Illustration durch Design: Eine Anleitung zum Ausbau deines Zeichentalents

1. Einführung: Illustration ist eine erstaunliche Sache. Es kann eine Idee beleuchten , einen komplexen Gedanken vermitteln und uns gleichzeitig die Gefühle geben. Aber was macht die Illustration funktioniert? Das ist eine tolle Frage. Mein Name ist Ira Marcks. Ich bin Illustratorin und Karikaturist, und ich frage mich jedes Mal, wenn ich meinen Bleistift abhole. Illustration ist meine Form der Kommunikation , ob ich versuche, eine Botschaft mit einer einzigen Zeichnung zu erhalten, oder eine Geschichte durch die Panels eines Comics zu erzählen. Ein Illustrator verfolgt ständig zwei kreative Ziele, um mit Klarheit und Bedeutung zu kommunizieren und eine starke emotionale Reaktion hervorzurufen. Aber gut im Zeichnen zu werden ist nur ein Teil davon, Illustration ist ein Geisteszustand. Illustratoren müssen sehen, die Formen und Formen ihrer Welt ist Symbole mit Bedeutung. Nun könnten Sie sagen: „Ira, klingt wie ein Thema für eine Grafikdesign-Klasse.“ Ja, das ist es. Deshalb nenne ich diese Klasse Illustration by Design, und darum geht es alles, indem ich wie ein Designer denke, der wie ein Illustrator zeichnet. Designer denken in einer grafischen Sprache und ich werde Ihnen zeigen, wie Design Thinking Ihnen helfen kann, Ihre Illustrationsfähigkeiten zu steigern und auf einem höheren Niveau zu kommunizieren. Diese Klasse ist nicht nur für Illustratoren oder Designer, sie ist für Typografen, App-Entwickler, Webentwickler, Kommunikatoren, Menschen im Marketing, Hundeliebhaber, Katzenliebhaber, alle, die mit der Welt auf einem schnelleres Tempo und auf einem tieferen Niveau. Wir alle können ein kleines Designdenken in unserem Leben verwenden. Also hoffe ich, Sie im Unterricht zu sehen. 2. Was ist Design Thinking?: Was ist Design Thinking? Design Thinking kann als die Suche nach einfachen und zugänglichen Lösungen für komplizierte Ideen oder Probleme definiert werden. Der Prozess kann in frühen Momenten der menschlichen Zivilisation gefunden werden und es spielte eine wesentliche Rolle bei der Entwicklung einer arbeitenden Zivilisation hier ist, wie. Design Thinking wurde aus der Notwendigkeit, zu kommunizieren geboren. Lange vor schriftlicher Sprache und gesprochener Kommunikation markierten unsere frühen Vorfahren Formen in Stein und Ton, um den Umfang ihrer Stammesgrenzen zu definieren. Gestaltungsdenken entwickelte sich später durch die Kraft seiner symbolischen Sprache. Die Funktion dieser frühen Formen wurde im Laufe der Zeit komplexer. Die Menschen begannen, nicht nur ihr Land, sondern ihr Inneres mit visueller Ikonographie zu markieren . Design Thinking ist die Wurzel der visuellen Metapher und Symbolik, Hieroglyphen, religiöse Symbole, sogar Flaggen-Designs sind alle gute Design-Lösungen, die Menschen auf alle Arten von verschiedenen Arten zu vereinen. Modernes Designdenken lädt intime und unmittelbare Verbindungen ein. Mit den Elementen des visuellen Designs kreierten Künstler eine eindrucksvolle neue Grammatik emotionaler und expressiver Formen, die nicht nur von akademischen Künstlern, sondern auch von jedem, der einen Bleistift oder einen Pinsel aufnahm, verwendet werden konnten . All diese Geschichte hat einen Platz in der Gesellschaft geschaffen, in dem der moderne Illustrator existieren kann. Als nächstes werde ich die Geschichte der kulturellen Bewegung erzählen , die mich in Illustration verliebt hat. 3. Eine Verbindung zwischen Illustration und Design herstellen: Verbinden von Illustration und Design. Meine Wertschätzung und Liebe zur Illustration kommt aus einer Verbindung mit Stil. Wahrscheinlich hat es für uns alle mit ein paar Bilderbüchern angefangen. Dann zog es für mich in Animationsfilme, und dann Museumsbesuche, und fing an, Street Art zu bemerken. Ich habe viele positive Erinnerungen mit Illustration, natürlich dank meiner Eltern, die mich allen möglichen davon ausgesetzt haben. Aber während ich lernte, Illustration zu schätzen, fand ich andere kreative Inspiration an unwahrscheinlichen Orten. Als wir in ein Diner gingen, sah ich gerne die Menüs an, studiere die kleinen Bilder und tippe auf sie. Ich liebte Touristen Karten, wenn wir eine kleine Stadt besuchen würden. Ich liebte sogar die Diagramme und Grafiken in den Geschichtsbüchern der Mittelschule, alte Schlagzeilen und Life-Magazine, die ich in der Bibliothek finden würde. Es stellte sich heraus, dass ich Design genauso liebte, wie ich Illustration liebte. Illustration und Design schienen zunächst zwei ganz unterschiedliche Welten zu sein. Erst als ich die Jugendstil-Bewegung entdeckte , erkannte ich, wie alles zusammenpassen konnte. Vielleicht kannst du den Einfluss des Jugendstils in meiner eigenen Arbeit sehen, indem du ihn anschaust. Es ist eine Kunstbewegung, die mit dem Illustrator, Geschichtenerzähler und Designer in mir alle gleichzeitig spricht . Als ich aufwuchs und begann, tiefer in den Jugendstil zu schauen, wurde es so klar, dass die Sache, mit der ich wirklich verbunden war , weit über alle hübschen Linien, Formen und Farben des Jugendstils hinausgeht. Es war die Idee und das Gefühl hinter der ganzen kreativen Revolution. 4. Jugendstil: Der Stil des Volkes: Jugendstil, der Stil des Volkes. Es ist die Wende des 20. Jahrhunderts in Europa, und die Beziehung des Landes zur Welt verändert sich. Die industrielle Revolution ist dieses coole neue Ding. Kapitalismus ist buchstäblich überall, und die Mittelschicht verstärkt sich und wird ausgebildet. Sie verdienen mehr Geld, und sie sind etwas frivoler und nachlässiger in ihren Interessen. Das bedeutet, mehr zu lesen und die Welt zu bereisen und auch zur Kunstschule zu gehen. Es ist die Wende des 20. Jahrhunderts in Europa, und die Beziehung des Landes zur Kunst verändert sich. Jüngere Künstler interessieren sich nicht so für die verträumte, französische Welt des Impressionismus, und sie sind noch müde von der Idee, dass die Renaissance das Ende aller Ästhetik ist. Junge Künstler interessierten sich nicht für hyper realistische Renderings historischer Denkmäler oder malerische Techniken, die seit der Dunkelzeit verwendet wurden. Sie wollten der Welt zeigen, dass eine künstlerische Vision nicht das alleinige Eigentum der Reichen und Mächtigen ist, und es war nicht die enge Vision der Reichen. Sie wollten ihre eigene kreative Vision entwerfen, und sie suchten überall nach Inspiration. Sie fanden es in den namenlosen Künstlern und Schriftgelehrten, die ihr Leben beleuchteten Manuskripten und Evangelientexten der Antike widmeten . Die Menschen und Künstler, die das Unbekannte waren und unter geschätzt in der Geschichte. Sie haben sich von den Wissenschaften vor allem von Ernst Haeckels inspirieren lassen , der markante Renderings exotischer Pflanzen und Tiere zeichnete , die noch nie vom menschlichen Auge gesehen worden waren. Sie wurden von diesen fantastischen Visionen der natürlichen Welt inspiriert und ließen sich von der Kraft und dem Potenzial der Drucktechnologie inspirieren. Sie vereinfachten ihre Designstile und flachen sich in ihre Bilder ein, um mutige und auffällige Drucke zu kreieren, und durch die Verkleidung kommerzieller Kunst konnten sie ihre Botschaft weiter verbreiten. Mit diesem Mischmash an Einflüssen kreierten die jungen Künstler der Jugendstil-Bewegung eigene, mit Schleudertrauma-Kurven und [unhörbaren] erotischen Linien, seltsame organische, aber vertraute Formen. Die Jugendstil-Bewegung war eindrucksvoll und erotisch. Es war geheimnisvoll und faszinierend, und seine seltsamen Formen wuchsen überall auf dem Kontinent. Es ist die Wende des 20. Jahrhunderts in Europa und der Jugendstil ist überall. Und das war der springende Punkt. Die Bewegung sollte nicht die Domäne einiger ausgewählter Künstler sein. Es war für alle Kreativen. Jeder, der die Ästhetik umarmen wollte, konnte diese einfachen Formen und Formen überall dort anwenden, wo sie wollten. Es war nicht nur in der Grafik in der Illustration. Jugendstil war auf Vasen und Stühlen und Tapeten in der Architektur. Je weiter sich die Stile verbreiten, desto mehr verschwommen sie die Grenze zwischen der Kunstwelt und den Menschen, die sie gemacht haben. 