Fotografie Grundlagen: Die wichtigsten Grundlagen verstehen

1. Einführung in den Kurs: Wenn es darum geht, Fotografie zu erlernen, gibt es wirklich so viele Informationen, dass es überwältigend sein kann. Ich habe immer das Gefühl, dass es nur ein paar Dinge gibt, die man wirklich wissen muss, um gute Fotos zu machen, wenn man als Fotograf anfängt. Sobald Sie die grundlegendsten Dinge der Fotografie verstehen, liegt es an Ihnen, diese Dinge zu nehmen und zu schießen, üben und als Fotograf zu wachsen. Mein Name ist Sean Dalton und ich komme aus San Francisco, Kalifornien. Seit einigen Jahren arbeite ich als Reise- und Lifestyle-Fotograf in ganz Asien verfolge Projekte, die mich interessieren, Projekte, die mich inspirieren und als Fotograf weiterwachsen. Als ich zum ersten Mal als Fotograf anfing, fühlte ich mich wie viele Leute, vielleicht wie du dich fühlst, ich fühlte mich wirklich kreativ. Ich hatte das Gefühl, dass ich viele verschiedene Dinge einfangen könnte. Aber um ehrlich zu sein, ich wusste nicht einmal, wie ich meine Blende richtig einstellen sollte, und anstatt ein Werkzeug zu sein, war die Kamera eigentlich eine Barriere für mich, weil ich nicht wusste, wie ich sie richtig benutzen sollte. Sobald ich die technische Seite der Fotografie gelernt hatte, öffnete es mir wirklich Türen und ich konnte mich wirklich frei machen, und ich konnte wirklich jede künstlerische Vision erfassen, die ich in meinem Kopf hatte, konnte ich auf einem Foto festhalten. Kurz gesagt, wir werden im Grunde alles abdecken, was Sie wissen müssen, wie man gute Fotos macht. Dazu gehören beispielsweise, wie Sie die besten Kameraeinstellungen auswählen , um das gewünschte Foto aufzunehmen, und wie Sie den manuellen Fokus und den Autofokus effektiv nutzen können. Wie man die perfekte Komposition nagelt. So finden Sie das perfekte Licht für alle Szenen, sowie wie Sie Ihre eigenen einzigartigen fotografischen Stile finden oder den Prozess, den Sie bei der Entwicklung Ihres eigenen einzigartigen Stils durchführen können und sich von der Konkurrenz abheben können. Wie man eine starke Social Media folgt als Fotograf zu etablieren, was in diesem Tag und Alter wirklich wichtig ist. Dann werde ich Ihnen einige wichtige Tipps zur Fotobearbeitung geben Sie durch zwei verschiedene Bearbeitungen führe und Ihnen zeige, wie Sie diese Fotos von Anfang bis Ende bearbeiten können. Kurz gesagt, wir werden die wichtigsten Dinge, die Sie wissen müssen, um bessere Fotos zu machen. Ich denke, das sind Dinge, die jeder Fotograf wirklich wissen muss. Außerdem werde ich viele Beispiele geben, Animationen, die Ihnen helfen, die Themen, über die wir sprechen, wirklich zu verstehen , oder um es Ihnen leichter zu verstehen, ich denke, diese werden wirklich helfen. Dieser Kurs wurde für alle gedacht, die nur bessere Fotos machen wollen, oder für jeden, der ein besserer Fotograf im Allgemeinen werden will. Vielleicht bist du jemand, der nur verstehen will, wie man die Kamera besser benutzt, oder vielleicht bist du jemand, der eines Tages ein professioneller Fotograf sein will. Kurz gesagt, wenn Sie Ihre Fotografie-Fähigkeiten verbessern möchten, werden Sie in diesem Kurs behandelt. Wenn Sie keine DSLR- oder spiegellose Kamera haben und nur Ihr Smartphone haben, ist das völlig in Ordnung. Viele dieser Themen, die wir in diesem Kurs diskutieren werden sind tatsächlich relevant für jede Kamera, die Sie haben könnten. Mit dem sagte Jungs, lasst uns anfangen. 2. Kursprojekt: Wir haben endlich zu den Kursprojekten kommen und dies ist ein Projekt, das ich getan habe, als ich einen Fotokurs in der Schule nahm und das ist das Projekt, das übergibt, machte mich zu einem besseren Fotografen. Dies ist die einzige Aktivität, an die ich mich erinnere, als ich diese Klasse im College nahm und das hat mir so sehr geholfen, ein besserer Fotograf zu werden. Das Projekt ist es, nach draußen zu gehen, etwas zu finden, das interessant ist, oder vielleicht ist es nicht einmal interessant, vielleicht ist es einfach etwas Normales und schießen dieses Ding 50 Mal, vielleicht ist es Ihr Auto oder ein Hydranten oder ein Baum oder ein Basketball, was auch immer es ist. Nehmen Sie Ihre Kamera und machen Sie 50 verschiedene Fotos von diesem Objekt mit 50 verschiedenen Kompositionen. Um dieses Projekt zu machen, müssen Sie wirklich, wirklich über den Tellerrand denken und wirklich Ihre Kreativität vorantreiben. Normalerweise, wenn wir etwas sehen, werden wir nur an ein oder zwei Möglichkeiten denken , es zu schießen, aber wenn Sie wirklich versuchen, verschiedene Kompositionen zu bekommen und einige wirklich interessante Aufnahmen zu bekommen, wird diese Aktivität für Sie erstaunlich sein. Ein paar Tipps sind, beide vertikal zu bewegen, so schießen Sie es von oben, schießen Sie es von unten und dann auch horizontal. Also schießen Sie es von der rechten Seite, schießen Sie es von der linken Seite und dann auch Tiefe weise, so stehen Sie zurück und schießen Sie es, bekommen wirklich, wirklich nah und schießen Sie es einige der verschiedenen Details auf sie, und nur wirklich denken Sie nach draußen die Box und versuchen, mit etwas Einzigartiges zu kommen. Nachdem Sie das getan haben, nachdem Sie diese 50 Fotos aufgenommen haben, kommen Sie zurück zum Kurs und posten Sie Ihre Lieblingsfotos von diesem Shooting hier im Kursprojekt. Sie möchten alle posten 50, posten Sie alle 50, aber ein Foto ist ehrlich in Ordnung. Vielleicht nur dein Lieblingsfoto von dieser Aktivität. Vertrauen Sie mir, das ist keine leichte Übung, ich erinnere mich, als ich auf dem College mit ihm zu kämpfen, ich musste einen Hydranten schießen und ich konnte einfach nicht herausfinden, verschiedene Möglichkeiten, um es zu schießen. Aber ich habe wirklich einige wirklich einzigartige Aufnahmen von diesen Aktivitätsaufnahmen bekommen , die ich wirklich nie gemacht hätte, bevor ich das gemacht habe. Also ich denke wirklich, das ist eine tolle Lektion und wirklich hilfreich für Sie und nicht nur die Verbesserung Ihrer Komposition, sondern lernen, wie man besser arbeitet und einfach nur über den Tellerrand im Allgemeinen zu denken. Ich hoffe, du nimmst dir die Zeit, das zu tun. Ich liebe es, dich als Projekt anzusehen, besonders dieses hier. Das ist mein Lieblingsprojekt, also nehmen Sie sich bitte die Zeit, das zu tun. Ich werde die überprüfen. Andere Schüler im Kurs werden wir diese auch überprüfen und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was Sie sich einfallen lassen. 3. Kameraeinstellungen: Das erste, was wir besprechen müssen, ist, wie Ihre Kamera funktioniert. Dies ist die Hände nach unten das grundlegendste Stück der Fotografie. Wir verwenden Kameras als unser Werkzeug. Als Fotografen ist das unser Werkzeug. Wenn wir nicht wissen, wie man die Kamera richtig benutzt, dann können wir nicht wirklich erfassen, was wir wirklich aufnehmen wollen. Wir können uns nicht kreativ befreien. Kurz gesagt, Kameras arbeiten, indem sie Licht einfangen. Jedes Mal, wenn Sie diesen Klick hören, ist das im Grunde der Verschluss öffnet sich und Licht kommt in die Kamera. Was bedeutet das? Nun, in jeder Kamera ist das, was man eine Blackbox nennt. Es ist frei von allem Licht. Es ist völlig dunkel und in dieser Blackbox befindet sich ein Sensor. Dieser Sensor zeichnet alle Informationen auf, die in die Kamera kommen, zeichnet das gesamte Licht auf, das in die Kamera kommt. Da Kameras Licht erfassen, müssen wir der Kamera mitteilen, wie viel Licht sie tatsächlich aufnehmen muss. Der Grund dafür ist, dass es die Helligkeit unseres Bildes beeinflusst. Wenn wir zu viel Licht in die Kamera eindringen, werden unsere Fotos überbelichtet sein, was viel zu hell ist. Wenn wir nicht genug Licht in die Kamera eindringen, dann wird unser Foto zu dunkel sein. Daher ist es wirklich wichtig für uns zu regulieren, wie viel Licht in die Kamera eindringt, damit wir ein Foto haben können, das richtig belichtet ist und einfach wirklich gut aussieht. Genau das machen wir, wenn wir im manuellen Modus fotografieren. Anstatt der Kamera zu erlauben, wie viel Licht in unsere Kamera eindringt , sagen wir der Kamera, wie viel Licht wir in die Kamera eindringen wollen. Der Grund, warum wir manuell fotografieren wollen , anstatt der Kamera zu erlauben, wie viel Licht eintritt, ist, weil alle Dinge, die beeinflussen wie viel Licht in die Kamera eindringt, auch einen anderen Effekt haben, eine kreative -Effekt auf das Bild. Es gibt drei verschiedene Einstellungen, die wir anpassen müssen, um die Lichtmenge zu steuern, die unsere Kamera eindringt. Nur drei. Wir müssen ein Gleichgewicht zwischen diesen drei Dingen schaffen , um die richtige Belichtung zu erhalten. Diese drei Dinge sind Verschlusszeit, Blende und ISO. Diese drei Dinge umfassen das, was wir das Belichtungsdreieck nennen, ein nettes kleines Diagramm, das uns hilft zu verstehen, wie sie alle die Belichtung unseres Bildes beeinflussen. Alle drei dieser Dinge beeinflussen die Belichtung unseres Bildes, was wir bereits gesagt haben, aber sie haben auch ihre eigene einzigartige Wirkung. Sobald Sie verstehen, welche Auswirkungen jedes dieser Dinge auf Ihr Bild hat, werden Sie in der Lage sein, jedes Bild zu erfassen, das Sie aufnehmen möchten, und Sie können auch jede Kamera in der Welt verwenden, weil sie alle auf die gleiche Weise funktionieren. Die erste der drei Einstellungen, über die ich sprechen möchte, ist die Verschlusszeit. Nun, Verschlusszeit wird durch eine Zahl bezeichnet, also eine Sekunde, 1/100stel einer Sekunde, 1/4000stel einer Sekunde, usw. Denken Sie daran, wie ich Ihnen gesagt habe, wie es einen kleinen Spiegel gibt, der nach oben klappt und dann wieder nach unten dreht, um Licht zu ermöglichen Geben Sie die Kamera , na ja, die Geschwindigkeit dieser Bewegung, dieser Spiegel ist die Verschlusszeit. Verschlusszeit regelt die Lichtmenge, die in die Kamera eintritt einfach um die Dauer des Öffnungsverschlusses. Je länger der Verschluss geöffnet ist, desto mehr Licht tritt in die Kamera ein. Je kürzer der Verschluss geöffnet ist, desto weniger Licht tritt in die Kamera ein. Es ist ziemlich leicht zu verstehen und man kann es tatsächlich sehen und hören, wenn man auf eine Kamera schaut. Lassen Sie uns zwei Fotos machen und ich möchte, dass Sie in die Kamera schauen, und ich möchte auch, dass Sie zuhören. Jedes Mal, wenn Sie ein Foto machen, hören Sie tatsächlich zwei Klicks. Der erste Klick ist die Verschlussöffnung, und der zweite Klick ist der Verschluss. Für diesen ersten Schuss werde ich es mit einer wirklich schnellen Verschlusszeit nehmen, was bedeutet, dass nicht viel Licht in die Kamera eindringen wird. Hören Sie, wie schnell das ist. Es ist sehr schnell. Das bedeutet im Grunde nicht, dass viel Licht in unsere Kamera gelangt, was zu einem dunkleren Bild führt. Lassen Sie mich Ihnen die andere Seite zeigen, eine wirklich langsame Belichtung, was bedeutet, dass wir den Auslöser für eine lange Zeit offen lassen, so dass viel Licht in die Kamera eindringen kann. Ich werde hier eine Sekunde belichten. Noch einmal, hören und schauen. Viel länger als die 1/4000stel Sekunde, die wir auf der letzten gemacht haben. Lassen Sie mich das noch mal machen. Ihr hört es nach oben klicken und dann nach unten klicken. Das ist Belichtungszeit entsprechend dem Licht und wie viel Licht in die Kamera eindringt. Aber denken Sie daran, ich sagte, dass alle drei dieser Einstellung Verschlusszeit, Blende und ISO auch ihre eigene kreative Wirkung auf das Foto haben. Jetzt ist der kreative Effekt für die Verschlusszeit die Fähigkeit , Bewegung einzufrieren und Bewegungen zu verwischen oder zu verwischen. Je schneller Ihre Verschlusszeit ist, desto mehr Bewegung können Sie einfrieren. Wählen Sie Sportfotografen, schießen sie mit einem wirklich schnellen Verschlusszeiten, so dass alles scharf ist und keine Bewegungsunschärfe. Wenn Sie mit einer langsamen Verschlusszeit fotografieren, wo Sie mehr Bewegungsunschärfe in Ihrem Foto haben, wenn es Dinge auf Ihrem Foto gibt, die sich bewegen. Dieses Diagramm hilft uns wirklich, den kreativen Effekt der Verschlusszeit zu verstehen und wie es uns erlaubt, Bewegung einzufrieren. Dieses Diagramm berücksichtigt nicht nur die Lichtmenge, die in die Kamera eintritt, sondern auch die kreative Wirkung der Verschlusszeit, die die Fähigkeit ist, Bewegung einzufrieren. Auf der linken Seite haben wir weniger Licht mit einer schnelleren Verschlusszeit. Also 1/2500, was eine ziemlich schnelle Verschlusszeit ist, werden Sie in der Lage sein, eine Menge Bewegung damit einzufrieren. Deshalb sehen wir diesen kleinen Mann völlig knackig, schön und scharf, und das liegt daran, dass wir diese schnelle Verschlusszeit verwenden. Auf der anderen Seite haben wir eine 1-Sekunden-Belichtung, was bedeutet, dass wir viel Licht in unsere