Grundlagen der Schauspielerei: Fünf Schritte, um eine Rolle für die Bühne, Film und Fernsehen umzusetzen

1. Einführung: Hi. Ich bin Karim Darwish, Theaterkünstler und Content-Schöpfer, und das ist eine Einführung in die Charaktererstellung. In diesem Kurs lernen wir die Bausteine für Schaffung eines Charakters für die Bühne und die Kamera. Du wirst lernen, ein Skript zu analysieren, eine Charakterhintergeschichte zu konstruieren, die Ziele und Herausforderungen des Charakters zu verstehen und die Körperlichkeit und Stimmqualitäten des Charakters aufzubauen. Ich habe einen Bachelor of Fine Arts in Acting. Ich habe auf der Bühne gespielt, vor der Kamera, und ich bin so aufgeregt, diesen neuen Kurs online zu unterrichten. Jede Lektion in diesem Kurs führt Sie einen Schritt im Zeichenerstellungsprozess und enthält ein Arbeitsblatt und eine optionale Aktivität, die Sie abschließen können. Jede Aktivität baut auf der zuvor auf, und am Ende des Kurseshaben Sie eine Grundlage für einen Charakter geschaffen, haben Sie eine Grundlage für einen Charakter geschaffen der bereit ist, von den Seiten des Skripts lebendig zu werden. Dies ist ein Einführungskurs. Wenn Sie neu im Schauspiel sind, über Schauspielerei nachdenken oder nach langer Zeit eine Auffrischung benötigen, ist dieser Kurs genau das Richtige für Sie. Wenn du bereit bist zu beginnen, sehe ich dich in Lektion 1, der Hintergrundgeschichte. 2. Die Hintergrundgeschichte erstellen: Willkommen zu Lektion 1 des Charaktererstellungskurses. Bevor wir beginnen, lassen Sie uns darüber reden, welche Werkzeuge Sie als Schauspieler haben, um den Charakter zu bauen. Das Drehbuch ist die wichtigste Informationsquelle über deinen Charakter und jede Wahl, die du als Schauspieler triffst, muss letztendlich das Drehbuch und die Absichten des Schriftstellers ehren. Sie als Schauspieler müssen weitere Forschung über die Zeit und Ort, wo die Geschichte stattfindet, und alle anderen Faktoren, die Teil Ihrer Charaktere Erziehung und Entwicklung sein könnte , wie die Zeit und Ort, wann, und wo die Geschichte stattfindet. Je mehr Informationen Sie über den Charakter haben, desto reicher wird Ihr Charakter sein. Aber nicht alles wird Ihnen im Drehbuch oder in der Forschung zur Verfügung stehen, vor allem für fiktive oder antike Geschichtsfiguren, und das ist, wenn Ihre Schauspieler Phantasie ins Spiel kommt. Sie müssen Ihre Phantasie nutzen, um die Leerzeichen zu füllen und Entscheidungen zu treffen , die immer noch das Skript und die Welt des Schriftstellers zu ehren. Der erste Schritt, um eine Figur als Schauspieler aufzubauen , ist zu wissen, wer die Figur wirklich ist. Das Skript bietet Ihnen wichtige Informationen über den Charakter, dies umfasst den Charakternamen, Beziehung, Berufe, sozialen Status, und so weiter. Lesen Sie zuerst das Skript und notieren Sie jedes Detail über Ihren Charakter, auf den Sie stoßen, egal wie klein es ist. Wenn es im Skript ist, ist es aus einem bestimmten Grund da und ein guter Schauspieler wird einen Weg finden, jede Menge Informationen, die sie für den Charakter haben, zu nutzen. Nach den Skripten, recherchieren Sie die Zeiten und Orte, an denen Ihr Charakter geboren wurde, aufgewachsen ist und in der Geschichte lebt. Finden Sie heraus, welche Faktoren ihre Entwicklung beeinflussten, wie die Kultur, in der sie aufgewachsen sind. Was um Ihren Charakter sozial, politisch, wirtschaftlich geschah , war Krieg, wirtschaftliche Not, Revolutionen, politische Veränderungen, wie waren die Zeiten, und welche Auswirkungen könnte irgendeiner dieser Faktoren auf Ihre -Zeichen. Nach dem Drehbuch und der Recherche und das ist, wo Sie die Möglichkeit bekommen, gemeinsam mit dem Schriftsteller zu erstellen. Verwenden Sie Ihre Schauspieler Phantasie, um die Leerzeichen auszufüllen, in denen das Skript und die Forschung keine Informationen lieferten. Dies ist eines der Dinge, die gute Schauspieler von großen Schauspielern trennen, die Details und die Tiefe des Charakters, die sie schaffen. Zum Beispiel kann das Skript nicht genügend Informationen über die Eltern des Charakters enthalten, aber Sie als Schauspieler können eine gebildete Wahl treffen und entscheiden, basierend auf dem, was am sinnvollsten ist und ehrt das Skript, wenn die Eltern eine glückliche Ehe oder eine Scheidung, oder wenn einer von ihnen starb, und was wirkt sich auf eine dieser Entscheidungen kann auf den Charakter haben, und würde jede dieser Entscheidungen Sinn machen mit dem, was Sie bereits über das Leben und Verhalten des Charakters aus dem Skript wissen. Ebenso können Sie Entscheidungen in Bezug auf die Kindheitserfahrungen, Beziehungen, Träume und Bestrebungen des Charakters treffen, aber lassen Sie sich nicht allzu hinreißen und schreiben am Ende eine ganz neue Geschichte als das, was der Schriftsteller im Sinn hatte. Alle Entscheidungen, die Sie treffen, müssen die Absichten des Schriftstellers respektieren und ehrt das Skript. In dieser Lektion haben wir die Schauspieler Werkzeuge für den Aufbau eines Charakters, das Drehbuch, Forschung und Akteure Phantasie untersucht . Ihre Aktivität ist es, ein Spiel oder ein Filmskript zu finden, das Sie mögen, wählen Sie eine Figur, die Sie spielen möchten, lesen Sie das Skript, verwenden Sie Ihre Forschung und Phantasie und schreiben Sie eine drei- bis vierseitige Biographie über Ihren Charakter von ihrer Geburt bis Tod. Sie finden ein Arbeitsblatt zur Skriptanalyse, das Sie durch diese Aktivität führt. Wenn Sie möchten, dass ich durch dieses Arbeitsblatt gehen, können Sie das nächste Video sehen. Andernfalls hoffe ich, Sie in Lektion 2 zu sehen, wenn wir über die Charakterziele und Herausforderungen sprechen. 3. Übung: Eine Biografie schreiben: Hi schon wieder. Ich hoffe, Sie haben Lektion 1 genossen und freuen sich auf diese erste Aktivität des Kurses. In dieser Aktivität schreiben Sie eine Biographie über Ihren Charakter, indem Sie drei Dimensionen des Lebens des Charakters erkunden: physisch, sozial und psychologisch. Wenn Sie es noch nicht getan haben, stellen Sie sicher, dass Sie das Kurs-Aktivitätsbroschüre aus dem Bereich Kursressourcen herunterladen und weiterverfolgen. Sie können es ausdrucken oder auf Ihrem Computer öffnen lassen, je nachdem, was für Sie funktioniert. Im Aktivitätsarbeitsblatt werden drei Tabellen oder Felder angezeigt. Eine für die physische Dimension, soziale Dimension und die psychologische Dimension. Beginnend mit einem physischen, beschreibt dies die äußere Seite des Charakters, alles, was zu sehen ist und wie sie erscheinen. Dinge wie Name, Geschlecht, Altersfärbung, die sich auf Haare, Augen und Hautfarben bezieht , Marken wie Geburtszeichen, Narben, Tätowierungen, gesundheitliche Bedingungen, die sichtbar sind, wie ein Glied oder eine Verletzung. Dieser letzte ist zum Spaß, erzählt aber immer noch viel über den Charakter, Haustiere. Haben sie Haustiere? Sind sie eine Katze oder ein Hund Person oder gehören sie zu den Menschen, die einen Tiger im Keller haben? also für jeden dieser Punkte sicher, dass Sie so viel wie möglich ausarbeiten. Stellen Sie sicher, dass Ihre Antworten so genau wie möglich spezifisch und detailliert sind. Social beschreibt einen Charakter in ihrer Gemeinschaft und wie sie sich hineinpassen. Diese Dimension umfasst Status, Beruf, Bildung, Familie, Nationalität, Rasse und Überzeugungen. Status ist ihre Position in ihrer Gesellschaft. Haben sie eine hohe Position oder eine niedrige Position, und wie respektiert sind sie in ihrer Arbeit und Gemeinschaft? Beruf ist das, was sie für ihren Lebensunterhalt tun und wie sie sich finanziell unterstützen. Bildung ist, welches Bildungsniveau sie haben, wie