Transkripte
1. Einführung: Umgebungen spielen eine wichtige Rolle bei der Einstellung der Stimmung und des Tones einer Geschichte. Indem wir fesselnde Szenen und Hintergründe kreieren, können
wir so viel Atmosphäre vermitteln und den Betrachter in unsere eigenen kleinen Welten einladen, ein reichhaltiges und immersives Geschichtenerzählererlebnis zu
schaffen. Hi, ich bin Sarah Holliday und ich bin Illustratorin aus Schottland. Ich finde Umgebungen so viel Spaß zu zeichnen, da sie Ihnen erlauben,
Ihre eigene Phantasie zu erforschen und eine Szene zu schaffen, in die Sie völlig eintauchen können. Illustration von Umgebungen kann eine ziemlich technische Herausforderung darstellen, da es viele Aspekte gibt, die wir gleichzeitig berücksichtigen müssen, wie Komposition, Perspektive, Farbe und Beleuchtung, ganz zu schweigen von kreativen Ideen und Vermittlung von Stimmung und Geschichte. Aber keine Sorge, denn in dieser Klasse werde
ich all diese Aspekte in
leicht verständliche Lektionen und Übungen aufteilen , damit
Sie beim Zeichnen unserer Szenen weniger Zeit damit verbringen können, sich um diese Herausforderungen zu kümmern und mehr Zeit, um Atmosphäre und Phantasie zu vermitteln. In dieser Klasse werden wir untersuchen, wie wir
ein Gefühl von Tiefe und Perspektive in unseren Szenen erreichen können , wie man einen Schwerpunkt in der Komposition akzentuiert, unsere
Elemente mit Formsprache stilisiert, und ich zeige Ihnen einige praktische Tipps, um
Ihre Szene mit Beleuchtung und atmosphärischen Effekten zum Leben zu erwecken. Ich führe Sie dann durch meinen gesamten Prozess eine Szene von Anfang bis Ende zu
illustrieren, so dass
Sie am Ende dieser Klasse voll ausgestattet sind, um Ihre eigene markante Landschaft zu schaffen. Egal, ob Sie noch ein Anfänger sind, der gerne
einzelne Objekte oder Charaktere zeichnet , aber noch nie eine Szene
komponiert haben , oder Sie sind ein erfahrener Illustrator, der nur Ihre Fähigkeiten in diesem Bereich verbessern möchte, dieser Klasse ist voll von Tipps und Tricks, die für alle Ebenen nützlich sein. Ich werde mein iPad Pro mit Procreate in meinen Demonstrationen verwenden, aber fühle mich frei, mit deinen bevorzugten Zeichenwerkzeugen zu folgen. Wenn du bereit bist, ein paar wunderschöne Szenen zu machen, sehe
ich dich in der Klasse.
2. Kursübersicht: Was genau werden wir in dieser Klasse lernen? Zunächst werden wir uns ansehen, wie wir unsere Szene mit
Tiefe und Perspektive komponieren können und wie man dann einen Schwerpunkt akzentuieren kann, wie man unsere Elemente mit Formsprache stilisiert die Szene dann mit Licht
und Licht zum Leben erweckt. atmosphärische Effekte. Sobald wir diese Themen behandelt haben, wir bereit, alles, was wir in unserem Klassenprojekt gelernt haben, anzuwenden. Das Klassenprojekt ist es, unsere Landschaftsszene zu veranschaulichen. Wir beginnen mit der Entscheidung, welche Art von Ort wir
illustrieren wollen und welche Stimmung wir vermitteln wollen. Wenn Sie nach Ideen stecken, habe
ich eine Eingabeaufforderungsliste erstellt, so zögern Sie nicht, sie aus dem Abschnitt Ressourcen unten herunterzuladen, wenn es um diese Phase geht. Sobald wir unsere lockere Idee haben, werden
wir nach Inspiration suchen und ein Moodboard
erstellen, um unsere Szene zu inspirieren, und dann entscheiden wir, welche Elemente wir in die Szene
aufnehmen möchten , und zeichnen diese alle aus individuell, bevor Sie mehrere Ideen für unsere Komposition skizzieren. Wenn wir unseren Favoriten gewählt haben, verfeinern
wir dieses Layout ein bisschen mehr, sprechen über die Auswahl von Farben und erstellen eine Farbe rau, und dann beenden wir die Illustration, indem wir unsere Ebenen blockieren und Hinzufügen von Texturen und endgültigen Details, um die Szene Leben zu erwecken. In Bezug auf Materialien werde
ich mein iPad Pro mit Procreate verwenden, um diese Lektionen zu demonstrieren damit Sie es vielleicht leichter finden, mitzuverfolgen, wenn Sie auch irgendeine Form von digitaler Zeichensoftware haben, aber Sie können immer noch nehmen Sie diese Klasse nur mit traditionellen Medien. Und während ich in
Procreate zeichnen und einige Tipps über die App teilen werde , ist
dies keine „wie man Procreate benutzt“ -Klasse,
also wird es helfen, wenn Sie eine anständige Vertrautheit mit welcher Software oder Medium, das Sie verwenden werden. Da diese Klasse sich auf das Zeichnen von Landschaften konzentriert, werden
wir überhaupt nicht auf
fortgeschrittene perspektivische Regeln oder das Zeichnen von künstlichen Strukturen eingehen , und wir werden uns auch nicht zu sehr darauf konzentrieren, wie einzelne Elemente zu zeichnen sind. Im Mittelpunkt steht dabei mehr der Aufbau einer Grundlage von Techniken für das Komponieren von immersiven und atmosphärischen Szenen. Und meine Hoffnung ist, dass
Sie am Ende dieser Klasse viele Tipps und Prozesse gelernt haben , die Sie in Ihre gesamte Zeichenpraxis und
persönlichen Stil integrieren können , um den gesamten Prozess der Illustration Szenen viel befriedigender und angenehmer für Sie. Ich bin wirklich aufgeregt zu sehen, wohin deine Fantasie dich bringt also bitte zögern Sie nicht, deine Übungen und
Work-in-Progress Skizzen im Bereich Klassenprojekte hochzuladen , während du weitergehst und bitte dein letztes Stück auch dort hochzuladen denn ich liebe es, deine Arbeit zu sehen und mein Feedback zu geben. Wenn es irgendwelche Konzepte oder Bereiche der Klasse gibt, an denen Sie ein wenig hängen bleiben,
dann zögern Sie nicht, mir jederzeit Fragen im Abschnitt Diskussionen zu stellen, und ich helfe Ihnen gerne weiter. Wenn du bereit bist zu beginnen, dann lass uns anfangen und ich sehe dich in der nächsten Lektion.
3. Tiefe und Perspektive: Beginnen wir mit einem Blick darauf, wie wir ein Gefühl von Tiefe und Perspektive in unseren Szenen schaffen können, die es uns ermöglichen, glaubwürdigere und immersive Kompositionen zu schießen. Wir können Tiefe mit einer Kombination mehrerer Methoden wie Skalierung,
Schichtung, Tonwert und Perspektive vermitteln . Schauen wir uns an, wie wir diese Techniken nutzen können, um Tiefe in unseren Szenen zu schaffen. Fangen wir mit Skala an. Ich werde zuerst einen Baum zeichnen und das ein paar Mal duplizieren, und dann werde ich auch eine Linie für unsere Grundebene zeichnen. Sie können sehen, dass diese alle die gleiche Größe haben und es scheint, als wären sie alle in einer Reihe auf der gleichen Ebene mit nicht viel Abstand zwischen ihnen. Lassen Sie uns zuerst einen dieser Bäume größer und einen etwas kleiner machen. Auch wenn diese jetzt unterschiedlich groß sind, haben
wir immer noch nicht diesen klareren Sinn für Tiefe. Eine andere Sache, die wir tun können, ist diese Bäume zu schichten. Ich bringe sie ein bisschen näher zusammen, so dass eine sich überlappt, und ich mache dasselbe mit diesem kleineren Baum, der ihn hinter die anderen bringt. Dann können wir diese Bereiche ausreiben, wo der Baum dahinter von dem davor überlappt wird. Wir können jetzt sehen, dass es eine Hierarchie der Platzierung mit dem größeren Baum vorne und dem kleineren Baum dahinter gibt. Wir haben eine Perspektive, die sich hier bildet, aber sie sehen immer noch flach aus, als wären sie übereinander liegende Papierstücke. Es gibt noch keinen Sinn für Raum zwischen ihnen. Eine andere Möglichkeit, die Tiefe zu verbessern, ist die Verwendung von Tonwerten, so dass ist, wie hell oder dunkel in Ton sie sind. Ich werde jeden dieser Bäume schwarz färben, und dann werde ich den weiteren Baum ziemlich viel aufhellen, und dann werde ich den Mittelklassebaum etwas weniger aufhellen. sich die Dinge immer weiter von uns entfernt bewegen, werden
sie stumpfer und leichter für unsere Augen, weil sichzwischen unserer Vision und
dem Subjekt
mehr Luftpartikelbefinden zwischen unserer Vision und
dem Subjekt
mehr Luftpartikel , die die Farben und Werte verdunkeln, und diese Phänomen wird als atmosphärische Perspektive bekannt. Sie können jetzt mit dieser Kombination aus Skalierung, Schichtung
und atmosphärischer Perspektive sehen , haben wir es geschafft, eine sehr grundlegende Illusion von Tiefe zu erreichen. Lassen Sie uns nun einige grundlegende perspektivische Werkzeuge betrachten , die uns helfen können, die Tiefe in unseren Umgebungen noch weiter zu verbessern. Wenn es um die Arbeit mit Landschaften und Perspektive im Allgemeinen geht, ist
eines der ersten Dinge, die wir tun wollen, die Horizontlinie zu identifizieren. Die Horizontlinie ist im Grunde die Linie, die den Himmel vom Boden trennt. Im Allgemeinen ist alles unterhalb der Linie Teil des Bodens und oberhalb der Linie ist der Himmel. Sobald Sie Ihre Horizontlinie gezeichnet haben, können
wir den Fluchtpunkt identifizieren, der auf jedem Teil dieser Linie platziert werden kann. Ich lege es hier grob in die Mitte. Unser Fluchtpunkt ist der Punkt in unserem Bild, auf den alles zurückgeht. Sie können kleine Richtlinien von Ihrem Fluchtpunkt aus nach außen kommen, die Ihnen helfen, Ihre Skala hier zu visualisieren. Dies können nur randomisierte Linien sein, die von Ihrem Fluchtpunkt an jedem Ort herauskommen. Man kann sie nah beieinander oder weit auseinander machen, es spielt keine Rolle. Wenn Sie Procreate verwenden, gibt es ein wirklich nützliches Werkzeug, das ich Ihnen jetzt zeigen werde, so dass Sie nicht alle Ihre Richtlinien von Hand zeichnen müssen. Ich werde diese Richtlinien vorerst loswerden. Dann können wir zu Aktionen gehen, Leinwand, Zeichenführer, und schalten Sie diesen kleinen Schalter hier. Sie können sehen, dass dieses Raster auf der Leinwand angezeigt wurde. Wir müssen auf Bearbeiten Zeichnungsführung tippen. Dann werden Sie sehen, dass diese Reihe von verschiedenen Arten von Zeichnungslinien kommen. Lassen Sie uns Perspektive wählen. Jetzt können Sie oben sehen, hier steht tippen, um einen Fluchtpunkt zu erstellen. Ich werde auf unseren Fluchtpunkt dort tippen, und Sie können sehen,