Kamera lassen, aber auch wir haben dieses verschwommene Aussehen. Nun ist eine Sache zu beachten, dass es kein Richtiges oder Falsches gibt. Dies ist ein kreatives Feature. Viele Fotografen werden eine Reihe von Verschlusszeiten verwenden , um das Aussehen zu erfassen, das sie wollen. Wenn Sie zum Beispiel Sport schießen, werden Sie mit einer wirklich schnellen Verschlusszeit wie 1/2500 oder 1/1500 schießen wollen, oder manchmal gehen sie sogar höher als das, 1/4000. Wenn Sie Ihren Freund zu Fuß die Straße hinunter schießen, können Sie in der Regel auf 1/500stel einer Sekunde oder 1/250stel einer Sekunde schießen. Das sind in der Regel ziemlich gut und beachten Sie, dass meine Kameras viel Zeit bei diesen Verschlusszeiten hängen. Dann, wenn Sie ein Landschaftsfotograf sind und Sie einen verschwommenen Ozean mit den blauen Wellen einfangen wollen , oder vielleicht schießen Sie in einer Stadt und Sie wollen wie viele Lichtströme von den Autos fangen . Sie können bei einer Ein-Sekunden-Belichtung schießen. Sie können sogar bei einer Belichtung von 30 Sekunden schießen. Ich habe gesehen, wie ein Kerl bei einer 200 Sekunden Belichtung schießen, es gab nur den Fotos so einen coolen Look, weil es so viel Bewegungsunschärfe im Bild erlaubt , dass es in einigen Bereichen völlig verschwommen war, aber unglaublich scharf in den Bereichen, die nicht waren bewegen, so ist es ein kreativer Effekt. Wenn Sie diese Fotos von den Sternen am Himmel mit einem Stern Trails sehen, sind diese verrückt wie 5-30 Minuten Belichtung, wo sie nur die Kamera so lange offen lassen, dass die Rotation der Erde tatsächlich die Position ändert der Sterne in der Kamera, so dass sie diese wirklich coolen Sterne Trails erfassen können. Eine andere Sache, die Sie zur Verschlusszeit beachten sollten , ist , dass die Verschlusszeit die Menge an Kamerawackeln in Ihrem Foto annulliert. Wenn Sie mit einer wirklich langsamen Verschlusszeit wie dieser fotografieren, können Sie die Kamera nicht halten, denn selbst ein wenig Schütteln wird zu einem verschwommenen Foto führen. Die Regel, die ich immer habe, ist, wenn ich die Kamera in der Hand halte, versuche ich nicht, für die Verschlusszeit unter 1/100stel einer Sekundezu gehen, weil das uns erlaubt, sicherzustellen, dass unsere bewegte Hand das Bild nicht verschwommenwird zu gehen, weil das uns erlaubt, sicherzustellen, dass unsere bewegte Hand das Bild nicht verschwommen es sei denn, Sie wollen diesen Look, aber normalerweise sieht es nicht sehr gut aus. Wenn Sie eine modernere Kameras haben, einige der moderneren Kameras wie verkörpern Stabilisierung oder die Linsen haben Stabilisierung, was bedeutet, dass Sie unter diesem 1/100stel einer Sekunde fallen können weil die Kamera hat ein Stabilisator im Inneren, so dass das Bild gestochen scharfer wird. Als nächstes möchte ich über Blende sprechen. Eine Blende wird auch als Blende bezeichnet. Eine Blende wird auch durch eine Zahl bezeichnet, und sie wird normalerweise als Markierung auf der Linse angezeigt. Dieses Objektiv ist 1,8, was bedeutet, dass die maximale Blende dieses Objektivs 1,8 beträgt. Die Blenden reichen nun typischerweise von 1,2 bis F 22, und das hängt nur von Ihrem Objektiv ab. Blende ist ziemlich leicht zu verstehen. Blende ist im Grunde die Größe des Lochs in Ihrem Objektiv, das erlaubt, Licht in die Kamera zu gelangen. Grundsätzlich gilt: Je breiter diese Öffnung, desto mehr Licht wird in die Kamera eindringen, und je kleiner die Öffnung, desto weniger Licht wird in die Kamera eindringen. Was kompliziert wird, wenn wir anfangen, über die Zahlen zu sprechen, ist die Blende seltsam. Es macht nicht viel Sinn, denn je kleiner die Zahl, desto breiter die Öffnung. Eine Blende von F 1.8 oder F 1.4 ist eine wirklich breite Blende, was bedeutet, dass viel Licht in die Kamera gelangt. Bei einer Blende von F 10 oder F 14 oder F 22 handelt es sich um wirklich kleine Blendenöffnungen, die nicht viel Licht in die Kamera eindringen lassen. Dies ist eine andere Sache, die Sie tatsächlich in der Kamera sehen können , wenn Sie es betrachten, es ist ziemlich cool. Wenn Sie in das Objektiv dieser Kamera schauen, können Sie tatsächlich ein kleines Loch sehen, mit dem, was aussieht wie Klingen um das Loch. Dieses Loch ist im Wesentlichen unsere Öffnung. Wenn ich nun die Blende anpasse, kann man sehen, dass das Loch größer wird, was mehr Licht in das Foto einlässt. Das ist großartig. Wir verstehen, wie Blende steuert, wie viel Licht in die Kamera eindringt, aber was ist der kreative Effekt der Blende? Der kreative Effekt der Blende ist die Fähigkeit, die Schärfentiefe zu kontrollieren. Eine Schärfentiefe ist im Wesentlichen die Menge an Unschärfe in einem Bild, das über das Objekt hinausgeht, das im Fokus steht. Wir nennen das auch, diese Unschärfe Bokeh. Bokeh hat wirklich sexy Begriff und Fotografie jetzt konvertieren, weil Bokeh sieht wirklich cool und es kann wirklich machen Sie Ihr Bild super künstlerisch aussehen. Wenn es um die Schärfentiefe geht, im Wesentlichen, je größer unsere Blende, die in diesem Fall eine niedrigere Zahl ist, desto geringer ist unsere Schärfentiefe. Je kleiner unsere Blende, was eine größere Zahl wie F 8 oder F 22 bedeutet, desto mehr Fokus haben Sie in Ihrer Szene. Sie können den Fokus ganz vom Vordergrund bis zum Hintergrund haben. Nun, sowohl kleine als auch große Blenden sind super wichtig für die Fotografie und wir verwenden alle Öffnungen der Kamera, je nachdem, welche Art von Sache wir schießen. Also zum Beispiel, wenn Sie ein Porträt machen wollen und Sie das Gesicht und den Fokus dieser Person haben wollen und dann alles hinter sich haben wirklich nett und unscharf sein, so können wir uns wirklich auf die Person konzentrieren, auf das Thema. Oder dafür wollen wir eine große Blende verwenden. Eine Blende von F 2.8 oder F 2 oder F 1.8 oder F 1.4, das ist eine super breite Blende, die uns wirklich einen coolen, einzigartigen, künstlerischen Look verleiht. Aber wenn Sie etwas wie eine super knackige Landschaft einfangen und alles schön im Fokus haben wollen , einschließlich vielleicht gibt es einen Busch vor Ihnen, und dann weit weg in der Ferne ist ein schöner Berg und Sie wollen sowohl den Busch als auch den Berg im Fokus haben. Nun, dafür werden Sie eine wirklich kleine Blende verwenden wollen, wie F 18 oder F 22. Aperture ist wirklich wichtig, um dieses wirklich kreative Lernen zu erfassen. Ich denke, es hat einen der größeren Auswirkungen auf Ihr Foto. Sobald Sie das verstehen, können Sie wirklich beginnen, einige wirklich coole künstlerische Fotos zu machen. Für mich, als ich Blende verstanden habe, es wirklich geholfen, die anderen Dinge an Ort und Stelle zu klicken. Der letzte Teil des Belichtungsdreiecks, die letzte Einstellung, die wir verstehen müssen, ist ISO. ISO wird auch durch eine Zahl bezeichnet, normalerweise bei 100 beginnt, was eine niedrige ISO bis zu 12.500 ist, oder sogar verrückte Zahlen wie 56.000 ISO. Kurz gesagt, der einfachste Weg, es zu verstehen, ist ISO die Empfindlichkeit des Sensors. Wir können technischer als das werden, aber ich denke, das ist das Wichtigste, was Sie wissen müssen. Es ist die Menge an Empfindlichkeit, die Ihr Sensor hat. Je höher die ISO, desto empfindlicher wird Ihr Sensor sein, was bedeutet, dass er mehr Licht aufnehmen kann. Je niedriger Ihre ISO, desto weniger empfindlich wird Ihr Sensor sein, was bedeutet, dass weniger Licht in Ihrem Bild. Wenn es darum geht, die Lichtmenge in das Bild zu regulieren, ist ISO ziemlich einfach zu verstehen. Aber die einzigartige Wirkung von ISO kann wirklich einen starken Einfluss auf Ihr Image haben und nicht wirklich ein gutes. Deshalb nenne ich ISO gerne unser letztes Mittel. Lassen Sie mich erklären, warum. Wenn wir unsere ISO in unserer Kamera erhöhen, erhöhen wir die Empfindlichkeit dieses Sensors. Jedoch, mit größerer Empfindlichkeit, kommt größere Instabilität. Wenn ich größere Instabilität sage, meine ich, dass die Kamera beginnt, die Lichtwellen zu erraten, die in die Kamera eindringen. Hat nicht wirklich die Stabilität, um alle verschiedenen Lichtwellen zu verstehen , die in die Kamera eindringen und richtig aufnehmen. Was bedeutet, dass je höher unsere ISO ist, desto mehr digitales Rauschen oder digitales Korn wird in unserem Bild sein, was ehrlich gesagt wirklich schlecht aussieht. Es sieht nicht gut aus. Es ist wirklich nicht wie das alte Filmkorn, das wir früher gesehen haben. Wenn man sich ein altes Bild von einer Filmkamera anschaut, gab es diesen körnigen und wirklich künstlerischen Look. Es verleiht dem Foto eine Textur. Nun, das sieht gut aus auf Filmkameras, aber bei Digitalkameras sieht es überhaupt nicht gut aus. Es ist alles verfärbt und es sieht einfach nicht gut aus. Wir wollen das so weit wie möglich vermeiden. Das tun wir, indem wir unsere ISO grundsätzlich so niedrig wie möglich halten. Das einzige Mal, dass wir unsere ISO erhöhen, ist, wenn wir unsere Blende eingestellt haben, wir unsere Verschlusszeit eingestellt haben und wir haben immer noch nicht genug Licht in das Foto. Vielleicht drehen wir in einer dunklen Umgebung oder vielleicht drinnen, wo es einfach nicht genug Licht gibt. Nur dann, nur als letztes Mittel, erhöhen wir unsere ISO. Wie ich schon sagte, ISO kann die Qualität Ihres Bildes wirklich negativ beeinflussen. Ich möchte, dass du damit experimentierst. Nehmen Sie ein Bild mit 100 ISO auf, passen Sie die Kamera an und nehmen Sie dann ein anderes Bild mit der maximalen ISO auf, die Ihre Kamera herausnehmen kann. Ob das 6.400 oder bis zu 32.000 ist, was auch immer diese Zahl ist, nehmen Sie ein Bild davon, zoomen Sie hinein und schauen Sie sich das Bild an. Es wird dramatisch anders aussehen. Nun, da wir über alle drei Teile des Belichtungsdreiecks gesprochen haben und über die kreativen Dinge gesprochen haben, die sie auch tun. Wir müssen gemeinsam über sie reden. In dieser nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie alle drei ausbalancieren können um das Bild zu erfassen, das Sie aufnehmen möchten. 4. Belichtung ausgleichen: Ausgleich unserer Belichtung wird ganz einfach, wenn wir Blende, Verschlusszeit und ISO verstehen , die drei Dinge, die die Lichtmenge steuern, die unsere Kamera eindringt. Woher wissen wir, ob wir eine ausgewogene Exposition haben? Woher wissen wir, dass es die perfekte Menge an Licht in die Kamera geben wird und nicht zu viel oder zu wenig? Nun, die Kamera sagt uns tatsächlich, wie viel Licht in die Kamera eindringt. Es sagt uns, dass mit einem coolen kleinen Feature namens Lichtmesser. Jetzt haben alle Kameras einen Lichtmesser. Einige von ihnen haben es oben wie diese, und dann haben sie es auch im Sucher. Wenn er auf den Sucher schaute und Sie den Auslöser gedrückt haben, um zu fokussieren, erscheint der Lichtmesser unten. Wenn Sie eine spiegellose Kamera haben, wird das das Gleiche sein, sobald Sie in den elektronischen Sucher schauen, sehen Sie den kleinen Lichtmesser auf der Unterseite. Was ist der Lichtmesser? Nun, im Wesentlichen ist der Lichtmesser nur eine kleine Linie, die ein paar Zahlen darauf hat , und er sagt Ihnen, wie exponiert Ihr Bild ist. Es gibt einen kleinen Indikator, der sich von links nach rechts bewegt und Ihnen zeigt , wo Ihre Belichtung in Übereinstimmung mit dieser Linie ist. Wenn sich Ihr Indikator rechts von diesem Mittelpunkt auf der Linie befindet, bedeutet das, dass Ihr Bild überbelichtet ist, und wenn es sich links vom Mittelpunkt befindet, bedeutet das, dass Ihr Bild unterbelichtet ist. Eine gute Faustregel ist, einfach zu versuchen, diesen Indikator in der Mitte zu halten. So wissen Sie, dass Sie so ziemlich eine ausgewogene Exposition haben. Der Lichtmesser ist im Wesentlichen, woher Sie wissen, ob Ihr Bild ausgeglichen ist, aber woher wissen wir, welche Einstellungen wir wählen sollen? Woher wissen wir, ob wir eine schnelle Verschlusszeit oder eine langsame Verschlusszeit oder eine breite Blende oder flache Blende haben wollen? Wie balancieren wir diese Dinge aus und erhalten den kreativen Look, den wir wollen? Ich denke, der beste Weg, dies zu verstehen, ist mit einigen realen Beispielen. Nehmen wir an, zum Beispiel, ich fotografiere ein Porträt meines Freundes. Denken Sie daran, dass wir gesagt haben, ISO ist der letzte Ausweg, also wollen wir ISO so niedrig wie möglich halten. Ich werde das auf 100 setzen. Das nächste, was ich tun werde, ist, meine Blende auf 1.4 zu setzen. Der Grund, warum ich meine Blende auf 1,4 setze, ist dass ich eine wirklich flache Schärfentiefe haben möchte. Ich möchte Blende kreativ nutzen und den Hintergrund hinter ihr verwischen und alles wirklich cool aussehen lassen. Das ist mein erster Gedanke. Mein erster Gedanke ist kreativ. Es ist, diesen verschwommenen Hintergrund einzufangen und mein Motiv zu isolieren. Jetzt haben wir