viele Schuljahre sie absolviert haben, was ist ihr höchster Abschluss? Familie ist, wer ist ihre Familie, wie viele Geschwister sie haben, sind sie verheiratet, leben sie mit jemandem? In ähnlicher Weise können Sie ihre Nationalität, Rasse, welche spirituellen und politischen Überzeugungen sie haben adressieren . In der letzten Dimension, der Psychologie, beschreibt es die innere Seite des Charakters, wie sie sich selbst und ihren Platz im Leben sehen. Dinge wie ein romantisches Leben. Sie können im Allgemeinen beschreiben, wie ihr Liebesleben ist. Haben sie romantische Gefühle für jemanden? Wie sind diese Gefühle? Wenn sie für niemanden Gefühle haben, wie fühlen sie sich dann an? Viele Gefühle in diesem, moralischen Standards sind über Ihre Charaktere, Charakter, und wofür sie stehen, was ihnen wichtig ist. Sagen Sie nicht nur hohe oder niedrige Standards, sondern beschreiben Sie weiter, was der Charakter schätzt und lebt. Wertschätzen sie zum Beispiel Ehrlichkeit, Qualität, Gerechtigkeit? Oder sind sie in Ordnung, andere zu lügen oder zu täuschen, um zu bekommen, was sie wollen? Oder vielleicht haben sie doppelte Standards in Bezug auf einige dieser moralischen Werte. Sie akzeptieren bestimmte Dinge, die ihnen angetan wurden, nicht, aber sie tun sie anderen. Ein kleiner Hinweis. Ein gut geschriebener Charakter wird komplex sein und vielschichtig sein. Sie werden nicht alle gut oder alle schlecht sein. Das sind alle gut oder alle schlechten Charaktere haben nicht genug Tiefe. Also, selbst wenn Sie den Bösewicht in der Geschichte spielen, finden Sie heraus, ihre gute Seite zu, und wofür sie stehen, wenn es um ihre Regeln über das Leben, ihre Familie und Lieben geht . Persönliche Ziele sind alle Träume und Bestrebungen, die dein Charakter hat, wie er sich über sie fühlt. Sind sie aufgeregt, sie zu erreichen, oder werden sie von ihnen eingeschüchtert? Bedauern sind die Dinge, über die Ihr Charakter enttäuscht ist. Dies können Dinge wie zu lange warten, um ein Ziel zu erreichen, und jetzt die verpasste Gelegenheit und es ist zu spät oder falsche Entscheidungen, die sie getroffen haben und wünschten, sie hätten es nicht. Oder wenn sie in eine schlechte Beziehung geraten, bedauern sie, eine gute Beziehung zu haben oder zu brechen, in der sie sich wünschen, dass sie bleiben. Pet peeves sind all die Dinge, die Ihren Charakter ärgern. Auch wenn Sie denken, das sind dumme, kleine Dinge, sie sind wichtig für Menschen, die dieses Haustier peeves haben und es wird wichtig sein, um Ihren Charakter. Also kommen Sie mit ein paar Dinge, die Ihren Charakter zu ärgern. Vielleicht ist es ein Nachbar mit einem lauten Motorauto, der jeden früh am Morgen aufweckt, oder dieser Freund, der immer deine Pommes isst, oder Leute, die während des Filmes immer Fragen stellen. Schließlich sind Stärken und Schwächen darüber, was der Charakter fühlt, in dem er gut und nicht gut ist. welche Aspekte sind sie stolz und in welchen Aspekten wollen sie sich verbessern? Denken Sie an Stärken als die Qualitäten, die den Charakter im Leben erfolgreich machen und die Schwächen sind diejenigen, die den Charakter von der Lösung ihrer Probleme halten. Stärken können Dinge wie Kreativität, Flexibilität, starke Führungskompetenzen sein, und Schwächen können Dinge wie Selbstkritik, Unsicherheiten, Angst vor Geselligkeit oder öffentliches Sprechen sein. Schwächen bedeuten nicht, dass dein Charakter zum Scheitern verurteilt ist und wegen dieser Schwächen nie etwas erreichen kann. Nein, Schwächen sind einfach Bereiche, in denen sich dein Charakter nur verbessern muss. Schwächen sind Wachstumschancen. Wenn Sie also diese drei Dimensionen ansprechen, können Sie kritzeln, Aufzählungspunkte schreiben oder jede andere Weise, die für Sie funktioniert. Wenn Sie fertig sind, ordnen Sie alle Notizen, die Sie gesammelt haben, neu an und schreiben Sie eine 3-4 Seiten Biographie über das Leben Ihres Charakters von ihrer Geburt bis zu ihrem Tod. Offensichtlich können Sie nicht alles in 3-4 Seiten passen, also konzentrieren Sie sich auf die Highlights des Lebens, die wichtigen Details über das Leben Ihres Charakters auf denen Sie aufbauen können, wenn Sie Ihre Leistung erstellen. Mach dir keine Sorgen, wenn du kein guter Schriftsteller bist, das ist kein Schreibkurs und du musst kein guter Schriftsteller sein. Als Schauspieler brauchst du das niemandem zu zeigen. Die Charakterbiografie ist nur, um Ihnen eine starke Grundlage für die Schaffung Ihres Charakters zu geben. Konzentrieren Sie sich nicht zu sehr auf Grammatik oder Schreibstruktur, schreiben Sie einfach, wie Sie sprechen, als ob Sie einem Freund von Ihrem Charakter in einem lässigen Gespräch erzählen würden. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie in der First-Person mit I-Anweisungen schreiben. Ich habe, ich will anstelle meines Charakters hat, will mein Charakter. Dies hilft, dich mit dem Charakter zu verbinden, wenn du die Rolle ausführst. Nehmen Sie sich Zeit, um diese Aktivität abzuschließen, und lesen Sie die Lektion, falls erforderlich, erneut. Sie können zu Lektion 2 gehen, wenn Sie bereit sind. 4. Die Ziele und Herausforderungen bestimmen: In Lektion 1 hast du eine Hintergrundgeschichte für die Figur erstellt und eine Biografie geschrieben. Wenn Sie die Aktivität über ihr Leben von der Geburt bis zum Tod, einschließlich so viele Informationen über den Charakter, wie Sie aus dem Skript, Forschung, und Ihre Phantasie und informierte Entscheidungen sammeln konnte . In dieser Lektion werden wir spezifischer, indem wir uns auf die Ziele und Herausforderungen des Charakters in der Geschichte konzentrieren . Tolle ansprechende Geschichten erzählen von Konflikten und Konfliktlösung. Niemand will einen Film über die glückliche Familie sehen, die in dem glücklichen Dorf leben und alle ihre Wünsche und Bedürfnisse abgedeckt und niemand will etwas. Das wäre langweilig. Wir wollen Geschichten sehen, die unser Leben widerspiegeln. Charaktere, die Bedürfnisse und Wünsche haben, die mit Herausforderungen und Hindernissen konfrontiert sind und wie sie diese Herausforderungen meistern. Selbst in Comedy oder Cartoons will jeder Charakter etwas, das er noch nicht ganz bekommen kann , weil es etwas oder jemand im Weg ist und sie müssen etwas unternehmen, um das zu überwinden, was im Weg ist, um zu bekommen, was sie wollen. Sie können Erfolg haben oder scheitern, aber es ist dieser Pull and Push, dieser Kontrast, eine Geschichte fesselnd, manchmal inspirierend und definitiv unterhaltsamer macht als die glückliche Familie aus dem glücklichen Dorf. Jeder Charakter vom Star der Geschichte bis zur kleinsten Rolle hat ein Ziel, etwas, das sie erreichen wollen. Dies nennt man das Ziel. Sie stehen vor einer Herausforderung, die sie davon abhält, ihr Ziel, das Hindernis zu erreichen, und sie tun etwas, um diese Herausforderung zu überwinden und dass etwas die Taktik oder die Aktion genannt wird. Das Ziel ist es, was den Charakter motiviert, ihre Linien zu sagen und mit anderen Charakteren zu kommunizieren. Es kann auf kleinere Ziele aufgeschlüsselt werden, was zu dem sogenannten Superziel beiträgt. Dieses Super-Ziel ist das ultimative Ziel das der Charakter in der gesamten Geschichte erreichen will. Die kleineren Ziele sind, was der Charakter in der Szene erreichen will , um schließlich zu ihrem Super-Ziel zu gelangen. also für Ihren Charakter, Fragen Sie sichalso für Ihren Charakter,was will mein Charakter? Warum sind sie überhaupt in der Geschichte? Warum sagen sie, was sie sagen? Wieder, wenn es im Skript ist, ist es aus einem bestimmten Grund da. Wenn der Charakter wiederholt sich, sagt das gleiche wieder, es ist kein