dass dies mit vielen kleinen Linien gekommen ist , die sich alle in der Mitte an diesem Fluchtpunkt treffen. Ich werde das einfach an unserer ursprünglichen Platzierung ausrichten. Sie können auch die Farbe dieser Richtlinien ändern, wenn Sie möchten, und Sie können auch die Dicke und Deckkraft anpassen. Sobald Sie glücklich sind, klicken Sie einfach fertig. Wenn Sie das jederzeit ein- und ausschalten möchten Sie von Ihrer Zeichnung ablenkt, können
Sie den Schalter einfach dort umdrehen. Wir werden das vorerst weitermachen, und wir können diese Zeilen als Leitfaden verwenden. Erstens, ich ziehe einen ziemlich kleinen Baum in der Nähe meines Fluchtpunktes. Wenn wir uns einen Baum der gleichen Größe vorstellen wie dieser, der uns zugebracht hat, dann können wir diesen Linien folgen und grob weiter vom Fluchtpunkt hineinziehen. Sie können sehen, wie diese Richtlinien viel mehr
voneinander entfernt sind , je weiter sie vom Fluchtpunkt entfernt sind. Das bedeutet, dass die Objekte viel größer erscheinen, je weiter sie vom Fluchtpunkt Objekten gleicher Größe verglichen
werden, die nahe am Fluchtpunkt liegen. Wenn wir einen anderen Baum auf halbem Weg zwischen diesen beiden ziehen, betont
er weiter, dass Abstand und Tiefe. Sie können dieses atmosphärische perspektivische Prinzip auch verwenden, um die Tiefe hier zu verbessern. Der Spaß am Zeichnen von Landschaften und Naturszenen ist, dass, solange wir diese Hauptkonzepte im Auge haben, wir uns nicht besonders darum kümmern müssen ob die Perspektive völlig korrekt ist oder nicht, weil wir kann mit viel mehr im Vergleich zum Zeichnen von Architektur- oder Innenszenen davonkommen. Mach dir keine Sorgen, wenn du einen groben Sinn für Perspektive hast, solange du dich an die Grundprinzipien
hältst, wirst du wahrscheinlich in Ordnung sein. Sie können verschiedene Größen von Elementen und in ziemlich zufälligen Platzierungen zeigen, und weil wir eine grundlegende Perspektive bereits definiert haben, können
wir unsere Größen und Formen
unserer Themen randomisieren , ohne zu präzise oder mathematische es. Dasselbe passiert mit Elementen am Himmel. Angenommen, wir haben eine Wolke, die weit weg vom Fluchtpunkt ist, sie wird wirklich groß sein im Vergleich zu Wolken, die näher am Fluchtpunkt sind. Dinge werden viel verbündeter, wenn sie
den Fluchtpunkt erreichen , weil der Raum kompakter erscheint. Indem diese Elemente sowohl am Himmel als auch am Boden zu uns kommen, schafft
es eine wirklich immersive Erfahrung der Tiefe. Wenn Sie einen geschwungenen Fluss oder einen Pfad oder etwas zeichnen möchten, können
Sie einfach einige grundlegende Richtlinien zeichnen, denen der Pfad folgen soll, und dann können Sie diese Kurve einfach innerhalb dieser Richtlinien zeichnen. Die Kurve wird immer mehr zusammengefügt, wenn sie sich in Richtung des Fluchtpunkts bewegt. Sie können sehen, dass die Lücken zwischen diesen Kurven im Vordergrund ziemlich groß sind, und sie werden dann kleiner und kleiner, bis sie wirklich zu diesem Fluchtpunkt zusammengefügt sind. Es ist hilfreich, wenn Sie diese Richtlinien zuerst grob auszeichnen und dann mit etwas mehr Vertrauen darüber ziehen können,
und denken Sie auch daran, ob dies ein Pfad oder ein Fluss ist, es wird wirklich dick im Vordergrund erscheinen und dann wird es allmählich dünner und dünner werden, wie es sich Ihrem Fluchtpunkt nähert. Dasselbe geschieht mit Hügeln und Bergen, da sie kleiner und in der Ferne verbündeter werden. Du verstehst die allgemeine Idee. Schalten wir diese Ebenen vorerst aus, und ich schalte diese Hilfslinien aus, damit wir unsere ursprüngliche Horizontlinie sehen können. Ich zeige Ihnen nur einige verschiedene Möglichkeiten, wie
Sie Ihre Horizontlinie jetzt auf Ihrem Bild auslegen können. Sie können einfach einen einfachen Rahmen um diese Linie zeichnen, um die Größe unseres Bildes darzustellen. Sie können hier sehen, dass unser Bild durch die Horizontlinie in zwei Hälften geteilt wird, und dies schafft eine ziemlich ausgewogene symmetrische Szene,
vor allem, wenn wir den Fluchtpunkt auf halbem Weg entlang dieser Linie haben. Aber es kann auch ziemlich langweilig sein und es ist nicht sehr interessante Zusammensetzung. Ich mag entweder meine Horizontlinie ein wenig oberhalb oder
unterhalb der Mittellinie zu haben , weil ich denke, dass es ein bisschen mehr Interesse schafft, aber es ist immer noch nicht zu extrem. Aber wenn Sie eine wirklich extreme Perspektive erstellen möchten, dann können Sie die Horizontlinie wirklich hoch oben in Ihrem Bild platzieren, und das wird viel von Ihrer Bodenfläche und nicht sehr viel vom Himmel zeigen. Dies erweckt den Eindruck, dass der Betrachter irgendwo wirklich hoch oben ist und nach unten schaut, und es gibt ihnen ein Gefühl der Kontrolle über die Szene, weil sie einen guten Aussichtspunkt haben. Sie können wahrscheinlich eine Menge von der Gegend sehen und was los ist. Umgekehrt können Sie die Horizontlinie wirklich tief in Ihrem Bild platzieren, und ich werde tief in den Himmel zeigen. Vielleicht möchten Sie eine Menge von der Wolkenaktion zeigen, die vor sich geht, oder einige Vögel fliegen oder einen wirklich hohen Berg, der oben ragt, und dies erweckt den Eindruck, dass der Betrachter nach
oben blickt und sie fühlen sich klein und geerdet . Sie können dies verwenden, um ein Gefühl von Kunst oder Drama zu schaffen, oder vielleicht, dass es ein Hindernis zu überwinden gibt. Etwas anderes, was Sie tun können, um
einen extremen Blickwinkel zu erstellen , besteht darin, die Horizontlinie zu winkeln, und dies wird alles in Ihrer Landschaft neigen. Alles in deinem Bild wird sich damit neigen,
und das spielt wirklich mit unserem Gehirn und lässt uns ein bisschen ängstlich und unruhig fühlen. Sie können dies für den Teil der Geschichte verwenden, wo vielleicht etwas schief läuft oder es einen Sinn für Drama gibt, und dies wird zu einem Gefühl von Spannung oder Aufregung beitragen. Aber verwenden Sie dies sparsam, weil Sie möchten, dass es wirklich wirkungsvoll ist, wenn Sie es verwenden, also seien Sie sich dessen bewusst. Sie können sehen, dass, wenn wir eine gerade Horizontlinie haben, wir denken, was für eine schöne Landschaft. Aber wenn wir es drehen, ändert
es das Gefühl völlig und wir denken, was los ist? Sie können auch mit der Platzierung Ihres Fluchtpunkts spielen, es muss nicht direkt in der Mitte Ihres Bildes sein. Solange es irgendwo auf der Horizontlinie ist und es nicht einmal in Ihrem Bild sein muss, könnte
es völlig von der Konversation sein. Nachdem wir nun behandelt haben, wie wir ein Gefühl von Tiefe und Perspektive in unseren Szenen schaffen können, schauen wir uns an, wie wir einen Schwerpunkt innerhalb unserer Kompositionen akzentuieren können.
4. Fokuspunkt und Komposition: Ein Schwerpunkt ist die Krankheit oder Bereich innerhalb einer Szene, auf die Ihr Auge gezogen wird und fasziniert durch die Identifizierung des Brennpunkts in Ihrer Komposition ist wichtig, da es Ihnen einen Zweck gesehen, sowie die Bereitstellung von visuellem Interesse. Werfen wir einen Blick auf ein paar Techniken, die wir
verwenden können , um die Aufmerksamkeit auf unseren gewünschten Brennpunkt zu lenken. Fangen wir mit der Regel der Drittel an. So können wir unsere Komposition in drei gleiche Abschnitte mit
zwei vertikalen Linien aufteilen und dann das gleiche
horizontal tun , so dass wir mit neun gleichmäßig großen Segmenten enden. Die Hauptidee ist, dass wir
unseren Fokus auf einen dieser vier Kreuzungen hier setzen können , was die Balance Ihrer Komposition ein wenig ausgleicht und
Ihrem Bild etwas mehr Interesse verleiht , als wenn Sie gerade Ihren Brennpunkt schlagen Knall in der Mitte. Also setze ich meinen Brennpunkt auf der linken Seite des Bildes hier. Und ich werde auch einen sekundären Brennpunkt in diesem oberen rechten Schnittpunkt zeichnen. Und eine andere Sache, die wir mit der Regel von Dritteln tun können ist, dass zu verwenden, um uns zu helfen, unser Bild weiter zu teilen. So können wir unsere Horizontlinie oberhalb des unteren Drittels platzieren. Das kann also unsere Grundebene sein. Und dann nimmt dieser Typ die oberen zwei Drittel ein. Oder du könntest das immer umgekehrt mit zwei Dritteln stöhnten und einem dritten Himmel tun. Und dann können wir anfangen, die Szene mit
zusätzlichen Details auszuarbeiten und unseren Hauptfokal zu verbessern. Und wir können der Szene auch zusätzliche Schichtung und Tiefe hinzufügen, diese Geschichten
verwenden, um jeden Interessenbereich grob aufzuteilen. So können Sie sehen, dass dies eine schöne Offsetdynamik erzeugt, die ein
wenig interessanter ist , als wenn alles zentrierter wäre. Aber das heißt nicht, dass zentrierte Kompositionen selbst nicht wirklich wirkungsvoll und effektiv
sein können . In der Tat, ein
symmetrisches Bild zu schaffen, das gleichmäßig auf jeder Seite ausgeglichen ist und Ihren Fokus in der Mitte Ihrer Szene als eine wirklich einfache, aber effektive Möglichkeit, die Aufmerksamkeit auf Ihren Brennpunkt zu lenken. So können Sie sehen, dass wir in dieser Szene sofort
