warten zu müssen, bis sie aufholt. Es ist nur ein Bruchteil einer Sekunde, aber diese Zeit summiert sich wirklich. Wenn du versuchst, ein Konzept auszuarbeiten wie lange es gedauert hat, nur so etwas wie Sterne am Himmel zu skizzieren. Wenn du glättest, kann ich diese Art von Sache viel schneller machen. Je schneller Sie eine Idee aus dem Kopf und auf Papier bekommen, desto besser in diesem Stadium. Wenn Sie ein wenig Computersteuerung wünschen, stellen Sie vielleicht die Glättung auf 30 Prozent ein, damit Sie sauberere, längere Zeilen erhalten können , wenn Sie so arbeiten möchten, aber ich würde nicht empfehlen, es zu weit einzurichten. Es wird Ihren Prozess verlangsamen. Als nächstes haben wir Pinseleinstellungen. Ich werde nichts von dem Zeug ändern. Die einzigen Einstellungen, die ich wirklich geändert habe, sind meine Größe, mein Fluss und meine Glättung. Das einzige andere Werkzeug, das ich in dieser Phase des Skizzierens verwenden könnte, ist mein Transformationswerkzeug. Also nochmals, Zeichnen auf einer leeren Ebene, wenn ich mein Transformationswerkzeug, ein gemeinsames Werkzeug in jedem Zeichenprogramm, greife . Jetzt kann ich diese Elemente unabhängig voneinander verschieben und nach Bedarf drehen und drehen. Ich liebe es, Ebenen zu nutzen, auch wenn ich skizziere und einfach kleine Gedanken in eine Ecke werfen und einfach eine neue Ebene erstellen und Formen und Formen erstellen. Dann schmeiße ich sie einfach herum und sehe, wie sie mit anderen Elementen arbeiten. Selten verschmelze ich Ebenen oder lösche sie sogar. Ich behalte alles für den Fall, dass ich es brauche. Nutzen Sie also Ihre Ebenen, verwenden Sie Ihr Transformationswerkzeug und erhalten Sie Ihren Bleistift, wo Sie ihn mögen. Jetzt beginnen wir mit dem Skizzieren für unser endgültiges Projekt. 7. Skizzieren: Wahrnehmung erkunden: Lassen Sie uns einen kurzen Überblick über unsere Definition eines Augenblicks der Entdeckung machen. Es gibt, was wir dem Publikum zeigen, ein Charakter, der auf eine Person, Ort oder eine Sache trifft, die sie von einer vertrauten Realität in eine Runde der Fantasie führt. Aber dann gibt es auch, was wir über die Geschichte wissen. Eine Figur auf einer einmaligen Reise, die eine Begegnung macht, die verändern wird, wie die Welt sie sieht und wie sie sich selbst sehen. Wenn Sie mit einem starken Konzept führen können, muss Ihr endgültiges Bild nicht so viel schweres Heben machen. Die Nachricht wird verbunden, auch wenn Sie nicht viele ausgefallene Fähigkeiten als Illustrator haben. Aber um die Phantasie zu wecken und Fragen mit Ihrem Moment der Entdeckung zu wecken, müssen Sie eine wichtige Sache über die menschliche Wahrnehmung verstehen und das ist, dass wir immer auf der Suche nach Bedeutung in einer Zeichnung sind. Wir nehmen die Formen und Formen und Farben und Texturen innerhalb eines definierten Raums an und kommen zu einem einheitlichen Ganzen in unserem Kopf. Das ist der Grund, warum wir Gesichter in zufälligen Punkten und Strichen sehen. Wir bevorzugen Antworten in unseren Bildern. Wir können nicht umhin, das einheitliche Ganze selbst in der einfachsten Komposition zu sehen. Das ist der Buchstabe A. Niemand schaut sich das an und sieht drei Dreiecke und ein Trapez. Nun ist diese Theorie über die Art und Weise, wie wir ein einheitliches Ganzes in einer Zeichnung wahrnehmen , als das Gestaltprinzip bekannt. Nun, in der Tat sind es sechs verschiedene Prinzipien. Es gibt Fortsetzung, Schließung, Ähnlichkeit, Nähe, Symmetrie und Figurengrundbeziehung. All diese Prinzipien sprechen für unser Streben nach Bedeutung in den Bildern, die wir sehen. Wir sind bereit, einer gekrümmten Linie um eine Seite zu folgen, weil wir ihren Weg und ihre Auflösung verstehen wollen, wo sie war und wo sie gelandet ist. Wir suchen nach Mustern in einer Zeichnung und füllen Lücken und Informationen mit unserer Phantasie, wenn sich ein Bild unvollständig anfühlt. In der Tat ist es irgendwie verrückt, dass unsere Phantasie bereit ist, all diese Arbeit zu erledigen. Deshalb ist der Druck wirklich der Illustrator, wenn Sie wissen wie man diese Prinzipien ausnutzt, und in der Tat, ich denke wirklich, dass die Gestaltprinzipien ein großartiges Werkzeug für Fantasy-Geschichtenerzählen sind. Lasst uns jeden von ihnen durchgehen. Lernen Sie ein wenig darüber, wie sie funktionieren, und skizzieren Sie einige Entdeckungsmomente auf dem Weg. Hoffentlichhaben wir am Ende dieser Übung alle eine Reihe von haben wir am Ende dieser Übung alle eine Reihe von Moment-of-Discovery-Konzept-Skizzen und eine, die gut genug ist, um in eine endgültige Illustration zu verwandeln. 8. Skizzieren: Konzepte entwickeln (Teil 1): Das erste Prinzip, mit dem ich spielen möchte, ist Ähnlichkeit. Es ist leicht zu verstehen. Ähnlichkeit ist die Art und Weise, wie wir Elemente als Teil einer Gruppe wahrnehmen. Zum Beispiel fühlen sich eine Reihe von Dreiecken Menschen durch ihre Form vereint. Sie könnten buchstäblich eine Familie sein. Sie können Ähnlichkeit mit Form implizieren. Sie können es mit Größe tun, also gibt es ein paar Kinder und hier sind zwei Eltern. Dann können Sie es natürlich mit Farbe tun. Bruder und Schwester, Partner. Diese beiden sind verliebt. Sie können Gemeinsamkeiten innerhalb einer Gruppe aller Arten von Komplexitätsstufen erstellen. Machen wir das noch einen Schritt weiter und sagen: Nun, was passiert, wenn wir eine Anomalie in der Gruppe platzieren. Dreieck, Dreieck. In der Tat haben wir eine ganze Kolonie von Dreiecken und plötzlich kommt ein Kreis an. Jetzt hast du eine Geschichte. Viele Fantasy-Künstler verwurzelt in Ideen wie ein legendäres Artefakt, ein einzigartiges Wesen, ein mythisches Wesen, ein einzigartiges Ereignis, das das Muster des normalen Lebens unterbricht. Die einzigartige Präsenz schafft ein Gefühl der Erwartung. Dies ist wahrscheinlich der Protagonist, dem wir folgen, aber ist diese einzigartige Sache eine gute Sache für das System oder ist es eine schlechte Sache für das System? Fantasie und Sci-Fi liebt diesen Fremden in einem fremden Land Trope. Es ist eine Möglichkeit, Beziehungen mit Hoffnung und Angst zu erforschen. Zum Beispiel können wir damit noch weiter gehen. Wir können einen emotionalen Menschen skizzieren , der gerade in einer Welt gefühlloser Telepathen angekommen ist. Gehirnwellen. Dieses Zeichen ist die Anomalie im System. Dies ist der Moment der Entdeckung für beide Gruppen und von dort aus können