Kompositionstheorie für Illustrationen: Zeichne deine eigene Blumenszene

1. Einführung: Szenen zu illustrieren kann so ein lustiger Prozess sein. spannend sein, die Welten vorzustellen, die wir erschaffen wollen und über die Elemente nachzudenken, die Teil unserer Szene sein werden. Aber es kann sich auch überwältigend anfühlen, wenn wir nicht genau wissen, wie wir die Welt, die wir in unseren Köpfen haben, aufbauen können. Hallo, mein Name ist Karla Alcazar und ich bin Illustratorin, der Erzählungen, Blumen und Szenen kreiert, in denen meine Charaktere leben. In den letzten Jahren habe ich redaktionelle Illustrationen sowohl für Bücher als auch für Zeitschriften gearbeitet, was mir geholfen hat, in die Ins und Outs der Zeichnung spannender Szenen einzugehen, und auch hier auf Skillshare Lehrerin gewesen ist. Wunderbar. Lassen Sie mich Ihnen eine Geschichte erzählen. Als ich mich zum ersten Mal entschied, professionell Illustration zu machen und begann, an meinem Portfolio zu arbeiten , wollte ich wirklich Stücke mit magischen Welten kreieren und Szenen voller Details und Bedeutung zeichnen, aber ich war nicht sicher, wo zu starten oder wie zu starten. Meine Illustrationen fühlten sich ein bisschen abgeschwächt an, als hätte etwas gefehlt. Ich habe ziemlich viel Zeit damit verbracht, herauszufinden, wie ich meine Szenen ansprechender machen kann, und ich möchte meine Erkenntnisse mit Ihnen teilen. In dieser Klasse werden wir ein wenig grundlegende Kompositionstheorie behandeln und lernen, wie man diese Theorie auf eine Weise anwenden kann, die uns hilft, unsere Ideen auf spannende Weise zu kommunizieren. Wir werden darüber sprechen, was ein Schwerpunkt ist, Rolle es in unserer Szene spielt und wie man es verbessert , und wir werden auch über Tiefe und wie man es erreichen kann sprechen. Wir werden auch über Bewegung sprechen und wie man es vermitteln kann, und wir werden Beispiele sehen , die uns zeigen, wie diese Theorie visuell angewendet wird. Während der gesamten Klasse werde ich mit Ihnen einige meiner persönlichen Tipps und Tricks teilen. Ich habe im Laufe der Jahre so viele Blumenszenen gemacht und ich fand sie immer so entspannend zu zeichnen. Für unser Klassenprojekt zeichnen wir eine Blumenszene, die uns hilft, die Theorie auf unterhaltsame und sanfte Weise in die Praxis umzusetzen. Ich werde mit Ihnen teilen, meine Quellen, um Inspiration zu finden, wenn ich Szenen zeichne. Ich werde Procreate verwenden, um meine Blumenszene zu zeichnen. Aber bitte zögern Sie nicht, jedes Medium zu verwenden, mit dem Sie sich wohler fühlen. Dieser Kurs richtet sich an fortgeschrittene Schüler, da bestimmte Grundkenntnisse im Zeichnen erforderlich sind. Aber diese Klasse ist auch für Sie, wenn Sie ein mutiger Anfänger sind, der einige grundlegende Kompositionstheorie lernen möchte. Insgesamt denke ich, dass diese Klasse für Sie ist, wenn Sie sich selbstbewusster fühlen möchten, während Sie eine Szene illustrieren. Ich hoffe, dass Sie am Ende dieser Klasse nicht nur selbstbewusster in der Schaffung eigener Welten fühlen, sondern auch neugierig fühlen und experimentieren, eine Szene mit nicht nur Blumen, sondern mit anderen Elementen wie Häusern, Menschen, Tiere, du nennst es. Ich glaube, wir werden uns amüsieren. Vielen Dank, dass Sie hier sind. Ich hoffe, Sie genießen diese Klasse. Wir sehen uns in ein bisschen. 2. Kursprojekt: Bevor wir auf unsere erste Lektion springen, lassen Sie uns schnell über unser Klassenprojekt sprechen. Wie Sie im Klassentitel und im Intro für diese Klasse gesehen haben, erstellen wir eine Blumenszene. Nur damit wir auf der gleichen Seite sind, lassen Sie uns definieren, was eine Szene ist. Für diese Klasse werden wir eine Szene als eine Illustration definieren , die aus mehreren Elementen besteht. Diese Elemente können eine Korrelation zwischen ihnen haben oder nicht. Eine Szene wird in der Regel etwas zeigen, das entweder jetzt passiert oder in der Vergangenheit passiert ist oder in der Zukunft passieren wird. Nun, wenn Sie kein Blumenmensch sind, fürchte dich nicht, ich möchte nicht, dass Sie das Gefühl haben, dass Sie etwas Delegiertes zeichnen oder sogar aufwendig, wenn das nicht Ihr Ding ist, würde ich gerne, dass Ihr Hauptaugenmerk auf die Schaffung einer Szene geht, die funktioniert. Blumen sind nur ein Verankerungspunkt. Ich entschied mich, Blumen zu pflücken, weil sie auf so viele verschiedene Arten interpretiert werden können, und sie sind relativ lustig und leicht zu zeichnen. Bitte fühlen Sie sich frei, Blumen zu interpretieren, wie Sie möchten. Sie können Ihre Blumen so abstrakt oder realistisch zeichnen, wie Sie wollen, so groß oder so klein wie Sie wollen, Sie können eine zeichnen oder Sie können viele zeichnen, das liegt an Ihnen. Aber ich würde auf jeden Fall gerne eine Blume in Ihrem Projekt sehen. Dies liegt daran, dass dies die einzige Besonderheit ist, die alle unsere Projekte gemeinsam haben werden. Dies erlaubt mir, nicht nur ein bisschen von Ihrer Persönlichkeit zu sehen, sondern ich finde es auch so inspirierend, die vielen verschiedenen Wege zu sehen , auf denen wir dieselbe Aufforderung interpretieren. Neben Ihrer blumigen Aufforderung gibt es noch andere wichtige Elemente, über die wir denken müssen, bevor wir unsere Szene erstellen. Die Lage ist einer von ihnen. Dieses Element ist von entscheidender Bedeutung, denn ohne an einem bestimmten Ort nachzudenken, haben wir keinen Kontext für eine Szene. Ihr Standort kann alles sein, kann drinnen oder draußen sein. Ich würde nur vorschlagen, dass Ihr Standort etwas irgendwie spezifisches ist, wie eine Küche, ein Schlafzimmer oder eine bestimmte Art von Wald, alles, was uns einen breiteren Kontext geben kann, der funktionieren wird. Das nächste, worüber wir nachdenken müssen, ist die Tageszeit. Es kann tagsüber sein, Sonnenuntergang, Dämmerung, was