Komposition für Illustratoren: Ideen ausdrücken mit Struktur und Stil

1. Trailer: Dieser Kurs heißt Komposition für Illustratoren. Es geht darum, die Dinge in unserer Kunst so anzuordnen , dass sie gut aussehen , die richtige Geschichte erzählen und auf der Seite alles gut zusammenpasst Derzeit gibt es keine Kurse, in denen Illustratoren direkt Komposition auf die spezielle Art und Weise vermittelt in denen Illustratoren direkt Komposition , die ich illustriere, also in einem flacheren Grafikstil und nicht in einem eher dreidimensionalen oder realistischen Ich habe diesen Kurs erstellt, um die Kompositionsregeln verständlicher zu machen Kompositionsregeln verständlicher zu und, was noch wichtiger ist, um sie für Sie einfacher Dieser Kurs richtet sich an alle, die endlich verstehen wollen, was eigentlich Komposition ist und wie sie funktioniert Mein Name ist Mr. Tom Rose. Ich bin ein preisgekrönter Illustrator und ein Top-Lehrer bei Skillshare Wenn du selbstbewusster und meisterhafter in deinen Kompositionen werden willst , habe ich diesen Kurs für dich gemacht Ich hoffe, du schließt dich mir auf Skillshare an. Ich sehe dich im Unterricht. 2. Über den Kurs und das Projekt: In diesem Kurs dreht sich alles um Komposition zur Veranschaulichung. Wenn Sie ein Illustrator sind und mehr über Komposition erfahren möchten, ist dieser Kurs genau das Richtige für Sie Dieser Kurs basiert auf meinem eigenen Ansatz zur Illustration. Welches ist flacher und grafischer und nicht so realistisch oder dreidimensional. Ich brauche diesen Kurs, weil ich den traditionellen Kompositionsunterricht immer überwältigend fand . Und vieles davon basiert auf einem eher fotografischen oder realistischen Ansatz. Mein Ziel für diesen Kurs ist es, das Komponieren so einfach wie möglich zu machen Komponieren so einfach wie möglich und das Gelernte so schnell wie möglich anzuwenden. In diesem Kurs lernst du, wie Komposition für Illustratoren funktioniert, insbesondere für diejenigen, die eher stilisiert grafisch arbeiten eher stilisiert grafisch Was sind die wichtigsten Prinzipien, die es zu lernen gilt, und wie sie Ihnen helfen können oder nicht, um bessere Kunst zu schaffen Außerdem lernst du nur zwei einfache Raster deinen Kompositionen mehr Struktur verleihen Natürlich können Sie alles im Abschlussprojekt zusammenfügen, einer Serie von sechs illustrierten Briefmarken, einer Serie von sechs illustrierten Briefmarken die auf dem Land und dem Thema Ihrer Wahl basieren Anforderungen angeht, die Anforderungen angeht, wirst du diesen Kurs bekommen, wenn du ein Anfänger oder ein absoluter Illustrator bist ein Anfänger oder ein absoluter Illustrator etwas Erfahrung in der Arbeit mit Illustrationen und wenn du dich mit den Tools auskennst, wäre das auf jeden Fall hilfreich Selbst wenn Sie mehr Erfahrung haben, können Sie in diesem Kurs viel lernen, wenn Sie dazu neigen, in einem realistischeren Stil zu arbeiten Natürlich sind alle willkommen. Egal, ob Sie keine Erfahrung oder viele, viele Jahre haben. Ich glaube, dass du in diesem Kurs eine Menge lernen wirst. Egal was passiert. Dies ist kein technischer Kurs. Ich werde Ihnen im Projekt nicht jeden Schritt meines Illustrationsprozesses beibringen . Es geht wirklich um die Prinzipien selbst und darum , wie man sie anwendet. Wenn Sie jedoch neugierig auf meine Prozesswerkzeuge und -techniken sind, werde ich diese in einem kurzen Tutorial vorstellen, um Ihnen die Pinsel und grundlegenden Techniken zu zeigen , die ich in Photoshop verwende. Im Klassenprojekt ist der Kurs in zwei Teile gegliedert, den Primer und das Projekt. In der Einführung lernen Sie in einer Reihe von Lektionen am Ende jeder Lektion etwas über Komposition auf theoretischere Weise auf Ich habe kurze Übungen mit dem Titel Try this hinzugefügt. Diese sind völlig optional, bieten Ihnen aber die Möglichkeit mit jedem Thema etwas tiefer zu gehen , bevor Sie mit dem nächsten weitermachen. Dann können Sie in dem Projekt natürlich alles, was Sie in den Lektionen gelernt haben, umsetzen. Ich denke, du wirst jetzt viel Spaß damit haben. Versteh mich nicht falsch, nur weil das kleine Stempel sind, heißt das nicht, dass es ein kleines Projekt ist. Ihre Aufgabe ist es, sechs verschiedene Arten von Kompositionen zu erstellen . Dieser wird dich also an deine Grenzen bringen, aber wenn du dich durchsetzt, wirst du mit einer schönen Reihe von Illustrationen belohnt, die du auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen kannst. Und natürlich überall dort, wo Sie in den sozialen Medien teilen. Achten Sie darauf, die Hashtag-Komposition für Illustratoren zu verwenden , wenn Sie dies tun 3. Was ist Komposition?: Einfach ausgedrückt bedeutet Komposition , eine Menge verschiedener Dinge zusammenzufügen , um etwas Neues zu schaffen. Ein Stuhl ist zum Beispiel eine Komposition, die aus verschiedenen Holz- und Metallstücken besteht. Ein Sandwich ist eine Komposition aus zwei Brotstücken und irgendwelchen Zutaten dazwischen, die kein Brot sind. Die einzige Idee des Sandwichs entsteht auf magische Weise , sobald die verschiedenen Zutaten endlich alle zusammenkommen Für Illustratoren bedeutet Komposition, eine Illustration zu kreieren, ein Bild, das aus verschiedenen Markierungen, Symbolen und Ideen Wir fügen all diese Dinge zusammen, um ein Bild zu machen, das eine Geschichte erzählt, das eine Botschaft vermittelt, das uns etwas fühlen lässt Aus all diesen einzelnen Teilen entsteht ein einzigartiges Bild, und das ist die Komposition Für viele von uns ist es schwierig zu wissen, wie man bessere Kompositionen in unserer Kunst macht Wir alle scheinen zu spüren, wann eine Komposition funktioniert oder nicht. Aber wenn es darum geht, eine Komposition bewusst für uns selbst zum Laufen zu bringen, ist das nicht immer so einfach. In The Story of Art schreibt EH Gombrich diese kleine Anekdote und jeder, schreibt EH Gombrich diese kleine Anekdote der versucht hat, einen Blumenstrauß zu arrangieren, hat dieses seltsame Gefühl erlebt, Formen dieses seltsame Gefühl Ohne genau sagen zu können, welche Art von Harmonie er zu erreichen versucht, haben wir einfach das Gefühl, dass ein roter Fleck hier den Unterschied ausmachen könnte. Oder dieses Blau ist für sich genommen in Ordnung, aber es passt nicht zu den anderen. Und dann scheint plötzlich ein kleiner Stängel aus grünen Blättern dafür zu sorgen, richtig. Fass ihn nicht mehr an, rufen wir aus. Jetzt ist es perfekt. Genau so denken viele von uns über Komposition. Daran müssen wir einfach arbeiten, bis es sich richtig anfühlt. Aber wenn das der Fall wäre, ich dir nichts beibringen und es wäre sinnlos für dich, diesen Kurs zu besuchen. Natürlich gibt es da draußen jede Menge Unterricht über die Prinzipien der Komposition. Aber das große Problem ist, dass es so viele lose Prinzipien gibt, und es ist schwierig, sie alle so zusammenzubringen, dass sie leicht zu verstehen und anzuwenden sind und es ist schwierig, sie alle so zusammenzubringen . Das war definitiv mein Kampf. Ich betrachte all die verschiedenen Prinzipien da draußen, wie Gleichgewicht und Einheit und Harmonie, und viele davon scheinen einfach so abstrakt zu sein. Also, wie sieht Einheit überhaupt aus? Ich kann sehen, wie manche Prinzipien funktionieren, wenn sie mir aufgezeigt werden, aber sie helfen mir nicht, Entscheidungen in meinem kreativen Prozess zu treffen. Nun, in dem Zitat von Gombrich , das ich Ihnen gerade vorgelesen habe, gibt es einen Hinweis darauf, was wir gegen tun müssen Er beschreibt diese Erfahrung, nicht genau zu wissen, was er erreichen will Erzielen ist hier das entscheidende Wort. Das ist eine gute Frage. Was versucht er zu erreichen? Das ist die größte Frage, die wir stellen können. Wo es darum geht, unsere eigenen Kompositionen auszuarbeiten. Wir verstehen, dass Komposition existiert und wir wissen, was sie bedeutet. Sie wissen vielleicht schon viel über Kompositionstheorie, aber haben Sie sich schon einmal die Frage gestellt: Was versuchen Sie zu erreichen? Diese Frage hat mich im Laufe der Jahre durch viele Illustrationen geführt . Und es hat mich sogar dabei unterstützt, diesen Kurs für Sie zusammenzustellen oder zu komponieren Was Sie mit Ihrer Kunst erreichen wollen, wird jede Ihrer Entscheidungen beeinflussen, während Sie sie treffen Wenn ich ein Lieblingswort habe, ist es wahrscheinlich spezifisch. Wenn man versucht, ein Problem zu lösen, muss man immer genau auf die Details eingehen. Sonst kann man nur in einem vagen Sinne herumwirbeln. Und in diesem Kurs werden wir sehr genau darauf eingehen, was Komposition ist, nicht in einem Aber nur für Illustratoren wie uns , die an diesem Kurs teilnehmen und wahrscheinlich eher grafisch oder stilisiert arbeiten , um diesen Kurs zusammenzustellen, musste ich alles darauf aufbauen, wie ich auf meine eigene Art um diesen Kurs zusammenzustellen, musste ich alles darauf aufbauen, wie ich auf arbeite. Nur so konnte ich herausfinden, wie ich Ihnen das, was ich weiß, in diesem Kurs beibringen So werden wir Komposition verstehen. Zusammensetzung wird abgeleitet. Es ist der Akt der Wahl, was aufgenommen werden soll und wo es in einer Abbildung platziert werden soll Es ist auch ein Substantiv, es ist das Ergebnis dieses Kompositionsakts. Die Komposition ist die endgültige Illustration. Eine weitere Möglichkeit, Komposition zu verstehen , besteht darin, dass sie auf unterschiedliche Weise spezifisch ist. Erstens ist Komposition spezifisch dafür , wer Sie als Künstler sind. Wie Sie an die Komposition herangehen hängt wirklich von Ihrem Stil ab, was Sie interessiert und von Ihrem eigenen einzigartigen Gespür dafür, was wohin gehört. Welcher besondere Ansatz in einem Stil gut aussehen könnte, sieht in einem anderen vielleicht nicht gut aus. In diesem Kurs werden wir uns ganz speziell auf einen grafischeren Illustrationsstil konzentrieren , über den wir in der nächsten Lektion alles lernen werden. Eine andere Art, wie die Komposition spezifisch ist , ist der Kontext. Was in einem Illustrationsprojekt funktionieren könnte mag in einem anderen nicht funktionieren. Was in einem Buch gut aussehen mag, sieht auf einem Wandbild oder einer Briefmarke möglicherweise nicht richtig Im Klassenprojekt werden wir uns auf eine bestimmte Art von Illustrationsprojekt konzentrieren , eine Reihe von Briefmarken Das gibt uns konkrete Ziele, die wir unseren Kompositionen anstreben sollten Und davon werden sich alle anderen Entscheidungen leiten lassen, die damit einhergehen. Die dritte Art und Weise , wie die Komposition spezifisch ist , bezieht sich auf die Geschichte , Idee oder Botschaft oder das Gefühl, das Sie hervorrufen möchten Was ist im Grunde die Botschaft oder das Gefühl der Illustration Ob Sie etwas oben oder unten auf Ihrer Seite platzieren , hängt wirklich davon ab was Sie damit meinen, es dort zu platzieren. In diesem Kurs konzentrieren wir uns darauf, wie wir Kompositionstechniken einsetzen , um Geschichten zu erzählen und Ideen zu vermitteln Im Klassenprojekt wirst du darüber nachdenken, wie deine eigene Geschichte auf sechs verschiedene Arten erzählen Jede davon erfordert eine andere Kompositionsstrategie Was ist Komposition? Es sind all diese Dinge. Geschichten erzählen, maßgeschneiderte Bilder kreieren. Und es ist auch ein einzigartiger Ausdruck Ihrer Intuition, Ihres Gespürs dafür, wie Dinge einfach aussehen sollten , obwohl diese Dinge nicht Und als Pastor in diesem Kurs lernst du, wie du so nah wie möglich herankommen kannst, indem genauer weißt, was du erreichen willst 4. Konkurriere nicht mit deiner Kamera: Ein Problem, das ich von anderen Illustratoren gehört habe , ist, dass es schwierig ist , ohne Referenzfotos zu illustrieren Ein Ziel in meinem eigenen Leben war es, keine Referenzfotos mehr zu verwenden und mehr aus meiner eigenen Fantasie zu schöpfen Ich möchte weniger aus Fotos zeichnen und mehr aus dem, was in meinem Kopf oder meinem Herzen ist. Obwohl ich es mittlerweile sehr bequem habe , nur auswendig zu zeichnen, ist mein schmutziges kleines Geheimnis, dass ich immer noch Referenzbilder verwenden muss ist mein schmutziges kleines Geheimnis, dass ich immer noch Referenzbilder verwenden muss. Der Unterschied ist, dass ich die Fotos nicht direkt verwende. Ich verwende sie eher, um zu erfahren, wie die Dinge aussehen, die ich zu zeichnen versuche , damit ich sie selbstbewusster von Herzen auf meine eigene Art zeichnen kann sie selbstbewusster von Herzen auf meine eigene Art Jetzt verwende ich manchmal nur ein Bild als Referenz, und manchmal verwende ich einfach eine ganze Reihe und was herauskommt, ist eine Art Mischung all meiner Weißt du, ich hatte mal einen Job zu erledigen, bei dem ich eine gemütliche französische Wohnung illustrieren musste eine gemütliche französische Wohnung illustrieren musste Und ich wusste nicht wirklich, wie das aussah, kein Franzose zu sein oder in einer Wohnung zu leben. Aber ich habe nach verschiedenen Bildern zu diesem Thema gesucht und daraus ein Mischbild für das endgültige Konzept gemacht , das ich dem Kunden vorgestellt habe und das letztendlich zur Illustration wurde Was ich nicht tun möchte, ist einfach eine Szene zu finden und sie direkt zu zeichnen, auch wenn ich sie in meinem Stil zeichne Es wäre also fast plagiiert, ein Foto von einer französischen Wohnung zu suchen und Foto von einer französischen Wohnung zu suchen es genau so zu zeichnen, wie ich es gesehen Als Illustratoren werden wir normalerweise gebeten, eine einzigartige Idee auszudrücken oder eine einzigartige Geschichte zu erzählen, immer auf unsere eigene Art und Weise Anstatt einfach nachzuahmen, was wir auf einem Foto sehen, müssen wir dem, was wir illustrieren, einen gewissen Wert verleihen was wir illustrieren, einen gewissen Wert verleihen Eine Herausforderung, der ich mich stelle, ist, wie ich mithilfe von Illustrationen ein Bild erstellen kann, das einem normalen Foto nicht möglich wäre Was ist die einzigartige Art , wie ich diese Idee oder Geschichte als Illustrator darstellen kann diese Idee oder Geschichte als Illustrator Ein weiteres Problem, das ich von Illustratoren höre , ist, dass ihnen das Aussehen ihrer Skizzen gefällt, aber wenn sie versuchen, daraus eine Illustration zu machen, scheinen Dinge schief zu gehen Das mag zwar mit ihren Fähigkeiten oder ihrem Erfahrungsniveau zu tun haben , aber es geht auch sehr stark um die Komposition Darauf stoßen wir besonders , wenn wir versuchen, Perspektive und Dreidimensionalität mit einem flachen Illustrationsstil darzustellen Perspektive und Dreidimensionalität mit einem flachen Illustrationsstil Was mit einer sorgfältig gezeichneten Skizze mit subtilen Schattierungen und lockeren skizzenhaften Linien funktioniert , lässt sich einfach nicht umsetzen, wenn Sie versuchen, flache Formen und Volltonfarben in der endgültigen Grafik zu verwenden flache Formen und Volltonfarben in der Ich wünschte, ich hätte schon vor langer Zeit gewusst, dass einige Illustrationsstile nicht nur realistischer und andere grafischer sind einige Illustrationsstile nicht nur realistischer , sondern dass es auch einen grundlegenden Unterschied darin gibt , wie diese aufgebaut werden können Sie sind zwei verschiedenen Paradigmen nachempfunden. Eines ist grafisch und das andere ist eher fotografisch. Ein grafischer Illustrationsstil sieht zwar einfacher aus, funktioniert aber nur, wenn wir verstehen, wie er funktioniert. Für die meisten von uns ist es natürlicher, Dinge so zu zeichnen, wie sie in der Realität sind. Und deshalb ist es schwierig , daraus herauszukommen und abstrakter und stilisierter zu illustrieren Schauen wir uns nun die Arten oder Paradigmen fotografischer und grafischer Kompositionen an Arten oder Paradigmen fotografischer und grafischer Kompositionen , um zu sehen, sie aussehen und was die Unterschiede Beginnen wir mit der fotografischen Komposition. Wenn Illustrationen realistischer und dreidimensionaler sind , können wir sagen, dass sie bei der Illustration fotografischen Paradigmen folgen bei der Illustration fotografischen Paradigmen In diesem Paradigma denken wir an Dinge wie die Rahmung, die Beleuchtung unserer Aufnahme, die Kamerawinkel und die Schärfentiefe Illustrationen sind hier eher kleine Fenster in eine Welt dahinter Wenn man nun sagt, dass eine Illustration fotografisch ist, heißt das nicht, dass sie realistisch aussehen muss oder dass sogar ein Foto wie ein Comic oder eine Graphic Novel sehr stilisiert werden kann Verwenden Sie außerdem die fotografische Komposition mit bestimmten Kamerawinkeln oder zeigen Sie Szenen aus der Nähe oder ziehen Sie sich weit zurück, als ob sich eine Kamera im physischen Raum auf das Motiv zu oder von ihm weg bewegen würde im physischen Raum auf das Motiv zu oder von ihm weg Nun kann die Komposition im fotografischen Stil für bestimmte Situationen sehr gut geeignet sein, etwa für erzählerische Bilder, wie wir es zum Beispiel in vielen Kinderbüchern oder Graphic Novels sehen . Schauen wir uns nun die grafische Komposition an. Hier haben wir flache und symbolische Illustrationen , und wir können sagen, dass sie einem grafischen Paradigma folgen Fotografieren bedeutet Schreiben. Bei Licht bedeutet Grafik eigentlich nur Schreiben. In diesem Sinne schreiben Illustratoren mit Symbolen, Formen und anderen visuellen Elementen folgen damit eher einem grafischen oder gar grafischen Designparadigma Im Nachhinein hätte ich das als piktografische Komposition bezeichnen können bezeichnen Weil wir mit Bildern schreiben, mit grafischer Komposition, denken wir vielleicht mehr an das Layout als an Szenen, auch wenn wir hier Szenen illustrieren, denken wir nicht daran, denken wir nicht daran eine Aufnahme so zu gestalten, als ob es diese ganze Szene hinter dem Ort gäbe , an dem wir zufällig standen, als wir an dem wir zufällig standen, als Wir entwerfen ein neues Bild, wir suchen es nicht mit einem Sucher Bei der Grafikkomposition arbeiten wir stilisierter und flacher Stilisieren bedeutet, etwas weniger realistisch darzustellen etwas weniger realistisch Und es kann sogar formelhaft sein. Wir können die verschiedenen Objekte, Zeichen und Symbole symbolischer und vereinfachter darstellen und Symbole symbolischer und vereinfachter darstellen Obwohl ein grafischer Ansatz zur Illustration zeitgenössischer ist, finden wir grafische Kompositionen in der prämodernen und sogar antiken Kunst, wie zum Beispiel in der byzantinischen Ikonographie, wie zum Beispiel in der byzantinischen Ikonographie, dekorativen Kunst auf griechischer Keramik und natürlich in den ägyptischen und natürlich Bei der grafischen Komposition bauen wir nicht so sehr kleine Fenster in andere Welten, sondern kombinieren Elemente auf einer Seite, einschließlich der Seite selbst, wie die Oberfläche der Seite, um ein neues Objekt zu schaffen sondern kombinieren Elemente auf einer Seite, einschließlich der Seite selbst, wie die Oberfläche der Seite, wie die Oberfläche der Seite kleine Fenster in andere Welten, sondern kombinieren Elemente auf einer Seite, einschließlich der Seite selbst, wie die Oberfläche der Seite, um ein neues Objekt zu schaffen. Auf diese Weise ist die Seite oder Oberfläche Teil des Bildes selbst und nicht etwas, auf das wir das Bild einfach platzieren. In vielen Fällen sind der Kontext der Abbildung und die Illustration selbst schwer zu trennen. Illustration im kommerziellen Grafikstil hat ein sehr angenehmes Verhältnis zu den Oberflächen , auf denen sie verwendet wird. Dies sind oft Produkte für sich. Es ist schwierig, die Abbildung von der Oberfläche zu trennen. Die Stempel, die wir in diesem Klassenprojekt erstellen werden. Ein gutes Beispiel für dieses Verhältnis von Kontext und Illustration. Die Illustrationen sind zwar auf den Briefmarken, aber es ist schwierig, die Briefmarke von der Kunst zu unterscheiden. Sie arbeiten zusammen, um ein neues Objekt zu schaffen , das wir Stempel nennen. Nun soll meine Dichotomie zwischen grafischen und fotografischen Kompositionstypen grafischen und fotografischen Kompositionstypen etwas klarstellen Es gibt zwei Paradigmen , die sich erheblich voneinander unterscheiden wenn wir versuchen, ein Bild zu machen die Unterschiede verstehen, können wir leichter erkennen welche Paradigmen für unseren eigenen Stil und für andere Faktoren in der jeweiligen Arbeit am besten geeignet unseren eigenen Stil und für andere Faktoren in der jeweiligen Manchmal müssen wir ein bisschen fotografischer sein und manchmal müssen wir grafischer sein Natürlich wird es immer Überschneidungen geben. Jeder von uns hat eine eigene Bandbreite innerhalb seines eigenen Stils und seiner eigenen Techniken, die wir anwenden. Und dann werden wir auch feststellen , dass bestimmte Jobs mehr von dem einen oder anderen Ansatz erfordern. Wenn wir uns als Künstler weiterentwickeln, beginnen wir zu verstehen unsere besondere Mischung aus Grafik und Fotografie oder Stilisierung und Realismus aussieht Jetzt, da wir am Ende dieser Lektion angelangt sind, können Sie Folgendes ausprobieren Suchen Sie nach zwei oder drei Illustrationspaaren. Jedes Paar sollte ein gemeinsames Thema oder Thema behandeln, aber ein Bild sollte fotografischer und das andere grafischer sein. Sie könnten beispielsweise nach einer Abbildung eines beliebten Landschaftselements oder Gebäudes wie Al Capitan oder dem Empire State Building suchen einer Abbildung eines beliebten Landschaftselements oder Gebäudes wie Al Capitan oder dem Empire State Building Mit dieser Übung bekommen Sie ein besseres Gefühl für die Unterschiede zwischen grafischer und fotografischer Komposition Vielleicht denken Sie sogar darüber nach, wie Sie diese Themen auf Ihre eigene Art veranschaulichen möchten . Viel Spaß beim Ausprobieren , und wenn ja, kannst du es gerne auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 5. Die Aspirationsprinzipien: Eines der großen Probleme traditionellen Kompositionstheorie ist , dass einige der Prinzipien völlig unumsetzbar sind schön sie auch klingen mögen. Prinzipien wie Einheit, Harmonie und Ausgewogenheit sind so abstrakt, dass sie uns kaum eine Ahnung geben, was wir tun müssen , um diese Dinge zu verwirklichen Zum Beispiel, wie schafft man Einheit? Gleichzeitig denke ich, dass wir uns alle damit identifizieren können , dass sich unsere Arbeit einheitlicher , harmonischer und ausgewogener anfühlt. Vielleicht war es Ihr Bestreben, dies in Ihrer Arbeit zu erreichen, das Sie zu einem Kompositionskurs wie diesem geführt hat . Meine Lösung besteht darin, diese weniger umsetzbaren Prinzipien neu zu formulieren Als ehrgeizige Prinzipien. Es gibt Ziele, die wir für unsere Kompositionen haben, aber wir können sie nicht wirklich direkt erreichen Das sind die umsetzbaren Prinzipien, auf die wir in der nächsten Lektion eingehen werden, denn die ehrgeizigen Prinzipien sind Ideale Sie sind wie ein Polarstern , der uns vorwärts führen kann, aber wir können sie nie wirklich erreichen , weil es keinen ultimativen singulären Ausdruck dieser Dinge gibt keinen ultimativen singulären Ausdruck Aber ich denke trotzdem, dass es sich lohnt, zu beschreiben, wie diese aussehen könnten oder was sie als ehrgeizige Ziele sind Fangen wir also mit der Einheit an. In künstlerischer Hinsicht bedeutet Einheit, dass alle Elemente in einem Bild nahtlos zusammenwirken. Sie bilden ein zusammenhängendes Ganzes. Eine Art, über Einheit nachzudenken, ist eine Sache. Wenn eine Illustration vereint ist, bedeutet sie, eine Sache zu tun und es geht um eine Sache Wir betrachten eine Illustration als ein einzelnes Bild oder Idee und nicht als einen Haufen kleiner Teile Wenn wir Menschen als Gruppe in etwas vereint sind, bedeutet das, dass wir uns über bestimmte Prinzipien einig sind und daher gemeinsam auf ein gemeinsames Ziel hinarbeiten können In ähnlicher Weise spüren wir, dass eine Abbildung einheitlich ist, wenn wir das Bild als Ganzes betrachten. Vor jedem bestimmten Detail darin. Nichts scheint fehl am Platz zu sein. Es gibt kein Element , das irgendwie abtrünnig ist, wenn es sein eigenes Ding macht Es funktioniert alles zusammen. Wenn Sie jemals gespürt haben , dass eine Abbildung von Ihnen kompliziert ist, könnten Sie all diese kleinen Details sehen und sie sind alle Und Sie sehen nicht alles zusammen oder Sie haben das Gefühl, dass es an Zusammenhalt mangelt, Sie erleben wahrscheinlich einen Die Herausforderung bei der Einheit als Prinzip liegt in ihrer Unbestimmtheit Die Frage, die ich habe, ist die Einheit dessen, was vereint wird. So wie wir Menschen gemeinsame Prinzipien und Ziele und Illustrationen brauchen, müssen die Elemente auf ein einziges Ziel ausgerichtet sein Es ist schwieriger, in deiner Kunst direkt Einheit zu erreichen. Es geht mehr darum, den grundlegenden Zweck der Illustration zu verstehen den grundlegenden Zweck der Illustration und danach zu streben. Je genauer wir vielmehr verstehen, was wir zu schaffen versuchen und was wir damit sagen wollen, desto klarer werden wir verstehen, welche Art von Einheit wir überhaupt erreichen wollen. Das bringt uns zurück zum Konzept eines Projekt-Briefings, in dem wir die Ziele und Absichten der Illustration definieren die Ziele und Absichten , die wir erstellen sollen. Natürlich werden Sie im Klassenprojekt die Möglichkeit haben, zu sehen , wie das funktioniert. Wir nennen es kein Briefing, wir nennen es einfach die Einrichtung oder die Projekterklärung, aber es ist dasselbe. Für mich geht es bei Einheit und Illustration darum, alles perfekt zusammenpasst und auf der Seite wie zu Hause fühle. Für Illustratoren, insbesondere für diejenigen im grafischen Stil arbeiten, wird Einheit oft durch Einfachheit und Zurückhaltung erreicht Jedes zusätzliche Element, jede Farbe, jedes Bild oder jede Idee, die Sie in die Komposition zu stopfen versuchen , könnte das allgemeine Gefühl der Einheit gefährden allgemeine Gefühl der Einheit Für Grafiklilustratoren besteht ein Schlüssel zur Einheitlichkeit darin, sich ein bestimmtes Ziel für die Arbeit zu setzen außerdem in einem eingeschränkteren Stil zu arbeiten und so wenig Elemente wie möglich zu verwenden Nun, das mag einschränkend klingen, es ist tatsächlich ein Ziel, das Künstler für jedes von ihm geschaffene Kunstwerk haben sollte , egal wie komplex der Stil oder die Details darin sind, wir sollten bei jedem Kunstwerk, das wir machen, immer auf eine übergreifende Sache über allen anderen abzielen . Schauen wir uns nun die Harmonie an. Harmonie klingt nett, nicht wahr? Aber was bedeutet das? Harmonie ist eine Art Einheit, aber sie hängt hauptsächlich mit Farbe zusammen. Sie kann sich auch darauf beziehen, wie bestimmte Formen oder subtile Eigenschaften zusammenwirken oder nicht. So scheinen getrennte Dinge gut zusammen zu funktionieren. Manche Kombinationen funktionieren und manche nicht. In der Musik verstehen wir Harmonie als zwei oder mehr Noten, die als Akkord gut zusammen klingen Noten können entweder harmonisch oder diskonant sein. Wir wissen nicht, warum bestimmte Töne harmonisch klingen, aber wir können uns größtenteils darauf einigen, ob sie Harmonie erkennen oder nicht, insbesondere in unseren Farben Ist so ziemlich das Gleiche. Wir nehmen es wahr, aber wir verstehen es nicht so , als würde man Einheit insgesamt erreichen. Ein Schlüssel zum Erreichen von Harmonie liegt einfach darin, weniger Farben oder verschiedene Arten von Elementen zu haben oder verschiedene Arten von Elementen , die zusammenarbeiten müssen. Ein weiterer wichtiger Weg, um mehr Harmonie zu erreichen, besteht darin Ihr Verständnis der Farbtheorie zu entwickeln. Weitere Gedanken dazu findest du in meiner Klasse The One Palette Illustrator Ich denke, es gibt viele Gemeinsamkeiten zwischen bildender Kunst und Musik Je komplexer ein Song ist, desto schwieriger ist es, alle Noten auf die gleiche Weise harmonieren zu lassen alle Noten auf die gleiche Weise harmonieren zu Je komplexer die Farbpalette und all die verschiedenen Teile, die in eine Illustration einfließen, desto schwieriger ist es, sie alle miteinander zu harmonisieren Lassen Sie uns abschließend das Gleichgewicht als ein angestrebtes Ziel betrachten. Wir alle wollen ausgewogenere Kompositionen haben, oder? Ich denke, wir können alle aus Erfahrung sagen, dass uns durch eine ausgewogene Zusammensetzung ausgewogen fühlen. Wenn eine Komposition unausgewogen ist, fühlen wir uns unausgewogen. Was bedeutet es also, ein Gleichgewicht zu erreichen? Nun, es ist einfach, es in einer symmetrischen Zusammensetzung zu erreichen . Aber es ist schwieriger, wenn wir versuchen , etwas Asymmetrischeres zu tun Ein typischer Ratschlag, wenn Sie versuchen, nicht symmetrisch zu sein, ist, sich die verschiedenen Elemente auf der Seite als Gewichte auf einer Waage vorzustellen auf der Seite als Gewichte auf einer Waage Die Waage ist wie folgt: gleichmäßig über die gesamte Seite verteilen. Und dann, was auch immer Sie auf der einen Seite tun, vielleicht mit einer größeren Sache, die Sie auf der anderen Seite tun. Wenn es kleinere Dinge sind, dann müssen all diese kleinen Dinge dem Gewicht des großen Dings entsprechen. Und dann gleicht sich die Skala in unserer Vorstellung aus. Jetzt denke ich, dass Gleichgewicht viel einfacher zu verstehen ist als Einheit oder Harmonie Aber es ist auch schwer zu erreichen, weil es keine physikalische Möglichkeit gibt, genau zu messen, wie ausgewogen die Zusammensetzung ist. Es ist sehr subjektiv. Das ist wirklich eines dieser perfektionistischen Prinzipien, die wir mit unserem eigenen Gleichgewichtssinn herausfinden müssen mit unserem eigenen Gleichgewichtssinn herausfinden Einige von uns werden sich wohler fühlen, wenn die Dinge in einem Bild prekärer sind , und anderen können wir die Spannung einfach nicht aushalten Und wir brauchen alles, um uns geerdet und super ausgeglichen zu fühlen Natürlich wollen wir nicht zu sehr von dem einen oder dem anderen sein Wir wollen uns nicht zu unausgewogen oder chaotisch anfühlen, und wir wollen nicht die ganze Zeit superlangweilig und super ausgewogen und supersymmetrisch sein ganze Zeit superlangweilig und super ausgewogen und supersymmetrisch Illustration ist immer ein Balanceakt. Es ist ein Balanceakt zwischen den Elementen mit denen wir auf der Seite arbeiten müssen, der Frage, wie sich diese Dinge auf die Botschaft und den allgemeinen Zweck der Kunst beziehen . Jetzt, da wir am Ende dieser Lektion angelangt sind, können Sie Folgendes ausprobieren. Finden Sie ein oder zwei Beispiele für Ihre eigenen Illustrationen, die Ihre eigenen Worte beschreiben, unabhängig davon, ob Sie der Meinung sind, dass die Komposition funktioniert oder nicht. Und warum sollten Sie sich keine Gedanken über die Verwendung richtigen Kunstbegriffe machen, weil wir sie in diesem Kurs noch nicht gelernt haben. Aber nachdem Sie diesen Kurs besucht haben, lesen Sie sich Ihre Beobachtungen aus dieser Übung noch einmal durch. Versuchen Sie nun, Ihre Beobachtungen anhand Ihres neuen Wortschatzes und Verständnisses zu beschreiben . Auf diese Weise werden Sie sehen , wie weit Sie in Ihrem Verständnis der Funktionsweise von Komposition gekommen sind . Diese Übung ist wie eine Zeitkapsel. Also wirst du jetzt deine eigene Kunst mit deinen eigenen Worten bewerten . Und dann wirst du sehen, wie du über dieselben Dinge denkst. Sobald Sie mehr über Komposition wissen, viel Spaß beim Ausprobieren. Und auch hier kannst du es gerne auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen. Andernfalls sehen wir uns in der nächsten Lektion. 