zu diesem Wasserfall in der Mitte der Komposition gezogen werden. So kann dieses Gefühl der Symmetrie eine wirklich schöne Balance,
sichere Art von Gefühl zu schaffen . Betrachten wir nun führende Linien, damit wir Fahrspuren innerhalb
unserer Komposition nutzen können , um die Aufmerksamkeit auf den Brennpunkt zu lenken. Wir können dies tun, indem wir umgebende Formen wie Pfade, Flüsse, Hügel, Wolken und im Grunde alle Elemente in unserem Bild verwenden, die
eine gerichtete Spur erzeugen können , die zum gewünschten Brennpunkt führt. So können Sie sogar Bäume verwenden, um zum Beispiel auf den Brennpunkt zu zeigen. Und Sie können hier sehen, dass alle umgebenden Elemente in dieser Szene dazu beitragen, unser Auge in den Mittelpunkt zu lenken. Und Sie können diese Linien auch verwenden, um das Auge um
das Bild zu führen , bevor Sie sich auf dem Brennpunkt ausruhen. Jetzt schauen wir uns das Framing an. Reframing ermöglicht es uns, unsere Aufmerksamkeit auf das Haupt zu konzentrieren, das viel in der gleichen Weise wie ein körperlich gerahmtes Bild
gesehen wird. Also hier zeichne ich einige dunkle Bäume und dunkle Bäume
im Vordergrund, um einen Rahmen um diesen Brennpunkt zu erstellen. Sie können aber auch andere Elemente verwenden, um einen Rahmen Effekte wie Laub,
Felsen, Wolken und Lichteffekte zu erzeugen. So können Sie zum Beispiel alles außer dem Bereich, auf den Sie sich konzentrieren möchten, schattieren. Und Sie können auch eine Art Vignetteneffekt erzeugen, indem Sie die Kanten Ihres Bildes verdunkeln. Und diese Rahmentechniken arbeiten alle zusammen, um den Betrachter auf den helleren Teil Ihres Bildes zu
lenken. Negativer Raum. Nehmen wir an, wir haben einen Baum, der von selbst steht, verglichen mit anderen umliegenden Bäumen, die genau
gleich aussehen , außer dass sie alle zusammengefügt sind. Dieser Baum in der Mitte hebt sich durch den
ganzen umgebenden Raum viel mehr für uns auf und gelingt es, unsere Neugier durch die S. einzufangen. Und wir können auch den Kontrast nutzen, um diesen Brennpunkt weiter hervorzuheben. So können wir zum Beispiel einen Kontrast zwischen Farben erzeugen, indem wir den Rest der Szene und blau machen, während dieser Baum orange ist. Und dann ist es wirklich klar, bei welchem Element der Mittelpunkt steht. Und wir können auch einen Kontrastwert verwenden,
indem wir beispielsweise unsere anderen Bäume dunkler oder heller aussehen lassen als der Brennpunkt. Und wir können auch einen Kontrast im Maßstab zeigen, indem wir unseren Brennpunkt viel kleiner oder viel größer als die umgebenden Elemente in der Szene machen. Also, das sind nur ein paar Ideen, aber wirklich jede Art von Kontrast, der Ihnen hilft, Brennpunkte von weiteren herausragenden ist große Charaktere und Gesichter. Also etwas, das unsere Aufmerksamkeit in
einer Szene sofort auf sich zieht , ist die Verwendung von Figuren und Gesichtern. Also hier zeichne ich vor allem eine Figur, als mein Hauptfokal. Und wenn der Charakter etwas anschaut oder
etwas Besonderes anstrebt, folgen Sie
sehr oft natürlich ihrer Insel, um zu versuchen, zu bemerken, was sie sich ansehen. Dies kann also eine wirklich gute Möglichkeit sein, mit
mehreren Fokuspunkten in der Szene mit einer Hierarchie von Wichtigkeit zu spielen . Hier liegt also unser Schwerpunkt vor
allem dieser Charakter und dann unser sekundärer Brennpunkt als Wirt,
der nach dem Charakter in den Wagen gezogen wurde. So können wir versuchen, diese ganze Szene in
Kombination mit einigen der Techniken, die ich gerade erklärt habe, zusammenzustellen . Aber achten Sie darauf, Ihre Szene nicht mit
zu vielen zufällig platzierten Fokuspunkten zu überwältigen , weil Sie nicht so viele Dinge vor sich haben möchten, dass Ihr Betrachter nicht weiß, worauf er achten oder sich konzentrieren sollte. Idealerweise möchten Sie eine klare Hierarchie zwischen allen Elementen in der Szene haben. Wenn Sie viele kleine Elemente haben, die erfolgreich in einer ausgewogenen Komposition
zusammenpassen , kann
der Betrachter versuchen, Verbindungen zwischen all diesen Elementen in ihrem Kopf zu schaffen. Und das ist, wenn Sie anfangen, ein Gefühl von Geschichte und Atmosphäre zu bekommen,
die meiner Meinung nach ein wirklich starkes Bild
schafft. Sie also keine Angst, in vielen kleinen Details zu Ihrer Komposition hinzuzufügen, aber seien Sie einfach klar, was Ihr Schwerpunkt als auch. Die Geschichte ist, dass Sie erzählen wollen, sind die Art von Gefühl, dass Sie kommunizieren wollen. Lassen Sie uns diese Lektion schnell zusammenfassen. Wir haben uns die Regel der Drittel angesehen und eine interessante
Ausgewogenheit geschaffen , indem Sie Ihren Brennpunkt entlang einer dieser vier Kreuzungen platzieren. Sowie Platzieren Sie die Elemente Ihrer Szene und eine schöne Balance zwischen all diesen Segmenten. Wir haben uns die Verwendung einer zentrierten Komposition angesehen, die eine wirklich einfache und effektive Möglichkeit ist, die Aufmerksamkeit auf Ihren Fokus zu lenken. Wir haben uns mit führenden Linien beschäftigt, um das Auge zu lenken. Wir haben uns die Verwendung von Rahmen und Beleuchtung angesehen. Wir haben uns die Verwendung von negativem Raum und Kontrast angesehen. Und wir haben darüber gesprochen, Charaktere und Kot zu verwenden, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu lenken. Wir haben uns auch mit der Schaffung einer Hierarchie von Fokuspunkten in einer Szene befasst. Und schließlich, die Szene ganz unter Verwendung einiger dieser Richtlinien, über die wir gesprochen haben. Lassen Sie sich also nicht zu eng durch diese Kompositionsrichtlinien fühlen. Sie sollten sie einfach verwenden, um
die Art und Weise zu verbessern , wie Sie denken, wenn Sie Ihr Layout skizzieren. Aber sobald Sie die Grundlagen kennen,
dann wird das meiste mit Intuition kommen. Also haben Sie nicht das Gefühl, dass Ihre Komposition diese Regeln vollständig befolgen muss. Und wenn Sie eine dieser Regeln brechen und Ihr eigenes Ding in Bezug auf Ihre Zusammensetzung tun wollen. Das ist absolut in Ordnung. Es geht um das, was Sie kommunizieren wollen und um das Gefühl, das Sie vermitteln möchten. Gehen wir nun zur nächsten Lektion über.
5. Formsprache: Etwas, das wir uns bewusst sein wollen, wenn es darum geht, die stilisierten Elemente in unserer Szene zu schaffen, ist Formsprache. Dies ist nur eine Möglichkeit, über die Stilisierung Ihrer Arbeit nachzudenken, und es ist eine wirklich interessante und effektive Technik , die ich persönlich viel in meiner eigenen Praxis benutze. Ich werde jetzt ein wenig über diese Methode erklären und wie Sie sie auf Ihre Zeichnungen und Entwürfe anwenden können, um nicht nur die Ästhetik Ihrer Elemente zu verbessern, sondern auch das Gefühl, das sie projizieren. Lassen Sie uns zunächst unsere Formen in Kreise, Quadrate und Dreiecke aufteilen. Normalerweise sehen wir Kreise als sicher, unschuldig und weich. Es gibt keine scharfen Kanten, die uns wehtun. Quadrate sind Szene so robust, vernünftig, zuverlässig, oft vielleicht ein wenig langweilig, und wir sehen sie häufiger in künstlichen Strukturen als in der Natur. Dreiecke werden als gefährlich und aufregend angesehen. Sie haben diese spitzen Kanten, also auf einer unbewussten Ebene, sind
wir uns bewusst, dass sie uns möglicherweise schaden könnten. Diese psychologische Beziehung, die wir mit diesen Formen auf
einer unterbewussten Ebene haben , kann innerhalb
unserer Entwürfe genutzt werden , um dem Betrachter spezifische Gefühle zu vermitteln. Beginnen wir zum Beispiel mit der Stilisierung einer Palme und wir können Formsprache
verwenden, um die Wahrnehmung dieses Themas zu beeinflussen. Sie können sehen, dass ich hier sehr abgerundete Formen verwendet habe und ich werde die gleiche abgerundete Behandlung auf dem Stamm verwenden. Wir empfinden diesen Baum als ziemlich weich und quetschig und freundlich durch die Verwendung von Formensprache. Wenn wir der Palme eine quadratischere und blockige Behandlung geben, können
wir dies als sehr robust und solide betrachten. Für mich sieht es ein bisschen futuristisch und künstlich gemacht aus, weil es sehr ungewöhnlich ist, diese Formen in der Natur zu sehen. Wenn wir der Palme eine dreieckige stachelige Behandlung geben, sieht
es ein bisschen gefährlicher aus, sieht
aber auch ein bisschen aufregender und geheimnisvoller aus. Wir können das Gleiche mit jedem Thema machen. Lassen Sie uns voran und zeichnen einige andere Elemente jetzt mit jeder
dieser verschiedenen Formen Sprachbehandlungen und bemerken, wie jede
dieser Stilisierungen verschiedene Gefühle und Konnotationen hervorrufen. Sie können dies mit vielen verschiedenen Themen ausprobieren und sehen welche Wirkung jede dieser Behandlungen gibt, und Sie können auch
diese verschiedenen Formensprachen in verschiedenen Teilen
Ihrer Bilder verwenden diese verschiedenen Formensprachen in verschiedenen Teilen und verschiedene Formen als auch in Ihre Landschaft. Wenn Sie kombinieren möchten, sagen wir, ich habe wirklich eine Palme mit einigen schönen glatten,
freundlichen Felsen und einigen wirklich gezackten, gefährlichen Bergen gestylt , dann wird das Ihren Illustrationen
einen anderen Effekt geben und ein bisschen extra interessante Geschichte zu Ihrem Stück Oder Sie möchten vielleicht
wirklich weiche oder wirklich gezackte Formsprache in Ihrem ganzen Stück verwenden . Spielen Sie einfach mit dieser Übung herum und sehen Sie, was Sie sich einfallen
lassen können, und wenn Sie einmal mit dem gehen, und wenn Sie einmal mit dem gehen,gehen wir mit der nächsten Lektion über.
6. Beleuchtung und Atmosphärische Effekte: Mein persönlicher Lieblingsteil des Prozesses ist es, dies mit Beleuchtung
und atmosphärischen Effekten zum Leben zu erwecken , denn hier ist so viel von der Stimmung Ihrer Szene etabliert. In dieser Lektion durchführe ich einige schnelle Tipps und Tricks, die ich häufig in meiner eigenen Praxis verwende, um meine Szenen zum Leben zu erwecken. Beginnen wir mit atmosphärischer Perspektive. Wie ich in unserer Tiefe und Perspektive Lektion erwähnt habe, können
Sie das natürliche Phänomen der
atmosphärischen Perspektive nutzen , um Effekte zu erzeugen, wenn Sie Ihre Szene färben. Stellen Sie sicher, dass die zurückgehenden Elemente in
Kontrast und Sättigung im Vergleich zu den fortschreitenden Elementen niedriger sind , die mehr gesättigt und höher erscheinen und Kontrast und Wertebereich. Etwas, was Sie hier tun können, um Ihre Werte zu überprüfen, ist, fügen Sie eine graue Ebene oben
auf Ihrem Bild hinzu und legen Sie einfach diesen Ebenen-Mischmodus auf Farbe fest. Und dann werden Sie in der Lage sein, Ihre Werte
klarer zu sehen , ohne dass diese Farben ablenken. So können Sie sehen, dass wir ziemlich starke Werte im Vordergrund Träne haben, die leichter und leichter werden, wenn diese Berge in die Ferne zurücktreten. Lassen Sie uns also die graue Ebene vorerst wieder ausschalten und diese Vordergrundebene aktivieren. Wenn wir also etwas in der Szene haben, das uns noch näher liegt, können
Sie sehen, wie es dort noch mehr Kontrast gibt. Es bedeutet also nicht unbedingt, dass alle Elemente im Vordergrund dunkler werden. Es bedeutet nur, dass es einen höheren Kontrast zwischen hellen und dunklen Farben und Werten geben wird. Und es wird auch höhere
Sättigungsniveaus innerhalb der Farben geben , die uns am nächsten sind. Also etwas anderes, was wir tun können, unsere Schuld zwischen unseren Schichten besteht darin, eine Art verwirrten Effekt zu erzeugen. Wenn wir also einen weichen Pinsel wählen und eine helle Farbe auswählen, können
wir zwischen jeder Schicht einen weichen Farbverlauf zeichnen
, der ein schönes Gefühl von Raum und Atmosphäre schafft. Und diese Art von Effekt kann bei
unterschiedlicher Intensität auftreten , wenn das Wetter wirklich neblig oder trübe ist, oder es gibt nur eine Menge Feuchtigkeit in der Luft im Allgemeinen. So können Sie sehen, wie dieser Effekt etwas genommen hat, das noch ein winziges bisschen flach aussah und wirklich das Gefühl der Tiefe hochgedrängt hat. Und etwas anderes, was ich wirklich gerne mit meinem Himmel mache, ist,
einen Farbverlauf zu erstellen , der unten heller und oben dunkler ist. Zum Beispiel, wenn ich eine neue Ebene erstelle und
in einem dunkelblauen Streifen oben auf der Leinwand zeichne . Ich kann dann einen Farbverlauf erstellen, indem ich zu Anpassungen gaussian Unschärfe gehe und diese Ebene dann unscharf mache, so dass sie so aussieht, als ob sie sich nahtlos mit der Farbe unten verschmelzen würde. Und ich denke nur, dass hilft, einen wirklich schönen, natürlich aussehenden Effekt zu schaffen. So können Sie sehen, wie die Implementierung dieser sehr grundlegenden Techniken super,
super effektiv sein kann , um eine immersive Szene voller Tiefe und Atmosphäre zu schaffen. Umgekehrte atmosphärische Perspektive ist, wenn warme Farben innerhalb der Szene
zurücktreten und kühle Farben auf uns zurücken. Und das passiert normalerweise, wenn die Sonne bei Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang tief am Himmel ist. So können Sie in dieser Szene sehen, dass wir einige wirklich warme Töne in der Ferne haben, die kühler
werden, wenn sie sich zu uns bewegen. Also lasst uns einfach diese Farben auswählen und sehen, wo sie auf dem Farbrad liegen. So können Sie sehen, dass dies auf der sehr warmen Seite des Spektrums ist. Und mit jeder Farbe auf uns zukommt, dass in Richtung etwas weiter in Richtung des kühleren Ende dieses Farbrades bewegen. Also, abgesehen von der umgekehrten Farbtemperatur und diesem Effekt, die andere atmosphärische Perspektive werden wir immer noch in Bezug auf Wert und Kontrast anwenden. Und wir können auch diesen Nebeleffekt hinzufügen, um die Atmosphäre hier weiter zu verbessern. Sehen wir uns nun an, wie Licht und Schatten funktionieren. Wir können uns also vorstellen, dass Licht sich in geraden Linien bewegt, Themen
beleuchtet, mit denen es interagiert, und einen Schatten hinterlässt. Und wir bekommen nicht nur einen Schatten auf der Grundebene hinter dem Thema, sondern es gibt auch einen Schatten auf dem Thema selbst. Und das schafft ein Gefühl von Form,
das Subjekt mehr eine dreidimensionale Erscheinung verleiht. Und es kann auch einen ganz schönen Effekt erzeugen, Highlights zu unserem Thema und unseren
Dienstleistungen
zieht , wo die Lichtquelle direkt auf sie trifft. Wenn die Lichtquellen also sehr intensiv sind, werden
Sie sehr scharfe Schatten und scharfe Lichter und viel Kontrast zwischen Schatten und Licht sehen. Wenn
es zum Beispiel ein ziemlich bewölkter Tag mit nicht viel direkter Sonneneinstrahlung ist, haben
Sie einen sehr niedrigen Kontrast zwischen Licht und Schatten. Und die Schatten werden ohne harte Kanten viel weicher erscheinen, da das Licht in diesen Situationen viel diffuser ist. Und die Szene insgesamt wird weniger kontrastierend aussehen und die Farben werden gleichmäßiger erscheinen. Und abhängig vom Winkel des Lichts. Wenn es zum Beispiel niedrig am Himmel bei Sonnenuntergang ist, erscheinen
die Schatten im Vergleich zur Tagesmitte viel länger. Wenn die Schatten werden andere kürzeste mit einem plötzlichen Hoch in den Himmel. Sowie unsere Hauptlichtquelle hier, die Sonne ist. Sie erhalten auch weniger intensives Licht bonused Entitäten, schattige Bereiche, zum Beispiel, hier haben wir blaues Licht rund um den Himmel gestreut. Und dieses Licht wird auch in die schattigen Bereiche gesprungen. An einem schönen Tag, an dem es einen wirklich klaren blauen Himmel gibt, kann
man feststellen, dass schattige Bereiche ziemlich intensiv blau erscheinen können. Eine andere Sache zu beachten ist, dass je weiter der Schatten vom Subjekt entfernt wird, desto mehr werden die Räume mit Licht gefüllt, das vom Himmel und von anderen Objekten springt. Und so dass der am weitesten entfernte Teil des Schattens oft etwas
weicher und heller erscheint als der Bereich des Schattens näher am Thema. Etwas anderes, das Sie beim Erstellen
Ihrer Landschaften berücksichtigen möchten , ist nur die Verwendung von Silhouetten, die einen unglaublich auffälligen Effekt erzeugen können. So können wir dies tun, indem wir alles in der Szene schwarz drehen außer dem Himmel, wir durch
die Verwendung lebendiger Farben ein schönes Merkmal machen können. Und wenn Sie Ihren Himmel ziemlich dunkel machen, möchte
er vielleicht einige Felgenbeleuchtung um
Ihre Silhouetten hinzufügen , nur um sie weiter in der Szene abheben. So können Sie sich vorstellen, dass Ihr Sohn knapp unter
dem Horizont liegt und es ist nur leicht beleuchtet die Umrisse Ihrer Silhouetten, um die Aufmerksamkeit auf sie zu lenken und mehr Kontrast und Drama in Ihrer Komposition zu
schaffen. Sehen wir uns nun an, wie man einen leuchtenden Lichtfehler erzeugt. Etwas, was ich wirklich genieße, ist Gruß gehen Effekte um Lichtquellen innerhalb meiner Illustrationen. Also werde ich Ihnen eine wirklich einfache Technik zeigen, die ich verwendet habe, um dies jetzt zu tun. So können wir damit beginnen, die Ebene zu duplizieren, der Sie einen Glüheffekt hinzufügen möchten. Und dann wählen Sie die darunter liegende Ebene aus. Dann können Sie einfach zu Anpassungen gehen, Gaußsche Unschärfe, und einen leuchtenden Effekt unterschiedlicher Intensität erzeugen, indem Sie einfach
Ihren Bleistift entlang der Leinwand schieben , um unsere Weichzeichnung zu erhöhen oder zu verringern. Und wenn Sie die Intensität noch weiter erhöhen möchten, können
Sie diese unscharfe Ebene so viel duplizieren wie Sie möchten, bis Sie mit dem Effekt zufrieden sind. Und ein weiterer Effekt, der ziemlich schön ist, ist, wenn Sie eine Clipping-Maske über dieser unscharfen Ebene
erstellen, können
Sie dann diese Clipping-Maskenebene mit absolut jeder Farbe darüber füllen. Und Sie können auch versuchen, den Mischmodus zu ändern, bis Sie einen schönen Effekt erzielen. Und dies ist auch eine gute Technik zu verwenden, wenn Sie Ihrer Szene ein wenig mehr Farbe hinzufügen
möchten. Dann können wir genau das Gleiche mit diesen Sternen machen. Wenn wir also diese Lichteffekte von drehen, können
Sie sehen, wie viel Unterschied es in der Charme und Atmosphäre dieses ganzen Himmels gibt. Eine andere Sache, die ich gerne mache, ist,
einen harten Glanz zu erzeugen , indem ich einen ganzen Kreis um den Bereich zeichne, den ich hervorheben wollte. Und ändern Sie einfach den Mischmodus, um zu überlagern und die Deckkraft zu senken. Und ich könnte das ein paar Mal wiederholen, um eine Art grauer Dating-Effekt zu erzeugen. Also, das ist eine andere Technik, die ich denke, wirklich gut funktioniert. Als nächstes schauen wir uns Lichtstrahlen an. Also hier ist eine Waldszene, die ich erstellt habe. So können Sie sehen, dass ich
diesem Bereich, wo das Licht durch die Bäume sickert, einige glühende Lichteffekte hinzugefügt habe . Und ich habe auch einige dieser Aufhellung zwischen
diesen Vordergrund-Layern hinzugefügt , nur um das Gefühl von Tiefe und Raum in der Szene zu verbessern. Und ich habe auch einen schattigen Bereich entlang
dieser linken Seite studiert , den ihr selbst das Auge auf diesen späteren Teil des Bildes konzentrieren könnt. Jetzt werde ich ein paar Lichtstrahlen hinzufügen. Stellen wir uns also vor, dass es viele kleine Löcher
im Baldachin über dem Licht strömt. Beginnen wir also mit der Erstellung einer neuen Ebene. Und wir werden das Auswahlwerkzeug verwenden. Und beginnen Sie mit der Markierung oder einer Strahlform, von der wir wollen, dass unser Licht kommt. Also tippe ich nur außerhalb der Leinwand, um die Ecken dieser Bohnenform zu markieren. Also werde ich meinen Rhizom-Textur-Shader-Pinsel dafür verwenden. Aber Sie können jeden weichen Pinsel verwenden, der einen Farbverlauf erzeugt. So können Sie zum Beispiel den weichen Pinsel aus dem Abschnitt Uber in Procreate verwenden. Dann können wir einfach auf diesen Strahl innerhalb dieses ausgewählten Bereichs zeichnen. Und ich sorge dafür, dass ich mit mehr Intensität an der Oberseite dieses Balkens und so dass es Art von Feed off nach unten. Und dann können wir neben diesem größeren ein paar kleinere Balken zeichnen, die der gleichen Richtung folgen. Also mache ich das Gleiche, indem die Bereiche auswähle, in denen ich meinen Strahl zeichnen möchte. Und dann schießen Sie mit dieser Lichtfarbe ein und achten Sie
darauf, die Intensität der Schattierung in Richtung der Oberseite des Strahls zu erhöhen. Und dann können wir Überlagerung aus der Ebenenmodus-Liste auswählen. Und Sie können sehen, wie dies
einen wirklich schönen Effekt erzeugt , der alle Farben darunter beleuchtet. Und das kann wirklich nützliches Werkzeug sein, um vielleicht helfen,
unseren Charakter oder einen Brennpunkt innerhalb Ihrer Szene hervorzuheben . Und Sie können auch Roboter und Abschnitte dieses Balkens mit einem weichen Pinsel, nur um ein natürlicheres Aussehen zu schaffen. Und ein letzter Schliff, der ein wenig zusätzlichen Charme hinzufügen kann,
ist es, nur ein paar kleine Partikel innerhalb
dieser Strahlen zu zeichnen , die beleuchtet und durch dieses Licht hervorgehoben werden. Und wir können diese auch auf Overlay setzen. Und Laura, die Kapazität. Der endgültige Effekt werde ich Ihnen als Reflexionen im Wasser zeigen. Das Hinzufügen von Reflexionen zu großen Wasserkörpern kann einen solchen angenehmen Effekt erzeugen. So gibt es mehrere Techniken verwendet werden, um Reflexionen zu erzeugen, und das hängt alles davon ab, wie steril oder abgehackt Sie wollen, dass das Wasser erscheinen. Um eine Reflexion in dieser Szene hinzuzufügen, was wir tun wollen, ist alles reflektieren, was über dieser Wasserlinie unten liegt. Also wollen wir es im Wesentlichen spiegeln. Was wir also tun können, ist einfach diese ganze Szene als JPEG-Bild zu exportieren. Und dann wollen wir es und wieder importieren,
und wir wollen dieses eingefügte Bild in eine Clipping-Maske über dieser See-Ebene verwandeln. Und dann können wir diese Ebene vertikal umdrehen. Und wir wollen alles so ausrichten, dass
es so aussieht, als ob es innerhalb der Szene gespiegelt wird. Und dann wollen wir die Deckkraft
dieser Ebene verringern , um ein natürlicheres reflektiertes Aussehen zu schaffen. Und weil wir auch diese Felsen haben, werden
wir sie auch in Verlegenheit bringen wollen, weil sie die
Reflexionen der Szene oben stören werden . Also wollen wir dasselbe tun, indem wir diese Ebene spiegeln. Da sie sich jedoch alle auf derselben Ebene befinden, müssen
wir sie nicht als JPEG exportieren. So können wir diese duplizierte Ebene einfach vertikal spiegeln. Und Sie können sehen, dass
wir, weil diese alle auf verschiedenen horizontalen Ebenen sitzen, jedes von ihnen einzeln lernen müssen. So können Sie einfach das Auswahlwerkzeug verwenden und alle mit ihrem reflektierten Partner
ausrichten. Und dann können wir die reflektierte Schicht einfach unter die eigentlichen Steine bringen. Und dieses Mal wollen wir eigentlich nicht die Deckkraft senken, da diese Ebene
dann mit der anderen reflektierten Ebene interagiert und ein wenig durchsichtig aussieht. Stattdessen können wir den Ton dieser aufhellen, um sie von den eigentlichen Subjekten zu unterscheiden. Wie Sie sehen können, sieht
diese Reflexion im Moment sehr still und klar aus, fast als wäre es eine Glasscheibe oder ein Spiegel. Wenn wir also dieses Wasser rauer und schneller sehen lassen wollen, können
wir zu Anpassungen gehen, Bewegungsunschärfe. Und dann kannst du den Bleistift
vertikal schieben und du wirst sehen, wie diese Spur über die Spitze kommt. Und das zeigt nur die Intensität dieser Bewegungsunschärfe an. So wollen wir ein Zitieren es nach unten und eine vertikale Linie im Gegensatz zu horizontal. Und ich mag es, wenn es nur ein bisschen verschwommen ist. Und dann können wir das Gleiche mit den Felsen machen. Eine andere Sache, die wir tun können, ist das Schmierwerkzeug zu verwenden. Und Sie können das mit jedem Pinsel verwenden, den Sie wollen. Und wir können einfach horizontale Linien in verschiedenen Größen und Platzierungen erstellen. Und das bedeutet, dass alle Farben auf der ausgewählten Ebene ineinander
verschmiert werden, um einen Rippling-Effekt zu erzeugen. Eine andere Sache, die wir tun können, ist einige Highlights hinzuzufügen. Und es macht einen ziemlich schönen Effekt, wenn Sie Ihr Highlight auf
ungefähr der gleichen vertikalen Ebene wie die Lichtquelle in Ihrem Bild platzieren . Hier können Sie sehen, dass ich versuche,
diese Highlights grob darunter zu platzieren , wo der Mond ist. So wie Sie sehen können, schafft das einen wirklich schönen Look und wir können
einen schönen glühenden Effekt im Wasser mit diesem Gaußschen Unschärfe und Overlay wieder machen , können
Sie auch einfach nur Haustier-Farben direkt aus dem Wasser und machen Wellen aus denen. Und probieren Sie verschiedene Techniken und Arten des Stilisierens aus. Wasser ist etwas, das man beim Abstrahieren ziemlich verspielt sein kann. Und Sie müssen nicht immer eine Spiegelreflexion erstellen, wenn Sie Wasser illustrieren,
ich würde sagen, der beste Weg, um über das Zeichnen
verschiedener Wassereffekte und Lichteffekte im Allgemeinen zu lernen , ist Studien aus Fotos zu machen und dann wie weit Sie die Stilisierung schieben können. Das sind also nur ein paar sehr vereinfachte Tabs weil ich dich nicht überwältigen möchte, indem ich zu technisch werde. Und wenn Sie ziemlich abstrakte und stilisierte Szenen erstellen, können
Sie ein bisschen spielerischer sein und diese Regeln zu Ihrem
Brunnen ein wenig mehr biegen , als wenn Sie realistisch aussehende Szenen erstellen möchten. So können Sie sehen, wie all diese Techniken zusammen Ihnen helfen, die Atmosphäre und Stimmung Ihrer gesamten Szene wirklich zu verbessern. Also, wenn du bereit bist, lass uns zu unserer nächsten Lektion übergehen.
7. Inspiration finden: Jetzt ist es an der Zeit, mit unserem Projekt zu beginnen. Bevor wir mit der Suche nach Inspiration beginnen, entscheiden
wir uns zunächst für ein Gesamtthema oder eine Idee für unser letztes Stück. Denken Sie an erstens, welche Art von Umgebung Sie zeichnen möchten,
ob es sich um einen Wald, Strand, Wüste, Berge oder irgendetwas anderes handelt, und vielleicht auch eine Vorstellung von der Stimmung und Atmosphäre, die Sie einstellen möchten. Sobald wir eine Liste haben, desto mehr werden wir in der Lage, absichtlich nach Inspiration zu suchen . Für mein Stück habe ich beschlossen, dass ich
eine bergige Szene mit einem etwas abenteuerlichen Gefühl machen möchte . Jetzt, da ich diese Richtung
habe, werde ich gehen und nach Bildern suchen, die ich als Inspiration verwenden kann. Bitte zögern Sie nicht, in diesem Stadium so viel Fotoreferenz zu sammeln ,
wie Sie möchten, aus verschiedenen Quellen. Dies könnte von Bildanfragen online sein, oder vielleicht möchten Sie gehen und Ihre eigenen Fotos von einem bestimmten Ort machen. Aber was wir tun wollen, ist Inspiration von vielen
verschiedenen Bildern zu sammeln , so dass wir verschiedene Elemente auswählen und auswählen können, und ein wenig von jedem Stück zusammenfügen, um etwas zu schaffen, das für uns einzigartig ist. Wir konzentrieren uns mehr auf das Zeichnen von Inspirationen aus Fotos in dieser Klasse und nicht auf die Arbeit anderer Illustratoren, da es einfacher ist, etwas auf eine Art zu stilisieren, die für Sie
einzigartig ist , wenn wir auf Fotos, anstatt von Illustrationen, die bereits von jemand anderem stilisiert wurden. Auf diese Weise vermeiden wir das unbeabsichtigte Kopieren der Arbeit eines
anderen und unser Stück wird origineller für uns sein. Dennoch finde ich es oft nützlich,
auch ein Pinterest-Soundboard mit Artworks und
Bildern zu erstellen , die es geschafft haben,
das gleiche allgemeine Gefühl und Stimmung einzufangen , die ich auch vermitteln möchte. Ich werde nur mentale Notizen über Dinge machen, die ich an jedem Stück wirklich mag,
ob es sich um die Farben, Texturen, Form, Sprache oder die Komposition handelt, und das sind alles Dinge ich beachten kann, wenn ich meine endgültige Illustration, während man achtsam ist, diese Kunstwerke nicht direkt zu kopieren. Der Trick hier ist, Inspiration aus vielen verschiedenen Quellen zu nehmen ,
so dass Sie diese Ideen remixen können, um etwas Neues und Frisches zu machen, anstatt nur Inspiration von einem Stück zu nehmen und es direkt zu kopieren. Sobald Sie ein paar Bilder gesammelt oder ein Moodboard erstellt haben, um es als Inspiration zu verwenden, lassen Sie uns eine spezifischere Kurzbeschreibung für uns selbst machen. Denken Sie darüber nach, was Ihr Schwerpunkt in der Szene sein soll. Was möchten Sie hervorheben? Ist es ein bestimmtes Thema oder vielleicht nur ein bestimmter Bereich? Denken Sie darüber nach, zu welcher Tageszeit es ist, und die Jahreszeit. Erstellen Sie schließlich eine mentale Liste aller Elemente, die Sie in der Szene erscheinen möchten. Denken Sie über das Pflanzenleben, Felsen, verschiedene Zeichen des Lebens, sind ihre Kleidung, Gewässer, verschiedene Wettersituationen und diese Art von Sache, und betrachten Sie sowohl Ihre großen Elemente und kleine. Wenn Sie eine klare Vorstellung davon haben, was Sie in Ihre Szene einbeziehen möchten, gehen
wir zur nächsten Lektion über, in der wir beginnen können, unsere einzelnen Elemente aus Referenz zu zeichnen
und dann zu entscheiden, wie wir sie stilisieren möchten.
8. Zeichnen einzelner Elemente: In dieser Lektion werden wir alle
unsere einzelnen Elemente zeichnen , die wir vielleicht in der Szene platzieren möchten. Diese Übung wird uns helfen, eine klare Vorstellung davon zu bilden, wie diese aussehen werden, bevor wir anfangen, alles zusammen zu setzen, denn es wird sicherstellen, dass
wir, wenn es darum geht, unsere ganze Szene zu zeichnen, nicht daran hängen bleiben, was jeder einzelne Objekt wird aussehen und der Prozess wird viel glatter und mehr Spaß. Ich habe eine Liste aller meiner Elemente erstellt, die ich in meine Szene aufnehmen möchte. Auf dieser Liste stehen Pinien, Felsen, Berge, Wege und lange Gräser und Blumen, und dann habe ich einige Referenzfotos
aus dieser Liste von Elementen ausgewählt , aus denen ich ziehen werde. Beginnen wir mit dem Zeichnen einer Linie ungefähr in der Mitte der Seite. Auf der einen Seite werden wir einfache Skizzen aus Referenz machen und auf der anderen Seite stilisieren und abstrahieren diese Elemente mit unserer Phantasie. Ich werde anfangen, indem ich mehrere Bäume skizziere. Ich skizziere nur grob die Schafe von dem, was ich sehe ,
und versuche, meine Zeichnung klein zu halten und ziemlich schnell darüber zu sein. Zum Beispiel hier merke ich , dass die gesamte dreieckige Form und dann die allgemeine Kurve dieser Zweige innerhalb dieser Form. Indem ich mehrere Studien aus verschiedenen Referenzbildern
mache, kann ich Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen diesen Arten von Bäumen und ihren Strukturen erkennen. Es hilft mir, ein bisschen mehr von einer visuellen Bibliothek aufzubauen, auf die ich später zurückgreifen kann. Ich gehe voran und mache dasselbe mit den restlichen Elementen auf meiner Liste. Skizzieren Sie mehrere Varianten von allem und bekommen Sie eine Vorstellung davon, wie Sie sie alle auf verschiedene Arten zeichnen können. Ich halte diese Zeichnungen nur klein und fülle
die linke Seite der Seite mit all diesen Beobachtungsskizzen auf. Jetzt, da wir all diese Elemente aus der Referenz gezogen haben, werden
wir sie wieder neu zeichnen, indem wir dieses Mal etwas mehr von unserer Phantasie verwenden und ihnen unseren eigenen Stil hinzufügen. In diesem Stadium möchte ich nicht, dass Sie sich Ihre Referenz ansehen, wenn Sie sie
vermeiden können , weil Sie möglicherweise zu realistischeren Formen gezogen werden. Auf diese Weise können wir stilisierte Elemente kreieren und ein wenig
einzigartigen Stil und Persönlichkeit bringen , wenn es darum geht, unsere Szenen zu zeichnen. Wenn ich zum Beispiel diese erste Baumskizze hier nehme, kann
ich zunächst grob die dreieckige Form zeichnen und dann entlang dieser Kurven zeichnen, um diese definiertere und stilisierte Form zu erzeugen. Hier können Sie einfach mit Abstraktion und Vereinfachung
der Formen Ihrer vorherigen Skizzen spielen und verschiedene Dinge ausprobieren je nachdem, in welchem Stil Sie arbeiten möchten und auch bedenken welche Formensprache Sie verwenden möchten und welches allgemeine Gefühl Sie über kommen wollen. Sie können diese Elemente wirklich vereinfacht und symbolisch aussehend machen, Sie können versuchen, mit dem zu spielen, was eine Gruppe dieser Elemente zusammen aussehen wird, und Sie können auch verschiedene Detailebenen von wirklich vereinfachten Formen zu detaillierteren Formen. Schon sieht man, dass meine Skizzen auf der rechten Seite viel grafischer aussehen und ich denke, sie haben ein stärkeres Gefühl für Stil und Persönlichkeit als die darstellenden Skizzen auf der linken Seite. Lassen Sie sich einfach Spaß hier haben, spielen Sie herum, experimentieren Sie und sehen Sie, wohin es Sie führt. Indem man auf diese Weise eine visuelle Bibliothek von Stilelementen aufbaut, macht
es viel einfacher zu wissen, was wir in unsere Szene aufnehmen wollen und wie wir es zeichnen wollen, wenn es darum geht, unser Stück zu komponieren. Es ist auch nur eine gute Übung, um uns aufzuwärmen und zu üben, ein bisschen ausdrucksvoller zu sein, sei es Illustrationsstil und
Zeichenfähigkeiten , bevor wir weitermachen, um unsere letzte Szene zu schaffen. Sobald du bereit bist und eine gute Chance hattest, diese Übung zu üben, lasst uns weitermachen, unsere Kompositionen zu skizzieren.
9. Thumbnails der Komposition: Jetzt werden wir beginnen,
mehrere Kompositions-Tumbnails zu skizzieren , zwischen denen wir für unser letztes Stück wählen können. Okay, also können wir zuerst anfangen, indem wir
unseren Rahmen zeichnen , und wir halten diesen klein für den Anfang. Also erstelle ich nur eine gerade Linie in Procreate, indem ich
eine grobe Linie zeichne und den Bleistift für ein paar Sekunden auf der Leinwand halte. Und wenn wir unseren anderen Finger auf der Leinwand gedrückt halten, wird
diese Linie in verschiedenen Winkeln einrasten. Dies ist also eine einfache Möglichkeit, einen groben Rahmen mit geraden Linien zu erstellen. Nun halten Sie diese Thumbnails wirklich klein und versuchen Sie nicht, in den März zu zoomen. Nun, da wir diesen definierten Raum zum Spielen haben, Lassen Sie uns zunächst unterscheiden, wo die Horizontlinie ist. Also werde ich meine Horizontlinie ganz tief
in der Szene platzieren , damit wir mehr vom Himmel sehen können. Also zeichne ich einfach eine horizontale Linie und die untere Hälfte dieses Rahmens. Und das erweckt den Eindruck, dass wir etwas nach oben schauen. Ich werde hier einen Berg in der Mitte der Komposition zeichnen. Und das wird mein Schwerpunkt sein. Also möchte ich, dass alle meine Elemente der Kapitulation ergänzen und dazu beitragen, die Aufmerksamkeit darauf zu lenken. Männer denken an diese Formsprache auch hier,
ich möchte, dass der Berg irgendwie gefährlich
und spannend mit dieser dreieckigen Behandlung erscheint . Ich zeichne einige umliegende Hügel, um
eine natürlichere Landschaft zu schaffen und etwas Abwechslung und Reifung zu bieten. Dann werde ich einige Bäume in den Vordergrund ziehen um hier ein Gefühl der Tiefe zu etablieren. Sie können sehen, dass ich diese ziemlich groß zeichne und sie verschwinden von der Seite des Rahmens,
was den Eindruck erweckt, dass sie uns ziemlich nahe sind. Und obwohl es sich um eine ziemlich asymmetrische Komposition handelt, möchte
ich beim Zeichnen meiner Elemente immer noch eine natürliche Variation zwischen
beiden Seiten des Bildes erzeugen . Sie wollen also beträchtliche Elemente, die Sie in Ihrem Vorder-, Mittel- und Hintergrund
zeigen möchten , und was der Schwerpunkt ist und wie Sie die Aufmerksamkeit
auf diesen Brennpunkt lenken werden. In dieser Szene. Ich möchte, dass der Hauptaugenmerk auf diesem Berg liegt. Also ist es irgendwie eingerahmt in diesen Bäumen. Und wir werden auch noch ein paar Elemente um
diesen Berg zeichnen und dies ein bisschen fließender und realistischer erscheinen lassen. Also zeichne ich noch ein paar Hells und, und erstelle mehr Ebenen in der Szene. Ich werde den Mittelgrundbereich als nächstes ausfüllen, da er ein wenig leer aussieht. Also zeichne ich ein paar Kurven, um einige Höllen zu definieren und dann einen See zu zeichnen, der zwischen ihnen fließt und uns hier zukommt. So können Sie einfach weiter Dinge hinzufügen und
Ihre Komposition bearbeiten , bis Sie beginnen,
ein Gefühl von Tiefe und Atmosphäre sowie eine schöne Balance aufzubauen und flog in Ihre Szene. Ich zeichne hier jetzt ein paar Wolken in den Himmel, und ich mache diese absichtlich nach unten zu diesem Berg gekrümmt, um das Auge darauf zu lenken und der Szene zusätzliche Grippe und Einrahmung hinzuzufügen. Ich werde auch die Sonne und hinter diesem Berg zeichnen weil durch unsere Lichtquelle direkt über dem Brennpunkt und wird dazu beitragen, es zu übertreiben und die Aufmerksamkeit auf die Bergform zu lenken, wenn es darum geht, alle Farb- und Lichteffekte. Und wir können einen wirklich schönen Effekt erzeugen, indem wir das
Licht zeigen, das nach außen am Himmel ausstrahlt. Okay, ich bin jetzt sehr zufrieden mit dieser Komposition, aber lassen Sie uns versuchen, ein paar weitere Thumbnails hier zu erstellen und einige verschiedene Ideen zu erforschen. Sie müssen also nicht im selben Format bleiben. Sie können versuchen, in
wirklich langen porträtierten Leinwänden oder sehr breiten Panorama-Formaten zu arbeiten . Also hier habe ich eine ziemlich lange Box gezeichnet, um die Leinwand darzustellen. Und wieder beginne ich, indem ich die Platzierung
meiner Horizontlinie definiere und dann meine Elemente einzeichne, um dem zu entsprechen. Also noch einmal, ich definiere nur viele Ebenen und Formen in dieser Landschaft. Und weil dies eine längere Komposition ist und
mehr von dem verbrauchen , was sowohl im Boden als auch im Himmel vor sich geht. Also nutze ich wirklich den zusätzlichen Platz. Und vielleicht haben wir diesmal eine Art Klippe und den Vordergrund mit einem Weg der zum Berg
führt und dann vielleicht ein paar Blumen an den Seiten. Und das ist ein großartiger Ort, um einen Charakter an die Spitze dieses Pfades zu setzen. Wenn wir also einen Charakter in unsere Szene einfügen, ändert sich
oft der Fokus und wird gezeichnet, um zuerst den Charakter zu betrachten. Seien Sie sich
also bewusst, dass Sie einen Charakter in Ihre Szene aufnehmen möchten. Für mich sieht diese Szene voller Abenteuer aus. Es gibt viele Zickzacks und dreieckige Formensprache. Es fühlt sich ziemlich energisch an, während unsere vorherige Komposition sich ruhiger fühlt, hat mehr fließende Linien und kreisförmige Formsprache. Also werde ich nur weiter verschiedene Größen von
Kompositionen machen , bis ich diese Seite mit ein paar Optionen füllen. Und dann sehe ich, was mir am besten gefällt, als mein letztes Stück anzunehmen. Also spielen Sie einfach ein Spiel mit Ihren Kompositionen. Lassen Sie sich chaotisch und kritzeln und geben Sie sich etwas Raum zum Experimentieren. Sie können verschiedene Formate von Szenen ausprobieren, von Querformat bis Portrait, zwei Quadrate, Dreiecke, zentrierte Kompositionen. Versuchen Sie, leering. Versuchen Sie, ein paar verschiedene Schwerpunkte zu haben und sehen Sie, ob
Sie eine Art Balance und Hierarchie zwischen ihnen erstellen können. Versuchen Sie, einen Pfad zu erstellen und führende Linien zu verwenden, und versuchen Sie, Diagonalen zu verwenden, um ein Gefühl von Energie zu erzeugen. Und Sie können versuchen, wirklich dynamische und komplexe Kompositionen zu erstellen. Oder Sie können sie super einfach halten und sich nur
der Art von Stimmung bewusst sein , die über die gesamte Balance Ihrer Szene kommt. Ein letzter Trick, den ich gerne mache, ist, meine Leinwand horizontal zu drehen. Und das ermöglicht es uns, diese Thumbnails aus einer neuen Perspektive zu betrachten und uns zu helfen, zu entscheiden, welche Komposition wir auf die nächste Stufe nehmen wollen. Also gefällt mir wirklich, wie diese Komposition hier entstanden ist. Ich denke, es gibt eine schöne Balance zwischen allen Elementen und ein gutes Gefühl für Atmosphäre. Also werde ich das hier übernehmen, um es in den nächsten Lektionen abzuschließen.
10. Layout verfeinern: Ich werde jetzt eine neue Leinwand in Procreate erstellen und ich möchte, dass mein Stück Bildschirmgröße hat. Ich setze meine Abmessungen auf 1.920 mal 1.080P bei 300 DPI ein. Aber fühlen Sie sich frei, die Maße zu verwenden,
je nachdem, wofür Sie Ihr Stück verwenden und wo Sie es teilen möchten. Ich habe meine Leinwand geöffnet und ich werde jetzt in mein ausgewähltes Miniaturbild einfügen. Ich tippe auf die Schaltfläche „An Bildschirm anpassen“ und senke dann die Deckkraft dieser Miniaturansicht. Dann erstelle ich eine neue Ebene und ändere meinen Pinsel in etwas saubereres zum Zeichnen in meiner Linienarbeit. Ich werde jetzt über diese groben Linien gehen und möglicherweise einige Dinge optimieren , um diese Formen zu definieren und die Komposition weiter zu verfeinern. Ich denke nur über diese Anfangspuren nach und versuche, meine Hand stabil zu halten und einige glatte,
klare Linien zu schaffen , so dass ich entscheidendere Formen in diesem Stadium definieren kann. Sie können sehen, dass hier eine Menge von Formen stattfindet und versucht,
das Gefühl von Fluss und Form Sprache zwischen all meinen verschiedenen Elementen in der Szene zu verbessern . Wenn Sie sich während dieses Prozesses zu irgendeinem Zeitpunkt ein wenig mit
nicht zu wissen, wie Sie ein bestimmtes Objekt oder Detail darstellen, gehen Sie
einfach und finden Sie eine Referenz. Lassen Sie sich nicht frustrieren, indem Sie versuchen, alles
aus Gedächtnis und Phantasie zu ziehen , wenn Sie nicht bereit dafür sind. Aber wenn Sie sich damit wohl fühlen, dann ist das großartig. Tu einfach, was sich natürlich anfühlt, abhängig von deinem Fähigkeitsniveau. Sobald wir ziemlich viele Linien gemacht haben, können
wir diese grobe Schicht ausschalten und sehen, wie diese Linie funktioniert. Dann können wir alles aufräumen, was ein bisschen aus dem Gleichgewicht scheint. Jetzt, da die größeren Formen hauptsächlich definiert wurden, zeichne
ich einige der kleineren Elemente im Detail. Sie müssen nicht jedes kleine Detail zeichnen, aber dies ist nur, um Ihnen ein Gesamtlayout zu geben, mit dem Sie arbeiten können, und eine bessere Vorstellung davon, wie Sie Ihre Elemente in Form und Stil aussehen sollen. Ihre raffinierte Skizze muss nicht absolut perfekt sein, solange Sie
generell mit dem Gesamtlayout und Ihrer Formensprache und Layering zufrieden sind . Dann können wir von hier aus anfangen, eine grobe Vorstellung davon zu verspotten, wie wir die Szene färben wollen.
11. Farbe grob: Jetzt werden wir anfangen, einige grobe Farbideen für die Szene zu legen. Also werde ich ein paar Ebenen loswerden, die ich im Moment nicht benötige, nur das Bildschirmlayout zum Arbeiten überlasse. Jetzt erstelle ich einen neuen Layer und
benenne die ursprüngliche Layoutebene, Rough Layout. Benennen Sie diesen neuen Layer dann Farbe rau“, und bringen Sie ihn dann unter das Layout. Jetzt werden wir wirklich grob unsere ersten Ideen für Farben auflegen. Ich möchte, dass meine Szene um den Sonnenuntergang herum gesetzt wird, also werde ich zuerst eine lebendige orange Farbe für den Himmel wählen und dann kann ich alle meine anderen Farben auswählen, die darauf basieren. Möglicherweise haben Sie auch eine Tageszeit oder Jahreszeit oder Stimmung, die Sie
vermitteln möchten , dass Ihre gewünschte Farbgebung informiert wird. Also fange ich gerade an, grob in
Farben zu blockieren , an die ich denke, ohne zu präzise zu sein. Wir können mit all diesen herumspielen und
einige Lichteffekte ausprobieren , nachdem sie blockiert sind. Also habe ich eine minziggrüne Farbe für
diese Mitterrand Hügel hier gewählt und ich blocke diese alle auf einmal aus. Sie können also sehen, dass ich versuche, wirklich schnell zu sein und sich keine Sorgen darüber zu machen, innerhalb
der Linien zu bleiben oder so, weil ich hier nicht zu viel Zeit verschwenden will. Also möchte ich, dass dieses Gras in diesem Felsenvordergrund eher ein gelbliches Grün im Gegensatz zu diesen Hügeln ist. Also blocke ich das auch nur aus. Ich werde diesen Berg in der Ferne für jetzt eine lila Farbe machen. Unsere Sonne wird ein helles, hellgelb und unsere Klippenfelsenfarbe wird vorerst ein graues Braun sein. Ich will, dass der See eine türkisfarbene Farbe hat. Also heller ich einfach den Ton auf, so dass er sich von den Hügeln ein wenig mehr abhebt. Ich lege all diese Farben auf die gleiche Ebene weil wir in diesem Stadium mit zu vielen Schichten betrügen wollen. Es geht nur darum, die wirklich grobe Idee runter zu bringen, bevor wir später alles aufpolieren. Wenn wir also diese Layoutebene ausschalten, können
Sie sehen, dass zwischen diesen Hügeln überhaupt keine Tiefenwahrnehmung besteht. Also werde ich diese grüne Farbe auswählen und dann verschiedene Töne desselben Farbtons erstellen. Wir haben also eine dunklere Version für die Ebenen, die uns am nächsten sind, und machen sie dann
etwas leichter und entsättigter, wenn sie innerhalb der Szene rückwärts zurücktreten. Wenn wir also diese Ebene wieder ausschalten, können
Sie sehen, wie dieser Tonbereich hier
so viel Einfluss auf die Wahrnehmung der Tiefe gemacht hat . Sobald wir also einige wirklich grundlegende Farben blockiert haben, können
wir ein wenig mit einigen grundlegenden Lichteffekten herumspielen und sehen, ob wir dieser Farben ändern
möchten, sobald wir eine Vorstellung von Beleuchtung und Atmosphäre haben. Ich möchte, dass der Himmel einen helleren Farbverlauf zum Horizont hat. Also werde ich eine neue Ebene erstellen und mit meinem Texturpinsel ein bisschen hellere Farbe zeichnen und dann ändere ich den Farbton leicht in etwas gelbliches und dann setze ich diese Ebene auf Overlay. So können Sie schon sehen, wie ein wirklich einfacher Lichteffekt der Szene so viel Atmosphäre verleihen kann. Dann werde ich eine weitere neue Ebene erstellen und auf einige dieser Textur in
einer dunkleren Farbe zeichnen , um
einige schattige Bereiche an den Orten zu etablieren , die weiter von der Sonne entfernt sind. Ich werde dann diese Ebene so einstellen, dass sie multipliziert und mit der Farbtonsättigung und Helligkeit herumspielt. Also jetzt beginne ich eine sehr grobe Vorstellung vom
Beleuchtungsstil zu bekommen und wie das zusammen mit meinem Farbschema funktionieren wird. Wenn Sie also einige Farben grob blockiert haben, können
Sie mit der Farbtonsättigung und Helligkeit
der Farbraue Ebene spielen und sehen, welche verschiedenen Effekte Sie erzeugen können. Denken Sie daran, dass Sie überhaupt nicht mit realistischen Farben bleiben müssen, Sie machen die Regeln hier. Versuchen Sie also einfach, auf Ihre Intuition zu hören, wie diese verschiedenen Farbschemata Sie fühlen und was Sie denken, funktioniert und was nicht. Eine andere Sache, die wir tun können, wenn wir mit
nur einem Abschnitt des Bildes herumspielen möchten , ist die Verwendung des Auswahlwerkzeugs. Also hier wähle ich diesen Vordergrund Klippenbereich aus. Dann gehen Sie wieder in die Farbtonsättigung und Helligkeit. Jetzt, wenn ich mit diesen Schiebereglern spielen, ändert
sich nur die Farben innerhalb meines ausgewählten Bereichs. Also versuche ich hier zu entscheiden, ob ich diese Klippe
hervorheben und ganz im Kontrast zum Rest des Bildes stehen möchte ,
oder ob ich möchte, dass sie nahtlos und
harmonisch einfügt und ob ich möchte, dass sie kühler oder wärmer aussieht als die Rest des Bildes. Dies sind also alles Dinge, die Sie vielleicht auch in Ihren Farbschemata berücksichtigen möchten. Also werde ich weiter mit meinen Farben und Lichteffekten spielen, einige verschiedene Dinge
ausprobieren und sehen, warum ich denke, funktioniert am besten mit diesem Bild. Wenn Sie mehrere Versionen von völlig unterschiedlichen Farbschemata erstellen möchten, damit Sie vergleichen können, welche Ihnen am besten gefällt, dann gehen Sie dafür. Aber gleichermaßen, wenn Sie auf einem Farbschema landen, das Sie wirklich mögen, wie es ist, dann können Sie absolut einfach dabei bleiben. Es gibt keinen Grund, es zu überdenken. Wie Sie sehen können, habe ich dort viel experimentiert und mit
Farben gespielt und ich habe endlich die Color Rough, die ich wirklich mag. Ich werde dies als Grundlage nutzen, um
die Farben und Lichteffekte meines letzten Stückes zu informieren . Gehen wir also zur nächsten Lektion über, in der wir unsere Farben entsprechend
blockieren werden .
12. Farbblockierung: Jetzt haben wir unsere grobe Idee für Farben, und ich werde wahrscheinlich später einige dieser Farben ändern, aber das gibt uns eine gute Grundlage für den Anfang. Ich werde nur meine Ebenen glätten, indem ich hier alles zusammenführe, weil ich mit ein paar zusätzlichen Ebenen endete, während ich versuchte, die Lichteffekte herauszufinden. Ich verschmelze nur all diese, indem ich meine zwei Finger mit
einem Bündel von Schichten dazwischen kneife , bis alles auf dieser einen Schicht ist. Ich werde dies dann als JPEG-Bild exportieren, und dann gehe ich zu Aktionen, Canvas, aktiviere diese praktische kleine „Referenz“ -Taste, und Sie können sehen, dass diese Registerkarte „Referenz“ aufgetaucht ist. Dann gehe ich zu Bild, Bild importieren, und füge einfach in dieser Farbe hinzu. Ich werde es einfach schnell skalieren, so dass es nicht zu viel Bildschirmplatz beansprucht. Auf diese Weise kann ich all diese Farben referenzieren, und ich kann diese farbliche Ebene auf meiner Leinwand deaktivieren, also beginne ich eine neue Ebene, und ich kann diese Farben einfach aus dem Referenzbild auswählen, indem ich meinen Bleistift auf die gewünschte Farbe für eine Sekunde und fangen Sie an, sie auf meiner Leinwand zu blockieren. Für jeden Farbbereich, den ich blockiere, erstelle ich eine neue Ebene, um alle diese getrennt zu halten. Ich werde nur die Layouttransparenz reduzieren, so dass ich die Kanten meiner Elemente deutlicher sehen kann. Dann kann ich diesen Richtlinien mit glatten Strichen folgen,
erstens, indem ich einen sauberen Umriss kreiere, den ich dann blockieren kann, um die Form zu vervollständigen. Der Pinsel, den ich hier verwende, ist der MaxU Toothy Inker aus dem Comics MaxPacks Set, weil ich die Variation in Textur und Liniendruck wirklich mag. Offensichtlich müssen Sie nicht die gleichen Bürsten wie ich verwenden. Sie können einfach verwenden, was Sie sich am wohlsten fühlen, und Sie können sicherlich
einen ähnlichen Effekt mit den nativen Procreate Pinsel oder Bürsten anderer Hersteller erzielen . Ich mag es zu beginnen, indem ich zuerst die Form mit einer kleinen Pinselgröße skizziere, und dann gehe ich hinein und färbe sie mit einer größeren Pinselgröße, so dass ich etwas von dieser körnigen Textur erhalten kann. Ein weiterer Pinsel, den ich gerne verwende, ist dieser RISO Texture Shader, der aus dem RISO Pinselset von Tip Top Pinsels stammt
und eine schöne weiche körnige Textur verleiht, die ideal zum Erstellen von Farbverläufen ist. Wir werden das hier verwenden, um einen weichen Farbverlauf am Himmel zu schaffen. Es gibt einen Pinsel, der in Procreate stammt, den Sie verwenden
können, um einen sehr ähnlichen Effekt zu erzielen
, den Sie im Ordner Skizzieren finden. Wenn du ganz unten auf der Liste gehst, heißt
es Bonobo Chalk. Das schafft eine sehr ähnliche, schöne, körnige Textur. Aber persönlich bevorzuge ich den RISO Texture Shader, nur weil er etwas feiner ist. Ich werde dieses Farbverlaufs-Overlay festlegen und dann werde ich einige Wolkenformen am Horizont blockieren, und danach werde ich einige Farben ein wenig optimieren und einige
der kleineren Elemente hinzufügen , da die Hauptfarben blockiert sind. Jetzt möchte ich einigen dieser Ebenen eine subtile Waldtextur hinzufügen. Ich zeichne einige grundlegende dreieckige Formen aus, um zunächst eine Sammlung von Bäumen darzustellen, und ich werde ein paar verschiedene Baumformen hinzufügen, nur um eine zusätzliche Variation zu erstellen. Ich lösche nur einige Teile dieser Bäume, um eine schärfere Kante zu schaffen. Jetzt, da ich eine kleine Gruppe von diesen Bäumen
habe, gehe ich zu Anpassungen und klone unten, und du wirst sehen, dass dieser Kreis aufgetaucht ist. Ich werde das über meine kleine Gruppierung von Bäumen bewegen und ich werde meine Pinselgröße vergrößern. Wo immer ich mit diesem Pinselwerkzeug auf der Leinwand zeichne, klone
ich überall dort, wo sich innerhalb dieses Kreisbereichs auf derselben Ebene befindet. Wir werden nur diese Technik verwenden, um ein randomisiertes Muster auf diesem Hang zu erstellen. Ich werde diesen Kreis einfach weiter bewegen und an verschiedenen
Orten zeichnen , bis dieser Bereich voll von all diesen Baumformen ist. Dies ist eine gute Möglichkeit, sowohl Zeit zu sparen als auch einen wirklich schönen natürlichen Mustereffekt zu schaffen. Ihr Muster könnte mit dem gewünschten Bereich enden,
also können wir einfach das Radiergummi-Werkzeug verwenden, um unerwünschte Formen auszureiben. Ich mag die Bäume, die aus dieser Schicht-Silhouette herausragen , weil es ein bisschen zusätzliches Interesse hinzufügt. Dann werde ich diese Baumschicht duplizieren und sie ein wenig nach unten verkleinern und dann in diese Teile verschieben, die ein wenig weiter entfernt sind. Dann werde ich einfach alle Bereiche ausreiben, die ich nicht brauche. Ich werde dann diese Ebenen auf Multiplizieren setzen und dann die Deckkraft senken, um ein subtileres Aussehen zu erzeugen. Jetzt mache ich dasselbe mit den anderen Ebenen und stelle sicher, dass Skalierungs- und Detaillierungsgrad abnimmt, wenn die Szene in die Ferne zurückgeht. Jetzt, da wir die meisten unserer Ebenen mit Farbe blockiert haben, lassen Sie uns zum Hinzufügen von Details,
Beleuchtung und atmosphärischen Effekten übergehen .