auch immer Sie kitzeln werden. Dies bietet auch so viel Kontext für eine Szene und kann auch Stimmung zu ihrer Illustration hinzufügen. Da ich wirklich sehen möchte, dass Ihre Persönlichkeit durch Ihr Projekt scheint, würde ich auch gerne etwas sehen, das Ihnen gefällt, oder etwas, das Sie viel zeichnen. Es könnte ein Charakter sein, ein Haus, Ihr Haustier, Ihre Lieblingsbecher, oder etwas, das Sie vielleicht denken, es ist interessant, wie ein Stuhl. Die Herausforderung besteht darin, diese Komponenten oder Elemente anhand der Grundtheorie zu organisieren , die wir behandeln, und eine Szene zu erstellen, die funktioniert. Versuchen Sie, es nicht zu viel zu überdenken. Das wäre mein Haupttipp. Das war eines der Probleme, die ich zu Beginn hatte, als ich begann, Szenen zu zeichnen, ich habe es überkompliziert. Der Punkt in dieser ganzen Sache ist, Spaß zu haben. Wenn Sie Spaß haben, während Sie Ihr Projekt durchführen, wird Ihr Projekt dies widerspiegeln. Wenn Sie sich nicht sicher sind, welche Elemente Sie auswählen sollen, können Sie meins verwenden. Für mein Klassenprojekt wird mein florales Element Wildblumen sein. Bis zu einem gewissen Grad, das den Ort beeinflusst, habe ich einen kleinen Patch ausgewählt und das wird mehr Sinn machen , wenn wir durch die Inspiration in einer Lektion gehen. Ich beschloss, die Nacht für die Tageszeit zu wählen, und mein Add-on wird ein Charakter sein, weil es etwas ist, das ich wirklich liebe zu zeichnen. Sie können jede Art von Material verwenden, mit dem Sie sich wohl fühlen. Ich werde Procreate bei dieser Gelegenheit verwenden, hauptsächlich weil es flexibler und einfacher ist , vor der Kamera zu zeigen, was ich mache, aber wenn Sie traditionelle Medien bevorzugen, ist das auch in Ordnung. Gerne können Sie eine Skizze oder eine fertige Illustration zeichnen. Was ich in Ihrem Projekt sehen möchte, sind die Konzepte, die wir in dieser Klasse abdecken werden , und Ihre persönliche Art, sie zu interpretieren. Wenn die Skizze Ihre Interpretation zeigt, ist das großartig, aber es ist auch großartig, wenn Sie sich entscheiden, ein fertiges Stück zu machen. Bitte vergessen Sie nicht, Ihr Projekt hier auf Skillshare hochzuladen, und wenn Sie Instagram haben, teilen Sie es auch dort, und bitte markieren Sie mich oder verwenden Sie diesen Hashtag, damit ich Ihr Projekt finden kann. Mit diesen Dingen können wir nun auf unsere erste Lektion springen. Ich empfehle, einige Notizen zu machen, während wir durch die Blumen-Szene Lektionen gehen. Jetzt sehen wir uns dort. 3. Blickpunkt: In dieser Lektion werden wir darüber sprechen, was ein Schwerpunkt ist und warum es wichtig ist, dass wir darüber nachdenken, bevor wir überhaupt mit dem Zeichnen beginnen. Wir werden sehen, wie wir unseren Schwerpunkt verbessern können. Nun, da wir eine grobe Vorstellung über die Elemente haben , die wir vielleicht in unsere letzte Szene aufnehmen wollen, ist es wichtig, dass wir über Schwerpunkte sprechen. Was ist ein Schwerpunkt? Ein Brennpunkt ist das Element von größerer Bedeutung in einem Bild. Es ist das Element, das unsere Aufmerksamkeit in größerem oder geringerem Maße auf die Szene lenkt, diktiert, was in der Szene passiert, weil alles um einen festgelegten Brennpunkt dreht. Bei der Veranschaulichung einer Szene ist es wichtig, dass wir über unseren Schwerpunkt nachdenken bevor wir überhaupt mit dem Zeichnen beginnen, denn wenn nicht, riskieren wir möglicherweise, dass wir zu viele Elemente in Ihrer Szene hinzufügen und sie möglicherweise übersättigen Schaffung eines Ungleichgewichts oder sogar verwirren den Betrachter, oder wir können auch das Bild übervereinfachen, indem wir nicht viel Kontext um den Brennpunkt hinzufügen und noch einmal, schaffen Verwirrung. In meiner Charakterklasse habe ich erzählt, dass eines der Probleme, die ich damals nicht meine Illustrationen waren, als Porträts und nicht als Szenen. Einer der Hauptgründe, warum dies früher passiert ist, war, weil ich es viel zu viel vereinfachte. Dies ist ein Beispiel für eine übermäßige Vereinfachung. Dies ist eine meiner frühen Illustrationen und ich mag es immer noch sehr. In meinem Kopf war das eine Szene von zwei Mädchen, die zur Post gingen. Leider ist diese Abbildung kein gutes Beispiel für eine gute Szene. Der Grund dafür ist der Mangel an Kontext. Nun, die Charaktere stehen im Mittelpunkt. Dies bedeutet, dass die ganze Aufmerksamkeit auf die Charaktere. Aber das passiert nur, weil es nichts anderes gibt, worauf man achten kann. Der ganze Punkt der Fokuspunkte besteht darin, ein bestimmtes Element über die anderen Elemente in einer Szene zu erheben . Aber in diesem Beispiel der Hauptschwerpunkt alles, was es gibt. Wenn ich auf etwas anderes in der Szene zeichnen müsste, auch wenn es etwas wirklich Minimales war, wie ein Briefkasten oder ein Laternenpfahl oder wenn die Szene Teil eines Comics war, in dem wir mehr Kontexte hatten, dann könnte es funktionieren. Aber ich glaube nicht, dass es alleine so gut funktioniert. Sehen wir uns nun diese Illustration an und versuchen wir zu erraten, was der Hauptschwerpunkt ist. Wenn du gegen den Charakter bist, hast du Recht. Wenn Charaktere in Illustrationen vorhanden sind, werden wir sie in der Regel als Hauptschwerpunkte betrachten und die restlichen Elemente werden in der Komposition oder in der Szene so platziert , dass entweder den Charakter oder die Aktivität, die der Charakter tut. Ein Schwerpunkt kann auch ein Objekt sein, in diesem Fall dieses schöne Haus umgeben von Natur. Ist es möglich, zwei Brennpunkte in einem Bild zu haben? Die Antwort ist ja, es ist möglich. Es ist jedoch sehr wahrscheinlich, dass einer der beiden Schwerpunkte prominenter sein wird als der andere. Ich denke, das einzige, was wir berücksichtigen müssen, wenn wir zwei Schwerpunkte einbeziehen wollen , ist, dass