eine ISO von 100 und eine Blende von 1,4, die wirklich breit ist, was bedeutet, dass viel Licht in unsere Kamera eindringt. Damit ich meine Belichtung ausbalancieren und sicherstellen kann, dass wir nicht zu viel Licht in unserem Bild bekommen, muss ich meine Verschlusszeit schneller machen und ich werde meine Belichtung mit Verschlusszeit anpassen. In dieser Situation, weil ich kein bewegliches Motiv fotografiere, es mir wirklich egal, wie schnell oder wie langsam meine Verschlusszeit ist. Also verwende ich es nur, um meine Belichtung auszugleichen. In diesem Fall, weil wir viel Licht in die Kamera eindringen, werde ich diese Verschlusszeit bei einer Viertausendstel Sekunde wirklich schnell machen werde ich diese Verschlusszeit bei einer Viertausendstel Sekunde wirklich schnell machen, und das wird die Belichtung perfekt ausgleichen. Lassen Sie uns nun zu einem anderen Beispiel übergehen. Sagen wir mal, ich will eine Landschaft schießen. Ich möchte nicht alles im Bild im Fokus haben, und ich möchte, dass es wirklich scharf ist. Wieder einmal werde ich meine ISO einstellen und ich werde es so niedrig wie möglich bei 100 belassen. Das nächste, was ich tun werde, ist, meine Blende zu setzen. Ich werde meine Blende auf eine Zahl setzen, die versichern wird, dass ich schöne Schärfe im gesamten Foto habe den ganzen Weg vom Vordergrund bis zum Hintergrund. In diesem Fall werde ich versuchen, f /16 Das ist eine ziemlich kleine Blende, und das wird wirklich sicherstellen, dass alles im Fokus steht und uns eine wirklich, wirklich tiefe Schärfentiefe gibt. Nun, weil meine Blende so klein ist und die ISO so niedrig ist, haben wir wirklich nicht so viel Licht in die Kamera. Um meine Verschlusszeit auszugleichen, muss ich meine Verschlusszeit senken, anstatt meine Verschlusszeit schneller zu machen, wie iches bei der Aufnahme des Porträts getan anstatt meine Verschlusszeit schneller zu machen, wie ich habe, um sicherzustellen, dass genügend Licht in die Kamera gelangt. Aber jetzt denken Sie daran, wenn Sie Ihre Verschlusszeit unter eine Hundertstel Sekunde fallen lassen, dann werden Sie die Kamera in Ihrem Bild wackeln und dann werden Ihre Bilder verschwommen. Deshalb verwenden Landschaftsfotografen ein Stativ, weil sie immer wirklich hohe Blendenöffnungen aufnehmen und sicherstellen wollen, dass sie gestochen scharfe Fotos haben, so dass sie ihre Kamera auf ein Stativ legen, es bewegt sich nicht auf alle und sie können verwenden, was Verschlusszeit sie wollen, es spielt keine Rolle, wie langsam es ist, sie werden in der Lage sein, alles in einem schönen scharfen Fokus zu bekommen. Lassen Sie uns für das letzte Beispiel über das Fotografieren eines Porträts in der Nacht sprechen. Wir haben nicht viel Licht und wir arbeiten in einer wirklich schlechten Lichtumgebung. Es sind diese Situationen, in denen Sie wirklich verstehen müssen, wie Sie Ihre Kamera richtig verwenden, um mit einem schönen Bild zu kommen. Sagen Sie, es ist wirklich dunkel draußen und mein Objektiv ist auf f/4 eingestellt. Viele Objektive, die Sie am Anfang kaufen werden, wird die maximale Blende eine vier sein, die nicht super breit ist, aber es ist auch nicht schlecht. Das lässt immer noch eine ordentliche Menge Licht ein. Ich habe meine Verschlusszeit auf eine über eine Hundertstel Sekunde gesenkt. Wieder einmal kann ich nicht wirklich tiefer als das gehen, denn wenn ich tiefer gehe, dann werde ich Kamerawackeln auf meinem Foto bekommen. Ich habe kein Stativ, um die Kamera zu stabilisieren. Das ist die langsamere Verschlusszeit, die ich gehen kann , während ich immer noch die Schärfe im gesamten Rahmen aufrechterhalte. Ich habe meine Blende eingestellt, ich habe meine Verschlusszeit eingestellt, aber es gibt immer noch nicht genug Licht die Kamera und ich muss wirklich die Aufnahme bekommen. Also, was machst du? Nun, Sie wenden sich an ISO, die das letzte Mittel ist, und wir erhöhen unsere ISO, um unsere Exposition auszugleichen. Eine ISO von 100, es könnte nicht genug sein, also werde ich bis zu 400 gehen. Wenn wir immer noch nicht genug Licht in die Kamera haben, gehen Sie bis zu 800. Noch einmal, Sie gehen einfach weiter, bis Sie sicher sind , dass Sie genug Licht in die Kamera eindringen. Kurz gesagt, Sicherstellung der richtigen Belichtung ist nur Sie ein Gleichgewicht zwischen diesen drei Dingen zu schaffen. Sobald Sie verstehen, wie Sie diese Balance zu schaffen, werden Sie in der Lage sein, jedes Bild, das Sie aufnehmen möchten, zu erfassen. Was auch immer du schießen musst, du musst bestimmen, was das Wichtigste ist. Versuchst du, Bewegung einzufrieren? Sind Sie ein Sportfotograf und egal was passiert, Sie müssen Bewegung einfrieren? Oder versuchen Sie nur, eine künstlerische Aufnahme mit einer flachen Schärfentiefe zu bekommen? Identifizieren Sie das zuerst, identifizieren Sie, was für Sie wichtiger ist, und passen Sie dann die Einstellungen entsprechend an. Für mich fotografiere ich in der Regel gerne mit einer breiten Öffnung, egal ob ich Essen, Porträts oder Straße fotografiere . Ich fotografiere gerne mit einer breiten Blende von f/1.4 oder f/1.8. Das ist nur, weil ich diese flache Schärfentiefe mag. Weil meine Blende immer so eingestellt ist, dann passe ich einfach die Verschlusszeit an, um meine Belichtung auszugleichen. Ich denke wirklich nicht so viel über Kameraeinstellungen nach. Ich stelle meine Blende ein und stelle dann einfach meine Verschlusszeiten ein und stelle sicher, dass die Belichtung gut ist. Dann noch einmal, wenn ich in einer wirklich dunklen Umgebung fotografiere, dann werde ich einfach meine ISO erhöhen, wenn ich muss. Aber ehrlich gesagt, ich passe selten meine ISO an, weil ich es einfach nicht brauche. Sportfotografen, sie machen sich nicht Sorgen um Blende so sehr, wie sie sich um die Verschlusszeit sorgen. Lebensmittelfotografen könnten sich weniger um die Verschlusszeit kümmern, aber sie kümmern sich wirklich um die Blende, denn das wird wirklich die Schärfe des Essens bestimmen und wo sie ihren Fokus und solche Dinge haben. 5. Muss man wirklich den manuellen Modus verwenden?: Welchen Kameramodus sollten Sie aufnehmen? Nun, wir hören immer von manuellem Modus. Darüber habe ich in diesem Kurs gesprochen. Wie ich bereits sagte, manueller Modus, alles, was es tut, ist im Grunde geben Sie kreative Kontrolle über alle drei dieser Dinge, Verschlusszeit, Blende und ISO, können wir alle von ihnen vollständig kontrollieren. Aber müssen Sie wirklich alle von ihnen in jeder Situation kontrollieren? Auf die Antwort darauf ist nein, du tust es wirklich nicht. Das liegt daran, wie ich bereits sagte, normalerweise nur eine dieser Einstellungen, wird es für Sie super wichtig sein. Wie ich bereits sagte, wenn Sie ein Lebensmittelfotograf sind, ist die Blende super wichtig, wenn Sie ein Porträtfotograf , wieder einmal, Blende ist wichtig. Wenn Sie ein Sportfotograf sind oder NASCAR oder so fotografieren, dann müssen Sie sich wirklich auf die Verschlusszeit konzentrieren. Sie müssen wirklich nur manuell aufnehmen, wenn Sie sich in einer schlechten Lichtumgebung und Ihre Kamera nur Ihre ISO hochstößt und Sie wirklich keine hohe ISO haben wollen, dann sollten Sie in manuellen Aufnahmen machen. Aber meistens das andere Mal, Ich mag es, in Blendenpriorität zu schießen. Aperture-Prioritätsmodus ist im Grunde, dass Sie die Blende der Kamera einstellen, und die Kamera wählt die Verschlusszeit und die ISO auf eigene Faust. Kameras sind intelligent, also werden nicht nur die ISO hochfahren. Es wird mit der Verschlusszeit beginnen. Es wird Ihre Verschlusszeit anpassen, je nachdem, wie viel Licht in die Kamera eintritt, und wenn es dann nicht genug ist und sie unter eine 100stel Sekunde geht, dann wird Ihre Kamera ISO erhöhen, so dass die Kameras wirklich intelligent sind. Das ist, warum ich gerne eine Blendenpriorität schießen, Es ist einfacher, vor allem, wenn ich versuche, viele verschiedene Aufnahmen zu bekommen. Manche mögen bei einer Veranstaltung oder so etwas, oder Straßenfotografie, Aperture Priorität ist großartig. Vor allem, wenn Sie tagsüber fotografieren, müssen Sie sich keine Sorgen um ISO machen. Blendenpriorität ist genial. Wenn Sie ein Sportfotograf sind, na ja, viele Sportfotografen, werden wir Verschlusspriorität verwenden, weil, wie ich bereits sagte, sie müssen sicherstellen, dass sie alles in scharfem Fokus und keine Bewegungsunschärfe bekommen, also sie können in der Verschlusspriorität schießen. Auto-Modus, empfehle ich, im Auto-Modus zu fotografieren? Ich empfehle nicht, im Auto-Modus zu fotografieren. Zumindest in Blendenpriorität schießen, wenn Sie im manuellen Modus fotografieren müssen. Aber Sie sollten wirklich nicht in Auto schießen, denn dann nehmen Sie wirklich eine Menge Ihrer kreativen Kontrolle weg, die Sie über die Kamera haben. Ich empfehle die Aufnahme in Blendenpriorität oder im manuellen Modus. Es gibt ein paar andere nützliche Einstellungen, die ich denke, Sie sollten wissen, und die erste ist der Weißabgleich. Wir sprechen über digitale Fotografie, Weißabgleich ist im Grunde die Anpassung der Farben in Ihrem Bild, um natürlicher aussehen. Kameras haben eine Reihe von verschiedenen Weißabgleich-Einstellung wie Tageslicht, bewölkt, Wolfram, das ist wie Innenbeleuchtung oder die schlechte Beleuchtung, fluoreszierend, ein paar verschiedene andere als auch. Dann haben sie in der Regel in Automotiven Wand, wo es alles berücksichtigen wird und wählen Sie einen Weißabgleich für Sie. Wenn es um Weißabgleich geht, empfehle ich immer, dass Sie keinen automatischen Weißabgleich schießen. Der Grund dafür ist, dass wir den Weißabgleich unseres Bildes bei der Bearbeitung sehr einfach anpassen können . Aber wenn wir eine Reihe von verschiedenen Bildern an einem Ort haben und wir den Auto-Modus verwenden, so dass alle verschiedenen Farbtemperaturen sehr unterschiedlich sind, na ja, dann wird es schwierig sein, Massenbearbeitung durchzuführen. Wir werden nicht in der Lage sein, einfach den Weißabgleich eines Bildes anzupassen und es auf alle von ihnen anzuwenden. Wir müssen jeden selbständig machen. Was ich gerne mache, ist, meine Kamera auf Tageslicht und Weißabgleich zu setzen. Das funktioniert normalerweise für die meisten Situationen, und wenn ich dann in der Bearbeitung bin, stimmen Sie den Weißabgleich ein wenig ab. Weißabgleich ist sehr wichtig. Aber ich empfehle, nur eine der Voreinstellungen in Ihrer Kamera auszuwählen und es für die meisten Situationen einfach darauf zu lassen. Das nächste, worüber ich sprechen möchte, ist RAW vs JPEG. haben Sie vielleicht schon mal gehört. Wenn wir über RAW und JPEG sprechen, beziehen wir uns auf die Datei, die Ihre Kamera aufnimmt. Jedes Mal, wenn Sie ein Bild aufnehmen, berechnet die Kamera tatsächlich, sie speichert diese Informationen in einer Datei. JPEG ist eine kleinere Datei, aber ist es eine Datei, die Ihre Kamera tatsächlich komprimiert und tatsächlich in der Kamera bearbeitet, um Ihnen nur ein Bild zu geben, das ziemlich gut aus der Kamera und eine kleinere Dateigröße aussieht. Ein RAW-Foto bedeutet im Grunde, dass Ihre Kamera keine Verarbeitung daran durchführt, es komprimiert sie nicht, und es gibt Ihnen so viele Informationen wie möglich. Was bedeutet das? Nun, das bedeutet, dass wir unser Foto besser bearbeiten und posten können, weil wir mehr Informationen in unserem Foto haben, wir haben mehr Informationen in den dunklen Bereichen und mehr Informationen in den hellen Bereichen. Ich sage immer, schießen RAW, weil, Bearbeitung ist ein sehr wichtiges Stück des Puzzles und es ist wichtig für uns zu lernen, wie man richtig eingibt. Die Bearbeitung ist viel einfacher, wenn wir RAW-Fotos haben. Wenn es um die RAW vs JPEG-Debatte geht, werde ich es einfach halten und sagen, schießen RAW für die Zwecke dieses Kurses. Das ist die beste Empfehlung, die ich Ihnen geben kann. Neben dem Fokus, auf den wir jetzt hier eingehen, Autofokus und manueller Fokus. Das sind so ziemlich alles, was Sie über Ihre Kamera wissen müssen. Das sind die wichtigsten Einstellungen. Setzen Sie Ihren Dateityp RAW und JPEG, und dann auch setzen Sie Ihren Weißabgleich, wenn Sie diese Dinge verstehen könnten, und dann können Sie auch das Belichtungsdreieck verstehen, Sie werden gut zu gehen sein. 6. Fokus: Ich möchte eine kurze Sekunde nehmen, um über den Fokus zu sprechen, insbesondere Autofokus und manuellen Fokus. Ich denke, viele von uns, wenn wir manuellen Modus hören, denken wir auch an wie manuelle Fokussierung und wir denken, dass manuelle Fokussierung besser sein könnte als Autofokus oder so etwas. Aber die Wahrheit ist, Autofokus ist genial. Ich verwende Autofokus 99 Prozent der Zeit in meinen Fotos, vor allem bei Kameras in diesem Tag und Alter, der Autofokus ist unglaublich intelligent, unglaublich schnell und sehr nützlich. Das