Grundlagen der Kinematographie: Die Kunst des visuellen Storytellings

1. Willkommen: Dies ist ein Einführungskurs für Personen daran interessiert sind, Regisseure der Fotografie zu werden. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie die grundlegenden Werkzeuge der Kinematografie verwenden können , um die Geschichte zu erzählen. Hi, ich bin bei Fields With The Mist. Ich bin Filmregisseur und Drehbuchautor mit 18 Jahren Erfahrung. Zum Zeitpunkt dieser Aufnahme wird mein Spielfilm auf Filmfestivals uraufgeführt. Heutzutage kann ich Spaß daran haben, mit Profis zu arbeiten, aber wo ich angefangen habe, war ich mein eigener Kameramann, schlecht fokussiert und manchmal sogar Schauspieler. Im Laufe der Jahre habe ich gelernt , dass Sie Ihr Wachstum als Filmemacher beschleunigen können Ihr Wachstum als Filmemacher wenn Sie Ihre Grundlagen richtig verstehen. diesem Grund habe ich mir diese Kursreihe ausgedacht , in der Sie nacheinander die Grundlagen der Kinematografie erlernen. In diesem speziellen Kurs werden wir über die Werkzeuge der Kinematografie wie Licht, Komposition, Kamerabewegungen und Farbe sprechen der Kinematografie wie Licht, Komposition, . Nun, es mag sehr einfach klingen, aber die Art und Weise, wie Sie diese für Tools verwenden , unterscheidet, ob Sie ein Kameramann oder nur eine Kamera sind. Nicht dass etwas falsch daran wäre, Kameramann zu sein. Aber lass mich dir eines sagen, wenn ich nach einem DOP für meinen neuen Film suche, das Erste, was mich interessiert, ob er daran interessiert ist die Geschichte zu erzählen, oder er einfach ein Typ ist, der gerne hübsch macht bilder. Weil ich denke, dass die Geschichte immer an erster Stelle stehen sollte. Und wenn Sie Ihr Publikum gezielt ansprechen, werden Sie zu einem Kameramann, einem echten visuellen Geschichtenerzähler. In diesem Kurs möchte ich über die Hauptthemen sprechen, die ich normalerweise mit meinem DOP besprochen wenn wir uns auf die Dreharbeiten vorbereiten, diese vier Elemente, Kompositionen, Kamerabewegungen, Farbe und Licht bestimmten den visuellen Stil Ihres Films. Wie immer wird es Beispiele aus meinen preisgekrönten Filmen geben, die von Nicholas Vegas wunderschön gedreht wurden. In diesem Kurs werde ich aber auch andere Beispiele aus dem Mainstream-Kino vorstellen. Also ja, ich hoffe, wir sehen uns in einer Klasse. 2. Die Kunst des of: Danke, dass du an meinem Kurs teilgenommen hast. Heute ist Kinematografie eine Kunst und Kunst, Aufmerksamkeit zu lenken. Ein guter Kameramann zu sein bedeutet, dem Publikum zu zeigen, was wichtig ist. Meist fotografiert es Darbietungen von Schauspielern. Aber du bist nicht nur der Blick des Publikums und führst es durch die Geschichte. Du bringst sie an Orte, an denen sie noch nie waren. Du stellst sie Leuten vor, die sie nie getroffen haben. Du lädst sie ein, mit dir auf eine Reise zu gehen. Und du bist derjenige, der diese Reise stilisieren wird. Du bist derjenige, der entscheiden wird. Wird es eine Energie mit viel Bewegung sein und die Aufmerksamkeit von einer Sache auf eine andere lenken? Oder vielleicht wird es sehr konzentriert sein. Konzentrieren Sie sich auf die Stelle, an der Sie die Kamera einfach auf ein Stativ stellen werden, und beobachten Sie einfach , ob es eine dunkle Reise in die Nacht sein wird oder wird es eine Arbeitsaufgabe sein? Das Drehbuch wird einige dieser Entscheidungen bestimmen. Aber Sie als DOP haben eine Autonomie darüber, wie er aussehen wird, wie Sie Ihren Film stilisieren werden. In diesem Kurs werden wir über die Tools sprechen, die Sie als Videofilmer verwenden können , um die Geschichte zu erzählen. Lassen Sie uns zunächst einfach sagen, dass jede Geschichte anders ist. Jedes Drehbuch muss auf eine etwas andere Art erzählt werden. Auch wenn Sie Ihre eigenen Vorlieben haben. Zwei meiner Filme, die ich als Diplomfilme an der Polnischen Nationalen Filmschule gedreht habe , unterscheiden sich in Bezug auf den visuellen Stil völlig . Der erste Film, normale Menschen, die Kamera ist lebendig. Teilnehmer der Geschichte. Im zweiten Film, Mutter Erde, steht die Kamera den Kämpfen der Hauptfigur fast gleichgültig gegenüber. Als Regisseur hatte ich meine Gründe, mich für die Art und Weise zu entscheiden, wie diese Geschichten visuell erzählt wurden. In meinen Gesprächen mit dem Kameramann habe ich meine Absichten dargelegt, aber die Umsetzung dieser Absichten war meine DOPS-Aufgabe. Beide Filme wurden von Nicolas via Guess gedreht. Er war derjenige, der dafür verantwortlich war, die meisten Entscheidungen darüber zu treffen, wie die Kamera die Handlung darstellen soll. In diesem Kurs möchte ich über die Hauptthemen sprechen, die ich normalerweise mit meinem DOP bespreche , wenn wir uns auf die Dreharbeiten vorbereiten . Diese vier Elemente werden den visuellen Stil Ihres Films bestimmen. Nun, meine Empfehlung ist alle Entscheidungen in Bezug auf Komposition, Lichtkamerabewegungen und Farbe zu treffen, bevor Sie Ihren Fall fotografieren. Und dann bleib dabei. Wann wird es am Set sein. Beschränken Sie Ihre Kreativität auf die Grenzen des Stils, den Sie zuvor festgelegt haben. 3. Komposition: Die erste ist also die Komposition. Wie Sie wahrscheinlich wissen, die allgemeinste Art, eine Szene aufzunehmen, darin eine feste Aufnahme zu machen und dann Nahaufnahmen hinzuzufügen. Wenn du es so machst, ist es wichtig, die 180-Grad-Regel zu befolgen. Diese Regel ist eine grundlegende Richtlinie für die räumliche Beziehung zwischen Charakteren innerhalb einer Szene auf dem Bildschirm . Sie haben vielleicht meinen anderen Kurs über die 180-Grad-Regel in der Kinematographie gesehen . Wenn Sie es nicht gesehen haben, empfehle ich Ihnen, es sich anzusehen, nachdem Sie es sich angesehen haben. Jedenfalls. Die meisten Szenen aus meinem Film Mutter Erde sind so gedreht. Es ist nichts Falsches daran, Dinge nach Vorschrift zu machen , aber es ist immer willkommen, wenn Sie in einer ungewöhnlichen Komposition Ihre persönlichen Spuren hinterlassen möchten. Nun gibt es viele Kompositionsregeln, wie die Drittelregel oder die Chancenregel arbeiten mit einer Tiefenschärfe oder verwenden diagonale Linien, um die Aufmerksamkeit zu konzentrieren. Sie können geöffnete Kompositionen oder gängigere Kompositionen verwenden , die am nächsten liegen. Ähm, du kannst mit der Komposition so viele interessante Dinge machen. Ich werde nicht alle auflisten es ist ein Thema für einen anderen Kurs. Aber lassen Sie mich Ihnen eine Szene von Mutter Erde zeigen, in der wir unsere Vorstellungskraft nutzen und eine ungewöhnliche Komposition gemacht haben. Sie wird eine der Eröffnungsszenen sein , in der sich der Junge verletzt hat und der Vater Ich werde seine Wunde reparieren. Die Szene soll zeigen, dass, obwohl der Vater für seinen Sohn da ist und versucht, ihm zu helfen, der Junge mehr emotionale Wärme und Freundlichkeit braucht und dass er sie im Grunde nicht versteht. generische Art, diese Szene aufzunehmen, wäre nun , die 180-Grad-Regel zu befolgen und eine feste Aufnahme zu machen bei der wir zwei von ihnen nebeneinander sitzen sehen. Auch zu Nahaufnahmen von Schauspielern. Und vielleicht eine Nahaufnahme der Aktivität beim Patchen des Zauberstabs. Es ist wie bei den Kamerawinkeln insgesamt. Jetzt. Schauen wir uns jetzt an, was wir uns ausgedacht haben. Wie Sie sehen können, haben wir das Ganze mit nur einem Schuss gemacht. Ich erinnere mich an unseren Denkprozess , als wir uns darauf vorbereiteten. Siehst du, ich habe meinem DOP gesagt , dass es in dieser Szene darum geht, emotional abgelehnt zu werden. Wir mischen es während der Proben mit den Schauspielern. Übrigens, es ist großartig, Ihren Kameramann bei den Proben anwesend zu haben . Wir konnten jeden Aspekt dieser Szene in einem Bild kombinieren . Wenn Sie wissen, worum es in der Szene geht, können Sie versuchen, sie so einzufangen, dass das Thema der Szene in den Vordergrund rückt. Du musst mutig und entschlossen mit deiner Kreativität umgehen. Wenn Sie den Zweck der Szene angeben können, können Sie getrost auf alle möglichen verrückten Ideen eingehen. Jetzt werden solche Aufnahmen zu Ihrem Markenzeichen im gesamten Film. 4. Licht: Lassen Sie uns nun über Licht sprechen , ein weiteres sehr mächtiges Werkzeug in Ihrem Arsenal. Licht wird am häufigsten verwendet, um Stimmung zu erzeugen. Das ist Malik sogar so weit gegangen den ganzen Film in Magic Hour zu drehen , , den ganzen Film in Magic Hour zu drehen , einer Tageszeit kurz nach Sonnenuntergang und kurz vor Sonnenaufgang, produziert warme Farben wie Gold, Rosa und Blau gilt als sehr fotogen. Lichtfunktion in Ihrem Film kann auf ein hübsches Aussehen reduziert werden, aber Sie können Licht als Werkzeug verwenden, um Ihre Geschichte zu erzählen. Schauen wir uns eine weitere Szene von Mutter Erde an, in der ein Vater eine Wunde an seinen Söhnen findet und anderen dient. Also ziehen und erledigen Sie die Kranken. Mein mentales Modell ist stapelweise. Wir sollten Mason machen, du spielst eine Ansicht im Regal, cool. Film in deinen Mund. Wir haben den Komfort. Waren sie das gestern, wir sind auf uns gestoßen. Es war früher die Pagode von CJ. Du kannst also immer deinen Daumen hineinstecken, du willst nicht gehen. Jetzt ist die ganze Szene dunkel und man kann kaum sehen, dass die Figuren Vater und Sohn sind. Das einzige Element , das man deutlich sehen kann , ist die Wunde, wenn der Vater eine Lampe darauf setzt. Dies wurde mit Absicht getan, um die Aufmerksamkeit des Publikums auf die Wunde zu lenken. An diesem Punkt der Geschichte mussten wir die Form der Wunde zeigen und dass der Junge nicht wusste , dass er verletzt wurde, als er die Szene beleuchtete. Auf diese Weise konnten wir den Auxinen zeigen, dass dieses wichtig ist. Jetzt werden sie sich daran erinnern, was sich später in der Geschichte auszahlen wird. Ich mag Operationslicht , weil ich damit kleben kann. Was ist in diesem speziellen Moment des Films unwichtig ? 5. Kamerabewegung: Lassen Sie uns nun über die Kamerabewegungen sprechen, indem Sie einfach entscheiden, ob Sie eine Kamera wollen , die auf Ihren Haupthelden reagiert Sie können viel Empathie für die Protagonisten entwickeln. Wenn du einen Protagonisten hast , der nicht wirklich sympathisch ist, kannst du ihm mit der Kamerabewegung aushelfen. Bei normalen Menschen. Die Hauptfigur, Daniel, ist ein Gewaltverbrecher , der versucht, sein Leben zu ändern, nachdem er das Gefängnis verlassen hat. Da der Charakter nicht sofort sehr einfühlsam ist, haben wir uns für die Kamera entschieden, was ihm sehr nahe ist, manchmal sogar physisch nahe. Die Bewegung der Kamera reagiert sehr schnell auf den Charakter. Ich denke, dass die Nähe zum Charakter dazu beiträgt, seinen Standpunkt einzunehmen. Umgekehrt, wenn man weiß, dass der Charakter sowieso sehr einfühlsam ist, wie ein junger gefährdeter Junge altes Organigramm retten will, was das einzige ist ihm seine verstorbene Mutter hinterlassen hat. Du musst dir keine Sorgen machen, ob dein Publikum deinen Charakter genug mag, um ihn zu lieben. Sie können die Kamera sehr statisch haben und die Situation aus der Ferne abwaschen. Auf diese Weise können Sie Aufnahmen erstellen, die symbolischer und ästhetisch ansprechender sind . Dieser Ansatz wird das Publikum dazu veranlassen, nach einer tieferen Bedeutung der Geschichte zu suchen. Auch hier hängt alles von der Geschichte ab. Abgesehen davon können Sie auch überlegen, wie lang jeder Schuss sein wird. In. Die herkömmliche Kamerakonfiguration dauert für jede Aufnahme einige Sekunden. Sie können jedoch weitermachen und planen, als Mastershot betrachtet wird, was bedeutet, dass Sie die gesamte Szene in einer ununterbrochenen Aufnahme aufnehmen werden . Steven Spielberg ist bekannt für seine sogenannte One Earth. Wie Sie sich vorstellen können, sind Mastershots produktionstechnisch schwer zu machen. Sie müssen viel Zeit am Set haben sie korrekt grafisch zu korrelieren. Manchmal lohnt es sich. Ich sage meinen Schülern immer , dass man einen guten Grund haben muss , um eine Szene in einem Take zu drehen. Dies ist eine Szene aus meinem Spielfilm Faith Break. Lass uns zuschauen. Ich entschied mich, diese Szene in einem Mastershot zu drehen, weil ich dem Publikum die Welt dieses jungen Mannes näher bringen wollte . Das Publikum hat ihn schon einmal als Trinker und Dieb getroffen . In dieser Szene war es unser Ziel, ihn in einem positiveren Licht zu zeigen. Als Organisator dieser Crewparty habe ich beschlossen, sie zu drehen, um das Publikum in die Party eintauchen zu lassen. Und dann bemerkt er ein wunderschönes Mädchen und er schneidet es ab. Da hast du es also. Kamerabewegungen sind das dritte der wichtigsten filmischen Werkzeuge. 6. Farbe: Lassen Sie uns über das vierte Werkzeug sprechen, nämlich Farbe. Es scheint sehr einfach zu sein, aber wenn Sie darüber nachdenken, kann es Ihnen auch helfen, die Geschichte zu erzählen. Wir alle haben unsere Vorlieben in Bezug auf Farben. Wir haben alle unsere Lieblingsfarbe. Als Kameramann darfst du keine Präferenz haben. Die Geschichte, sobald Sie die passende Palette auswählen müssen. So ähnlich wie eine helle Farbe normalerweise verwendet wird , um eine Stimmung zu erzeugen. Wir verbinden lebendige Farben mit Optimismus und entsättigten, verwaschenen Farben. Oder wir sehen es als Pressung an. Ich ermutige Sie, darüber nachzudenken, wie die Farbe Ihnen helfen kann, die Geschichte zu erzählen. Sie können Farbe verwenden, um die Aufmerksamkeit des Publikums auf etwas zu lenken. Das auffälligste Beispiel dafür ist ein Mädchen im roten Mantel. In Schindlers Liste. Der ganze Film ist schwarz-weiß. Es wurde stilisiert, um an das Kino der vierziger und fünfziger Jahre zu erinnern. In einigen Szenen im Film sieht man ein Mädchen in einem roten Kittel. Es ist ein kleines leichtes Motiv , das immer wieder auftaucht. Und es gipfelt, wenn der Protagonist dies sieht. Der Code auf einer Leiche ist ein klares Signal dafür, dass er Reue empfindet. Ohne die rote Farbe wäre das also nur eine weitere Leiche auf dem Stapel. Aber wenn wir den roten Mantel erkennen, erinnern wir uns sofort an die Person , die ihn in der vorherigen Szene getragen hat. Diese Leiche auf einem Haufen ist nicht mehr anonym. Es ist ein tragischer Tod eines Kindes. Also, ist es subtil? Nein. Aber funktioniert es? Ja, tut es. Jetzt können Sie subtiler mit der Farbe umgehen. Pedro Almodovar ist dafür bekannt, dass er die Farbe verwendet , um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf seine Charaktere zu lenken. Normalerweise beleuchtete er alles am Set und ließ die Schauspieler Kleidung tragen, die lebendige oder kontrastierende Farben hatte. Eine andere Sache ist , dass Sie die Farbe verwenden können , um verschiedene Plots in Ihrem Film zu trennen. Stephen Sada von Eric hat das im Verkehr gemacht. Dieser Film hat mehrere Handlungsstränge und jede Handlung hat ihre eigene dominante Farbe. Sie können auch Farbe verwenden, um bestimmte Orte und Umgebungen in der Matrix zu markieren . Immer wenn wir in der Matrix waren, hatte alles diesen grünlichen Farbton. Die reale Welt war so bläulich. Als Zuschauer können Sie sich lange Szenen ansehen, können Sie sich lange Szenen ansehen in denen zwischen diesen beiden Realitäten ein Hin und Her herrscht und Sie sich nie verirren. Und schließlich gibt es noch einen symbolischen Wert der Farbe, was die Verwendung der Farbe auf einer ganz anderen Ebene angeht. Die Geschichte erzählen sind Situationen, in denen man bestimmte Elemente der Geschichte mit einer bestimmten Farbe assoziiert , z. B. im Film ist Blau die wärmste Farbe. Die Farbe Blau symbolisiert Liebe. Es widerspricht einer allgemeinen Assoziation , die Menschen mit der Farbe Blau haben. Blau ist eigentlich die kälteste Farbe. Aber in dieser besonderen Geschichte assoziierten Filmemacher dieses Wort Liebe. Nun, während du es dir ansiehst, merkst du das vielleicht nicht, aber dein Gehirn verarbeitet Signale im Laufe der Zeit. Es wirkt sich auf dein Unterbewusstsein aus. So funktioniert es. Nachdem Sie Szenen gesehen haben, in denen die Hauptfigur Adele verliebt ist, und viele blaue Farben um sich herum gesehen haben, wird Ihr Gehirn Blau mit Verliebtheit verbinden. Auf diese Weise assoziieren Sie diese Farbe unbewusst mit einem bestimmten Gefühl. Vielleicht fühlst du es einfach, ohne es zu verstehen. Diese vier Werkzeuge, Komposition, Kamera, Bewegung, Licht und Farbe, sind also Komposition, Kamera, Bewegung, Licht und Farbe, die wichtigsten Werkzeuge, die Ihnen als Kameramann zur Verfügung stehen. Sie sollten daran arbeiten, dies in Ihr Filme. Kinematografie oder Videografie ist im Wesentlichen Arbeit mit dem Unbewussten, um die Geschichte zu erzählen. Ich möchte betonen, dass Sie sich während Ihrer Vorbereitungen die Zeit nehmen sollten, Sie sich während Ihrer Vorbereitungen die Zeit nehmen sollten all diese Entscheidungen in Bezug auf den Stil Ihrer Geschichte zu treffen, und sich dann am Set daran halten sollten. Sie sollten den visuellen Stil Ihres Films festlegen , bevor Sie mit den Dreharbeiten beginnen. Natürlich ist das Erstellen eines Films ein kreativer Prozess und Sie können einige Dinge ändern, aber es ist besser, mit der Aufnahme zu beginnen, mit einer klaren Vorstellung davon zu beginnen, was Sie erstellen möchten , und dann aber es ist besser, mit der Aufnahme zu beginnen, mit einer klaren Vorstellung davon zu beginnen, was Sie erstellen möchten, und dann Es begann zu versuchen , es zu verbessern. 7. Kursprojekt: Für dein Klassenprojekt. Zuerst möchte ich, dass du ein C auswählst. Es kann wie aus deinem Film sein, aber es kann auch eine Nachbildung einer Szene aus dem Film sein, die du magst. Dann mache ein Foto-Storyboard des Meeres. Ein Foto-Storyboard ist eine Reihe von Bildern, die nachahmen, wie die Aufnahmen aussehen werden. Sie sollten für jeden Kamerawinkel ein Bild machen. Du hast die Diagramme gesehen, die ich dir in den Lektionen gezeigt habe. Sie wissen also, wie das geht die Produktionsqualität, die Ausrüstung, die Schauspieler angeht die Ausrüstung, die Schauspieler Es liegt ganz bei Ihnen. Die tatsächliche Qualität Ihrer Produktion hängt ausschließlich von Ihren Ideen und Ihrem Fokus darauf ab, die Geschichte zu erzählen. Sie können jedes Gerät verwenden. Sie können die Kamera in Ihrem Telefon verwenden , wenn das alles ist, was Sie haben. In Bezug auf die Aufführungen können Sie Ihre Familie oder Freunde bitten, für Sie zu posieren. Mach es lustig. Und nun das Wichtigste, die großen Lehrer dazu zu bringen, ein oder mehrere Tools zu verwenden , von denen ich dir in diesem Kurs erzählt habe , um das Hauptthema der Szene zu vermitteln. Das ist das Wichtigste. Versuche kreativ zu sein und wirklich aus dem Tellerrand herauszukommen. Für mich macht es immer Spaß, neue Ausdrucksformen der Geschichte zu entdecken. Wie immer werde ich mein eigenes Projekt in die Projektgalerie hochladen . Sie wissen also genau, was Sie tun sollen. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Projekt veröffentlichen. Ich gebe jedem einzelnen Feedback. Viel Glück. 8. Viel Erfolg!: Danke, dass du an meinem Kurs teilgenommen hast. Ich hoffe, ich habe dich dazu gebracht, das Kino in einem neuen Licht zu sehen. Wenn Sie etwas Wertvolles gelernt haben, ziehen Sie in Betracht, den Kurs zu wiederholen und Ihre Projekte zu veröffentlichen. Mir ist aufgefallen, dass die meisten Schüler , die meinen Unterricht verfolgen, das nicht tun. Bitte sei derjenige, der sich die Mühe gibt. So könnten andere von Ihrer Bewertung profitieren. Außerdem motiviert mich das Lesen Ihrer Bewertungen. Online-Unterricht bringt nicht viel Geld. Nichts im Vergleich zu Drehbuchschreiben und Regie, was meine Hauptaufgabe ist. Wenn Sie also möchten, dass ich weiterhin mehr verdiene, lassen Sie es mich bitte wissen, indem Sie eine positive Bewertung hinterlassen, insbesondere, dass ich diesen Kurs als Einführung betrachte . von denen ich Ihnen erzählt habe, haben viele Nuancen Die Prinzipien, von denen ich Ihnen erzählt habe, haben viele Nuancen, z. B. kann Licht verwendet werden, um eine Stimmung in der Szene zu erzeugen. Aber was ist, wenn das Licht eine ganz andere Geschichte erzählt als die Dialoge? Was ist, wenn die Kinematographie der Kontrapunkt zu dem ist , was die Schauspieler tun? Wenn Sie interessiert sind, würde ich gerne weitere Kurse mit einer umfassenden Analyse anbieten. Lass mich einfach wissen, ob deine Interessen sind. Die beste Möglichkeit, meine Kurse zu besuchen, ist jetzt meine Website. Du findest dort, wie dieser Kurs in meine anderen Klassen passt. Ich ermutige Sie, es sich anzusehen, da ich auf allen möglichen Plattformen bin und diese Seite immer auf dem neuesten Stand ist. War mehr. Vielen Dank, dass Sie an meinem Kurs teilgenommen und wir hoffen, Sie bald zu sehen. Tschüss.