es wichtig ist , dass es eine gewisse Interaktion zwischen den beiden gibt. In dieser Illustration von Ihnen haben wir wirklich zwei Schwerpunkte, die großen Reihen hier und den Charakter, der darauf zugeht. Wenn ich den Hauptschwerpunkt aufgreifen müsste, würde ich sagen, dass das eine Blume ist. Warum ist es, dass in diesem speziellen Beispiel der Charakter nicht der Hauptschwerpunkt ist? Dafür gibt es ein paar Gründe. Der erste Grund ist, weil wir mit Sinn für Skalierung spielen, und wir werden in ein wenig darüber reden. Der zweite Grund ist, dass sich die Handlung in dieser Illustration geschieht, um die Blume dreht. Das ist, die Anwesenheit der Blume, genau da ist diktiert, was immer es ist, dass in der Szene passiert. Eine andere Möglichkeit, den Hauptschwerpunkt in der Illustration zu identifizieren, besteht darin darüber nachzudenken, wie die Illustration ohne dieses Element aussehen wird? Gehen wir nun zurück zu der ersten Illustration, die wir als Beispiel verwendet haben. Stellen wir uns für eine Sekunde vor, dass der Charakter nicht da ist und der Stuhl völlig leer ist. Welches Gefühl würde es Ihnen geben? Wäre es anders? Wäre es mehr oder weniger das Gleiche? Was denkst du, wäre der Hauptschwerpunkt, wenn eine Figur nicht da wäre? Wenn wir die Illustration sehen, wie sie mit einem Charakter darin ist, können wir den Laptop, dieStrickjacke hinter dem Stuhl, sogar die Pflanze,die kleinen Rahmen hinter ihr oder Pflanzen leicht loswerden Strickjacke hinter dem Stuhl, sogar die Pflanze, . Es würde sich nicht viel ändern, aber wenn wir den Charakter loswerden, würden wir eine völlig andere Interpretation dessen bekommen, was dort vor sich geht? Wir haben festgestellt, dass Charaktere und Objekte Schwerpunkte sein können. Aber ich denke, es ist auch wichtig zu erwähnen, dass spezifische Maßnahmen auch Ihre Schwerpunkte sein können. Normalerweise, wenn wir Charaktere zeichnen, kann unser spezifischer Schwerpunkt das Gesicht des Charakters sein, aber dies kann auch eine Aktion sein, die sie mit ihren Händen machen. In diesem Beispiel gehen unsere Augen direkt auf das Gesicht des Charakters. Wir können auch sagen, dass die Handlung, die der Charakter macht, auch das ist, was uns ins Auge fällt. In diesem anderen Beispiel ist es ziemlich unmöglich zu ignorieren, aber es ist auch die Wirkung der Fütterung des Kätzchens, die uns am meisten interessieren könnte. Was ist, wenn wir einen Schwerpunkt noch weiter betonen? Nun, es gibt ein paar Möglichkeiten, dies zu erreichen. Die erste ist die Skala. Wir können dies tun, indem wir mit unterschiedlichen Proportionen im Bild spielen. das Objekt, das wir präsentieren wollen, viel größer oder viel kleiner zu machen, kann unser Brennpunkt wirklich verstärken, genau wie das Beispiel, das wir zuvor gesehen haben, das mit einer Blume. Aber versuchen wir, dafür ein anderes Beispiel zu finden. solche kleinen Charaktere haben, fragen wir uns wirklich eine Menge Dinge; sind sie wirklich klein oder ist alles andere größer? Unabhängig von der Antwort sind unsere Augen auf den Mittelpunkt gestellt. Der nächste ist die Farbe. Verwendung einer anderen Farbe kann unseren Brennpunkt sehr mühelos hervorheben. Dies kann je nach Rest der Palette, die Sie verwenden möchten, eine hellere oder dunklere Farbe sein. Dies ist ein sehr gutes Beispiel, weil die Verwendung von Farbe wirklich effektiv ist. Unsere Augen werden sofort auf die Charaktere gezogen, sowohl die Katze als auch die Person, nur durch die Verwendung einer Farbe, die nirgendwo sonst in der Szene verwendet wird. Platzierung. Hier kommen Kompositionsregeln ins Spiel. An dieser Stelle denke ich, dass es wichtig ist zu erwähnen, dass wir ein Gefühl von Maßstab, Farbe und Zusammensetzung Regeln verwenden können , um unseren Schwerpunkt prominenter zu machen, Sie müssen nicht nur eine auswählen. Jetzt machen wir eine kleine Übung. Ich habe ein Pinterest-Board erstellt, das ich im Ressourcenbereich verlinken werde. Ich möchte, dass wir die Illustrationen in dieser Tafel durchgehen und anfangen, Schwerpunkte zu finden. Diese Übung ist völlig optional und Sie können es in Ihrer eigenen Zeit tun. Ich würde Ihnen vorschlagen, es zu versuchen, weil ich denke, es ist wichtig, Fokuspunkte zu lokalisieren , bevor wir über Kompositionsregeln sprechen. Kompositionsregeln klingen vielleicht ein wenig entmutigend, aber sie können ziemlich lustig sein, damit zu spielen. Sie können uns auch helfen, nicht nur unseren Fokus zu verbessern, sondern unserer Szene ein interessantes Feld zu geben. Wir werden in unserer nächsten Lektion darüber reden. ( MUSIK). 4. Komposition: In dieser Lektion werden wir über einige Kompositionsregeln sprechen , die uns helfen, unsere Szene für unser endgültiges Projekt zu erstellen. Wir werden auch ein paar Beispiele durchlaufen , die uns helfen, diese Regeln ein wenig besser zu verstehen. Lassen Sie uns zunächst anfangen zu definieren, was eine Komposition ist. Komposition ist einfach die Art und Weise, wie wir Elemente in einem Kunstwerk platzieren. In diesem speziellen Fall wäre die Komposition die Art und Weise, in der wir die Elemente in unserer Szene für ein Klassenprojekt platzieren und zeichnen. Unser Ziel ist es, dass unsere Szene schön und interessant aussieht. Wie machen wir das? Es gibt mehrere Regeln, die uns helfen können, unsere Komposition interessanter aussehen zu lassen, aber bevor wir beginnen, über diese Regeln zu sprechen, ist es wichtig, dass wir das Element oder die Elemente betrachten , die wir in unserer Illustration hervorheben möchten, oder mit anderen Worten, wir müssen über unseren Schwerpunkt nachdenken. Es ist in Ordnung, wenn Sie an dieser Stelle immer noch unsicher sind welches Element Sie auswählen sollen, damit es der Schwerpunkt Ihrer Szene ist, aber nur als Referenz, werde ich Ihnen meine