5. Der Geist der Bewegung: Der Geist der Bewegung. Wien, Hauptstadt Österreichs, 1897. Der Maler Gustav Klimt, Architekt Joseph Maria Olbrich und der Designer Josef Hoffman waren eine kleine leidenschaftliche Gruppe antiakademischer und antihistoristischer Künstler. Sie blickten auf ihre pulsierende europäische Metropole Wien und fanden sich uninspiriert. Die Skyline, um sie stinkt nach der Vergangenheit, Reihen von seelenlosen kommunalen Gebäuden durchtränkt von Neoklassizismus, dass müde und kluge Design-Stil an die Geschichte des Römischen Reiches gebunden. Diese drei Künstler blickten auf das graue Mauerwerk, das mit staatlichen Säulen und Türöffnungen geschmückt war, gekrönt mit Schlüsselsteinen staatlichen Säulen und Türöffnungen geschmückt war, gekrönt mit , die Figuren aus obskuren Mythen genannt wurden, und sie sahen alles. Die Jugendstil-Bewegung stand gegen die Stadt Wien. Ihr Zuhause war in der Vergangenheit stecken, um eine Kultur in der Zeit zu huldigen, so weit von ihrer eigenen Erfahrung entfernt, konnten sie sich nicht verbinden. Klimt, Olbritch und Hoffman wollten eine neue Form in die Skyline bringen, ein Gebäude, das von der Kunst und dem Handwerk des einfachen Volkes inspiriert ist, etwas Demokratisches, etwas Spirituelles. So entwarfen und bauten sie gemeinsam einen neuen Ausstellungsraum mit einem Design, das von griechisch-kirchenähnlichen Kreuzplänen inspiriert wurde. Sie bauten eine Eisen- und Ziegelkonstruktion. Sie bedeckten die Wände mit glattem Putz und tünchten sie zu einem auffallenden Glanz. Sie schmückten die Wände mit flachen stilisierten Formen der Jugendstil-Bewegung. Auf dem Dach bauten sie vier Pylonen, um eine vergoldete Kranzkuppel zu halten. Inmitten einer Stadt aus Greystone wurde ihr Gebäude zum Leuchtfeuer für die jungen Wiener Künstler. Es war ein Raum schön und einzigartig, aber auch unvollkommen und völlig irrational. Es wurde die Heimat der Wiener Secession. Über der Tür in goldenen wurmähnlichen Buchstaben legen sie eine einfache Inschrift, die übersetzt „Zu jedem Zeitalter seine Kunst. Jede Kunst ihre Freiheit.“ Jetzt repräsentieren für mich die Wiener Secession und die Künstler, die durch ihre Türen gehen , mehr als das Aussehen der Kunstbewegung, weil Wahrheit gesagt wird, es gibt keinen endgültigen und allen Jugendstil-Look. Die Secession repräsentierte den Geist der Bewegung, und auch die Künstler, die teilnahmen, sprachen. Wie der Architekt Joseph Maria Olbrich sagt: „Eine höhere metaphysische Wahrheit, die von subjektiver künstlerischer Inspiration abgeleitet ist.“ Mit anderen Worten, in der Bewegung ging es um Kreativität, die versucht, einen Ort zu steigen, der über die Einschränkungen der physischen Welt hinausgeht. 6. Eine Utopie für Illustratorinnen und Illustratoren: Eine Utopie für Illustratoren. Die Wiener Sezession war ein Ort der Inspiration für Illustratoren, von denen viele zum offiziellen Kunstmagazin der Sezession, Ver Sacrum, beigetragen haben. Wenn wir uns die Seiten der Publikation ansehen, die mittlerweile weit über 100 Jahre alt ist, können wir immer noch sagen, dass die Verlage bei der Abspaltung die Formen des Grafikdesigns, Typografie und der Illustration auf ein neues Niveau gebracht haben. Es war sogar die erste Publikation, die dieses quadratische Super-Hip Format angenommen hat. Wie das Gebäude der Sezession selbst würdigte Ver Sacrum die kreative Befreiung einfacher geometrischer Formen und die totale Abstraktion. Ver Sacrum, hielt sich für eine figurative bahnbrechende Publikation. Die erste Ausgabe vom Juni 1897, machte diese Botschaft völlig klar mit Illustrator Alford Rollers Blossoming Tree, die aus den Beschränkungen seines Containers hervorbrach. Die Zeitschrift hat diese Idee jahrelang weiter vorangetrieben. Die Idee, dass die Künstler der damaligen Zeit endlich von der Vergangenheit befreit waren und eine neue kreative Utopie einleiteten. Mit seinem kühnen Statement und seinem großartigen Design half Ver Sacrum, die Rollen des modernen Illustrators zu definieren. 7. Die Rollen der Illustratorinnen und Illustratoren: Rollen für einen Illustrator. Im Ver Sacrum gab es drei unterschiedliche Rollen für eine Illustration. Eins, Illustration als Geschichtenerzählen. Die Zeitschrift liebt es, Illustratoren zu veröffentlichen, die ihren intimen Stil nutzen , um großartige und mythische Aussagen zu machen. Während ich bereits erwähnt habe, dass die Künstler der Jugendstilbewegung historische Referenz und mythische Ikonographie abgelehnt haben, verwenden das Ver Sacrum und seine Künstler klassische Kunst und seine Storytelling-Techniken als Inspiration, um neue und lebendige Welten. Schönheit und Qual lebten Seite an Seite. Die mythische Metapher der hellen und dunklen Seiten der Menschheit war in diesen Zeichnungen zu spielen, und oft verwendeten Illustratoren die Tropen der Heldenreise und der Arthurischen Legende in ihren Layouts und Kompositionen. Viele der Illustratoren, die im Jugendstil arbeiten, ließen klassisches Geschichtenerzählen in ihre DNA einbauen , und man kann es auf den Seiten der Zeitschrift sehen. Zwei, Illustration als dekorative Kunst. Dekorative Illustratoren fanden auch ein Zuhause in Vera Sacrum. Da Text und Bild auf der Seite gleichermaßen respektiert wurden, Jugendstil perfekt zum Magazin. Seine metaphysische Vibes ergänzte perfekt die Poesie, die das Magazin veröffentlicht hat. Dekorative Elemente durchbrachen die Konventionen des Verlagsrasters und flossen in und um den Text. Manchmal hat es sogar die Worte mit seiner seltsamen Erotik infiziert. Dekorative Illustration fällt von Zeit zu Zeit in und aus der Mode. Aber dieses Magazin zeigt seine Macht und sein Potential. Drei, Illustration als Botschaft. Eines meiner Lieblingszitate über Kultur und Kommunikation stammt von einer dieser berühmten Persönlichkeiten des Mediendiskurses, Marshall McLuhan. Er hat erklärt, dass das Medium die Nachricht ist. heißt, die Form der Kommunikation hat eine symbiotische Beziehung zu der Botschaft, die sie vermitteln soll. Also, fragen Sie sich, ist der Ver Sacrum ikonisch für seinen Inhalt oder ikonisch für seine Form? Das Magazin selbst ist ein unbestreitbares Kunstwerk und einige der Künstler, die es hervorhebt, sind unbestreitbar berühmte Künstler. Aber jetzt aus historischer Sicht ist die Publikation selbst eine Ikone der kreativen Kultur, die aus der Jugendstilbewegung entstanden ist. Ich denke, viele der Illustratoren dieser Zeit wussten, dass das Magazin an sich wichtiger war als jeder Künstler, der auf seinen Seiten vertreten ist. Woher weiß ich das? Nun, Sie können es so sehen, wie Illustratoren ständig erlauben dass ihre Entwürfe in die Form der innovativen Layouts des Magazins fließen. Die publizierte Arbeit vieler dieser Illustratoren konnte nicht wirklich allein stehen. Es ist ewig an die Seite gebunden, auf der es gedruckt wurde. Viele dieser Illustrationen sind die Schönheitsmerkmale und die Unreinheiten der Persönlichkeit des Magazins. Schon jetzt, etwa 120 Jahre später, die Jugendstilbewegung, die Wiener Secession und das Ver Sacrum wichtige Einflüsse darauf, sind die Jugendstilbewegung, die Wiener Secession und das Ver Sacrum wichtige Einflüsse darauf,wie wir das Verhältnis von Design und Illustration betrachten. 