wir spekulieren, was als nächstes passieren könnte. Diesmal schauen wir uns die Nähe an. Nähe folgt Ähnlichkeit und dass es die Dinge verwandt macht. Es tritt auf, wenn Sie Elemente jeglicher Art in unmittelbarer Nähe zueinander platzieren. Während die Ähnlichkeit sich auf die Objekte selbst konzentriert, ist die Nähe um die Grenzen. Die Absicht hinter der Anordnung der Dinge. Nähe impliziert eine äußere Kraft. Diese Formen scheinen unter militärischer Herrschaft zu stehen. Daher bedeutet Nähe eine Kraft der Macht. Hier ist etwas Wasser in der Nähe von den unsichtbaren Ufern des Flusses gegeben. Da wir über Fantasy-Kunst sprechen, schauen wir uns die Nähe als übernatürliche Kraft an. Hier ist, sagen wir, zwei Zauberer. Sagen wir nun, der Zauberer Nummer zwei hat mehr Macht als der Zauberer eins. Nutzen Sie die Nähe, um ihre Kontrolle über ihre magischen Talente zu zeigen. Magier Nummer eins schwebt eine Reihe von Formen im Raum herum, aber sie haben keine Beziehung zueinander, also scheint er nicht, als hätte er die Kontrolle über seine Talente. Aber Zauberer Nummer zwei, wenn wir die gleiche Art von zufälligen Formen nehmen und wir die Dinge ein wenig sorgfältiger planen, lassen einige Dinge an den Rändern hier aufräumen. Manchmal ist das Mitnehmen genauso wichtig wie das Hinzufügen. Jetzt hat der Zauberer Nummer zwei klare Kontrolle über seine Kräfte, wo der Zauberer Nummer eins nicht tut. Ich denke, der Zauberer Nummer zwei ist der Auserwählte und er muss gegen den bösen Eidechsenkönig kämpfen , der die Zauberwelt übernommen hat. Viel Glück Zauberer Nummer zwei. Wir sehen hier, dass Nähe charakterorientiert sein kann. Wir können es sogar benutzen, um emotionale Beziehungen zu zeigen. Sagen wir, wir haben einen großen coolen Drachen , der sehr erschreckend und tödlich wirkt. Kann irgendjemand diese Bestie kontrollieren? Fügen Sie eine weitere Ebene hinzu, und lassen Sie uns ein junges Mädchen zeichnen. Nehmen wir unser Transformationswerkzeug und bewegen sie herum. Wenn sie hier drüben ist, hat sie nicht wirklich Nähe zu der Bestie, sie steht allein, sieht ihr gegenüber und sieht es an. Aber wenn wir sie so vor die Kreatur stellen, scheinen sie jetzt eine Beziehung zu haben, und wir können damit spielen. Wenn sie auf seinem Kopf steht, haben sie eine spielerische Beziehung. Wenn sie hier vor der Kreatur steht, wird das Monster sie offensichtlich nicht angreifen und es ruft die Frage auf, woher kennen sich diese beiden? Warum ist das Monster nicht gewalttätig gegen sie? Hat sie eine telepathische Verbindung? Wer weiß es? Gehirnwellen, Gehirnwellen. Nähe. Im nächsten Kapitel werden wir uns Symmetrie, Fortsetzung und Schließung ansehen. 9. Skizzieren: Konzepte entwickeln (Teil 2): Schauen wir uns die Symmetrie als nächstes an. Symmetrie tritt auf, wenn ein Formular in einem anderen Teil der Komposition widergespiegelt wird. Offensichtlich ist hier, ein Schmetterling ist symmetrisch. Symmetrie ist etwas, worauf wir hingezogen sind. Aber es geht nicht nur darum, schön zu sein. Es ist mehr als das. Es geht um Attraktivität und seine Beziehung zu unserem Sehsinn. Symmetrie fühlt sich friedlich an, fühlt sich natürlich an, fühlt sich elegant und fühlt sich mächtig an. Ich habe dieses William Blake-Gedicht schon immer sehr gemocht, der Tyger Tyger, brennende helle. Grundsätzlich heißt es, wie kann uns etwas so Schönes und Symmetrisches hineinziehen, nur um uns zu bedrohen? Das ist, was ich mit Symmetrie meine, ist mehr als Schönheit. Es ist ansprechend, und Anziehungskraft kann auch ein gefährlicher Köder sein. Symmetrie impliziert, dass es zwei Seiten zu etwas gibt, und beide sind erforderlich, um das Ganze zu sehen. Symmetrie kann so reflexiv sein, reflektiert über eine Linie, aber sie kann auch radial sein. Das bedeutet, dass es um eine kreisförmige Form schwenkt. Radiale Symmetrie öffnet die Dinge, weil die beiden Formen sich einheitlich und etwas reflektierend anfühlen. Aber es gibt auch noch mehr in der Beziehung. Sie sind zusammengebunden. Sie haben ein Gefühl von Bewegung und wir können einen Aspekt von Ordnung und Chaos im Spiel sehen. Wenn wir eine Geschichte mit Symmetrie erzählen wollen, lassen Sie uns sagen, Wasser, eine reflektierende Oberfläche schaffen. Das ist unsere Linie der Symmetrie. Nehmen wir an, eine junge Frau nähert sich dem magischen Teich, und dann sieht sie darin eine Reflexion von sich selbst. Jetzt haben wir einen Moment der Entdeckung. Wir haben eine Frage gestellt, damit dieser Charakter beantwortet werden kann. Du hast den bösen Zwillings-Trope in Fantasiearbeit gesehen. Es ist sehr nachdenklich provozierend, weil Sie sich vorstellen müssen , dass Sie mit etwas verbunden sind, sich von etwas Vertrautes hingezogen werden, obwohl Sie wissen, dass es Ärger ist. Fortsetzung tritt auf, wenn das Auge gezwungen ist, sich durch ein Objekt zu bewegen und zum anderen fortzufahren. Nehmen wir an, wir haben einen leblosen Wüstenplaneten, und wir haben einen Entdecker auf einer Reise. Ihr Auge folgt dem Boden und bewegt sich dann in den Charakter. Das Prinzip der Fortsetzung ist so stark. Wir können den Fluss der Vergangenheit brechen und trotzdem sicher sein, dass der Betrachter der Geschichte folgen kann. Lass uns das Stück wegschneiden. Das sind einige Türme und felsige Klippen in die Landschaft. Wir sind immer noch in der Lage, dem Weg des Charakters zu folgen, ohne zu hart darüber nachzudenken. Fortsetzung kann ein Gefühl von Bewegung und Zeitablauf in einem Standbild darstellen. Die Länge einer Linie bestimmt die Länge und Dauer der Fahrt. Je länger die Linie ist, desto mehr Zeit vergeht. Unser Auge sucht nach einem Anfang und Ende einer Idee. Aber in der Fantasy-Kunst können wir mit Erwartungen spielen und dieses Prinzip verwenden, um den Betrachter in einer Schleife zu fangen, so dass sie die Regeln der Realität, Raum, Zeit, Physik hinterfragen , was auch immer Sie sprechen wollen. Überraschend, dass ich ein großer Fan von M.C. Escher bin, und er dreht sich alles darum, mit unseren Erwartungen an Fortsetzung zu spielen, und das macht seine Kunst so cool. Die Schließung ist eine Variation der Fortsetzung. Es fordert den Betrachter auf, nicht nur einem visuellen Pfad zu folgen, sondern alle Hinweise zu verwenden, um zu einem meist selbstbestimmten Schluss zu kommen. Hier ist ein Loch. Sie können das Bedürfnis eines Betrachters nach Schließung hervorrufen, indem Sie einen Teil von etwas zeichnen , das ein Loch impliziert, wie ein Arm. Dieses Detail fordert das Publikum auf, ihre Phantasie zu nutzen, um ein unvollständiges Konzept zu vervollständigen. Hier ist das Ding. Die Phantasie eines Betrachters zu wecken, ist die mächtigste Fähigkeit, die ein Illustrator entwickeln kann. Aber es ist nicht einfach, es gut zu machen. Sie müssen einen überzeugenden Fall vorlegen damit das Publikum Ihrer Idee folgen kann. Dieser Arm ist nicht sehr überzeugend. Ein Gefühl der Angst zu verwenden, könnte viel überzeugender sein. In der Tat ist es der beste Weg, um die Aufmerksamkeit von jemandem zu bekommen. Was ist, wenn wir ein großes gruseliges Monster tyrannisch verwenden, tropft mit anderen wilden Schlamm? Die Sache aus dem Jenseits ist eine beliebte Fantasie- und Horrortrope, die verwendet wird, um die Phantasie eines Publikums an Orte zu locken, die jenseits des Verständnisses sind Um ehrlich zu sein, Orte darüber hinaus, wo der Illustrator sogar alleine gehen könnte. Abstraktion ist eine weitere Möglichkeit, Schließung hervorzurufen. Je weniger du sagst, desto besser. Eine Silhouette kann wirkungsvoller sein als ein vollständig gerendertes Bild, nur weil es nicht zeigt und unser Geist die Lücken füllen muss. Das ist eine Schließung. Informationen zurückhalten und Fragen stellen, ist wie ein Illustrator mit der Wahrnehmung der Zuschauer spielt. Nun gehen wir zurück durch unsere Skizzen, sehen, welche wirklich zu dem Moment der Entdeckung Konzept passen, und wählen Sie eine für unser endgültiges Projekt. 10. Von der Konzeption zur Komposition: Eine gute Komposition sollte aus der Ferne gelesen werden. Also, während ich diese durchstöße und entscheide, welche ich auswählen soll, werde ich über ein paar Dinge nachdenken. Zuerst möchte ich, dass meine Erzählung für meinen Entdeckungsmoment stärker charakterorientiert ist. Ich verbinde mich mehr mit dem Geheimen Garten, Art von Geschichte als ich mit einer Reise in das Zentrum der Erde, die mehr über die Wissenschaft und Theorie und das Gefühl der Wunder der Zeit, wo ein geheimer Garten ist sehr viel über die Charaktere und ihre Erfahrungen. Dieser liest sich wirklich gut von alleine. Es ist ziemlich unkompliziert. Sie können die Nachricht fast ohne Text bekommen, oder ich erkläre, was es ist. Diese Balance von Gut und Böse, etwas, das Sie sehen und Fantasy-Kunst, Dinge wie Star Wars, sehen Sie den Konflikt von Gut und Böse viel. Aber es gibt eine Menge, die Sie tun können, mit welchen Arten von Zeichen Sie verwenden, um diese Beziehung der Balance im Gegensatz zu zeigen. Springen wir zurück ins Fresko und beginnen ein neues Dokument, 3600 mal 3600. Lassen Sie uns hier etwas hinauszoomen, ich werde meinen Skizzierstift greifen und ich werde ihn nur zum Anfassen nach unten skalieren. Auf jeder Ebene werde ich einige der Grundlagen der Komposition auslegen. Zuerst ist diese Idee des Teiches. Füllen wir es einfach aus, damit es eine Form ist. Ich werde keinen perfekten Kreis machen, ich möchte, dass es sich ein wenig organisch anfühlt. Lassen Sie uns eine weitere Ebene hinzufügen, und hier werde ich meine Hauptfigur setzen. Aus irgendeinem Grund, das erste, was in den Sinn kommt ist der Charakter sah kindlich aus. Also lassen Sie uns mit einem kleinen Kind gehen, und der einzige Weg, den ich wirklich zu unterscheiden, ist jetzt mit den Proportionen des Körpers, vor allem, wenn Sie einen Cartoon in Stil wie ich haben. Wenn Sie ein Kind zeichnen, ist ihr Kopf in der Regel ein wenig überdimensioniert. Das ist der einzige entscheidende Faktor, und sie werden niederknien. Da sind also die Zehen, also hier sind die Beine, die sich hinter ihnen beugen, und ich werde ihre Arme auf den Boden legen, hier sind ein paar Haare. Ich werde ihnen ein bisschen eine unterscheidende Silhouette geben. Ich werde die Details dieses Charakters etwas später ausarbeiten, aber ich möchte, dass sich Aspekte von ihnen einzigartig fühlen. Also, wenn ich den Charakter im Teich reflektiere, kann ich eine unheimlichere aussehende Variation darüber erstellen. So in Cartoon-Kunst, Regel Formen wie die klassische Mickey Mouse Körperform ist weich und freundlich. Während sich eine dreieckige Form ein wenig aggressiver anfühlt. Dies ist deine Heldenform, das ist deine Bösewicht Form, wenn du ganz einfach damit sein willst. Also, wenn dies der Ordnungscharakter ist und dann ist das Wasser der chaotische Charakter. Dieser Charakter wird die Software-Kanten zu seinem Design haben. Beachten Sie nochmals, es geht nicht darum, die Anatomie richtig zu machen. Es geht darum, die richtigen Formen für das Projekt zu verwenden. Beachten Sie, dass ich versehentlich einen Teil dieses Charakters auf dieser Ebene gezeichnet habe, müssen Sie vorsichtig mit Ihren Ebenen sein, weil ich ein bisschen von diesem Detail verliere. Also werde ich nur etwas davon löschen. Das coole Ding mit Fresko ist, dass Sie diesen kleinen Shortcut-Knopf bekommen, der Ihren Pinsel auf einen Radiergummi umstellt. Ich werde diese Ebene duplizieren, und dann werde ich mein Transformationswerkzeug hier verwenden, und ich werde diesen Charakter und das Wasser setzen. Hier können Sie wirklich den Vorteil sehen, dass Elemente auf verschiedenen Ebenen platziert werden. Ich werde diese Dinger weiter verschieben, bis sich die Komposition richtig anfühlt. Lassen Sie mich zuerst in meinem Hintergrund hinzufügen. Also habe ich ein kleines Kind, was wäre eine gute Kulisse für ein Kind? Das könnte in ihrem Schlafzimmer sein, aber ich schätze, du hättest keinen Teich in deinem Schlafzimmer, also sind sie sicher draußen. Sie könnten in der Schule sein, vielleicht ist es eine Pause in diesen Mädchen auf dem Spielplatz, und die Idee ist, dass sie an den Rand des Spielplatzes ging, diesen Teich sah, vielleicht fühlt sie sich isoliert von ihren Altersgenossen. Also wandert sie allein, sie sieht den Teich, und im Teich ist ein Spiegelbild von sich selbst und sie erkennt, dass es eine alternative Version ist. Dann bekommen wir einen Einblick in das, wie diese Welt aussieht. Hinter ihr werde ich den Spielplatz aufstellen. Ich denke, das Schöne an einem Spielplatz ist, dass es sich irgendwie von Fantasy-Welt-Design angetrieben fühlt. Du hast diese kleinen Türme und da ist eine Rutsche, ein Seil, eine Leiter. Das Design eines Spielplatzes eignet sich zum Geschichtenerzählen, weil es ein Ort für Kinder ist , um ihre Fantasie zu trainieren, funktioniert perfekt. Ich werde das hier sitzen lassen, und jetzt werde ich zu diesen Elementen umziehen, als ob ihre Requisiten und Charaktere auf einer Bühne. Also möchte ich, dass mein Hintergrund hier sitzt, meine Horizontlinie ist niedrig. Ich mag es, visuelle Elemente zu überlappen, aber ich werde diesen Charakter ein wenig mehr zentrieren. Vielleicht skalieren Sie sie nur ein bisschen, damit sie mehr in der Komposition präsent ist. Lasst uns das klonen und umdrehen, und Touristen lassen das in den Hintergrund fallen. Ich werde diese Ebene aufhellen, ich werde dies öffnen, was die Ebeneneigenschaften sind, das ein bisschen aufhellen, und ich werde nur alle diese zusammenführen. Jetzt kann ich es nicht überdenken. 