sagen. Dies werden die Elemente sein, die ich in mein Klassenprojekt aufnehmen möchte , und da mein Add-on ein Charakter ist, möchte ich dieses Element hervorheben und damit es mein Schwerpunkt ist. Jetzt werden wir über einige Kompositionsregeln sprechen und wir werden nicht über jeden einzelnen von ihnen sprechen , aber ich werde mit Ihnen diejenigen teilen , die ich am meisten benutze, und wir werden ein paar Beispiele sehen. Die erste ist die Regel der Drittel, die ich denke, ist die häufigste, oder die meisten Mainstream, sagen wir. Um diese Regel anzuwenden, werden wir unsere Seite in ein Raster aufteilen und wir werden zwei horizontale Linien und zwei vertikale Linien haben. Jetzt müssen wir über die Orte nachdenken, an denen sich diese Linien schneiden und diese werden die Orte sein, an denen wir vielleicht unseren Schwerpunkt setzen wollen. Sehen wir uns ein Beispiel an. Dies ist eine sehr schöne und ausgewogene Komposition und da es einen Charakter gibt, können wir sagen, dass der Hauptschwerpunkt das Gesicht des Charakters ist. Wenn wir ein Raster über dieses Bild anwenden, werden wir sehen, dass sich zwei der Linien genau dort schneiden, wo sich der Kopf befindet. Wenn wir diese Kompositionsregel in unseren Illustrationen verwenden, werden wir eine natürliche und ausgewogene Szene haben. Unsere nächste Regel ist es, den Brennpunkt einzurahmen. Jetzt schauen wir uns diese schöne Illustration hier an. Wir können sehen, dass die beiden Charaktere direkt in der Mitte sind und ich denke, dass wir sie als unseren Hauptfokal betrachten würden, und es gibt viele Objekte um sie herum. Wir können hier sehen, dass es Rahmen oder Bilder über ihnen gibt und neben ihnen Pflanzen gibt, und es gibt hier ein kleines Element, das den Charakter auf eine wirklich schöne und subtile Art und Weise umrahmt. Verwendung dieser Kompositionsregel ermöglicht es uns, mehr Kontext zu einer Szene hinzuzufügen. Die nächste Regel besteht darin, unseren Schwerpunkt zu zentrieren. In diesem Beispiel können wir sofort sagen, dass der Brennpunkt ein Tiger ist und wir können auch sofort sagen, dass der Brennpunkt direkt in der Mitte platziert ist. Wenn wir oben auf dieser Abbildung ein Raster anwenden, werden wir dies bestätigen. Diese Kompositionsregel wird uns eine wirkungsvolle und direkte Szene geben. Unsere nächste Regel oder Richtlinie ist es, unseren Fokus ein wenig außerhalb der Mitte zu stellen. Ich denke, diese Regel schafft sehr interessante Kompositionen und lässt ihn ein bisschen dynamischer aussehen, und das ist die, die ich am meisten für meine Illustrationen zu gehen neige. Wir werden ein Gitter oben auf dieser Illustration anwenden, damit wir genau sehen können , wie unser Charakter oder unser Brennpunkt außerhalb der Mitte ist. Wir können sagen, dass der Charakter nicht notwendigerweise in einem der Kreuzungen platziert ist, und wir können auch sagen, dass der Charakter nicht unbedingt in der Mitte ist, aber er nimmt den größten Teil des zentralen Quadrats in unserem Gitter. Bedeutet das, dass wir, weil wir eine Kompositionsregel verwenden, bei der der Brennpunkt hauptsächlich im Mittelpunkt steht , Ihren Fokus auf dem zentralen Quadrat platzieren müssen ? Die Antwort lautet „Nein“. Sie können Ihren Brennpunkt in einem oder mehreren der zentralen Quadrate platzieren Dies kann sowohl für zentrale Kompositionen als auch für außerzentrierte Kompositionen gelten. Lassen Sie uns ein Beispiel mit einer Off-Center-Kompositionsregel sehen. Wir können sehen, dass die Hauptaktion auf dem zentralen Platz stattfindet. Die Figur besetzt diese beiden Quadrate und wir machen sie nicht winzig, um in die zentrale zu passen. Wir können sehen, dass nichts in irgendeiner der Kreuzungen hier platziert wird und wenn ich die Regel der Drittel verwenden würde, müssten wir einen Charakter ein wenig mehr nach links platzieren , damit ihr Kopf in einer der Kreuzungen steht. In diesem speziellen Fall ist sie jedoch etwas außerhalb der Mitte. Ich bin ein Fan dieser Kompositionsregel, weil ich denke, dass es ziemlich schwierig ist. Ich denke, dass unser Gehirn erwartet, den Brennpunkt direkt in der Mitte zu lokalisieren, aber es ein wenig außerhalb der Mitte zu haben , verwirrt uns wirklich ein wenig und zieht unsere Aufmerksamkeit noch mehr auf sich. Unsere Gehirne sind sehr gut ausgestattet, um herauszufinden, wann etwas ausgeschaltet ist und diese Kompositionsregel funktioniert, weil die Offness sehr minimal ist. Es ist genug, um unsere Aufmerksamkeit zu bekommen, aber nicht genug, um es seltsam aussehen. Gehen wir zurück zu diesem Beispiel. Erinnern Sie sich an die anderen beiden Möglichkeiten, neben der Verwendung von Kompositionsregeln einen Schwerpunkt zu verbessern ? Kannst du erraten, welcher hier benutzt wird? Wenn du Farbe gesagt hast, hast du Recht. Die Komposition in dieser Illustration ist so schön geplant, unser Schwerpunkt ist ein Charakter, der eine sehr spezifische Aktion durchführt. In diesem speziellen Fall kocht der Charakter und alle Objekte in der Szene werden in einer bestimmten Weise platziert, die die Durchführung dieser Aktion erleichtern. Außerdem wird die Off-Center-Regel verwendet. Der Brennpunkt wurde noch weiter verbessert, indem eine Farbe verwendet wird, die nirgendwo anders in der Szene verwendet wurde. Bevor wir in unsere nächste Lektion gehen, möchte ich, dass wir eine kleine Übung machen, die uns helfen wird, uns sozusagen aufzuwärmen und darüber nachzudenken, wie die Kompositionsregeln anwenden, die wir in dieser Lektion gesehen haben. Alles, was Sie brauchen, ist eine Kamera auf Ihrem Handy. Ich möchte, dass Sie das Raster auf Ihrem Telefon aktivieren und wenn Sie es nicht aktiviert haben, können Sie es auf diese Weise aktivieren. Wenn Sie ein iPhone haben, gehen Sie einfach zu Einstellungen, Fotos und Kamera, und wählen Sie