8. Kursprojekt: Eine Bildkomposition planen: Bevor wir mit unserem Klassenprojekt beginnen, werde ich Ihnen zeigen, wie ich Design Thinking auf meine eigene Illustrationsarbeit anwende. Dies ist ein Cover für einen Brewery Guide, es war eine spezielle Ausgabe eines regionalen Kulturpapiers namens The ALT in Upstate New York, wo ich lebe. Die Idee dabei war, die handwerkliche Bierkultur in ganz New York in einer Sonderausgabe mit Artikeln und Merkmalen über Brauereien in der Region zu feiern ganz New York in einer Sonderausgabe mit . Das Bild, das ich erstellt habe, musste ein paar Funktionen erfüllen. Zuerst musste es ein Cover eines Printmagazins sein. Es ist auf Zeitungspapier, aber es ist ein Zeitschriftenformat. Ich denke, das Format ist etwa 9 mal 12 Zoll. Es musste ein Magazin-Cover sein, es musste ein Bild für ihre Social Media und Website sein. Sie hatten auch einen besonderen Wunsch, nämlich, dass die Charaktere und Elemente des Bildes als Punkt-Illustrationen in der gesamten Zeitschrift ausgebrochen werden konnten . Hier ist der Bär, und dann können Sie den Rest der kleinen Charaktere sehen. Also mussten sie sich von selbst abheben. Ich wollte nicht, dass sie nur aus einer einzigen Illustration abgeschnitten werden, ich wollte, dass sie ausgebrochen werden, damit sie so aussehen, als wären sie nur kleine Bilder. Lassen Sie uns das Design Thinking überprüfen und die Ziele des Designprozesses betrachten. Ich werde das wieder in drei Hauptpunkte aufteilen, wie ich es im vorherigen Kapitel getan habe. Eins, um eine Idee zu lösen. In diesem Projekt war die Idee, Brauereikultur in Upstate, New York zu repräsentieren. Also, nicht nur eine einzige Brauerei, sondern die ganze Kultur, die sie umgibt, all die verschiedenen Phasen des Prozesses, die Menschen, die sie trinken, die Orte, die sie verkaufen, und sogar einige der Gesetze, die umgeben sie. Das zweite Design-Ziel wäre es, eine funktionale oder sagen wir ikonische und/oder symbolische Illustration zu schaffen . Wenn es ein Logo damit verbunden wäre, würden wir es wahrscheinlich hier sehen, weil das ein ikonisches oder symbolisches illustratives Element wäre . Aber in diesem Fall musste ich nur die Stimmung von Upstate New York-ness erfassen, was ich durch die Auswahl der Tiere und die Art des Baumes, die wir sehen und nur grundlegende Symbole der Brauereikultur, was bedeutet, dass die Maschinen in der und die Mechanik des Trinkens, Zungen, Wasserhähne. Die dritte Stufe, und wahrscheinlich für mich, die interessanteste, und die Art und Weise, wie ich wirklich meinen Stil in das Projekt bringen kann, besteht darin , eine Antwort durch das Design hervorzurufen. Das heißt, nach der Betrachtung dieser ersten beiden Ziele, wie kann ich etwas menschliche und emotionale Energie in das Design bringen? Lassen Sie uns also über die praktischen Aspekte der Aufgabe sprechen. Das Cover des Magazins war, wie ich etwa 9 mal 12 sagte Als ich also meine Skizze umrahmte, zeichnete ich dieses Rechteck. Ich entschied, dass ich wollte, dass das Bild den größten Teil des Raumes belegt und fast ein bisschen wie eine Karte aussieht. Also fing ich an, Raster herauszufinden, wo jeder Punkt von Interesse auf die Seite fallen würde. Es ist also fast wie ein Comic oder eine Art sequentieller Kunst zu funktionieren , bei der das Gitter einer Erzählung folgt. Also, ich nummerierte die Kisten und das führt Sie durch den Prozess der Brauerei, in den Tap-Room, bis hin zu den Leuten, die das Bier trinken, und die Ergebnisse des Biertranks. Dann, die Mitte links dort, wo ich den Stern gesetzt habe, das sind die Politik und die Gesetze, die diesen ganzen Prozess umgeben. Also, es hat keinen einzigen Zeitpunkt in der Zeit, es ist nur Blick auf die ganze Sache insgesamt, deshalb ist der Grund, warum ich ein L gewählt. Nun, ich fange an, das Gitter in mehr organische Formen zu zerlegen. Ich wusste, ich wollte einen Baum, weil für mich Bäume sind, Ahornbäume, insbesondere, sind ein Symbol von Upstate, New York. Also fand ich, wo ich all meine Hauptelemente platzieren wollte. Ich wusste, ich wollte ein paar Etappen des Brauereiprozesses, die Fässer, die ich mit Fässern, einem Wasserhahn und den Trinkern vertrete , und ich gebe ihnen ihre eigenen kleinen Regionen, die sie auf der Seite einnehmen können. Also, jetzt kann ich getrost visuelle Elemente in den Räumen zeichnen, die ich mir selbst zur Verfügung gestellt habe. Also, im Moment skizziere ich die grundlegenden Formulare, die ich gerne verwende. Sie können sehen, die Charaktere haben alle squishy Bean ähnliche Formen. Die Maschinen haben flache Basen, um ihm ein mechanisches Feld zu geben, aber sie sind abgerundet und freundlich oben, und sogar der Text nimmt organischen Raum ein. Also, wie Sie sich von Anfang an erinnern, musste ich diese visuellen Elemente ausbrechen. Also, an diesem Punkt sitzen sie alle in ihrem eigenen Raum. Ich benutze den Baum, um das Auge durch die Zeichnung zu führen und alle visuellen Elemente zu vereinen. Also, für mich, der Baum repräsentiert das dritte Ziel des Designprozesses, diese evozierende und emotionale Antwort. dort kommt die natürliche Energie im Fluss der Zeichnung wirklich her. Wenn ich hier die Illustration vergrößere, kann man sehen, dass sich die Art Nouveau-Atmosphäre durch die Rinde des Baumes bewegt. Es hat also horizontale, groovige Linien, und ich benutze auch gepunktete Linien in der Mitte, um Straßen darzustellen, die durch das Adirondack in Catskill Mountains weben. Es ist also fast wie eine Konturkarte und gleichzeitig eine Energie. Das ist also subtil, wieder, dritte Stufe des Entwurfsprozesses. Denn um eine Idee zu lösen, das kann durch nur eine grundlegende Skizze getan werden. Wir können eine Idee mit einem Layout, einer Karte oder einer kurzen Zusammenfassung eines Projekts auflösen . So können Sie ein Team oder einen individuellen Fokus auf dieses einzelne Ziel haben. Das ikonische und symbolische Element, das ist ein Designprozess, der mit einem Logo oder Illustrationselement verwendet werden kann. Aber die wahre Kunstfertigkeit kommt wieder ins Spiel, wenn man versucht, eine Antwort hervorzurufen, und