Fehler oder Redundanz, aus einem Grund. Egal, wie groß oder klein, wichtig oder albern der Charakter sagt, Sie müssen immer noch wissen, was das Ziel für jede Szene ist und wie diese kleineren Ziele zum Super-Ziel des Charakters beitragen. Das Ziel muss spezifisch sein, ein spezifisches Aktionsverb, das physisch ausgedrückt werden kann, wie zum Beispiel zu inspirieren, zu manipulieren, herauszufordern. Es sollte nicht eine Emotion sein, glücklich oder allgemein zu sein, gerne nicht gefeuert zu werden. Diese sind nicht spezifisch und sind nicht anwendbar. Aber weil gute Geschichten über Konflikte sind, wird der Charakter nicht bekommen, was sie wollen, sofort, oder vielleicht auch nie. Wir müssen wissen, was dem Charakter im Weg steht, um sein Ziel zu erreichen. Was ist das Hindernis? Sie sich für jedes Ziel, das Sie für Ihren Charakter identifiziert FragenSie sich für jedes Ziel, das Sie für Ihren Charakter identifizierthaben, was hält sie davon ab, diese Ziele zu erreichen? Ist es eine Person, ein Umstand, ein Glaube, ein Mangel an Geschick oder Wissen? Je größer das Hindernis ist, desto fesselnder ist die Geschichte. Wir wollen keinen zweistündigen Film über einen Charakter sehen, der sagt, will eine Tasse Kaffee und all seine Probleme sind, dass er seine Brieftasche vergessen hat. Vielleicht tun Sie das, kein Urteil hier, aber es muss etwas Großes auf dem Spiel sein. Es muss ein Gefühl der Dringlichkeit oder Gefahr von Irgendeiner Art geben, wenn der Charakter nicht ihren Weg bekommt weil gute Schriftsteller keine Geschichten über einen anderen Tag im Leben für eine Reihe von Charakteren schreiben , sie schreiben Geschichten über die Zeit, als dieses riesige Ding passierte. Fragen Sie sich, was sind die Einsätze? Was passiert, wenn die Charaktere nicht bekommen, was sie wollten, nicht das Ziel erreichen? Werden sie ihren Job verlieren, Geld verlieren, Beziehungen verlieren oder sterben? Jede Szene wird ihre eigenen Einsätze haben. Jetzt kennen wir das Ziel, und wir kennen das Hindernis, und wir wissen, was auf dem Spiel steht. Als Nächstes müssen wir wissen, was der Charakter dagegen tun wird? Welche Maßnahmen oder Taktik wird der Charakter ergreifen um das Hindernis zu überwinden, um das Ziel zu erreichen? Die Aktion wird Ihre Wahl sein, solange es Sinn für das, was der Charakter sagt, und für die Geschichte macht. Es gibt keine richtige Aktion, weil der Charakter das Hindernis durch mehrere verschiedene Wege überwinden kann . In dieser Lektion haben wir die Charakterziele, Hindernisse, Einsätze und Taktiken kennengelernt. Ihre Aktivität besteht darin, eine Szene aus dem Skript auszuwählen, das Sie für die 1-Aktivität der Lektion verwendet haben , und die Ziele, Hindernisse, Einsätze und Taktiken Ihres Charakters zu identifizieren . Sie finden ein Arbeitsblatt zur Zeichenanalyse, das Sie durch diese Aktivität führt . Wenn Sie sehen möchten, dass ich dieses Arbeitsblatt durchgehe, können Sie sich das nächste Video ansehen. Ansonsten hoffe ich, Sie in Lektion 3 zu sehen, wo wir über die Körperlichkeit des Charakters sprechen. 5. Übung: Eine Szene analysieren: Bei dieser Aktivität werden Sie üben, Ihre Charaktere, Ziele, Hindernisse, Einsätze und Aktionen zu identifizieren . Genau wie das, worüber wir in Lektion 2 gesprochen haben, wählen Sie eine Szene aus dem Skript aus, das Sie für die Charakterbiografie in der ersten Aktivität verwendet haben. Ich würde vorschlagen, dass Sie eine Szene auswählen, in der einige gute Action stattfindet, vielleicht um die Mitte des Drehbuchs, wo Charaktere vollständig eingeführt wurden und sich jetzt an einem erhöhten Platz in der Geschichte befinden. Wählen Sie nicht die erste Szene, in der noch nicht viel passiert, aber das ist nur ein Vorschlag, Sie können die Szene auswählen, die für Sie funktioniert. Denken Sie daran, dass die Szene, die Sie jetzt auswählen, Sie werden weiter für die nächsten Aktivitäten arbeiten wenn Sie die Körperlichkeit und die Stimme des Charakters hinzufügen. Sobald Sie die Szene haben, lesen Sie sie mehrmals beantworten Sie dann die Fragen in diesem Arbeitsblatt In diesem Kurs finden Sie ein aktives Verbblatt. Stellen Sie sicher, dass Sie es verwenden, wenn Sie das Ziel identifizieren. Nehmen wir an, Bob bekommt in einen Autounfall, er ist in Ordnung, aber das Auto ist nicht, Totalverlust. Dieses Auto war nagelneu, erst im letzten Monat gekauft. Es gibt ein kleines Problem, dieses Auto war nicht Bobs Auto, es gehörte seinem Vater. Ein weiteres kleines Problem, Bob hat das Auto hinter seinem Vater genommen. Er wollte ein paar Freunde beeindrucken. Jetzt muss Bob nach Hause gehen und seinem Vater die Nachricht bringen, dass er gerade neue Auto seines Vaters zerstört hat, das er hinter dem Rücken seines Vaters fuhr. Bob ist sicher, wenn er weiß, dass er so wütend sein wird , dass er Bob bestrafen könnte, indem er ihn daran hindert, zum Abschlussball zu gehen, aber Bob kann nicht zum Abschlussball gehen. Er hat sich das ganze Jahr über seinen Mut gesammelt und erst neulich hat ihn endlich zum Abschlussball gebeten. Jetzt können Sie Bob beurteilen und sagen, dass das albern ist, aber für Bob ist es eine große Sache. Es könnte die Liebe seines Lebens sein. Bob beschließt, sich vor der Situation zu verstecken und sich spät in der Nacht einzuschleichen, wenn alle schlafen. Auf diese Weise wird er eine Konfrontation mit seinem Vater vermeiden , bis er über eine bessere Lösung nachdenkt. Sein Vater war wach und fragt, warum Bob zu spät ist und warum das Auto nicht in der Garage ist? An diesem Punkt beschließt Bob zu lügen und sagt, dass er das Auto nicht gefahren hat. Zu Bobs Überraschung sagt sein Vater, er war früher am Telefon mit einem Freund der Familie, der Bob im Auto seines Vaters vorbeifahren sah. Bob beschließt dann, sauber zu kommen und besaß seine Handlungen und übernimmt Verantwortung und sagt seinem Vater die Wahrheit. Bobs Vater ist fantastisch, alles, was er interessiert ist, ist, dass Bob gesund und sicher ist und er stolz ist, dass Bob Verantwortung übernommen hat. Er beschließt, nicht mithalten, zum Abschlussball zu gehen. Nach dem Abschlussball wird Bob jedoch einen Monat lang nicht sein Telefon haben, aber das ist ein Hindernis für eine andere Szene. Aus dieser dummen Szene, die ich erfunden habe, können wir sagen, dass für Bob das Ziel dieser Szene darin besteht, einer Strafe zu entziehen. Das Hindernis ist, Papa ist wach und wollen hören, was mit seinem Auto passiert ist. Was steht auf dem Spiel? Bob könnte daran gehindert werden, mit dem Zerquetschen seines Lebens zum Abschlussball zu gehen. Taktik? Bob versucht zunächst, seine Handlungen zu leugnen, dann Verantwortung zu übernehmen und um Vergebung zu betteln. Für diese Szene war er in der Lage, Abschlussballstrafe zu umgehen. Sie für die Szene, die Sie auswählen, StellenSie für die Szene, die Sie auswählen,sicher, dass Sie dasselbe tun, finden Sie die Ziele, Hindernisse, Einsätze und Taktiken. Stellen Sie sicher, dass das Ziel in einem Aktionsverb ist, das ausgeführt werden kann. Wenn du bereit bist, werde ich dich in Lektion 3 sehen. 