einfach „Raster“. Wenn Sie ein Android-Telefon haben, gehen Sie einfach direkt in die Kamera, tippen Sie auf das Zahnrad und wählen Sie „Gitternetzlinien“. Ich möchte, dass Sie so viele Fotos machen, wie Sie möchten, indem dieses Raster verwenden und vielleicht verschiedene Kompositionsregeln für den gleichen Brennpunkt verwenden. Vielleicht versuchen Sie, in der Mitte zu platzieren, vielleicht ein wenig außerhalb der Mitte, und vielleicht versuchen Sie herauszufinden, welche Sie ein wenig mehr ins Auge fällt. Wenn Sie keinen Zugriff auf ein Kameratelefon haben, würde ich vorschlagen, sehr grobe Skizzen eines Brennpunkts Ihrer Wahl zu machen und verschiedene Möglichkeiten zu versuchen, dasselbe Objekt auf Ihrem Raster zu platzieren. Versuchen Sie, Ihre Skizzen so minimal wie möglich zu halten, damit Sie viele zeichnen und entscheiden können , welche Kompositionsregel Ihnen am besten gefällt. Es wäre schön, Ihre Fotos auch zu sehen. Ich liebe es immer, den gesamten Prozess eines Projekts zu sehen, also bitte zögern Sie nicht, sie in den Prognosebereich hochzuladen, wenn Sie möchten. Jetzt sind wir bereit, in unsere nächste Lektion zu gehen. In unserer nächsten Lektion werden wir über Tiefe und wie wir es in unseren Illustrationen erreichen können, und wir werden auch eine Methode sehen, die uns helfen kann, dies zu erreichen. 5. Tiefe: In dieser Lektion werden wir darüber sprechen, wie wir unseren Illustrationen Tiefe hinzufügen können. Ich werde mit Ihnen eine schnelle Methode teilen, die uns helfen kann, dies wirklich leicht zu erreichen. Tiefe ist eines der Dinge, die ich am meisten kämpfte, als ich angefangen habe, Szenen zu zeichnen. Ich war mir nicht sicher, wo ich die Elemente in meiner Szene platzieren sollte. Ich denke, das ist einer der Gründe, warum ich die Dinge immer vereinfachte , weil ich es früher so überwältigend fand. Aber es stellt sich heraus, dass das Hinzufügen von Tiefe etwas sehr einfaches und lustiges zu tun ist. Nur eine kleine freundliche Erinnerung, das Hinzufügen von Tiefe ist keine Voraussetzung. Wenn das Überspringen dieses Schritts etwas ist, das Sie stilistisch bevorzugen, ist das völlig in Ordnung. Was ist Tiefe? Tiefe ist die Illusion der Entfernung in einem Bild. Tiefe kann uns helfen, unsere Szene ein wenig komplexer zu machen und kann uns helfen, ein wenig mehr Kontext zu einer Szene hinzuzufügen. Sehen wir uns nun einige Beispiele an. In dieser Illustration, die eines meiner frühen Arbeiten ist, sehen wir eine grobe Anwendung der Regel der Drittel. Ich benutzte einen violetten Farbton ein wenig dunkler auf ihrem Hemd, und ich benutzte Skala, um sie im Vergleich zum Baum und ihrer Umgebung ein wenig klein aussehen zu lassen. Wir können aber nicht sagen, dass es hier ein Gefühl der Tiefe gibt. Der Grund dafür ist, dass alles in dieser Szene im Vordergrund geschieht. Ein Vordergrund ist ein Teil der Szene, der näher am Betrachter liegt. Schauen wir uns dieses Beispiel an. Dies ist eine sehr schöne Szene, in der alle Elemente auch in den Vordergrund gestellt werden. Wie bereits erwähnt, kann das Platzieren der Elemente so eine stilistische Wahl sein und kann sehr effektiv sein, wenn Sie möchten, dass Ihre Illustration einfach und elegant aussieht und wenn Sie möchten, dass Ihre Szene auch wirkungsvoll ist. Aber wenn wir einer Szene ein Gefühl der Tiefe hinzufügen wollen, dann ist es wichtig, dass wir neben dem Vordergrund über den Hintergrund nachdenken, der das Gegenteil zum Vordergrund ist. Das heißt, was am weitesten vom Betrachter entfernt ist. Hintergrund ist ein Begriff, mit dem wir alle vertraut sind, und manchmal neigen wir dazu, ihn mit Tiefe zu assoziieren, was möglicherweise nicht unbedingt zutrifft. In dieser Abbildung haben wir einen Hintergrund von Zweigen und Blättern, aber nicht Tiefe. Das funktioniert wunderbar als Porträt, weil der Hintergrund den Charakter umrahmt ihn noch weiter verbessert. Wir können sagen, dass der Hintergrund, in diesem Fall Blätter hinter dem Charakter platziert sind, was sie zum entferntesten Objekt vom Betrachter macht. Aber sie sind nicht allzu weit vom Betrachter entfernt. Hintergrund und Vordergrund sind zu nahe beieinander. Deshalb gibt es nicht notwendigerweise ein Gefühl der Tiefe, das überhaupt nicht schlecht ist. Wie ich bereits sagte, kann das eine stilistische Wahl sein. In diesem Fall funktioniert der Mangel an Tiefe wunderbar. In diesem anderen Beispiel haben wir Bäume und ein bisschen mehr Sinn für Tiefe. Dies geschieht, weil der Hintergrund etwas weiter von den Zeichen im Vordergrund platziert wird. Mit anderen Worten, die Lücke vom Vordergrund und dem Hintergrund ist größer. Diese Lücke hat einen Namen, und das ist, was wir Middleground nennen, das ist die Entfernung, die zwischen dem Vordergrund und dem Hintergrund liegt. Lassen Sie uns ein paar Beispiele sehen. In diesem Beispiel sind das Objekt, das näher an uns ist, die Büsche. Also werden wir sie als unseren Vordergrund betrachten. Das Mädchen und der Welpe werden unser Mittelfeld sein, und die Bäume sind unser Hintergrund. In diesem anderen Beispiel mit noch mehr Sinn für Tiefe können wir auch einen Vordergrund, einen Mittelgrund und einen Hintergrund sehen . Wir können hier sehen, dass das Mittelfeld ziemlich groß ist, was den Eindruck eines größeren Tiefengefühls erweckt. Die einzige Regel, die wir befolgen müssen, wenn wir mit Tiefe arbeiten, ist, dass das Objekt, das wir im Vordergrund zeichnen, größer sein muss als das, das wir im Hintergrund zeichnen. Es ist auch erwähnenswert, dass Sie Ihren Brennpunkt an jedem dieser Orte zeichnen können. Denken Sie nur daran, wie wir unseren Schwerpunkt verstärken können. Es gibt etwas wirklich Cooles, das wir mit Tiefe machen können und das spielt mit der Stimmung in unserer Szene. Normalerweise, wenn wir unseren Fokus in den Vordergrund