man kann so viel oder so wenig Energie in diese Phase stecken. Sie erreichen immer noch viele Ihrer Ziele in den ersten beiden Phasen des Prozesses, aber der dritte Schritt ist wirklich, wo Ihre Persönlichkeit als Illustrator herauskommen kann. 9. Kursprojekt: Linien, Formen, Raum: Kapitel 10, Linien, Formen und Raum. Für unser Klassenprojekt entwerfen wir unser eigenes Cover des Magazins Ver Sacrum. Hier ist das Beispiel, das wir früher in einem der Kapitel gesehen haben. Ich glaube nicht, dass dies ein großartiges Beispiel für die allgemeine Ästhetik ist, die durch ihr Kreuzbein entstehen sollte. Also, ich habe eine kleine Sammlung von Covern zusammengestellt , die wirklich den ästhetischen Ton des Magazins und natürlich die allgemeine Beziehung zur Jugendstilbewegung einfangen . Lassen Sie uns einige der erkennbaren Elemente des Ver Sacrum überprüfen. Die große, die sofort herausspringt, weil sie durch die ganze Ära des Jugendstils fließt , ist die emotionale kurvige Linie, diese Art von Schlangenschleudertrauma Form, die je nachdem, wie der Künstler es benutzt, eine Reihe von verschiedenen Dinge. In diesem Fall hat es eine Strömung wie ein Whirlpool oder eine Windströmung, etwas mit etwas starker Energie. Es könnte auch nur ein schönes dekoratives Element sein oder es könnte sogar gewalttätig sein, wenn Sie die Richtung von einer flachen horizontalen Ruhe zu einem vertikalen Stoß wie diese Art von Geysir-Flamme wie Fluss ändern einer flachen horizontalen Ruhe zu . Es gibt also eine Menge Bewegung, die durch die emotionalen Kurven kommt, es ist ein Tanz dazu. Sie haben wahrscheinlich auch bemerkt, dass ein Großteil der Illustration der Arbeit dieser Ära in diesem Magazin sehr flach ist. Sie entzieht sich dieser dritten Dimension, auch wenn der Inhalt des Titels darauf hindeuten könnte, dass es eine dritte Dimension gibt , wie auch diese Figuren und ihre Tanzposen nicht diese Illusion der Tiefe haben, sie sind flach. Du kannst diese Charaktere nicht herumlaufen. Es gibt keinen Sinn für einen Raum, wo sie sind. Sie sind ikonischer und grafischer, was sich hervorragend für die Drucktechnologie der Ära eignet, aber es ist auch großartig, um unvergessliche Bilder zu erstellen. Es gibt weniger Komplexität im Design, so dass Sie nicht so tief in die Geschichte schauen müssen. Es spricht einfach und klar mit viel Kontrast und zweidimensionale Herangehensweisen an Design eignet sich auch dekorative Elemente in symbolischeren Formen, wie Sie diesen Arm hängen und schneiden die kleine Linie, um die Klinge fallen zu lassen. Das ist etwas, das weniger metaphorisch wäre, wenn Sie eine dritte Dimension hinzufügen. Du müsstest erklären, womit dieser Arm verbunden ist und wo wir in Beziehung zu diesen Charakteren stehen. Zwei-Dimensionen machen die Dinge symbolischer. Mit dieser großen Einschränkung der Arbeit in nur Zweidimensionen haben Sie viele Künstler, die mit positivem und negativem Raum spielen. Es gibt ein Geheimnis und eine Mehrdeutigkeit, die damit einhergeht, die Erwartungen der Augen umzukehren und den Betrachter dazu zu zwingen, sein Gehirn zu drehen , um die Bedeutung in der Botschaft innerhalb des Bildes zu finden. Wenn wir beginnen, unser Design zu bauen, werden wir diese drei Elemente im Auge behalten. 10. Kursprojekt: Ein Moodboard erstellen: Kapitel 11, ein Stimmungsbrett zu machen. Dies ist ein Pinterest-Board für ein Projekt, an dem ich gearbeitet habe. Es wurde ein YouTube-Banner für einen Musiker, der begann, Serien zu schmieden, Nahrung im Wald zu finden, eine Mahlzeit zu machen, Lieder darüber zu singen. Das Moodboard, das ich erstellt habe, hat das Projekt geleitet. So ist ein Moodboard ein Werkzeug für einen Illustrator, Designer oder jede Art von Kreativen zu verwenden, um zu gestalten, wie das Projekt aussehen und sich anfühlt, bevor Sie sogar eine Skizze oder eine andere visuelle Notiz erstellen. Ein Moodboard ist also eine Sammlung von Bildern , die zu Themen sprechen, die Sie in Ihrer Arbeit, Komposition oder statischen Elementen ansprechen möchten, die Sie vielleicht stehlen oder für Ihren eigenen kreativen Prozess ausleihen möchten. Ich zeige Ihnen eine kurze Sammlung von Bildern, die ich aus früheren Kapiteln dieses Projekts gesammelt habe , um mein Ver Sacrum Coverdesign zu inspirieren. Ich habe dieses Bild zuerst geschnappt, nur weil ich das Aussehen und Gefühl davon mochte, kein anderer Grund als das. Ich mag seine Einfachheit. Als ich das erste Bild ausgewählt habe, wurde ich etwas fokussierter und ich entschied mich für einen Principal, den ich mit dieser Symmetrie in meinem Design etwas beschäftigen möchte , das eine Basis und ein Fundament und ein bisschen Balance und Komfort dazu hat . Ich mochte den Fluss dieses Bildes, ich mochte die großen negativen Räume und die wirklich komprimierten Detailelemente, und ich mochte auch den vagen Sinn für Natur in diesem Design. Ich liebe die Farbpalette dieses und die wirklich schweren Schwarzen und die abstrakten Formen im Vordergrund, die Tulpe blumig, aber auch fremd und seltsam sind, so dass ich die dunklen Elemente dieses Bildes mag. Ich habe gepackt, das ist eine Typographie Referenz. In dieser Klasse geht es wirklich nicht um Typ, also werde ich nicht zu viel darüber reden. Ich werde den Typ als nur ein weiteres visuelles Element betrachten und ich werde Ver Sacrum als Text auf dem Cover verwenden und das war's darüber. Dies ist kein Künstler, der für das Ver Sacrum gearbeitet hat, in der Tat, er war wahrscheinlich verstorben, als die Zeitschrift aufnahm, aber er war ein frühes Jugendstil-Einfluss. Sein Name ist Aubrey Beardsley. Er arbeitete mit Oscar Wilde ziemlich viel und Gustav Klemp war eindeutig von diesem Kerl beeinflusst. Ich mag dieses Stück speziell , weil die Öffnung in dem Kleid, wo das gesamte organische Material kommt aus, l mag, dass als Symbol für die Offenbarung einer kreativen Idee oder die Dinge, die in uns gehalten werden und die Komplexität und Wachstum, das wir unter uns verstecken. Vielleicht ist das eine visuelle Metapher, mit der ich in meinem Coverdesign arbeiten möchte. Ich liebte den Sinn für Muster mit diesem Design und die negativen Formen der kleinen Ovalen in der Mitte. Wenn Sie mit dem Comic-Künstler Jack Kirby vertraut sind, sieht das sehr ähnlich wie die Formen aus, die er in seiner kosmischen Bildsprache in seinen Marvel-Comics verwendet . Eigentlich habe ich mir das Foto genommen, das ich früher vom Gebäude der Wiener Secession selbst benutzt habe. Ich mochte die einfache Struktur, ich mag die Art und Weise , wie das visuell detaillierteste Element so weit außer Reichweite ist, man muss schielen, um anzuschauen, man kann nie wirklich einen vollen Blick auf diesen Kranz und die Wände bekommen , die direkt in Ihr Gesicht sind leerer. Also, diese Idee von dem versteckten Detail und Komplexität der Welt funktioniert mehr von den Grenzen des Designs, fast eine Umkehrung der traditionellen Komposition. In Ordnung, das ist mein Stimmungsbrett. Ich werde anfangen, mein Design basierend auf diesen Inspirationen zu bauen. 