11. Die Details skizzieren: Jetzt können Sie mit Ihrer Version der Skizze zufrieden sein. Für mich mache ich eine Skizze auf der Skizze, nur um das Ganze ein wenig zu lockern. Also, jetzt werde ich die Persönlichkeit dieser Charaktere ein wenig weiter zu entwickeln , um einige von der Landschaft und der Umgebung zu finden. Ich werde meinen Pinsel nur ein bisschen herunterskalieren und vielleicht die Glättung ein wenig verschieben. Ich möchte das Gesicht dieses Charakters auf den anderen Charakter zeigen und um das zu tun, muss man wirklich mit der Nase des Charakters beginnen. Vielleicht geben wir diesem Charakter eine Brille, um zu helfen, ihre Augen zu definieren. Lassen Sie uns das ein bisschen betonen. Sie scheinen ihr visuellen Handel an dieser Stelle als Charakter zu definieren. Er hat nicht viel Persönlichkeit. Vielleicht ist sie ein Kind der ersten oder zweiten Klasse, eine Einzelgängerin. Hat eine große Phantasie. Ich will, dass sie aussieht, als ob sie sich ein wenig über das Wasser lehnt. Also werde ich die Leiche zurückschieben, die Arme so nach vorne legen und ich werde nur ein paar kleine Streulinien löschen. Also habe ich ein Gefühl dafür, was sich überschneidet, wo. Das coole an Cartooning ist, dass es wirklich einfach ist, Charaktere sehr ausdrucksstark zu machen. Also nutze das aus. Also gibt es das oben genannte, das Wassermädchen. Lassen Sie uns erneut eine weitere Ebene für den Hintergrund hinzufügen. Lassen Sie uns das sekundäre Zeichen ausarbeiten, bevor wir uns in die Einstellung bewegen. Ich werde das ganze Ding umdrehen. Dieser Charakter wird diesem Charakter ähneln, aber ein wenig spitziger und aggressiver sein. Vielleicht fangen wir mit der spitzen Nase an. Sie hat ein bedrohliches Grinsen, evtl. Vampirzähne. Schneiden Sie einfach die gleiche Frisur grob. Vielleicht zeigt es nur ein bisschen auf, irgendwie ein elbischer Dämon. Dieser Charakter, vielleicht hat es ein bisschen mehr Agentur in ihrer Welt. Vielleicht fühlt sich ihr Outfit ein wenig formeller an. Als ob sie in ihrem Land königlich sein könnten. Vielleicht sind sie verantwortlich für etwas und das ist Teil der Auslosung für diesen Charakter. Lassen Sie uns diese Ebene deaktivieren und werfen Sie einen Blick auf diese Zeichen. Ich denke, das ist ein guter Kontrast. Sie beide haben ein kinderfreundliches Gefühl, das ist ein Stil, den ich mag, aber Sie können den Unterschied in ihnen sehen. Der Spielplatz der realen Welt sollte sich weicher und freundlicher anfühlen und dann könnte diese dunkle alternative Realität mehr Burg inspirieren wie felsiger. Hier ist unser Hintergrundelement. Wir können sagen, das ist der Mittelgrund und dann wird der wahre Vordergrund diese Linie des Wassers sein. Nun, lassen Sie uns hier sehen. Lassen Sie uns den Rand der Banken definieren. Vielleicht sehen wir hier drüben ein paar Steine und Gras hochstoßen. Wie ich mit der geheimen Zeichnungsillustration sagte, ist ein Teil des Gesetzes dieser Komposition die Art und Weise, wie es Ein-Punkt-Perspektive verwendet, um Sie in die gleiche zu bringen. So viel von dieser Geschichte geht es darum, in den Garten einzutauchen. So können Sie visuelle Elemente hinzufügen, um Sie in die Komposition zu ziehen. So viel von der Fantasy-Kunst, die ich früher referenzierte, tut das, die Linie, in der in der Garderobe mit der Ein-Punkt-Perspektive, einige der Buchumschläge früh, Ich zeigte Ihnen, wie die Charaktere im Vordergrund, und sie drängen Sie in das Design mit einigen wie kleinen visuellen Elementen. Ich könnte sogar ein paar Wellen in das Wasser geben. Vielleicht schneiden sie sich mit diesem Charakter, so dass wir keine vollständige Lektüre über sie bekommen. Sie befinden sich in einer alternativen Realität, in die wir noch nicht ganz eingegangen sind. Dies ist nur der Moment der Entdeckung. Nun, das Schöne hier ist, dass ich diese Dinge auf verschiedenen Ebenen habe, so dass ich diesen Charakter nur ein bisschen nach unten verschieben kann. Ich will sie wirklich am Ufer des Flusses und ich werde diese Charakterpeitsche auch herumschieben. Schrumpfen Sie sie nur ein bisschen herunter. Wenn ich mich in meine Farb- und Farbphase beziehe, kann ich einige visuelle Effekte erzeugen, die dies wie eine Reflexion erscheinen lassen und dies wie die reale Welt aussehen lassen. Das ist also alles für die Skizzierbühne. Lassen Sie uns in das endgültige Kunstwerk übergehen. 12. Einfärbung mit Fresco: Lassen Sie uns über die Arten von Bürsten sprechen, die wir hier in Fresco zur Verfügung haben . Sie haben wahrscheinlich etwas Ähnliches in Ihrem Zeichenprogramm, wenn Sie etwas anderes verwenden. Ich werde damit beginnen, die Deckkraft dieser Ebene anzupassen sie auf etwa 30 Prozent zu setzen. Ich werde mit Schwarz Tinte. Wenn meine Skizze auch schwarz ist, wird es schwierig sein, die Linien zu unterscheiden. Ich werde eine neue Ebene erstellen, auf der ich üben kann. Lass uns auf das Gesicht dieses Charakters springen und unsere Pinseloptionen ausprobieren. Pixelpinsel hat alle Arten von Freihandwerkzeugen erhalten. Ich bleibe mit dem belgischen Comic-Stift, der einen traditionellen Schreibfeder simuliert. Etwas, das in der traditionellen Hand- und Comickunst sehr beliebt ist. Das coole Ding an Fresko ist, dass es wirklich gut traditionelle freie Handzeichnungswerkzeuge zu simulieren. So haben Sie einige tolle Tintenoptionen. Ich werde den kleinen Stern dort schlagen und jetzt habe ich meinen belgischen Comics Stift in meinen Favoriten. Ich halte die Tinte schwarz, ich halte meine Pinselgröße auf etwa 30, und ich setze die Glättung nur auf etwa 20. Es gibt also ein bisschen Kontrolle. Es gibt keine Reibung in der Art und Weise, wie Papier Reibung, wenn Sie traditionell zeichnen. Ich