einzige Mal, dass Sie wirklich wollen, um mit einem manuellen Fokus schießen, ist Video. Video oft drehen wir mit manuellem Fokus, aber auch wenn Sie eine wirklich, wirklich große Blende verwenden, haben Sie eine wirklich flache Schärfentiefe , die Sie sicherstellen müssen, dass Sie sich auf etwas ganz Besonderes konzentrieren. Wie bei der Makrofotografie können Sie oft den manuellen Modus verwenden oder wenn Sie Essen aufnehmen und sicherstellen möchten , dass etwas wirklich im Fokus ist, dann verwenden Sie vielleicht den manuellen Modus, aber oft Sie verwenden nur den manuellen Modus, wenn Sie ein Stativ haben. Autofokus ist wirklich die bessere Option für die meisten Situationen. Wenn es um Autofokus geht, gibt es ein paar verschiedene Modi. Normalerweise gibt es drei Modi an, aber wirklich nur zwei von ihnen sind diejenigen, die Sie wirklich wissen müssen. Diese beiden Dinge sind Einzelschuss-Autofokus, so nennt Sony es, oder Einzel-Servo-Autofokus für Canon. Nikon wird auch einen ähnlichen Namen haben. Dann ist der zweite kontinuierliche Autofokus, kontinuierlicher Autofokus ist auch als Continuous Servo Autofokus für Canon bekannt. Wieder einmal wurden verschiedene Kameraunternehmen diese verschiedenen Dinge genannt, aber sie tun im Wesentlichen dasselbe. Einzelaufnahme Autofokus, ist im Wesentlichen, dass Sie die Kamera einmal fokussieren und dann die Kamera aufhört zu fokussieren, wird sie nicht wieder fokussieren, bis Sie den Finger abnehmen und dann neu fokussieren. kontinuierliche Autofokus ist etwas anders. Sobald Sie den Auslöser gedrückt haben und den Fokus einschalten, wird es sich weiterhin auf das konzentrieren, auf das Sie Ihre Kamera zeigen. Wenn ich mich zuerst auf mein Mikrofon vor mir konzentriere und auf kontinuierlichen Autofokus stehe, und ich immer noch die Fokus-Taste gedrückt halte und ich über und schieße meinen Laptop oder so, muss es den Fokus anpassen. Aber mit Einzelschuss Autofokus, wenn ich hier einen Piepton fokussieren und dann kann ich mich überall bewegen und dieser Fokus wird sich nicht bewegen, solange ich weiterhin diesen Fokusknopf halte. Welchen Fokus sollten Sie verwenden? Kontinuierlich oder ein einzelner Schuss? Einzelschuss wird für Sie in den meisten Situationen besser sein. Der Grund dafür liegt darin, dass Sie sich mit Einzelschuss-Autofokus auf etwas konzentrieren können, vielleicht liegt Ihr Fokuspunkt direkt in der Mitte Ihres Suchers. Sie konzentrieren sich auf etwas, das direkt in der Mitte Ihres Rahmens ist, und dann können Sie Ihre Aufnahme neu zusammenstellen und Sie können Ihre Komposition anpassen. Aber wenn Sie einen kontinuierlichen Autofokus schießen und Sie sich auf das Ding in der Mitte konzentrieren und dann versuchen Sie, Ihre Konkurrenz anzupassen, na ja, dann wird Ihr Fokuspunkt drehen und sich auf verschiedene Dinge rund um Ihre Rahmen und oft wollen Sie das nicht wirklich. Aber Sie wollen einen kontinuierlichen Autofokus, wenn Sie in Video aufnehmen oder wenn Sie Bewegung aufnehmen. Denn wenn sich etwas über Ihren Rahmen bewegt, möchten Sie nicht so sein, dass Sie jede Sekunde neu fokussieren müssen , um sicherzustellen, dass Ihr Motiv im Fokus steht, oft werden sie nicht im Fokus stehen. Wenn du jemanden drehst, der sich bewegt, na ja, du wirst in kontinuierlichem Autofokus schießen wollen, kannst du ihm folgen und sie bleiben im Fokus, solange sie in der Mitte des Bildes bleiben oder wo sich dein Fokuspunkt befindet Ihren Sucher. Sie sind beide wirklich nützlich die meiste Zeit, es sei denn, ich schreibe Bewegung, ich fotografiere auf Einzelschuss Autofokus, das ist der beste Rat, den ich Ihnen geben kann gute Fotos aufzunehmen und sicherzustellen, dass alles schön und scharf im Fokus ist. Ich habe einen Pro-Tipp für Sie und das ist, Zurück-Taste Autofokus zu verwenden. Autofokus der Zurück-Taste bedeutet, dass Sie anstatt den Auslöser drücken, um Ihre Kamera zu fokussieren, den Auslöser drücken, um Ihre Kamera zu fokussieren,die Taste auf der Rückseite Ihrer Kamera verwenden, um Ihre Kamera zu fokussieren. Warum ist das gut? Weil es Ihnen erlaubt, Ihren Auslöser zu trennen oder was Sie verwenden, um Ihr Foto aufzunehmen, und eine Taste, um Ihren Fokus zu erfassen. Ich liebe das, denn wenn ich etwas fotografiere und ich mich viel in diesem Bereich bewegen werde , kann ich mich mit der Rückseite meiner Kamera fokussieren und dann kann ich alles bewegen und es wird im Fokus bleiben. Aber wenn Sie Autofokus auf Ihren Auslöser eingestellt ist, jedes Mal, wenn Sie ein Foto nehmen, es wird neu fokussieren und es wird sich zu viel konzentrieren. Ich mag es, sie getrennt zu halten und ich denke, dass viele professionelle Fotografen die beiden tatsächlich trennen. Sie können dies tun, indem Sie zu Ihren Kameraeinstellungen gehen und dann einfach den Autofokus für Halbdrücken ausschalten, und dann verwenden Sie einfach Ihren Daumen, um sich zu fokussieren, anstatt Ihren Hauptfinger hier. Ziemlich coole Funktion, und das ist definitiv etwas, das ich Ihnen empfehlen, wenn Sie mit einer DSLR oder einer spiegellosen Kamera fotografieren. Mittlerweile ist die alte Frage, wo sollten Sie Ihre Kamera fokussieren? Nachdem Sie entweder Einzelschuss-Autofokus oder kontinuierlichen Autofokus ausgewählt haben, wo Sie die Kamera zeigen sollen, um sicherzustellen, dass alles scharf ist? Das hängt wirklich davon ab, was Sie schießen. Wenn Sie eine Person wie ein Porträt fotografieren, möchten Sie sich vielleicht auf ihr Auge oder vielleicht nur auf ihren Kopf konzentrieren und das wird in der Regel gut genug sein , um einen guten Fokus in ihrem Gesicht zu bekommen und dann alles andere hinter sich zu lassen. Wenn Sie auf eine Gruppe von Leuten schießen, die alle in verschiedenen Tiefen sind, sagen Sie , dass hier eine Person ist und hier eine Person ist, und dann ist jemand in der Mitte, na ja, wenn Sie mit einer wirklich großen Blende schießen und Sie haben eine wirklich flache Schärfentiefe. Wenn Sie sich auf die Person in der Front konzentrieren, dann wird die Person auf dem Rücken außer Fokus sein. Aber wenn Sie sich auf die Person in der Mitte konzentrieren, dann werden Sie einen einheitlicheren Fokus im gesamten Rahmen haben. Nun, wenn ich auf Gruppen von Leuten schieße , ist nur, meine Blende etwas kleiner zu machen, nur um sicherzustellen, dass ich ein Update des Feldes habe, um jedermanns Gesicht in den Fokus zu bringen. Wenn Sie eine Landschaft fotografieren, können Sie sich auf etwas konzentrieren, vielleicht in der Mitte Ihrer Szene, wie es einen Baum oder einen Fluss gibt, den Sie dort fokussieren können, oder Sie können sich auf etwas im Hintergrund konzentrieren, vielleicht auf einen Berg oder So etwas. Bei der Landschaftsfotografie ist Ihr Fokuspunkt viel weniger wichtig als Ihr Fokuspunkt bei Dingen wie Portrait- oder Lebensmittelfotografie. Das ist subtil, weil Sie eine so kleine Blende verwenden, alles ist im Fokus und Ihre Schärfentiefe ist so tief Ihr Fokuspunkt, dass es nicht so wichtig ist, konzentrieren Sie sich einfach auf etwas in der Ferne und normalerweise alles wird in ziemlich guter Konzentration sein. 7. Komposition: Für diese nächste Lektion möchte ich über Komposition sprechen. Eines der ersten Dinge, die Sie tun müssen, wenn Sie Komposition studieren , ist es, sich eine schöne warme Tasse Kaffee zu machen. Witze beiseite. Komposition ist unglaublich wichtig, wenn es um die Fotografie geht, und Komposition ist die Sache, auf die sich die Menschen oft beziehen, wenn sie sagen: „Dieser Fotograf hat das Auge “, oder was auch immer das bedeutet. Normalerweise sprechen sie von Komposition. Kurz gesagt, Komposition ist im Grunde, wie Sie die Objekte in Ihrem Rahmen anordnen. Gute Zusammensetzung ist sehr wichtig, denn als Menschen arbeiten unsere Gehirne auf ganz bestimmte Weise. Unsere Gehirne wollen etwas sehen, das leicht zu sehen ist. Was ich damit meine, ist, dass unser Gehirn in der Lage sein will, ein Bild zu betrachten und alles, was vor sich geht, auf eine leicht verständliche Weise zu verarbeiten. Wenn ein Bild keine gute Komposition dann können unsere Gehirne nicht richtig auf dem Foto navigieren, und weil unser Gehirn das Foto nicht richtig navigieren kann, denken unsere Gehirne unbewusst an dieses Foto als nicht schön. Deshalb ist Komposition auf seiner grundlegendsten Ebene so wichtig, gute Zusammensetzung ermöglicht es Ihren Zuschauern Augen, um das Foto zu navigieren, die Hauptthemen zu finden, und dann in der gesamten Szene auf eine Weise zu nehmen, die für das Gehirn leicht ist begreifen. Wenn es um Komposition geht, gibt es viele, viele, viele verschiedene Arten von Kompositionen, die in der Fotografie akzeptiert werden. Ehrlich gesagt, ich denke, wenn es darum geht, Komposition zu unterrichten, kann man es nicht überlehren, weil viel davon kommen wird, wenn man aus dem Schießen ist. Wenn Sie sich auf eine ganz spezifische Liste von Kompositionen beschränken, dann werden Sie sich wirklich kreativ zurückhalten. Ich denke, es ist wichtig, einige der Konzepte der Komposition zu verstehen, aber nicht so sehr ist dies eine gute Komposition, und Sie sollten dies versuchen, und das ist eine gute Komposition, und Sie sollten dies versuchen. Der Grund, warum ich das Kursprojekt als Shooting ein Objekt 50 verschiedene Male habe, ist, weil das wird wirklich helfen, Ihre Komposition zu verbessern. Aber mit dem besagten, gibt es einige Dinge, über die ich wirklich reden möchte. Das erste, was ist die Perspektive. Perspektive ist im Wesentlichen, wie Sie sich in Übereinstimmung mit Ihrem Thema orientieren, was auch immer dieses Thema sein mag. Dies ist die Hände nach unten das wichtigste, die grundlegendste Stück der Komposition, die Sie verstehen müssen, weil wo Sie in Übereinstimmung mit Ihrem Thema sind stark verändert das Ergebnis des Fotos. In diesem Konzept der Perspektive ist auch relevant für all die verschiedenen Dinge, über die wir hier in diesem Kompositionsvideo sprechen werden. Sie können Ihre Perspektive anpassen, indem Sie sich entweder vorwärts und rückwärts, horizontal, also links oder rechts, sowie vertikal, oben und unten bewegen. Egal, wie Sie sich bewegen, Sie passen Ihre Perspektive auf dieses Hauptthema an. Es gibt ein paar verschiedene Perspektiven, die Sie versuchen können, wo Sie schießen. Das erste ist Wurmauge oder im Grunde, wo du unten bist und du nach oben schaust. Dies gibt Ihrem Motiv oft ein größeres Aussehen, gibt ihnen mehr Autorität in Ihrem Foto, und es kann auch verwendet werden, um sie von allem anderen hinter ihnen zu isolieren, wenn Sie den Hintergrund aufdringlich finden, können Sie schießen auf sie und vielleicht den Himmel als Hintergrund verwenden. Das Gegenteil von Würmern Auge ist Vogelauge. Wenn man auf das Thema hinabschaut, sieht das oft Objekte kleiner aus, und es ist gut, um ein Stadtbild zu zeigen. Sie können viele verschiedene Dinge mit einer Vogelperspektive zeigen. Eine andere ist gerade gerade auf, also schießen Sie es gerade auf und direkt in der Mitte. Das ist eine gute Perspektive, und dann auch von beiden Seiten zu schießen. Manchmal, wenn ich unterwegs bin und eine Straße schießen will, bist du mitten in der Wüste und es gibt eine wirklich coole Straße und du hast diese linearen Linien. Sie wollen die Straße schießen, wo Sie es von der Mitte schießen können und dann können Sie es von beiden Seiten schießen. Es ist schwer zu wissen, wer besser sein wird, bis Sie es schießen. Was ich immer gerne mache, ist, mein Thema zu finden und es dann einfach mit einer Reihe unterschiedlicher Perspektiven zu schießen. Bewegen Sie sich auf so viele verschiedene Arten, wie ich sagte, für das Klassenprojekt, versuchen Sie, Ihre Perspektive anzupassen und versuchen Sie, einige einzigartige Kompositionen zu bekommen. Wieder einmal, Perspektive ist das grundlegendste Stück der Komposition und Verständnis Perspektive und wie es sich auf Ihr Foto wird wirklich helfen, Komposition später zu verstehen. Das nächste Stück Komposition, über das ich sprechen möchte, ist das Konzept der führenden Linien oder diagonalen Linien von Interessen. Als Menschen lieben wir Linien und Fotos, und der Grund dafür ist, dass sie wirklich helfen, unsere Augen zu lenken. Führende Linien beziehen sich auf Linien im Bild, die unsere Augen natürlich zum Hauptthema auf einem Foto führen. Denken Sie an jemanden in einem Tunnel, all diese Linien dieses Tunnels konvergieren zu unserem Hauptthema in der Mitte. Wenn es von Menschen gemacht ist, nennen wir diese geometrischen Leitlinien oft. Wenn es von der Natur ist, nennen wir sie organisch, also sehen wir das in der Natur ziemlich viel, auch wenn es nur die Trennung zwischen dem Sand im Wasser oder den Bäumen im Boden ist. Es gibt viele verschiedene führende Linien, die organisch in der Natur zu finden