11. Kursprojekt: Symbolische Formen: das Ver Sacrum herumkam, hatte sich die Sprache des Jugendstils bis zu dem Punkt entwickelt , an dem eine Gruppe aus jener anfänglichen Bewegung hervorging , die sich die Symbolisten nannte. Gustav Klimt würde sich selbst als eine davon ansehen. Sie waren die Künstler, die die Ästhetik des Jugendstils nutzten, um das Verhältnis von Illustration zu emotionaler Reaktion zu erforschen. Also werde ich acht verschiedene Thumbnails skizzieren, ihre Grundformen, die alle eine emotionale Antwort hervorrufen und von diesen werde ich anfangen, mein Magazin-Cover zu entwerfen. Wie die Farbtheorie ist die Theorie der Formen und emotionalen Reaktionen eine Art elastischer Definition. Sie sind nur vertraute Orte, aus denen Sie eine Idee erforschen und entwickeln können. Also, für die Verwendung von horizontalen Formen vermittelt man ein emotionales Gefühl der Ruhe, der Ruhe und der Ruhe. Vertikale Formen sind strukturell und wenn wir mit dreieckigen bewegten Formen auf das Auge zeigen , können wir ein Gefühl von Fokus oder die Idee der Hingabe eines Idols oder sogar eine strahlende Energie schaffen , um etwas ein Gefühl der Besonderheit zu geben. Vertikale Formen wie Türme, Dinge, die die städtischen Strukturen repräsentieren, haben ein Gefühl der Stabilität. Sie wecken Ehrfurcht und fühlen sich mächtig. Dreiecke sind strukturell und sie fühlen sich sicher in ihren Formen. Sie haben ein Gefühl von Dauerhaftigkeit und ein Gewicht für sie. Sicherheitssysteme und Banken verwenden oft Dreiecke in ihrem Logo-Design. Wenn wir die Seite als Horizont verwenden und einen Halbkreis mit strahlenden Linien um sie herum machen, rufen wir einen Sonnenaufgang oder einen Sonnenuntergang hervor. Die Entstehung von etwas Neuem, können wir ein Gefühl der Hoffnung oder sogar Erleuchtung bieten. Spiralförmige Linien fühlen sich spannend an. Sie haben ein Gefühl der Bewegung, das eine Kraft wie ein Whirlpool oder Wasser hervorruft , das einen Abfluss hinabfließt. Sie können auch das Gefühl haben, dass sie eine Illusion simulieren. Ein Oval, das in der Mitte der Seite platziert wird, kann ein Gefühl von Balance und Vertrauen hervorrufen. Und wenn wir diesen Raum ein wenig aufteilen, können wir ihn benutzen, um Tag und Nacht zwei Seiten einer Idee hervorzurufen. Wenn wir einige Kreise im Raum schweben lassen, können wir die Idee der Unermesslichkeit erschaffen. Wir können auch mit dem negativen Raum um die Formen sprechen und ein Gefühl der Weite schaffen. Ich habe eine kleine Aussage geschrieben, die ich durch meine Illustration übersetzen möchte. Ich denke, ein bisschen eine Philosophie, die ich über die Rolle der Kunst in der Gesellschaft habe , und es ist etwas, das ich mich mit meiner Illustration herausfordern möchte. Also, es gibt ein paar Hauptpunkte in diesem Satz und ich kann eine Kombination dieser Thumbnail-Skizzen verwenden , um diese Idee zu kommunizieren. Also, für die Idee der Kunst, werde ich ein Gefühl der Hoffnung, ein Gefühl der Neuheit hervorrufen. Ich werde die Idee eines riesigen Raums nutzen, um die umgebenden Einflüsse darzustellen und ich möchte nicht, dass er sich aufgeregt oder verängstigt fühlt. Ich möchte ein Gefühl der Ruhe hervorrufen. Also werde ich etwas von dieser horizontalen, ruhigen Atmosphäre in die Komposition bringen. Jetzt, da ich einige symbolische Formen im Auge habe, kann ich anfangen, meine endgültige Skizze zu erstellen. 12. Kursprojekt: Eine Idee skizzieren: In Ordnung. Endlich ist es an der Zeit, unsere Idee zu skizzieren. Ich habe meine Seite hier in einer quadratischen Vorlage eingerichtet , weil das das Format der verschiedenen Sicher Magazine ist. Auf der linken Seite habe ich meine thematische Phrase und meine drei symbolischen Formreferenzen. Ich weiß, dass ich Platz für Text auf der Seite machen möchte und ich werde es unten platzieren. Das ist also, wofür diese kleine Richtlinie ist. Ich werde mein erstes Referenzbild einziehen und mich von dieser organischen Blütenform inspirieren lassen, der roten Form an der Basis dieser Zeichnung. Ich werde anfangen, Ihre visuelle Metapher für Kunst zu skizzieren, eine seltsame Alien angehende Blume. Es hat eine Symmetrie, aber ich werde diese Symmetrie mit einigen kleinen Knospen ausgleichen und dann an der Basis des Designs, werde ich die Reben setzen, aber sie werden sich mehr wie ein kleines Vipernest fühlen. Die Sache am Jugendstil, die mich immer anspricht, ist die gefährlichere Seite der Natur, die sie in sich bringt. Also, ich kann diese Reben gefährlich fühlen. Ich werde das Design ein wenig nach oben verschieben, und dann werde ich mein Referenzbild auf diese kurvige Rauchform ändern. Dies stellt also den Einfluss dar, der das Kunstwerk umgibt, während es entsteht. Dies sind nur grundlegende Layout-Richtlinien. Ich repräsentiere nur ein Gefühl. Ich will sie nicht zu senkrecht. Ich will keine Aufwärtsbewegung. Ich will mehr von einer wirbelnden Ruhe. Aber ich will auch nicht den Raum überdrängen. Ich werde kleine Bits herausnehmen, größere Räume lassen. Die Formen des Jugendstils können eine große Übung sein, um Ihren Geist vom positiven in negativen Raum zu verschieben, denn die Formen sind so abstrakt, wenn Sie Ihre Richtlinien erstellen, wer ist zu sagen, was die positive Formung ist. Welches ist die negative Form? Ich werde von einer visuellen Metapher wegspringen und meinen Text blockieren. Ich weiß, es muss Ver Sacrum sagen. Ich werde kleine Rechtecke ausräumen, die die Immobilien jedes Buchstabens darstellen. Ich werde ein paar Guides erstellen, die eine Referenz sind, also weiß ich, welcher Buchstabe wo ist, weil ich sehr rechte Seite des Gehirns bin, gerade jetzt konzentriert und es ist sehr einfach für mich, Wörter falsch zu buchstabieren. Sie können den Vorteil sehen, Text wie diesen zu blockieren, weil Sie ihn in ein Leerzeichen zerquetschen können, ohne irgendwelche Details zu beeinträchtigen, weil es solide oder sehr grobe Bühne ist. Ich kann jetzt die Breite der Buchstaben nachjustieren. Da ist mein geblockter Text. Jetzt, da ich meine Schlüsselelemente, meine Kunstform in der Mitte, die umgebenden welligen Einflüsse und meinen Textblock habe, werde ich die Platzierung auf der Seite neu bewerten. Ich habe sie alle auf verschiedenen Schichten gemacht. Also, ich werde sie einfach umschalten. Ich werde einen Rahmen um den äußeren Rand der Seite erstellen. Ich könnte ein Muster da reinlegen. bin mir noch nicht sicher, wie dekorativ ich bekommen möchte. Ich beurteile den Umfang und die Position der zentralen Form neu. Ich denke, es muss ein wenig schrumpfen, es lässt den Raum um ihn herum größer erscheinen. Ich werde es etwas näher bringen, aber nicht genau in die Mitte meiner Seite. Also, hier ist mein grobes Layout. Ich habe einen grundlegenden Sinn für die Energie und Symbolik des Designs, Platzierung von Schlüsselformen, und ich werde mit Rot über die Spitze gehen und einige dieser Formen definieren, machen sie ein wenig weniger geometrisch, ein wenig organischer und ein wenig spezifischer zu dem, was sie repräsentieren. Also beginne ich mit der Blume, ich überlappe mich in ein paar kleinen Objekten und zeichne die Schlangenartigen Kurven der Rebe aus. Vielleicht lege ich ein paar Dornen auf sie. Ich lasse sie vorerst rein. Hier ist ein weiterer Einfluss von mir. Die