brauche ein bisschen Glättung. Ansonsten bewegt sich mein Stift schneller, als ich es erwartet habe als jemand, der so gewohnt ist, traditionell zu zeichnen. Mit ein wenig Glättung habe ich mehr Kontrolle. Wenn ich das ganz nach unten setze, ist es nur ein wenig zu zerstreut. So hilft nur ein bisschen Glättung. Mit dem Pixelpinsel erhalten Sie einen schönen traditionellen Farbeffekt. Wenn Sie mit Federn eingefärbt haben, bevor sie einen Metallpunkt so wie Sie sie über das Papier bewegen, schneiden sie durch das Fruchtfleisch des Papiers von, dass. Das gibt sogar eine saubere Linie ein wenig Gitter an den Rändern, die Tinte ausblutet. Dieses Freihandwerkzeug simuliert das. Ich mag diese Feder. Es hat ein bisschen Menschlichkeit drin, es ist locker, es gibt eine Menge Textur. Wenn Sie eine gute Handkontrolle haben oder Sie einen schlampigen Look mögen, wird diese Feder, der belgische Comic-Pinsel, für Sie arbeiten. Aber wenn Sie einen saubereren Effekt wollen, können Sie entweder die Glättung nach oben. Aber wieder, Sie haben immer noch dieses Pixelrauschen. Lassen Sie uns die Vektorbürsten ausprobieren, die hier unten ein paar Werkzeuge sind. Ich werde das ein bisschen nach unten skalieren, weil diese Linie einen völlig anderen Effekt hat. Dies ist ein Vektorwerkzeug-Bildmaterial. Es macht keine Pixelkunst. Es macht eine algorithmusbasierte Linie. Der Vorteil davon ist, dass Sie es unendlich skalieren können. Sie sehen, egal wie weit ich zoomen kann, die Tinte behält ihren gestochen scharfen Effekt. In der Tat, sieh es dir an. Wenn ich die Pixel vergrößere, können Sie hier das Gitter des Pixels sehen. diesem Vektorwerkzeug kann ich innerhalb eines einzelnen Pixels zeichnen. Wenn Sie Details lieben und saubere, glatte Nadelpunktlinien lieben , ist dies das richtige Werkzeug für Sie. Ich mag diesen Effekt. Aber für dieses Projekt möchte ich die Dinge etwas lockerer halten. Ich möchte, dass es einer traditionelleren freien Hand-Illustration ähnelt. Ich will nicht so viel Kontrolle über die Leitung. Das ist wunderschön. 13. Einfärbung der Figuren: Ich werde zurück zu meinem belgischen Pinsel springen und ich werde anfangen, meine Charaktere zu färben. Ich beginne mit der Protagonistin meiner Geschichte, dieser jungen Dame. Weil ich so zuversichtlich bin in der Komposition meiner Skizze. Denken befreit meine Entscheidungsfindung wirklich. Ich kann einfach hier reingehen und Spaß haben, mit Stil zu arbeiten. Ich schräg meine Zeichnung ein wenig, so dass ich eine schöne Krümmung in meiner Linie bekommen kann, und ich werde ziemlich schnell arbeiten, weil die Farbe am besten aussieht, wenn sie locker ist. Wenn ich es nicht wirklich auf eine Linie sprenge, werde ich nicht neu zeichnen. Wenn Sie zeichnen einfach Haare ist, wann sind Ihre Möglichkeiten, wirklich einen Charakter zu definieren, und ihre Persönlichkeit durch nur ein visuelles. Also habe ich ein bisschen Zeit damit verbracht, die Details der Haare auszuarbeiten. In diesem Fall ist es besonders wichtig, weil es einen Teil ihrer Silhouette darstellt gegen die ich in der bösen, chaotischen Version ihres Charakters spielen möchte . Ich werde ihr kurze Ärmel geben. Sie ist auf einem Spielplatz. Ich wollte einen lässigeren Blick über sie haben. Etwas, gegen das ich auch in der anderen Figur spielen kann. Es hat sie sogar in ein Paar Sommer-Shorts gesteckt. Da gehen wir. Da ist unsere Hauptfigur. Erschaffe unseren Antagonisten. Während dieser Charakter rund und weicher ist, wird dieser Charakter etwas spitzer sein. Muss ihre Aspekte reflektiert haben, wird nur ein bisschen Variation haben, die etwas Reichtum in die Geschichte fügt. Also gleich von der Fledermaus und wir werden eine spitzere Nase machen. Wieder, spitz fühlt sich böser und gefährlicher. Ihre Augen scheinen glücklich zu sein, aber sie haben auch ein bisschen Sinn für sie. Ich werde die Zähne weglassen und ihr einfach ein bisschen ein hinterhältiges Lächeln geben , wenn sie Vampirzähne hat. Wir wissen noch nichts von ihnen. Jetzt sind die Arme, dieser Charakter ist nicht in kurzen Ärmeln. Vielleicht ist sie eine junge Prinzessin oder sogar eine junge Königin des Schlosses. Wir haben das Gefühl, dass sie eher ein formales Kostüm hat. Da gehen wir. Wir haben zwei gegensätzliche Versionen desselben Charakters. 14. Einfärbung der Kulisse: Lassen Sie uns zu den Hintergrundelementen springen. Ich werde das umdrehen und mit dem Spielplatz beginnen. Ich möchte den Hintergrundelementen nicht zu viel Details hinzufügen. Detail zieht die Aufmerksamkeit auf sich. Die Hauptfiguren sollten unsere Aufmerksamkeit behalten. Dies ist nur ein zusätzlicher Geschmack für die Geschichte. Ich werde die Linie ziemlich einfach halten, wie für das Dach, ich werde nur ein paar kleine Jakobsmuscheln machen. Ich werde nur das Grundgerüst aufbauen. Der Spielplatz ist sehr geometrisch. Hoffentlich hat es gerade genug Details, um Sie wissen zu lassen, was es ist, ohne zu viel Aufmerksamkeit darauf zu ziehen. Ok? Nun, für das Schloss hier, wird es die gegenteilige Art von Wirkung haben. Die Silhouette wird ähnlich sein, wie die Schaukel im Vulkan reflektiert wird. Das Hauptelement der Rutsche ist die Burg, aber die Linienarbeit ist nur ein wenig bedrohlicher. Fast wie eine Kreatur. Der Rauch des Vulkans ist eine atmosphärische Wirkung. Ich werde es nicht Tinte, ich werde es für Färbestufen und meine Fantasy-Effekte Kapitellassen meine Fantasy-Effekte Kapitel um Ihnen einige mehr von den coolen Tool-Optionen, die wir mit diesem Programm haben zu zeigen. Ich sehe eine Gelegenheit, hier ein Gesicht zu schaffen, und natürlich wollen wir immer mit den Zuschauern Wahrnehmung durcheinander. Lass es uns tun. Diese Art von Schlossgrauen Schädel-Sache, die vor sich geht. Wir haben die Hauptfiguren, die Hintergrundelemente, und jetzt lassen Sie uns hier im Vordergrund arbeiten. Auch hier dienen diese Elemente einem Zweck in der Komposition. Die Gräser und Felsen sind entworfen, um den Charakter einzurahmen und uns in diese Szene zu führen. Genauso hat uns die Illustration aus dem geheimen Garten mit einer Art Ein-Punkt-Perspektive hineingezogen. Diese visuellen Elemente werden uns in das Design drängen. Fügen wir sie zu einer neuen Ebene hinzu. Fangen Sie an, indem Sie einige dieser Steine einbringen. Felsen sind rund um die Küste verstreut. Jetzt, genau hier drin, gibt es die Möglichkeit, zu viel Spannung zu erzeugen. Wie wenn wir hier zu