sind. Wenn Sie dann in einer Stadt fotografieren, gibt es oft eine Menge wirklich interessanter geometrischer Linien, die Sie verwenden können, um zu Ihrem Hauptthema zu führen. Jetzt oft, wo diese Linien konvergieren, nennen wir das den Aussichtspunkt. Das ist, wo diese führenden Linien zusammenkommen und zu unserem Hauptthema abschließen. Diagonale Linien von Interesse sind sehr ähnlich, aber sie führen nicht immer unbedingt unsere Augen zu unserem Hauptthema. Vielleicht balancieren sie nur die Komposition oder fügen Interesse hinzu, oder machen die Komposition ein wenig komplexer, ein bisschen interessanter. Hier sind ein paar gute Beispiele für diagonale Linien von interessanten wirklich coolen Fotos. Sie können sehen, wie die diagonalen Linien wirklich so viel mehr Interesse an Komplexität zu den Bildern hinzufügen . Das nächste Konzept, über das ich sprechen möchte, ist eines, von dem Sie wahrscheinlich gehört haben, und das ist die Regel von Dritteln. Die Regel der Drittel kann verstanden werden, indem Sie Ihren Rahmen grundsätzlich in neun verschiedene gleiche Teile zerlegen. Die Drittelregel besagt, dass Sie Ihr Motiv in einem Drittel des Rahmens platzieren sollten, also entweder die linke oder die rechte Seite. Der Grund, warum die Regel der Drittel ist so groß ist, weil, indem Sie Ihr Thema auf einer der Seiten des Bildes ist direkt in der Mitte, dann haben Sie die ganze andere Seite, um etwas anderes zu zeigen, vielleicht ist es ein Hintergrund eines Berges oder vielleicht sind sie in einem Café und Sie möchten ein wenig mehr von diesem Café zeigen , wo Sie das tun können und Sie können auch einen sehr ausgewogenen Rahmen erstellen. Vielleicht ist Ihr Hauptthema auf der linken Seite, aber dann haben Sie eine Menge Dinge passiert auf der rechten Seite, so dass, obwohl das Hauptthema auf der linken Seite ist, haben wir viele wirklich interessante Informationen, die den Rahmen ausbalancieren Ein bisschen. Ich denke, die Regel der Drittel ist einfach großartig, weil es Ihnen erlaubt, abweichen von wir natürlich tun wollen, während setzen das Motiv direkt in die Mitte der Kamera und machen Sie ein Bild auf diese Weise. Dies wird Ihnen helfen, ein wenig außerhalb der Box zu denken und Ihnen helfen zu verstehen, dass Sie Ihr Motiv in verschiedenen Teilen des Rahmens positionieren können , um einen weiteren coolen Look zu erhalten. Das nächste Konzept, über das ich sprechen möchte, ist Framing. Framing ist im Wesentlichen die Verwendung anderer Dinge in Ihrer Umgebung, um Ihr Thema im Grunde zu rahmen. Framing sieht gut aus in dem Grund, warum ist, weil wieder, unsere Augen können sehen, wo das Hauptthema ist. Es hilft uns, uns auf das Hauptthema zu konzentrieren. Mit Rahmen haben Sie eine natürliche Rahmung. Dinge wie Bäume, manchmal sogar Berge, und dann haben Sie auch künstliche Rahmen wie Türen oder Fenster oder alles, was Ihr Thema mit Inhalten umgeben wird , was auch immer das sein mag. Ich mag es, meine Aufnahmen oder etwas in den Vordergrund zu stellen. Wenn ich ein Porträt fotografiere und draußen bin und ein paar Bäume oder Pflanzen sind. Manchmal werde ich hinter den Pflanzen ducken und versuchen etwas Grün um die Ränder meines Rahmens zu bekommen, um einige störende Bereiche zu beseitigen und sicherzustellen, dass wir uns wirklich auf das Hauptthema in unserem Foto konzentrieren. Das nächste Konzept, über das ich sprechen möchte, ist Tiefe. Tiefe ist eine wirklich wichtige Sache, wenn es um die Fotografie geht. Tiefe in unseren Bildern vermitteln, können wir wirklich verstehen, was in der Szene passiert. Wenn wir ein flaches Foto sehen, ist es einfach nicht wirklich so viel, Hintern, wenn wir Tiefe auf dem Foto sehen können, es erzählt eine viel überzeugendere Geschichte. Wenn ich über Tiefe und Fotografie spreche, denke ich, dass das Wichtigste ist, um sicherzustellen, dass Sie Tiefe haben, ist es, sicherzustellen, dass Sie einen Vordergrund, einen Mittelgrund und einen Hintergrund haben . Ein Vordergrund ist im Wesentlichen ein Objekt oder eine Art von Thema, das sehr nah an der Kamera ist. Mitte Boden ist irgendwo in der Mitte, und dann Hintergrund ist etwas weit weg von der Kamera, vielleicht sind das Berge in der Ferne, oder so etwas. Ich denke, Landschaftsfotografie ist ein wirklich guter Weg, dies zu verstehen. Wenn Sie ein Landschaftsfoto haben, haben Sie vielleicht eine Pflanze im Vordergrund und der Mittelgrund vielleicht einen Fluss oder einen See, oder einige Bäume oder so etwas, und im Hintergrund haben Sie einige ferne Berge. Dies ermöglicht es Ihnen, die Umgebung wirklich zu verstehen, weil wir drei verschiedene Teile der Umgebung sehen können , die wirklich eine Tiefe auf dem Foto hinzufügt. Dies geht auch Hand in Hand mit Framing. Wie gesagt, ich rahmen meine Motive oft mit etwas im Vordergrund ein, wie eine Pflanze, also halte ich es wirklich nah an meiner Kamera, und dann werde ich mein Motiv drehen, das ein bisschen weiter entfernt ist. Nicht nur, dass Tiefe schafft, sondern es umrahmt auch meine Themen. Du tötest zwei Vögel mit einem Stein, wenn du so willst. Das nächste Thema, über das ich sprechen möchte, ist negativer Raum und negativer Raum ist im Wesentlichen Leerraum in Ihrem Foto. Vielleicht ist es nur rein weiß oder rein schwarz oder einfach, es passiert wirklich nichts in diesem Teil des Bildes. Negativer Raum kann verwendet werden, um wirklich den Fokus auf Ihr Hauptthema zu setzen und alle störenden Details in Ihrer Szene loszuwerden. Es kann zu einer einfacheren Komposition führen Ich meine eine minimalistischere Komposition, wenn Sie so wollen. Es kann wirklich verwendet werden, um die Zusammensetzung Ihres Fotos zu verbessern. Das letzte Thema, über das ich sprechen möchte, ist dieses Konzept des Gleichgewichts. Wenn ich Balance sage, meine ich im Grunde das Gleichgewicht Ihres Rahmens. Wir haben symmetrische Kompositionen und asymmetrische Kompositionen. Asymmetrisch, ein gutes Beispiel dafür ist, dass Sie Ihre Themen auf einem Drittel des Rahmens haben, und dann ist die andere Seite völlig leer. Das ist eine asymmetrische Komposition, während eine symmetrische Komposition ist, dass Subjekt direkt in der Mitte sein würde. Es ist ein bisschen einfacher. Es ist minimalistisch. Es gibt kein Richtiges oder Falsches. Sie brauchen nicht immer einen ausgeglichenen Rahmen. Sie können wirklich mit einigen wirklich coolen asymmetrischen Looks gehen und sogar einen abstrakten Look haben. Ich denke, das geht mit all diesen Prinzipien in diesem Kompositionsvideo. All die Dinge, über die wir hier gesprochen haben, sind gute Richtlinien für Sie, um die Komposition zu verstehen und zu verstehen, was Menschen gerne auf Fotos sehen. Aber in keiner Weise sind dies die einzige Möglichkeit, Dinge zu tun. Komposition ist sehr viel ein kreativer Prozess, und ich denke, eine Menge der Zeit, die wir über lehren. Komposition kommt von Ihnen, dem Fotografen, und Sie werden es meistern, indem Sie ausgehen und mit wirklich coolen, einzigartigen Kompositionen kommen. Lernzusammensetzung ist schwer zu kategorisieren. Sogar nur einen Blick auf unsere Inspiration auf Instagram oder auf Facebook oder wo auch immer Sie Ihre Inspiration bekommen. Betrachtet man diese Bilder unbewusst. Wir schauen uns diese Kompositionen an und prägen das, was wir mögen. Wenn Sie das nächste Mal ein paar Fotos sehen, die Sie mögen, werfen einen Blick auf die Komposition und brechen Sie sie wirklich auf. Ich denke, das ist eine gute Möglichkeit, einige der Dinge zu lernen, die Sie mögen, und dann können Sie weitermachen und diese Dinge später umsetzen, wenn Sie schießen. 8. Beleuchtung: Für diese Lektion möchte ich eine Sekunde nehmen, um über Beleuchtung zu sprechen. Beleuchtung kann eine sehr komplexe Sache sein, wenn es um die Fotografie geht, es kann sehr technisch sein. Aber es ist auch das Wichtigste, denn wie wir bereits gesagt haben, erfassen Kameras Licht. Ich denke, eines der Dinge, die gute Fotografen wirklich auszeichnen, ist ihr Verständnis von Licht. Sie können es verwenden, um wirklich das Aussehen zu erfassen, das sie wollen. Sie können es manipulieren, sie wissen, wo sie das beste Licht finden, um das Foto aufzunehmen, das sie wirklich wollen. Nun, Beleuchtung ist nicht etwas, was man wirklich in unserem Kurs unterrichten kann. Es ist ziemlich komplex. Es gibt viele verschiedene Dinge vor sich und Licht kann Ihr Foto wirklich auf verschiedene Arten beeinflussen. Aber es gibt ein paar Themen, die Ihr Verständnis von Licht und den Auswirkungen, die es auf Ihr Foto hat, erheblich verbessern können. Für dieses Video gibt es drei Dinge, auf die ich mich konzentrieren möchte. Die Qualität der Lichtquelle, die Stärke der Lichtquelle und die Richtung der Lichtquelle. Dies sind die drei wichtigsten Merkmale zu verstehen und im Wesentlichen jedes Licht, das Sie in Ihren Szenen verwenden, ob es von der Sonne oder drinnen oder was auch immer, das könnte sein, alle drei dieser Dinge, diese drei Themen werden für diese Lichtquelle gelten. Anfangs geht es zunächst um die Qualität der Lichtquelle, und das bedeutet im Wesentlichen, wie gut diese Lichtquelle ist. Es gibt wirklich zwei Kategorien, die in die Qualität von Licht oder alle Lichtquellen für diese Angelegenheit fallen. Das ist natürliches Licht und künstliches Licht. Natürliches Licht bezieht sich auf Licht von der Sonne und künstliches Licht bezieht sich auf Lichter wie dieses, das ich hier verwende , oder ein Blitz oder irgendein Licht, das nicht von der Sonne stammt. Zum größten Teil und ich denke, für die meisten Fotografen braucht natürliches Licht ist König. Natürliches Licht ist das schönste Licht, es hat die schönste Farbe. Es nennt sich aus einem Grund natürliches Licht. Es sieht so natürlich aus, es sieht so gut aus. Es kann sehr schmeichelhaft für Ihre Themen sein. Ich denke, das einzige Mal, dass künstliches Licht notwendig ist , ist, wenn Sie nachts fotografieren oder wenn Sie ein professioneller Fotograf sind und Sie eine sehr spezifische Beleuchtungseinrichtung benötigen , die Sie einfach nicht wirklich von der Sonne bekommen können, weil die Sonne ist nicht immer so zuverlässig. Sie sich keine Sorgen über die Verwendung von künstlichem Licht. Sie sich keine Sorgen über die Verwendung von Blitzen oder so etwas. Natürliches Licht ist erstaunlich und die meisten meiner Lieblingsfotografen aller Zeiten verstehen, wie man natürliches Licht auf eine wirklich schöne Art und Weise verwendet. Qualität weise, natürliches Licht und das ist, worauf ich mich konzentrieren möchte , wie dieser Kurs geht weiter. Das nächste Thema, das ich diskutieren möchte, ist die Stärke Ihrer Lichtquelle. Wenn wir über die Stärke der Lichtquelle sprechen, sprechen wir oft von hartem Licht im Vergleich zu weichem Licht. Hartes Licht ist das Licht, das sehr stark ist, sehr hell, was zu vielen verschiedenen Schatten führt, vielleicht hohen Kontrast, und weiches Licht, das ein wenig sanfter, ein wenig entspannter ist , und einfach einfacher für die Augen im Allgemeinen. Die Stärke einer Lichtquelle hängt von zwei Dingen ab. Die Größe dieser Lichtquelle. Je größer die Lichtquelle typischerweise, desto weicher ist das Licht und dann auch der Abstand des Lichts zum Objekt. Je näher das Licht Ihrem Motiv ist, desto größer wird die Lichtquelle und je weiter weg desto kleiner wird diese Lichtquelle. Wir können oft einen Diffusor verwenden, um unsere Lichtquelle größer zu machen. Das hilft, das Licht ein wenig zu verbreiten, es weich zu machen und hilft uns, bessere Ergebnisse mit Dingen wie Portraiture, Lebensmittelfotografie oder jeder Fotografie zu erzielen, wo wir einfach kein wirklich hartes Licht wollen. Zum Beispiel, wenn Sie mitten am Tag schießen, mitten am Tag, an einem heißen Sommertag, wird dieses Licht sehr hart sein. Du wirst Schatten unter den Augen haben, wenn du ein Porträt machst, du wirst Schatten unter der Nase haben, es wird einfach nicht so toll aussehen. Aber wenn Sie einen Diffusor zwischen Ihrem Motiv und der Sonne hinzufügen, na ja, das wird machen, dass schön und weich und viel einfacher zu schießen. Sie können auch am frühen Morgen oder am späten Nachmittag schießen, das ist die beste Zeit, um natürliches Licht einzufangen. Das liegt daran, dass es während dieser Zeit weicher ist. Die Farbe ist wirklich schön. Es ist oft sehr golden und das ist einfach ein schönes Licht, in das man schießen kann. Wenn es um hartes Licht geht, möchte ich nicht, dass du es völlig entlässt. Einige der besten Straßenfotos aller Zeiten wurden in wirklich hartem Licht aufgenommen. Das liegt daran, wie ich schon sagte, es fügt eine Menge Kontraste hinzu, dann können Sie auch diese wirklich harten langen Schatten in Ihrem Bild bekommen , die Bereiche schaffen können, die ein wenig geheimnisvoll, ein wenig interessant sind , eine Menge interessanter ausgerichtet, so hartes Licht ist sehr cool und ich denke, es ist genauso interessant wie weiches Licht. Experimentieren Sie mit Schießen zu verschiedenen Tageszeiten und das gibt Ihnen ein besseres Verständnis von einem harten Licht im Vergleich zu weichem Licht und solchen Dingen. Das letzte Thema, das ich in Bezug auf die Beleuchtung diskutieren möchte, könnte das wichtigste von allen drei sein und das ist die Richtung der Lichtquelle. Ich zerteile die Richtung der Lichtquelle auf drei verschiedene Arten. Frontlicht, das bedeutet, dass Sie mit dem Licht fotografieren , damit die Lichtquelle hinter Ihnen ist, oder vielleicht direkt vor Ihrer Kamera. Seitenlicht, so dass das Licht von der Seite kommt, es trifft Ihr Motiv von der Seite, und dann Rücklicht, wo Sie in das Licht schießen. Vielleicht schießen Sie drinnen jemanden und ihr Fenster ist hinter ihnen, oder Sie schießen jemanden draußen und die Sonne ist hinter ihnen. Alle drei werden das Ergebnis Ihres Fotos drastisch verändern. Einer der größten Tipps, die ich für Sie haben, um dynamischere Fotos mit interessanterem Licht zu erfassen, ist, nicht mit dem Licht zu schießen. Schießen Sie nicht mit Frontlicht. Wenn Sie mit Frontlicht mit der Lichtquelle hinter sich oder direkt vor der Kamera fotografieren, erhalten Sie keinen dieser Schatten im Bild. Es wird alles perfekt beleuchten. Alles wird gleichmäßig beleuchtet und es wird einfach nicht dynamisch sein. So cool wird es nicht sein. Wenn Sie mit Seitenlicht oder Hintergrundbeleuchtung schießen, werden Sie viel interessanteres Licht in den Rahmen kommen. Du wirst überall Schatten haben. Es wird nur viel kühler aussehen. Persönlich liebe ich es, das Seitenlicht zu schießen. Ich denke, es ist am einfachsten zu schießen, weil Sie nicht in die wirklich helle Sonne schießen und es sieht einfach am besten aus und das geht mit allen Arten von Fotografie, Lebensmittelfotografie, Porträtfotografie, Landschaftsfotografie. Ich versuche immer, entweder mit Seitenlicht oder Gegenlicht zu schießen. Ich denke, das ist eines der Dinge, wenn Sie das verstehen, werden Sie sich von 99 Prozent der Fotografen da draußen abheben. Beleuchtung ist eines der Dinge, die so viele Kurse übersehen, aber es ist auch das wichtigste und es hat die größte Wirkung auf Ihr Bild. Wenn Sie das nächste Mal nach draußen gehen und schießen, versuchen Sie, aus verschiedenen Perspektiven zu schießen, je nachdem, wo sich Ihre Lichtquelle befindet. Gehen Sie mit einem Freund nach draußen, jeder Zeit des Tages, es spielt keine Rolle, und schießen Sie sie mit der Sonne hinter ihnen, auf die Seite von ihnen und dann auch auf die Sonne hinter Ihnen, und schauen Sie sich einfach die Unterschiede zwischen den Fotos. Ich denke, du wirst dich ein paar wirklich coole Sachen einfallen lassen. 9. Die Umgebung modifizieren: Dies ist ein Thema, das ich wirklich nicht in vielen Anfänger-Fotografie-Kursen diskutiert gesehen habe , vielleicht mit Ausnahme von Food-Styling-Kursen. Worüber ich spreche, ist die Manipulation Ihrer Umgebung, um eine bessere Komposition oder ein besseres Bild im Allgemeinen zu erhalten. Was ich damit meine, ist im Grunde physisch Ihre Umgebung um Sie herum zu verändern , um ein Foto zu bekommen, das besser für Ihre Kamera aussieht. Wenn Sie ein Modell aufnehmen, wäre dies die Positionierung Ihres Modells, damit es besser im Bild aussieht. Vielleicht posierst du sie anders. Du lässt sie aufstehen, du lässt sie sich setzen. Ich denke, das ist das einfachste Beispiel, das man verstehen kann. Dann, wenn Sie Essen schießen, dann bedeutet das, dass Sie vielleicht Dinge auf dem Tisch bewegen. Nehmen Sie ein Glas heraus, wenn es ablenkt, oder fügen Sie Silberwaren hinzu, um die Zusammensetzung oder so etwas auszugleichen. Manchmal ist es nicht möglich, Ihre physische Umgebung anzupassen, also mit Dingen wie Straßenfotografie, bei denen Sie wirklich Hands-off sein wollen, wollen Sie einfach die Dinge natürlich entwickeln lassen, na ja, dann werden Sie nicht physisch sein Passen Sie Ihre Umgebung an. Aber Sie können in anderen Einstellungen. Ich denke, das ist eines der Dinge, die viele Anfänger Fotografen sie nicht tun. Sie sehen eine Szene und dann denken sie, dass es nur an ihnen liegt, diese Szene zu drehen. Aber in Wirklichkeit bist du der Fotograf, du bist der Künstler. Sie können diese Szene so anpassen, dass sie so aussieht, wie Sie sie aussehen möchten. Wenn du also in ein Restaurant gehst und einen Teller vor dir abgelegt hast, willst du dieses Foto machen, du bist nicht darauf beschränkt, dieses Foto an diesem Ort zu machen. Verschieben Sie es auf die andere Seite des Tisches. Fragen Sie, ob Sie es in einem anderen Teil des Restaurants schießen können. Sie haben die volle kreative Kontrolle als Fotograf, also haben Sie keine Angst, die Kontrolle zu übernehmen und Ihre physische Umgebung anzupassen. Passen Sie die Dinge mit Ihren Händen an, bewegen Sie die Dinge herum und versuchen Sie, auf diese Weise eine bessere Komposition zu finden. Alles, was in Ihrem Rahmen ist, arbeitet zusammen, um eine Art von Geschichte zu erzählen. Ich möchte wirklich, dass du über all die verschiedenen Dinge in deinem Rahmen nachdenkst, und deshalb habe ich dieses Video gemacht, ist es nicht, dir eine konkrete Lektion zu lehren, sondern dich darüber nachzudenken, wie all die Dinge in deinem Rahmen einige erzählen Art der Geschichte und wie Sie Dinge in diesem Rahmen ändern können, um besser zu erzählen oder vielleicht eine etwas andere Geschichte zu erzählen. Denk darüber nach, dass du das nächste Mal etwas drehst. Egal, ob Sie Ihre Person fotografieren oder etwas Essen oder sogar eine Landschaft. Etwas in den Vordergrund Ihrer Landschaft zu stellen , kann eine ganz andere Geschichte erzählen. Zum Beispiel, wenn Sie ein Stück Müll, eine leere Wasserflasche in den Vordergrund Ihrer Komposition, nun, das könnte Kommentar zu Umweltveränderungen sein. Wenn es keine Flasche gibt, ist es nur ein schönes Bild einer Landschaft. So physisch kann die Anpassung der Umgebung Ihres Fotos wirklich einen tiefgreifenden Einfluss haben. Ich möchte nur, dass du darüber nachdenkst. 10. Social-Media-Tipps: Jetzt möchte ich ein wenig über soziale Medien sprechen. Wie Sie sehr gut wissen, sind Social Media in dieser Zeit massiv. Überall, wo wir in viele unserer Leben schauen, werden von sozialen Medien konsumiert, sei es Instagram, YouTube, Facebook, Twitter. Es sind so viele Formen von sozialen Medien da draußen. Aber der Grund, warum ich diesen Abschnitt des Kurses hinzufügen wollte, ist, weil es in diesem Tag und Alter unglaublich wichtig für Fotografen ist, in sozialen Medien zu sein. In der Tat ist es einfach geworden, dass viele Fotografen fast ausschließlich für soziale Medien fotografieren. Viele der Fotos, die ich herausgehe und fotografiere, wenn ich unterwegs bin, sind mit dem Zweck, auf Instagram gepostet zu werden oder auf Facebook oder so etwas geteilt zu werden, dann liegt das daran, dass diese Social-Media-Plattformen für mich wichtig sind aus geschäftlicher Sicht für die Fotografie, und das ist auch für viele andere Fotografen der Fall. Ich wollte nur diesen Abschnitt hinzufügen, um euch einige Social-Media-Tipps speziell im Zusammenhang mit Fotografie zu geben , um Ihnen zu helfen, Ihre sozialen Medien zu wachsen oder Ihre sozialen Medien als Ressource zu haben, die Sie verwenden können, um mehr Kunden zu punkten oder einfach als Portfolio für die Zukunft. Nur um dies vorzustellen, die meisten meiner Erfahrungen mit sozialen Medien auf Instagram, habt ihr vielleicht meine anderen Kurse hier auf Instagram gesehen. Viele Dinge, über die ich reden werde, sind mit Instagram verwandt, aber sie sind auch mit anderen Formen der sozialen Medien als auch verwandt, ob das Facebook, Twitter, YouTube usw. Der erste Social-Media-Foto-Tipp habe ich für Sie ist vertikal zu schießen. Der Grund, warum es wichtig ist, ein vertikales Seitenverhältnis zu schießen , ist einfach darauf zurückzuführen, dass viele Leute heutzutage Inhalte auf ihren Telefonen konsumieren. Viele Leute konsumieren Inhalte, sie sehen Ihre Bilder oder Videos von ihrem Handy aus, nicht von ihrem Computer wie früher, und weil sie sie es auf einem Handy ansehen, na ja, ein Handy hat ein vertikales Seitenverhältnis, was bedeutet, dass es länger ist als breit. Wenn wir unsere Arbeit online präsentieren, wollen wir so viel Immobilien wie möglich aufnehmen. Je größer wir unser Foto auf jemandem Gesicht bekommen können, desto mehr werden sie es sehen, desto mehr werden sie es erkennen. Es wird sie nur emotionaler beeinflussen als ein kleineres Foto. Deshalb wollen wir senkrecht schießen. Wir wollen so viel Immobilien auf diesem Smartphone-Bildschirm wie möglich aufnehmen. Wenn ich Schuh vertikal sage, dann meine ich, drehen Sie Ihre Kamera in ein vertikales Seitenverhältnis und machen Sie so ein Bild. Anstatt im Querformat zu fotografieren, sollte es in der vertikalen. Aber damit sollten wir uns nicht ganz als vertikale Dreharbeiten beschränken , weil horizontale Fotos immer noch sehr ihren Platz haben. Viele Websites wollen immer noch horizontale Fotos, weil Laptops und Computerbildschirme, sie sind ein horizontales Seitenverhältnis. Beschränken Sie sich beim Fotografieren nicht vollständig auf ein vertikales Seitenverhältnis, sondern denken Sie darüber nach, vielleicht nehmen Sie ein Foto und ein vertikales Seitenverhältnis auf und nehmen Sie dann ein anderes Foto mit einem horizontalen Seitenverhältnis auf. Sie können zurückgehen und wählen, welche Sie für besser halten, und vielleicht haben Sie eine für soziale Medien und dann haben Sie eine andere für Ihr Website-Portfolio oder so etwas. Der nächste Social Media-Tipp, den ich habe, ist wahrscheinlich der größte und das ist die Konsistenz. Wenn ich Konsistenz sage, meine ich Konsistenz auf zwei verschiedene Arten. Stilistische Konsistenz sowie thematische oder inhaltliche Konsistenz. Beginnen Sie die Dinge mit stilistischer Konsistenz. Wenn ich das sage, meine ich, dass alle Ihre Fotos zu einem ähnlichen stilistischen Look passen. Vielleicht sehen alle Ihre Fotos dunkel und launisch aus oder vielleicht das Gegenteil. Vielleicht sind sie hell und luftig und vielleicht sind sie sehr bunt. Vielleicht sind sie alle schwarz und weiß. gewisse stilistische Konsistenz ist wirklich wichtig, um in sozialen Medien in diesem Tag und Alter zu stehen, insbesondere, Einegewisse stilistische Konsistenz ist wirklich wichtig, um in sozialen Medien in diesem Tag und Alter zu stehen, insbesondere, wenn Sie für soziale Medien wie Instagram schießen, wo Sie ein Rasterformat haben und alle Ihre Fotos präsentiert in einem neun mal neun Gitter. Es ist sehr wichtig, dass alle Ihre Fotos ähnlich aussehen, denn dann zeigt es jemandem, wenn sie zu Ihrem Profil kommen, dass diese Person ihren Stil gewählt hat. Ich weiß genau, wofür ich ihnen folgen werde. Ich folge ihnen, damit ich mehr Fotos von diesem Stil sehen kann. Eine der einfachsten Möglichkeiten, einen konsistenten Stil in Ihrer Fotografie zu haben, besteht darin, einen ähnlichen Bearbeitungsstil mit allen Ihren Bildern zu haben. Zum Beispiel sah ich Presets und viel Zeit, ich benutze nur eine Voreinstellung für Monate auf einmal. Im Moment ist es meine Auckland-Voreinstellung. Ich liebe es und ich benutze es auf all meinen Fotos und dann mache ich kleine Anpassungen. Alle meine Fotos haben ein ähnliches Farbschema, ähnliches Beleuchtungsschema, und alles sieht stilistisch ähnlich aus. Wenn Sie eine App wie VSCO oder nur eine andere Filteranwendung oder sogar einen Filter auf Instagram verwenden. Wählen Sie einen Filter und gehen Sie mit ihm und verwenden Sie ihn auf all Ihre Fotos und dann passen Sie einfach jedes Foto so an, dass Filter zu diesem Bild passt. Das zweite Stück der Konsistenz ist, Inhalt oder thematische Konsistenz. Dies ist etwas, über das ich stark in meinen Instagram-Kursen spreche, und im Wesentlichen sollte Ihre Instagram-Seite einem Thema folgen. Einige, die Sie sich als Fotograf identifizieren. Sie sollten sich als Reisefotograf , Lebensmittelfotograf oder Modefotograf identifizieren . Je spezifischer Sie damit bekommen können, desto besser geht es Ihnen, weil Sie in der Lage sein werden, Menschen zu appellieren, die etwas ganz Spezifisches suchen. Wenn Sie nur ein Fotograf sind, gibt es Millionen von Fotografen auf Instagram. Aber wenn Sie ein Hundefotograf sind, na ja, das ist viel spezifischer und ich denke, Sie werden viel erfolgreicher sein , weil Sie sich von anderen Menschen abheben können, was für soziale Medien in diesem Tag sehr wichtig ist und Alter, weil es nur so viele Menschen in sozialen Medien. Alle sind in den sozialen Medien. Hier finden Sie ein Thema, auf das Sie sich konzentrieren können. Vielleicht fotografieren Sie Blumen oder Sie fotografieren Menschen, Straßenfotografie oder Sie fotografieren Essen oder Kaffee oder was auch immer das sein mag, finden Sie ein Thema, auf das Sie sich konzentrieren können und produzieren dann Inhalte rund um dieses Thema. Ich möchte wirklich in diesen Punkt der Konsistenz einschlagen. Ich denke, es ist so wichtig und es ist wahrscheinlich der größte Fehler, den ich sehe, dass Leute in sozialen Medien machen, ist, sie viele wirklich tolle Fotos haben, aber es gibt einfach keine Konsistenz dort. Ob es stilistisch ist, alle Fotos sind einfach sehr radikal verschiedene Stile oder das Thema ist einfach ganz im linken Feld. Es gibt ein Bild von einem Hund, das ist ein tolles Foto, und dann gibt es ein Bild von einem Flugzeug und andere tolle Fotos, aber sie passen einfach nicht wirklich zusammen. Jetzt möchte ich dich auch davor warnen, denn das kann dich auch kreativ einschränken, wenn du einfach rausgehst und nur in eine Richtung triffst, und du schießt nur in eine Richtung, und du postest nur bestimmte Fotos. Nun, dann wirst du dich kreativ einschränken. sollten Sie nicht tun, wenn Sie zum ersten Mal als Fotograf beginnen. Ich denke, Sie sollten vielleicht zwei Instagramme haben, oder zwei Formen von sozialen Medien. Eines, wo Sie nur plus was zur Hölle Sie wollen, und dann die andere, Sie vielleicht mit einem konsistenten Stil experimentieren. Mein nächster Tipp für Sie ist nur, so viel wie möglich zu posten. Als ich anfing, Instagram zu unterrichten, habe ich immer gesagt, dass Sie nur Ihre besten Inhalte posten sollten. Nur 10 von 10 Inhalten. Aber so sozial und hat sich weiterentwickelt und wie ich mehr über soziale Medien und mehr über die Schaffung eines allgemeinen gelernt. Ich habe meine Denkweise geändert. Ich denke, du solltest einfach so viel wie möglich posten. Posten Sie alle Ihre Fotos, denn vielleicht gibt es ein Foto, von dem Sie das Gefühl haben, dass es nicht so toll ist, aber vielleicht posten Sie es und jeder liebt es. Wir können nicht vorhersagen, was die Leute denken werden. Posten Sie alles, was Sie haben, bringen Sie es da raus, damit die Leute es sehen können. Je sichtbarer Sie in den sozialen Medien sind, desto besser. Wenn Sie davon ausgehen und so sichtbar wie möglich sind, sollten Sie sich mit anderen Konten beschäftigen. Egal, wie viel Sie posten, wenn Sie nicht aktiv ausgehen und Fotos kommentieren und Fotos mögen, oder wie dieser Prozess auf der Social-Media-Plattform Ihrer Wahl aussieht, wenn Sie das nicht tun, dann wirst du nicht in der Lage sein, zu wachsen. Outreach ist für jede Branche auf dieser Welt sehr wichtig. Das Gleiche funktioniert mit Social Media. Du wirst Fotos veröffentlichen, aber du solltest ausgehen und andere Völker Fotos mögen und Feedback geben und Kritik geben und einfach ausgehen und deinen Namen da draußen bekommen. Je mehr Sie Ihren Namen da draußen bekommen, desto mehr wird Ihr Konto gesehen werden, was bedeutet, dass Sie wachsen können und Sie sich weiterhin in sozialen Medien etablieren können. Mein letzter Tipp ist, nur nicht exklusiv für soziale Medien schießen. Ja, Instagram ist ein wichtiger Teil des Puzzles, und andere Formen der sozialen Medien sind ebenfalls wichtig. Aber Sie beschränken sich wirklich, wenn Sie nur für soziale Medien schießen. Schießen Sie einfach, was gut aussieht und schießen Sie es, wie Sie es schießen wollen. Mach dir keine Sorgen um eine bestimmte Art und Weise zu schießen. Gehen Sie einfach raus, seien Sie kreativ und machen Sie einfach so viele Fotos wie möglich, denn das ist das Wichtigste, wenn es darum geht, Fotografie zu lernen und ein besserer Fotograf zu werden. Es ist nur, um Ihrer Kreativität zu folgen und einfach zu folgen und so viele Fotos wie möglich zu machen. 11. Einen eigenen Fotostil finden: Das ist eines dieser Themen, bei denen ich immer höre, dass man nicht unterrichten kann. Natürlich spreche ich von Stil. Ich höre oft Leute sagen, dass man keinen Stil lehren kann, dass er organisch ist, und er muss wachsen und sich im Laufe der Zeit selbst entwickeln. Nun, ich denke, das ist bis zu einem gewissen Grad wahr. Es gibt einige Richtlinien oder einen Prozess, dass Fotografen oder Künstler für diese Angelegenheit folgen können, um besser zu verstehen, die Richtung, die sie gehen wollen. zehn, wie man in ihren eigenen einzigartigen Stil wachsen und haben ihre eigene einzigartige Identität. Wenn es um einen Fotografen geht, na ja, ihr Stil ist diktiert, sowohl wenn sie aus dem Fotografieren sind. Die Gedankenprozesse, die durch ihren Kopf gehen , wenn sie tatsächlich das Foto machen, dann auch, wie sie das Foto verarbeiten. Wie sie das Foto bearbeiten und die Geschichte basteln und in ihrer Geschichte verfeinern, in der Editierungsphase. Ich habe tatsächlich einen sehr detaillierten Kurs, wie Sie Ihren eigenen einzigartigen Bearbeitungsstil finden können. Wenn Sie lernen möchten, wie Sie Ihren eigenen einzigartigen Stil finden und Sie sich nicht sicher sind, wie Sie in diesem Prozess navigieren können, können Sie das überprüfen. Aber für diesen Kurs möchte ich darüber sprechen, Ihren eigenen Stil und Allgemein zu finden. Sowohl die Bearbeitung als auch der Aufnahmeprozess und wie Sie auf diese Weise Ihren eigenen einzigartigen Look kreieren können. Die Art und Weise, wie ich dies gerne erklären möchte, ist ein Prozess. Es ist ein Prozess, dem Sie folgen können, um einige der Dinge zu verstehen, die Sie möchten, diese Dinge in Ihre eigene Arbeit umsetzen indem Siediese Dinge in Ihre eigene Arbeit umsetzen und dann wachsen und sich in Ihren eigenen Stil anpassen. Der erste Schritt ist, Ihre Inspiration zu finden. Finden Sie andere Fotografen, andere Künstler, was sie absolut lieben, und kombinieren Sie all diese Fotos an einem einzigen Ort, egal ob Sie Fotos auf Instagram speichern oder tatsächlich physische Bücher haben. Was auch immer das sein mag, finden Sie Ihre Formen der Inspiration und beachten Sie diese Dinge und schauen Sie sie oft an. Nachdem Sie diese Formen der Inspiration gefunden haben, ist die nächste Phase zu imitieren. Ich denke, viele Leute hören das und sie denken, nein, ich will keine anderen Fotografen kopieren, ich möchte mein eigener einzigartiger Künstler sein. Meine Antwort darauf ist, dass ich denke, dass das Nachahmen anderer Fotografen oder anderer Künstler der beste Weg ist, um zu lernen. Ich meine, es hilft uns wirklich, einige der Dinge zu verstehen, die sie tun, und es beinhaltet eine Menge Versuch und Misserfolg, den ähnlichen Look zu bekommen. Es schiebt wirklich Ihre Grenzen in Bezug auf nicht nur Ihre Kreativität, sondern auch auf der technischen Seite der Fotografie. Sie werden Ihre Inspiration finden und Sie werden ihre Fotos nachahmen, was auch immer das sein mag. Wenn es Landschaften oder Porträts sind, werden Sie versuchen, eine ähnliche Beleuchtung zu bekommen. Sie werden sogar versuchen, das Foto in ähnlicher Weise zu bearbeiten. Nach der Mimikphase gehen Sie in die Anpassungsphase, wo Sie gehen, um diesen Stil zu nehmen und Sie werden es anpassen. Sie könnten etwas etwas anderes hinzufügen, Ihren eigenen Stil. Hier kommt dein eigener, einzigartiger Stil ins Spiel. Nachdem Sie das angepasst haben, werden Sie sich weiterentwickeln und der sich entwickelnde Prozess ist ein wenig länger. Es gibt keine bestimmte Zeitspanne, aber im Laufe der Zeit wird sich Ihr Stil zu etwas entwickeln, das sehr einzigartig ist. Ein Beispiel, das ich gerne geben möchte, ist, als ich zum ersten Mal nach Thailand kam, habe ich mich mit vielen fantastischen thailändischen Fotografen angeschlossen. Sie hatten alle einen ähnlichen Stil, drehten Kaffee, die Kaffeekultur, ihre Kaffeeszene, sowie Essen und solche Dinge. Als ich hier ankam, war ich so inspiriert von ihrer Arbeit und wollte nur dasselbe drehen, also tat ich es, und viele meiner frühen Arbeiten im Zusammenhang mit Essen und Café waren ihren sehr ähnlich. Es hat es fast nachgeahmt. Aber im Laufe der Zeit entwickelte sich mein Stil ein wenig. Ich kann Ihnen keinen bestimmten Zeitpunkt sagen, zu dem es getan hat, aber es. Wenn Sie sich meine Arbeit ansehen, so wie sie früher war, ist es sehr anders als ihre Arbeit, und es ist auch viel einzigartiger. Ich denke im Laufe der Zeit, Sie identifizieren einige der stilistischen Dinge, die Sie auf einem Foto mögen, Sie lernen, welche Art von Geschichte Sie erzählen möchten, welche Emotionen Sie entlocken möchten. Das wird sich im Laufe der Zeit ändern und Ihnen helfen, Ihren eigenen einzigartigen Stil zu entwickeln. Dies ist der Prozess, den ich immer empfehle zu folgen, finden Sie Ihre Inspiration, imitieren Sie die Inspiration, passen Sie die Inspiration und entwickeln Sie sie dann in Ihren eigenen Stil. 12. Tipps zur Fotobearbeitung: Jetzt möchte ich ein wenig über das Bearbeiten reden, und das Bearbeiten ist für Fotografen heutzutage so wichtig. Sie haben so viel kreative Kontrolle über Ihre Bilder, und ehrlich gesagt eine Menge von meiner digitalen Signatur, meiner Einzigartigkeit und meiner Fotografie, es kommt von meinem Bearbeitungsstil. Jeder wird eine andere Bearbeitungsstile haben. Manche Leute wollen ein realistischeres Aussehen, einige Leute wollen einen stilisierten Look mit vielen wirklich verrückten Farben und nur einen ganz anderen Stil, etwas sehr weit von der Realität entfernt. Es spielt keine Rolle. Was immer Sie wollen, was auch immer Sie hingezogen sind, gehen Sie hinter ihm her. Bearbeiten Sie ein Foto, wie Sie es bearbeiten möchten, und lassen Sie sich von einer anderen Person nicht sagen, dass Ihr Bearbeitungsstil falsch ist, denn am Ende des Tages ist es nicht der Fall. In dieser Lektion werde ich Adobe Lightroom verwenden, und ich werde Sie durch zwei verschiedene Fotos führen, die ich fotografiert habe. Dieser erste wurde gegen sechs Uhr morgens in einem Bergtempel in Thailand fotografiert . Wirklich genial schöne Orte genannt Doi Suthep es ist in Chiang Mai, Thailand. Ich habe diesen Mönch von hinten fotografiert und er durchläuft eines seiner Morgengeete. Dann das nächste Bild, hier ist nur eine Tasse Kaffee, die ich vor etwa einem Jahr in Neuseeland fotografiert habe. Ein einfacher Schuss, aber ich werde Ihnen zeigen, wie wir es komplett in etwas wirklich Cooles verwandeln können . Bevor ich jetzt in diese Bearbeitungen eintauche, möchte ich sagen, dass ich einen Kurs über Adobe Lightroom habe. Dieser Kurs führt Sie durch alle Funktionen von Lightroom. Brechen Sie jeden kleinen Schieberegler, jedes kleine Detail, und geben Sie dann auch weitere Tipps, um Ihren eigenen einzigartigen Bearbeitungsstil zu finden und wie Sie diesen Prozess verfolgen können. Aber mit dem besagten, lasst uns in diese Bilder eintauchen, und ich werde euch einige grundlegende Editing-Tipps hier zeigen. Angefangen mit diesem Bild von Doi Suthep hier, zuerst, nur so eine coole Aufnahme hier, geschossen dies auf 35 Millimeter F1.4, ISO 100, also ist es 1.4. Sie können hier sehen, das ist alles schön und verschwommen und er ist nett und scharf. Aber eines der ersten Dinge, die ich hier sehe, ist die Komposition ziemlich schlecht. Dieser Lichtstab hier, diese Tür sieht nicht gut aus. Das erste, was ich tun werde, ich gehe oben dies hier, klicken Sie hier und dass ich hier nach unten gehen werde, klicken Sie vier mal fünf. Dies wird auf Instagram gepostet werden, deshalb schneide ich es ab, vier mal fünf Seitenverhältnis, und dann werde ich es hier hineinziehen und einfach diese Nebensache hier loswerden. Ziehen Sie es ein wenig nach unten, und ich will es symmetrisch, ich will es in der Mitte hier. Ich denke, das sieht gut aus, und dann werde ich hier nach unten scrollen. Ich werde all diese Funktionen überspringen. Ich gehe zu Transform und ich werde „Auto“ drücken. Jetzt wird Auto alles ausrichten, so dass es nur symmetrischer aussieht. Jetzt haben wir ihn in der Mitte mit diesem Gemälde und diesen Poolstangen hier, und alles sieht wirklich gut aus. Jetzt werde ich wieder nach oben gehen und ich werde mit der tatsächlichen Bearbeitung beginnen. Dies ist die grundlegende Bearbeitung Abschnitt, der Weißabgleich, ich werde es lassen, wo es ist, ich denke, es sieht ziemlich gut aus, ich könnte darauf zurückkommen. Ich werde die Highlights reduzieren, vielleicht 15 und erhöhen Sie die Schatten vielleicht etwa die gleiche 15. Dies wird unseren Dynamikbereich ein wenig erhöhen, mehr Details in den Schatten, mehr Details in den Glanzlichtern. Ich gehe hier runter zu Weißen. Ich glaube, ich werde Weißen lassen, vielleicht nur etwa fünf hoch gehen, nur ein bisschen, und dann werde ich die Schwarzen dort lassen, wo sie sind. Jetzt Klarheit ist etwas, das ich früher erhöht habe, aber jetzt möchte ich es tatsächlich verringern. Vielleicht etwa 15, und dann werde ich Ihnen zeigen, wie ich ihn später auffallen lassen werde. Scrollen Sie nun hier nach unten zur Tonkurve. Hier können Sie wirklich ein paar wirklich coole Looks finden. Ich mache immer gerne das, was man eine grundlegende S-Kurve nennt. S-Kurve ist, wo viele Fotografen heutzutage verwenden, es gibt nur Ihrem Foto eine Art von einem weichen Look, während immer noch hohen Kontrast in den mittleren Tonbereichen. Ich werde hier klicken, das werde ich runterziehen, und das wird unser Foto dunkler, stimmungsvoller machen , zurück in die Mitte kommen, das in die Mitte bringen, und dann werde ich die Highlights hierher bringen, an dritter Stelle, und dann werde ich voran gehen und die Ecken nach unten ziehen. Diese Ecke werde ich es nach oben ziehen, und das wird diese Schwarzen erweichen. Machen Sie sie schön weich und wirklich leicht für die Augen. Auch wenn die Fotos hier wirklich dunkel sind, haben wir wirklich dunkle Bereiche, es ist schön und weich von dieser Tone Curve dort. Das ist eine grundlegende S-Kurve dort können Sie sehen, wie ein S aussieht . Jetzt werden wir hier nach unten zu den HSL Farbschieber scrollen. Farbton bezieht sich im Grunde auf den Farbton dieser Farbe, oder ist das Rot, ist es rosa, oder ist es mehr Orange? Ist das Blau, mehr Grün oder mehr Lila? So wie Sie sehen können, was es tut, nur diese Tasche hier. Ziemlich cool. Wir werden nichts zu Großes tun. Aber eines der ersten Dinge, die ich tun werde, ist die Sättigung zu gehen. Ich werde die Orange nur ein wenig entsättigen. Ich denke, es ist ziemlich stark. Dann werde ich auch das Rot ein wenig entsättigen. Ich denke, das Rot ist wirklich stark in diesem Teppich. Nur ein bisschen. Denn jetzt werden wir ein bisschen zu entsättigt von einem Blick auf unser Bild. Vielleicht entsättigen Sie einfach das Rot und dann weniger von der Orange. Wir haben das hier weniger abheben, aber die Orange steht hier draußen. Ich denke, das Blau, ich denke, jede andere Farbe ist in Ordnung hier. Dann können wir in den Farbton gehen und die Farben anpassen, wenn wir wollen. Aber ehrlich gesagt, ich denke, die Kamera hat wirklich gute Arbeit die Farben hier in diesem Bild zu erfassen. Ich werde nicht wirklich viel in Bezug auf den Hue dort ändern. Scrollen Sie jetzt nach unten zur Objektivkorrektur Ich möchte auf „Chromatische Aberration entfernen“ klicken. Aber ich möchte immer auf Profilkorrekturen aktivieren klicken. Profilkorrekturen werden im Grunde auf Ihr Objektiv schauen und dann jede Verzerrung hier loswerden. Aber ich habe oft gerne ein bisschen natürliche Vignettierung. Aber ich denke, in diesem Fall sieht es gut aus mit der Profilkorrektur darauf. Es hellt alles um. Dann kann ich hier meine eigene Form der Vignettierung hinzufügen. Wenn ich hier nach unten scrolle, kann ich diese Vignette runterbringen und das wird einfach ein bisschen Dunkelheit um die Ecken hinzufügen, es eher einen launischen Look geben. Für diejenigen von euch, die mein Instagram gesehen haben, wisst ihr, dass ich diesen launischen Look liebe, also muss dieser launische Look haben. Jetzt die Kalibrierung hier, können Sie wirklich die Farben in Ihrem Bild in etwas ziemlich wildes verwandeln. Aber wie ich bereits sagte, ich mag die Farben, die wir haben. Ich möchte, dass es eher ein realistischer Look ist, also werde ich diese Schieberegler hier nicht verwenden. Aber wenn Sie wollten, können Sie sich einige wirklich coole Farbkombinationen einfallen lassen. Das ist etwas, was ich in meinem anderen Kurs besonders hervorheben kann, wo ich mich auf alle Adobe Lightroom und die verschiedenen Schieberegler konzentriere. Sie können das überprüfen, wenn Sie interessiert sind. Aber jetzt haben wir eine ziemlich gute Bearbeitung. Da ist das Vorher, das Nachher, das Vorher und das Nachher. Dann können wir einfach reingehen und kleine Änderungen vornehmen. Ich komme immer gerne zu den grundlegenden Schiebereglern zurück und mache kleine Anpassungen, und stelle sicher, dass alles gut aussieht und es aussieht, wo es sein muss. Vielleicht komme ich hier rein und die Temperatur ein wenig ein. Ich werde auch die Vibrance ein wenig reduzieren, ich denke, es ist ein wenig lebendig. Das letzte, was ich tun werde, ist hier einen selektiven Anpassungspinsel hinzuzufügen. Bringen Sie die Klarheit bis zu 25 oder so. Dann werde ich ihm den Rücken malen. Das wird nur sicherstellen, dass er nett und scharf und im Fokus und alle Details über ihn ist . Aber der Rest des Bildes ist irgendwie verschwommen und wenig Details, so dass wir uns wirklich auf ihn konzentrieren können. Aber so habe ich dieses Foto beendet. Vorher, Nachher, Vorher und Nachher. Ich finde, das sieht ziemlich gut aus. Das ist ein Foto, das ich definitiv in den sozialen Medien posten würde. Schöner, dunkler launischer Look. Nun zu diesem Bild, das ist ein Bild, das ich fotografiert, wie ich in Neuseeland sagte, und es ist ein gutes Foto, sieht ziemlich cool aus. Nun, um dieses Foto zu bearbeiten, werde ich dasselbe tun. Ich werde reingehen und ich werde es beschneiden, machen es vier mal fünf Seitenverhältnis. Ich werde es hier beschneiden. Dann werde ich es auch glätten, um sicherzustellen, dass die Kaffeetasse ist schön und gerade. Drücken Sie dort „Enter“. Wir haben eine ziemlich gute Komposition dort. Ich werde eigentlich mit der Belichtung beginnen. Ich werde die Belichtung erhöhen, weil es etwas dunkel ist. Dieses Bild ist ein wenig dunkel. Vielleicht nur 0.30. Dann werde ich die Wärme ein kleines bisschen erhöhen, nur weil ich denke, dass dieses Foto gut aussehen wird, ein bisschen wärmer. Ich werde hier runterkommen und die Highlights runterbringen, vielleicht 15. Dasselbe wie das letzte Foto. Gleiches mit den Schatten; bringen Sie die ein wenig hoch. Erhöhen Sie unsere Weißen hier ein wenig, nur weil es wirklich wird, um diese Tasse abheben und dann können wir auch die Schwarzen senken. Das wird nur viel Kontrast hinzufügen und ihm nur ein kühneres Aussehen geben. Das sieht schon viel besser aus. Sieht ziemlich gut aus. Ich werde Clarity dort verlassen, wo es ist. Ich glaube nicht, dass wir es senken müssen, weil das schon ziemlich weich ist. Dieses Foto wurde übrigens bei 85 Millimeter F1.4 geschossen. Es ist wirklich weich, weil es auf 1,4 geschossen wurde. All dieser Bereich, schön und unscharf und das ist schön und knackig und scharf. Wir haben höchsten Fokus in diesem Bild. Das war ein dummer Witz. Jetzt kommen wir hier in die Tonkurve und machen dasselbe. Ich werde diesen unteren Punkt nach unten ziehen, einen Punkt in der Mitte machen und dann auch einen Punkt nach oben machen. Jetzt können Sie sehen, was das mit unserem Bild antut; es wird jetzt wirklich mutig, wirklich hoch im Kontrast. Ich werde es erweichen, indem ich diese Ecke hier vergrößere, und dann das gleiche mit den Highlights, bringen Sie das ein bisschen runter. Wir haben unsere S-Kurve dort. Sie können jederzeit wieder nach oben kommen und unsere Belichtung erhöhen, wenn nötig, und die grundlegenden Bearbeitungen fein abstimmen. Ich komme immer gerne zu denen zurück, weil die Tonkurve dies beeinflussen wird. Die Farben werden es beeinflussen, alles wird sich gegenseitig beeinflussen. Kommen Sie auf die Farbe HSLs. Ehrlich gesagt, ich glaube nicht, dass es viele Anpassungen gibt, die ich an diesem Bild vornehmen würde. Ich mag alle Farben hier. Ich glaube, sie sahen alle ziemlich gut aus. Wir können versuchen, die Luminanz anzupassen, vielleicht erhöht das Rot ein wenig, nur um es hervorzuheben. Aber meistens gibt es nicht viel, was ich hier tun werde, und das ist okay. Viele der Zeitkameras machen eine wirklich gute Arbeit bei der Erfassung von Farben und es gibt nicht viel, was Sie ändern müssen. Kommen Sie auf die Objektivkorrektur. Ich werde es in diesem Fall auslassen. Aber ich werde das Foto ein wenig erhellen. Ein bisschen mehr hier, 45. Bringen Sie den schwarzen Stil, ein bisschen. Wir haben ein schönes kontrastreiches Aussehen. Da ist das Vorher, da ist das Nachher oder Nachher. Ich denke, das sieht ziemlich gut aus und vielleicht ein bisschen Vignettierung. Aber jetzt, was ich tun möchte, ist, wir dieses Fenster hier haben und wir sehen, dass unter dem Becher viel Licht kommt, aber es ist immer noch wirklich dunkel. Jetzt können wir hier einen Verlaufsfilter hinzufügen und ich werde ihn über diesen Teil ziehen. Dann werde ich die Belichtung hier erhöhen und ich werde ein wenig Licht durch dieses Fenster bringen; und es sieht völlig natürlich aus. Es sieht so aus, als würde natürlich viel Licht durch das Fenster kommen. Aber wenig weißt du, es ist von einem Graduiertenfilter. Dann können wir auf die andere Seite gehen und es dunkler machen. Das nennt man Brennen und Ausweichen. Es verbessert die hervorgehobenen Bereiche und die dunklen Bereiche im Bild, um das Bild nur dynamischer aussehen zu lassen. Jetzt haben wir einen schönen dunklen Bereich hier, schöne helle Gegend hier, und die Kluft ist genau in der Mitte und ich denke, das ist eine gute Bearbeitung. Dass einige bearbeiten, die ich total posten würde. Hier ist das Vorher, hier ist das Nachher, hier ist das Vorher, hier ist das Nachher. Dramatischer Unterschied, und ich denke, es sieht wirklich gut aus. Das sind nur grundlegende Tipps für die Bearbeitung, Leute. Ich meine, es gibt so viel, was du mit diesen Programmen machen kannst. Ich wollte Sie nur durch ein paar verschiedene Bearbeitungen führen, nur um Ihnen zu zeigen wie ich ein Foto bearbeiten würde und wie ich diesen Prozess vorgehen würde. Normalerweise mache ich es mit Presets. Ich habe Voreinstellungen, die ich verwende. Normalerweise verwende ich ein oder zwei Voreinstellungen, und ich verwende sie alle in meinen Fotos, damit ich dieses konsistente Aussehen in meinen Bildern haben kann. Ihr wollt die da draußen auf unserer Website, seandalt.com/lightroom-presets. Wenn Sie diese überprüfen möchten, wissen Sie, wo Sie sie finden. Aber das sind einige grundlegende Editing-Tipps und ich hoffe, dass Sie sie hilfreich gefunden haben. 13. Schlussbemerkung: Na gut, Leute, ihr habt es endlich bis zum Ende geschafft. Wir haben in diesem Kurs über eine Menge Dinge gesprochen, und ehrlich gesagt, ich hoffe wirklich, dass es für Sie hilfreich war. Wir sprachen über Komposition, wir sprachen darüber, wie man deine Kamera benutzt, wir sprachen über Beleuchtung, wir sprachen über soziale Medien, es gibt eine Menge Sachen in diesem Kurs, und ich hoffe, dass es einige Edelsteine für dich gibt, die Sie nehmen können, und bewegen Sie sich vorwärts. Als ich diesen Kurs begann, sagte ich, dass es so viele Informationen gibt, aber es gibt nur so viel, was man wirklich wissen muss, um ein guter Fotograf zu werden, und ich denke, ich habe einen guten Job gemacht, um alle die Dinge, die Sie wissen müssen, um ein guter Fotograf zu werden. Aber jetzt an diesem Punkt das Wichtigste für Sie, ist das Wichtigste für Sie,zu gehen und zu schießen, zu gehen und zu erstellen, und einfach aktiv zu sein, und nur danach zu kommen. Ich habe gesagt, dass man ein paar Mal in diesen Kursen energisch sein muss, man muss es wollen, man muss leidenschaftlich sein, denn Fotografie ist ein Handwerk, es ist eine Kunst, und es macht so viel Spaß, wenn man investiert in sie. Sie können auf ein paar absolut unglaubliche Abenteuer gehen , wenn Sie diese fantastischen Fotos jagen, oder vielleicht gehen Sie einfach mit einem Freund aus und nehmen ein paar Porträts, oder Sie gehen in ein Restaurant, um etwas Essen zu schießen. auch immer dieser kreative Prozess aussieht, es kann ein Abenteuer sein, und deshalb macht Fotografie so viel Spaß. Jetzt ist es Zeit zu gehen und dieses Kursprojekt zu machen, gehen Sie aus und nehmen Sie 50 verschiedene Fotos von einem Gegenstand, kommen Sie zurück , Beiträge im Kurs, ich werde es überprüfen, andere werden es überprüfen, ich werde denken, das wird der erste Schritt für Sie von einem kreativen Standpunkt aus vorwärts zu bewegen. Aber ich will ehrlich wissen, was ihr von dem Kurs denkt. Wenn Sie sich nur ein paar Sekunden nehmen könnten, um eine kurze Rezension hier am Ende des Kurses zu hinterlassen, wäre das wirklich genial, wirklich hilfreich für mich. Ich liebe es, von euch zu hören, und wenn ihr irgendwelche Fragen habt, zögern Sie nicht, mir eine E-Mail an sean@seandalt.com zu senden, oder folgen Sie mir auf Instagram und senden Sie mir eine Nachricht. Ich liebe es, von euch zu hören, ich liebe es, mich zu verbinden. , es war hilfreich für Sie, und ehrlich gesagt Ich hoffe, es war hilfreich für Sie, und ehrlich gesagt, ich kann es kaum erwarten, Sie im nächsten Kurs zu sehen. Ich habe bald ein paar weitere Kurse hier, und ich hoffe, Sie auch in diesen Kursen zu sehen. Vielen Dank Jungs, und ich hoffe, Sie haben einen fantastischen Tag, fantastische Woche, fantastisches Jahr, fantastisches Leben. Ich seh euch später.