6. Die körperliche Erscheinung der Figur erstellen: Nun, was wir alle Vorbereitungsarbeiten in den Lektionen eins und zwei getan haben, sind wir bereit, diesen Charakter von den Seiten zu bringen , indem wir die Körperlichkeit dieses Charakters erkunden. Körperlichkeit ist alles darüber, was der Charakter mit ihrem Körper tut, wie sie stehen, sitzen, gehen, wie sie sich nonverbal ausdrücken, wie sie kommunizieren, Emotionen des Glücks, Wut, Frustration, alles, was Charakter tut mit ihren Mimik, Händen, Füßen und ihr ganzes. Es gibt zwei Möglichkeiten, sich der Körperlichkeit des Charakters zu nähern : nach innen und außen oder nach innen. Der nach innen und außen gerichtete Weg beginnt damit, zuerst die Psychologie des Charakters zu erforschen, wie sie sich im Inneren fühlen und das beeinflusst, wie sich ihr Körper nach außen bewegt. Der nach außen gerichtete Weg beginnt damit, den Körper zuerst zu bewegen, und das beeinflusst, wie sich der Charakter auf der Innenseite anfühlt, welche Art Sie wählen, liegt an Ihnen und was für Sie und für die Geschichte funktioniert und Sie können eine Mischung aus beidem verwenden. Aus all den Informationen, die Sie über den Charakter gesammelt und konstruiert haben, haben Sie viele Daten, mit denen Sie als Start-Framework arbeiten können, auf dem Sie aufbauen können. Zum Beispiel, wie alt ist der Charakter? Wie ist ihre Gesundheit? Spielen sie Sport? Arbeiten Sie einen Bürojob? Haben sie eine körperliche Behinderung? Die Antworten auf all diese Fragen geben Ihnen eine Vorstellung, wie sich dieser Charakter physisch verhalten könnte. Wie ist das Leben des Charakters? Sind sie reich, arm, in einer glücklichen Beziehung oder in einer schlechten Beziehung? Haben sie ein finanzielles Problem, haben sie einen geliebten Menschen verloren? Haben sie ein Sucht- oder Wutproblem? Die Antworten auf diese Fragen geben Ihnen eine Vorstellung davon, wie sich dieser Charakter emotional verhalten könnte. Das Thema Körperlichkeit ist riesig und es kann mehrere Kurse dauern, um abzudecken, aber ich möchte Ihnen ein paar Werkzeuge als Starter geben. In dieser Lektion werden drei Elemente aus Körperlichkeit, Gewicht, Blei und Tempo erforscht. Gewicht bezieht sich auf das emotionale Gewicht eines Charakters, der leicht oder schwer sein kann. Je glücklicher und entspannter der Charakter ist, desto leichter fühlt sich ihr Körper an und ihre Bewegung fließt frei. Je trauriger und angespannter der Charakter ist, desto schwerer fühlt sich ihr Körper an und ihre Bewegung wird vom Nacken oder Schultern, den Armen abgewogen. Die Blei bezieht sich darauf, welcher Teil des Körpers die Bewegung des Charakters führt. Führen sie vom Kopf, von der Brust, dem Becken, den Füßen? Wie fühlt sich jede dieser Bewegungen, Haltungen an und sieht aus? Was können wir über eine Person erzählen, die sich so bewegt? Tempo bezieht sich darauf, wie schnell und plötzlich oder langsam und kontinuierlich sich der Charakter bewegt. Bewegen sie sich schnell oder langsam? Haben sie einen starken fiskalischen Impuls oder sind sie eher eingedämmt? Basierend auf den Informationen, die Sie über den Charakter haben, spielen Sie mit diesen drei Elementen herum, mischen Sie Gewicht, Blei und Tempo und sehen Sie, was Sie entdecken. Gehen Sie in Ihrem Raum herum und setzen Sie sich und stehen Sie in verschiedenen Gewichten. Entdecken Sie, wie es sich anfühlt, aus verschiedenen Körperteilen zu führen. Versuchen Sie, Ihr Tempo zu ändern und Entscheidungen zu treffen, basierend auf Ihren Erfahrungen und was sie am besten für den Charakter und die Geschichte macht. Ein weiteres Bonus-Tool ist das Muskelgedächtnis. Unsere Körper erinnern sich daran, wie sie sich während bestimmter Erfahrungen bewegten, vor allem Erfahrungen mit erhöhten Emotionen wie Freude oder Schmerz. Du kannst dich an diese Erinnerungen erinnern und sie in die Körperlichkeit deines Charakters bringen. Erinnern Sie sich, wie schwer sich Ihr Körper anfühlte, als Sie wütend auf jemanden waren, oder wie leicht er sich anfühlte, als Sie in jemanden verliebt waren. Wie langsam es war, als du müde oder traurig warst und wie plötzlich und schnell es bewegte, wenn du spannende Nachrichten erhältst. Erinnern Sie sich, wie sich Ihre Schultern fühlten, wie Ihr Arm schwankte, wie Ihre Füße zeigten. Du hast eine Erfahrung aus erster Hand als Mensch zur Verfügung, wenn du deinen Charakter aufbaust. Es sei denn, Ihr Charakter ist ein Alien oder ein Tier, das ein anderes Maß an körperlichen Fähigkeiten und Vorstellungskraft des Schauspielers erfordert. Die Wahl des Muskelgedächtnisses ermöglicht es Ihnen, die Körperlichkeit der Emotion neu zu erstellen , ohne die Emotion notwendigerweise zu wiederholen. Aber unser Körper und unser Geist sind miteinander verbunden und oft beeinflusst die Art und Weise, wie wir uns bewegen, das Gefühl und die Art und Weise, wie wir uns fühlen, unsere Bewegung beeinflusst. Achten Sie darauf, dass Sie sich um Ihr emotionales und körperliches Wohlbefinden kümmern und nutzen Sie keine Erinnerungen oder Emotionen, die Sie noch nicht vollständig gelöst haben. Probieren Sie nichts aus, wofür Sie nicht bereit sind oder sich nicht wohl fühlen. Wie stellen wir sicher, dass sich diese Emotionen und Körperlichkeit nicht zu einstudiert und unnatürlich fühlen? Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, sich auf die Handlung zu konzentrieren, nicht auf die Emotion eines Charakters. Zum Beispiel könnte der Charakter eine andere Person anfeuern. Sie können das Gefühl des Glücks wählen und versuchen, glücklich zu handeln, die auf natürliche aussehen könnte. Gefühle sind keine Handlungen, die Sie handeln können, sie sind die Nebenprodukte der Aktion. Auch Glück ist nicht die einzige Emotion, die Sie haben können, während Sie jemanden jubeln. Du könntest aufgeregt, stolz sein oder fröhlich weinen. Also statt eine Emotion zu wählen, wählen Sie die Aktion, die am besten zur Szene passt, zu jubeln, zu unterstützen, zu loben, und lassen Sie die Emotionen natürlich fließen, und die Ihre Mimik beeinflussen und inspirieren Sie Ihre körperliche Auswahlmöglichkeiten. In dieser Lektion haben wir drei Elemente für Bewegung, Gewicht, Blei und Tempo gelernt . Wir haben die Werkzeuge des Muskelgedächtnisses erforscht und diskutiert, wie Sie Ihre Leistung natürlicher machen können. Deine Aktivität besteht darin, die Bio des Charakters zu verwenden, die du für Lektion 1 geschrieben hast , und ein physisches Profil für den Charakter zu erstellen. Stellen Sie sicher, dass Sie alle Elemente, die Sie bisher in den vergangenen Lektionen gelernt haben, mit einbeziehen. Sie finden ein Arbeitsblatt für physische Analysen, das Sie durch diese Aktivität führt. Wenn Sie sehen möchten, dass ich dieses Arbeitsblatt durchgehe, können Sie sich das nächste Video ansehen. Ansonsten hoffe ich, Sie in Lektion vier zu sehen , wo wir über die Stimme des Charakters sprechen. 7. Übung: Eine Bewegungssequenz erstellen: In dieser Aktivität üben Sie den Aufbau der Körperlichkeit des Charakters. Für die Szene, an der Sie in Lektion 2 gearbeitet haben, erstellen Sie eine Bewegungssequenz für Ihren Charakter. Denken Sie darüber nach, wo sich der Charakter physisch am Anfang der Szene befindet. Sitzen sie? Stehen sie? Liegen sie sich hin? Wo bewegen sie sich in der Szene? Stehen sie auf, laufen? Kommen sie in Augenblicken den anderen Charakteren am Tatort näher und kommen in anderen Momenten weiter weg? Versuchen Sie, einen Bewegungsplan abzubilden, der für die Szene und für das, was der Charakter sagt und fühlt, Sinn macht . Wenn sie verletzt oder aufgeregt sind, welches Bewegungsmuster könnten sie haben? Wenn sie ein lustiges Gespräch oder einen Streit mit jemandem führen, wie nah oder weit werden sie voneinander stehen? Für jede Zeile sagt der Charakter in der Szene, treffen Sie eine Auswahl darüber, wie sie sich bewegen oder sich nicht, und beginnen Sie dann, mehr Ebenen zu ihrer Körperlichkeit aus den Boxen Gewicht, Lead und Tempo hinzuzufügen . Denken Sie darüber nach, wie schwer oder leicht sich ihr Körper während jeder Zeile anfühlt, die sie synchronisiert werden. Wenn sie sich bewegen, welche Körperteile führen die Bewegung? Jemand, der von den Köpfen