symmetrischen Damen. Ich mag die Art und Weise, wie sich der Arm nach oben erstreckt und es ist fast wie der Stamm einer Pflanze. Ich werde mir das leihen und vielleicht ein paar kleine Stängelformen erstellen, die nach oben und unten fließen. Ich kann nicht anders, als diese Bottom Rebe zu benutzen, um sich mit der S zu verbinden. Also, es ist wahrscheinlich clever, als es sein muss, aber ich werde es vorerst behalten. Nun, die Texturen des umgebenden Einflusses, ich bin noch nicht dort niedergelassen. Ich werde einige gestrichelte Linien ausprobieren und diese Formulare neu ausrichten. Sieh mal, ob ich sie auf interessante Weise fließen lassen kann. Ich denke, ich muss ein wenig einfacher gehen. Ich möchte, dass sie sich wellig fühlen. Ich überlege, sie in irgendeiner Weise mit dem Text zu verbinden. Lassen Sie uns einen Teil dieses negativen Raums im Hintergrund blockieren. Also, ich bin mir sicher, dass ich ein wenig Raum für einen Rahmen habe, ob ich es leer lasse oder ein Muster hineinfüge, es ist immer noch ein Rahmen und ich werde einige dieser kurvigen Linien im Hintergrund festziehen . Eines der Dinge, an denen ich als Illustrator immer besser werde, ist viel Raum für Bewegung zwischen meiner Skizzenbühne und meiner letzten Linienarbeit lasse. Ich möchte nicht alle Details meines Designs in der Skizzenphase definieren , denn dann fühlt sich das endgültige Kunstwerk sehr starr an. Also, das mag einem unerfahrenen Illustrator erscheinen, ein wenig zu locker für Sie, um selbstbewusst auf der Oberseite zu drucken, aber für mich ist es gerade genug. Ich zeige Ihnen, wie ich diese Freiheit in der endgültigen Arbeit nutze. 13. Kursprojekt: Tone Mapping: Ich finde, dass, wenn ich meine Komposition Tinte gehe, ich hyper auf die Region des Designs konzentriere an der ich arbeite, und ich verliere die größeren Ziele des Projekts aus den Augen , weil ich einfach so viel Spaß saubere Linienarbeit zu erstellen oder schwelgen kleine Taschen des Details. Also, was ich gerne mache, ist eine Tonkarte zu erstellen, die eine kleine Miniaturskizze der Beziehung der Lichter und der Dunkelheit im endgültigen Projekt ist . Es enthält keine Farbe. Es ist nur schwarz, weiß und graue Schattierungen, die Werte des endgültigen Bildes. Also, hier ist ein Beispiel für eine Tonkarte. Sie können sehen, dass die Schwarzen den Rahmen darstellen. Die Blume in der Mitte und der negative Raum um den Text und um die Blume, Ich habe einige Schattierungen von Grau. Ich mag die Beziehung zwischen den Grauen und den Schwarzen darin, aber es ist nicht so stark, wie es sein könnte. Also, ich werde hier noch eine Skizze machen und ich werde versuchen die beliebte Jugendstil-Technik umzukehren, die Lichter und Dunkelheit zu invertieren. Ich möchte das Auge mehr auf die Blütenblätter dieser Blume lenken. Also, meine Tonkarte ist eine Möglichkeit, Leute dazu zu bringen, sich die Teile des Designs anzusehen. Ich möchte, dass sie es tun und mich daran erinnern, wo ich die Aufmerksamkeit lenken möchte. Ich mag das viel besser. Der Text wird eingeblendet. Es ist invertiert, also wieder, der negative Raum ist verdunkelt, schafft einen negativen Raum im Fluss des Designs um die Blume, aber die Blume selbst wird Licht gelassen. Auf diese Weise wird Ihr Auge auf diese beiden Hauptblätter gezogen und es erzeugt eine schöne Spannung mit dieser kleinen Form direkt in der toten Mitte der Zeichnung. Also, das ist eine Tonkarte. Ich empfehle, es auszuprobieren. Es dauert nur ein oder zwei Minuten, um es herauszufinden. Es ist etwas, das hilfreich ist, auf der Hand zu halten, während Sie Ihre endgültige Linie Arbeit erstellen. 14. Kursprojekt: Lineart & Kontrast (Teil 1): Ich versuche, die Fähigkeiten der Software nicht zu nutzen , wenn ich diese Lektionen mache , weil ich möchte, dass Künstler, die mit traditionellen Medien wie nur einem Bleistift und Papier arbeiten, teilnehmen und mitmachen können und nicht aus dem Prozess ausgelassen werden. Aber in diesem Fall mache ich eine Menge Neuzeichnen von Linien und ich denke, es ist wichtig, die Linien zu sehen, die ich behalte und die Linien, die ich wiederhole. Es liegt nicht daran, dass ich versuche, sie perfekt zu machen, ich versuche, das allgemeine Gefühl des Designs, die visuelle Metapher, auf die ich arbeite, zu sprechen , und dann überarbeite ich manchmal Räume, weil es sich auf die Formen um ihn herum beziehen muss. Jede Linie, die ich zeichne, enthüllt etwas Neues über die Komposition. Also muss ich ständig nachdenken und neu bewerten, wie dieser Raum zusammenpasst, als ob ich die Teile eines Puzzlespiels finde. Es passiert direkt von der Fledermaus hier in der Mitte dieser Blume. Dies ist ein großartiges Beispiel für den Raum, in den Ihr Geist bekommt, wenn Sie in diesem Stil arbeiten. Ich sehe, dass diese Linien eine sehr spezifische Form innerhalb der Mitte dieser Blume bilden. Ich möchte, dass es sich wie eine Tropfenform anfühlt, die die Blume hinabfließt , so sehr ich möchte, dass sie sich wie eine Öffnung darin anfühlt. Es muss sich anmutig anfühlen. Wenn ich zu diesen Reben komme, müssen sie sich wie Schlange fühlen, sie können sich nicht zu geometrisch und rund fühlen, ich möchte, dass sie ein wenig komprimiert sind, als hätten sie ein Gewicht, fast so, als würden sie auf einer Oberfläche sitzen. Ich sehe hier auch eine Gelegenheit, eine Art subtilen Verweis auf das Unendlichkeitssymbol zu erstellen , das die Form ist, die ich früher in den Lektionen benutzte, um die Beziehung von Illustration und Design darzustellen und wie sie zusammenpassen, Art von einem Geben und Nehmen. Innerhalb dieser Reben werde ich diesen Aubrey Beardsley Einfluss nehmen, die Idee, dass innerhalb einer bestimmten Form eine komplexere Reihe von Emotionen und Gefühlen ist und das mit der Biologie oder organischen Natur wie sehen wir im Umhang der Frau in diesem Referenzbild. Also erschaffe ich ein Gewirr von Reben, die irgendwie in der Form dieser Blume verborgen sind. Auch hier versuche ich ständig, den positiven und negativen Raum auszugleichen. Ich stelle mir vor, was ich mit Schwarz füllen werde und was ich weiß halten werde. Also, ich muss die Kurven genau richtig machen. Sie müssen gleichmäßig verteilt sein. Abhängig von der Art des Künstlers Sie sind, können Sie sich mit diesem Ansatz verbinden oder nicht verbinden. Ich könnte diese ganze Skizze nehmen und sie in Adobe Illustrator mit einem Vektor-Stift-Werkzeug verfolgen, ich könnte vergrößern und einfach versuchen, die Linien genau richtig zu entsprechen, aber für mich kommt die Emotion heraus, wenn ich an diesen Orten mit dem Bewegung meiner Hand, Schaffung großer Bögen oder manchmal sogar kompliziertere Linien mit nur einem einzigen Fluss und Bewegung des Handgelenks. Es ist wie ein kleiner Tanz, oder? Wenn ich ein Vektorwerkzeug verwende, suche ich nur nach Genauigkeit und kann schöne Kurven erstellen, aber ich kann erkunden, was diese Kurven in einem Moment bedeuten und ich verliere ein bisschen von dieser menschlichen Verbindung. Es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, ich bin nicht ärgerlich über Illustratoren, die diese Werkzeuge verwenden, und ich mache es selbst manchmal, aber Sie müssen