6. Die umsetzbaren Prinzipien (Korrigierte Version): Bei den ehrgeizigen Prinzipien handelt es sich dagegen abstraktere Ziele, nach denen wir alle bei unserer Arbeit streben sollten Die umsetzbaren Prinzipien sind viel praktischer. Es gibt zwar Dutzende und Dutzende von Prinzipien, ich habe nur zehn ausgewählt sie sich speziell auf einen grafischeren Kompositionsansatz beziehen einen grafischeren Kompositionsansatz beziehen Sie können sich diese als Starterpaket vorstellen , um etwas über Komposition zu lernen. Eines der größten Probleme Kompositionstheorie ist, dass es einfach zu viele Informationen gibt Und es ist schwierig, alles zu nutzen, wenn man bei der Arbeit ist. Wenn Sie nur die Prinzipien, die Sie hier lernen, für ein bestimmtes Projekt im Hinterkopf behalten können , insbesondere im Klassenprojekt, werden Sie sie meiner Meinung nach als mehr als ausreichend empfinden. Das erste Prinzip ist Hierarchie. Zur Veranschaulichung ist Hierarchie die Anordnung der Elemente auf der Seite entsprechend ihrer Wichtigkeit. An der Spitze dieser Hierarchie steht, was auch immer der Schwerpunkt ist. Dies ist der wichtigste Aspekt Ihres Bildes, gefolgt von anderen Elementen in absteigender Reihenfolge ihrer Wichtigkeit Diese Struktur schafft ein Gefühl von Ordnung und zeigt dem Betrachter, was ihm als Erstes auffällt und wie er sich in der Komposition zurechtfindet Ohne eine klare Hierarchie kann eine Illustration verwirrend oder überwältigend werden oder sie kann einfach flach aussehen. Der Kern einer Illustration sollte sich um eine einzelne Geschichte, ein Thema oder eine Idee drehen um eine einzelne Geschichte, ein Thema oder Darüber haben wir in unserer Lektion über Einheit gesprochen. Alle Elemente im Bild sollten zu dieser zentralen Botschaft beitragen. Hierarchie hilft dabei, das Hauptthema hervorzuheben, Elemente zu unterstützen und die Hauptaussage zu unterstreichen Bei einfacheren Illustrationen mit einem einzigen Objekt ist die Hierarchie natürlich sehr einfach Es ist nur die eine Sache, es gibt vielleicht nicht einmal eine Hierarchie. Bei einem komplexeren Werk wie einer Montage, und wir werden darüber sprechen, was Montagen sind, wenn wir über die sechs Arten von Kompositionen sprechen, ist es jedoch entscheidend, eine klare Hierarchie festzulegen, um Unordnung und Verwirrung zu vermeiden Eine der Fragen, die wir in unseren Illustrationen stellen können , lautet: Was ist wichtiger? Ist es das Gesamtbild oder ein bestimmtes Element oder ein bestimmter Moment darin? Zum Beispiel verwenden Illustrationen, die Menschenmassen darstellen , ähnlich denen in einem Wars Waldo-Buch, oft eine flache Hierarchie kein einzelnes Element hervorstechen sollte In diesem Sinne erfordert nicht jedes Bild eine In meiner persönlichen Arbeit konzentriere ich mich in der Regel auf ein dominantes Element, das von drei oder vier Ebenen mit geringerer Bedeutung unterstützt wird drei oder vier Ebenen mit geringerer Bedeutung Elemente, die in der Hierarchie höher stehen, sind detaillierter und umfangreicher, während die Elemente, die in der Hierarchie weiter unten stehen, weniger detailliert sind . Dieser Ansatz zeigt sich besonders deutlich in meinen illustrierten Karten, wo die Hierarchie mit dem Titel beginnt, gefolgt von primären und Und diese sind alle in ein Netzwerk von Straßen oder geografischen Symbolen integriert ein Netzwerk von Straßen oder geografischen Sie können eine Reihenfolge der Informationen sehen. Und das führt dich durch die Karte. Und obwohl viel passiert, hält es immer noch zusammen und fühlt sich geordnet an Ich bin der festen Überzeugung, dass Hierarchie das wichtigste Prinzip ist Was die Veranschaulichung anbelangt, kann eine effektive Anwendung sowohl die Komposition als auch das Geschichtenerzählen Ihrer Arbeit erheblich verbessern Geschichtenerzählen Ihrer Arbeit Das nächste Prinzip ist hier Einfachheit. Dieses stammt aus einer Reihe von Prinzipien, die als Gitald-Theorie bezeichnet werden und versuchen zu erklären, wie wir die komplexe Welt um uns herum wahrnehmen und verstehen Gitauld ist ein sehr interessantes Thema , das ich in einem separaten Kurs behandeln möchte Aber ich klaue der Gestalttheorie die Einfachheit , weil ich denke, dass es ein so nützliches Prinzip ist Das Gesetz der Einfachheit besagt, dass wir dazu neigen, Dinge so einfach wie möglich zu interpretieren Unser Verstand wird alles in seiner Macht Stehende tun, um die Dinge zu vereinfachen, sodass wir sagen können, ja, verstanden Und dann können wir mit der nächsten Sache weitermachen. Wenn wir draußen sind und eine ganze Reihe von Bäumen an einem Ort sehen , nennen wir das Wald. Und wenn wir das tun, vereinfachen wir all diese vielen individuellen Dinge in der einfachsten Form, die wir kennen In diesem Fall ist es einfacher, das, was wir sehen, als Gruppe zu verstehen was wir sehen, als Gruppe zu verstehen und nicht als einzelne Bäume Wir sehen die Gruppe und nennen sie Wald. Sie haben wahrscheinlich das Sprichwort gehört, dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile. Dies ist eine Aussage der Gestaltisten und sie bezieht sich auf die Art und Weise, wie eine Gruppe von Dingen plötzlich zu einer völlig neuen Sache wird Interessanterweise ist es manchmal am einfachsten, eine Gruppe von Dingen anhand ihrer Einzelteile zu sehen ist es manchmal am einfachsten, eine Gruppe von Dingen anhand ihrer Im Grunde ist es das, was wir im Moment am leichtesten wahrnehmen können, das, was wir sehen werden uns zum Beispiel ein Bild ansehen, drei verschiedene Formen zeigt, die eng beieinander angeordnet sind oder sogar wie übereinander geschichtet sind. Sie werden diese wahrscheinlich eher als einzelne Formen wahrnehmen als als einen einzelnen kombinierten Klecks Das liegt daran, dass unser Verstand eher gewöhnt ist, vertraute, separate oder einfachere Formen zu erkennen als abstrakte Formen Sie machen etwas, wenn sie kombiniert werden. Dieses Prinzip der Einfachheit ist ein wertvolles Kompositionswerkzeug, insbesondere um zu erkennen, ob unsere Bilder klar verständlich sind oder Wenn eine Abbildung zu komplex oder verworren ist, besteht die Gefahr, dass sie missverstanden oder ganz dass sie Komplexität kann entmutigend sein. Und wenn es zu aufwändig ist, herauszufinden, was ein Bild ist oder was es bedeutet, werden die Leute wahrscheinlich weitermachen, anstatt sich damit zu beschäftigen In meiner eigenen Arbeit wende ich dieses Prinzip häufig an, insbesondere bei der Darstellung bestimmter Objekte. Mein Ziel ist es, immer ein Gleichgewicht zwischen der Wiedererkennbarkeit dieser Objekte zu finden und ihnen gleichzeitig ein gewisses Maß an Faszination zu verleihen Im Wesentlichen möchte ich, dass meine Darstellungen leicht verständlich und dennoch visuell Wenn Sie das Prinzip der Einfachheit auf Ihre Arbeit anwenden, sollten Sie bedenken, dass die verschiedenen Formen und Zusammenspiel für andere so gut lesbar sind, wie Sie es beabsichtigen. Sie können fragen, werden andere Menschen dieses Symbol erkennen oder werden sie es sofort deutlich sehen? Strebe Kompositionen an , die auf diese Weise ein Gleichgewicht zwischen Bekanntheit und Lesbarkeit herstellen. Und das ist interessant, weil wir manchmal einem Bild ein wenig Rauschen oder ein bisschen Chaos oder mangelnde Klarheit hinzufügen müssen, um es interessant zu machen. Wir wollen einfach ein Gleichgewicht finden, bei dem das, was der Betrachter sehen soll, tatsächlich gesehen wird. Das dritte Prinzip ist hier Maßstab und Proportionen. Nun, die Größenordnung ist unterschiedlich, aber sie sind auch sehr verwandt. Ich behandle sie hier wie ein Set. In der Komposition bezieht sich Maßstab auf die wahrgenommene Größe eines Elements. Wir können sagen, dass ein Objekt oder eine Figur im Vergleich zu etwas anderem groß oder klein ist . Wenn wir zum Beispiel an eine maßstabsgetreue Modelleisenbahn denken, verstehen wir, dass es eine kleinere Version der Realität handelt, aber ansonsten hat sie die gleichen Proportionen. Wenn wir eine maßstabsgetreue Zeichnung anfertigen, wie in der Architektur, haben alle Größen dieselben Proportionen wie bei der endgültigen Konstruktion. Heute neigen wir dazu, maßstabsgetreu zu arbeiten , ohne wirklich darüber nachdenken zu müssen Es ist einfach ein so einfaches Prinzip. Dinge, die näher sind, sehen tendenziell größer aus, und Dinge, die weit weg sind, sind kleiner. Aber wir können die Skalierung auch bewusst einsetzen, um zu zeigen, dass eine Sache wichtiger ist als die andere. Wie wir es tun, wenn wir verschiedene Hierarchieebenen erstellen, normalerweise die oberste Hierarchieebene , sind diese Dinge größer als alle anderen darunter. Wir können Skalierung auch verwenden, um Kontraste in unserer Arbeit zu erzeugen. Je größer wir beispielsweise ein dominantes Element im Vergleich zu allen anderen machen , desto dominanter wird es aussehen und desto dynamischer wird die Gesamtkomposition sein Proportion bezieht sich dagegen auf das Verhältnis von Elementen unabhängig von ihrer Größe. Nun, ein maßstabsgetreues Modell eines Zuges könnte größer oder kleiner sein. Seine Proportionen sind die gleichen, egal was passiert. Denken Sie andererseits an eine Spielzeugeisenbahn für Kinder. Sie ist wahrscheinlich nicht proportional zu einer echten Eisenbahn konzipiert proportional zu einer echten Eisenbahn Es wird irgendwie verzerrt und unverhältnismäßig sein, um verspielter und skurriler zu sein Bei Proportionalität geht es nicht nur darum, wie groß oder klein etwas ist, darum, wie groß oder klein etwas ist, sondern auch um andere Dinge wie groß, dünn, dünn Das sind alles proportionale Eigenschaften . Bei einem grafischen Illustrationsstil können wir also frei mit den Proportionen dessen, was wir zeichnen, spielen , und wie ein Künstler Proportionen verwendet kann ein entscheidendes Merkmal seines Stils sein. In meiner eigenen Arbeit spiele ich frei mit den Proportionen meiner Figuren, um unerwartete Gesten zu erzeugen oder um eine Geste oder den Stand der Person zu übertreiben Ich könnte zum Beispiel ihre Hand größer machen als ihren ganzen Körper Nun, es hängt wirklich alles vom Zweck des Kunstwerks ab. Manchmal entscheide ich mich dafür, verhältnismäßiger zu sein , und manchmal entscheide ich mich dafür, unverhältnismäßiger zu sein , was auch immer ich in Ihren Kompositionen zeichne Sie können Ihr Verständnis von Proportionen und Verzerrungen nutzen , um bestimmte Elemente bewusst zu vergrößern, auch wenn sie bei echtem Licht nicht so aussehen Sie können die Proportionen verzerren, um Akzente zu setzen oder sogar eine leere Stelle in der Komposition auszufüllen , falls Sie das möchten Sie können auch mit Proportionen spielen , um etwas Lustigeres zu machen, z. B. mit einer Spielen mit Proportionen ist eine großartige Möglichkeit, eine gewöhnliche Szene oder Figur in etwas Außergewöhnlicheres zu verwandeln eine gewöhnliche Szene oder Figur in etwas Außergewöhnlicheres Figur in etwas Zusammenfassend lässt sich sagen, dass sowohl Maßstab als auch Proportionen Schlüsselelemente der Komposition sind. Skala konzentriert sich mehr auf die Größe einzelner Elemente, während sich die Proportion mit der Größe oder dem Verhältnis der Größen von Dingen innerhalb eines Elements befasst der Größe oder dem Verhältnis der . Das nächste Prinzip ist hier Wiederholung. Und Ähnlichkeit. Wiederholung ist ein weiteres sehr nützliches Prinzip , weil man leicht erkennen kann , wann wir es anwenden Wiederholung kann einer Komposition sofort ein Gefühl von Einheit und Harmonie verleihen Komposition sofort ein Gefühl von Einheit und Harmonie verleihen vermitteln Je nachdem, wie es verwendet wird, kann es auch ein Gefühl von Bewegung oder Gleichgewicht Wiederholung steht in engem Zusammenhang mit dem Gestaltprinzip der Ähnlichkeit, das besagt, dass wir dazu neigen, visuell ähnliche Elemente zu assoziieren Wir haben Federvögel gesehen und wir sehen sie als Herde. Allgemein gilt: Sofern es nicht nur ein Element gibt, benötigt eine Komposition einige Wiederholungen, um ein Gefühl der Ordnung zu erreichen Wenn es zahlreiche Elemente gibt sich nicht wiederholen , wäre das ein totales Chaos Als Faustregel gilt: Wenn Sie etwas an einem Ort tun, sollten Sie es wahrscheinlich an einem anderen Ort verwenden Sie können ein Element wie ein Symbol oder eine Markierung wiederholen, oder Sie können eine Farbe, eine Mustertextur oder eine andere visuelle Qualität wiederholen. Durch Wiederholung erreichen wir einen Musterfluss oder Bewegung und sogar Harmonie in unserer Arbeit Wir verwenden Wiederholung auch, um Hierarchie zu definieren, indem wir eine bestimmte Qualität auf dieselbe Weise für alle Elemente derselben Ebene wiederholen eine bestimmte Qualität auf dieselbe Weise für alle Elemente derselben Ebene Die Wiederholung derselben Eigenschaften an anderer Stelle zeigt uns , dass ähnliche Gruppen in irgendeiner Weise verwandt sind Das Gegenteil von Wiederholung ist Variation. Normalerweise wollen wir ein Gleichgewicht zwischen Wiederholung und Variation erreichen , aber die genaue Menge hängt immer von der Eine Möglichkeit, dieses Gleichgewicht zu erreichen , besteht darin, ein Element zu wiederholen, beispielsweise in einem Muster. Sie können sie alle relativ ähnlich machen, aber zeichnen Sie sie einfach jedes Mal neu Oder variieren Sie die Form nur ein wenig, sodass Sie sie alle als dieselbe Form oder dasselbe Element identifizieren Sie sehen aber auch, dass sie nicht einfach ausgeschnitten und eingefügt werden. In diesem Sinne entsteht ein ausgewogenes Spannungsverhältnis zwischen Wiederholung und Variation In einem grafischen Illustrationsstil, bei dem wir uns auf eine Handvoll verschiedener Elemente beschränken , neigen wir ziemlich stark zur Wiederholung Arbeit mit einem begrenzten Stil erfordert ein sehr kreatives Gleichgewicht zwischen Wiederholung und Wie wir das nutzen, wird zu einem wesentlichen Teil unserer Ideen, unserer Konzepte und natürlich unserer Kompositionen Als nächstes haben wir Gruppierung und Nähe. Wir können Gruppierung verwenden, um bestimmte Elemente auf der Seite zu organisieren bestimmte Elemente auf der Seite indem wir sie näher beieinander platzieren Dieselben Elemente auf einer Seite können sich chaotisch oder geordnet anfühlen , je nachdem, wie sie Wenn sie alle gleichmäßig auf der Seite verteilt sind, sehen wir möglicherweise keine besondere Beziehung zu ihnen und wissen daher nicht, wo wir suchen oder was wir aus dem, was wir sehen, herausholen Wenn sie andererseits in Gruppen organisiert sind , entwickeln wir ein Gefühl von Ordnung nehmen effektiv weniger Dinge auf der Seite wahr Das ist das Gesetz der Einfachheit bei der Arbeit. Zum Beispiel müssen wir vielleicht nur fünf Gruppen von Dingen zählen nicht Hunderte oder Tausende von Elementen, die in diesen Gruppen enthalten sind. Gruppierung steht im Zusammenhang mit dem Gestelschen Prinzip der Nähe, das besagt, dass wir dazu neigen, näher beieinander liegende Elemente als verwandt wahrzunehmen näher beieinander liegende Elemente als Das heißt, wenn Dinge nahe beieinander liegen, betrachten wir sie als Gruppe Gruppierungen können helfen, Elemente miteinander zu verknüpfen, aber sie können auch Räume um diese Elemente herum schaffen , sodass sich das Auge im Bild bewegen oder bewegen Wenn ich über Gruppierung nachdenke, denke ich darüber nach wie man Dinge in einem Regal organisiert Wenn Sie verschiedene Bücher und Schmuckstücke in Ihrem Regal ausstellen möchten Wenn man sie alle gleichmäßig verteilt, ohne sie in kleinere Gruppen zu gruppieren, meiner Meinung nach chaotisch anfühlen, es würde es würde Stattdessen können wir unsere innere Martha Stewarts dazu aufrufen, unsere Sachen auf verschiedene Weise im Regal zu gruppieren, vielleicht unsere innere Martha Stewarts dazu aufrufen, unsere Sachen auf verschiedene Weise im Regal zu gruppieren, vielleicht nach Farbthemen. Wir können außerdem interessante Arrangements treffen, indem wir eine Mischung aus Büchern und Objekten kombinieren In diesem Beispiel wird jeder Cluster zu einem kleinen Moment im sprichwörtlichen Bücherregal Das Prinzip, das hier zur Anwendung kommt, ist Gruppierung. Wir können interessantere Geschichten erzählen, indem wir bestimmte Objekte auf der Seite gruppieren Und wir können visuelle Momente schaffen , zwischen denen sich das Auge bewegen kann anstatt auf einer flacheren Masse von Dingen an der Wand hängen zu bleiben. Schauen wir uns nun das Framing an. Das Einrahmen ist eine Technik um einen Teil einer Abbildung hervorzuheben Die Idee eines Rahmens mag zwar an einen Rand erinnern , der ein ganzes Bild oder eine ganze Seite umgibt, aber es geht eher darum, die Aufmerksamkeit auf einen Moment innerhalb des Bildes zu lenken einen Moment innerhalb des Bildes zu Die Rahmung kann sehr direkt oder indirekter sein. Wir können buchstäblich etwas in einem Fenster oder einer Tür oder sogar in einem echten Rahmen einrahmen Oder wir können etwas subtiler einrahmen, beispielsweise einen interessanten Punkt auf der Lichtung zwischen zwei Bäumen platzieren . Wir können Framing verwenden, um einen Schwerpunkt in einem Bild zu erzeugen oder um verschiedene Bereiche zu unterteilen. Von einem Bild, das separat betrachtet werden muss . Wir können es auch verwenden, um den Betrachter zu positionieren oder eine bestimmte Geschichte zu erzählen beispielsweise jemanden in einem Fenster einrahmen, können wir das Gefühl haben, dass er drinnen ist und wir Ein Blick hinein verleiht dem Bild ein Gefühl der Faszination. Wir fragen uns, was in dem Raum durch das Fenster vor sich Unter Bezugnahme auf die Prinzipien der Gruppierung und Nähe kann eine Gruppe von Elementen miteinander in Beziehung gesetzt werden, kann eine Gruppe von Elementen miteinander in Beziehung gesetzt werden ohne dass sie eingerahmt werden müssen Sie können den Raum, der sich um sie herum befindet, aber auch als Rahmen betrachten um sie herum befindet, aber auch als Rahmen Aber indem man bestimmte Elemente bewusst oder direkter einrahmt , werden sie zu einer Gruppe gezwungen Diese Beziehung dieser spezifischen Gruppe von Objekten wird sehr deutlich gemacht Jeder gerahmte Bereich in einer Abbildung ist wie eine kleinere Komposition. In einer größeren Ansicht können Sie ein einheitliches Bild erzeugen, indem Sie diese Rahmung im gesamten Bild wiederholen Das nächste Prinzip ist die Ausrichtung. Die Ausrichtung ist eine hervorragende Möglichkeit, ein Gefühl für die Struktur einer Seite zu bekommen , wenn bestimmte Elemente auf einer unsichtbaren Achse oder einem Pfad liegen. Wir können sagen, dass sie ausgerichtet sind , wenn die Dinge weit voneinander entfernt sind, aber sie sind ausgerichtet, die Ausrichtung stellt eine Beziehung zwischen diesen Dingen her. Und es sorgt auch für ein Gefühl der Einheit in der Gesamtkomposition, wenn Dinge aufeinander abgestimmt und näher beieinander liegen. Andererseits kann die Ausrichtung, insbesondere in Kombination mit Wiederholung, ein Gefühl von Bewegung und Fluss erzeugen, das den Blick auf Kombination mit Wiederholung, kann die Ausrichtung, insbesondere in Kombination mit Wiederholung, ein Gefühl von Bewegung und Fluss erzeugen denselben Pfad wenn Elemente zu sehr ausgerichtet sind, ob es zu viele Dinge in Ausrichtungen gibt und man wirklich das Gefühl eines Rasters erkennen kann Es wird wirklich starr aussehen , wenn die Elemente überhaupt nicht ausgerichtet sind Andererseits scheint die Komposition zu schmelzen oder sich wie jetzt kleckig anzufühlen Jedes dieser Szenarien kann richtig sein je nachdem, was Sie mit dem Bild tun Manchmal möchte man wirklich eine gerasterte Struktur haben und manchmal möchte man überhaupt kein Gefühl für ein Raster haben Ausrichtung kann sehr locker darauf basieren, dass sich die Dinge einfach horizontal oder vertikal anordnen Oder wir können das etwas erzwungener machen , indem wir eine Art Raster haben Und dann haben wir all diese verschiedenen regelmäßigen Intervalle , in denen sich die Dinge angleichen könnten. Und darauf werden wir uns in der Lektion über Strukturprinzipien näher konzentrieren. Als nächstes ist das nächste Prinzip Figur und Grund, auch bekannt als positiver und negativer Raum. Figur und Grund beschreiben die Beziehung zwischen dem, was wir als Subjekt oder Figur wahrnehmen, und dem umgebenden Raum oder Hintergrund. Das Prinzip von Figur und Grund besagt , dass wir dazu neigen, Elemente entweder als Hauptsubjekt oder als Teil des Hintergrunds wahrzunehmen Elemente entweder als Hauptsubjekt . Wenn es eine Mehrdeutigkeit zwischen Figur und Grund gibt, können wir kurzzeitig verwirrt oder fasziniert sein Das klassische Beispiel für diesen Effekt ist die optische Täuschung zweier Gesichter im Profil, die entweder als Vase oder als Vogelbad interpretiert werden können Je nachdem, wie Sie es betrachten, können wir anhand unseres Verständnisses von Figur und Grund beurteilen, ob sich unser Motiv vom Hintergrund abhebt, falls das unsere Absicht ist. Dies ist in einer einfacheren, grafischeren Komposition, bei es möglicherweise nur einen soliden Hintergrund gibt, einfacher. Aber es ist viel schwieriger, wenn wir eine komplexe Komposition mit einem Vordergrund und einem Hintergrund haben und es überlappende und benachbarte Elemente und Farben gibt benachbarte Elemente und Farben die alle im selben Bereich vorkommen Anhand von Figur und Grund können wir uns fragen, ob die Figur und der Grund Ist dies nicht der Fall, können wir Kontrast und Maßstab verwenden, um unsere Figur stärker vom Hintergrund abzuheben. Normalerweise sehen wir jetzt dunklere und größere Dinge als Figur und hellere kleinere Dinge als Boden. Wir können mit dieser Beziehung spielen, um Mehrdeutigkeit zu erzeugen , Absicht gegen Absicht Und manchmal ist es aus irgendeinem Grund etwas, das wir in einem Bild haben wollen Zum Beispiel legen einige Illustratoren wie Noma Bar oder Malaka Fab großen Wert auf dieses Verhältnis von Figur dieses Verhältnis von Und sie sind sehr geschickt darin, diese Dinge so zu kombinieren, dass sie eine Sache bedeuten und dann eine andere je nachdem, wie Sie Sogar gegenständlichere Illustratoren wie Miroslav Shashek werden dieses Verhältnis von Figur und Grund auf spielerische Weise nutzen dieses Verhältnis von Figur und Grund auf spielerische Weise wie Miroslav Shashek werden dieses Verhältnis von Figur und Grund auf spielerische Weise nutzen, um sehr grafische Effekte zu erzielen. Nun haben klassische Beispiele für Figur und Grund in der Regel starke Schwarzweißbilder Grund Alles ist sehr scharf. Aber das Verhältnis zwischen Figur und Grund ist nicht immer so einfach Wie wir es bereits in komplexeren Szenen erlebt haben, sind Figur und Grund einfach subtiler und wir müssen Wege finden , die Figur vom Hintergrund abzuheben, ohne sich zu vermischen Das nächste Prinzip ist die Schließung. Das Prinzip der Schließung besagt , dass wir dazu neigen, Objekte als vollständig wahrzunehmen , auch wenn sie es nicht sind. Wenn du eine Form wahrnimmst, mag das suggeriert werden, aber sie ist nicht wirklich da. Das ist das Gesetz der Schließung bei der Arbeit. Schauen Sie sich einfach viele bekannte Logos an und Sie werden sehen, dass die Schließung im Spiel ist. Der implizite innere Kreis des Starbucks-Logos oder der Pfauenkörper , der im NBC-Logo nicht wirklich vorhanden ist nicht wirklich vorhanden Und das Gleiche gilt für die Kugelform, die wir wahrnehmen. Indem wir die vier einzelnen Formen des Xbox-Logos zusammenfügen , können wir dieses Prinzip nutzen, um ein dynamisches Bild zu erstellen , das sich nicht auf der Seite, sondern im Kopf des Betrachters vervollständigt der Seite, sondern im Kopf des Betrachters gezielte Einsatz von Verschlüssen ist eine wichtige Methode, um Ihrer Illustration ein grafisches Aussehen einfach einen Teil weglassen und den weißen Bereich dahinter auf eine Präsenz oder Idee hinweisen lassen , können Sie