führt, vielleicht in einem tiefen Gedanken oder verletzt oder ist älter im Alter. Sie können Rückenschmerzen haben, die dazu führen, dass sie sich nach vorne lehnen. Jemand, der von der Brust führt, vielleicht versucht, Mut oder Vertrauen auszudrücken, was sein kann, was sie tatsächlich fühlen, oder sie könnten vorgeben. Jemand, der vom Becken führt, würde sich zunächst ein bisschen komödiantisch fühlen, wenn man es ausprobiert, wie jemand, der so kühl, entspannt ist , am Strand spazieren geht. Aber probieren Sie es aus und sehen Sie, was Sie entdecken. Was könnte jemand dazu bringen, diesen Weg zu gehen? Für Füße, zeigen die Füße deines Charakters nach innen oder außen, wenn sie gehen? Gehen sie zuerst Zehen, dann Fersen oder Fersen erst dann Zehen? Ihr Charakter wird mehrere davon in ihren Bewegungen verwenden. Sie können eine Bewegung vom Kopf aus starten und dann fügt sie sich in eine Brustleitung ein. Spielen Sie herum und experimentieren Sie mit diesen Bewegungen. Natürlich werden diese Bewegungen für einige Charaktere übertrieben sein, besonders in der Komödie. Für andere Charaktere wird es subtil sein. Schließlich ist das Tempo, wie schnell oder langsam jede Bewegung ist. Auch hier wird der Charakter in verschiedenen Momenten in der Szene ein anderes Tempo verwenden. Denken Sie an all diese Elemente von Gewicht, Blei und Tempo als eine Skala, arrangieren. Je übertrieben es ist, wird es sich komödierter und unrealistischer fühlen und aussehen, was in der Komödie großartig funktioniert. Je präziser und spezifisch sind, desto realistischer werden sie aussehen und fühlen, was im Drama großartig funktioniert. Viel Spaß. keine Angst, ein wenig albern auszusehen, wenn Sie diese Bewegungen ausprobieren, und fangen Sie an, sich bewusst zu werden, wie Menschen um Sie herum bewegen, aber seien Sie nicht zu gruselig und verfolgen Sie Menschen oder so etwas. Wenn Sie bereit sind, sehen wir uns in Lektion 4. 8. Die Stimme der Figur ausdrücken: Willkommen bei Lektion 4. Ich hoffe, Sie haben diesen Charaktererstellungsprozess bisher genossen. Mittlerweile solltest du die Geschichte, Persönlichkeit und Körperlichkeit deines Charakters kennen. In dieser Lektion werden wir die Stimme eines Charakters erforschen. Wie Körperlichkeit in Lektion 3 ist Stimme ein weiteres großes Thema, das mehrere Kurse nehmen kann, um vollständig abzudecken. Für diese Lektion werden wir einige der Grundlagen der Stimme betrachten. Stimme kann in zwei Kategorien unterteilt werden, physisch und performativ. Eine physische Kategorie umfasst alle physischen Teile, die die Geräusche bilden, die wir zum Sprechen machen. Dies sind die Lippen, Zähne, Zunge, die Mundpaletten, die Artikulatoren genannt werden, sowie ihre Stimmbänder, die Kiefermuskeln und alle verschiedenen Teile der menschlichen Anatomie, die an einer Stimmenbildung beteiligt sind. Sie als Schauspieler, müssen diese Teile so trainieren, wie ein Athlet trainiert ihre Muskeln. Dies kann durch Vokalübungen, Atemtechniken, Zungenbrecher und viele weitere Ansätze erfolgen. Ich habe zusätzliche Ressourcen für Sie in dieser Lektion enthalten. Offensichtlich werden Sie Ihre Charaktere zum Ausdruck bringen, also was auch immer physische Werkzeuge Sie haben, werden Sie auf den Charakter bringen und dann müssen Sie identifizieren oder eine Wahl treffen, die Sinn darüber macht, welche zusätzlichen einzigartigen Qualitäten, falls vorhanden, kann Ihr Charakter haben. Haben sie einen Lispel? Tragen sie Zahnspangen? Sind die alten, sie haben keine Zähne mehr? Sobald Sie sich Ihrer physischen Vokalwerkzeuge bewusst sind und alle zusätzlichen Werkzeuge identifizieren, die Ihr Charakter haben kann, beginnen Sie zu üben, indem Sie alle diese Werkzeuge, während Sie sprechen. Seien Sie sich bewusst, wie sich Ihr Kiefer bewegt, wie Ihre Zunge auf das Dach Ihres Mundes trifft, wann und wie Ihre Zähne zusammenkommen, wie viele Worte können Sie sagen, bevor Sie die Notwendigkeit spüren, einen weiteren Atemzug zu nehmen. Spielen Sie herum und aktivieren Sie alle Ihre physischen Vokalwerkzeuge. Die performative Kategorie ist, wo viel Spaß und Kreativität ins Spiel kommen. Diese Kategorie umfasst Tempo, Artikulation, Diktion, Lautstärke, Tonhöhe, Ton, Betonung, Pausen. Wir werden einige von ihnen kurz übergehen, um Ihnen eine Vorstellung von all den verschiedenen Möglichkeiten zu geben , wie wir unsere Stimmen nutzen, um uns auszudrücken und mit anderen zu kommunizieren. Zuerst, Atem. Atmen ist, wie wir am Leben bleiben und alles andere tun. In der Rede ist es so wichtig, die Beziehung zwischen unserem Atem und unserer Stimme zu verstehen . Wir sprechen beim Ausatmen. Die Luft, die herauskommt, verwenden wir unsere Artikulatoren, um Klänge zu formen und zu erzeugen. Je effektiver unser Atem ist, desto stärker und effektiver wird unsere Sprache. Also erforsche deine Atmung. Werden Sie sich bewusst, wie Sie einatmen und ausatmen. Verwenden Sie hauptsächlich Ihre Nase oder Ihren Mund zum Atmen? Wie viele Worte können Sie bequem sagen, bevor der Atem ausgeht? Wie wirkt sich Ihre Bewegung während des Gesprächs auf Ihren Atem aus und wie wirkt sich das auf Ihre Sprache aus? Artikulation oder Äußerung ist, wie klar Sie Ihre Worte aussprechen und wie gut die Menschen Sie verstehen können. Einige Charaktere haben möglicherweise weniger Artikulation, wie die Rolle erfordern mag, wie Jack Sparrow von Fluch der Karibik. Andere haben vielleicht scharfe Artikulation wie Snape von Harry Potter. So oder so, stellen Sie sicher, dass das Publikum Sie immer noch verstehen kann. Diktion ist der Stil des vokalen Ausdrucks. Dazu gehören Akzente und Dialekte sowie Vokabeln und Slangs. Diktion kann uns viel über den Charakterstatus, Bildung und das Niveau der Intelligenz erzählen. Tempo ist die Geschwindigkeit, mit der der Charakter spricht. Dies spiegelt die Charaktere Energie. Mehr Geschwindigkeit kann eine höhere Energie anzeigen, weniger Geschwindigkeit kann auf eine niedrigere Energie hinweisen. Hohe Energie kann entweder Freude oder Wut sein. Niedrige Energie kann entweder Ruhe oder Traurigkeit sein. Rhythmus ist das Timing und das Tempo der Wörter und Töne in einer Rede. Dazu gehört, wenn die Figur eine Pause einnimmt, wie viele Wörter sie sagen, bevor sie einen neuen Atemzug nehmen. Rhythmus ist deutlicher in Poesie und klassischen Versschriften, wie in einigen von Shakespeares Theaterstücken. Ton ist die Stimmung der Rede. Hört sich der Charakter ernst an, oder machen sie Witze? Sind sie real oder sind sie sarkastisch? Hervorhebung ist eine Möglichkeit, wichtige Informationen in einer Rede stimmlich hervorzuheben. Welches Wort hervorgehoben wird, kann die Bedeutung dessen verändern, was ein Charakter sagt. Ein berühmtes Beispiel dafür ist von Hamlet von Shakespeare zu sein oder nicht zu sein. Das ist die Frage. Welches Wort, das Sie in diesem Satz betonen, ändert nicht die Bedeutung eines Satzes? Pausen sind die Abwesenheit von Ton, die, wenn klug verwendet wird, sind ein sehr effektives Instrument der Kommunikation. Pausen helfen beim Rhythmus und der Musikalität der Texte. Pausen können auch helfen, Wörter und Sätze hervorzuheben. Pausen können Spannungen zwischen den Charakteren erzeugen oder die Spannung brechen. Sie ermöglichen es dem Charakter, Informationen zu verarbeiten und geben dem Publikum auch Zeit, das zu übernehmen, was gerade passiert ist. Bei Pausen ist es jedoch wichtig, zwei Dinge zu beachten. Sie anhalten, wird Ihre Leistung nicht gestoppt. Die Gedanken deines Charakters und der innere Monolog gehen immer noch vor, und du kommunizierst immer noch nonverbal mit deinem Körper. Du musst dir diese Pausen verdienen. Wenn Sie es übertreiben, wird die Leistung ziehen und wird träge sein, und wenn Sie es unter tun, wird Ihr Publikum nicht genug Zeit haben, um vollständig zu verarbeiten was in der Szene passiert, und möglicherweise verpassen Sie wichtige Informationen. Eine Pause kommuniziert immer noch etwas. Es ist keine Pause vom Reden und es ist nicht zufällig. Je mehr Leistungserfahrung Sie erhalten, desto besser werden Sie bei der Verwendung dieser Pausen. In dieser Lektion lernten wir die körperlichen und performativen Qualitäten der Stimme, die Bedeutung von Atemkontrolle und nonverbaler Kommunikation. Ihre Aktivität für diese Lektion verwendet die Elemente der Stimme, die Sie in dieser Lektion gelernt haben , und die Aktivität, die Sie für Lektion 3 absolviert haben, nehmen Sie 30-60 Sekunden Video von sich selbst als Charakter und haben den Charakter stellen sich vor. Lassen Sie den Charakter über ihre Karriere oder Ziele im Leben sprechen oder was auch immer Sie für den Charakter entscheiden. Ich werde Sie in Lektion 5 sehen, wenn wir über das Aussehen des Charakters sprechen. 