stellen, haben wir die Illusion, dass es ein Gefühl der Intimität gibt. Da wir dem Hauptelement in dieser Szene am nächsten sind, fühlen wir uns so, als wären wir fast da. Wenn wir unseren Schwerpunkt in der Mitte setzen, was meiner Meinung nach die häufigste Platzierung ist. Wir fühlen uns wie Expectators, aber nicht unbedingt so eingetaucht, als hätten wir den Brennpunkt im Vordergrund. Wenn wir uns entscheiden, unseren Fokus in den Hintergrund zu stellen,könnte das uns ein Gefühl von Geheimnis geben, fast als wären wir Höhepunkt könnte das uns ein Gefühl von Geheimnis geben, und fast so, als ob wir nicht erleben sollten, was in unserer Szene passiert. Nun haben wir all diese Informationen, aber was ist, wenn wir uns noch nicht sicher sind, wo wir unsere Elemente in unserer Szene platzieren sollen. Wenn Sie so etwas wie ich sind und Sie Methoden etwas spezifischer bevorzugen, würde ich vorschlagen, dass Sie das folgende versuchen. Lassen Sie mich Ihnen sagen, dass ich das Gefühl habe, dass ich geholfen habe, mit dieser Methode zu kommen, aber stellt sich heraus, dass dies eine sehr alte Methode ist. Leider kann ich dafür keine Anerkennung annehmen. Aber diese Methode ist sehr praktisch und kann ziemlich Spaß machen. Sehen wir uns nun ein Beispiel an. Hier sehen wir den Vordergrund, den Mittelgrund und den Hintergrund. Aber wenn wir eine spezifischere Möglichkeit wollen, Elemente in unserer Szene hinzuzufügen, können wir dies vollständig tun, indem wir die Elemente in der Komposition überlagern. Zum Beispiel, wenn wir eine Linie zeichnen, wo die Elemente gezeichnet werden, werden wir langsam mit einer Richtlinie kommen. Es muss nicht perfekt oder präzise sein, aber das kann wirklich nützlich sein, wenn wir uns ein bisschen überwältigt fühlen und wir nicht wirklich wissen, wo wir unsere Elemente in unserer Szene platzieren sollen. Unsere Richtlinien müssen nicht unbedingt gerade Linien sein. In diesem Beispiel werden die Pflanzen, die näher an uns sind, auf einer geraden Linie platziert. Aber die zweite Ebene ist eine gekrümmte, in der kleine Blumen platziert werden, unseren Charakter oder unseren Brennpunkt umrahmen, dieunseren Charakter oder unseren Brennpunkt umrahmen,der auf einer geraden Linie platziert wird, sowie die anderen Ebenen in der Szene. In dieser Szene sind alle Ebenen gerade, aber Ebene 2 ist vertikal eingestellt, und wenn man sie etwas genau betrachtet, ist Schicht 3 auch ein wenig geneigt. Sie können diese Linien nach Ihren Wünschen zeichnen. Es gibt keinen festgelegten Weg. Es kann so nahe beieinander liegen, wie Sie möchten, und Sie können so viele Ebenen haben, wie Sie möchten. Experimentieren Sie und sehen Sie, welche Ihnen am meisten gefällt. Denken Sie daran, dass die Objekte im Vordergrund größer sind als die im Hintergrund. Eine andere Sache, die Sie beim Zeichnen Ihrer Richtlinien beachten müssen , ist , welche Teil Ihres Vordergrunds, Mittelgrunds und Hintergrunds sein werden. Nur eine kurze letzte Anmerkung, diese Richtlinien sind da, um uns eine grobe Vorstellung davon zu geben , wo wir unsere Elemente platzieren möchten. Aber natürlich steht es Ihnen frei, die Lücken auszufüllen, die sie in Ihrer Illustration verbleiben könnten, wie Sie es wünschen. Ich habe einige zufällige Richtlinien in die Registerkarte Ressourcen aufgenommen , falls Sie sie ausprobieren und nur zum Spaß ausprobieren möchten. An dieser Stelle haben wir ziemlich viel Theorie behandelt, die uns eine grobe Vorstellung davon geben sollte, wie wir unser endgültiges Projekt machen können. Jetzt ist es an der Zeit, Inspiration zu finden, damit wir anfangen können, Ihre Szene zu zeichnen. In unserer nächsten Lektion teile ich Ihnen meine Lieblings-Inspirationsquellen , wenn ich an einem Projekt arbeite. Wir sehen uns dort. 6. Formen: In dieser Lektion möchte ich sehr schnell mit Ihnen teilen, wie ich meine Blumen zeichne, falls sie mühsam sind, oder wenn Blumen etwas sind, das Sie nicht oft zeichnen und gerne eine schnelle Technik lernen möchten, um sie leicht zu zeichnen. Das erste, was ich mag, ist, die Gesamtform der Blume zu identifizieren, die ich zeichnen möchte. Ich denke, dass die gebräuchlichsten Formen ein Kreis, ein Dreieck und ein Rechteck sind . Normalerweise haben die meisten Blumen mit dieser Vorderansicht eine kreisförmige Form. Normalerweise haben Blumen mit Seitenansicht eine dreieckige Form. Gewöhnlich, boxy Art von Blumen wie Tulpen, werden wirklich quadratisch sein. Das nächste, was ich gerne mache, ist zu lokalisieren, wo das Zentrum der Blume sein würde. Dies hilft mir zu verstehen, woher die Blütenblätter kommen werden. Jetzt werde ich einen Kreis zeichnen, und ich werde die Mitte der Blume hier platzieren, und ich werde vertikale Linien wie diese zeichnen. Das wird sozusagen das Skelett sein. Nun, ich werde das verwenden, um meine Blütenblätter zu zeichnen, und diese werden eine Tropfenform haben. Ich werde nur die Mitte meiner Blume und einige andere Details zeichnen. Wenn ich mit Perspektive spielen möchte, werde ich die gleiche Technik verwenden, aber anstatt einen Kreis zu zeichnen, werde ich ein Oval zeichnen, und ich werde meine Blütenblätter in meiner Mitte meiner Blume auf die gleiche Weise hinzufügen, wie ich es vorher getan habe. Wenn ich das Gefühl habe, dass Blütenblätter fehlen, werde ich sie einfach hinzufügen, um die Lücken zu füllen. Wenn ich eine Blume mit einem Dreieck zeichnen möchte, ist das erste, was ich tun muss, zu bestimmen, wo das Zentrum sein würde, und normalerweise ist hier unten rechts. Ich werde meine Linien zeichnen, dass sie meine Blütenblätter werden, und dann werde ich nur einige zusätzliche Details hinzufügen. Wenn ich möchte, dass meine Blume ein wenig offener aussieht, werde ich einfach ein paar zusätzliche Blütenblätter an den Seiten meines Dreiecks hinzufügen, und