ein aussagekräftiges, fesselndes Bild erstellen Nun, der Abschluss ist ein ziemliches Oxymoron. Es funktioniert tatsächlich am besten, wenn etwas offen oder offen bleibt und überhaupt nicht vollständig eingeschlossen ist und überhaupt nicht vollständig eingeschlossen Meiner Meinung nach kann das vollständige Schließen einer Form, z. B. mit einem dicken Umriss, z. B. mit einem dicken Umriss, bedeuten, dass sie vom Rest des Bildes abgeschnitten wird Es schließt es von der Luftzufuhr der restlichen Komposition ab . geschickte Einsatz von Schließung in unserer Arbeit kann eine starke Verbindung zwischen Bild und Oberfläche herstellen Der geschickte Einsatz von Schließung in unserer Arbeit kann eine starke Verbindung zwischen Bild und Oberfläche herstellen, was zu einem stärkeren Gefühl der Einheit führt Und natürlich wird dadurch auch eine stärkere Verbindung zwischen dem Bild und dem Betrachter Das nächste Prinzip ist Bewegung und Fluss. Dies ist eine weitere Kombination von Prinzipien, aber beide bedeuten so ziemlich dasselbe Mit Flow beschreibe ich die Art und Weise, wie sich das Auge bewegt. Zur Veranschaulichung ist es dasselbe Prinzip wie das, was traditionell als Bewegung bekannt ist. Ich bevorzuge Flow, weil es eher darum geht, wie das Auge durch eine Komposition fließt , als um tatsächliche Bewegung zu suggerieren. Zum Beispiel fliegende Vögel oder schnell fahrende Autos auf einer Straße. Der Fluss in einem Bild kann so weit wie möglich beabsichtigt oder zufällig Wir sollten die Kontrolle darüber haben, wie das Auge um unsere Kompositionen bewegt Das kann sehr unverblümt geschehen, wie das Hinzufügen von animierten Linien oder Pfeilen Oder es kann subtiler geschehen, indem wir uns von Gesten und der Richtung bestimmter Linien herumtragen lassen der Richtung bestimmter Linien , ohne es zunächst zu merken Bewegung kann auch durch die Effekte suggeriert werden, die ein Objekt hinterlässt Wenn es in unserer Abbildung ein sich bewegendes Objekt gibt und es etwas hinterlässt, eine Spur, verleiht das unserem Bild natürlich ein Gefühl von Bewegung. Und wir können die Linie, die durch dieses Objekt in Bewegung entsteht, nutzen dieses Objekt in Bewegung , um uns an eine andere Stelle im Bild zu führen. Und das erzeugt eher einen visuellen Fluss. Was ich Fluss nenne, steht im Zusammenhang mit anderen Prinzipien wie dem Gestaltgesetz der Fortführung, das besagt, dass Objekte, die sich auf demselben Pfad befinden, miteinander verwandt zu sein scheinen Und das Prinzip der Leitlinien, bei dem bestimmte Elemente unseren Blick auf subtilere Weise auf das Hauptthema lenken In Ihren Kompositionen können Sie Flow verwenden, um das Auge so auf der Seite zu bewegen, wie Sie es beabsichtigen Denken Sie daran, dass ein Bild durch mehr Bewegung oder Fluss dynamischer wirkt und weniger statisch wirkt. Beides könnte für Ihren jeweiligen Zweck besser geeignet sein. Eine Abbildung eines Sturms, den Sie nachts sehen, wird sich drängen. Die Aussicht ist mehr als eine Aussicht auf eine Windstille bei Sonnenaufgang Sie können selbst entscheiden , welches dieser Gefühle Sie in jedem Kontext benötigen, in dem Sie im Flow arbeiten Und ein Bild kann in jede Richtung gehen oder jedem Pfad folgen. Es kann horizontal, vertikal, diagonal, kreisförmig, zickzackförmig oder jede andere Der Fluss kann in eine Richtung oder in mehrere Richtungen gleichzeitig In einer Komposition gibt es keine korrekte Form für den Fluss. Versuche einfach, den Zuschauer nicht von der Seite zu schicken , bevor er das Ganze gesehen hat. In meiner Arbeit verwende ich führende Linien, Ausrichtung, Hierarchie und sogar Gesten. Und wohin die Augen meiner Figuren schauen , um den Betrachter zum Hauptmotiv oder um das Bild herum zu führen . Damit sind unsere umsetzbaren Prinzipien zusammengefasst. Jetzt sind Sie dran. Hier sind ein paar Hausaufgaben. Gehen Sie auf kompositorische Schnitzeljagd. Schauen Sie nach, ob Sie in den Abbildungen, die Sie online finden, Beispiele für jedes der umsetzbaren Prinzipien Abbildungen in Kunst und Illustration aktiv danach suchen, werden Sie mehr darüber erfahren, wie sie funktionieren um verschiedene Geschichten und in unterschiedlichen Kontexten zu erzählen Du wirst auch ein besseres Gefühl dafür bekommen wie sie für dich funktionieren könnten. Viel Spaß beim Ausprobieren und wenn du fertig bist, es gerne auf der Seite mit den Klassenprojekten posten. Und dann sehen wir uns in der nächsten Lektion. 7. Die Strukturprinzipien: Schauen wir uns nun das an, was ich Strukturprinzipien nenne. Während es bei den umsetzbaren Prinzipien hauptsächlich Anordnung und Reihenfolge der einzelnen Elemente geht, den Strukturprinzipien darum, wie diese Dinge als einheitliches Ganzes zusammenhalten Wenn man in den Weltraum schaut, was all die Sterne, Planeten und Galaxien an ihrem Platz hält , glauben Astronomen tatsächlich, dass es etwas gibt , das Dunkle Materie genannt wird Das ist der Klebstoff, der all diese Galaxien zusammenhält. Die unsichtbare Kraft, die eine Komposition zusammenhält , ist der Dunklen Materie sehr ähnlich. Wir wissen, was da ist, auch wenn wir es nicht sehen können, und wir können definitiv spüren, wenn es nicht da ist. Wissenschaftler können sagen, dass Dunkle Materie wahrscheinlich existiert, auch wenn sie sie nicht direkt messen können. Wir können übrigens die Beweise dafür sehen, dass die Dinge zusammenhalten. Unser Sonnensystem hält aufgrund der Dunklen Materie zusammen. Ebenso können Künstler sagen, dass es einen unsichtbaren Klebstoff gibt , der unsere Kompositionen zusammenhält dieses schwer fassbare Gefühl der Einheit verleiht Wir alle sehnen uns in unserer Arbeit danach, was ist dieser kompositorische Klebstoff Und um unserer Komposition Struktur zu geben, wir uns Raster sind eine hervorragende Möglichkeit, der Seite ein Gefühl von Struktur zu verleihen , wo wir sie sonst vielleicht nicht finden Es gibt zwar Tausende von Rastern und anderen Möglichkeiten, unsere Kompositionen zu strukturieren In dieser Lektion werden wir uns nur drei ansehen. Wir werden zwei Gitter verwenden Die Drittelregel und harmonische Und dann schauen wir uns an, was ich nenne Schauen wir uns zuerst die Drittelregel an. Die Drittelregel ist wie ein Raster mit Anweisungen zur Verwendung dieses Rasters. Sie sagt uns, wo wir unser Motiv in einem Bild platzieren können , um das interessanteste Bild zu machen. Es gibt uns auch eine Richtlinie, wie die Seite in Bezug auf die Proportionen strukturieren sollen, zum Beispiel, wie viel von der Seite wir mit Abbildung und Hintergrund füllen sollten. Als Raster ist es ziemlich einfach. Es gibt nur zwei horizontale und zwei vertikale Linien, die die Seite in drei Zeilen und drei Spalten unterteilen , sodass neun gleich Quadraten sind Platzierung angeht, so ist die allgemeine Idee, dass Sie Ihr Thema entweder im linken oder im rechten Drittel der Komposition oder an einem der Schnittpunkte dieser Linien platzieren sollten Ihr Thema entweder im linken oder im rechten Drittel der Komposition oder an einem der Schnittpunkte dieser Was die Proportionen angeht, besagt die Drittelregel , dass das Verhältnis von Figur zu Boden 13 zu 23 sein sollte Entweder ein Teil Figur und zwei Teile Boden oder umgekehrt. Bei Landschaften und anderen Szenen schlägt die Drittelregel vor, dass Sie die Horizontlinie entlang einer der horizontalen Linien platzieren . Sie werden entweder 23 oder ein Drittel des Bildes dem Himmel geben , je nachdem, wo Sie diese Linie platzieren. Normalerweise platzieren wir die Horizontlinie entlang des unteren Drittels. Nun, diese Faustregel ist aufgrund ihrer Einfachheit großartig, und sie hat sich wirklich bewährt. Viele Experten sagen, dass die Drittelregel funktioniert, und ich denke, wir sollten ihnen glauben. Wenn wir keinen ausgeprägten Sinn für Komposition haben, können wir darauf vertrauen, dass die Drittelregel in den meisten Situationen funktioniert. Das heißt nicht, dass wir hier nicht auch für uns selbst denken sollten . Manchmal ist es völlig in Ordnung, unser Motiv einfach zu zentrieren und es im Rahmen zu vergrößern Fragen Sie einfach Wes Anderson, der seine gesamte Karriere darauf aufgebaut hat Schauen wir uns jetzt die harmonischen Armaturen an. Eine harmonische Armatur ist ein geometrisches Linienraster. Nicht nur in gerader Richtung auf und ab und von Seite zu Seite, sondern auch in diagonalen Richtungen sondern auch Auf diese Weise ermöglichen uns harmonische Armaturen ein Und das gibt uns mehr Möglichkeiten , unseren Kompositionen auf dynamischere Weise Struktur zu eine harmonische Armatur ist das Raster der Drittelregel eingebaut, aber es ist wie die Drittelregel bei Steroiden weil es Ihnen mit all diesen zusätzlichen Winkeln einfach so viel mehr Optionen mit all diesen zusätzlichen Ich persönlich habe bis vor Kurzem noch nie von harmonischen Armaturen gehört von harmonischen Armaturen Eigentlich nicht, bis ich für diesen Kurs recherchiert habe. Ich weiß, welche Wissenschaft hinter harmonischen Armaturen steckt, aber es scheint wirklich gut für mich zu funktionieren Mir gefällt, dass es mir das Drei-mal-Drei-Raster sowie all diese interessanten Zwischenräume und Kreuzungen gibt sowie all diese interessanten Zwischenräume , um die Dinge diagonaler aufzustellen Ich finde es auch wirklich interessant, wie von anderen Künstlern, harmonische Armaturengitter über bestehende Kunstwerke zu legen , um zu sehen, wie bewusst sie solche Regeln in ihren Kompositionen anwenden . Als ich es zum Beispiel über die Arbeit von Miroslav Sasek oder Paul Rand gelegt habe Miroslav Sasek oder Paul Rand , habe ich sofort eine direkte Beziehung gefunden. Zwischen diesem Raster und ihren Kompositionen denke ich, dass sie diese besondere Art Raster sehr bewusst verwenden Nun stellt sich die Frage, ist das wahr? Verwenden sie wirklich absichtlich harmonische Armaturen? Oder ist es ein Zufall? Sind harmonische Armaturen einfach so flexibel und fangen das alles wie Sie scheinen unabhängig von der Situation zu gelten. auch sei, ich habe angefangen, sie in meiner eigenen Arbeit zu verwenden , nur als Experiment, aber auch, um eine komplexere und unsichtbarere Struktur in meinen Kompositionen zu erzeugen eine komplexere und unsichtbarere Struktur . Jetzt besteht die Gefahr, dass Sie dieses Raster zu stark nutzen und Ihre Illustrationen so stark davon beeinflusst werden, dass es sehr offensichtlich ist. Was in Ihrer Kunst eine unsichtbare Quelle der Einheit hätte sein sollen , könnte, den Worten des Designers Al Robert zu sagen, eher einer Straßenjacke ähneln Die letzte Strukturquelle , über die ich sprechen werde, ist das, was ich als selbststrukturierte Komposition Wenn wir unsere Kompositionen strukturieren, können wir dieses Gefühl erzeugen, dass alles künstlich zusammenhält, so wie wir es bei den Gittern getan haben Oder wir können im Inhalt etwas finden , das wir tatsächlich in der Illustration als Struktur der Illustration verwenden in der Illustration als Struktur der Das würde ich als intrinsische Struktur oder Selbststruktur bezeichnen , bei der wenig oder gar keine Hilfe benötigt wird , damit die Abbildung wirklich zusammenhält Ein Beispiel für das, wovon ich hier spreche , ist vielleicht ein Mehrfamilienhaus mit vielen Fenstern, in denen wir in jedem eine andere Szene sehen Und wir haben dieses Wohnhaus als dominierendes Objekt in der Szene. Wir haben also einfach dieses natürliche Fensterraster , nach dem wir unsere Illustration oder Geschichte strukturieren können. Ein weiteres Beispiel für Selbststruktur ist eine figurative Illustration, bei der die Figur die Komposition einfach dominiert und daher für die gesamte Struktur sorgt, die wir benötigen Die Illustration hält einfach dadurch zusammen wie der Körper oder die Figur den Raum ausfüllt Eine Illustration kann auch als selbststrukturiert betrachtet werden , wenn sie wirklich einfach ist, wenn es nur ein Objekt gibt und es wirklich groß ist, oder wenn es sich um ein dominantes Objekt handelt und alle anderen irgendwie um es herum gravitieren, fast wie Monde um einen Planeten Dies ist ein Beispiel für eine organischere Art von Selbststruktur Eine illustrierte Karte ist auch eine selbststrukturierte Komposition, da die Straßen oder andere geografische Merkmale auf der unteren Ebene eine Struktur für die illustrierten Symbole und Schriftzüge und alles andere, was sich oben befindet, bieten eine Struktur für die illustrierten Symbole und Schriftzüge und alles andere, was sich oben befindet, Selbst bei der Gestaltung einer Illustration mit Schrift oder Schrift, wie z. B. einem Buchumschlag, ist es nicht immer notwendig, ein Raster Schrift oder Schrift, wie z. B. einem Buchumschlag, vorzugeben Es könnte genügen, wenn die Illustration selbst die Seite dominiert und das Ganze durch einen viel kleineren Titel und durch eine Zeile ausgeglichen einen viel kleineren Titel und durch eine Zeile Das sind also Ihre drei Strukturprinzipien. Wir haben die Drittelregel, harmonische Armaturen und dann einfach Nun, da wir am Ende dieser Lektion angelangt sind, können Sie Folgendes selbst ausprobieren Sammeln Sie fünf bis zehn Illustrationen aus dem Internet , die Ihnen gefallen , und analysieren Sie als Nächstes die Struktur der Komposition Verwenden Sie dabei die Drittelregel, vier harmonischen Armaturen die ich zum Herunterladen bereitgestellt habe Sehen Sie im Folgenden, wie viele der Abbildungen einem dieser Raster entsprechen Was hast du gefunden? Wurden die meisten Kompositionen auf eines dieser Raster abgestimmt oder waren sie eher zufällig? Viel Spaß beim Ausprobieren. Und wenn Sie möchten, können Sie das, was Sie hier in dieser Übung finden, auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen . Wenn du bereit bist, sehe ich dich in der letzten Lektion. 8. Sechs Kompositionstypen für Illustratoren: wir uns dem endgültigen Projekt nähern, möchte ich Ihnen sechs gängige Kompositionstypen vorstellen sechs gängige Kompositionstypen wie Sie im Projekt sehen werden Diese können als Ausgangspunkt sehr hilfreich sein , wenn es darum unsere Ideen und natürlich unsere Kompositionen herauszufinden. Wenn Sie online nach Kompositionsarten oder Kompositionsbeispielen suchen , finden Sie viele Beispiele für kleine Miniaturzeichnungen mit unterschiedlichen Formen, Symbolen und Einige davon sind geformte Kreise oder Dreiecke oder ihre Buchstabenform wie S, Kurven oder Vielleicht finden Sie auch kleine Miniaturbilder von kleinen Szenen wie Booten in einem Hafen oder einer Landschaft Ich denke, diese sollen Künstlern kompositorische Ausgangspunkte geben Künstlern kompositorische Ausgangspunkte Aber weil es so viele davon gibt und sie normalerweise ohne Kontext gezeigt werden, habe ich sie nie als besonders hilfreich für mich empfunden Sie scheinen das sprichwörtliche Pferd von hinten aufzuzäumen, weil sie eine Lösung vorschlagen , bevor wir das Problem, das wir mit unseren Illustrationen zu lösen versuchen, vollständig verstanden das Problem, das wir mit unseren Illustrationen zu lösen versuchen mit unseren Illustrationen zu lösen Das Risiko besteht darin, dass wir versuchen, unsere Ideen an einem dieser vorgefertigten Beispiele anzupassen , anstatt die beste Lösung für unsere spezielle Situation zu finden für Davon abgesehen ähneln die Kompositionstypen, die wir gleich durchgehen werden, diesen vorgefertigten Sie schlagen eine Lösung vor, bevor wir das Problem verstanden haben Aber ich denke, sie sind nützlicher, weil sie spezifisch für Illustrationen sind. Und sie sind spezifisch dafür , Ideen und Geschichten auf bestimmte Weise zu veranschaulichen und Geschichten auf bestimmte Weise Sie sagen uns nicht genau, wie unsere Kompositionen arrangiert werden sollen oder unser Stil aussehen sollte, aber sie geben uns eine Struktur, mit der wir arbeiten können Der engste Vergleich, den ich mir vorstellen kann, ist in der Musik, wo wir bekannte Muster haben wie zwei Strophen, dann einen Refrain, dann zwei weitere Strophen und dann den Refrain noch einmal wiederholen, und vielleicht eine Brücke, und dann ein paar Mal zurück zum Refrain So etwas in der Art. Mit Millionen einzigartiger Geschichten in einer beliebigen Anzahl von Musikstilen derselben Grundstruktur können Sie Millionen einzigartiger Geschichten in einer beliebigen Anzahl von Musikstilen erzählen. Ein anderes einfacheres Beispiel wäre das Haiku oder der Limerick. Als Gedichtstrukturen sind das wohlbekannte Strukturen, an die du deine Worte anpassen kannst Sie können alle möglichen Ideen haben und sich selbst ausdrücken oder in diesen Gedichten Geschichten erzählen, innerhalb der Einschränkungen , die sie Ihnen in diesen Gedichten Geschichten erzählen innerhalb der Einschränkungen , die Auf diese Weise können dir die sechs Kompositionstypen helfen bessere Ideen und Kompositionen für deine Kunst zu entwickeln. Schauen wir sie uns jetzt an. Der erste Kompositionstyp ist das einzelne Objekt. Das einzelne Objekt ist genau das , wonach es sich anhört. Es ist eine Illustration eines einzelnen Objekts auf der Seite. Dies ist die einfachste Abbildung, da es kein tiefes Konzept gibt und das Kompositionsproblem sehr einfach ist In der Gesamtkomposition gibt es nur eine Sache , die einzige Sache auf der Es wird wahrscheinlich zentriert sein und wir werden auf die Gesamtform und die Details des Objekts selbst konzentrieren . Die Herausforderung bei einem einzelnen Objekt darin, das Objekt so darzustellen , dass es für diese Klasse sowohl wiedererkennbar als auch interessant ist. Ein Teil der Lösung besteht darin, ein Objekt auszuwählen , das leicht in einem flacheren Stil dargestellt werden kann Und auch den erkennbarsten oder interessantesten Winkel oder die interessanteste Seite zu wählen oder interessantesten Winkel oder die interessanteste Seite Etwas aus einem bestimmten Blickwinkel sieht möglicherweise nicht so klar oder erkennbar aus wie von einem anderen Objekt aus. Illustrationen werden häufig als Spot-Illustrationen in redaktionellen oder veröffentlichenden Kontexten verwendet. Wenn ein Objekt für eine bestimmte Subkultur eine besondere Bedeutung oder Bedeutung hat besondere Bedeutung oder Bedeutung , kann es auch als T-Shirt-Grafik oder als Motiv auf Grußkarten oder sogar Tattoos verwendet werden als Motiv auf Grußkarten oder sogar Tattoos Ein einzelnes Objekt kann einfacher oder ausdrucksvoller sein Es kann proportionaler und wörtlicher sein, oder es kann stilisierter und minimalistischer sein Schauen wir uns jetzt das Stillleben an. Ein Stillleben ist eine Zeichnung, Gemälde oder eine Fotografie einer Anordnung lebloser Objekte im physischen Raum, die so langweilig ist wie eine Obstschale oder eine Kücheneinrichtung Es mag klingen, dass die Menschen von Stillleben einfach nicht genug bekommen können von Stillleben einfach nicht genug bekommen Für Illustratoren stellt das Stillleben eine Möglichkeit dar, eine Geschichte zu erzählen Während wir Stillleben eher als Studien oder als etwas betrachten, das ein Künstler zur Praxis macht, kann ein Stillleben eine ganze Menge Informationen enthalten, die je nach Kontext spezifische Bedeutungen annehmen Es könnte sogar indirekt etwas über die Künstler selbst aussagen . Selbstporträt. Oder es könnte auf ein wünschenswertes Gehör oder eine Kombination verwandter Gegenstände hindeuten, z. B. Lebensmittel, die gut zusammenpassen. Zu den Herausforderungen bei der Erstellung von Stillleben gehört, was in das Arrangement aufgenommen werden muss und wie die Objekte, auf die Sie sich beziehen, auf ansprechende Weise angeordnet die Objekte, auf die Sie sich beziehen, auf ansprechende Weise Welche Objekte erzählen am besten die Geschichte, die Sie erzählen möchten, und wie lassen sie sich am besten darstellen? die Sie erzählen möchten, und wie lassen sie sich am besten darstellen Als Set In einer Art Raum kann ein Stillleben aus einer tatsächlichen physischen Anordnung von Dingen entstehen Du kannst zum Beispiel eine Banane, einen Apfel und ein paar Trauben in eine Schüssel geben und anfangen, das zu zeichnen oder zu illustrieren. Oder Sie können einfach eine Reihe von Objekten illustrieren , als wäre es ein Stillleben aus Ihrer Fantasie. Für grafische Illustratoren wird die Herausforderung darin bestehen, ein Stillleben zu präsentieren oder darzustellen ohne übermäßig dimensional zu sein Wie bei einem einfachen Objekt kann ein Stillleben sehr einfach oder ausdrucksvoller sein Es kann die Objekte mehr oder weniger so präsentieren, wie sie sind, aber mit ein bisschen Stil. Oder es kann eine viel abstraktere Studie über Farbe, Form und Raum sein. Schauen wir uns nun das Flat-Lay an. Eine flache Lage ist eine Abbildung einer Gruppe von Objekten in einer sorgfältig beabstandeten flachen Anordnung Eine Flachlage ist einem Stillleben sehr ähnlich, aber anstatt die Anordnung organischer oder überlappender darzustellen , werden die Objekte in ihrer Gesamtheit ohne jegliche Schichtung und oft ohne Rücksicht auf den Maßstab dargestellt ohne jegliche Schichtung und oft ohne Rücksicht Bei einer Zeichnung von Künstlerbedarf kann ein Bleistift beispielsweise die gesamte Seitenhöhe einnehmen Ein Skizzenbuch, das in Wirklichkeit größer als der Bleistift ist, kann dagegen das in Wirklichkeit größer als der Bleistift ist , , wie ein Stillleben, nur ein Viertel einnehmen. Ein Flat-Lay ist eine großartige Möglichkeit, eine Geschichte über etwas auf indirekte Weise zu erzählen . Deshalb nenne ich Flat-Lays manchmal Objektgeschichten. Sie eignen sich auch hervorragend, um die Idee von etwas thematisch zu zeigen . Wenn es in der Illustration um einen Mädelsabend geht, kannst du darüber nachdenken, welche Objekte für die Idee am sinnbildlichsten sind , wie Wein, Uber-Fahrt und vielleicht Karaoke Ich weiß nicht, warum ich dieses Beispiel gewählt habe, da ich noch nie zu einem Mädelsabend eingeladen wurde Flache Schichten eignen sich hervorragend für einfache Kinderbücher wie Alphabetbücher oder Poster oder sogar als Grundlage für ein illustratives Muster für Geschenkpapier oder Textilien Bei Flat Lay handelt es sich in der Regel um eine Anordnung einfacher lebloser Objekte, es kann sich aber auch um eine Anordnung von Charakteren, Kreaturen oder sogar Das Wichtigste ist, dass alle Objekte in der Wohnung zusammen eine Geschichte erzählen oder ein Thema nahelegen Flache Schichten können sehr starr und gitterartig wenn alles senkrecht angeordnet ist. Oder sie können freier schweben als ob sie in Wackelpudding aufgehängt wären Der nächste Kompositionstyp, den ich mir ansehen werde, ist die Abbildung. Die menschliche Figur ist bei weitem das häufigste Thema in Kunst und Illustration, was Sinn macht, weil wir Menschen sind und gerne Menschen zeichnen und wir Menschen gerne in Zeichnungen sehen. Wenn eine Illustration hauptsächlich auf der menschlichen Figur basiert, nennen wir sie figurativ Das Schlüsselelement der figurativen Illustration ist natürlich der Fokus auf einen Menschen, normalerweise auf einen Menschen, entweder vollständig, von Kopf bis Fuß oder teilweise, vielleicht von der Brust figurativen Darstellung kann es direkter Bei der figurativen Darstellung kann es direkter um die Person auf dem Bild gehen, wie zum Beispiel bei einem Porträt Oder die Person kann als symbolischeres, metaphorisches symbolischeres, metaphorisches Die Person könnte in der Szene sehr aktiv sein oder sie ruht sich aus und tut nichts anderes, als auf dich zurückzuschauen figurative Illustration kann einfach und unkompliziert oder ausdrucksstark und als Struktur des Geschichtenerzählens stark stilisiert sein ausdrucksstark und als Struktur des Geschichtenerzählens stark stilisiert als Struktur des Geschichtenerzählens Eine Figur kann von einer bestimmten Person handeln, sei sie real oder fiktiv Andererseits kann es eher darum gehen, was die Person tut oder womit sie interagiert In diesem Fall ist die Figur nur ein Halter oder nur eine Möglichkeit, Ihre Aufmerksamkeit auf etwas anderes auf dem Bild zu lenken. Eine Figur kann auch stärker in die Abbildung integriert werden , indem sie die gesamte Struktur bietet und sogar zu einem Raster wird, auf dem andere Ideen überlagert werden Die größte Herausforderung bei figurativer Illustration besteht meiner Meinung nach darin, dass viele Illustratoren einfach damit zu kämpfen haben, wie sie Deshalb habe ich, als ich mit dem Illustrieren anfing, die figurative Illustration um jeden Preis vermieden Ich wusste einfach nicht, wie ich Menschen zeichnete , oder ich hatte keine einheitliche Methode, dies zu tun Aber irgendwann hatte ich einen Durchbruch. Ich musste die Leute nicht wirklich proportional zeichnen . Ich habe das erkannt War zu der Zeit meine Wahl. Obwohl mein Stil sehr grafisch, stilisiert und unrealistisch war , kehrte ich unbewusst zu realistischen Proportionen zurück , wenn ich versuchte, Menschen in meine Arbeit einzubeziehen zu realistischen Proportionen zurück , wenn ich Sobald ich anfing , mit den Proportionen der Figur zu spielen und sie zu biegen und zu dehnen, wie ich wollte, wurde meine Arbeit plötzlich viel figurativer und sie wurde auch viel Kurz nach dieser Zeit habe ich Odd Bodies hier auf Skillshare veröffentlicht, was bis heute einer meiner beliebtesten Illustrationskurse Der nächste Kompositionstyp, den wir uns ansehen werden, ist die Szene. Dies ist eine weitere beliebte Art der Illustration. Es ist eine Illustration eines Ortes oder eines Raums. Eine Szene kann draußen oder drinnen sein, und sie kann Personen oder Charaktere enthalten oder keine. Eine Szene ohne Charaktere oder ein zentrales Objekt wäre eine Landschaft oder ein Straßenbild oder vielleicht ein Innenraum, wenn es drinnen ist In diesem Fall ist die Szene das Thema. Die Herausforderung für Illustratoren im Grafikstil arbeiten, besteht darin, ein Raumgefühl zu vermitteln, auch wenn sie flach arbeiten Wie gehen wir mit überlappenden Elementen eine sehr begrenzte Farbpalette haben, wenig oder gar keine Perspektive haben oder mit wenig oder gar keine Perspektive Schatten arbeiten können Jetzt müssen wir aus unserer natürlichen fotografischen Denkweise herauskommen , anstatt in Bezug auf Kamerawinkel und Perspektiven zu denken Kamerawinkel und Perspektiven und Dinge entweder als nah oder fern von einer Kamera zu Wir wollen mehr darüber nachdenken, wie die Geschichte in einem flachen Layout erzählen Wie können wir Dinge so darstellen, dass die Form des Raums oder der Seite, in der wir arbeiten, maximiert Raums oder der Seite, in der wir arbeiten, Hier könnten wir mit unserer Versuchung zu kämpfen haben, mit unseren Kameras zu konkurrieren Wie können wir eine grafischere Darstellung dieser Szene erstellen dieser Szene Die erste Frage für eine Szene lautet: Welche Geschichte versuchst du zu erzählen? Worum geht es in dieser Illustration? Was passiert auf dem Bild? Oder was sagst du über die Szene? Was ist die Bedeutung hier? Nun, so wichtig die Geschichte für unsere Szenen als Grafiklilustratoren auch ist , es geht nicht so sehr darum, wie interessant Ihr Thema ist, sondern wie Sie es darstellen Das ist das Interessante daran. Hier kommen unsere Entscheidungen über Maßstab, Proportionen, unseren Umgang mit Figur und Grund und die Art und Weise, wie wir stilistische Einschränkungen geschickt umgehen , erst richtig zur Geltung Okay, die sechste Art der Komposition ist die Montage. Eine Montage ist eine Zusammenstellung verschiedener Bilder, Markierungen, Symbole und anderer Elemente, die sich zu einer einzigen Idee oder einem einzigen Thema zusammenfügen . In der Illustration ist die Montage ein weit verbreiteter Ansatz, insbesondere wenn es schwierig sein kann, eine Idee in nur einem Symbol oder einer Szene auszudrücken . Das ist vielleicht konventioneller. Eine Montage ist oft spezifisch genug, um sich auf eine Gesamtidee oder ein Thema zu beziehen , ohne dass die Botschaft so spezifisch ist. Das soll nicht heißen, dass Montagen nicht tief bewegend oder bedeutungsvoll sein können, aber weil sie etwas offener für Interpretationen sind, ist es schwieriger, etwas falsch zu machen. Als Struktur, die Geschichten erzählt Montagen eignen sich hervorragend für freie Assoziationen, wenn der Betrachter nicht zu einer bestimmten Schlussfolgerung kommen muss, vielleicht geht es einfach mehr um eine Stimmung oder ein Gefühl Die Herausforderung bei Montagen besteht darin, deine Grenzen zu finden. Es ist möglich, der Komposition auf diese Weise zu viele Ideen oder Elemente hinzuzufügen Komposition auf diese Weise zu viele Ideen oder Elemente Es ist vergleichbar mit dem Flat-Lay, bei dem Sie genau die richtige Menge an Symbolen oder Objekten auswählen möchten , um die Geschichte zu erzählen. Wenn Sie eine Montage erstellen, empfehle ich Ihnen, nur so wenige separate Elemente wie möglich hinzuzufügen , die benötigen, um Ihre Geschichte zu erzählen, und sich darauf zu konzentrieren, wie Sie sie auf unerwartete Weise zusammenstellen können. Vielleicht sind bestimmte Objekte ungewöhnlich groß oder alles ist wie Teile eines Puzzles ineinander verzahnt In meiner früheren Illustrationsarbeit verfolgten viele meiner Konzepte einen Montageansatz Das lag zum Teil daran, dass es einfacher war , ein Thema darzustellen, aber es lag auch daran mein besonderer Stil einfach besser darin war, Geschichten auf diese Weise zu erzählen , als Dinge wie die menschliche Figur direkt einzubeziehen. Es gibt wirklich viele verschiedene Möglichkeiten eine Montage zu gestalten, solange man sich an die Formel hält , mehrere Symbole oder Elemente in einer einzigen Komposition zu kombinieren , die einer gemeinsamen Idee oder einem gemeinsamen Thema entspricht. Montagen können randlos sein und sich über einige oder alle Seitenränder hinaus erstrecken. Sie können auch eher eine Ansammlung von Elementen sein, die im Raum der Seite selbst oder vor einem festen Hintergrund schweben im Raum der Seite selbst oder vor einem festen Nun, die Leiter ist weitaus verbreiteter, und für diesen Kurs würde ich sie als Ausgangspunkt empfehlen. Okay, hier ist noch eine Sache für Sie, die Sie ausprobieren sollten, bevor wir mit dem Projekt fortfahren. Schauen Sie nach, ob Sie Beispiele für Illustrationen für jeden der sechs Kompositionstypen finden können. Suchen Sie speziell nach Beispielen , die grafischer und flacher sind. Diese Übung hilft Ihnen natürlich dabei, zu erkennen, dass es diese sechs Kompositionstypen wirklich überall gibt, wenn Sie genau hinschauen. Und sie werden dir auch etwas Inspiration für das endgültige Projekt geben. Wie immer, wenn du damit fertig bist, teile uns mit, was du auf der Seite mit den Klassenprojekten findest , und dann sehe ich dich im Projekt. 9. Projekt-Intro und Setup: Zu diesem Zeitpunkt haben wir alle Grundlagen der Komposition durchgesehen und jetzt ist es an der Zeit, alles in die Tat umzusetzen Im heutigen Klassenprojekt kannst du ein Set mit sechs illustrierten Briefmarken erstellen sechs illustrierten Briefmarken die auf dem Land und dem Thema deiner Wahl basieren nicht nur großen Spaß, Briefmarken zu illustrieren, sie sind auch eine großartige Möglichkeit, das Zusammenstellen zu üben. Weil sie so klein sind, helfen sie uns, uns auf die Gesamtkomposition zu konzentrieren , anstatt uns zu sehr in winzigen Details zu verzetteln Eine weitere tolle Sache an Briefmarken ist , dass sie oft in Sets geliefert werden Wir werden also die Möglichkeit haben, ein Set mit sechs verschiedenen Illustrationen zu erstellen , von jede auf den sechs Kompositionstypen basiert wir in der vorherigen Lektion gelernt haben. Dies ist eine hervorragende Möglichkeit, um zu sehen, wie die verschiedenen Kompositionsprinzipien in einer Vielzahl von Situationen funktionieren. Wie Sie in meiner Demo sehen werden, scheint das, was in einer Art von Komposition zu funktionieren scheint, ich in einer anderen nicht. Genauso wichtig. Sie werden sehen, wie der verschiedenen Kompositionstypen eine Geschichte auf unterschiedliche Weise erzählen können Sie mit jeder der verschiedenen Kompositionstypen eine Geschichte auf unterschiedliche Weise erzählen können. In meiner Demo konnte ich jede Art von Komposition verwenden, um für jede meiner Illustrationen eine andere Idee zu entwickeln. Nun, faire Warnung, wir haben in den nächsten Videos viel zu tun , aber ich werde mein Bestes tun, um Sie durch jeden Schritt des Prozesses zu führen . Als Erstes müssen wir also unseren Projektplan erstellen. Hier erklären wir unser Land und unser Thema, und dann entwickeln wir Ideen für unsere sechs Lassen Sie uns jetzt unseren Plan erstellen, und später werden wir uns dann genauer mit dem eigentlichen Illustrationsprozess befassen dem eigentlichen Illustrationsprozess Um Ihren Projektplan zu erstellen, benötigen Sie lediglich ein Blatt Papier oder ein digitales Äquivalent. Ich habe meinen in Procreate mit einem einfachen Bleistiftpinsel oben auf der Seite Schreiben Sie meinen Projektplan Als Nächstes schreiben Sie Ihr Land Natürlich habe ich das Land ausgewählt. Ich lebe in Kanada. Ich empfehle, Ihr eigenes Land zu wählen weil es so persönlicher ist. Aber du kannst jedes Land wählen, das du als Nächstes haben möchtest . Wähle ein Thema. Es könnte ein Hobby oder ein Lieblingsthema sein, oder ein Feiertag wie Weihnachten oder Halloween. Ursprünglich wollte ich das Weltall als Thema wählen, aber da es November war, als ich diesen Kurs gemacht habe, habe ich angefangen, über den Winter nachzudenken. Ich dachte, es würde Spaß machen, eine Reihe von Stempeln zu machen , die auf meinen Erinnerungen basieren , als ich ein Kind im Winter in den 1980er Jahren in einer kleinen Stadt aufgewachsen bin. Mein Thema ist also der Winter in meiner Kindheit. Nun, nur weil es eine Briefmarke für ein ganzes Land ist, macht es Spaß, darüber nachzudenken, wie ich diese Briefmarken wirklich persönlich und autobiografisch gestalten könnte diese Briefmarken wirklich persönlich und autobiografisch Ich weiß bereits eine Menge über mein eigenes Leben und das wird es mir später viel einfacher machen , auf meine Ideen zu kommen Schreiben Sie als Nächstes die sechs Kompositionstypen auf: das einzelne Objekt, das Stillleben, das Flat-Lay, die Figur, die Szene und die Montage. Lassen Sie etwas Abstand zwischen ihnen, damit Sie Platz haben, um einige Brainstorming-Notizen dazwischen aufzuschreiben einige Brainstorming-Notizen dazwischen aufzuschreiben Für jeden dieser Kompositionstypen können Sie anfangen, darüber nachzudenken was Sie illustrieren möchten Als ich diesen Schritt ausgeführt habe, habe ich einfach eine neue Ebene erstellt und in procreate eine neue Farbe verwendet und direkt im Projektplan mit dem Brainstorming begonnen direkt Wie Sie sehen können, habe ich mein Brainstorming genau hier in meinem Projektplan in Blau geschrieben genau hier in meinem Projektplan in Blau Nachdem ich alle meine Ideen für die sechs verschiedenen Kompositionstypen aufgeschrieben hatte , die letztendlich meine sechs verschiedenen Stempelillustrationen sein werden , ging ich sie durch, um meine endgültige Auswahl zu treffen Ich habe für jede einzelne das eingekreist, was mir auffiel. Natürlich wollen wir alle wissen, in welcher Größe und in welchem Seitenverhältnis wir arbeiten Wenn Sie es genau in den Abmessungen, in denen Sie arbeiten möchten, auf Ihre Seite passen können. Sobald du deinen Plan fertiggestellt hast, kannst du ihn als JPEG speichern und auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen. Ich schicke diesen J-Peg einfach an meinen Mac und poste ihn dann auf der Seite Skill Share Projects über meinen Desktop-Browser auf der Seite Skill Share Projects. 10. Projektprozess (Übersicht): Nachdem Sie Ihren Projektplan erstellt haben, ist es an der Zeit, mit der Veranschaulichung zu beginnen. In dieser Lektion werde ich Ihnen die fünf Schritte vorstellen, die ich bei jeder Erstellung einer Illustration unternehme. Dies ist ein allgemeiner Überblick wie ich die einzelnen Phasen durchlaufen habe. werde ich in separaten Videos mehr über meine tatsächlichen kompositorischen Entscheidungen für jede Komposition, jeden Typ oder jeden Stempel sprechen für jede Komposition, jeden Typ in separaten Videos mehr über meine tatsächlichen kompositorischen Entscheidungen für jede Komposition, jeden Typ oder jeden Stempel Lassen Sie uns zunächst diese Schritte kurz durchgehen und dann werden wir jeden Schritt detaillierter durchgehen Als Nächstes, im ersten Schritt, sammeln wir Referenzbilder auf dem von uns ausgewählten Land und Thema basieren Im zweiten Schritt starten wir die Zeichnungen im Modus oder im Beobachtungsmodus. Hier greifen wir einfach auf unsere Referenzen zurück. Weise können wir all diese visuellen Informationen in unser Gedächtnis herunterladen , damit wir uns freier von der Vorstellungskraft inspirieren lassen können. Später, im dritten Schritt, beginnen wir, Ideen zu entwickeln, und zwar in sogenannten Highmode - oder ideellen Skizzen In diesem Schritt arbeiten wir etwas schneller und härter. Wir lassen uns einfach so viele Ideen wie möglich einfallen , ohne zu kritisch zu sein Im vierten Schritt wählen wir 12, vielleicht drei unserer liebsten groben Skizzen aus und verfeinern vielleicht drei unserer liebsten groben Skizzen Hier arbeiten wir unsere Kompositionen mit einem kritischeren Auge detaillierter aus Schließlich, in Schritt fünf, erstellen Sie hier Ihre endgültige Illustration in Ihrem eigenen Illustrationsstil mithilfe Ihrer bevorzugten Apps, Tools und Techniken. Wenn Sie noch dabei sind, herauszufinden, was Ihr Stil ist und welche Tools Sie verwenden, können Sie mir gerne im Photoshop-Tutorial-Video folgen . In diesem Kurs gebe ich dir eine kurze Demo, um dir zu zeigen , wie ich meine Illustrationen mit Photoshop erstelle, einschließlich der Pinsel und Farben, die ich verwende. Im Muster-Tutorial-Video zeige ich Ihnen, wie Sie die Stempelmodelldateien verwenden, die in dieser Klasse enthalten sind, damit Sie sie verwenden können. Wenn du möchtest. Denken Sie daran, dass es bei diesem Projekt nicht darum geht, perfekt zu sein, sondern darum, das, was Sie im Unterricht gelernt haben, in die Praxis umzusetzen. Wenn Sie sich durch das Projekt kämpfen, bedeutet das, dass Sie tatsächlich Fragen stellen und es versuchen, was bedeutet, dass Sie etwas Neues lernen. Ordnung, schauen wir uns den ersten Schritt des Illustrationsprozesses genauer an. Der erste Schritt besteht darin, Referenzbilder zu Ihrem Thema zu sammeln . Mit sechs Illustrationen , für die Sie Referenzen finden können, gibt es möglicherweise eine Menge Bilder, die Sie im Auge behalten müssen. Also habe ich für jeden Stempel einen Ordner erstellt, der nach jedem Kompositionstyp benannt ist. Dann habe ich für jedes einzelne nach Bildern gesucht, die sich auf das von mir gewählte Thema beziehen . Jetzt suche ich nach Bildern, die so aussehen, wie meine endgültigen Illustrationen zusammengestellt werden , falls das Sinn macht. Ich suche nur nach Bildern, die mir helfen, sie später zu skizzieren und mir bestimmte Details zu merken , die ihnen ihren Charakter verleihen. Für fast alle Illustrationen suche ich nach Bildern, die die einfachste, erkennbarste Ansicht meines Motivs zeigen . Weil ich es wahrscheinlich so in meinem Stil zeichnen möchte. Im Grunde genommen ist es hilfreich, wenn ich Referenzbilder finde, die dem so nahe wie möglich kommen, was auch immer in einem flachen Grafikstil gut aussehen was auch immer in einem flachen Grafikstil gut es hilfreich, wenn ich Referenzbilder finde, die dem so nahe wie möglich kommen, wird. Nun, wir kopieren die Fotos nicht, aber wenn wir die Informationen aus den Fotos verwenden, ist es gut, so viele Informationen wie möglich zu haben . Aber gleichzeitig nehme ich auch einige Bilder auf, die auch andere Blickwinkel zeigen Ich kann später herausfinden, wie ich die Dinge in meinem eigenen Stil Das ist fast der ganze Sinn dieses Projekts. Oft brauche ich nur Bilder, die mir Ideen für bestimmte Details geben , wie die Muster oder Designs auf einem einteiligen Schneeanzug aus den 1980er Jahren oder wie ein Hockeyschläger damals aussah? Ich brauche sie nicht aus einem bestimmten Blickwinkel , um zu wissen, wie sie aussehen. Ich würde sagen, verbringen Sie vielleicht 30 bis 60 Minuten Referenzbildern zu suchen. Vielleicht sollten Sie bei maximal 25 Bildern pro Abbildung aufhören. Sie könnten einen Schritt viel schneller oder viel langsamer als 25 Minuten beenden . Es hängt wirklich davon ab, wonach Sie suchen und wie sehr Sie sich von diesem Schritt mitreißen lassen möchten. Wirklich, es gibt keine Eile. Viel Spaß bei der Jagd. Und wenn du bereit bist, komm zurück zu diesem Video. Der nächste Schritt besteht darin, aus unseren Referenzbildern zu schöpfen. Sie können diesen Schritt mit einem echten Papier und einem Bleistift ausführen, oder Sie können ein entsprechendes digitales Skizziergerät verwenden Ich verwende Procreate immer mit einem Pinsel mit sechs Stiften für meine Zeichnungen und Skizzen Wenn Sie meine anderen Kurse besucht haben, wissen Sie, dass wir hier keine Code-Ideen skizzieren, sondern nur einige Zeit damit verbringen, sondern nur einige Zeit damit verbringen zeichnen, was wir aus Beobachtung sehen Deshalb nenne ich diese Modus- oder Beobachtungsmodus-Zeichnungen Das ist ein netter und einfacher Schritt, vor allem, wenn Sie das Zeichnen sowieso gewohnt sind, weil es sich wirklich produktiv anfühlen kann. Und du darfst zeichnen, aber du trainierst deine kreativen Muskeln noch nicht wirklich zu sehr. Es ist ein netter, einfacher Übergang, da wir uns später der Entwicklung unserer Ideen für unsere Kompositionen nähern Entwicklung unserer Ideen . Wenn Sie sich Ihrer Zeichenfähigkeiten nicht sicher sind, sich keine Gedanken darüber, ob Sie versuchen sollten, hier gut zu zeichnen. Der Sinn dieses Schritts besteht einfach darin , diese visuellen Informationen in Ihren Speicher herunterzuladen , sodass Sie später ohne Wärmereferenzen skizzieren können. Solange Sie sich die Details Ihres Motivs genauer ansehen , während Sie sie hier zeichnen, ist das alles, was für diesen Schritt wichtig ist. Ich habe eine Seite gefüllt und für jeden der sechs Ordner mit Referenzbildern etwas Neues erstellt , oder für jeden meiner sechs Kompositionstypen eine Seite Eines der schönen Dinge beim Zeichnen mit Omo ist , dass Sie, wenn Sie hier Tempomat einzeichnen, tatsächlich einige Ideen für die endgültige Illustration auftauchen Als ich zum Beispiel meine Referenzbilder skizzierte , begann ich zu überlegen , wie ich die Figur und die Form des Schneeengels auf interessante Weise verwenden könnte die Figur und die Form des Schneeengels interessante Weise Ich blieb auch bei bestimmten Details hängen , die mich interessierten, wie zum Beispiel das Emblem für den GT-Schneerennfahrer, das ich als kleiner Junge sehr mochte Und um ehrlich zu sein, bin ich es als erwachsener Mann immer noch. Die Details, von denen Sie sich hier mitreißen lassen, könnten Hinweise darauf sein, was Sie am meisten interessiert und was Sie vielleicht später in Ihr endgültiges Konzept aufnehmen möchten Erlauben Sie sich irgendwie, wirklich in diese Phase zu versinken. Ich habe nicht darüber nachgedacht, aber ich habe tatsächlich 2,5 Stunden damit verbracht , nur aus meinen Referenzen hier zu schöpfen. Wenn Sie fertig sind, empfehle ich, eine kleine Pause einzulegen, damit Sie mit einem frischen Geist in die nächste Phase gehen können. Wenn Sie diesen Schritt abschließen, denken Sie bitte daran, denken Sie bitte daran Ihre Zeichnungen im O-Modus auf der Seite mit den Klassenprojekten zu veröffentlichen. Okay, jetzt ist es an der Zeit, sich der Kontrolle der Crew zu entziehen und tatsächlich Ideen zu entwickeln Dies wird für viele von uns eine schwierigere Phase sein , weil wir hier anfangen müssen, darüber nachzudenken, wie wir die Geschichte erzählen oder die Idee vermitteln können, die wir in jeder Komposition haben wollen Dies ist ein iterativer Prozess, was bedeutet, dass wir bei der Ausarbeitung unserer Ideen und Kompositionen mehrmals Variationen für jede Komposition skizzieren müssen Variationen für jede Komposition der Ausarbeitung unserer Ideen und Kompositionen mehrmals unserer Ideen und Kompositionen Jetzt ist die Phase der groben Skizzen, was bedeutet, dass Sie etwas freier sein können , als es im nächsten Schritt der Fall sein wird Sie müssen nicht lange über die Komposition nachdenken , wenn sie nicht von selbst kommt. Denken Sie jedoch mehr darüber nach, was in das Bild aufgenommen werden soll, das Ihre Geschichte am besten erzählen kann Zum Beispiel geht es bei einem einzelnen Objekt wirklich darum, wie Sie Ihr Objekt am klarsten und interessantesten darstellen können Iteration hilft dir dabei, hier das zu finden , wonach du suchst Um Ihnen in dieser Phase zu helfen, habe ich eine Vorlagendatei für Skizzen beigefügt, die Sie in Photoshop oder Procreate laden oder sogar ausdrucken können, wenn Sie möchten Natürlich haben sie das Seitenverhältnis eins mal 1,5, an dem ich gerade arbeite, aber Sie können sich leicht vorstellen, wie das in jeder anderen Größe oder jedem anderen Format funktionieren könnte in jeder anderen Größe oder jedem anderen Format Zunächst habe ich die Skizzenvorlage in procreate geöffnet und dann für jede Illustration oder jeden Stempel eine neue Ebene erstellt Ich habe sie in der oberen linken Ecke beschriftet und dann mit der Iteration begonnen Ich fange immer etwas schwach und zögernd an, aber nach ein paar Wiederholungen bin ich wieder warm. In die Vorlage habe ich Miniaturansichten sowohl mit hoher als auch mit breiter Ausrichtung eingefügt , sodass ich Ideen leicht auf beide Arten und in beiden Ausrichtungen skizzieren kann, um mir für jede Abbildung unterschiedliche Optionen zu bieten aber nach ein paar Wiederholungen bin ich wieder warm. In die Vorlage habe ich Miniaturansichten sowohl mit hoher als auch mit breiter Ausrichtung eingefügt, sodass ich Ideen leicht auf beide Arten und in beiden Ausrichtungen skizzieren kann, um mir für jede Abbildung unterschiedliche Optionen zu bieten. Eine der grundlegenden Fragen, die wir uns zu einer Komposition stellen, lautet: Woher weiß ich, was ich in das Bild aufnehmen soll Videos werde ich nun näher darauf eingehen, wie ich über die Komposition der einzelnen Briefmarken nachgedacht habe nächsten Videos werde ich nun näher darauf eingehen, wie ich über die Komposition der einzelnen Briefmarken nachgedacht habe. Aber weil ich in der Planungs- und Modusphase viele Vorbereitungen getroffen hatte , wusste ich bereits, welches Thema ich in jede Briefmarkenillustration aufnehmen würde. Ich musste nicht fragen, woher ich weiß, was hier für all diese Dinge angeben sollte. Weil das für mich bereits in den früheren Schritten des Prozesses festgelegt wurde. Ich suche hier hauptsächlich danach , wie ich diese verschiedenen Objekte, Figuren und Symbole so anordnen kann, dass sie die Geschichte, die ich will, am besten erzählen. Ich möchte hier auch nur darauf hinweisen, wie sehr die Arbeit einem voreingestellten Kompositionstyp für mich fast Entscheidungen über die Komposition trifft Ich muss mir darüber überhaupt keine Gedanken machen. Ich weiß zum Beispiel, dass ich für das einzelne Objekt nur den Kunstbereich des Stempels mit dem GT-Snowracer so weit wie möglich ausfüllen muss den Kunstbereich des Stempels mit dem GT-Snowracer so weit wie möglich Das schmale Format meines speziellen Stempels, das Seitenverhältnis eins mal 1,5, gibt mir außerdem eine Einschränkung, mit der ich arbeiten muss Ich muss das Objekt so zeigen, dass es diesen schmalen Bereich so gut wie möglich ausfüllt. Und es ist einfach so, dass der GT von oben betrachtet perfekt funktioniert. weiter wir uns die verschiedenen Illustrationen im Projekt ansehen, desto anspruchsvoller werden die Kompositionen natürlich die verschiedenen Illustrationen im Projekt ansehen, . Aber in jedem der sechs Kompositionstypen sind einige Hinweise auf die endgültige Anordnung der Dinge direkt in sie eingebaut Jetzt kann diese Phase auch einige Zeit in Anspruch nehmen. Ich habe weitere 2,5 Stunden damit verbracht, an den gesamten Iterationen zu arbeiten ? Nun, das scheint eine lange Zeit zu sein, die man nur für grobe Skizzen aufwenden muss Denken Sie daran, dass wir hier sechs Illustrationen machen. Das im Durchschnitt nur etwa 30 Minuten pro illustrierter Briefmarke, was meiner Erfahrung nach blitzschnell ist Auch hier gilt: Wenn Sie diese Phase abschließen, denken Sie bitte daran, Ihre groben Skizzen auf der Seite mit den Klassenprojekten Jetzt, da wir die groben Skizzen durchgesehen haben, ist es an der Zeit, unsere besten Ideen zu finden und sie zu verfeinern, um sie noch besser zu machen Ich empfehle, zwischen der letzten Phase und dieser eine kleine Pause einzulegen Ich finde, dass ich meine groben Skizzen immer in einem neuen Licht sehe meine groben Skizzen immer in einem neuen Licht Wenn ich später am Tag oder sogar am nächsten Tag darauf zurückkomme , sehe ich die Dinge objektiver und schätze viele der Ideen am zweiten Tag oder später sogar mehr als zu der Zeit, als ich sie hier gezeichnet habe Ich habe sie nur nach meinem Bauchgefühl beurteilt. Welche Skizzen haben mir einfach gefallen, ohne zu viel darüber nachzudenken Beispiel, als ich mir diese Skizzen ansah, welche mir wirklich ins Auge gefallen Aber zu diesem Zeitpunkt habe ich auch gefragt , welche die Geschichte am besten erzählen Welche haben den Raum gut ausgefüllt oder würden sich gut für das endgültige Stempel-Layout eignen, oder würden sich gut für das endgültige Stempel-Layout eignen, bei dem wir den Ländernamen und den Stempelwert berücksichtigen den Ländernamen und den müssen, und, was sehr wichtig ist, welche meiner Meinung nach gut zu meinem flacheren grafischen Illustrationsstil passen würden , wie wir im Finale sehen werden, zum Beispiel für das Stillleben, ich habe eine Komposition ausgewählt, die mir gefallen hat Es war jedoch schwieriger, in einem flachen Grafikstil zu arbeiten , da die Stiefel selbst viele Überlappungen und sogar eine gewisse Dimensionalität aufwiesen . Ich habe länger versucht, es herauszufinden. Und letztendlich glaube ich nicht, dass ich mich so wohl fühle oder so glücklich darüber bin wohl fühle oder so glücklich , wie ich zu diesem gekommen bin. Weißt du, wenn ich es noch einmal machen würde , würde ich eine meiner Skizzen wählen, bei der sich die verschiedenen Stiefel weniger überschneiden, oder ich würde das Ganze einfach komplett neu skizzieren Denken Sie daran, dass mein Stil einfach besser funktioniert , wenn sich die Dinge nicht so sehr überschneiden Aber was das Erlernen von Komposition angeht, spricht meine Erfahrung dafür, spricht meine Erfahrung dafür dass ein konventionelles Stillleben, bei dem wir alle Objekte zusammen an einem physischen Ort betrachten und im Verhältnis zueinander stehen, nicht unbedingt das richtige Ziel für einen flachen Stil ist, wenn Sie wie ich in einem Stil arbeiten Natürlich wollte ich bei diesem Projekt einfach weitermachen. Nachdem ich meine Auswahl getroffen hatte, wandte ich mich einem raffinierteren Skizzierstil zu Ich erstellte eine größere Datei mit hoher Auflösung, legte meine grobe Skizze hinein und fing an, sie mit klareren Linien zu verfeinern In diesem Stadium versuche ich nicht, perfekt zu sein, aber ich versuche auf jeden Fall, mich in diese Richtung zu drängen. Ich verwende die grobe Skizze als Richtlinie, aber jetzt kann ich anfangen, mehr über das endgültige Layout nachzudenken . Wie kann ich die Komposition so gut wie möglich an die endgültigen Proportionen des Stempels anpassen ? Und wie kann ich dafür sorgen, dass es mit den typografischen Elementen funktioniert dass es mit den typografischen Elementen die auch da drin sein müssen Hier habe ich angefangen, meine Raster zu verwenden. Ich verwende die harmonische Armatur, um die Komposition gleichmäßig zu platzieren Ich neige dazu, Dinge schief zu sehen. Und erst wenn ich meine Raster einschalte , kann ich erkennen, wie wackelig meine natürliche Aber selbst wenn mein Sehvermögen perfekt wäre, verwende ich das Raster auch gerne , um Dinge gezielter auszurichten Darüber haben wir in der Lektion „Prinzipien der Struktur“ gesprochen . Wie Sie sehen können, meine Rous, in der ich angefangen habe, meine Auswahl zu treffen Ich fing an, nach Möglichkeiten zu suchen , wie meine Kompositionen verbessert werden könnten In dieser verfeinerten Phase war ich in der Lage, diese Verbesserungen tatsächlich vorzunehmen. Ich fing an, nur einen Satz von Skizzen nach dem anderen zu verfeinern. Ich habe nur einen der Rohdaten für einzelne Objekte verfeinert und dann nur einen aus den Stillleben-Roughs Als ich diese sechs raffinierten Skizzen hatte, war ich eigentlich zufrieden genug, um mit den endgültigen Illustrationen fortzufahren , falls ich später wirklich den Drang dazu verspüre Vielleicht gehe ich zurück und versuche ein anderes Mal, einige der anderen zu verfeinern Auch hier gilt: Wenn Sie diese Phase abschließen, denken Sie bitte daran, Ihre ausgefeilten Skizzen auf der Seite mit den Klassenprojekten zu auf der Seite mit den Klassenprojekten Dies ist der letzte Schritt und möglicherweise der schwierigste. Hier bringen wir in der endgültigen Abbildung alles zusammen. größte Teil der Komposition sollte also bis zu diesem Zeitpunkt ausgearbeitet sein. Bei den ausgefeilten Skizzen wissen wir, was wir in die einzelnen Illustrationen aufnehmen wollen , und wir sollten ein gutes Gespür dafür haben , wohin sich die Dinge bis zu diesem Zeitpunkt entwickeln werden Es geht nur darum, ob wirklich alles so funktionieren wird , wie wir es uns vorgestellt Sobald wir wirklich mit der Erstellung dieser endgültigen Illustration beginnen, besteht ein enger Zusammenhang zwischen der Art und Weise, wie wir skizzieren, und der Art und Weise, wie wir sie in unserem endgültigen Stil illustrieren Wenn wir unseren Stil gut genug kennen, sollte der Übergang von der Skizze zur fertigen Version relativ schmerzlos sein , wenn Sie mit Ihrem Stil oder Ihren Techniken noch nicht ganz fertig sind. Diese Tatsache zu kennen, sollte Ihnen zumindest helfen erklären, warum diese Phase für Sie möglicherweise nicht so einfach ist Was die Komposition angeht, werden wir hauptsächlich an unseren Farben, Texturen, Farbnuancen und Kontrasten arbeiten Texturen, Farbnuancen und Kontrasten Und natürlich die besonderen Details, über die wir möglicherweise viel Aufhebens machen, wie Nasen, Augen und Sie werden sehen, dass selbst für mich der Übergang von der Skizze zur endgültigen Version nicht so Wie ich schon sagte, ich war an der Zusammensetzung der Stiefel hängen geblieben, weil ich versucht habe, all diese Dinge zu zeigen, all die Stiefel auf Zusammensetzung der Stiefel hängen geblieben, weil ich versucht habe, all diese Dinge zu zeigen, sehr vielschichtige und für mich sehr dreidimensionale Weise Am Ende habe ich das Problem etwas gelöst, indem die Stiefel flacher gemacht und einige Details vereinfacht Aber ich sehe nicht die Klarheit, die ich letztendlich anstreben würde, in einer eigentlich einfach sein sollte Wenn ich das hier wiederholen würde, würde ich es als viel flacheres, direktes Arrangement wiederholen Das andere Stück, mit dem ich viel Zeit verbracht habe , war die Szene insgesamt Ich bin mit dem Konzept zufrieden, aber ich habe gemischte Gefühle darüber, wie ich zu der Figur gekommen bin. Ich denke, es liegt hauptsächlich an der Geste und ich würde das auch gerne lösen. Aber das ist natürlich nur ein Detail. Wir müssen bedenken, dass wir uns in diesem Kurs mehr auf die Komposition konzentrieren als darauf, diese kleineren Details in der Komposition als Ganzes richtig zu machen diese kleineren Details in . Ich bin sehr zufrieden damit, wie dieser geworden ist. Während der ganzen Zeit habe ich mein harmonisches Ankerraster verwendet , um jeder Abbildung mehr Struktur und Ausrichtung zu verleihen und die Seite gemäß der Drittelregel in angenehmere Proportionen aufzuteilen gemäß der Drittelregel in angenehmere Proportionen Drittelregel Ein weiteres Element, auf das wir uns hier konzentrieren werden, ist der Schriftzug für unser Land und der Wert und vielleicht sogar eine kleine Überschrift für jede auf das wir uns hier konzentrieren werden, ist der Schriftzug für unser Land und der Wert und vielleicht sogar eine kleine Überschrift für Sie können eine Schriftart wählen, die für Sie gut geeignet ist, oder Sie können sich sogar an einer benutzerdefinierten Schrift für meine versuchen sogar an einer benutzerdefinierten Schrift für Ich habe gerade eine schnell erstellte Schriftversion meines eigenen Handletterings verwendet meines eigenen Handletterings Schließlich habe ich als schnellen, aber sehr zufriedenstellenden Schritt jedes fertige Stück in eine Stempelmodelldatei gelegt, die die perforierten Ränder hinzufügt und dem eine etwas papierartige Textur Ich habe die Mockup-Dateien in die Formate Photoshop und Procreate als kostenlose Downloads aufgenommen Photoshop und Auf der Seite mit den Projektressourcen erfahren Sie, wie Sie Ihr Bildmaterial in der Mockup-Datei platzieren und Ihre eigenen Anpassungen in der Mockup-Datei vornehmen Tutorial in diesem Kurs. Denken Sie auch hier daran, Ihre letzten Stempelillustrationen auf der Seite mit den Klassenprojekten sowie in den sozialen Medien unter dem Hashtag Komposition für Illustratoren zu veröffentlichen Ihre letzten Stempelillustrationen auf der Seite mit den Klassenprojekten sowie in den sozialen Medien unter . Ich bin sehr gespannt, was Sie machen 11. Photoshop-Tutorial: Dies ist ein kurzes Tutorial zum Illustrieren in Photoshop mit denselben Pinseln und Farben , die ich für die Projektdemo verwenden werde Wenn Sie neugierig sind, wie ich meine Kunstwerke in Bezug auf Werkzeuge und Techniken aufbaue , erklärt dieses Video so ziemlich die Grundlagen Ich ermutige Sie, Ihre Illustrationen auf Ihre eigene Art und Weise mit Ihren eigenen Werkzeugen, Techniken und Ihrem eigenen Stil zu erstellen . Gleichzeitig möchte ich aber nicht, dass ein Mangel an Erfahrung Sie davon abhält, einfach Spaß an dem Projekt Bitte zögern Sie nicht, dieses Tutorial zu verwenden und meine Pinsel und Farbpalette herunterzuladen , um sie in Ihrem eigenen Projekt zu verwenden Bevor wir anfangen, Photoshop-Pinsel zu verwenden, benötigen Sie ein Grafiktablett. Ich verwende mein iPad und Apple Pencil als Grafiktablett für meinen Mac. Ich mache das mit Astropad Studio. Ich habe in der Projektbeschreibung einen Link hinterlassen damit Sie mehr darüber erfahren können, wie das geht Abgesehen davon müssen Sie die endgültige Photoshop-Datei mit der Kunstvorlage von der Klassenprojektseite herunterladen endgültige Photoshop-Datei mit der Kunstvorlage . Sowie die Pinsel - und Palettendateien, die ich ebenfalls bereitgestellt habe. Ich habe die Pinsel -, Paletten - und endgültigen Kunstvorlagendateien hier in meinem Finder geladen. Lassen Sie uns einfach damit beginnen, die endgültige Kunstvorlage zu öffnen. Sobald Sie Ihre Datei geöffnet haben, können Sie die Pinsel und Farbfelder auf die gleiche Weise installieren und Farbfelder auf die gleiche Weise Öffnen Sie diese Dateien einfach mit Photoshop und sie sollten automatisch in Ihr Photoshop geladen werden Die Pinsel werden in Ihrem Pinselfenster angezeigt. Sie sollten eine kleine Gruppe von Pinseln sehen , die als Pinsel für die Kompositionsklasse bezeichnet werden. Ebenso werden die Farbfelder in Ihrem Farbfeldfenster als kleine Gruppe von Farben angezeigt , die hier als Kompositionsklassenpalette bezeichnet wird Wenn Sie keines der Pinsel- oder Farbfeldbedienfelder sehen , gehen Sie einfach zum Fenster und stellen Sie sicher, dass Pinsel und Farbfelder angekreuzt sind Und du solltest sie wahrscheinlich irgendwo auf der rechten Seite deines Bildschirms sehen der rechten Seite deines Wenn Sie mir folgen und Ihre Stempel im gleichen Seitenverhältnis von 1 x 1,5 erstellen , verwenden Sie die fertige Kunstvorlagendatei wie bereitgestellt. Die Stempel, die ich entwerfe, sollen insgesamt eins mal 1,5 Zoll groß sein , einschließlich der perforierten Kanten und des weißen Randes Das bedeutet, dass der Kunstbereich selbst etwas kleiner und im Verhältnis etwas anders sein wird kleiner und im Verhältnis etwas anders Alles, was Sie wissen müssen, ist, dass, wenn Sie meine endgültige Kunstvorlage verwenden, alles perfekt funktionieren wird . Ich öffne hier nur für eine Sekunde meine Bildgrößeneigenschaften. In Photoshop können Sie sehen, dass die Abmessungen in diesem Fall knapp einen Zoll breit und etwas 1,5 Zoll hoch sind. Sie werden jedoch feststellen, dass die Auflösung mit 2.400 Pixeln pro Zoll sehr hoch ist 2.400 Pixeln pro Zoll Ich habe das Bild hier so groß dimensioniert, dass es auch bei einer Größe von mehr als einem mal 1,5 Zoll gut aussieht , was ziemlich klein ist Damit diese Illustrationen beim Teilen auf der Projektseite oder in sozialen Medien gut aussehen , muss die Auflösung höher sein. Jetzt nur noch eine technische Anmerkung. Wenn Sie die mitgelieferte Skizzenvorlage für die verfeinerten Skizzen verwenden , ist diese endgültige Kunstdatei wieder doppelt so groß Solange Sie diese Datei nur wie vorgesehen verwenden, passt sie perfekt in die Modelldatei Und natürlich habe ich im nächsten Video ein Tutorial für die Modelldatei Jetzt möchte ich Sie auf einen kleinen Rundgang durch diese Datei mitnehmen. Schauen wir uns die Ebenen im Ebenenbedienfeld an. Hier haben wir drei Ebenengruppen. Dies sind kleine Ordner, die Ebenen enthalten. Zuerst haben wir die Kunstebenengruppe, in der Sie Ihre Illustration aufbauen werden. Als Nächstes haben wir die Ebenengruppe „ Gitter“. Wir werden sie gleich durchgehen. Aber drittens haben wir hier die Sketch Layer-Gruppe. Hier platzieren Sie zuerst Ihre Skizze. Schauen wir uns hier einfach die Ebenengruppe Raster an. Hier habe ich zwei Gitter hinzugefügt, das harmonische Anker- und das Raster nach der Drittelregel Wir haben sie in der Lektion Strukturprinzipien besprochen, aber ich habe sie hier nur der Einfachheit halber zur Verfügung gestellt Ich habe auch einen sicheren Bereich hinzugefügt, das ist ein gerader Rand rund um die Datei, nur um sicherzustellen, dass bestimmte Elemente einen sicheren Abstand zu den Rändern haben, insbesondere Ihren Ländernamen und den Stempelwert oder andere typografische Elemente, die Sie in der Nähe des Randes platzieren möchten , aber nicht bis zum Rand Jetzt können Sie jedes dieser Raster ein- oder ausblenden , indem Sie einfach auf das kleine Symbol in der linken Spalte hier im Ebenenbedienfeld Eine weitere Sache mit den Gittern hier ist, dass ich die Deckkraft auf etwa 30% eingestellt habe . Das bedeutet, dass sie sichtbar sind, aber nicht zu sehr ablenkend sind, wenn Sie Ihr Kunstwerk aufbauen Wenn Sie hier Änderungen an der Deckkraft vornehmen möchten, klicken Sie einfach auf das kleine Schloss, um die Ebenengruppe zu entsperren Und dann kannst du die Deckkraft ändern , um sie sichtbarer zu machen. Oder machen Sie sie weniger sichtbar, wie Sie möchten. Ich möchte den Wert auf etwa 30% einstellen, je nachdem, was ich in der Datei mache. Ich möchte einfach sichergehen, dass sie gesperrt ist, damit ich sie nicht versehentlich verschiebe, während ich das Bild mache. Um nun mit der eigentlichen Illustration zu beginnen, fügen wir eine der raffinierten Skizzen, die wir gemacht haben, in diese Dazu können Sie Ihre Skizzendatei einfach aus dem Finder in die Datei ziehen Ihre Skizzendatei einfach aus dem Finder in die Datei oder Sie können „ Datei platzieren“ verwenden und es auf diese Weise tun Als ich die Skizze nun in meine Datei eingefügt habe, sie direkt über allen Ebenen. Sie möchten nur sicherstellen, dass Sie Ihre Skizze in die Gruppe der Skizzenebenen einfügen . Wenn sich die Skizze wie hier in der falschen Ausrichtung befindet, können Sie sie einfach entsprechend um 90 Grad drehen und sie dann nach Bedarf auf die richtige Größe skalieren. Also verwende ich das Transformationswerkzeug, indem ich auf Befehl drücke und dann Cursor genau an einer der Ecken positioniere. Und wenn ich die Umschalttaste gedrückt halte, kann ich es in gleichmäßigen Schritten drehen , bis es auf 90 Grad steht, auf die eine oder andere Weise Ich skaliere es auch von der Mitte , sodass es der Größe der Datei entspricht Ich halte die Umschalttaste und die Wahltaste gedrückt, um sicherzugehen, dass die Skalierung proportional erfolgt. Und wenn ich die Option speziell gedrückt halte, bedeutet das, dass ich sie von der Mitte aus skaliere Sobald Sie es eingerichtet haben, können Sie einfach darauf doppelklicken, um die Änderung zu übernehmen. Jetzt werden Sie feststellen, dass die Skizze schwächer ist weil die Ebenengruppe auf 20% Opazität eingestellt ist Auch hier ist das so, dass die Skizze sichtbar, aber nicht zu sehr ablenkend ist Während Sie die Illustration überlagern, können Sie die Deckkraft der Ebenengruppe nach Belieben anpassen der Ebenengruppe nach Belieben Sie können es sehr intensiv oder superschwach machen. Was auch immer du tun musst Ich möchte es jetzt bei etwa 20% belassen, mit nur einer weiteren Notiz, bevor wir weitermachen. Sie können sehen, dass mein Kunstwerk falsch herum ist. Alles muss um 90 Grad gegen den Uhrzeigersinn verschoben werden 90 Grad gegen den Uhrzeigersinn verschoben Alles, was Sie tun müssen, ist, zu Bild und Bildrotation zu wechseln und es in die gewünschte Richtung zu drehen in die gewünschte Richtung , damit es richtig sitzt Vielleicht ist das ein guter Zeitpunkt, um unsere Datei zu speichern , damit wir die Vorlage nicht überschreiben Also werde ich einfach As speichern und es Stillleben, Final Art nennen es Stillleben, Final Art In meinem Projekt verwende ich nur vier Pinsel. Das hilft mir, die Dinge einfach zu halten, und verleiht Illustrationen insgesamt eine stilistische Konsistenz Dies erhöht natürlich die allgemeine Einheit in der Arbeit. Jetzt habe ich die Pinsel aufgenommen , die ich in diesem Kurs verwende. Wenn Sie die Pinsel bereits installiert haben, finden Sie hier der Einfachheit halber einen kleinen Ordner mit Pinseln, einen kleinen Ordner der Kompositionsklasse Brushes genannt wird. Drei davon werden Creative Cloud-Nutzern sogar kostenlos zur Verfügung gestellt . Wenn Sie also Photoshop CC verwenden, können Sie von der Adobe-Website aus darauf zugreifen. Die einzige Ausnahme ist hier der Pinsel mit schwerer Körnung. Dieser ist von der Firma Retro Supply. Dies ist aus ihrem Woodland Wonderland-Pinselset. Sie haben mir das freundlicherweise für diesen Kurs beigefügt Bitte erwägen Sie, das gesamte Woodland Wonderland-Pinselset über den Link auf der Projektseite dieses Kurses zu kaufen das gesamte Woodland Wonderland-Pinselset über den Link auf der Projektseite dieses Kurses der Projektseite dieses Jetzt werde ich Ihnen zeigen, wie ich jeden Pinsel verwende , um meine endgültigen Illustrationen zu erstellen Fangen wir also mit der Schönheit der Pinsel an. Wir möchten sichergehen, dass wir in der Gruppe der Grafikebenen sind , und ich habe eine Ebene erstellt , auf der Sie beginnen können. Dort steht, dass hier Stempelkunst erstellen steht. Fangen wir damit an. Bevor wir loslegen, fülle ich das vielleicht einfach mit einer Volltonfarbe aus und fange dann an meine Elemente darüber hinaus zu illustrieren Ich werde dieses Rosa so wählen. Füllen Sie das einfach mit dem Füllwerkzeug aus. Wie Sie sehen können, kann ich meine Skizze und diese Raster, obwohl ich sie mit einer ganzen Volltonfarbe ausgefüllt habe, immer noch gut erkennen, ohne dass sie durch die Auswahl der Pinselschönheit abgelenkt werden Pinselschönheit abgelenkt Ich möchte das auf eine Größe von etwa 100 Pixeln einstellen. Ich werde dies verwenden, um meine größeren Formen in der Abbildung hier zu definieren meine größeren Formen in der Abbildung hier Ich möchte eine andere Farbe wählen. Ich nehme Gelb. Ich beginne einfach damit, einen Umriss um eine meiner größeren Formen herum zu erstellen . Sobald ich diese Form erstellt und geschlossen habe, kann ich G auf meiner Tastatur drücken , um ein Werkzeug zum Füllen von Buckets zu aktivieren, und ich werde diese Form einfach ausfüllen. Wenn Sie nun ganz nah heranzoomen, werden Sie feststellen, dass sich zwischen dem Bereich, den Sie ausgefüllt haben, und dem Umriss eine kleine Haarlinie befindet. Alles, was Sie tun müssen , um das loszuwerden ist es wieder auszufüllen, und der Haaransatz sollte verschwinden. Erstellen Sie jetzt jedes Mal, wenn Sie eine neue Form oder ein neues Detail erstellen, eine neue Ebene. Auf diese Weise bleibt alles später editierbar. Wie Sie sehen können, habe ich das nicht gemacht, als ich gerade diese Form gemacht Ich habe es im Hintergrund richtig gemacht und ich möchte nicht, dass das passiert. Also werde ich es einfach rückgängig machen und das richtig machen. Jetzt werde ich auf eine neue Ebene klicken und diese Form auf eine eigene Ebene zeichnen. Zuerst nur den Umriss und dann einmal ausfüllen. Füllen Sie es zweimal aus und dann sieht es gut aus. Lassen Sie uns nun eine neue Ebene erstellen und einen dieser Stiefel erstellen. Ich werde diesen Stiefel in dieser blauen Farbe machen. Nahaufnahme des Shape-Hits für Phil. Füllen Sie es einmal aus. Und um den Haaransatz loszuwerden, fülle ich ihn noch einmal aus, um kleinere Details hinzuzufügen Sie können hier den gleichen Pinsel verwenden, nur in einer kleineren Größe. Vielleicht mache ich die Größe des Pinsels auf 50 Pixel, um ein paar Details über dem Kofferraum hinzuzufügen. Nun, um eine gleichbleibende Kantenqualität in allen Formen und Details zu erzielen, einschließlich dieser weißen Linien, die ich gerade gemacht habe. Sie können sehen, dass die Kanten im Moment verschwommen und im Vergleich zur Stiefelform undeutlich sind und im Vergleich zur Stiefelform Nur um sie alle einheitlich zu machen, drücke ich auf meiner Tastatur das Füllwerkzeug und tippe einfach einmal darauf, um sie auszufüllen . Der Rand wird automatisch aufgeraut und entspricht dem Rest der Abbildung Jedes Mal, wenn ich eine Form bearbeite oder eine neue hinzufüge , um diese einheitliche Kante wiederherzustellen, fülle ich sie mit dem Schaufelwerkzeug Auch hier wird der verschwommene, digital aussehende Rand weggenommen. der Pinsel auch zum Bevor wir weitermachen, kann der Pinsel auch zum Beschriften verwendet Ich werde hier nur für einen Moment eine neue Ebene erstellen , nur für eine kurze Demo. Und ich mache ein paar Buchstaben, vielleicht mache ich sie etwas größer Ich habe mein Raster aktiviert, damit ich meine Buchstaben mehr oder weniger gleichmäßig gestalten kann , um eine schöne Kante auf diesen Buchstaben zu bekommen , damit sie nicht so offensichtlich aussehen , wenn sie mit einem Pinsel gezeichnet wurden Ich benutze mein Radiergummi und räume die Enden auf diese Weise auf. Genau wie bei anderen Details kann ich das Füllwerkzeug verwenden, es dort auf jedes einzelne Element tippen, und dann haben sie dieses einheitlich rauere Aussehen, das ich In diesem speziellen Stil können Sie nach Bedarf hier und da eine kleine Anpassung vornehmen Bedarf hier und da eine kleine Anpassung Wenn Sie jedoch herauszoomen und den Text sogar ein wenig verkleinern, werden Sie feststellen, dass alles ziemlich gut aussieht. Das ist ein weiterer kleiner Geheimtipp: Wenn du Schrift - oder Handlettering machst, mach es größer als du es brauchst und verkleinere es dann und platziere es dort, wo du es brauchst Auf diese Weise sieht der Schriftzug einfach etwas raffinierter aus , als wenn Sie Habe es genau in der Größe eingezeichnet, in der du es brauchst. Schauen wir uns nun die Bürste mit schwerer Körnung an. Ich werde hier eine neue Ebene für diese erstellen. Ich möchte wirklich, dass das groß ist. Vielleicht 400 oder 500 Pixel. Es ist also nett und klobig. Wenn es zu klein ist, fühlt es sich eher wie ein Pinsel an als wie eine Textur Und ich verwende diesen Pinsel mit schwerer Körnung wirklich als Textur, nicht wirklich als Pinsel. Lassen Sie uns hier eine dunklere Farbe aus der Klassenpalette auswählen. Und ich möchte etwas Schatten über diesem Stiefel erzeugen. In diesem Sinne möchte ich diesem Stiefel eine gewisse Schattierungstextur verleihen In diesem Szenario möchte ich, dass die Folie nur am Kofferraum oder am Objekt darunter befestigt wird und nicht, wie hier, über die Kanten hinausragt Um sicherzustellen, dass das passiert, werde ich diese Texturebene, die ich gerade erstellt habe, direkt über dem Stiefel platzieren. Direkt über dem Kofferraum. Und dann klicke ich im Ebenenfenster mit der rechten Maustaste. Und es sollte eine Option zum Erstellen einer Schnittmaske geben. Solange sich diese Ebene direkt über dem Objekt befindet , das ich ausschneiden möchte , werde ich das bekommen Was Sie hier sehen, wie Sie an dem weißen Detail erkennen können, zeigt, der Stiefel auch über den Rand geht. Ich wähle also einfach diese Ebene aus, weil sie sich direkt über einer anderen Ebene befindet , die auf das Objekt zugeschnitten ist Wenn ich eine Schnittmaske erstelle, fügt sie sich in die Schnittmaske Lustig für diese Gruppe. Dieser schwere grüne Pinsel eignet sich hervorragend für Schattierung und Textur, aber er eignet sich auch gut zum Hinzufügen von Leuchteffekten, wie ich es mit dem Hauptlichtstrahl und dem Mondschein in meiner Montage-Illustration getan habe dem Hauptlichtstrahl und dem Mondschein in meiner Montage-Illustration dem Mondschein in meiner Jetzt werde ich hier einfach eine dieser Socken zeichnen, um uns auf die Demo mit dem rauen Rowdy Brush vorzubereiten In einigen Fällen wollte ich in meinem Projekt eine wildere Textur kreieren, etwas, das sich vom Heavy Grain unterscheidet Dafür habe ich einen Pinsel namens Rough Route verwendet , der fast aussieht, als wäre es eine verschmierte Tinte mit etwas Holzgrün darin. Ich zeige dir, was ich meine Also wähle ich einfach meinen rohen Pinsel aus und mache diese Größe, ziemlich große 400 Pixel für den Anfang und achte darauf, dass ich mit einer dunkleren Farbe arbeite In diesem Beispiel erstelle ich eine neue Ebene. Ich zeige dir nur, wie dieser Pinsel aussieht. Es ist eine sehr verschwommene, verwüstete Textur, die dadurch entsteht Um diese zu verwenden, verwende ich sie eher wie eine Textur als wie einen Pinsel ähnlich wie ich das Heavy Grain verwende, aber auf noch weniger kontrollierte Was ich mache, ist, es richtig groß zu machen. Dabei habe ich dieses Bild auf etwa 450 Pixel vergrößert. Dann mache ich ein paar Proben, mit denen ich arbeiten kann. Ich werde nur diese eine Probe dort auf einer separaten Ebene machen . Ich werde ein weiteres Beispiel an einer anderen Stelle erstellen, damit die Textur, die es erzeugt, anders ist. Ich mache es ein bisschen leichter, also ist es nicht so intensiv und es ist subtiler, so etwas in der Art. Bei diesem Bild radiere ich vielleicht sogar die Kanten ein bisschen ab, nur um ihnen eine bessere Kante zu geben , eine saubere Kante. Dann kann ich sie einfach als Schnittmaske auf ein Objekt darunter auftragen Schnittmaske auf ein Objekt darunter Ich bringe einfach die Ebene, mit der ich gerade arbeite , hierher und trage sie als Schnittmaske auf die Socke auf, die Der Effekt, den ich hier anstrebe, ist wie eine dreckige Socke. Es soll nicht wirklich bedeuten, dass die schattiert oder abgerundet ist, sondern nur so, als ob Socke schattiert oder abgerundet ist, sondern nur so, als ob sie dreckig Ich werde das Gleiche mit dieser Textur hier machen. Ich werde es als Schnittmaske auf diese Socke auftragen . Das ist ziemlich intensiv Ich möchte es vielleicht etwas leichter versuchen und ein bisschen damit herumspielen , bis ich den gewünschten Effekt erzielt habe. Aber so habe ich diesen Pinsel im Klassenprojekt verwendet. Wenn Sie genau sehen möchten, wie ich ihn in dem Projekt verwende, habe ich ihn in meiner Szenenillustration verwendet , wo ich die Auffahrt habe, die gerade geschaufelt wird Durch Kopieren und Einfügen dieser Textur in leicht unterschiedlichen Winkeln und Maßstäben konnte ich suggerieren , wie Schnee auf einer Auffahrt aussieht , wenn er mit einer Schaufel abgekratzt wurde, wo man Reste des weißen Schnees auf dem dunklen Asphalt sieht dieser Textur in leicht unterschiedlichen Winkeln und Maßstäben konnte ich suggerieren , wie Schnee auf einer Auffahrt aussieht, wenn er mit einer Schaufel abgekratzt wurde, wo man Reste des weißen Schnees auf dem dunklen Asphalt sieht. Schauen wir uns nun den groben Radiergummi an, der nur eine von Kyle Websters Tinten ist, die Sie auf der Website von Adobe herunterladen können. Ich habe ihn gerade in Rough Eraser umbenannt. Ich verwende ihn als Radierpinsel , um eine rauere Kante zu erzielen als mit einem der Standardpinsel, die mit Photoshop geliefert werden Diese sehen in der Regel viel digitaler aus, und ich zeige Ihnen ganz schnell, was ich meine. Photoshop gibt Ihnen diese allgemeinen Pinsel als Radiergummis. Sie sind weich rund und hart rund und sie sehen einfach sehr sauber und digital aus, was mir in meinem chaotischeren Stil hier nicht gefällt Um den Referasersan-Radierer zu verwenden, drücke ich, um das Radier-Tool zu aktivieren, wähle ich einfach Referaser wähle ich einfach Ich stelle sicher, dass das eine angemessene Größe hat, vielleicht 20 Pixel, und fange an zu radieren, wo immer Sagen wir einfach, ich möchte den Stiefel ein wenig ändern. Ich wähle dort einfach die Boot-Ebene aus und mein Radier-Tool aktiviert ist, kann ich einfach mit dem Radieren beginnen, vielleicht einige der Kanten dort aufräumen oder vielleicht, wenn ich oben eine andere Form erstellen möchte oben eine andere Form erstellen möchte Mein Radiergummi ermöglicht mir das , weil er etwas rauer ist, nicht so sauber ist und inkonsistent aussieht nur ein Tipp, falls du deine Form hier, irgendwo auf der Form, radierst falls du deine Form hier, irgendwo auf der Form, radierst , aber du möchtest die gleichbleibende Kantenqualität wieder herstellen Sie können einfach zum Füllwerkzeug gehen und sicherstellen, dass die Farbe Ihres Objekts mit der Farbe Ihrer Palette übereinstimmt. Und dann tippen Sie einfach auf das Füllwerkzeug und dann wird die gesamte Kante wieder angezeigt. Diese Technik, bei der ich erneut die rechte Füllung verwende um diese Kante zu erhalten, ist sehr spezifisch für die Verwendung dieser Pinsel. Dies gilt möglicherweise nicht für jede Situation. Möglicherweise möchten Sie nicht immer in jedem Fall eine solche raue Kante haben. Damit ist das Photoshop-Tutorial ziemlich abgeschlossen. Dies ist nur ein Überblick über meine Pinsel und Techniken , die ich in diesem Kurs verwende Dies sind alle Pinsel und Techniken, die ich verwende, und ich verwende sie einfach sehr konsequent. Und auf diese Weise kann man aus wenig wirklich viel herausholen. Auch hier gilt: Falls Sie das noch nicht getan haben, achten Sie darauf, die Datei als neue Datei zu speichern und ihr einen passenden Namen zu geben, wenn Sie fertig sind. Wenn du deine Illustration fertiggestellt hast und bereit bist auf der Klassenseite oder in den sozialen Medien zu teilen, solltest du darauf achten, sowohl die Rasterebene als auch die Skizzenebene auszublenden die Rasterebene als auch die Skizzenebene Und dann können Sie es als JPEG speichern , um es zu teilen. 12. Stempel-Mockup-Tutorial: Ein Teil des Spaßes an diesem Projekt besteht darin, Ihren Stempel realistischer zu sehen Aus diesem Grund habe ich eine Musterdatei zur Verfügung gestellt. Ich habe eine für Photoshop und eine für Procreate. Sie funktionieren in jedem dieser Programme ein bisschen anders , also musste ich zwei verschiedene Arten von Mock-ups erstellen Fangen wir mit dem einen Foto an. Sie können die Datei von der Seite mit den Klassenprojekten herunterladen und sie dann einfach in Photoshop öffnen. Und sobald Sie sie geladen haben, werden Sie so etwas sehen. Um diese Mockup-Datei verwenden zu können, müssen Sie nun mit den gleichen Abmessungen oder dem gleichen Seitenverhältnis arbeiten , das ich in der Klassendemo verwendet habe Und das stelle ich in den endgültigen Kunstvorlagen zur Verfügung . Für weitere Informationen dazu können Sie das Photoshop-Tutorial in diesem Kurs verwenden Die verschiedenen Teile der Modelldatei bilden den Hintergrund, der den Stempel umgibt, und dann haben wir diesen perforierten Rand Und dann natürlich der Bereich, in dem Sie Ihre Illustration platzieren, es ist ziemlich einfach gibt es eine Reihe verschiedener Ebenen Hier gibt es eine Reihe verschiedener Ebenen, die Sie im Lys-Bedienfeld sehen können Aber alles, was Sie tun müssen, ist zu dieser Ebene namens Place Art hier zu gehen dieser Ebene namens Place Art hier Es ist ein intelligentes Objekt, das heißt, Sie können darauf klicken und es wird hier eine separate Datei geöffnet. Und hier möchten Sie Ihre bestehende Illustration platzieren . Sie können das tun, indem Sie einfach Ihre Grafikdatei nehmen und sie wie folgt auf die Leinwand ziehen Oder du kannst zur Datei „Verlinkt platzieren“ gehen und sie in deinem Finder oder Dateisystem suchen Auf diese Weise stellen Sie möglicherweise fest, dass es sich in der falschen Ausrichtung befindet , sobald Sie es dort eingegeben haben. Sie müssen es nur um 90 Grad drehen. Ich mache das, indem ich einfach die Shift-Taste gedrückt halte. Nachdem ich es geladen hatte, war es bereits im Rotationsmodus. Sie können sehen, dass diese kleinen Ecken kleine Quadrate sind. Und das bedeutet nur, dass ich es transformieren kann , bevor ich es in die Datei Also werde ich einfach die Umschalttaste gedrückt halten, damit ich es in diesen gleichmäßigen Schritten drehen kann Und dann werde ich es einfach vergrößern, bis es genau die gleiche Größe wie diese Leinwand hier Um es nun von der Mitte aus zu skalieren, halte ich die Wahltaste und die Umschalttaste gleichzeitig gedrückt Wahltaste und die Umschalttaste gleichzeitig , je nach Ihren Einstellungen in Photoshop Möglicherweise müssen Sie die Umschalttaste gedrückt halten oder auch nicht, und sobald Sie die genau richtige Größe haben, können Sie einfach darauf doppelklicken. Und da hast du's. Jetzt müssen Sie nur noch speichern. Ich drücke den Befehl S, um diese Datei zu speichern und dann zu schließen. Wie Sie sehen können, befindet sich mein Kunstwerk hier im Modell. Wenn Sie Ihre Stempel in der falschen Ausrichtung finden , machen Sie sich darüber keine Sorgen. Sie müssen lediglich zur Bilddrehung wechseln und nach Bedarf um 90 Grad im Uhrzeigersinn oder gegen den Uhrzeigersinn drehen oder gegen den Uhrzeigersinn Da haben wir's. Bevor wir zu weit vorankommen, speichern wir das einfach als neue Datei, weil wir unsere Mockup-Datei nicht überschreiben wollen , weil wir das für zukünftige Illustrationen leer lassen wollen das für zukünftige Illustrationen leer Ich werde es einfach als Figurenmodell speichern , weil das meine Abbildung ist Und dann werde ich auf Speichern klicken. Wenn Sie nun die Hintergrundfarbe ändern möchten, müssen Sie nur diese Hintergrundfarbebene im Ebenenfenster auswählen . Anschließend können Sie in Ihrem Farbfeldfenster auf eine beliebige Farbe tippen , wenn Sie die Farbe auf diese Weise ändern möchten Ich mag diese dunklere blaue Farbe. Obwohl ich es vielleicht etwas gedämpfter gestalten könnte , damit der Stempel etwas besser zur Geltung kommt Und ich werde zuschlagen, okay. Sie können die Farbe auch ändern einfach auf diese Hintergrundfarbebene doppelklicken. Und Sie können den Farbwähler verwenden, um die Farbe von dort aus zu ändern Ich werde die Datei einfach noch einmal speichern. Und wenn du das auf Instagram oder auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen möchtest, musst du es natürlich Instagram oder auf der Seite mit den Klassenprojekten teilen möchtest, als JPEG oder PNG speichern. Achten Sie nur darauf, unter zu speichern und dann JPEG oder PNG auszuwählen und Ihre Mockup-Datei zu speichern auf diese Weise für das Procreate-Modell einfach die Datei von der Seite mit den Klassenprojekten herunter und öffnen Sobald du es in procreate hast, kannst du deine eigene Grafik zur entsprechenden Ebene hinzufügen Sie hier in Procreate zum Ebenenbedienfeld gehen , befindet sich diese Ebene unten Es heißt, ersetze diese Ebene durch deine Kunst. In Procreate gibt es keine intelligenten Objekte, bei denen Sie Ihre Grafik einfach ausschneiden und einfügen oder sie aus einer Datei platzieren , wenn Sie sie auf diese Weise gespeichert haben Ich werde hier zu dem kleinen Schraubenschlüssel gehen und ein Foto hinzufügen Und ich habe meine Stempelgrafiken hier auf meinen Fotos. Und ich werde das einfach drehen , während es sich in diesem Transformationsmodus befindet, mit dem Markierungsrahmen hier. Einfach um 45 Grad drehen und schon wird es perfekt zentriert und so in das Modell Wenn Sie fertig sind , können Sie einfach auf den Pfeil im Menü oben rechts tippen , und Ihr Stempelmodell ist da drin. Wenn sich der gesamte Stempel in der falschen Ausrichtung befindet, drehen Sie ihn einfach mit Ihren beiden Finger auf diese Weise und er sollte in einem 90-Grad-Abstand wie diesem einrasten Das war's, du bist fertig. Wenn Sie jetzt wieder aus der Nähe hinschauen, können Sie diese schöne papierartige Textur sehen , die alles automatisch passiert, solange Sie Ihre Datei hier unter dieser Stempelebenengruppe platzieren hier unter dieser Stempelebenengruppe Wenn Sie es vorziehen , diese papierartige Drucktextur nicht zu haben, können Sie sie einfach ausblenden oder im Ebenenbedienfeld deaktivieren Und wenn du deine Hintergrundfarbe ändern möchtest, möchte ich nicht, dass sie so trüb grau Ich wähle die Hintergrundfarbebene und dann mit dem Farbwähler hier eine Farbe aus mit dem Farbwähler hier eine Farbe Vielleicht ein ähnliches Blau, das ich im Photoshop-Mock-up-Tutorial verwendet habe Photoshop-Mock-up-Tutorial Und dann tippe ich natürlich einfach auf diese Disc in der oberen rechten Ecke und ziehe sie, bis der gesamte Randbereich mit einer neuen Farbe gefüllt ist. Und da hast du es. Denken Sie jetzt daran , dass sich das Kunstwerk, das Sie hier platzieren , bis zum perfekten Rand des Kunstbereichs hier erstrecken muss. Die Art und Weise, wie diese Datei funktioniert und fortpflanzen lässt, besteht darin, dass sie im Grunde wie ein Rahmen oder ein Fenster aussieht, durch das Ihre Illustrationsdatei hindurchscheint Sie möchten nur sicherstellen , dass Ihre Grafik genau in diesen Bereich passt , sodass keine Lücken in den Kanten Sie möchten auch sicherstellen , dass Sie nicht zu viel zuschneiden , damit an diesen Kanten etwas verloren geht Und das war's, so erstellen Sie Ihr Modell in Procreate und Photoshop 13. DEMO: Das einzelne Objekt: In den nächsten sechs Videos werde ich durchgehen, wie ich meine Kompositionen für jede der sechs Stempelillustrationen ausgearbeitet habe . Wir haben bereits alle Schritte des Illustrationsprozesses besprochen , einschließlich der eher vorbereitenden Schritte des Sammelns von Referenzbildern und des Zeichnens im Modus. Jetzt werfen wir einen Blick auf meine kompositorischen Entscheidungen, sowohl bei den Rohskizzen als auch bei den verfeinerten Skizzen Und natürlich auch in der letzten Phase der Illustration. Wir beginnen hier mit dem einzelnen Objekt in der Phase der groben Skizzen Hier fange ich an , Ideen zu entwickeln. Hier habe ich eine Seite mit Vorschaubildern in dem Seitenverhältnis erstellt , in dem ich meine letzten Stempel anfertigen In diesem Fall ist es ungefähr eine Einheit in einer Dimension und 1,5 Einheiten in Die andere. Die Hälfte meiner Vorschaubilder hier ist im vertikalen Format und die andere Hälfte im horizontalen Format Und das gibt mir die Möglichkeit, diese beiden Layouts als Option für jede Abbildung in Betracht diese beiden Layouts als Option für jede Abbildung Ich habe dieselbe Miniaturansichtsvorlage, die ich hier verwende, als Download auf der Seite mit den Klassenprojekten bereitgestellt hier verwende, als Download auf der Seite mit den Klassenprojekten Für das einzelne Objekt war die Aufgabe ziemlich einfach, GT-Snowracer in das Layout einzupassen Wenn ich mich hinsetze, um mit der Ideenfindung zu beginnen, sind meine ersten paar Iterationen normalerweise nur zur Aufwärmphase sind meine ersten paar Iterationen normalerweise nur In den ersten Skizzen steckt hier also nicht viel Kreativität ersten Skizzen Aber wenn ich dann anfange, kannst du sehen, dass ich anfange, die Proportionen der Teile des Schlittens herauszufinden die Proportionen der Teile des Schlittens herauszufinden Da sind der Sitz, der Himmel, das Lenkrad und der Rahmen Ich denke auch an die inneren Details, wie das Linienmuster auf dem Sitz in der zweiten Reihe meiner Vorschaubilder Ich bin etwas kreativer und versuche herauszufinden, ob ich den Winkel, in dem ich es zeichne, oder den Blickwinkel auf das Objekt in der Skizze in der Mitte links Ich fing auch an, über die Platzierung der typografischen Elemente nachzudenken der typografischen Elemente Und dazu gehören natürlich der Name des Landes und der Wert der Briefmarke Aufgrund der Art und Weise, wie die Dinge passten hatte ich die Idee, einen Fronthimmel auf eine Ecke zu richten, was eine dynamischere Komposition ergibt Da ist mehr Bewegung drin. Und der vordere Himmel lenkt deinen Blick auf interessante Weise auf die obere rechte Ecke. Im nächsten Sketch fing ich an, damit zu spielen einige Embleme oder Logos vom Schneerennfahrer hinzuzufügen , die Spaß machen, sie zu illustrieren und mir ein bisschen zusätzliche Nostalgie verleihen Ich spiele auch damit, eine gewisse Perspektive zu zeigen. Obwohl ich in einem flachen Stil arbeite, ist es immer noch eine interessante Herausforderung herauszufinden, wie weit ich gehen kann, indem ich auf diese Weise eine gewisse Tiefe vorschlage. Sie können sich vorstellen, dass ich einfach ein paar andere Dinge ausprobiere, einige, die nicht funktionieren, und andere, die funktionieren. Die horizontale Anordnung brachte mich dazu, mehr über eine Seitenansicht als über eine Vogelperspektive von oben nachzudenken . Ich fing auch an, dem Stück ein Abschleppseil hinzuzufügen , um ihm mehr Geschichte zu verleihen. Jetzt, in der Phase der groben Skizzen, versuche ich, Ideen schneller und weniger kritisch durchzugehen Ideen schneller und weniger Der Grund, warum Miniaturansichten so klein sind , ist , dass Sie nicht zu viel Zeit damit verbringen möchten Denken Sie hier über die allgemeine Zusammensetzung nach und lassen Sie sich nicht zu sehr in die Details verstricken Sie können sich auch erlauben, schlechte Ideen zu haben , die hier absolut zu nichts führen. Nichts ist wertvoll In dieser Phase werden wir analytischer und kritischer werden. Im nächsten Schritt dieses Projekts habe ich für jede Abbildung nur eine Seite mit Vorschaubildern gefüllt für jede Abbildung nur eine Seite mit Vorschaubildern und bin dann zur nächsten übergegangen Nachdem ich alle meine groben Skizzen für das gesamte Set fertig hatte , ging ich zurück und überprüfte sie. Ich suchte nach etwa drei meiner besten Ideen, suchte nach etwa drei die ich in eine verfeinerte In procreate habe ich meiner Auswahl für meine Einzelobjektillustrationen gerade einen roten Punkt hinzugefügt meiner Auswahl für meine Einzelobjektillustrationen Ich mag drei meiner vertikalen Skizzen und eine meiner horizontalen Skizzen und eine meiner horizontalen Skizzen Das war der letzte da unten rechts. Nun, meine Entscheidungen hier basierten auf drei Hauptfragen oder Kriterien. Erstens, was hat mir einfach aus dem Bauch heraus gefallen? Zweitens, was füllte den Raum aus? Nun, drittens, was hat meiner Meinung nach eine interessante Geschichte erzählt oder für eine interessante oder unerwartete Komposition gesorgt? Das ist im Großen und Ganzen das, wonach ich bei all diesen groben Skizzen Als ich diese durchging, wurde mir klar, dass ich vergessen hatte ein kleines Detail über den GT aufzunehmen, nämlich diesen kleinen Fußbruch Das ist wie ein kleiner, federbelasteter Schaber, den man mit dem Fuß nach unten drückt , um sich auf den Hügeln zu verlangsamen Für mich ist das ein ziemlich wichtiges Detail zu diesem Produkt, zu diesem Schlitten Jetzt, nachdem ich meine Auswahl getroffen habe, habe ich es verfeinert In der Phase der Verfeinerung habe ich mein Gesamtkonzept herausgefunden und jetzt ist es an der Zeit, die Details auszuarbeiten Hier habe ich meine grobe Skizze eine größere Leinwand gelegt und sie dort fortgepflanzt , wo ich genau das tun konnte An diesem Punkt kann ich anfangen, genauer über das Layout nachzudenken , einschließlich der Sichtbarkeit meines harmonischen Armaturengitters Ich habe dieselbe verfeinerte Skizzenvorlage, die ich hier verwende, als Download auf der Seite mit den Klassenprojekten bereitgestellt ich hier verwende, als Download auf der Seite mit den Klassenprojekten Sie umfasst die beiden Raster, den harmonischen Anker und die Drittelregel sowie einen sicheren Bereich, in dem Sie rund um den Rand einen gleichmäßigen Rand haben, sodass Sie Ihre Textelemente oder andere Details nicht zu nah an den Kanten für das einzelne Objekt platzieren zu nah an den Kanten für das einzelne Objekt Am Ende habe ich mich für die vertikale Ausrichtung entschieden, und ich mag die, bei der der Ski nur zur Seite gedreht ist, wirklich nur zur Seite gedreht Es war eine perfekte Balance zwischen einer sehr geradlinigen Komposition Und ein bisschen eigenartig für mich, der geneigte Ski bringt mich ein bisschen zum Schmunzeln , und wenn dieser GT grinsen könnte, würde er wahrscheinlich so Mir hat auch gefallen, wie der Ski einem wirklich das Gefühl gegeben hat , dass man dieses Ding mit einem echten Lenkrad steuern kann dieses Das ist ein ziemlich wichtiges Detail für einen sechsjährigen Jungen, der versucht, den Schulhügel zu dominieren Ich versuche nicht, den wörtlichen Proportionen des Schlittens zu viel Aufmerksamkeit zu schenken , aber ich möchte sicherstellen, dass die Himmel in Bezug auf Breite und die runde Form der Enden des Ich denke auch über die Proportionen des Gesamtobjekts im Verhältnis zum Gesamtbild nach Ich möchte den Raum gleichmäßig ausfüllen, aber ich möchte auch genügend Raum zum Atmen in der Umgebung lassen . Ich habe hier nicht das Verhältnis zwischen Figur und Boden gemessen, aber das Raumvolumen, das das gesamte Objekt einnimmt, einschließlich der Räume darin, macht etwa zwei Drittel des verfügbaren Raums aus. Mein Objekt ist für sich genommen ziemlich symmetrisch, daher scheint es mir sehr naheliegend, es einfach zentriert zu platzieren und mich danach zu lehnen. Deshalb achte ich darauf, dass die beiden Seitenski die gleiche Größe haben und dass der Sitz gleichmäßig mittig dazwischen liegt. Natürlich suche ich auch nach Möglichkeiten, Wiederholungen einzubringen Und das sieht man an den Details der Skier und des Sitzes Ich wiederhole auch die Winkel des Rahmens. Die Winkel an der Vorderseite des Rahmens sowie die Winkel im hinteren Teil sind also gleich. Sie sind parallel zueinander. Für den vorderen Ski , der schräg steht, richte ich ihn entlang einer der diagonalen Linien im harmonischen Armaturengitter Und das zeigt genau auf die Nummer fünf in der Wie Sie sehen können, füge ich jetzt natürlich die typografischen Elemente hinzu, also mein Land , den mein Land , Stempelwert und sogar eine kleine Bildunterschrift für den zusätzlichen typografischen Pfiff , den ich meinen Illustrationen gerne mitbringe Jetzt beschäftige ich mich hier viel mit den Details der Fußbremsen Ich wusste, dass sie mechanisch irgendwo unter dem Lenkrad miteinander verbunden waren irgendwo unter dem Lenkrad miteinander verbunden Aber kompositorisch würde das zu kompliziert aussehen und das Prinzip der Einfachheit in Frage stellen, das eines unserer umsetzbaren Prinzipien ist Am Ende habe ich sie auf eine Weise am Rahmen angebracht, die technisch gesehen nicht richtig oder korrekt ist, aber kompositorisch es einfach einfacher aus und meiner Meinung nach sieht es aber kompositorisch gesehen sieht es einfach einfacher aus und meiner Meinung nach sieht es dort besser aus. Ich hatte Mühe, mich richtig zu fühlen. War das X-Muster , bei dem der Rahmen Nähe des Lenkrads mit den beiden Seitenskiern verbunden Es fühlte sich immer wieder sehr unausgewogen an. mich gab es eine Konzentration von Details in einem Bereich, genau an der Vorderseite, wo der Rahmen mit dem Himmel verbunden ist Auch hier stellte dies das Gesetz der Einfachheit in Frage und erzeugte ein Gefühl des Ungleichgewichts Ich habe dieses spezielle Detail zu diesem Zeitpunkt also nicht geklärt, aber ich wusste, dass ich es später genauer herausfinden könnte In der letzten Phase der Gestaltung habe ich erneut die Phase der Verfeinerung des gesamten Illustrationssatzes durchlaufen des gesamten Illustrationssatzes Und sobald ich sie alle an Ort und Stelle hatte, war ich bereit, mit den endgültigen Illustrationen zu beginnen. Ich habe mit diesem Objekt angefangen, dem einzigen Objekt, und genau das werden wir jetzt durchgehen. Für die endgültigen Illustrationen habe ich mit einer Datei mit noch höherer Auflösung gearbeitet, und diese enthielt auch dieselben Rasteroptionen wie die verfeinerte Skizzenvorlage. Ich habe das im Photoshop-Tutorial ausführlich besprochen , einschließlich der Frage, wie man die Skizze in die Datei kopiert und wie man die Raster aktiviert und deaktiviert Ich habe die gleiche endgültige Kunstvorlage, diese Raster , als Download auf der Seite mit den Klassenprojekten bereitgestellt diese Raster , als Download auf der Seite mit den Klassenprojekten In meinem Prozess stelle ich fest, dass die meisten kompositorischen Probleme letzten Phase in der verfeinerten Skizze gelöst werden. Meine Entscheidungen beziehen sich viel mehr auf Stilfragen, insbesondere auf Farbe Aber wie Sie in einigen meiner Arbeiten zu diesem Zeitpunkt, wie dem Stillleben, sehen werden , kann die letzte Phase einige der Entscheidungen in Frage stellen, kann die letzte Phase einige der Entscheidungen in Frage stellen die ich in den Skizzen in dieser Abbildung für kugelsicher hielt in den Skizzen in dieser Abbildung für kugelsicher hielt Kompositorisch gesehen arbeite ich auf jeden Fall an der Beziehung zwischen Figur Ich möchte, dass sich mein GT Snow Racer gut von der hellen Farbe abhebt , die ich für den Hintergrund gewählt habe Dabei wird die rote Hintergrundfarbe hervortreten und die blaue, dunkle Farbe, die ich hier verwende, wird verschwinden. liegt daran, dass kühle Farben wie Blau zurücktreten und warme Farben wie Rot hervortreten Die dunklere Farbe, die ich hier verwende , hat einen stärkeren Wert, sodass der Kontrast stark genug ist um diese Beziehung zwischen Figur und Grund herzustellen Ich suche auch nach Möglichkeiten, die weiße Papierfarbe auch grafisch zu verwenden . Indem ich sowohl den Schlauch als auch die Schrift oben weiß mache, schaffe ich eine dynamischere Beziehung zwischen Figur und Grundstruktur Sie werden bei der Arbeit viele Wiederholungen in den Details von Ski und Sitz Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, für diese Details dieselbe Linienbreite zu verwenden für diese Details dieselbe Linienbreite Jetzt habe ich diesen Elementen einige Variationen hinzugefügt, indem ich einige davon horizontal und andere vertikal gemacht habe. Und natürlich gibt es geringfügige Unterschiede in der Qualität jeder wiederholten Zeile. Ich habe sie nicht einfach alle ausgeschnitten und eingefügt. Sie sind alle irgendwie separat gezeichnet, nur um sicherzustellen, dass es zwischen ihnen geringfügige Abweichungen gibt. Der Hauptteil dieses Rahmens hat eine einheitliche Breite, und dann haben nur die kleineren Verbindungsteile in der Nähe des Lenkrads eine dünnere Breite, aber sie sind alle konsistent zueinander. Ich habe auch die kleinen Nieten im Rahmen entlang der Skier wiederholt im Rahmen entlang der Skier Ich wollte Gelb in dieses Stück aufnehmen, aber ich hatte Mühe, es so zu verwenden , dass es sich ausgewogen anfühlte Gelb ist eine Farbe mit so hoher Sichtbarkeit , dass sie Ihren Blick wirklich auf sich zieht Am Ende habe ich es als Farbtupfer auf dem Emblem in der Mitte des Lenkrads verwendet auf dem Emblem in der Mitte des Lenkrads und dann auf dem Abschleppseil, das an der Seite von der Seite wegführt und dann vom unteren Rand wieder hineinführt Nun, das ist das Prinzip der Schließung bei der Arbeit. Sie nehmen wahr, dass das Seil von der Seite abfällt und es bei einem Anblick weitergeht bis es an einer anderen Stelle wieder im Rahmen auftaucht. Natürlich gibt es diese gelbe, kurvige Linie nur im oberen rechten Bereich und dann gibt es eine kleine Linie am unteren Rand und das Gefühl, dass es sich irgendwie um eine durchgehende Linie handelt , der Seite weg und wieder hinein führt Das ist alles in deinem Kopf , was die Hierarchie angeht. Wir haben nur ein Objekt, also gibt es hier in der Abbildung selbst nicht viel, worüber man nachdenken muss . Da es sich um ein typografisches Layout handelt, hat der Stempel jedoch eine hierarchische Beziehung , um die Beziehung der Schriftelemente sowohl zum Bild als auch zum Layout des Stempels zu berücksichtigen der Schriftelemente sowohl zum Bild als auch zum Layout des Stempels zu Ich wollte sichergehen, dass der Schriftzug für das Land in Bezug auf den Wert in Stil und Größe identisch Wie Sie in dem Set sehen werden, habe ich mich dafür entschieden, das Land als Stempelwert immer an derselben Kante zu haben und sich nie gegenseitig zu berühren Das heißt, ich lege nie das Land in eine Ecke und dann den Stempelwert in die direkt gegenüberliegende Ecke, wenn sie sich an so gegenüberliegenden Ecken befinden würden, aufgrund des Ähnlichkeitsgesetzes würde ich sie aufgrund des Ähnlichkeitsgesetzes als verwandt assoziieren, aber ich würde in der Komposition hin und her springen und versuchen, sie als eine Sache in Einklang zu bringen. Das würde den Ablauf der Gesamtdarstellung durcheinander bringen den Ablauf der Gesamtdarstellung Bei den Bildunterschriften habe ich beschlossen, diese viel kleiner zu platzieren diese viel kleiner zu Und hier machte es einfach Sinn, es am linken Rand des Kanada-Schriftzugs oben auszurichten am linken Rand des Kanada-Schriftzugs oben Ich habe in meinem Fat House den Safe Area Guide verwendet, um sicherzustellen, dass all diese typografischen Elemente einen gleichmäßigen Abstand zu den Rändern hatten einen gleichmäßigen Abstand zu den 14. DEMO: Das Stillleben: In diesem Video werde ich durchgehen, wie ich die Stillleben-Illustration ausgearbeitet habe, genau wie ich es bei dem einzelnen Objekt getan habe. Ich habe einige Vorschaubilder für dieses Bild durchgesehen. Was das Stillleben angeht, möchte ich darüber nachdenken meine ausgewählten Objekte zusammen im physischen Raum aussehen würden zusammen im physischen Raum Aber ich möchte auch darüber nachdenken, welche Geschichte sie erzählen. Der Grund, warum ich die Stiefel Matt zu meinem Leben gewählt habe, war, dass sie in meiner Erinnerung hervorstechen. Ich erinnere mich nur daran , dass in einer sechsköpfigen Familie immer all diese Stiefel vor unserer Haustür standen. Am Ende gibt es eine Menge Schuhe, mit denen man sich auseinandersetzen muss. Ich wollte besonders die Idee meiner Mondstiefel im Napoleon Dynamite-Stil hervorheben meiner Mondstiefel im Napoleon Dynamite-Stil Und wenn möglich, die Tatsache, dass die Innenschuhe immer zusammen mit meinem Fuß herauskommen , wenn ich sie ausziehe. Ich wollte sie auch zusammen mit Stiefeln für Erwachsene zeigen, was für mehr Kontext und ein Gefühl von Größe sorgen würde Sie werden eher wie kleine Kinderstiefel aussehen als größere Stiefel für Erwachsene. Ich erinnere mich auch an die braunen Gummimatten, die wir verwendet haben, und daran, wie schmutziges Fleisch von unseren Stiefeln schmolz und sich darin ansammelte. Ich habe nach Möglichkeiten gesucht, die Matte als verbindendes Mittel zu verwenden. Eine Schuhgröße fasst nicht nur buchstäblich alle physischen Stiefel zusammen, sondern ist auch ein hervorragendes Rahmenelement in Eine Herausforderung für mich bestand hier darin, Objekte im physischen Raum mit Anordnung und Dimensionalität darzustellen , alle meinen flacheren grafischen Illustrationsstil verwendete Normalerweise gehe ich mit dieser Art des Geschichtenerzählens um, indem jedes Objekt einzeln und flacher darstelle . Aber weil ich das in der Flat-Lay-Illustration machen werde , musste ich mich selbst herausfordern etwas fotografischer vorzugehen In diesem Beitrag habe ich meine Seite mit Vorschaubildern ausgefüllt, sowohl horizontale als auch vertikale Kompositionen ausprobiert und bin dann zum nächsten Schritt übergegangen Genau wie beim letzten Mal, als ich meine Halskrause durchforstet habe, um meine besten Ideen zu finden , habe ich wieder gefragt, was mir gefallen hat, gerade als ich spürte, was den Raum gut füllte, und was meiner Meinung nach eine interessante Geschichte erzählt oder für eine interessante oder unerwartete Komposition gesorgt hat Ich habe mich für meine erste Version entschieden, weil mir das vertikale Format gefallen hat , was für eine Schuhmatte unerwartet war, die mir zusammen mit Stiefeln eher wie etwas erscheint, das man horizontal darstellen würde. Mir gefiel auch, dass die Matte selbst nur etwa die Hälfte des Rahmens ausfüllte und dann oben viel mehr Platz im Hintergrund ließ oben viel mehr Platz im Hintergrund Mir gefiel auch die relative Einfachheit dieses Modells, zumindest im Skizzenformat. Ob es in meiner sehr eingeschränkten Stil - und Farbpalette funktioniert , ist eine ganz andere Sache Mir gefallen auch die wenigen horizontalen Skizzen, sie gaben mir eher die Möglichkeit, andere Objekte zum Erzählen von Geschichten einzubeziehen andere Objekte zum Erzählen von Geschichten einzubeziehen wie z. B. Liner, die aus Stiefeln kommen, oder vielleicht nasse Socken vielleicht nasse einigen dieser Vorschaubilder werdet ihr sehen, dass ich den Boden in feste Lüftungsöffnungen eingebaut habe . Mir gefiel zwar, wie diese die Geschichte erzählten, aber ich hatte auch das Gefühl, dass sie zu weit von der Idee eines Stilllebens abwichen und eher wie kleine, abgeschnittene Szenen aussahen, weil sie mehr Hintergrundkontext für die raffinierten Skizzen enthielten für die raffinierten Skizzen Ich entschied mich für eines der horizontalen Konzepte Ich mag dieses Bild, weil es die Mondstiefel und einige andere Objekte wie Socken und Fäustlinge enthielt die Mondstiefel und einige andere Objekte wie Socken und Fäustlinge Objekte wie Socken und Fäustlinge Und nicht nur die Stiefel. Als ich es sofort in meine raffinierte Skizzenvorlage einfügte, wusste ich, dass ich es umdrehen musste um mit den typografischen Elementen zu arbeiten Eine Einschränkung, die ich mir selbst gesetzt habe , ist, dass ich immer möchte das Wort Kanada vor dem Stempelwert Der Ländername musste an der Stelle stehen, an der der größere Stiefel in meiner Skizze stand, also habe ich einfach die ganze Skizze umgedreht, und das hat mein Problem gelöst Als Nächstes entschied ich mich, mehr vom Hintergrund zu zeigen , indem ich die Matte verkleinerte, sodass sie nur zwei Drittel des Platzes einnahm Ich habe die hintere Kante der Matte entlang der oberen horizontalen Linie platziert und die Drittelregel verwendet. Ich habe viel Zeit damit verbracht , herauszufinden wie man diese Stiefel dreidimensional darstellt, was, wie wir wissen, nicht gerade gut zu meinem flachen Stil passt . Ich habe hier auch einige Zeit damit verbracht Gedanken darüber zu machen, was ich in die Stiefel aufnehmen War es nur ein Stiefel oder ein Stiefel plus ein Innenfutter? Oder zwei Stiefel? Und kein Liner. Und was wären die Details auf diesen Stiefeln? Am Ende hatte ich die beiden Mondstiefel, die hoch auf der Matte auf der rechten Seite saßen . Und dann fielen die Fäustlinge und die Socken auf die rechte Seite Mir gefällt, wie die Fäustlinge und Socken den Rahmen der Matte durchbrochen haben , um das Verhältnis des Motivs zum Hintergrund zu vereinheitlichen Motivs zum Hintergrund Dadurch, dass die Socken oder der Inhalt innerhalb der Rahmenvorrichtung der Matte in den Bereich mit der Hintergrundfarbe übergingen, wurde die Gesamtkomposition vereinheitlicht, anstatt die Dinge in ihren eigenen separaten Fächern festzusperren in ihren eigenen separaten Fächern festzusperren Da ich hier unentschlossen war, habe ich mir das gegeben, was der Autor Barry Schwartz das Paradoxon der Wahl nennt. Indem ich in dieser Phase ein paar verschiedene Möglichkeiten geschaffen habe, aber keine wirklich insgesamt signifikant würde mir schwer fallen, mit dem zufrieden wofür ich mich letztendlich entschieden habe. Wie sich herausstellte, habe ich, als ich die letzte Phase erreicht hatte, das Ganze aufgegeben und mich für die erste Iteration entschieden , die vertikale Also habe ich auch bei diesem Modell immer wieder darüber gestolpert. Meine größte Herausforderung bestand darin, diese Stiefel überlappend darzustellen , mit einem gewissen Sinn für Dimensionalität, aber in meinem flachen Stil und mit Im Nachhinein glaube ich, dass ich stark angefangen habe, aber ich habe angefangen, aber ich Es sah gut aus , als ich die Stiefel ganz flach hatte , ohne dass das Oberteil oder der offene Teil der Nun, dem Ziel der Einfachheit zugewandt, habe ich versucht herauszufinden, wie diese Stiefel so klar wie möglich zeigen Sie können sie also als einzelne Stiefel betrachten und nicht als eine Ansammlung verschiedener seltsamer Formen Ich habe hier verschiedene Strategien ausprobiert, darunter das Hinzufügen von etwas Folie und das Ausprobieren einer dreidimensionaleren Art der Darstellung der Stiefel sowie das Ausprobieren aller möglichen Details Der stärkste Teil dieser Komposition war die Verwendung der Gummistiefel, die sehr ikonisch sind und von den einfachen Leuten wiedererkannt und wie sie das dominanteste Element waren Das war das Starke an dieser Abbildung. Die gelbe Matte als Rahmenelement ist ebenfalls stark und mir gefallen die Proportionen, bei denen sie ungefähr die unteren zwei Drittel des Gesamtraums einnimmt und die oberen drei nur für die Hintergrundfarbe übrig lässt die oberen drei nur für die Hintergrundfarbe Mir hat es gefallen, die kreuz und quer verlaufende Textur der matten Laufflächen zu integrieren die kreuz und quer verlaufende Textur der matten Laufflächen zu Dies ist eine Wiederholung und ich habe dieses Muster weggeschnitten, damit der rosafarbene Hintergrund durchscheinen Dabei werden Figur und Grund sowie Verschluss verwendet, da die einzelnen Rautenformen, die noch übrig sind, als ein einziges Objekt zusammenhalten Nun, wo ich es mir ansehe, was bei den eher dreidimensionalen Stiefeln nicht funktionierte waren die weißen Teile in der Oberseite. In