9. Übung: Deinen Auftritt filmen: Wir sind dabei, einen Film mit einer Szene zu machen. Moment, wenn Sie die vorherigen Aktivitäten abgeschlossen haben, sollten Sie jetzt wissen, für diese Szene die Ziele, Hindernisse, Aktionen und die Hintergründe des Charakters. Du hättest eine Bewegungssequenz mit Elementen wie Warten, Lead und Tempo erstellen sollen. Aber wir haben die Stimme des Charakters noch nicht gehört, also lasst uns das tun. für jede Zeile in der Szene und aus den physischen und performativen Kategorien, die Sie in Lektion 4 gelernt haben, Erstellen Siefür jede Zeile in der Szene und aus den physischen und performativen Kategorien, die Sie in Lektion 4 gelernt haben,einen Vokalausdruck, der der Körperlichkeit des Charakters entspricht , die Sie in der letzten Aktivität erstellt haben. Wenn der Charakter aufgeregt oder ängstlich ist, wie sich ihre Stimme ändern kann. Denken Sie an Tempo, Diktion, alle Elemente, über die wir in Lektion 4 sprechen werden. Wenn das Ziel des Charakters es ist, zum Beispiel zu inspirieren einzuschüchtern, wie sich ihr Volumen ändern kann. Sobald Sie den Vokalausdruck erstellt haben, bringen wir einfach all diese Elemente zusammen und sehen, was Sie bisher geschaffen haben. Ein Vokalübungsblatt finden Sie in den Kursressourcen. Köpfe hoch, du wirst dich albern fühlen, die meisten von ihnen zu tun. Andere Leute um dich herum werden denken, dass etwas nicht mit dir stimmt. Lassen Sie sich das nicht an Sie herankommen. Es ist alles normal. Alle Schauspieler, ich eingeschlossen, machen diese Übungen und wir haben so viel Spaß, albern damit zu sein. Wenn es nicht lustig ist, machst du es falsch. Nur wenige sind bequem und möchten an dieser Aktivität teilnehmen. Sie können sich in Charakter zu filmen reden und bewegen, wie Ihr Charakter sprechen und bewegen würde. Sie können entweder einen Teil der Szene auswählen, an der Sie gearbeitet haben, und dieses Teil ausführen oder eines der in diesem Arbeitsblatt aufgeführten Themen auswählen. Mach es nicht zu kompliziert. Nur wenige Zeilen, die es Ihnen ermöglichen, Ihre körperliche und vokale Arbeit zu zeigen , die Sie bisher getan haben. Dies ist keine Leistung, dies ist kein fertiges Produkt. Nehmen Sie den Druck ab, um noch ein Broadway- oder Oscar-Niveau zu sein. Dies ist nur in Arbeit und um Ihnen einen Bezugspunkt zu geben, auf den Sie zurückblicken können. Sie werden mehr Zeit haben, um Ihre Fähigkeiten im Handeln zu entwickeln. Wenn Sie sich selbst filmen, können Sie Ihr Telefon verwenden. Legen Sie es irgendwo hin, der Ihren ganzen Körper zeigen kann. Sie können als Szenenpartner direkt in die Kamera schauen oder einen festen Punkt an einer Wand hinter der Kamera betrachten, als ob Sie jemandes Augen betrachten würden. Niemand muss diese Dreharbeiten sehen, wenn Sie sich nicht wohl fühlen, es jemandem zu zeigen. Dies ist nur Übung und Referenz für sich selbst, um Ihren Fortschritt zu verfolgen. Wenn du bereit bist, werde ich dich in Lektion 5 sehen, wenn wir diesem Charakter einen modischen Stil geben. 10. Kostüme und Requisiten verstehen: Ich hoffe, dass dein Charakter jetzt mit der Hintergrundgeschichte, der Körperlichkeit und der Stimme immer lebendiger wird. Jetzt braucht dieser Charakter nur den Modestil. Jetzt müssen Sie sich als Schauspieler keine Sorgen darüber machen, wie der Charakter aussieht. Das wäre die Rolle des Kostüm-Designers, der für die Kostüme, Requisiten, Haare und Make-up Ihres Charakters verantwortlich sein wird. In einigen kleineren oder niedrigeren Budget-Produktionen können die Schauspieler jedoch aufgefordert werden, ihre eigene Kleidung mitzubringen oder ihr eigenes Make-up zu machen, aber das ist normalerweise nicht der Fall. Auch wenn du, der Schauspieler, nicht verantwortlich dafür bist, wie dein Charakter aussieht, ist es wichtig zu wissen, wie dein Charakter aussehen sollte. Von Ihrer Arbeit an dem Skript und dem Aufbau der Körperlichkeit des Charakters, sollten Sie in der Lage sein, zu sagen, wie der Sinn für Mode Ihres Charakters ist? Welche Farben tragen sie gerne? Welche Frisur haben sie am ehesten? Wenn sie Requisiten haben, was könnten sie sein? Tragen sie eine Uhr, eine Brille? Haben sie ein Lieblingsaccessoire? Trägt Ihr Charakter High Heels oder hält einen Stock? Haben sie Tattoos oder Narben? die Antworten auf diese Fragen kennen, wird Ihnen helfen, einen reicheren Charakter zu bauen, und Sie können beginnen, die Körperlichkeit Ihres Charakters mit diesen Dingen im Sinn zu proben. Üben Sie das Gehen in den Schuhen, die Ihr Charakter am ehesten trägt. Üben Sie Ihre Rede mit Requisiten oder Accessoires, die Ihr Charakter eher haben wird. Selbst wenn Sie am Ende keine dieser Elemente in der tatsächlichen Leistung verwenden, werden Sie immer noch eine Menge Ideen für den Aufbau der körperlichen und emotionalen Eigenschaften des Charakters erhalten . Es ist auch gut, vorbereitet zu Produktionstreffen zu kommen und mit dem Regisseur und den Designern alle Ideen zu besprechen , die Sie über die Entwicklung Ihres Charakters haben. Ein guter Regisseur wird offen sein, um die Gedanken des Schauspielers über die Charaktere zu hören. Wissen Sie nur, dass es letztlich die Entscheidung des Regisseurs am Ende ist , die Sie respektieren sollten, denn es ist die Vision des Regisseurs für die Produktion. Nehmen Sie es nicht persönlich, wenn Ihre Ideen nicht genehmigt wurden. In dieser Lektion sprachen wir über das Aussehen des Charakters, Mode, Stil, Haare und Make-up, Requisiten und Accessoires. Ihre Aktivität besteht darin, das Kostüm-Arbeitsblatt zu verwenden in dieser Lektion enthalten ist, und einen Look für Ihren Charakter zu entwerfen. Denken Sie daran, was die Charakterfarben sind, ihre Frisur, Requisiten und Accessoires. Sie können Elemente aus dem Internet oder aus Zeitschriften zeichnen, färben oder zusammenstellen. 11. Übung: Einen Modestil entwerfen: Die Aktivität von Lektion 5 ist ziemlich unkompliziert. Ich habe mehrere Figuren enthalten, die Sie drucken können und führen den Künstler in Ihnen Spaß beim Erstellen Ihres Charakters Aussehen haben. Sie können auf die Figur direkt zeichnen, Sie können die Haare, die Outfits, jedes Zubehör oder Requisiten zeichnen , Sie können Farbe, Sie können Stoffmuster verwenden und sie auf das Papier kleben, oder schneiden und kleben Sie alle Kostümgegenstände, die Sie mögen aus allen Zeitschriften, die Sie haben. Der Zweck dieser Aktivität ist es, dass Sie ein besseres Verständnis für Ihren Charakter und wie sie sich öffentlich präsentieren. Jede künstlerische Entscheidung, die Sie treffen, muss Sinn all die Arbeit, die Sie bisher für den Charakter in diesem Kurs geleistet haben. Fühlen Sie sich frei, im Internet Beispiele von Kostümdesigns und Ideen zu suchen, wenn Sie diese Aktivität abschließen. 12. Zusammenfassung und nächste Schritte: Herzlichen Glückwunsch, Sie haben den Einführungskurs zur Charaktererstellung abgeschlossen, und jetzt kennen Sie die Bausteine zum Erstellen eines Charakters für die Leistung. Hier ist eine kurze Zusammenfassung dessen, was wir in diesem Kurs zusammen gelernt haben. Um einen Charakter zu schaffen, brauchst du fünf Dinge, Charakter-Hintergrundgeschichte, die du aus dem Drehbuch, der Forschung und der Phantasie deines Schauspielers erhalten kannst . Charakteranalyse, die Identifizierung der Charakterziele, Herausforderungen, Einsätze und Aktionen, und Sie werden diejenigen aus dem Skript zu finden. Charakter Körperlichkeit, die nach innen gebaut werden kann, nach außen, so dass die Emotionen des Charakters die Körperlichkeit beeinflussen, oder nach außen, nach innen, indem die Körperlichkeit, um die Emotionen beeinflussen. Charakterstimme, die in physische und performative Kategorien unterteilt ist. Das physische umfasst Ihre Artikulatoren wie Lippen, Zunge, Zähne, und das performative umfasst Tempo, Artikulation, Diktion, Volumen, Tonhöhe, Ton, Betonung, Pausen. Schließlich Charakter Aussehen, die Kostüm, Haare, Make-up, Requisiten und Accessoires umfasst . Die wesentlichen Erscheinungselemente finden sich im Skript und zusätzliche Elemente basieren auf der künstlerischen Wahl des Designers. Denken Sie daran, dass jede künstlerische Entscheidung, die Sie treffen, Sinn für die Geschichte zu machen und muss die Absichten des Schriftstellers zu ehren. Jetzt, da Sie einige Werkzeuge haben, um Sie mit Ihrer Charaktererstellung beginnen zu können, ist Ihr nächster Schritt, so viel Erfahrung wie möglich zu sammeln. Hier sind ein paar Tipps, wie Sie diese Erfahrung machen können. Lesen Sie Abspielungen oder Filmskripte und beginnen Sie mit der Erstellung Sie können viele Skripte online kostenlos in der Public Domain finden. Sie können sie in Ihrer öffentlichen Bibliothek oder auf dem Schulgelände mieten. Sie können sie auch kaufen, gebraucht oder neu, wenn Sie möchten. sich Filme an, die Charaktere haben, die von verschiedenen Schauspielern wie Batman, James Bond gespielt wurden , und vergleichen Sie, wie sich jeder Schauspieler der Rolle näherte. Denken Sie darüber nach, was jeder Schauspieler bei der Erstellung seiner Version dieses Charakters anders gemacht hat. Holen Sie sich Schauspielerfahrung, indem Sie Theater und Filmgruppen in Ihrer Community beitreten oder sich für Studentenfilme auf College-Campus vorsprechen. Filmstudenten sind immer auf der Suche nach Schauspielern für ihre Feldprojekte. Nehmen Sie eine Schauspielklasse in einem lokalen Theater. Es ist eine großartige Gelegenheit, qualitativ hochwertige Bildung, Schauspielerfahrung zu sammeln und ein Netzwerk von Akteuren aufzubauen. Filmen Sie Ihre eigenen Monologen. Es ist eine gute Möglichkeit, Ihre Fähigkeiten weiter zu üben, auch wenn Sie nicht in irgendwelchen Projekten handeln. Lies laut aus. Arbeiten Sie an verschiedenen Körperschaften und Stimmqualitäten. Schließlich, suchen Sie konstruktives Feedback. Feedback ist so wichtig. keine Angst, Menschen, denen Sie vertrauen, Ihre Familie und Freunde,um ehrliches konstruktives Feedback zu bitten Ihre Familie und Freunde, . Seien Sie offen für hören, was funktioniert hat und was nicht funktioniert hat. Fragen Sie sie, ob Ihre Leistung klar war, ob sie in der Lage waren zu sagen, wie der Charakter fühlte oder dachte. Vielen Dank, dass Sie zugesehen haben. Ich hoffe, Sie fanden diesen Kurs hilfreich und ich hoffe, Sie fühlen sich ein bisschen aufgeregter und bereit, Ihre schauspielerischen Fähigkeiten zu erweitern. Erzählen Sie Geschichten und schaffen Sie weiterhin Kunst. Alles Gute. 13. Wie kannst Du Deinen Text lernen? (Bonus 1): Eine der am häufigsten gestellten Fragen neuer Akteure ist, wie merkt man sich all diese Zeilen? Das ist eine gültige Frage. Schauspieler haben viele Worte, an die man sich erinnern muss. Hier sind sieben Schritte, die Ihnen helfen, sich Ihre Zeilen auswendig zu lernen. Der erste Schritt, um sich alle Ihre Zeilen auswendig zu lernen, besteht darin, sich Ihre Zeilen überhaupt nicht zu merken. Machen Sie sich zuerst mit der Story vertraut , bevor Sie versuchen, sich irgendwelche Zeilen auswendig zu lernen. Gehen Sie zum Entspannen, holen Sie sich Ihren Kaffee und lesen Sie das Drehbuch einmal von Anfang bis Ende und genießen Sie einfach die Geschichte ohne Druck, sich irgendwelche Zeilen auswendig zu lernen. Lies es zum Spaß, da du einen Roman lesen würdest, den du magst. Sie sich keine Sorgen um Namen, Orte und andere Charaktere und denken Sie noch nicht einmal an Ihre Leistung. Lesen Sie einfach die Skripte und machen Sie sich mit diesen vertraut. Lassen Sie nach dem ersten Lesen des Drehbuchs etwas Zeit vergehen . Es kann ein paar Stunden später oder am nächsten Tag sein. Dann lies das Skript ein zweites Mal. Diesmal viel Spaß mit den Worten. Sei spielerisch, während du liest. Ändere deine Lautstärke, ändere deinen Ton. Benutze eine ernste oder eine dumme Stimme, sprich laut oder flüstere. Sei übertrieben dramatisch oder entspannt. Spielen Sie herum und haben Sie Spaß. Versuchen Sie noch nicht, sich Ihre Zeilen auswendig zu lernen. Wenn Sie das Skript bewerten, wird festgestellt, warum die Charaktere sagen und tun, was sie sagen und tun. Dies ist ein wesentlicher Schritt, um sich Ihre Zeilen auswendig zu lernen, den Charakter zu erstellen und die Rolle zu erfüllen. Wenn Sie sich Ihre Zeilen merken, müssen Sie zuerst verstehen, was Ihr Charakter sagt und warum er es sagt. Ohne zu verstehen, was Sie sagen, wird es so sein, als würde man eine Fremdsprache lernen. Muskelgedächtnis ist ein mächtiges Werkzeug , mit dem Sie sich schneller an Ihre Linien erinnern können. Wenn Sie Ihre Zeilen üben, fügen Sie einige körperliche Aktionen hinzu, die dem Charakter sinnvoll sind und wie er sich verhält. Die körperliche Handlung kann eine Handgeste sein, eine Bewegung wie das Gehen durch einen Raum, Sitzen oder die Verwendung eines Zubehörs wie einer Uhr, eines Stocks oder eines Telefons. Wenn Sie Ihre Worte mit körperlicher Handlung verknüpfen, erinnert Sie Ihr Körper jedes Mal, wenn Sie diese Aktion ausführen, mit Ihren Worten. Achten Sie nur darauf, nicht alle Ihre Bewegungen zu lenken , da dies die Rolle des Regisseurs ist. Wenn du deine Szenen blockierst und während der Proben weitere Aktionen hinzufügst , wird das Auswendiglernen deiner Zeilen einfacher. Woher weißt du, wann du deine Zeilen sagen sollst? Das Skript sagt dir, ob dein Charakter auf ein Ereignis reagiert oder auf die Zeile eines anderen Charakters reagiert. Es gibt einen Grund, warum dein Charakter jedes Wort sagt, das er sagt. Dein Charakter spricht nicht nur weil er sich danach fühlt. Wenn Sie mit jemandem üben, hören Sie die Zeilen, auf die Ihr Charakter reagiert und machen sich mit den Hinweisen vertraut, um Ihre Leitung zu liefern. wissen, was passiert, bevor Sie Ihre Zeilen sagen und Ihre Hinweise hören, können Sie sich Ihre Zeilen merken. Inzwischen sind Sie mit der Geschichte vertraut, Sie verstehen, was Ihr Charakter sagt und warum Sie Texte proben und körperliche Handlungen und Bewegung hinzufügen, und Sie haben sich wahrscheinlich fast vollständig auswendig gelernt alle deine Leitungen. Ihr nächster Schritt besteht darin, Ihre Linien bei jeder Gelegenheit, die Sie bekommen, zu üben. Sie können im Auto üben, während Sie im Stau stecken, Sie können üben, während Sie auf jemanden warten, Sie können auf einer langen Fahrt auf einem langen Spaziergang unter der Dusche üben und Sie können jedes Mal üben allein und kann üben. Das mag für dich seltsam klingen, aber das machen Schauspieler. Sie proben ihre Zeilen bei jeder Gelegenheit, die sie bekommen, und Sie müssen nicht immer laut üben. Du kannst auch deine Zeilen in deinem Kopf durchgehen. Während Ihres Auftritts können Sie nicht daran denken, über Ihre nächste Zeile und sicherzustellen, dass Sie sich noch daran erinnern. Dies erhöht viel Druck und Stress auf Sie und kann dazu führen, dass Sie Ihre Linien vergessen und nicht vollständig in der Szene präsent sind. Vertrauen Sie stattdessen auf den Prozess und auf die harte Arbeit, die Sie geleistet haben, studieren und proben Sie die Rolle und lassen Sie los. Seien Sie im Moment präsent und haben Sie Spaß daran, die Geschichte mit Ihrem Publikum zu teilen. Jeder ist anders und jeder Schauspieler hat seinen Prozess, sich seine Zeilen auswendig zu lernen. Einige der Schritte in diesem Video sind Ihnen möglicherweise bekannt und andere sind möglicherweise nicht und das ist in Ordnung. Es gibt keine richtigen oder falschen Wege, du tust, was für dich funktioniert. Je mehr schauspielerische Erfahrung Sie erhalten, desto mehr können Sie Ihren Prozess entwickeln. 14. Ist die Schauspielerei für Dich geeignet? (Bonus 2): Handelt man für dich? Solltest du Vollzeitdarsteller, Teilzeit sein oder solltest du weiterhin als Hobby fungieren und eine andere Karriere anstreben? Hier sind fünf Anzeichen, auf die Sie achten sollten, wenn Sie diese Entscheidung treffen. Wenn Leute über ein Ereignis sprechen, sagen sie normalerweise einfach, was passiert ist, nicht du. Du zeigst, was passiert ist. Du bringst deinen Körper, deine Stimme und deine Fantasie hinein. Man macht es zu einer aufwendigen Geschichte mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende. Sie genießen es, die Charaktere vorzustellen, Spannung aufzubauen und die Stimmung der Veranstaltung nachzubilden, Ihre Handgesten zu verwenden und alle Charaktere in der Geschichte zu spielen , die nachahmen, wie sie klingen und gehandelt haben. Überall wo du hingehst, du bist der Redner der Gruppe. Schule, bei der Arbeit, zu Hause, im Auto, am Esstisch sind Sie da, indem Sie sich selbstbewusst ausdrücken und Geschichten mit Familie, Freunden und jedem, den Sie treffen, teilen . Sie führen gerne Gespräche und sprechen gerne mit Personengruppen. Manchmal denken die Leute, dass du viel redest, aber das ist okay. Du bist vielleicht ein darstellender Künstler und weißt es noch nicht. Jede Geschichte hat ihre Charaktere und jeder Charakter hat einzigartige Lebensumstände, Beziehungen, Ziele, Herausforderungen sowie körperliche und emotionale Qualitäten. Als Schauspieler wirst du deinen Körper, deine Stimme und deine Vorstellungskraft benutzen, um jeden Charakter zum Leben zu erwecken. Jede Performance bringt ihre eigenen Herausforderungen und Anforderungen mit sich. Um ein erfolgreicher Schauspieler zu sein, müssen Sie diesen Charaktererstellungsprozess genießen und Wege finden, jede Aufführung einzigartig und unvergesslich zu machen. Suchen Sie nach Zeichen in Ihrem Leben, in denen Sie es genießen, auch für kurze Zeit andere Charaktere zu sein. Magst du es, Eindrücke von Menschen zu machen, die du kennst? Sehen Sie sich Filme an und führen danach Ihre Lieblingsszene auf, um zu sehen, ob Sie es besser machen können? Oder Kostümparty macht dir Spaß? Sei ehrlich zu dir selbst, bevor du dich entscheidest, die Schauspielerei zu deiner Karriere zu machen. Du bist einer Schauspielgruppe an deiner Schule beigetreten und hast für ihre Theaterstücke vorgesprochen. Sie sind so aufgeregt, wenn Sie Ihren Namen auf der Besetzungsliste sehen und sofort auf die Rolle vorbereiten. Sie haben kein Problem damit, Familienveranstaltungen zu verpassen oder Nächte mit Freunden zu überspringen weil Sie Proben haben, und Sie können es kaum erwarten, die Kostüme und Requisiten zum ersten Mal auszuprobieren und in den Charakter einzutreten abschließender Blick. dir egal, ob sie dir nichts bezahlen, weil du es einfach liebst, aufzutreten. Dein Filmemacherfreund bittet dich, in seinem Kurzfilm dabei zu sein. Sie sagen sofort ja, obwohl Ihre Zahlung Pizza und Guthaben auf IMDb sein wird . Das hält dich nicht auf, denn die Erfahrung , an einem Filmset zu sein, ist für dich aufregend. Sie genießen einfach den Prozess der Probe, Charaktererstellung und der Performance. Wenn das nach dir klingt, denke über deine bisherigen schauspielerischen Erfahrungen nach. Wie hast du dich gefühlt? Hat es dir etwas ausgemacht, nicht genug bezahlt zu werden?. Wenn Sie noch nicht in der Schauspielerei sind, fragen Sie sich, wären Sie damit einverstanden, zuerst nicht bezahlt zu und sich nur darauf zu konzentrieren, Schauspielerfahrung zu sammeln? Wenn du nur für das Geld Schauspieler sein willst, wirst du in dieser Karriere wahrscheinlich nicht erfolgreich sein. Es ist nichts falsch daran, Geld zu wollen, Handeln ist ein Beruf und Sie sollten für Ihre Arbeit bezahlt werden und Ihren Lebensunterhalt verdienen. Stellen Sie einfach sicher, dass Geld nicht Ihre treibende Kraft ist. Geld sollte nicht dein Hauptgrund sein. Wenn Sie gerne mit und ohne Geld handeln, ist das ein Zeichen dafür, dass eine Schauspielkarriere für Sie sein könnte. [MUSIK] Jeder Künstler möchte für sein Talent anerkannt werden. Sie wollen, dass ihre Arbeit gesehen und geschätzt wird. Auch Sie als Schauspieler sollten sich befähigt fühlen, Ihr Talent zu zeigen und Ihre Arbeit mit Ihrem Publikum zu teilen. Es ist nichts falsch daran, Ruhm und Anerkennung zu wollen. Genau wie bei Geld kann Ruhm nicht deine treibende Kraft oder dein Nummer-1-Ziel sein. Andernfalls werden Sie als Schauspieler keinen Erfolg haben und sollten diese Karriere wahrscheinlich nicht fortsetzen. Stattdessen solltest du dich darauf konzentrieren, als Künstler zu wachsen. Sie handeln, weil Sie sich künstlerisch ausdrücken und ermächtigende Geschichten mit Ihrem Publikum teilen möchten. Das Handeln gibt Ihnen kreative Erfüllung und Ihnen egal, wie viele Menschen davon wissen. Du bist ein Künstler und wirst weiterhin Kunst machen. Du solltest dich darauf konzentrieren, so gut in dem zu werden, was du tust, und Geld und Ruhm werden eine natürliche Konsequenz sein. Sie sollten nicht das primäre Ziel sein. Als darstellender Künstler spielen Sie eine bedeutende und einflussreiche Rolle. Sie können Ihre Kunst nutzen, um Menschen weltweit zu inspirieren, zu erziehen, zu stärken und zu unterhalten kulturelle und sprachliche Barrieren zu überwinden. Storytelling ist universell und jeder, egal wer er ist, woher er kommt oder woran er glaubt, kann sich auf die Geschichten beziehen und sich von den Geschichten inspirieren lassen, die er sieht. Erfolgreiche Künstler denken nicht nur an sich selbst, sie denken an ihr Publikum und setzen sie an die erste Stelle. Als Schauspieler müssen Sie sich mit Menschen verbinden und Geschichten teilen, die Ihrem Publikum einen Mehrwert bieten. Wenn das nach dir klingt, überlege dir, Schauspieler zu sein und deine Kunst zu nutzen , um die Welt zu einem etwas besseren Ort zu machen. Natürlich sind diese Zeichen nicht die einzigen Anzeichen, um zu wissen, ob Sie Vollzeit handeln sollten. Jeder ist anders und du hast vielleicht andere Gedanken und Erfahrungen, die deine Entscheidung leiten, das ist in Ordnung. Dieses Video zeigt Ihnen die Denkweise, die Sie haben sollten , bevor Sie sich entscheiden, zu Ihrer Karriere zu spielen. Es ist auch völlig in Ordnung, weiterhin als Teilzeitauftritt oder sogar nur als Hobby zu fungieren .