viel Linienarbeit machen, die das Auge direkt auf diese Schnittpunkte der Linie lenkt . Das ist nicht gut. Wir wollen, dass die Aufmerksamkeit auf dem Gesicht des Charakters bleibt und wir wollen diese Verbindung nicht behindern. Jetzt machen wir ein bisschen mit dem Gras. Ich könnte all diese einzeln eindrucken, aber noch einmal, das könnte zu viel Detail sein. Also werde ich nur noch mehr von einem Umriss machen. Er ist grasbewachsene Bits werden uns den Rand des Wassers zeigen. Wir brauchen nur ein bisschen, aber nochmal, wir wollen uns hier nicht zu viel überschneiden. In Ordnung, ich bin ziemlich zufrieden damit. Dies ist unsere Grundlinie Kunst, nicht viel Kontrast hier drin noch abgesehen von den Augen. In der Färbephase werde ich darüber nachdenken, wie ich die Geschichte vorwärts schieben kann, zeigen die Ähnlichkeiten und die gegensätzlichen Persönlichkeitstypen, danach würde einige visuelle Effekte im Wasser erzeugen, die Trennung der Fantasy-Welt hier aus der realen Welt. 15. Farbgebung der Figuren: Bevor ich mit dem Färben beginne, möchte ich sicherstellen, dass meine Ebenen alle in Ordnung sind. Sie können hier sehen, dass ich alle meine Ebenen in einem Ordner abgelegt habe. In Fresco können Sie dies tun, indem Sie eine Ebene greifen und sie auf eine andere Ebene ziehen. Jetzt sind sie alle gesammelt. Sie können sie verschieben und in Ordnung bringen, wenn Sie müssen. Sie haben eine ähnliche Funktion in Photoshop oder Procreate oder einem anderen digitalen Zeichenwerkzeug. Jetzt, da diese gruppiert sind, kann ich eine neue Ebene erstellen, mit der meine Grundfarben beginnen. Meine Grundfarben werden nur einfarbige Farbfelder sein , die die Farbpalette etablieren. Später füge ich Textur in Effekten hinzu, da Fresco einige ziemlich süße Texturpinseloptionen hat. Für jetzt bin ich nur packen meine Pixel-Pinsel, und Sie können in meinem Lieblingsbereich sehen, Ich habe die Classic Comic Feder hinzugefügt. Ich fand es in Tinte, klassische Comic-Feder. Werfen wir einen Blick darauf, warum es eine gute Passform nur für einen Basisfarbpinsel ist. Es hat eine solide Deckkraft, was bedeutet, dass ich es schichten kann, ohne Variationen in der Farbe zu erzeugen. Es hat ein wenig Textur an seinem Rand, was schön ist, ihm ein bisschen wie ein handgezeichnetes Feld zu geben. Außerdem funktioniert es wie meine Feder oder ein Pinsel und je härter ich nach unten drücke, desto breiter die Linie. So macht es einfach, in einer einzigen Geste zu färben, ohne meine Werkzeuge zu wechseln. Ich werde damit beginnen, die wichtigsten Attribute des Charakters in der Reihenfolge zu färben. Ich werde mich zuerst auf die Haare des Charakters konzentrieren. Ich will nicht zu lebendig, weil ich das Gefühl haben wollte, dass sie in der realen Welt ist und der andere Charakter im Wasser wird in einer anderen Welt lebendig sein. Ich werde ein Lila wählen, aber es wird irgendwie ein grau-lila sein, also fühlt es sich eher geerdet an. Ich werde nur die Grundfarbe niederlegen. Nun, um eine ikonische Farbpalette zu erstellen, arbeite ich gerne mit dieser Theorie, die Triadische Farbtheorie genannt wird. Es ist etwas, worüber ich in meiner Klasse rede, World of Color. Das ist ein guter Weg, um eine Palette zu erstellen, eine einfache, raffinierte Palette, die Ihren Charakter sehr unterscheidbar macht , weil die Farben alle in hohem Kontrast zueinander stehen. Jetzt werde ich einen Hautton für diesen Charakter erstellen. Hauttöne basieren hier in der orange-rötlichen Zone. Gehen Sie nicht zu gelb, weil Sie gehen, um wirklich langweilig, Art von schlammigen Hauttöne zu bekommen und gehen Sie nicht zu weit in gelblich-grün, weil dann werden Sie Art seltsame Olivenfarben bekommen. Fangen Sie mit dieser Zone an. Dann verschieben Sie sich einfach, bis Sie einen Hautton bekommen, den Sie mögen. Als nächstes werde ich einige der Details hinzufügen. Schauen wir uns die Haare hier an. Ich habe dieses schöne Lila und ein Kompliment zu Lila ist gelb. Also lassen Sie uns ihre kleinen Haarbänder leuchtend gelb machen. Ich möchte, dass die Augen sich vom Hautton abheben. Ich werde ein hellblaues, sehr blass benutzen. Also bekommen wir ein Gefühl für das Glas, aber wir wollen nicht zu viel Farbe in ihnen. Jetzt machen wir ihre Schuhe. Vielleicht hat sie ein lustiges leuchtend rotes Gespräch. Dieser Junge liebt Rot. Ich werde ein wirklich blassrosa für die Socke verwenden. Es gibt ein ziemlich realistisch aussehendes Kind. Ich werde nur durchgehen und einige dieser Farben ausbessern. In Fresco, wenn Sie mit dem Finger halten, erhalten Sie das Pipettenwerkzeug, damit Sie Ihre Farben probieren können. Ich werde das Rot des Hemdes probieren, das berührt haben und einfach ein paar Flecken in der Haut und den Haaren aufräumen. Wenn ich nun meine Figur im Wasser färbe, möchte ich, dass sie sich übernatürlicher fühlt. Also werde ich wirklich lebendige Farben mit ihr verwenden. Unsere warmen Farben sind über dem Wasser und unsere kühlen Farben werden unten sein. Lasst uns sehen. Fangen wir mit ihrem Hautton an. Ich werde mit einem grünen Farbton gehen. Eines meiner Lieblings-Farbschemata in der Fantasy-Kunst ist lila und grün. Das war etwas, das in den 70er Jahren populär war, Farbkunst für Welt-Building wie Monster-Design oder planetarische Atmosphäre. Übernatürliche Farben und Fantasy-Kunst haben oft viel Grün und Lila. Los geht's. 16. Hintergrund, Schatten, Highlights: Lassen Sie uns kreativ mit unserer Herangehensweise an Farbe im Hintergrund. Natürlich gibt es die Möglichkeit, einfach das Maleimerwerkzeug einzupacken, es mit einem Klick auszufüllen diesen großen Block von Volltonfarbe zu erstellen. Das ist nicht die schlechteste Idee der Welt, aber manchmal lenkt uns eine einfache Lösung wie diese von unseren anderen möglichen Optionen ab. Während die Seite selbst ein Quadrat ist, gibt es innerhalb dieses Platzes die Möglichkeit, Form zu verwenden, um mit der Betrachtererfahrung der Szene zu spielen. Einer meiner größten Einflüsse in der Komposition ist die Jugendstil-Bewegung des späten 19. Jahrhunderts und Anfang des 20. Jahrhunderts. Es war eine Ära des Experimentierens, vor allem in der Buchkunst. Einige der interessanteren Künstler dieser Zeit haben die Farbe und Textur des Papiers selbst in ihre gedruckte Komposition integriert . Hier ist eine Illustration von einem meiner Lieblings-Illustratoren, Aubrey Beardsley. Seine Komposition zeigt den Zauberer