den oberen Teilen der Stiefel haben sie einen zu starken Hotspot erzeugt, haben sie einen zu starken Hotspot erzeugt als dass sich das Auge darauf konzentrieren könnte, da es in der Komposition keine anderen Bereiche mit diesem starken Weiß gab in der Komposition keine anderen Bereiche mit diesem starken Weiß Auch hier bin ich übertrieben nachdenklich geworden und habe immer wieder Entscheidungen getroffen, von denen ich denke, dass sie früher stärker waren Entscheidungen getroffen, von denen ich denke, dass sie früher stärker Zwar werden viele Dinge durch Verfeinerung und weitere Überlegungen besser , oft sind unsere früheren Iterationen die einfachsten, und das ist oft genau die Am Ende bin ich zu etwas Brauchbarem gekommen. Ich ging zurück zum flacheren Stil der Stiefel mit einem stärkeren Gefühl der Wiederholung in den oberen horizontalen Linien jedes Stiefels, da jeder den anderen widerspiegelt Aber auf einzigartige Weise habe ich ein paar verschiedene Variationen des Rautengittermusters auf der Shumap ausprobiert , aber ich bin wieder zu dem rosafarbenen zurückgekehrt, und mir gefiel, wie dadurch ein weniger ablenkender Hintergrund für die Stiefel geschaffen wurde und somit der Kontrast zwischen Figur und Boden stärker habe ich ein paar verschiedene Variationen des Rautengittermusters auf der Shumap ausprobiert, aber ich bin wieder zu dem rosafarbenen zurückgekehrt, und mir gefiel, wie dadurch ein weniger ablenkender Hintergrund für die Stiefel geschaffen wurde und somit der Kontrast zwischen Figur und Boden stärker wurde. In diesem Fall, der Figur der Stiefel auf dem Mattboden, entschied ich mich letztendlich für Weiß für die typografischen Und das brachte mehr Einheitlichkeit die weißen Details in den Stiefeln wiedergegeben wurden, die sonst nur auf den einen Bereich mit den Kinderstiefeln Und die Socke, die an anderen Stellen Weiß hervorgebracht hat, hat der Komposition einfach mehr Ausgewogenheit verliehen Ein Element, von dem Sie vielleicht nicht erwarten , dass es Ihre Kompositionen beeinträchtigt , ist die Platzierung Ihrer Signatur Ich habe von mindestens einem Künstler gehört, der sich aus diesem Grund entschieden hat, seinen Illustrationen keine eigene Signatur hinzuzufügen . Für mich war es immer wichtig, meine Signatur einzufügen, nicht nur, um meine Identität darauf zu stempeln, sondern auch, um ein wenig visuelles Interesse zu Ich werde auch nicht lügen, das ist sehr stark von meinem Lieblingsdesigner und -illustrator Paul Rand und vielen anderen seiner Zeit inspiriert meinem Lieblingsdesigner und -illustrator Paul Rand , die immer ihre Handschrift im endgültigen Werk hinterließen 15. DEMO: The Flat-lay: Lassen Sie uns nun durchgehen, wie ich die Komposition für die Flat-Lay-Illustration ausgearbeitet habe die Komposition für die Flat-Lay-Illustration Wenn ich mir nur all meine groben Skizzen für diese Skizze ansehe, arbeite ich hier an zwei Hauptfragen. Welche Sammlung von Objekten kann ich verwenden, um meine Geschichte zu erzählen? Und was ist der beste Weg, sie alle im Raum anzuordnen? Meine Geschichte hier ist natürlich das Hockeyspielen in meinem Hinterhof, oder allgemeiner gesagt, die Idee eine Eisbahn in unserem eigenen Garten zu haben Wenn es kalt genug wurde, überflutete mein Vater einen Teil des Gartens mit dem Gartenschlauch, und schon bald gab es etwas schießbares Eis Ein Flat-Lay ist eine Art, eine Geschichte kryptischer zu erzählen, wie in einem Anstatt zu zeigen, was passiert, können Sie Objekte zeigen, die darauf hindeuten Das ist es, was Objektgeschichten wie diese ausmacht. Interessante Objekte in einer flachen Lage schweben selbst und sorgen für einen gleichmäßigen Raum um sie herum. Objekte können alle die gleiche Größe haben oder Sie können den Maßstab variieren. Im Gegensatz zu einem Stillleben oder einer Szene, in der wir eher dazu neigen, Objekte in einem realistischeren Maßstab zu zeigen. Hier können wir Objekte , die im wirklichen Leben klein sind, zum größten Element in der Komposition machen . Wenn wir wollen, kann es ein paar Versuche dauern , die richtige Anordnung zu finden, und genau das mache ich hier. Am Ende habe ich in meinen Vorschaubildern die 31 eingekreisten ausgewählt. Ich mag den mittleren wegen seiner Einfachheit. Es gab auch eine dynamische Hierarchie, wobei das Netz das dominierende Element und alles andere in seiner Schwerkraft in einer viel geringeren Größe herumschwebte seiner Schwerkraft in einer viel geringeren Größe herumschwebte In diesem Fall hat mir sehr gut gefallen, dass der Baum der einzige Hinweis darauf war, dass es sich um eine Eisbahn im Freien handelt Knapp dahinter war die oberste Skizze, wo es eine gleichmäßigere Komposition gab, wobei jedes Objekt ungefähr den gleichen Platz eine gleichmäßigere Komposition gab, wobei jedes Objekt einnahm Am Ende fand ich das Bild unten etwas zu klein, was bedeutet, dass es kein einzelnes Objekt zu geben schien , das es zusammenhielt Und ich glaube, zwischen der Schaufel, den beiden Hockeyschlägern und dem Netz, das von der Seite gezeigt wurde, war kein einzelnes Objekt auf der Seite besonders präsent In meiner ausgefeilten Skizze entschied ich mich für die oberste Skizze, da sie eine schöne Mischung von Objekten enthielt und die Geschichte gut erzählte Die Komposition war schön und ausgewogen. Und es gab eine Vielzahl verschiedener Formen, die gut ineinander greifen Objekte wie der Schlauch und der Hockeyschläger erzeugten einen schönen Fluss, der das Auge den Schlauch hinauf, über den Baum und dann wieder in die Mitte führte über den Baum und dann wieder in die Mitte Am Ende des Hockeyschlägers habe ich viel Zeit damit verbracht, den Gartenschlauch genau auszuarbeiten wie viel aufgerollt und wie viel gerader sein sollte Am Ende hatte ich mehr Spule auf der Unterseite und mehr gerade auf der Oberseite, um vorzuschlagen, wie ein echter Schlauch aussehen könnte , wenn er benutzt wird Jetzt habe ich es mir natürlich für ein paar Minuten selbst überlegt und den Hockeyschläger dort platziert , wo der Schlauch war Stattdessen. Später geriet ich wieder eine Situation, in der ich nicht so viel vom Schlauch zeigen musste. Vielleicht würden nur das Ende und die Ersatzdüse reichen. Aber da war noch etwas unangenehmer Platz übrig. Also habe ich einen Schaufelstiel mit nur dem Stock und dem kleinen Kunststoffgriff oben hinzugefügt , um ein bisschen mehr Schwung zu verleihen , um ein bisschen mehr Schwung Ich habe auch ein paar Schneeflocken hinzugefügt. Diese in einigen Räumen zu wiederholen, würde zu mehr Einheit führen und einige dieser ungelösten Leerzeichen eliminieren ich nun das fertige Bild für diesen hatte, wurde mir klar, dass ich mehr meiner Stempel im Querformat haben wollte meiner Stempel im Querformat Bisher waren die Stiefel und der GT beide vertikal angeordnet, also habe ich mich letztendlich umgedreht und mich die Skizze mit dem Hockeynetz entschieden Natürlich habe ich das zuerst verfeinert. Bevor ich zu dieser Phase komme, wollte ich nur ein weiteres Element hinzufügen, um das Hinterhof-Element zu verstärken Und genau das sehen Sie mit dem kleinen Haus in der oberen rechten Ecke. Ich bin ein großer Fan von Flat-Lays. Vor allem, wenn ich kleine grafische Details wie das NHL-Wappen auf dem Hockey-Puck, das Branding auf dem Schläger und den Schriftzug auf dem Hut hinzufügen das NHL-Wappen auf dem Hockey-Puck, das Branding auf dem Schläger und den Schriftzug auf dem Hut In Bezug auf die Hierarchie dominiert also das Netz den Versorgungsbereich. Ich mag dieses Element, weil es so luftig ist und viel Spiel zwischen Figur und Boden bietet Der rote Rahmen und das weiße Netz bilden ebenfalls einen starken Kontrast zu diesem tiefblauen Hintergrund. Aus Gründen der Einfachheit habe ich nur einige Objekte ausgewählt, die hier vorgestellt werden sollen, und mein Bestes getan, um sie so einfach wie möglich darzustellen. Das Haus erinnert sehr an ein Logo und ist überhaupt nicht so, wie das Haus meiner Kindheit aussah. Der Baum ist ebenfalls stark vereinfacht. Jetzt bemerkte ich, dass es ein Ungleichgewicht der Farben gab. Ich hatte im rechten Drittel viel Weiß , und Grün kam nur im Hut und im Schlauch vor. Ich habe die Verteilung von Weiß ausgeglichen, indem ich dem Hockeyschläger etwas blaue, körnige Textur hinzugefügt Und ich habe eine weitere Grünfläche eingeführt indem ich einen kleinen immergrünen Baum neben das Haus gestellt Ich habe etwas mehr Weiß mit ein paar Schneeflocken hineingepfeffert, was auch dazu beigetragen hat, die Objekte zusammenzuhalten und die ungelösten Lücken auszufüllen Siehst du jetzt beim Hockeyschläger den Verschluss bei der Arbeit? Die blauen Streifen und die grobkörnige Textur schneiden tatsächlich die Form des Hockeyschlägers ab Der Schläger ist in Segmente aufgeteilt, aber Sie sehen immer noch das Ganze das Gefühl, dass Kanada als ein zusammenhängendes Objekt für die Textelemente Ich hatte das Gefühl, dass Kanada als ein zusammenhängendes Objekt für die Textelemente gut am oberen Rand liegen würde. Ich wollte, dass die Grundlinie des Schriftzugs das Auge nach innen bewegt Also habe ich es auf der Innenseite der Illustration platziert und nicht am äußeren Rand des Kunstbereichs Warum habe ich also nicht einfach die Grundlinien für den Ländernamen und den Stempelwert gleich gemacht Ländernamen und den Stempelwert gleich Nun, das liegt daran, dass es die Ausrichtung des Stempels verwirren würde die Ausrichtung Wenn ich die auf derselben Grundlinie hätte, würde ich den Stempel so drehen wollen , dass sie aufrecht stehen Aber wenn ich das machen würde, wäre der Rest der Abbildung falsch Und dann wäre da einfach dieses ständige Hin und Her in meinem Kopf darüber, welcher Weg der richtige Weg ist. die fünf in der endgültigen Komposition zusammen mit der Bildunterschrift auf der anderen Seite hochkant platzieren , bekommen wir ein gutes Gefühl dafür , welcher Weg der richtige Weg ist. der Zwischenzeit kann der Name des Landes so in die Komposition passen , wie ich es mir wünsche 16. DEMO: Die Figur: Lassen Sie uns nun meinen Denkprozess für die Figur durchgehen. Was meine Halskrausen angeht, habe ich mit dem Offensichtlichen angefangen, dem Kind, Schneeengel in vertikaler Ausrichtung zu Ich habe verschiedene Kombinationen von Extremitätenpositionen durchgespielt verschiedene Kombinationen von Extremitätenpositionen Sollte ich die Gliedmaßen alle nach außen spreizen oder sollten sie enger am Körper liegen ? In einem Fall wurde ich etwas fotografischer und zeigte ein Kind, das aufstand und versuchte, hinter sich herabzuschauen, um den Engel zu sehen, den er gerade Ich habe auch einige Variationen ausprobiert, die mich an Da Vincis Vitruvian Man erinnerten Hier dachte ich darüber nach, vielleicht einen schönen Lapsus zu zeigen, zu versuchen, ein Gefühl von Bewegung in einem einzigen Standbild zu zeigen Bewegung in einem einzigen Standbild Als ich zu den horizontalen Vorschaubildern kam, musste ich sofort über den Tellerrand hinausschauen, obwohl es sich um buchstäbliche Boxen handelt, in denen ich denke obwohl es sich um buchstäbliche Boxen handelt, in denen ich Ich bin es so gewohnt, an einen Schneeengel in senkrechter Position zu denken einen Schneeengel in senkrechter Position Was könnte ich hier sonst tun? Ich habe eine Variante mit zwei Figuren ausprobiert, bei denen es sich möglicherweise um dasselbe Kind in zwei verschiedenen Positionen handelt. Als ob bei der einen alle Gliedmaßen herausgezogen wurden und bei der anderen alle Gliedmaßen zusammen, nahe am Körper in einer Kiste. Ich war abgelenkt und zeichnete ein Kind, das mit einer Rodel einen Hügel hinunterfuhr, was völlig unlogisch war Und das habe ich schnell aufgegeben. Ich habe ein paar Ideen ausprobiert, bei denen Fußabdrücke Form eines Schneeengels hinein oder von ihr wegführen Und eine davon hatte nur den Schneeengel und nur den Fuß der Figuren, als sie weggingen. Und schließlich habe ich versucht, den gesamten horizontalen Raum mit dem Schneeengelkind zu füllen , aber auf eine weniger erwartete, kürzere Art und Weise Am Ende fand ich einige davon als interessante Möglichkeiten zur weiteren Verfeinerung Mir hat sehr gut gefallen, wie oben links ein Kontrast in Bewegung gezeigt wurde Wir hatten die Form eines Schneeengels überall ausgebreitet, quasi nach oben und außen. Und dann waren die Figuren, Arme und Beine nach unten gerichtet und zusammengeschlossen. Dadurch entstand ein starkes Bewegungsgefühl. Die Skizze ist sehr dynamisch, obwohl sie zentriert und sehr einzigartig ist Ich fühlte mich auch sehr zu den vitruvianischen Konzepten hingezogen , die ich skizzierte, aber zu diesem Zeitpunkt war es nur eine fiktive Neugier was das horizontale Also habe ich ein kleines Fragezeichen drüber gesetzt. diesem Fall waren die groben Skizzen einfach und unterhaltsam zu erstellen, aber die endgültige Ausführung würde viel schwieriger sein Am Ende habe ich versucht, das Stück mit kontrastierenden Bewegungen der Engelsform und der Gliedmaßen der Figur zu entwickeln Bewegungen der Engelsform und der Gliedmaßen der Figur Der Trick für mich bestand darin, den Schnee zu zeigen und zwischen dem ungestörten Schnee und dem niedergedrückten Bereich des Schneeengels zu unterscheiden zwischen dem ungestörten Schnee und dem niedergedrückten Bereich des Schneeengels Das wäre etwas, das ich mit einem Bleistift nicht herausfinden Ich müsste es im endgültigen Stil genauer ausarbeiten. ich sah, was ich mit meinen Pinseln machen konnte, wurde mir auch klar , dass die Proportionen meines großen Formats nicht gerade für diese Figur geeignet waren. Es sei denn, ich habe die Proportionen wirklich stark verzerrt. Am Ende blieb im Layout viel negativer Raum über und unter der Figur, was ich für zu viel hielt In gewisser Hinsicht hat es die Figur in den Schatten gestellt, was der Erfahrung, ein kleines Kind in der Weite der verschneiten Außenwelt zu sein, Rechnung trägt Weite der verschneiten Außenwelt Aber es fühlte sich auch so an, als hätte ich ein Foto machen können, ich hätte ein Foto von dieser Art von Komposition machen Ich dachte mir, dass ich als Illustrator mehr erreichen könnte, wenn außerhalb dieses eher wörtlichen Ansatzes denke Davon abgesehen habe ich versucht, einfach entschlossen zu sein und bin hier gelandet und habe mir gedacht, dass es immer noch reizvoll sein könnte Einmal in meinem endgültigen Stil illustriert. Jetzt, genau wie beim Flat-Lay, änderte ich meine Meinung, als ich mich dem Finale der Figur zuwandte. Ich beschloss, ein anderes horizontales Layout auszuprobieren, und ich dachte, ich sollte dieses Konzept Seite an Seite geben. Ich versuche es, ich habe diese Skizze verfeinert und bin dann mit mehr Selbstvertrauen ins Finale gegangen . Mir gefällt, dass dieses Konzept für die Idee einer Schneeengelfigur einzigartiger ist . Mir gefällt, wie kreativ das Problem gelöst wie der Stempelbereich besser gefüllt Die Proportionen des großen Ausrichtungsbildbereichs sind perfekt für zwei Schneeengel, während ein einzelner Schneeengel in keiner beiden Situationen gut passte, weder in der horizontalen noch in der vertikalen Dies zeigt, dass sich beide Figuren auf derselben Hierarchieebene befinden. Die Geschichte handelt von diesen beiden Figuren zusammen. Mir gefällt die Schlichtheit der weißen Schnee-Engelsformen sehr gut und ich habe beschlossen, dass die Umgebung nicht weiß sein muss , wie im wahrsten Sinne des Wortes Schnee Die weißen Engelsformen Kombination mit der Winterkleidung, die die Figuren tragen , und auch mit ihren Gesten ausreichen, würden in Kombination mit der Winterkleidung, die die Figuren tragen, und auch mit ihren Gesten ausreichen, um Schneeengel zu suggerieren ohne dabei so realistisch oder wörtlich zu sein In beiden Figuren gibt es Wiederholung und Variation. Beide sind Kinder, beide haben ihre Schnee-Engel-Formen hinter sich und beide tragen Winterkleidung Aber wie vorhergesagt, ist auch jedes Exemplar ein Unikat. Ich habe viel Zeit damit verbracht , herauszufinden, wie man hier mit den Formen der Engel einen Schneeeffekt erzeugt und wie ich hier ein bisschen Textur hinzufügen würde , damit es sich wirklich wie Schnee anfühlt. Ich habe alle möglichen Pinsel ausprobiert, sogar einige draußen. Das limitierte Set, das ich für dieses Projekt ausgewählt habe. Ich habe nach einer Textur gesucht , Ich habe nach einer Textur gesucht die die Bewegung auf dynamische, überraschende Weise suggeriert , sich aber auch stilistisch dem Rest meines Sets anpasst Keine Lösung, die ich hier finden konnte, hat mir das wirklich gebracht. Also habe ich mich umgeschwenkt Anstatt zu versuchen, Bewegung darzustellen, würde ich einfach den schweren grünen Pinsel benutzen, um Schattierung innerhalb des Engels anzudeuten Ich bin mir sicher, dass ich mit mehr Aufwand eine elegante Lösung für die Bewegung gefunden hätte elegante Lösung für die Aber vorerst musste ich einfach weitermachen und meine endgültige Lösung sah am Ende ziemlich gut Nun, wo es um Zahlen geht, ein Detail, an dem Sie bestimmt hängen bleiben werden, sind die Gesichter. Wie zeigt man ein Gesicht, das dem Stil der restlichen Figur entspricht ? Wie zeigt man ein Gesicht, das nicht die ganze Aufmerksamkeit von allem anderen ablenkt und dafür sorgt, dass man ihm direkt in die Augen schaut und dieses Gesicht im Vergleich zu allem anderen in der Abbildung zu sehr wahrnimmt anderen ablenkt und dafür sorgt, dass man ihm direkt in die Augen schaut und dieses Gesicht im Vergleich zu allem anderen in der Abbildung zu sehr wahrnimmt Gesicht im Vergleich zu allem anderen in der Abbildung zu sehr allem anderen in der Abbildung Wenn man hierarchisch denkt, die Gesichter dieser Figuren gegenüber den allgemeinen Gesten und den Engeln sehr zweitrangig Die Gesichter sind wichtig, um ein bisschen Persönlichkeit einzubauen, damit sie nicht zu anonym oder ernst wirken, aber sie sind nicht das Hauptmerkmal Also habe ich mich hier für geschlossene Augen im Smiley-Stil und sehr minimale Details in Nase und Mund entschieden geschlossene Augen im Smiley-Stil und sehr minimale Details in Nase und Mund Mit dem Innenprofil des Jungen habe ich es schnell herausgefunden Ich konnte mit minimalen Spuren ein wenig Freude im Gesicht zeigen mit minimalen Spuren ein wenig Freude im Gesicht Und ich finde, die rosige Nase ist eine nette Geste für diese kleine Bildergeschichte Nach langem Herumspielen mit dem Mädchenraum , der zuerst direkt nach oben schauen würde Ich fragte, warum das Rad neu erfunden wurde. Ich habe auch ihren Kopf ins Profil aufgenommen und Feierabend gemacht Ich habe jetzt eine Frage an dich. Denken Sie an Gruppierung und Nähe. Die Art und Weise, wie sich diese beiden Figuren berühren und sich etwas überlappen Wie hätte das Stück Ihrer Meinung nach ausgesehen, wenn ich sie vollständig getrennt hätte, sodass sich die Flügelspitzen der Engel nicht berühren Bei dieser Abbildung haben Sie das gleiche Gefühl der Einheit. Wäre die Geschichte anders? Auf welche Weise? Sie können uns Seite mit der Klassendiskussion Ihre Meinung mitteilen. 17. DEMO: Die Szene: Schauen wir uns nun die Abbildung der Szene an. wir uns den Szenen - und Montage-Illustrationen zuwenden, stoßen wir auf komplexere kompositorische Probleme meinen Groben anzufangen , versuche ich natürlich nur herauszufinden, was meine Gesamtszene Ich habe beim ersten Brainstorming bereits einige Zeit damit verbracht , über die Geschichte nachzudenken , die ich erzählen möchte Ich bin auf die Erinnerung gestoßen, als ich die Auffahrt geschaufelt habe. Es gab ein paar Schlüsselelemente, die ich hier erwähnen wollte, das Haus, in dem ich aufgewachsen bin, und den Familienkombi, der ein blauer Plymouth Reliant war Und natürlich dachte ich mir, ich sollte jemandem zeigen, wie man die Auffahrt schaufelt. Ich habe einige Zeit damit verbracht, nach Bildern zu suchen aus denen ich zeichnen konnte, während ich die alten Grabenskizzen gemacht habe, und dann habe ich mein Bestes gegeben, um eine Szene aus dem zusammenzustellen, woran ich mich erinnern konnte, als ich hier diese Roharbeiten gemacht Es war auf jeden Fall interessant, sowohl im Hoch- als auch im Breitformat zu denken , sowohl im Hoch- als auch im Breitformat Der naheliegendste Ansatz wäre, eine Landschaftsansicht zu machen, die das Haus, den Hof und die Auffahrt von der Straße aus zeigt , aber einige meiner großformatigen Bilder durchläuft Ich habe einige interessante Möglichkeiten gefunden, diese Szene auf weniger erwartete Weise zu zeigen Das lange Format schien ein natürlicher Ort zu sein, um die lange Auffahrt zu zeigen und sich nur auf diesen Teil unseres Grundstücks zu konzentrieren , anstatt auf das Ganze Die Entscheidung, wie viel von einer Szene aufgenommen werden soll, ist immer Teil dieser Phase und wir denken nicht über Details nach, sondern nur darüber, was von der Gesamtszene ausreichend ist , um unsere Geschichte zu erzählen Als ich meine Seite mit den Vorschaubildern dafür ausfüllte, fielen mir 13 Ideen auf Es gab eine im Hochformat mit dem Baum davor als dominantem Objekt, was es mir ermöglichen würde, andere kleinere Momente in der Szene auf interessante Weise zu rahmen und darauf hinzuweisen andere kleinere Momente in der Szene auf interessante Weise Und dann waren da noch zwei im Breitformat, eines mit meinem Haus im Hintergrund und mit mir auf der Schneebank, die vom Pflug übrig geblieben Und das bin ich am Ende unserer Einfahrt genau dort im Vordergrund Und eine andere war eher eine klassische Szene mit mehr Aktivität auf dem Grundstück, in der zwei Figuren schaufeln und ich dann einen Schneeengel auf dem Rasen vor dem Baum mache, mit meiner kleinen Schaufel neben mir dem Rasen vor dem Baum mit meiner kleinen Schaufel Mir hat gefallen, dass dadurch tatsächlich ein kleiner Bezug oder ein Rückgriff auf die Abbildung mit dem Schneeengel geschaffen wurde oder ein Rückgriff auf die Abbildung mit dem Schneeengel Ich habe auch überlegt, zwei benachbarte Einfahrten mit einem Baum in der Mitte zu zeigen und dann eine Figur auf einer Auffahrt die überlegt, dem Nachbarn zu helfen Aber insgesamt war es zu viel Konzept für eine so winzige Szene, also habe ich mich nicht darauf eingelassen Nun, von all den raffinierten Skizzen habe ich am längsten damit verbracht, meine Szene zu verfeinern Und das ist ziemlich natürlich wenn man bedenkt, dass es hier einfach mehr Details Letztlich war ich fasziniert von der größeren Skizze mit dem dominanten Baum im Vordergrund, also fing ich an, diese zu verfeinern Zuerst habe ich das in meine verfeinerte Skizzenvorlage übernommen und zuerst die Baumform Dann fing ich an, die Figur hinzuzufügen die Auffahrt zu schaufeln, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie ich die Größe des Baumes im Vergleich zur Figur behandeln würde. Es bestand die Möglichkeit, dass die Figur auf ablenkende die Größe des Baumes im Vergleich zur Figur behandeln würde. Es bestand die Möglichkeit, Weise winzig aussehen würde Weise winzig aussehen Als ob es einfach sehr unverhältnismäßig aussehen würde und nicht auf eine Art und Weise, die beabsichtigt aussah Als ich anfing, das Haus detaillierter zu zeichnen, hatte ich das Gefühl, dass ich das, was ich zeichnete, zu wörtlich nahm, oder wie wir es heute kennen, ich zu sehr mit meiner Kamera konkurrierte Ich habe viel Zeit damit verbracht die Szene, den Baum, die Figur, das Haus, die Auffahrt zu zeichnen und neu Baum, die Figur, das Haus, die zu zeichnen, bis sich etwas Ich verwende das Rad der Drittel, um die Hauptachse des Baumstamms entlang der rechten senkrechten Linie zu platzieren Ich verwende den harmonischen Anker, um die Figur an einem der Hauptschnittpunkte all dieser Punkte zu platzieren die Figur an einem der Hauptschnittpunkte all dieser Unten im linken unteren Bereich. Ich rahme die Figur im Bereich mit Schaufeln, in der Einfahrt, wo sie schwarz ist Einfahrt, wo sie Ich denke auch darüber nach, wie die Zweige des Baumes wieder nach unten zur Figur zeigen und die Figur in die Szene zurückblickt, sodass ein kreisförmiger visueller Fluss entsteht Obwohl wir hier immer noch nur in der Skizze sind, fange ich auch an, darüber nachzudenken, wie man weißen Schnee auf den dunklen Baum legt und mit dem Boden und dem Abschluss der Figur spiele. Weil dieses Stück wahrscheinlich größtenteils weiß sein sollte, um das Gefühl von frisch gefallenem Schnee zu vermitteln. Ich wusste, dass es einige Möglichkeiten geben würde, auf diese Weise mit hellen und dunklen Bereichen zu spielen . Laufe der Zeit fügte ich etwas mehr Perspektive hinzu, indem ich die Garagenöffnung verkleinerte und die linke Seite der Einfahrt dorthin die Garagenöffnung verkleinerte und führte Sie können sehen, wie ich das harmonische Armaturengitter als Richtschnur für diesen neuen Rand der Auffahrt verwendet das harmonische Armaturengitter als Richtschnur für diesen neuen Rand der Aber weil ich diese Änderung vorgenommen hatte, musste ich plötzlich auch das Haus des Nachbarn auf dieser Seite hinzufügen Haus des Nachbarn auf dieser Seite In einigen Stücken, in dieser Reihe von Illustrationen, habe ich mich für eine universellere und weniger spezifische Darstellung von Objekten entschieden . Zum Beispiel war das Haus in der Wohnung sehr symbolisch und entsprach überhaupt nicht meiner eigenen Erfahrung. Aber der Hausstil in dieser Abbildung, oder zumindest die Skizze, ist dem, wie das Haus meiner Kindheit aussah, sehr nahe. Ich kann mir also vorstellen, dass Sie sich dadurch, wenn Sie sich das ansehen, ein etwas obskureres Da sehen nicht alle Häuser genau so aus. Es ist sehr spezifisch für meine persönliche Erfahrung. Es bringt also viele Gefühle mit sich, die in meiner Arbeit nicht immer zum Ausdruck kommen. Ich erwarte zum Beispiel nicht immer, solche nostalgischen Gefühle zu finden oder in meine kommerzielle Arbeit einfließen zu lassen solche nostalgischen Gefühle zu finden oder in Beispiel nicht immer, solche nostalgischen Gefühle zu finden oder in meine kommerzielle Arbeit einfließen Zu diesem Zeitpunkt habe ich die meisten Details in der Skizze ausgearbeitet Ich gehe noch einmal durch , um zu sehen, wie ich die Szene weiter vereinfachen und abstrahieren kann die Szene weiter vereinfachen und abstrahieren damit sie in meinem flacheren Stil funktioniert Alles andere, was ich weiß, kann ich in der endgültigen Abbildung herausfinden Nun sollte ich sagen, dass ich zwar eine verfeinerte Version eines meiner Konzepte im Großformat gemacht habe, mich aber letztendlich für dieses entschieden habe. Insgesamt. Ich habe über eine Stunde damit verbracht, meine Szenenskizzen für meine endgültige Szenenillustration zu verfeinern Sie können sehen, dass meine Skizze tatsächlich ein bisschen anders ist. Am Ende habe ich es neu gezeichnet, sodass die Figur am Ende der Auffahrt größer war Für mich fühlte sich das wie eine glaubwürdigere Skala an, wenn man bedenkt , dass sie zwischen dem Baum im Vordergrund und dem Haus im Um ehrlich zu sein, finde ich, dass der Maßstab der vorherigen Skizze interessanter war und für ein dynamischeres Bild gesorgt hat In diesem Bild finde ich, dass die Szene irgendwie flacher geworden ist, möglicherweise weil der Baum jetzt auch viel kleiner erscheint jetzt auch viel kleiner Während meine ursprüngliche Hierarchie in diesem Bild ausgeprägter war, ist es schwierig, vollständig zu sagen, welches das dominanteste Element auf dem Bild ist dominanteste Element auf dem Bild Davon abgesehen denke ich, dass wir eine brauchbare Szenenillustration haben , und ich habe die Größe der Figur ein wenig reduziert , und als ich den Baum dann in seiner endgültigen dunkleren Form gezeichnet hatte, erlangte er seine unbestreitbare Dominanz in der Hierarchie wieder erlangte er seine unbestreitbare Dominanz Ich hatte meine Gründe dafür die Gesamtpräsenz am unteren Rand zu verringern, und zwar so, dass ich die typografischen Elemente unterbringen konnte , die schließlich dort unten hinuntergehen mussten, weil all das an den anderen drei Rändern passiert ist. Jetzt, in der letzten Phase der Illustration, hatte ich die Idee, eine Figur ins Fenster des Hauses zu bringen , die auf die schaufelnde Figur schaut die schaufelnde Figur schaut Sie ist drinnen mit einer schönen warmen Tasse Kaffee, während der Mann draußen in der Kälte arbeitet. Dadurch entsteht ein konzeptioneller Kontrast zwischen Drinnen und Draußen, Arbeiten und Entspannen Hier spielt eine gewisse Ähnlichkeit eine Rolle: Das Rot ihres Pullovers erinnert an das Rot der Schaufel und die karierte Jacke der äußeren Figur Das ist die Verwendung von Ähnlichkeit oder Wiederholung in Sowohl das Fenster als auch die Äste des Baumes rahmen die Frau im Und sie schaffen dort diesen kleinen Moment. Der blaue Kombi, der gerade aus der dunklen Garage auftaucht und in der vertikalen Bildmitte platziert wird , verleiht der schaufelnden Figur eine gewisse Zielstrebigkeit. Er muss irgendwohin fahren, aber er kann nicht, bis die Einfahrt geräumt ist , wohin er eigentlich fährt, wir wissen es Und das ist Teil des Geheimnisses der Geschichte. Das Auto ist auch in den Ästen des Baumes sowie in der Öffnung der Garage eingerahmt . Wie ich hier meinen Denkprozess beschrieben habe, können Sie sehen, dass die Szene gewisse Komplexitäten aufweist, über die ich in den meisten anderen Illustrationen nicht nachdenken meisten anderen Insbesondere dieses Verhältnis der verschiedenen Objekte in einem imaginären Raum Wie stelle ich diese Szene grafisch dar, die es nur in der Illustration gibt, und nicht auf eine einfachere fotografische Herangehensweise? Gleichzeitig frage ich mich, wie das als kleiner Stempel funktioniert? Am Ende habe ich beschlossen, die Figur komplett zu ändern und einfach eine andere Variante zu verwenden, einfach eine andere Variante zu ich in einer meiner Skizzen hatte Diese hatte eine Geste in Proportionen, die besser zu mir passten Und weil wir die Figur fast bemerken werden, bevor wir etwas anderes bemerken, obwohl sie in der Komposition sehr klein ist, denke ich wirklich, dass etwas mehr Aufmerksamkeit für die Details erforderlich war. Nun zu einer Wendung in der Handlung: Als ich genau diese Analyse geschrieben habe, von der ich gerade spreche, ungefähr eine Woche, nachdem ich diese Illustrationen gemacht hatte, gab es immer noch etwas ich korrigieren musste Es gab diesen visuellen Stau bei dem die Typoelemente am unteren Rand des Baums die Augen alle in die untere rechte Ecke lenkten , ohne etwas anderes Um den Typ zu platzieren, musste ich einige extreme Maßnahmen ergreifen. Ich habe die meisten Dinge im Hintergrund entfernt, die Figur vergrößert und das untere Drittel des Bildes mit Weiß oder Schnee bedeckt . Die Geschichte hier ist jetzt einfacher und ich finde sie noch lustiger. Irgendwie habe ich durch das Entfernen von mehr als der Hälfte der Details eine viel aussagekräftigere Aussage erhalten, von der ich glaube, dass sie als Stempel viel besser funktionieren würde. Hier können Sie also die Drittelregel bei der Arbeit sehen, bei der ein unteres Drittel , abgesehen von den Schriftelementen, komplett weiß abgesehen von den Schriftelementen Und die oberen zwei Drittel sind viel dunkler, und dort befinden sich auch alle Details Jetzt bin ich meiner ursprünglichen Idee treu geblieben diesen Baum als mein Hauptinstrument für die Gestaltung und den Fluss verwendet Der Baum steht also irgendwie vorne und mittig, aber nicht ganz so sehr wie ursprünglich 18. DEMO: Die Montage: Okay, jetzt sind wir bei der letzten Abbildung, der Montage für diese. Mein Konzept war ein vorstädtischer Winter. Dies ist ein großer Teil meiner Erinnerungen daran im Winter ein Kind zu sein Die Idee des Vorstadtwinters ist sehr offen für Interpretationen Es ist hier nicht konkret wie Stiefel auf einem Mad oder Hinterhof-Hockey, ich versuche nur, verschiedene Symbole oder Objekte zusammenzusetzen , die zusammen meine Idee nahelegen Als Erfahrung habe ich in meinem Brainstorming Dinge wie nachts, leer, Straßenlaternen, langweilig und ruhig aufgeschrieben leer, Straßenlaternen, langweilig und In meinen Referenzfotos und Omo-Zeichnungen für dieses Video hat mich nichts wirklich zu sehr inspiriert, wenn ich ehrlich bin Aber ich wusste, dass ich, nachdem ich die gesamte Reihe von Illustrationen vor dieser hier durchgesehen hatte, eine Menge Inhalt haben würde, aus dem ich schöpfen konnte, wenn es als Montage, als Teil eines Sets soweit wäre, einfach verschiedene Elemente aus den anderen Illustrationen zu verwenden und sie zusammenzustellen Das war also eine Richtung, die ich in meinen groben Skizzen eingeschlagen Ich habe verschiedene Gruppen von Elementen, fast wie bei einer flachen Illustration , aber anstatt alle getrennt voneinander zu schweben, überlappen sie sich auf die eine oder andere Weise Eine andere Richtung, die ich eingeschlagen habe, bestand darin, eine abstrakte Szene zu kreieren , indem ich ein Muster aus horizontalen Streifen für Straßen und dann verschiedene Hausmotive wiederholte, um ein anderes Muster darüber zu erzeugen Aus meinen Iterationen habe ich eine abstrakte Szenenvariante und zwei weitere weitläufige Montagen mit dekontextualisierten Objekten aus meinen anderen Illustrationen ausgewählt zwei weitere weitläufige Montagen mit dekontextualisierten Am Ende entschied ich mich für die vertikale, szenenbasierte Montage. Mir gefiel es, weil es die stärkste Geschichte hatte, denn es war eindeutig eine Art Stadt im Winter in der Nacht, und es hatte einen großen Mond in der Mitte der half, alles zusammenzuhalten. Der Mond war ein nettes verbindendes Mittel. Wie üblich habe ich meine grobe Skizze in die verfeinerte Skizzenvorlage übernommen, und da mein Raster und meine Skizze sichtbar waren, ging ich zu meinen Verfeinerungen über Zunächst zeichnete ich mein dominantes Objekt, den Mond, und dann zeichnete ich meinen größeren Baum Von da an konzentrierte ich mich darauf, mein Muster aus abstrahierten Häusern klarer zu machen mein Muster aus abstrahierten Häusern klarer zu entschied, welche Details ich in jedes Detail in Bezug auf Fenster, Türen und Kamine aufnehmen würde in Bezug auf Fenster, Türen und Kamine Ich wollte die Proportionen, Zahlen und Größen all dieser Dinge so oft wie möglich wiederholen und Größen all dieser Dinge so oft wie möglich Kleinere Details, die ich im Rohbau nicht herausarbeiten konnte , gewannen zunehmend an Bedeutung, darunter die Bäume und Straßenlaternen zwischen den Häusern, das Auto und die Eisbahn Ich musste auch den Hintergrund der Bäume oder Stadtgebäude in der Ferne zeichnen der Bäume oder Stadtgebäude in der Ferne Die Bäume und Lichter fügten Komposition noch mehr Wiederholungen und Muster hinzu Und im Finale spiegelten die Straßenlaternen den Mond wider und sorgten so für kleinere weiße oder helle Momente in der unteren Hälfte der Komposition Ich habe damit experimentiert, die Szene in zwei Hälften zu teilen. Der Mond und der Baum oben und die Nachbarschaft unten. Ich wollte hier von der Drittelregel abrücken und bei den Proportionen der Seite eher 50, 50 sein . Als Element des Geschichtenerzählens fügt das Auto die einzige Andeutung menschlicher Präsenz hinzu und verleiht dem Bild, das sonst sehr ruhig und schläfrig ist , ein Gefühl von Bewegung sonst sehr ruhig und schläfrig ist , Die leere Eisbahn würde es mir ermöglichen, nur einen winzigen roten Punkt in den Rahmen des Netzes einzufügen nur einen winzigen roten Punkt in den Rahmen des Und es würde dem Bild auch ein ruhiges, einsames Gefühl geben, weil es keine Kinder gibt, die darauf skaten Zum letzten Mal habe ich meine Skizze in eine endgültige Kunstvorlage eingefügt und mit der endgültigen Illustration begonnen. Ich habe mit dem Baum angefangen und bin dann zu den Häusern übergegangen. Ich wollte Abwechslung in der Wiederholung haben. Obwohl ich viele der Elemente ausgeschnitten und eingefügt habe, habe ich auch viele sich wiederholende Elemente separat von Hand gezeichnet Bei den weißen Elementen, wie den Dächern, musste ich den Hintergrund ausfüllen , damit ich sie tatsächlich sehen konnte Also habe ich mit dieser königsblauen Farbe angefangen, aber irgendwann habe ich etwas noch Dunkleres gewählt Für die einfachen Häuser, die quasi drei D sind, weil sie drei Seiten zeigen, aber eben, versuche ich hier, eine konsistente Logik zu verwenden. Jeder ähnliche Aspekt des Hauses oder jede Seite oder Seite erhält dieselbe Farbe. Bei allen Dächern werden Aspekte, die zum Mond zeigen, weiß sein. Das eine Dach, das abgewandt ist, erhält die dunkle Farbe. Das Gleiche gilt für die Fronten und Seiten. Ich habe versucht, hier eine konsistente Logik anzuwenden. Es ist einfach so, dass die Dächer, die dem Mond zugewandt sind, das Licht zu reflektieren scheinen oder sie können schneebedeckt sein. Beide Interpretationen funktionieren. Das Gleiche gilt für die Fenster und Türen. Ich wiederhole einfach dieselbe Farblogik für die gesamte Häusergruppe Alle Häuser haben Richtungsabhängigkeit. Sie alle zeigen zurück zum Himmel. So auch die kleinen dreieckigen Dachfenster auf den Dadurch entsteht eine Einheit zwischen den Häusern auf dem Boden Mond und dem Himmel darüber Die kreisförmigen Fenster an den Häusern bieten ein wenig Abwechslung zu den kastenförmigen, eckigen Formen und spiegeln auch die Form des Mondes wider, wodurch durch Wiederholung eckigen Formen und spiegeln auch die Form des Mondes wider, noch mehr Einheit entsteht Die Schornsteine scheinen auch bis in den Himmel zu reichen, und der Rauch, den ich später aus ihnen ziehen werde , wird Als ich den Mond hinzufügte, achtete ich darauf, ihn symmetrisch und so perfekt wie ein Kreis zu gestalten , wie ich mit meiner freien Hand zeichnen konnte Ich habe das Symmetrie-Tool in Photoshop verwendet , um mir dabei zu helfen Also habe ich meinen schweren grünen Pinsel verwendet , um das Leuchten rund um den Mond hinzuzufügen, was die Stimmung wirklich Ich habe mit ein paar verschiedenen Größen herumgespielt, um das richtige Maß an Dicke zu erzielen. Ich möchte nicht, dass es zu klobig ist und ich möchte nicht, dass es zu Nun zum befriedigenden Teil Nachdem ich dem Hintergrund die gleiche dunkle Farbe gegeben hatte wie der Baum und Teile der Häuser, plötzlich der Zauber von Figur kam plötzlich der Zauber von Figur und Bodeneinfassung ins Spiel In der Zwischenzeit musste ich mir immer noch die Skizze ansehen, die ich illustriert hatte Also habe ich diese Hintergrundebene vorübergehend auf etwa 50% reduziert Damit die typografischen Elemente besser zur Geltung kommen. Das ansonsten zurückhaltende Stempeldesign habe ich in Gelb gesetzt, obwohl es in Weiß genauso gut ausgesehen hätte, wenn ich hier bei einer strengeren Vierfarbenpalette bleiben wollte Als ich dieses Stück fertiggestellt hatte, musste ich herausfinden, wie man die Straßenlaternen und Bäume über den Rest der Komposition legt, sodass in diesem Sinne ein ausreichender Abstand zwischen Figur und Boden besteht zwischen Figur und Boden Es ist immer ein Balanceakt zwischen Klarheit und Einfachheit Was ist der einfachste Weg, um die Lichter über anderen weißen Bereichen wie den Fassaden einiger Häuser sichtbar wie den Fassaden einiger Häuser Als ich vor dem Abschluss noch einen letzten Blick auf die Komposition warf, wurde mir klar, dass der Rauch auf dem Schornstein mit dem Mond zu tun hatte Ich musste das etwas aufpeppen, um eine Trennung zu schaffen. Der Rauch war viel zu stark, also habe ich ihn auf ein subtiles Rauschen reduziert, gerade genug, um gegen Ende das Licht des Mondes einzufangen gegen Ende das Licht des Mondes Mir wurde klar, dass die Häuser den Blick quasi in die untere rechte Ecke Das ist nicht gut, also habe ich ein bisschen gearbeitet, um die Bäume zu bewegen und den Blick so gut wie möglich wieder auf das Bild zu lenken. 19. Alles zusammenfügen: Wir sind fertig, unsere Illustrationen. Ich habe nur diesen einen zusätzlichen Schritt , durch den ich Sie führen möchte, nämlich dass ich mir alle Stempel als Set ansehe. Und das gibt mir nur die Möglichkeit zu sehen, ob sie stilistisch gut zueinander passen Und es gibt uns die Möglichkeit , Änderungen vorzunehmen. Wenn wir das tun möchten, füge ich sie alle in einem einzigen Bild und einer einzigen Photoshop-Datei zusammen . Und ordne sie schön an, sodass ich sie als Set auf der Projektseite und natürlich auf Instagram teilen kann der Projektseite und natürlich auf Instagram Ich habe Adobe Bridge Open. Dies ist ein visueller Dateibrowser , der mit Adobe Creative Cloud geliefert wird. Und es ist einfach ein schöner Ort , um all meine endgültigen Illustrationen zu sehen. An einer Stelle werde ich einfach all diese vergrößern, richtig, so groß sie werden können, damit ich sie einfach alle schön groß sehen kann. Wann immer Sie an einer Reihe von Illustrationen arbeiten, ist es gut, sie alle als Set zu betrachten, nur um sicherzustellen dass sie stilistisch konsistent sind und dass nichts in der einen oder anderen zu stark hervorsticht , wodurch es sich fehl am Platz anfühlt Wohlgemerkt, dieser Stempelsatz ist bewusst unterschiedlich, weil wir bei der Komposition einen ganz anderen Ansatz verfolgen In jedem Fall werden wir in diesem Sinne ein wenig Inkonsistenz haben , aber stilistisch möchten Sie sicherstellen, dass alles stimmt Und Sie verwenden in jedem den gleichen illustrativen Ansatz Für den Anfang verwenden wir so viel wie möglich in allen einfarbige Hintergründe Die Ausnahme ist die Szene, weil in einer Szene einfach eine komplexere Vordergrund- und Hintergrundsituation vor sich geht Und wie Sie in meinem Prozess gesehen haben, hatte ich einen noch komplexeren Hintergrund als hier. Eine Sache, die ich versucht habe, war sicherzustellen, dass der Hintergrund jeder Briefmarke auch ihre eigene Farbe hat, nur um die Individualität jedes Stempels weiter zu verbessern , falls das Sinn macht. Eine andere Sache, die ich tun wollte , war sicherzustellen, dass ich nur maximal drei oder vier Farben pro Stempel verwende , damit sie nicht zu voll werden. Und ich glaube, ich habe mich meistens daran gehalten. Ich glaube, bei dem mit den Stiefeln habe ich eine zusätzliche Farbe hinzugefügt. Wir haben das Dunkelblau, das Gelb, das Rosa, das Grün und das Rot. Das sind fünf Farben. Ich glaube, bei allem anderen habe ich mich mehr oder weniger an maximal vier Farben gehalten. Nun, eine Sache, die mir an der Schrift aufgefallen ist, ist, dass das C im Verhältnis zu den anderen Buchstaben etwas kleiner ist. Und das liegt nur daran, dass es eine beschissene Schrift ist. Ich habe es mit meiner Handschrift gemacht, und wenn ich sehr wählerisch wäre, würde ich reingehen und Was ich jetzt gerne tun würde, ist, aus jedem von ihnen ein Stempelmodell zu machen Und dann all diese nachempfundenen Stempel an einem Ort zusammenbringen , damit ich sie alle als Set teilen kann Ich habe also die Stempelmodelldatei, die in der Klasse mitgeliefert wurde. Sie können das von der Projektseite herunterladen. Und ich habe in diesem Kurs ein ganzes Tutorial , wie das geht. Das Einzige, was ich im Muster-Tutorial nicht durchgemacht habe, war dieser zusätzliche Schritt , den wir hier machen müssen, und Sie werden gleich sehen, warum. Ich möchte die Hintergrundfarbe tatsächlich deaktivieren , sodass es überhaupt keinen Hintergrund gibt. Und dann möchte ich einfach den Schlagschatteneffekt entfernen , den ich da drin hatte. Ich werde das jetzt als Stempelmodell sagen, Stillleben. Ich werde das zusammen mit all den anderen nachgebildeten Stempeldateien als Set mitbringen Stempeldateien als Set Ich habe eine neue Datei in Photoshop erstellt. Es ist 3.000 mal 3.000 Pixel groß und das ist ein quadratisches Format, weil ich beabsichtige, es auf Instagram zu teilen. Ich habe alle Musterstempeldateien hier platziert , mit Ausnahme des Stilllebens. Ich werde das jetzt einfach machen. Nun, eines der schönen Dinge an dem Stempelmodell, das ich hier gemacht habe, ist, dass sie perfekt proportioniert sind , sodass Sie sie ausrichten können Ich werde nur sicherstellen, dass in Photoshot Schnappschuss aktiviert ist. Ich werde dir zeigen, was ich meine. Wenn du sie nahe beieinander bewegst, rasten sie magnetisch zusammen. Deshalb habe ich Snap aktiviert. Das ist nur eine Möglichkeit, Ihre illustrierten Briefmarken zu präsentieren , indem Sie sie alle so zusammengefügt zeigen sie alle so zusammengefügt Nun, so wie meine speziellen Stempel geklappt haben, gibt es keine Möglichkeit, ein perfektes Raster all meiner Stempel zu bekommen Ich muss hier nur noch einen Stempel entwerfen, um ein schönes kleines rechteckiges Set zu machen . Also werde ich sie stattdessen einfach lockerer anordnen und so werde ich es machen. Ich werde das Schnappen ausschalten, ich werde hier nur mein Auge benutzen, um sie schön anzuordnen Nun, das könnte ein bisschen Aufhebens erfordern, um es richtig zu machen Wir können hier einige Kompositionsprinzipien anwenden, auch nur um zu sehen ob diese Anordnung hier gut aussieht Jeder wird eine etwas andere Vorstellung davon haben , wie gut hier aussieht. Ich möchte etwas, bei dem sie voneinander entfernt sind, auch wenn sie sich nicht zu starr anfühlen, ich möchte nicht, dass sie zu stark in einem Raster angeordnet sind Ich will nicht, dass sie zusammenrasten oder so. Ich finde, die sehen gut aus, wenn sie etwas lockerer angeordnet sind. Und ich suche hier einfach nach einem gleichmäßigen Abstand dazwischen, damit der Blick umherfließt. Ich lasse an den Rändern mehr Platz als innerhalb des Sets, und das sorgt dafür, dass sie als Gruppe gut aussehen. Das ist Gruppierung. Ich möchte nicht, dass diese beiden vertikalen Stempel zu stark aufeinander ausgerichtet sind, denn wenn sie das tun, dann sieht man, dass mehr miteinander verwandt sind als diese Das ist auch eine gute Gelegenheit, um zu sehen, welche Farben am meisten hervorstechen. Dieses Rot sticht also sehr hervor. Und vielleicht kann ich das Set etwas ausbalancieren, indem ich es an eine andere Stelle verschiebe oder vielleicht sogar in die Mitte lege , da dein Auge sofort darauf gerichtet ist. Jedenfalls sieht es für mich ziemlich gut aus. Jetzt habe ich alles auf einem dunkelblauen Hintergrund , was gut aussieht. Vielleicht möchte ich es einfach in etwas anderes ändern. Versuchen wir es mit Gelb. Ich finde , das sieht richtig lustig aus. Macht mich glücklich, weil es genau das gleiche Gelb ist, das ich im Set verwendet habe Es passt wirklich gut. Der Grund, warum ich den Schlagschatten in der Mockup-Datei selbst deaktivieren wollte Schlagschatten in der Mockup-Datei selbst deaktivieren , ist, dass ich auf alle diese als Set einen konsistenten Schlagschatten anwenden möchte alle diese als Set einen konsistenten Schlagschatten Ich habe alle meine Stempelmodelle in einer Ebenengruppe gruppiert und kann dann einen Schlagschatteneffekt auf diese gesamte Gruppe anwenden auf diese gesamte Ich möchte, dass es ein etwas flacherer Schlagschatteneffekt Ich werde eine Entfernung von etwa zehn und vielleicht eine Größe von fünf machen zehn und vielleicht eine Größe von fünf Dann werde ich für den Hintergrund schauen, wie es aussieht, einfach mehr von der Papierstruktur zu haben , die auch in den Stempeln zu finden ist. Ich denke, das wird dazu beitragen, ein schöneres, einheitlicheres Bild zum Teilen zu So werde ich das machen. Ich werde die Hintergrundfarbe wählen, das ist dort der gelbe Hintergrund. Und ich möchte dort eine Ebenenmaske erstellen. dann das Quadrat oder die Miniaturansicht der Ebenenmaske hier ausgewählt ist, Wenn dann das Quadrat oder die Miniaturansicht der Ebenenmaske hier ausgewählt ist, drücke ich den Befehl Y, der effektiv den gesamten Hintergrund maskiert der effektiv den gesamten Hintergrund maskiert, durch den nichts hindurchscheint Und wir werden diesen Pinsel der Firma Retrosupply verwenden , um die Papierstruktur einzubringen Ich verwende den Pinsel Hizo Wet 100%, der im Hizo Graph Brush-Set der Firma Retrosupply enthalten ist Ich werde diesen Pinsel in meinem Pinsel-Bedienfeld auswählen. Ich muss sicherstellen, dass der Mischmodus dieses Pinsels auf normal eingestellt ist Sonst wird es nicht funktionieren. Es ist ziemlich klein, um den ganzen Raum auszufüllen. Ich werde das einfach richtig groß ankurbeln. Das ist ein bisschen zu groß. Ich fange einfach an, mit meinem Stift in dieser Textur zu malen und darauf achten, den Stift nicht anzuheben, während ich das mache Andernfalls verdoppele ich die Textur. Ich zeige dir, was ich meine. Es fängt an, sich zu verdoppeln, man kann es nicht wirklich erkennen, weil es sowieso eine so helle Farbe hat. Aber du willst nicht , dass das passiert, ich werde es tun, ohne meinen Pinsel in all dieser Textur anzuheben. Und ich finde, das sieht ziemlich gut aus. Wir zeigen diese Textur im Vergleich zu keiner Textur. Keine Textur ist sehr flach. Das funktioniert, aber das gefällt mir ein bisschen besser. Nun, eine Sache, die ich vielleicht gerne tun würde, ist , diese Textur mit der Blair-Maske, die wir für diese Hintergrundfarbe erstellt haben , etwas ausgeprägter zu machen mit der Blair-Maske, die wir für diese Hintergrundfarbe erstellt haben , etwas ausgeprägter wir für diese Hintergrundfarbe erstellt haben , Habe das einfach ausgewählt. Und ich drücke den Befehl L. Dadurch wird das Tool zur Pegelanpassung aufgerufen. Wenn wir diese Schieberegler in der Mitte platzieren, erzielen wir einen viel stärkeren Effekt Du willst nicht, dass es zu verrückt ist und von den Stempeln selbst ablenkt, aber ich möchte, dass da eine sichtbare Textur drin ist und die Farbe nur ein bisschen intensiver Ich denke, das funktioniert. Es ist einfach subtil genug, dass man es kaum bemerkt, aber da mit der Textur und da ohne, gibt es einfach eine subtile papierartige Textur Jetzt können Sie hier alle letzten Anpassungen vornehmen, die Sie vornehmen müssen Ich werde das einfach als Stempelset-Modell speichern . Ich werde es als Peg speichern und es im Klassenprojekte-Ordner und natürlich auf Instagram teilen es im Klassenprojekte-Ordner . 20. Fazit und die nächsten Schritte: In Ordnung, das war's , du hast es geschafft. Danke, dass du Komposition für Illustratoren genommen hast. Durch die Teilnahme an diesem Kurs und die Durchführung des Projekts haben Sie gelernt, was Komposition ist und wie sie speziell in einem flachen Grafikstil funktioniert Sie haben etwas über ehrgeizige Prinzipien gelernt, die nicht gerade leicht zu visualisieren sind, aber sie sind wichtige Ideale, nach denen Sie bei Ihrer Arbeit streben Sie haben zehn umsetzbare Prinzipien kennengelernt, die leicht zu erkennen sind und die Sie sofort anwenden Sie haben etwas über die Strukturprinzipien gelernt, einschließlich der Drittelregel und der harmonischen Armaturen, und natürlich über die selbststrukturierten Kompositionen Und schließlich, kurz bevor Sie mit dem Abschlussprojekt begonnen haben, haben Sie sechs Arten von Kompositionen gelernt , die Ihnen verschiedene Möglichkeiten bieten, Geschichten zu erzählen und Ideen auf der Seite zu arrangieren Und natürlich setzen wir all diese Prinzipien in die Tat um, indem wir die sechs Kompositionstypen nutzen , um unsere eigenen Geschichten auf unseren sechs illustrierten Briefmarken zu erzählen unsere eigenen Geschichten auf unseren sechs illustrierten Briefmarken Ich weiß, das war ein herausfordernder Kurs, aber ich bin stolz darauf, dass du ihn gemeistert hast. Ich muss dir sagen, dass ich lange gebraucht habe, um diesen Kurs herauszufinden, aber als ich ihn zusammengestellt habe, habe ich wirklich eine Menge von ihrer Zusammensetzung gelernt. Und allein durch das Unterrichten habe ich das Gefühl, dass ich viel besser darin geworden bin , es selbst anzuwenden. Um das alles zu sagen: Das Erlernen der Designprinzipien für diesen Kurs, den ich Ihnen beibringen musste , hat für mich alles verändert Und ich hoffe, dass das, was Sie in diesem Kurs gelernt haben , für Sie wegweisend sein wird Das Wichtigste , was ich gelernt habe was Sie hoffentlich aus diesem Kurs mitnehmen können, ist, dass Sie beim Komponieren nur dann besser werden können , wenn Sie viel Zeit damit verbringen, die verschiedenen Prinzipien von Kunst und Design zu studieren und zu experimentieren oder auf andere Weise anzuwenden Und nicht nur die, die ich in diesem Kurs unterrichte, sondern so viele, wie Sie außerhalb dieses Kurses herausfinden können Ich ermutige Sie, Ihre Augen dafür offen zu halten , wie Komposition in der Kunst funktioniert , die Sie von nun an in der ganzen Welt sehen. Und ich hoffe, dass Sie durch diesen Kurs all das auf einer tieferen Ebene verstehen können . In Ordnung, das ist es. Bitte vergiss nicht, deine Übungen und Projekte auf der Seite mit den Klassenprojekten zu teilen und deine Arbeit in den sozialen Medien zu teilen, indem du den Hashtag „Komposition für Illustratoren“ verwendest den Hashtag „Komposition für Illustratoren Nochmals vielen Dank, dass Sie meinen Kurs besucht haben. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was Sie in Ihrem Projekt machen. Ich sehe dich in der nächsten Klasse. 21. Gehe tiefer mit einer 1:1-Session: Hey, nur eine letzte Sache. Falls dir dieser Kurs gefallen hat und du auf deiner kreativen Reise das nächste Level erreichen möchtest . Ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können , dass ich in Zusammenarbeit mit Skillshare Einzelcoachings anbiete in Zusammenarbeit mit Skillshare Einzelcoachings Dabei handelt es sich um einstündige direkte Videoanrufe mit mir, bei denen Sie maßgeschneiderte persönliche Unterstützung in den Bereichen erhalten, die Sie am dringendsten benötigen Dazu gehören Portfolioberichte und Illustrationskritiken, Branchen- und Karriereberatung, personalisierte Tutorials und natürlich direkte persönliche Unterstützung bei allen meinen Kursen, auch bei diesem. Die Sitzungen kosten 130 USD oder 105 USD, wenn Sie ein Die Sitzungen kosten 130 USD oder 105 USD, wenn Sie . Dazu gehören Portfolioberichte und Illustrationskritiken, Branchen- und Karriereberatung, personalisierte Tutorials und natürlich direkte persönliche Unterstützung bei allen meinen Kursen, auch bei diesem. Die Sitzungen kosten 130 USD oder 105 USD, wenn Sie ein Patrin sind Unterstützer und nur 80$, wenn Sie an einer qualifizierenden Hochschule oder Universität studieren Jetzt weiß ich, dass dies keine geringe Investition ist, deshalb möchte ich Ihnen ein Gefühl dafür geben, welchen Wert ich denen biete , die diesen Einzelsitzungen eine Chance geben diesen Einzelsitzungen eine Chance Das Wichtigste, was meine Kunden über ihre Sitzungen sagen , ist, dass ich vorbereitet bin, Ihnen meine volle Aufmerksamkeit schenke und dass meine Fragen und Erkenntnisse sehr individuell auf Ihre individuelle Situation zugeschnitten sind. In einer Rezension, schrieb Daniel S., habe Tom sehr gut auf unsere Sitzung vorbereitet. Er stellte sehr gute Fragen, er war sehr neugierig und ich fand, dass es eine sehr persönliche Sitzung war. Am Ende Ihrer Sitzung arbeite ich natürlich mit Ihnen zusammen, um konkrete, umsetzbare nächste Schritte auf Ihrem Weg zur Buchung Ihrer Sitzung zu entwickeln umsetzbare nächste Schritte auf Ihrem Weg zur Buchung Ihrer Sitzung zu Den Buchungslink findest du auf meiner Skillshare-Profilseite oder du kannst Tom Frost.com Slash-Coaching besuchen Ich biete nur acht Coaching-Plätze pro Monat an, also zögern Sie bitte nicht Ich freue mich darauf, Sie bald zu treffen.