13. Details, Beleuchtung und Atmosphäre: Jetzt ist es an der Zeit, die Stimmung der Szene mit Details,
Beleuchtung und atmosphärischen Effekten weiter zu treiben . So wollen wir hier einen Glüheffekt um die Sonne erzeugen. Und Sie können sehen, dass
ich, um dies zu erreichen, ein paar Kreise mit zunehmendem Durchmesser hinter unserer ursprünglichen Sohnschaft zeichne. Und ich wende einige Mischmodi auf
diese Ebenen an , abhängig von dem Aussehen, das ich erreichen möchte. Also spiele ich mit Multiplikation und Overlay herum
und sehe, wie diese Farben alle miteinander verschmelzen. Und wissen Sie, was ich tun werde, ist die ursprüngliche Sonnenschicht zu duplizieren und dann zu Anpassungen gehen, Gaußsche Unschärfe, und spielen mit der Deckkraft hier herum. Und Sie können sehen, dass nur ein schönes sanftes Leuchten abgibt. Und wir spielen auch mit dem Mischmodus und der Deckkraft auf dieser unscharfen Ebene herum. Jetzt fange ich gerade an, einige dieser geschlossenen Formen zu blockieren, was meiner Szene zusätzliche Atmosphäre und Interessen verleihen wird. So kann ich die Formen und Richtung
dieser je nach Stimmung, die ich erreichen möchte, wirklich schieben . Also, wenn diese in einem ziemlich diagonalen Winkel zufrieden , um etwas mehr Energie und Bewegung in die Szene hinzuzufügen. Und ich habe auch einige dieser Wolken vor diesem fernen Berg gezogen , um dieses Gefühl von Tiefe zu verbessern. Und ich verwende auch das Radiergummiwerkzeug, um diese Formen
zu entfernen , um sie genau so zu bekommen, wie ich es will. Also werde ich den Ebenen-Mischmodus einstellen, um die Deckkraft hinzuzufügen und zu spielen. Und jetzt werde ich einige Teile dieser Wolken aufheben. Also wähle ich diesen Aufstieg oder Textur-Shader als Radierpinsel aus. Und dann reibe ich nur sanft einige Bereiche dieser Formen aus, um einen transparenteren Look zu erzeugen, während ich eine subtile Textur hinzufüge. So können Sie sehen, dass dies nur hilft, ein weiches und natürlicheres Gefühl zu schaffen. Ich gehe jetzt zu einer neuen Ebene und zeichne einige Reflexionen im Wasser. Zunächst erstelle ich mehrere horizontale Linien mit zufälligen Platzierungen, ungefähr dem Bereich unter der Sonne entsprechen. Und dann ändere ich den Ebenenmodus in Overlay. Und dann gehe ich einfach zu Ruderbooten und Abschnitten dieser Gassen und lasse sie etwas sauberer aussehen. Okay, jetzt beginne ich eine neue Schicht direkt über meiner Wasserschicht und wähle dann eine dunkelgrüne Farbe aus. Und ich zeichne die Reflexionen dieser Berge in diesem Wasser. Also nehme ich mir nur Zeit, um herauszufinden, was Schafe diese Reflexionen
sein werden , und sorge dafür, dass alles gut ausgerichtet ist. Dann werde ich zu Anpassungen, Farbton,
Sättigung und Helligkeit gehen und mit der Farbe dieser Reflexionen
herumspielen, so dass sie ein bisschen später und blauer als die tatsächlichen Berge oben. Und jetzt werde ich in diese Reflexionen mit dem Radiergummi eingehen und nur
ein paar Abschnitte an den Rändern hier gummieren , um einen subtilen Rippling-Effekt im Wasser zu erzeugen. Jetzt werde ich dem fernen Berg ein paar Details hinzufügen. Also werde ich eine neue Ebene über dieser Bergschicht erstellen. Und dann erstelle ich eine Zuschneidemaske, indem ich auf die linke Seite
der leeren Ebene tippe und Ausschneidemaske aus diesem weniger auswählen, das auftaucht. Und das wird sicherstellen, dass alles, was ich zeichne,
innerhalb der Pixel der Bergform unten bleibt . Also werde ich hier nur trocknen und raue Formen, beginne, ein Gefühl von Licht und Schatten auf diesem Berg zu definieren. Also noch einmal schneide ich nur einige Bereiche mit dem Radiergummi weg und zeichne Teile wieder neu, bis ich mit der Wirkung dieser Formen ziemlich zufrieden bin. Und indem wir hier Schatten hinzufügen, schaffen wir ein Gefühl für Form
, so dass der Berg mehr 3D aussehend und nicht ganz flach erscheint. Dann, weil diese bergige ziemlich weit weg und die Entfernung, wollen
wir nicht, dass die Schatten zwei kontrastierenden in Bezug auf Wert. Also senke ich hier die Deckkraft, was ein natürlicheres Aussehen schafft. Und ich werde auch mit dem Farbton nur ein wenig spielen. Ich werde dem Berg etwas Textur hinzufügen, also erstelle ich eine neue Clipping-Maskenebene direkt über diesem Berg und wähle meinen strukturierten Pinsel aus. Und dann werde ich über den Berg mit dieser Textur zeichnen
, so dass Mischmodus zu multiplizieren und dann die Deckkraft senken. Ich reibe auch ein wenig von dieser Textur am Gipfel des Berges mit dem gleichen Pinsel aus. Und wieder, ich spiele mit dem Farbton dort herum. Jetzt werde ich ein bisschen einen Durcheinander Defekt hinzufügen,
indem ich einige Wolken tief unten durch das Wasser erschaffe. Also blockiere ich wieder einige grafische geschlossene Formen auf separaten Ebenen. Beachten Sie die Platzierung dieser Ebenen innerhalb des Canvas. Und ich senke auch die Deckkraft dieser Schichten, um einen transluzenten nebligen Effekt zu erzeugen. Als Nächstes werde ich diesen anderen Layern einige weiche Verläufe hinzufügen. Also werde ich damit beginnen, eine neue Schnitt-Maskenebene über dem Motiv zu erstellen, meinen strukturierten Pinsel erneut
auszuwählen, sowie eine dunkelgrüne Farbe. Und dann zeichnen Sie mit dieser Textur in den Bereichen , in denen ich einen weichen Schattendefekt erzeugen möchte. Und dann ändere ich den Mischmodus, um zu multiplizieren. Und ich kann auch schnell mit der Farbe herumspielen. Jetzt werde ich voran gehen und dasselbe mit
meinen anderen Ebenen tun , um ihnen ein wenig mehr Form und Textur zu geben. Also an diesem Punkt werde ich meine Farbe grobe Referenz loswerden, weil wir jetzt in diesem Stadium sind, wo wir die meisten unserer Farben
definiert haben und es bietet eine kleine Ablenkung im Moment. Also werde ich das einfach da draußen durchkreuzen. Und dann füge ich einfach weiterhin verschiedene Verläufe und Lichteffekte zu meinen Ebenen hinzu. Also füge ich auch einen leichteren Farbverlauf hinzu, der von unterhalb
dieser Berge kommt , um diese Tiefen und nebligen atmosphärischen Look zu verbessern. Und dann verbessere ich den Glanz, der von der Sonne kommt, weiter, indem ich diese Textur mit einem hellgelben Zeichnen und den Mischmodus auf Überlagerung einstelle. Und dann spiele ich mit der Farbtonsättigung und Helligkeit herum. Ich spiele auch nur mit der Platzierung der Sonne hier herum,
und sehe, was anders aussieht, das gegen mich. Okay, in diesem Stadium, wo wir jetzt einen Großteil der Beleuchtung definiert haben, werde
ich eine völlig zustimmende Ebene hinzufügen und
diesen Modus auf Farbe setzen , so dass wir alle unsere Werte überprüfen können. Ich denke also, dass dieser Bereich der Komposition gut funktioniert, obwohl wir vielleicht ein winziges bisschen mehr Kontrast zwischen diesen weit entfernten Schichten schaffen müssen. In diesem Teil unserer Szene können
Sie jedoch sehen, dass zwischen diesen beiden Ebenen kaum Wertsteigerungen bestehen. Also müssen wir diese ändern, damit wir mit
mehr Schatten oder Glanzlichtern in diesen Bereichen spielen können , um etwas mehr Kontrast zu schaffen. Etwas anderes, das ich während
des gesamten Prozesses regelmäßig tun möchte , besteht darin, meine Leinwand horizontal zu spiegeln. Und das erlaubt mir, meine Komposition aus einer frischen Perspektive zu betrachten. Und ich könnte Dinge bemerken, die meine, ich zuvor gewöhnt hatte. So kann ich jetzt sehen, dass diese Waldstruktur hier nicht sehr sichtbar ist. Also könnte ich die Deckkraft dieses Backups ein wenig bringen. So können
Sie mit Ihrem eigenen Stück spielen und mit Lichteffekten experimentieren und
Schatten, Glanzlichter und leuchtende Effekte hinzufügen . Vielleicht versuchen Sie, etwas Chaos hinzuzufügen, wenn das die Art von Atmosphäre ist, für die Sie gehen möchten. Aber es wird spezifisch für die Schleife, die Sie erreichen möchten, und Ihre Einstellung und Tageszeit und Wettersituation. Also haben Sie keine Angst zu experimentieren und verschiedene Mischmodi
auszuprobieren und zu sehen, was für Sie funktioniert. Du musst definitiv nicht einfach folgen, was ich tue. So haben Sie einfach Spaß und spielen Sie damit und machen Sie sich keine Sorgen, die Dinge perfekt zu machen. Das ist absolut nicht das Ziel. Das Ziel ist es, dies einfach als Werkzeug zu nutzen, um uns und unsere Vorstellungskraft auszudrücken. Und oft wird Ihr Stück nicht so aussehen, wie Sie es ursprünglich vorgestellt hatten. Aber das ist alles Teil des Spaßes auch, weil wir auf dem Weg erkunden und den Weg wechseln und uns mit neuen Entdeckungen überraschen können. Also werde ich voran gehen und den letzten Teil des Prozesses beschleunigen und du wirst sehen, wie ich viele Entscheidungen treffe und Dinge ausprobiere, die ich nicht sicher bin. Und dann versuchen Sie verschiedene Dinge und im Wesentlichen nur spielen und experimentieren und sagen Sie ihm endlich in einer Position, wo ich glücklich bin,
das Stück so zu lassen , wie es ist, ja. Das ist eine wahre Geschichte. Hallo. Also hier haben wir es. Ich bin endlich zufrieden, wie sich meine ganze Szene entwickelt hat. Und ich bin wirklich zufrieden mit der Beleuchtung und den Farben und der Stimmung. Wenn wir also unsere grobe Layout-Ebene von selbst aktivieren, indem wir dieses Sichtbarkeit-Kontrollkästchen gedrückt halten, können
wir sehen, wie weit wir gekommen sind, indem wir all diese Farben und Details und Effekte hinzufügen. Wenn Sie also mit Ihrer Szene zufrieden sind, können
Sie Ihr Stück einfach als JPEG- oder PNG-Bild exportieren. Und vergessen Sie nicht, Ihre Projekt- und
Workin-Progress-Skizzen in die Projektgalerie hochzuladen .
14. Vielen Dank: Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, mit mir in dieser Klasse zu lernen, und ich hoffe, Sie haben einige nützliche Werkzeuge aufgegriffen , die Sie in Ihrer Zeichenpraxis weiter aufnehmen können. Ich kann es kaum erwarten, Ihre wunderschöne Kreation zu sehen, also vergessen Sie nicht, Ihr Projekt im folgenden Projektabschnitt hochzuladen. Ich wäre super dankbar, wenn Sie
mir eine Rezension hinterlassen könnten und mich wissen lassen, was Ihnen an dieser Klasse gefallen hat, und das wird anderen Menschen helfen, zu entscheiden, ob diese Klasse ihnen hilfreich sein wird, und es hilft mir auch, mehr darüber zu erfahren, was weiter zu tun oder zu verbessern für zukünftige Klassen. Wenn Sie irgendwelche Fragen
oder Ideen haben, was Sie als Nächstes von mir lernen möchten, dann können Sie einen Beitrag
im Diskussionsbereich machen und ich werde mich so schnell wie möglich bei Ihnen melden, oder Sie können mir auch eine Nachricht auf Instagram, wenn du es vorziehen würdest. Wenn Sie auch Ihre Arbeit in sozialen Medien teilen möchten, wäre
das erstaunlich. Wenn Sie das tun, dann markieren Sie mich bitte auf Instagram @Sarahholliday, damit ich es auch dort mögen und teilen kann. Wenn du über meine Arbeit und kommende Kurse auf dem Laufenden bleiben willst, dann folge mir auf Instagram und auch hier auf Skillshare. Wenn Sie mehr von mir lernen möchten, dann habe ich ein paar Charakter-Illustrationsklassen, die Sie genießen können, und Sie können zu meinem Skillshare Profil gehen, um diese zu überprüfen. Vielen Dank nochmals, ich hoffe, Sie hatten jede Menge Spaß und ich freue mich darauf, Sie beim nächsten Mal zu sehen.