Merlin, gefangen in einem Portal, das in das Buch selbst geschnitzt ist. Denken Sie nun darüber nach, wie dieser Rahmenstil Ihre Wahrnehmung der Szene verändert. Ich spreche mehr über Jugendstil-Illustration und grafische Experimente in meiner Klasse, Illustration von Design. Wenn das ein Thema ist, in dem Sie sich befinden, schauen Sie es sich an. Aber diese Herangehensweise an Komposition und die Welt der Buchkunst taucht immer noch in Fantasy auf und Science Fiction ist statisch, besonders in den 60er und 70er Jahren. Sehen Sie sich die Art und Weise an, wie negativer Raum, Farbe in Form innerhalb dieser Hintergründe unsere Beziehung zur Szene verändern. Es bringt ein bisschen Surrealismus zu einer Illustration, und es ist eine Technik, die Sie vielleicht bemerkt haben oder nicht bemerkt haben , in einigen meiner Illustrationen, die ich zuvor geteilt habe. Ich werde diese Technik auch in dieser Szene verwenden, indem ich ein Portal für uns erschaffe , um diese Charaktere in ihrem Moment der Entdeckung zu beobachten. Durch das Hinzufügen dieses einfachen grafischen Elements wird mein ganzer Ansatz zum Färben dieser Szene wirklich verändert. Anstatt nur den Himmel und den Boden durch die Anwendung einer Horizontlinie zu definieren, werde ich eine trübe Wäsche des Übergangs hinter den Charakteren erstellen. Um diesen Effekt zu erzielen, muss ich ein paar breite Gesten mit meinem Pinsel machen. Da ich mir keine Sorgen machen möchte, dass ich die Grenzen dieses Rahmens, den ich erstellt habe, möchte, werde ich die Transparenz dieser Ebene sperren. Wenn Sie die Transparenz sperren, verhindern Sie, dass die Farbe außerhalb des bereits erstellten Pixelbereichs sickert. Transparente Pixel bleiben transparent. Als nächstes gehe ich zu meinen Pixelpinseln und wähle den Farbverlauf weichen Rundpinsel aus. Es hat ein bisschen einen Airbrush-Effekt. Ich werde vom Tageslicht zum Gras, zum Wasser, zum Nachthimmel dieser imaginären Welt übergehen. Ohne das Formular zu meinem Rahmen hinzuzufügen, hätte ich diese Idee nicht ausgedacht, also versuchen Sie es in Ihrer Komposition. Als nächstes werde ich einige dieser einfachen Hintergrundelemente definieren, indem ich den gleichen Ansatz verwende, den ich in meinen Grundfarben für meinen Charakter verwendet habe. Ich packe meine klassische Comic-Feder und verwende ein etwas stumpfes Farbschema und die Hintergrundelemente, damit sie nicht von meinem Charakter ablenken. Um diese Elemente mit meinem Hintergrund zu verschmelzen, werde ich ihre Layer-Eigenschaft so einstellen, dass verdunkelt und die Deckkraft auf etwa 60 Prozent reduziert wird. Sie scheinen auf dem Hintergrund zu sitzen, aber auch mit diesem Farbschema integriert. Ich werde die Zeichnung umdrehen und dasselbe für das Schloss tun. Ich werde an die Oberfläche kommen und etwas stumpfes Grün zur Pflanzenmasse hinzufügen und etwas Grau zu den Felsen. Jetzt, da ich meine ganze Szene farbig habe, werde ich anfangen, atmosphärische Effekte zu schaffen, um dem Design ein wenig Realismus zu verleihen. Bevor ich Schatten und Highlight hinzufüge, werde ich meine Grundfarbebenen ganz nach unten zusammenführen und anhalten, bevor ich zu meinem Hintergrund komme. Ich werde das getrennt lassen, nur für den Fall, dass ich einige Dinge verschieben oder verschiedene Texturen und Effekte auf die Charaktere und den Hintergrund anwenden möchte. In einem neuen Ordner werde ich eine neue Ebene erstellen und sie über meine Grundfarben legen. Ich werde Schatten und Highlight hinzufügen. Zuerst muss ich entscheiden, wo meine Lichtquellen sind. Sagen wir, es ist über der linken Schulter des kleinen Mädchens auf dem Spielplatz. Mein allgemeiner Ansatz für Schatten besteht darin, eine tiefviolette Farbe auszuwählen. Stellen Sie sicher, dass Sie sich auf einem neuen Layer befinden. Legen Sie diese Layer-Eigenschaft auf Farbverbrennung fest. Sie werden bemerken, wenn Sie die Farbe auflegen, sie interagiert mit den Farben darunter. Moment ist die Deckkraft auf dieser Ebene zu hoch. Ich werde es auf etwa 30 setzen, und jetzt vermischt es sich auf eine subtilere Art und Weise. Dies ist eine schnelle Möglichkeit, Schatten zu erzeugen, ohne durch eine Reihe von Farben zu springen. Da die Sonne hinter dem Mädchen ist, sind meine Schatten sehr prominent, besonders auf der Pflanzenmasse. Dies ist eine wichtige Zeit, um einen starken Kontrast in Ihrem Design zu schaffen. Es verbessert die Stimmung und macht Ihre Illustration insgesamt ansprechender. Die Schatten sind auch ein wenig Textur zu der Komposition hinzufügen, etwas, was wir später bekommen, wenn wir visuelle Effekte im nächsten Kapitel hinzufügen. Diese Abbildung erfordert nicht viele Highlights, aber ich werde immer noch durch den Prozess gehen. Ich werde eine neue Ebene erstellen, und dieses Mal werde ich meine Ebeneneigenschaften aufhellen. Sobald ich alle Highlights erstellt habe, die ich wünschen könnte, gehe ich durch und beurteile, welche ich wirklich behalten möchte. Ich werde meinen Radiergummi greifen, den Fluss wirklich niedrig einstellen, so dass er weich ist und einige der Intensität einiger dieser Highlights herausschlagen. Ich möchte keinen komplett plastischen Blick auf diese Charaktere und Einstellungselemente. Ich bin glücklich mit der Illustration zu diesem Punkt, aber es fühlt sich immer noch ein wenig sauber an. Ich möchte mehr ein Gefühl von Atmosphäre schaffen und etwas Textur hinzufügen, um der Illustration mehr Charakter zu verleihen und das Gefühl einer Fantasy-Welt und dieser Unterwasser-Einstellung zu drücken . Wir werden im nächsten Kapitel darauf eingehen. 