das wird den Trick tun. Für boxige Blumen neige ich dazu, das gleiche zu verwenden. Richten Sie einfach die Mitte aus, die normalerweise unten ist. Ich neige dazu, die Blütenblätter zu zeichnen, weil ich eine bessere Vorstellung davon habe , wie die Blütenblätter in das Rechteck passen. Aber natürlich, wenn es einfacher für Sie ist, die Linien zu zeichnen und dann die Blütenblätter zu zeichnen, dann ist das auch völlig in Ordnung. Dann füge ich einfach ein paar zusätzliche Details hinzu, und das ist meine Tulpe. Es gibt zwei Dinge, die ich empfehle, darauf zu achten, wenn wir Blumen zeichnen. Die erste ist die Form des Blütenblattes, und die zweite ist der Durchmesser der Mitte der Blume, die wir zeichnen. Ich denke, dass diese beiden Dinge uns wirklich helfen , die Art der Blume zu unterscheiden, die wir zeichnen. Jetzt, in diesem Beispiel, werde ich eine Blume mit fünf Blütenblättern zeichnen. Ich werde Blütenblätter verwenden, die gekräuselte Kanten haben. Das Zentrum meiner Blume wird ziemlich groß sein. Dann werde ich nur einige zusätzliche Details hinzufügen, die helfen werden , die Blume noch mehr zu differenzieren. Nun, wenn ich eine andere Art von Blütenblatt verwende, habe ich immer noch die gleiche Struktur, aber es sieht aus wie eine völlig andere Blume und das Zentrum ist ziemlich klein, so dass es sehr anders aussieht. Es ist das gleiche, wenn Sie sich entscheiden, eine Blume mit einer dreieckigen Form zu zeichnen. Nur indem wir die Art des Blütenblattes ändern, können wir eine völlig andere Blume bekommen. Das ist vor allem, was ich tue. Wann immer ich eine Blume zeichnen muss, besonders wenn es eine Art von Blume ist, die ich nicht dazu neige, so oft zu zeichnen, kommt diese Technik zur Rettung. Hoffe, dass Sie diese Technik auch nützlich finden. Nun, machen wir uns bereit, unser Klassenprojekt zu zeichnen. 7. Skizze: In dieser Lektion werden wir endlich unsere Szene zeichnen, und in dieser Lektion werde ich mit Ihnen teilen, wie ich meine gezeichnet habe. Nur eine kleine kurze Notiz. Es dauerte ungefähr anderthalb Stunden, um meine Szene zu zeichnen, also habe ich mein Bestes versucht, all dieses Material und Informationen in ein Video zu verdichten , das nicht zu lang ist, um es anzuschauen Bitte bedenken Sie das, wenn wir diese Lektion durchlaufen. Jetzt ist es endlich an der Zeit, unsere Szene zu zeichnen. Nur eine kurze Erinnerung, Sie sind willkommen, eine Skizze oder ein fertiges Stück hochzuladen und lassen Sie uns die Theorie im Kopf behalten, die wir in dieser Klasse gesehen haben, während wir unsere Szene zeichnen. Das erste, was wir tun müssen, bevor wir anfangen, unsere Szene zu zeichnen , ist, ein Gitter zu erstellen, damit wir wissen, wo wir unseren Schwerpunkt platzieren können. Wie ich es gerne mache, benutze ich meine Finger, um die Entfernungen zu messen, und ich versuche es sehr grob zu machen. Denken Sie daran, dass dies Richtlinien sind und sie nicht genau sein müssen, aber das hilft mir wirklich, dass sie mehr oder weniger genau sind, sagen wir. Ich werde drei Finger benutzen, ich denke, das ist eine gute Maßnahme und ich werde nur eine kleine Markierung direkt dort setzen, und natürlich können Sie ein Lineal verwenden, wenn Sie Zugang zu einem haben, aber ich denke, das ist einfach wirklich praktisch, weil Sie tun können es überall zu jeder Zeit. Jetzt, da wir unsere Marker haben, können wir anfangen, unsere zwei vertikalen Linien und unsere zwei horizontalen Linien zu zeichnen. Für mein Projekt denke ich, dass ich die Regel der Drittel verwenden werde, also werde ich wirklich auf die Kreuzungen achten und ich werde Kopf meines Charakters in dieser Kreuzung genau hier platzieren. Jetzt ist es an der Zeit, unsere Richtlinien zu erstellen, und ich möchte es wirklich einfach halten und ziemlich viel Freiraum haben , damit ich die Wolken und den Mond zeichnen kann, den ich zeichnen wollte, also werde ich nur diese Linien so zeichnen, nur drei Ebenen für meine Illustration, und ich werde nur meinen Charakter ein wenig kleiner machen, also habe ich ein wenig mehr Platz, um die Blumen, die ich zeichnen möchte, passen. Im Moment werde ich nur mehrere Elemente und mehrere Blumen mit dieser Richtlinie platzieren , und ich werde die Lücken dazwischen füllen. Wie hier werde ich nur weiter hinzufügen und wirklich auf meine Richtlinien achten. Ich bin ziemlich zufrieden mit meinem Mittelweg und ich mag es wirklich, dass wir uns unserem Charakter nahe fühlen. Jetzt, wenn ich diese grundlegende Skizze habe, möchte ich eine bessere Skizze skizzieren, wenn das Sinn macht, nur um sie ein wenig zu polieren, weil ich finde, dass, wenn ich viele Linien habe, ich einfach verwirrt werde und ich weiß nicht genau, welche sind die diejenigen, die ich behalten möchte. Jetzt werde ich die Pose meines Charakters zeichnen, und eines der Dinge, die ich an Posen wie diesem mag, ist, dass es fast so ist, als ob ein Charakter uns zuwendet und uns etwas sagt, das ich denke, Das ist also immer schön. Jetzt werde ich die Blumen hinzufügen, die ich in meinem Fleck von wilden Blumen gesehen habe. Es wird ein paar Löwenzahn geben, diese winzigen lila Blumen und ich möchte wirklich, dass meine Szene üppig aussieht, und natürlich muss ich meinen Halbmond und meine Wolken zeichnen, und ich werde weiter die Lücken füllen, aber sehr achtsam auf die Schichten, die ich beschlossen habe, zu erstellen. Jetzt werde ich nur überprüfen, ob mein Brennpunkt mit meinem Gitter am richtigen Ort ist, und ich werde auch meinen Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund schattieren, und ich denke, dass meine Skizze fertig ist. Ich möchte meiner Szene etwas Farbe hinzufügen, also werden wir das als Nächstes tun, und was ich gerne mache, ist nur Farbe auf meiner Skizze hinzuzufügen und das gibt mir eine grobe Idee oder wie die Szene oder die Komposition aussehen wird wie. Meistens neige ich dazu, meine Meinung zu ändern, wenn es um die Farbplatzierung in meinen Illustrationen geht, aber das passiert, weil Farbe für mich so wichtig ist und ich sicherstellen möchte , dass meine Illustration kommuniziert, was ich wollte kommunizieren, indem ich Farbe verwende, und deshalb neige ich dazu, ein wenig wählerischer zu sein , wenn ich die Platzierung der Farben entscheide, aber ehrlich Hinzufügen von Farbe ist ein Teil, den ich am meisten genieße. Normalerweise neige ich dazu, sozusagen eine Hauptfarbe auszuwählen und den Rest meiner Palette basierend auf dieser Hauptfarbe zu bearbeiten. Für diese Szene wollte ich dieses tiefe Blau verwenden, weil unsere Szene nachts stattfand, und ich wollte sicherstellen, dass das auch mit den Farben zutrifft. Einer der Gründe, warum ich mich für meine Illustration entschieden habe, ist, weil ich wollte, dass meine Illustration auf meiner Szene einen magischen Sinn für sie hat. Ich werde weiterhin meine anfängliche Farbplatzierung referenzieren , damit ich die richtigen Anpassungen vornehmen kann. Wie im Moment denke ich, dieses lila kleine Blatt sieht besser aus als das Original, und ich denke, dass es sollte diese Farbe anstatt die ursprüngliche bleiben und nur sicherstellen, dass die Farbe tatsächlich gut aussieht. Jetzt muss ich sicherstellen, dass die Details, die ich hinzufügen werde, tatsächlich gut gehen in Bezug auf Farbe und in Bezug auf die Zusammensetzung unter Berücksichtigung der Linien, die ich zu verwenden entschieden habe. Damit meine ich, dass ich keine zusätzlichen Elemente hinzufügen möchte, die die ursprünglichen Layering-Hilfslinien, die ich am Anfang gezeichnet habe, nicht respektieren. Wann immer ich eine Illustration mache, macht es immer so viel Spaß der Szene kleine Details wie Schattierung hinzuzufügen, wie kleine Sterne hier, die ich gerne hinzufügen möchte, nur um dieses magische Gefühl zu geben oder einfach nur um dieses magische Gefühl ein wenig zu verstärken etwas mehr, und um kleine Details auf meinen Blättern, auf meinen Blumen hinzuzufügen. Ich denke, dass kleine Details wirklich heben und verbessern die Illustrationsfarbe. Selbst in einfachen Illustrationen kann das Hinzufügen von kleinen Details Ihre Illustration besonders schön und poliert aussehen lassen. Jetzt werde ich meinen Charakter dazu bringen, ein Kleid zu tragen, und ich werde eine Farbe verwenden, die ich nirgendwo anders benutzt habe , weil ich wirklich ihren Welpe machen will. Ich werde ein paar Elemente hinzufügen meine ursprünglichen Layering-Guides respektieren, wie dieses kleine Blatt hier, und ich werde auch anfangen, meine Illustration zu schattieren. Ich denke wirklich, dass Schattierungen eine Szene etwas atmosphärischer aussehen lassen. Während ich ständig verschiedene Elemente zu meiner Szene hinzufüge, muss ich sicherstellen, dass ich speziell auf meinen Layering-Guide verweise, und an diesem Punkt denke ich, dass ich die meisten oder alle Elemente enthalten habe , die ich möchte, dass sie Teil meiner -Szene. Wir haben den Charakter, den ich zeichnen wollte, es ist eine nächtliche Szene, der Ort, an dem es ein kleines Stück Blumen ist, und ich habe meine wilden Blumen, also muss ich nur darauf achten, dass und ich habe meine wilden Blumen, ich immer wieder kleine Details hinzufüge und Schattierung und Texturen, damit meine Szene so aussieht, wie ich es möchte. Hinzufügen von Texturen ist auch für mich so wichtig, weil ich wirklich möchte, dass meine digitalen Illustrationen so aussehen, als wären sie auf Papier und Textur hat mir dabei wirklich geholfen. Ich bin ziemlich zufrieden mit meiner Szene, wie sie jetzt ist, und das ist meine ursprüngliche Skizze und das ist meine letzte Szene. Ich bin eigentlich ziemlich glücklich damit, wie es sich herausstellte. Ich mag es, einen sehr kurzen Mittelweg zu halten weil es mir die Illusion von Nähe gibt, und ich denke, dass ein sehr einfacher Schichtführer mir geholfen hat, das zu erreichen. Dies ist meine letzte Szene, und ich bin wirklich aufgeregt, Ihre zu sehen, also werde ich Sie noch einmal daran erinnern, Ihr Projekt bitte in den Projektbereich hochzuladen. Ich bin sehr aufgeregt zu sehen, was du dir einfällt, und wir sind fast fertig mit dieser Klasse, aber bevor wir gehen, werde ich gerne ein paar Worte sagen, also sehen wir uns im nächsten Stück. 8. Ein paar Worte: Du hast es geschafft. Ja, herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieser Klasse. Wir hatten Spaß, nicht wahr? Wir haben ziemlich viel gedeckt. Wir haben über Schwerpunkte, Kompositionsregeln, Tiefe, Stimmung gesprochen , durch mehrere Quellen der Inspiration gegangen und wir zeichnen unsere Szene. Vergessen Sie übrigens nicht, es hochzuladen, damit wir alle Ihre harte Arbeit sehen können. Ich hoffe wirklich, dass du dich jetzt ein bisschen selbstbewusster fühlst , wenn du Szenen zeichnen willst und hoffe, dass du dich inspiriert fühlst, um Szenen zu experimentieren und zu zeichnen, mit verschiedenen Elementen mit unterschiedlichen Tiefen, vielleicht unterschiedlichen Kompositionsregeln, und vielleicht jetzt, wenn Sie Illustrationen oder Fotos oder Filme sogar sehen, jetzt möchten Sie sie vielleicht ein wenig studieren und herausfinden, warum sie so aussehen, wie sie es tun. Bitte vergessen Sie nicht, Ihr Projekt hochzuladen, und es ist so toll, die vielen verschiedenen Stile und Möglichkeiten zu sehen, eine Klasse zu interpretieren. Wenn Sie Ihr Projekt mit mir auf Instagram teilen möchten, markieren Sie mich bitte oder verwenden Sie diesen Hashtag. Nun, ich werde auch meinen Benutzernamen hinterlassen, und bitte folgen Sie mir auch hier, damit Sie benachrichtigt werden, wenn die nächsten Klassen abgeschlossen sind. Nochmals vielen Dank. Wir sehen uns bald. Kümmere dich um. Tschüss für jetzt.