zugeben, dass es ein bisschen eine verlorene Gelegenheit gibt wenn Sie mit wirklich genauen technischen Software. Sobald ich meine Rebe abgeschlossen habe, werde ich dominant auf den Text zu bewegen und ich denke daran, wie ich eine einzigartige Schriftart, nicht einmal eine Schriftart, nur Buchstabenformen, die mit dieser Blume in der Rebe zu den Dingen verbunden sind , die Ich habe bereits auf der Seite. Es wird also eine Weile dauern, um die Persönlichkeit dieser Briefe zu finden. Ich bin natürlich geneigt zu weichen cartoonischen Formen, also das ist, was ich hier beginne und diese frühen Buchstaben werden wirklich die Sprache des gesamten Designs definieren. Also, ich werde sie nur bearbeiten, bis sie sich richtig fühlen. Die Briefe, die sie gegeneinander geschoben werden, weil ich Chancen für negativen Raum schaffen will , aber sie müssen auch noch lesbar sein, aber nur kaum. In Ordnung. Das fühlt sich zu cartoonish für mich an. Ich werde das alles löschen, und ich werde von vorne anfangen. Ich werde hier einen neuen Standpunkt einnehmen, ich werde den ganzen Buchstaben ausblenden und dann werde ich anfangen, die Formulare auszuschneiden. Nun, nicht wirklich schneiden Sie die Formulare aus, lassen Sie uns es so denken, ich impliziere die Buchstabenformen, indem ich Dunkelheit erschaffe. Also, ich arbeite ausschließlich im negativen Raum. Ich habe eine Referenz, aber wenn Sie wirklich darüber nachdenken, habe ich keine Buchstaben gezeichnet, ich impliziere nur Buchstaben mit meinem Design. Ich bin auf der Suche nach Sympathie, interessanten Formen und Formen. Das sekundäre Ziel hier ist es, die Buchstaben und die zwei verschiedenen Wörter darzustellen. Sie können sehen, wie ich hier um diese Rebe wieder gefangen werden, ich sollte es wahrscheinlich machen Schlange wie und geben Sie ihm ein bisschen von einem einzigartigen Charakter, so dass es abgesehen von der Vair, weil ich keinen Raum zwischen diesen beiden Worten verlassen. Ich weiß nicht über Sie, aber ich bin wirklich in einem anderen Zustand des Geistes gefangen , wenn ich so arbeite, wenn ich eine runde Formen und Formen male und man sieht, wie es herauskommt, wenn ich diesen Raum dekoriere. Ich verwandle einige der Buchstaben in Formen und verwandle einen Teil des negativen Raums in Formen. Also, die Idee hier ist, dass Ihr Gehirn irgendwie hin und her springt aus dem wörtlichen und dem Repräsentativen, dem Buchstaben und seiner abstrakten Bedeutung und der tatsächlichen Form, die ich geschaffen habe , das ist diese metaphysische Beziehung, die ich , die in einem früheren Kapitel erwähnt wurde. Jugendstil spielt mit Ihrem Verstand, wenn Sie es betrachten, und das ist irgendwie der Punkt. Sie will weder Aspekte unserer Gesellschaft noch der realen Welt repräsentieren. Es will sehen, was es bedeutet, eine Person zu sein , und das ist die ganze Idee hinter metaphysischem Studium, richtig? Es geht zurück auf Aristoteles und es gibt ein gutes Zitat Philosophen Emmanuel Kant aus dem frühen 1700, wissen Sie, etwa 100 Jahre bevor der Jugendstil wirklich ins Leben kam. Emmanuel Kant sagte: „Das Studium der Metaphysik ist ein bodenloser Abgrund, ein dunkler Ozean ohne Ufer.“ Wir scherzen darüber, was es bedeutet, Meta über etwas zu bekommen, was im Grunde bedeutet, alle Logik zu entfernen und einfach mit den Gefühlen und den Emotionen eines Themas zu fließen. Viele Leute mit einem wissenschaftlicheren Verstand würden sagen, dass das ein schwacher Standpunkt der Welt ist, weil es so introspektiv ist, oder? Es geht nur um dich, oder es ist so konzeptionell, oder es kann nur wirklich in deinem Kopf existieren, aber unsere engsten Beziehungen zu Ideen und Dingen haben ein metaphysisches Gefühl, weil es sagt, was es bedeutet, etwas zu sein, was es bedeutet, sich auf die Welt um dich herum zu beziehen. Wie kam etwas in erster Linie zu sein? Dinge kommen nicht einfach aus dem Nichts heraus. Dinge werden nicht aus einer wissenschaftlichen Definition geboren, es gibt Ergebnisse von Umwelteinflüssen. Das ist es, was Dinge wie diese Linien, dieser Einfluss, der umgebende Einfluss um meine Blume, das ist, was diese repräsentieren. Die Dinge, die etwas entstehen lassen. Es ist schwer zu beurteilen, was diese Dinge sind, aber Sie müssen sich bewusst sein, dass sie existieren, oder? Aber natürlich müssen sich die Kurven auch richtig fühlen. Es muss am Ende des Tages gut aussehen. 15. Kursprojekt: Lineart & Kontrast (Teil 2): - All diese Arbeit, die wir uns angeschaut haben, wissen Sie, wie es sich um 1905- 1906 herum geht. Etwa fünf Jahre später entstand die Bewegung der metaphysischen Kunst. Und das ist im Grunde die Idee, dass Künstler das malten, was nicht gesehen wurde. Die Fremdheit der unsichtbaren Welt, anderer Realitäten und derartiger Dinge. Das ist, wenn es Art Science-Fiction basiert, aber diese Art von Arbeit, die ich denke, ist ein wenig mehr mit Edgar Allan Poe und Geschichten wie The Raven verwandt. Wo es eine bedrohliche Energie oder ein Gefühl gibt, aber es gibt kein wirkliches antagonistisches Element. In Ordnung. Also, du weißt, dass das traurig ist, dass ich arbeite, ich verfolge nicht nur meine Arbeit. Ich denke ständig darüber nach, wie sich die Linien, die ich jetzt zeichne , auf das beziehen, was ich zuvor gezeichnet habe. Es mag schwer zu sehen sein, aber im Moment gehe ich um all die leeren Räume um die rauchigen Fäden herum , die ich erstellt habe, und verwandle diese Räume in eigene Formen. dieser Stelle fühlt es sich fast wie ein Holzschnitt an. Das war ein Stil, der sicherlich diese Ära der Graphischen Kunst inspirierte. Jetzt werde ich durch den Hauptraum um die Blume gehen und ein spezifischeres Bild des Einflusses der umgebenden Welt schaffen . Die Rauchigkeit ist also Einfluss, aber es ist auch wie ein Rahmenelement. Ich will nichts direkt mit der Blume verbinden. Ich meine, ich lasse diese Elemente im Raum um ihn herum schweben. Es ist so einfach, negativen Raum zu füllen und das Design zu überdrängen, aber ich denke, ich kann damit davonkommen, wenn ich meine Formen wirklich einfach halte. Ich will ein Gefühl von Weite. Richtig. Wie in einem Gefühl Blick nach links dort, mein kleines Referenzbild von Planeten, die sich durch die Tiefen des Raumes bewegen. Also, ich werde kleine Punkte verwenden. Also, sie scheinen weiter weg von der Blume, schieben Sie die Blume in den Vordergrund. Lasst uns jetzt die Skizze rausziehen. Ich kann diesen negativen Raum wirklich sehen. Ok. Das sieht aus, das sieht ziemlich gut aus. Ich werde in den inneren Teil der Blume bewegen und zeigen Art von der inneren Seite der Blume, was als nächstes kommt und ein bisschen Geheimnis hinzufügen. Ich liebe die Überlappung der Reben und diese kleinen Punkte im Inneren irgendwie angedeutet, dass diese Dinge hinter der Haupt-Ikonographie. bin mir nicht sicher, was ich mit diesen Blütenblättern machen soll, ich will ihnen nicht zu viel Form geben. Ich schätze, das gefällt mir. Jetzt werde ich durch und Blackout um die Reben gehen, was der Spaß Teil ist. Ich hatte mir das schon vorgestellt, es geht nur darum, jetzt durchzugehen und es zu tun. Ich habe viele Tentacled Kreaturen in meinem Tag gezeichnet, also bin ich ziemlich gut darin, Linien und Formen in und aus einander zu weben. Ich werde versuchen, die Blütenblätter dieser Blume zu dekorieren und ich bin mir nicht sicher, ob es mir noch gefällt. Sie sollten ein bisschen mehr Charakter für sie haben. Das ist zu viel. Aber ich habe bedenken, dass ich eine Farbe in dieses Design bringen werde und ich muss etwas Raum dafür lassen. So viel Schwarz in diesem Blumendesign wird nicht funktionieren. Okay, diese Pedale belästigen mich. Ich werde die kleinen horizontalen Linien herausnehmen, die ich in sie gesteckt habe. Und wenn ich eine kleine Kurve in diesem Blütenblatt bekommen kann, in diesem Vordergrund Blütenblatt hier wäre das großartig. Muss ich es ausfüllen oder nicht? Lassen Sie es unbefüllt. Ok. Jetzt komme ich in meine neue Aktie hier. Also, das ist immer ein guter Ort, um zu stoppen, denn ich übertreibe einen winzigen Raum. Es ist wie, wie genau messen Sie eine Küstenlinie. Ein letzter Ausflug zum äußeren Rand hier vielleicht fühle ich diesen Raum. Nein. Ich sollte es leer lassen. Ok. Das Ausgleich von positivem und negativem Raum, um Kontraste und Spannungen zu schaffen. Es ist ein ständiger Kampf. Deshalb machen wir immer wieder Kunst. 16. Kursprojekt: Farbe & Negativraum: Hier sind wir in der letzten Strecke des Klassenprojekts. Alles, was noch zu tun ist, ist Farbe und negativen Raum zu verhandeln. Schauen wir uns ein paar Beispiele an und schauen wir uns an, wie andere Künstler des Ver Sacrum mit Farbe auseinandergesetzt haben. Denken Sie daran, dass wir es mit frühen Drucktechnologien und wahrscheinlich kleinen Budgets für diese Zeitschriften zu tun haben. Also, Farbe ist eine Ware. Die meisten Bilder und Seiten verwendeten nur eine oder zwei Farben plus ein Schwarz. Also, Künstler würden wirklich klug darüber, wie sie negativen Raum nutzen. In diesem ersten Beispiel auf der linken Seite sehen wir, dass der schwarze Kontrast zwischen der Nacht ist. Die Linienarbeit des Schwarzen erzeugt Texturen, und dann ist das Blau die allgemeine Stimmungsfarbe des Designs. Wenn dieses Bild auf der linken Seite rot gewesen wäre, hätte es ein völlig anderes Gefühl, ohne andere Elemente des Designs zu verändern. So können wir Farbe verwenden, um die Stimmung für das Bild einzustellen. Im mittleren Beispiel hier haben wir orange Einstellung einen lebendigeren, energischeren Ton. Wir haben das Schwarz als zentralen Punkt der Betonung. Der Schatten im Hintergrund hätte auch schwarz sein können, aber er hätte von diesem anderen visuellen Element weggenommen. Also, lila funktioniert als nettes Kompliment zu Orange. Es hat eine schöne Energie, weil es hohen Kontrast, aber es nimmt nicht weg von der voll gesättigten schwarzen Form in der Mitte. So können wir Farbe verwenden, um auch einen Punkt der Betonung einzurahmen. Also muss ich mich entscheiden, ob meine Schatten schwarz sind? Wie gehe ich mit anderen sekundären Elementen um? Der dritte ist ziemlich clever, weil er das Vordergrundelement schwarz hält , ikonische Form, und es verwendet die Orange in der Rückseite, um den Ton für die Stimmung zu setzen und fast Rahmen das Gesicht ein wenig, aber mit einer cleveren Art von Sonnenuntergang Silhouette aus ihm gezogen. So können wir negative Räume innerhalb der Farbe erstellen. Wir können unsere Schwarzen als Schwerpunkte verwenden, um das Auge zu lenken, und wir können auch Farbe verwenden, um die Stimmung und den Ton in unserer Komposition einzustellen. Ich werde in Schwarz, Weiß arbeiten, und ich werde Rottöne wählen, ähnlich der ersten Ausgabe des Ver Sacrum. Das ist meine kleine Insider-Referenz für dieses Design, und es wird mir auch helfen, die Dinge ziemlich einfach zu halten. Ich werde den gesamten Hintergrund in rot ausfüllen, um zu beginnen. Ich werde das ganze Bild mit Rot füllen, und ich werde weiß herausziehen, wo es notwendig erscheint. Das Rot gibt ihm eine schöne Wärme, aber es flacht auch das Bild in vielerlei Hinsicht ab. Es reduziert den Kontrast, da der Wert von Rot ein paar Schritte näher an Schwarz als an Weiß liegt. Schwarz-Weiß, hoher Kontrast. Es ist eine Menge Spannung da, weil es ein großer Sprung für das Auge ist, von weiß nach schwarz. Aber das Rot sitzt in der Mitte. Also werde ich etwas Rot rausziehen. Beginnen wir mit der Blume in der Mitte. Diese beiden wichtigsten Blütenblätter, über die ich immer rede, und wie sehr ich mag, dass sie der Schwerpunkt sind. Ich ziehe die Farbe von dort heraus, die Blütenblätter und die drei Hauptschleifen plus den größeren Teil des Stiels. Auf diese Weise behalte ich ein bisschen von diesem Unendlichkeitssymbol. Ich behalte auch die komplizierteren Kurven und Bindungen der Reben, die nach innen des Designs geschoben werden, eher wie Orgelstamm. Ziehen Sie ein wenig Weiß auf den umgebenden Kugeln heraus, um sie mit der Blume zu verbinden. Vielleicht sind es Knospen, die einfach noch nicht gekeimt sind, um den Weltraum zu schweben. Nun, ich möchte ein bisschen Muster bauen. Muster ist ein so starkes Element der Jugendstil-Bewegung. Ich habe das überhaupt nicht angesprochen, aber ich kann die Sterne verwenden, um ein sehr einfaches Muster zu erstellen. Etwas Entspannendes und Ruhiges. Nur um ein wenig mehr weiß und Highlight und die Wirbel zu bekommen, werde ich durchgehen und einige der roten aus verschiedenen Teilen des Rauch herausziehen. Ich erwäge, das Rot aus dem Text zu nehmen, aber das Magazin ging nie aus dem Weg, um seinen Namen anzuzeigen. Nicht wie zum Beispiel ein Life Magazine, wo der Titel immer prominent und im Vordergrund steht. Das Ver Sacrum war etwas subtiler und dunkler. Also, es macht mir nichts aus, den Text im Design zu verstecken und die Blume den Hauptpunkt der Betonung sein zu lassen. Das ist die Art von Sache, die Sie mit einem Kunstmagazin zu tun haben , im Gegensatz zu einem kommerziellen Produkt. In Ordnung. Da ist mein komplettes Ver Sacrum Cover. Es ist ungefähr 120 Jahre nach der Frist. Wir gingen an einige seltsame Denkanregende Orte entlang des Weges. Ich hoffe, Sie haben diese kleinen Umwege genossen. Natürlich, das ist der Spaß und die Aufregung des kreativen Prozesses, gehen Orte, die Ihr Geist noch nie zuvor gegangen ist. Star Trek Stil Ok. Lasst es uns einpacken. 17. Zusammenfassung: Nun, ich hoffe, Sie haben die Illustration nach Design genossen, und ich hoffe, die Klasse hat Sie dazu inspiriert, eine eigene Illustration zu erstellen und sie im Klassenprojekt zu teilen. Ich liebe es, Arbeit von Schülern zu sehen. Es ist Teil dessen, was dies zu einer Gemeinschaft macht, und es ist Teil dessen, was mich inspiriert, eine neue Klasse für euch zu schaffen. Vergewissern Sie sich, dass Sie meinem Klassenkanal folgen, um Updates für neue Klassen zu erhalten. Ich bin auf Instagram, wenn du so etwas magst. Ich habe ab und zu einen Newsletter mit Wettbewerben, coolen Links, Bildern meiner Kunst und Veranstaltungen, an denen ich teilnehmen werde, veröffentlicht. Wenn Sie diese Klasse mögen, schauen Sie sich meine anderen Klassen auf Konzeptkunst, Cartooning, Kinderbuch Illustration, Zeichnung mittelalterliche Seeschlangen, alle Arten von Spaß Dinge für Sie Jungs, um Ihre kreativen Gehirne mit zu besetzen. In Ordnung. Wir sehen uns nächstes Mal.