17. Fresko-Pinsel und -Effekte: Alle Texturen und Effekte, die ich der Szene hinzufügen möchte , müssen auf den wackeligen Rahmen beschränkt sein. Also, um das zu tun, werde ich eine Maske erstellen. Jetzt gibt es kein Zauberstab-Tool wie in Photoshop, um Weiß auszuwählen und eine Maske zu erstellen. Also, was ich tun muss, ist, dass ich die Hintergrundschicht klonen werde. Dann werde ich den Ebeneninhalt maskieren und das erstellt eine Maske basierend auf dieser Ebene, die Sie zwischen der Maske in der tatsächlichen Ebene hin und her schieben können. Ich werde den Radiergummi verwenden, und zuerst schalte ich diese andere Ebene und lösche diese Ebene aus. Schalte jetzt die Transparenz frei, alles, was ich hier reinstelle, wird sich an diese Maske halten. Das heißt, ich kann Effekte erzeugen und so weiter, die nur vor diesem Hintergrund zu sehen sind. Lassen Sie mich eine weitere von diesen erstellen und speichern Sie sie für später. Etwas, mit dem ich in Fresco spielen möchte, ist das Live-Pinselwerkzeug. Sie bauten diese großartige Pinsel-Engine für die Simulation von Aquarelleffekten. Damals, als ich traditionell gearbeitet habe, habe ich Aquarell ausschließlich verwendet. Es ist mein Lieblingsmedium zum Malen, aber es gab kein gutes digitales Äquivalent für Aquarell, etwas, das das Pigment durch Wasser fließen lässt und auf natürliche Weise. Aber dieses Ding kommt ziemlich nahe, also werden wir es über der Hintergrundschicht versuchen. Nehmen wir einen blauen Farbton und lassen Sie uns die Mischung anpassen, um sich zu vermehren. Mal sehen, wie das aussieht. Schauen wir uns die Einstellungen hier für eine Sekunde an. Sie können die Wassermenge in der Bürste sowie die Pinselgröße und den Durchfluss anpassen. Weniger Durchfluss, weniger Pigment. Ich werde den Fluss etwas runterdrehen, und ich bringe den Wasserweg hoch. Sie können sehen, dass Sie diese schöne Aquarell-Stil bluten. Jetzt können Sie die Deckkraft der Farbe auf transparent umstellen und ein schönes Fade erhalten. Ich werde den gleichen Effekt in den Himmel über dem Mädchen machen. Lasst uns diese Ebene noch einmal klonen, also habe ich eine andere. Dieser wird eine Farbe sein. Die Unvollkommenheit des Aquarells ist das coolste Attribut. Aber manchmal endet man mit etwas mehr, als man verhandelt hat, das ist zu viel Orange. Ein kleiner Trick in Fresco könnte man tun, das ist eine ähnliche Abkürzung und Fortpflanzung, Zwei-Finger-Rückgängig, Drei-Finger-Redo. Ich werde diesen kleinen Akzent dort halten, es ist eine nette kleine Seltsamkeit im Design. Alles klar, oben auf allem möchte ich ein Gefühl von Glasheit über dem Wasser schaffen. Also lasst uns versuchen, den Aquarellpinsel, oben auf alles. Effekte sind ein wesentlicher Teil der Fantasiekunst. Es ist ein Weg, die Realität zu nehmen und sie auf den Kopf zu drehen. Aber es muss sich an einige Richtlinien halten. Sie können seltsame Farben sein, aber sie müssen sich wie Dinge fühlen, die wir in der realen Welt gesehen haben. Andernfalls, die Realität, die wir erschaffen, fühlt es sich nicht an, als könnte sie existieren. Als nächstes möchte ich der oberirdischen Welt ein wenig Textur hinzufügen. Ich werde eine neue Ebene machen, sie so einstellen, dass sie sich vermehrt, greifen und eine violette Farbe haben. Versuchen wir es, Splatter zu machen. 18. Fertig!: Da hast du es, meine letzte Illustration. Ich hoffe, dass Sie da draußen an einer eigenen Zeichnung arbeiten, und wenn Sie das sind, bedeutet das, dass Sie es bald im Klassenprojekt veröffentlichen werden. Wenn Sie mit Fresco arbeiten, gehen Sie folgendermaßen vor, wie Sie Ihre Arbeit zu posten exportieren. Wenn Ihr endgültiges Projekt geöffnet ist, klicken Sie oben rechts in der Menüleiste auf „Veröffentlichen und Exportieren“. Das Freigabe-Menü erscheint, klicken Sie auf „Exportieren unter“, geben Sie Ihrem Projekt einen Namen. Wechseln Sie das Format in JPEG, wenn es nicht bereits vorhanden ist. Stellen Sie Ihre Qualität auf hoch und drücken Sie „Exportieren“. Exportieren Sie nun die Datei, indem Sie einfach auf „ Bild speichern “ und fügen Sie sie zu Ihren Tablets Foto-App. So können Sie direkt darauf zugreifen oder es an einen Cloud-basierten Dienst wie Google Drive oder Gmail senden . Wenn Sie eine andere Zeichnungs-App verwenden, ist der Prozess wahrscheinlich ziemlich ähnlich. Wenn Sie traditionell arbeiten, machen Sie ein paar Bilder von dem, woran Sie gerade arbeiten. Auch wenn Sie etwas von Ihrem kreativen Prozess sammeln könnten, bedeutet das Skizzen, Notizen über Inspiration und wie Sie zur endgültigen Kunst gekommen sind. Ich denke, dass das Zeug wirklich wichtig ist, und die Teilnahme der Schüler bereichert meinen Unterricht auf eine Weise, die ich nie alleine machen könnte. Es bedeutet also wirklich viel, wenn ich sehe, dass neue Projekte in meinen Klassen erscheinen. Natürlich, sobald Sie ein Projekt veröffentlichen, werde ich auch meine Gedanken zu Ihrer Arbeit teilen. Ich überprüfe den Abschnitt des Klassenprojekts mindestens ein paar Mal pro Woche. Ich hoffe, Sie haben meine andere Weltenklasse genossen. Wenn du mehr mit mir lernen willst, dann hast du Glück. Ich habe jetzt mehr als zehn weitere Klassen auf meiner Skill-Share-Seite. Wenn du mehr über Fantasy-Kunst erfahren willst, schaue dir meine Klasse Drawing Imaginary Worlds an. Es ist ein tiefer Einstieg in die Schaffung von Konzeptkunst und die Veranschaulichung einer eindrucksvollen Kulisse für eine Geschichte. Wenn du ein World Builder bist, wirst du meine Klasse zum Erstellen von Fantasy Maps wirklich mögen. Darin erstellen wir eine wirklich einzigartige Karte im mittelalterlichen Stil inspiriert von den wahren Abenteuern der Kindheit. Wenn Sie ein Lord of the Rings Fan sind, ist dies die Klasse für Sie. Wenn Sie ein Illustrator sind, der Ihre Fähigkeiten verbessern möchte, schauen Sie sich meine Klasse Illustration By Design an. Es ist eine wirklich einzigartige Kernstruktur die von den Grafikern der Jugendstilbewegung inspiriert wurde, die einen Einfluss hat, den ich in dieser Klasse bereits kurz erwähnt habe, schau es dir an. Nun, wenn Sie neugierig sind, versuchen Sie Ihre Hand bei der Herstellung von Comics und Cartooning , überprüfen Sie meine Anfängeranleitung zum Zeichnen von Comics. Es ist ein zweistündiger großer Spaß Kurs zu meinem Lieblingsthema, und um Ihnen zu helfen, Ihre Cartooning-Fähigkeiten zu entwickeln, um bessere Comics zu machen, habe ich auch ein paar Klassen auf Zeichnen bessere Cartoon-Ausdrücke und Körpersprache auferlegt. Es ist ein ganzes Curriculum Paket über Comics im Grunde, werfen Sie einen Blick. Wenn dir gefällt, was ich tue, kannst du mich auf meiner Patreon-Seite unterstützen. Du erhältst Zugang zu Sneak Peeks und Dingen, an denen ich gerade arbeite. Längere Process Posts und zwei Projekte, die ich in der Entwicklung habe und hinter den Kulissen sieht sich Illustrationen an, die ich über mein Instagram geteilt habe. Es ist irgendwie cool. Ich hoffe, Sie haben diesen Kurs wirklich genossen. Ich liebe es, diese Kurse zu machen. Danke, dass du sie beobachtet hast. Teilen Sie eine Rezension, sagen Sie ein paar nette Dinge, wenn Sie wollen, und ich freue mich darauf, Sie nächstes Mal zu sehen. Tschüss. 19. Mit Fresco noch mehr erreichen: