Fortgeschrittene Storyboarding-Techniken

1. Fortgeschrittenes Storyboarding: Hallo, ich bin Siobhan. Ich unterrichte Animation und Storyboarding, und diese Klasse ist fortgeschrittene Storyboard-Techniken. Dies ist ein Follow-up zu meiner ersten Klasse, lernen Sie Storyboard, das die Grundlagen von Dingen wie Kamerawinkeln und Aufnahmen, die Arbeit mit Storyboard-Vorlagen und wie man ein Skript Thumbnail abdeckt Arbeit mit Storyboard-Vorlagen . Wenn Sie neu im Storyboarding sind und mit einer Übersicht beginnen möchten, dann schauen Sie sich das zuerst an. Diese Klasse wird Sie noch einen Schritt weiter gehen. Es wird Ihnen helfen, Ihr Portfolio aufzubauen, so dass Sie potenziellen Kunden oder sogar Studios oder Produzenten zeigen können , und es wird Ihnen die Techniken und Ansätze zu lehren , die am häufigsten in professionellen Storyboarding. Hier erfahren Sie, was Sie in dieser Klasse lernen. Du wirst lernen, wie man dynamische Posen zeichnet und wie man Gestenzeichnung versteht, um es für Charakterposierungen zu verwenden. Dies ist ein entscheidender Aspekt für einen Animator oder Storyboard-Künstler. Ich werde Ihnen auch erklären, was Modellblätter sind. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie mit ihnen arbeiten können. Sie lernen alles über Layouts und Hintergründe und können Ihr ganz eigenes Layout mit Perspektive zeichnen. Ich werde Ihnen auch beibringen, wie Sie den Story-Punkt einer bestimmten Szene oder Sequenz identifizieren und Ihnen zeigen, wie Sie Ihre Aufnahme komponieren können , um diese Story-Punkte zu unterstreichen. Dann werde ich euch im letzten Abschnitt alles über den Prozess des linearen Geschichtenerzählens beibringen. Sie erfahren mehr über die am weitesten verbreiteten Regie- und Schnitttechniken für Film. Außerdem lernen Sie, wie Sie Ihre Aufnahmen für eine erzählerische Sequenz strukturieren können. Dazu gehören das Zeichnen von Standard-Storyboard-Mustern, wie das Fortschreiten für eine Eröffnungssequenz nach innen, sowie das Betrachten einer alternativen Öffnungssequenz. Sie werden lernen, wann Sie schneiden, wenn Sie eine Szene nicht schneiden. Du erfährst, was Match Cuts sind und was Hookups sind und wie man sie in einem Storyboard benutzt und warum sie so wichtig sind. Ich werde euch auch alles über die Aufnahmen beibringen, die für die Charakterentwicklung in jeder Geschichte verwendet werden . Diese Klasse ist vollgepackt mit vielen Mini-Aufgaben, die Sie bewältigen können, um diese Techniken zu üben. Außerdem gibt es ein Großklasse-Projekt, das definitiv Ihr wichtigstes Portfoliostück sein wird. Ich bin hier, um Ihnen detailliertes personalisiertes Feedback zu Ihrer Arbeit zu geben. Das ist deine Chance, mir deine Arbeit zu zeigen. mir Fragen, die Sie haben und entscheidend, um die Unterstützung und Ermutigung zu erhalten , die Sie brauchen, um Ihre Fähigkeiten als Story-Artist zu entwickeln. Ich sehe diese Klasse als wesentlicher Bestandteil der ersten Storyboard-Klasse und eine Gelegenheit für Sie, Ihre nächsten Schritte auf Ihrem Weg hin zum professionellen Storykünstler für Film oder Animation zu machen . 2. Meine Top-3-Tipps zum Zeichnen: Wir sind dabei, tief in die wichtigsten Lernabschnitte dieses Kurses einzutauchen und ich wollte nur die Dinge beginnen, indem ich Ihnen einige praktische Zeichentipps geben, mit denen Sie arbeiten können. Diese Tipps sind eigentlich wirklich einfach, aber unterschätzen Sie das nicht , nur weil sie ein bisschen offensichtlich oder einfach erscheinen. Wenn Sie sie jeden Tag in Ihrem Skizzenbuch verwenden, werden Sie einen großen, großen Unterschied sehen. Tipp Nummer eins ist etwas, über das ich im ersten Storyboardkurs ziemlich viel gesprochen habe, und das ist, am Anfang sehr locker und sehr rau zu ziehen. Wenn Sie mit dem Zeichnen beginnen, beginnen Sie wirklich immer mit Licht, zeichnen Sie keine schweren Linien sofort. Sie können Ihre Linienarbeit jederzeit später aufräumen und verfeinern. Wenn ich los sage, meine ich nicht wirklich unordentlich zu zeichnen, obwohl es ein wenig chaotisch aussehen könnte. Lose zeichnen bedeutet, dass Sie Ihre Bleistiftsteuerung oder Stiftsteuerung entwickeln, und es bedeutet auch, dass Sie Ihr Vertrauen in Ihre Zeichnung entwickeln. Dies wird oft auch als Gestenzeichnung bezeichnet, und das werde ich später in unserer Klasse ausführlich abdecken. Tipp Nummer 2 ist, aus Referenzmaterial zu ziehen. Dies könnte eine Überraschung sein, weil ich weiß, dass viele Leute denken, dass die kreative Denkweise ist nur Sie sitzen mit Ihrem Skizzenbuch und kommen mit fabelhaften Ideen. Außerdem denken viele Leute, dass das Verweisen auf etwas wie Kopieren ist. Aber das ist überhaupt nicht der Fall, und ich möchte, dass Sie Ihre Fähigkeiten als Künstler entwickeln. Außerdem ist das Zeichnen von Referenz eine wirklich gute Möglichkeit, um zu lernen, wie man Struktur zeichnet. Der wichtigste Weg, um aus der Referenz zu ziehen, ist, aus dem Leben zu schöpfen. Aber manchmal kann man nicht wirklich ausgehen und einen westlichen Salon aus dem Leben zeichnen, so dass man in diesem Fall online nach Bildern suchen und Referenzbilder auf diese Weise sammeln muss. Google Bildsuche, Pinterest, Artscape all diese Websites sind fantastische Online-Tools für Künstler. Ich ermutige Sie, wirklich viel Zeit mit Ihrer visuellen Recherche zu verbringen. Dann ist die Spitze Nummer 3, die die einfachste, aber manchmal die schwierigste ist, um tatsächlich anzuwenden, Konsistenz. Versuchen Sie, jeden Tag in Ihr Skizzenbuch zu zeichnen. Wenn Sie fünf oder 10 Minuten Zeichenzeit in etwa einem Maß von Wochen oder Monaten schnitzen können, werden Sie wirklich einen großen Unterschied in Ihrer Zeichnung sehen. Das sind meine drei Tipps. Ich hoffe, sie sind nützlich und hilfreich für Sie und ich sehe Sie im nächsten Video. 3. Was ist Gestenzeichnen: Gestenzeichnung ist eine Technik, die am häufigsten in Figurenzeichnung oder in einer Live-Figurzeichnungsklasse verwendet wird , um die ganze Figur sehr, sehr schnell mit ausdrucksstarken dynamischen Markierungen zu erfassen . Es wird oft als eine Möglichkeit gesehen, die Energie oder die Essenz der Figur zu zeichnen oder zu erfassen. Aber für Animateure und Story-Künstler ist Gestenzeichnung wirklich ein wesentliches Werkzeug oder eine wesentliche Technik, um Nummer 1 zeichnen zu können, Charakterposen, die klar und ausdrucksstark sind und Nummer 2, um Szenen zeichnen zu können oder visuelle Ideen wirklich schnell mit Klarheit und ohne sich in Details zu stecken. Sie können sich Gestenzeichnung als nur verlieren Kritzelskizzen oder sehr grobe Zeichnungen vorstellen, aber wenn Sie lange genug mit Geste arbeiten, werden Sie kommen, um es als eine Art zu zeichnen, die wirklich mächtig ist und die Ihre Ideen und Ihre Gefühle wirklich sehr, sehr gut. Die Sache, die Sie sich an Gestenzeichnungen erinnern sollten , ist , dass Sie nicht für Genauigkeit in Bezug auf Proportionen oder Anatomie gehen und das ist wirklich in Ordnung, weil das nicht der Punkt der Gestenzeichnung ist. Der Punkt ist, Ihre Ideen nach unten zu bringen und sie später zu verfeinern und Ihre Zeichnung anatomisch korrekt zu machen. Die Techniken zum Gestenzeichnen sind wie folgt. Vor allem ist eine sehr gute Möglichkeit, Gestenzeichnung zu versuchen, nur mit Kritzeleien zu zeichnen. Nehmen wir an, Sie zeichnen eine Figur, dann verwenden Sie einfach kleine, runde kreisförmige Markierungen und arbeiten Sie sich so um die gesamte Figurenzeichnung herum. Sie werden feststellen, dass Sie damit beginnen können, wirklich aufzubauen die Masse und das Gewicht der Figur, indem Sie dies tun. Sie können viel mehr Zeit mit diesen kleinen Kritzeleien in einem Bereich verbringen, machen es verlieren und leichter in anderen Bereichen. Dies gibt Ihnen ein wirklich gutes Gefühl, wie Sie das Gewicht oder die Masse einer Figur erfassen können. Nun ist die nächste Technik, um Gestenzeichnung zu üben, ist , nicht Ihren Bleistift oder Ihren Stift von der Seite zu nehmen, während Sie zeichnen. Halten Sie Ihren Stift, Bleistift oder Ihren Stift in Kontakt mit dem, was Sie während der gesamten Zeichnung zeichnen. Ich liebe diese Art des Zeichnens wirklich, weil sehr oft man eine Vorstellung von einer Szene hat, aber dann, wenn man geht, um sie zu zeichnen, plötzlich kommt die Komposition oder die Perspektive in die Art und Weise, dass es wirklich schwierig wird und die Sache, die Sie sich vorgestellt haben oder visualisiert wird wirklich schwer, auf dem Papier zu bekommen. Stattdessen blockieren Sie Shapes mithilfe von Gesten- und Kritzelzeichnen. Anschließend können Sie zurückkehren und mit mehr Perspektive verfeinern und die Liniengrafik fixieren. Ich möchte Sie wirklich ermutigen, Gestenzeichnung zu üben, halten Sie diese Videos rechts und greifen Sie Ihr Skizzenbuch, schauen Sie sich den Raum um Sie herum, und wählen Sie etwas, um mit dieser Technik zu zeichnen. Oder wenn es möglich ist, nehmen Sie Ihr Skizzenbuch und gehen Sie nach draußen und versuchen, Figuren aus dem Leben zu zeichnen. Gehen Sie in ein Café oder einen Park oder so etwas, und beobachten Sie einfach Leute um Sie herum sitzen oder sich bewegen, und es spielt keine Rolle, wie Ihre Zeichnungen aussehen, es geht um Beobachtung und nur um diese schnellen Skizzen in Ihrem Skizzenbuch. Wenn du bereit bist, komm zurück und ich sehe dich im nächsten Video. 4. Dynamische Posen zeichnen: Eines der wichtigsten Dinge, die Sie in Ihren Storyboards richtig machen können, ist, wie Sie Ihre Charaktere innerhalb einer Szene posieren. Starke Posen wird die Charaktergeschichte auf eine viel dynamischere Weise erzählen, und wenn es eine Sache gibt, auf die ich vorschlagen würde, dass Sie sich konzentrieren, dann versucht es, sicherzustellen, dass Sie wissen, wie Sie klare Posen zeichnen. Posieren bedeutet im Grunde, den Charakter zu zeigen, handeln. Wie ein Charakter etwas tut, ist fast wichtiger als das, was sie tun, weil Aktion Charakter offenbart. Etwas so Einfaches wie das Betreten eines Zimmers kann uns viel über eine Person erzählen. Das ist wirklich gute Schauspielerei und das ist, was Sie im Wesentlichen versuchen, in Ihren Storyboards zu tun, wenn es um Ihre Charaktere geht. Eine Möglichkeit, um sicherzustellen, dass Sie das Schauspielrecht bekommen besteht darin, darüber nachzudenken, wie Sie die Szene selbst ausspielen würden. Selbst wenn es so einfach ist, eine Schachtel zu öffnen und einen Schreck zu bekommen, wie würdest du es selbst machen? Sobald Sie diese Bewegung durchlaufen haben und die Handlung verstanden haben, die involviert ist, dann haben Sie ein viel besseres Verständnis dafür, wie Sie sie zeichnen können. Ein weiterer fast besserer Weg ist jedoch, nur zu übertreiben, was Ihrer Meinung nach die größte Aktion ist. Ich mache kein Scherz, Ihre Vorstellung von dem, was die größte Aktion ist, wird wahrscheinlich nicht so groß sein Wenn Sie also Ihre Posen übertreiben, bekommen Sie am Ende eine viel dynamischere Pose. Erinnerst du dich, dass ich dir diese kleine Zeichnung im letzten Kurs gezeigt habe? Nun, wenn du übertrieben hast, hast du gerade ein besseres Bild. Es ist nicht so wild ausgefallen, und im Zusammenhang mit anderen Sequenzen wird es wahrscheinlich gut lesen. Ein weiterer Tipp, um Ihnen bei guten Posen zu helfen, ist immer sicherzustellen, dass die Silhouette des Charakters klar ist. Dies ist fast wie die Goldene Regel des Storyboarding, vor allem für die Animation. Wenn Sie Silhouette aus Ihrer Pose, und Sie entfernen einfach alle Details und sehen Sie den Umriss, sollten Sie in der Lage sein, immer noch klar zu sehen, was die Aktion ist, die der Charakter tut. Wenn ein Charakter so etwas wie eine Tasse Tee aufnimmt und ihn in seinen Händen hält, würde man es so zeigen wollen, so dass wir es tatsächlich klar sehen können und es ist sehr klar für das Publikum. Eine gute Möglichkeit, eine Pose zu übertreiben, ist das Zeichnen von S- und C-Kurven als grundlegende Standardmaßnahmenlinie. Es wird Ihnen helfen, in Ihrem Zeichnungsstil insgesamt flüssiger zu werden. Aber es wird Ihnen sehr helfen, den Charakter in dynamischere Posen zu schieben. S- und C-Kurven sind sehr Standardzeichenlinien für die Animation, zusammen mit der Aktionslinie. sind Linien, die sich nach oben und durch den ganzen Körper des Charakters bewegen und es ist fast so, als ob man die Emotion des Charakters in einem Wort zusammenfassen könnte, dann ist das hier das Äquivalent dieser Zeile. Diese Zeile ist an einem Wort, das die Aktion, die das Zeichen tut, zusammenfasst. Für eine Aufgabe, was ich möchte, dass Sie jetzt tun, ist, greifen Sie Ihren Bleistift oder Ihren Stift und zeichnen Sie schnell eine S oder C Kurve in Ihrem Skizzenbuch. Bevor Sie anfangen, zu viel über etwas nachzudenken, zeichnen Sie eine ovale Form für den Kopf, zeichnen Sie Linien für die Arme und die Beine. Dann machen Sie weiter. Verwenden Sie diese Kurven, um Ihre Charaktere aufzubauen und sie in so viele dynamische Posen wie möglich zu bringen. Versuchen Sie, eine ganze Seite oder sogar ein paar Seiten dieser Zeichnungen zu füllen. In der nächsten Lektion werde ich erklären, wie du Charaktere weiterentwickeln kannst, wie du stilisierte Charaktere zeichnen kannst, und ich werde auch über die Modellblätter sprechen, die du für deine Storyboards erhältst. Wenn Sie einige Zeit damit verbracht haben, Ihre Skizzen zu machen , treffen Sie mich in der nächsten Lektion. Ich seh dich dort. 5. Figuren zeichnen: In der Animation, ob es sich um eine TV-Show oder einen Spielfilm handelt, als Storyboard-Künstler erhalten Sie als Storyboard-Künstlerin der Regel immer das endgültige Design für die Charaktere, die Sie zeichnen und in Ihr Storyboard aufnehmen müssen. In der Branche wird dies als Modellblatt bezeichnet, und so ziemlich das Modellblatt ist etwa als detailliertes Diagramm des Charakters, das Sie erhalten können. Es zeigt Ihnen, wie die Figur in verschiedenen Ansichten oder am meisten in Rotation aussieht. Von dieser Seite, die Vorderseite, die 3/4 Ansicht, und die Rückseite. Dann ist es Ihre Aufgabe, diesen Charakter in so vielen verschiedenen Posen im Storyboard zu zeichnen , wie das Skript fordert. In diesem Fall müssen Sie beim Neuzeichnen Zeichen unbedingt darauf achten, dass Sie Volumes konsistent halten. Was das bedeutet, ist, dass Ihr Charakter wird nicht immer immer dünner, wie jedes Panel geht weiter, oder zunehmend breiter entweder. Wenn Sie die Pose ändern, stellen einfach sicher, dass Sie auf dem Modell sind und dass die Lautstärke konsistent bleibt. Das ist also ganz einfach oder wenigstens unkompliziert. Wenn Sie ein Modellblatt haben, von dem Sie arbeiten können, wissen Sie, dass Sie immer die genauen Charakterspezifikationen referenzieren können, während Sie weitergehen. Aber was ist, wenn Sie zum Storyboard-Künstler-Skript aufgefordert werden und Sie kein Modellblatt haben und Sie aufgefordert werden, das Charakterdesign selbst zu entwickeln. Nun, es hängt vom Stil des Projekts ab. Zuerst aus dem Tor, musst du wissen, mit welchem Skript du es zu tun hast. Unsere westlichen Themen-Beispielskripte, die ich Ihnen gegeben habe, das Aussehen der Charaktere in diesem Skript ist mehr oder weniger realistisch. Es gibt keine große Menge von dem, was wir Stilisierung nennen, außer vielleicht den Charakter des Barmanns. Im letzten Storyboardkurs habe ich euch einige Hinweise darauf gegeben, wie ihr einen grundlegenden männlichen Charakter oder eine weibliche Grundfigur konstruieren würdet. Es gibt gewisse kurze Hände, zu denen man immer zurückkehren kann, und ich hoffe, dass man sich mit dem letzten Kurs eingeholt hat. Sie sollten ziemlich okay sein zu wissen, wie Sie über kommen mit einem realistisch aussehenden Charakter gehen würden . Was ist, wenn Sie einen stilisierten Charakter für das Storyboard zeichnen müssen? Nun, mein Rat ist, dass Sie, und das ist etwas, das Sie in der Animationsschule gelehrt werden, denken in Bezug auf Geometrie. Beginnen Sie mit einfachen geometrischen Formen, einem Quadrat oder einem Kreis oder einem Dreieck und bauen Sie von dort aus eine Figur. Wenn Sie mit stilisierten Designs wie diesem arbeiten, die Regel Nummer eins darin, Kontrast einzuschließen. Wenn Sie ein sehr grundlegendes Element wie eine Zeile nehmen, können Sie nicht wirklich sagen, ob dies lang oder kurz ist , bis Sie etwas sehen, mit dem Sie es vergleichen können. Wenn ich eine zweite Zeile wie eine Kurve einführe, dann hat diese Zeile hier sofort einen bestimmten Charakter. Jetzt werden die stärksten Designs immer diesen Kontrast haben. Sie finden immer eine gerade Linie, die durch eine gekrümmte Linie ausgeglichen wird. Im Falle dieses Piraten-Charakters, an dem ich arbeite, könnte man sagen, dass er auf einem Kreis in Bezug auf die Geometrie basiert. Sein Design ist wirklich nur eine grundlegende runde Form, und von hier habe ich die anderen Elemente der Arme und Beine hinzugefügt. Nun beachte auch, dass die Arme diese Idee des Kontrastes verwenden, das ist, wovon ich gesprochen habe, mit einer geraden Linie, die durch eine Kurve ausgeglichen wird, und ich habe auch die Idee des Kontrastes im Gesamtdesign beibehalten. Wenn diese Rundheit das Hauptmotiv ist, dann fügen die Arme und der kleine spitz [unhörbar] und der gestreckte Kopf ein bisschen Variation hinzu, die diese Grundidee ausbalanciert. Das letzte, was ich hinzufügen würde, ist, dass stilisierte Designs wie diese irgendwie auf die zugrunde liegende Essenz oder Persönlichkeit des Charakters beziehen müssen. Es ist wirklich wichtig, dass Sie wissen, wer Ihr Charakter ist, was die Hintergrundgeschichte des Charakters ist. Zum Beispiel macht es keinen Sinn, einen Pirat zu einem runden, fröhlichen, liebenswerten Schurken wie diesen zu machen, wenn er eigentlich der böse Bösewicht sein soll. Denken Sie darüber nach, wer Ihr Charakter ist und was die Hintergrundgeschichte ist, und das wird Ihnen helfen, zu definieren, wie sie aussehen. 6. Layouts und Hintergründe zeichnen: Zusammen mit Charakteren, als Storyboard-Künstler, die anderen Elemente, die Sie erhalten, wenn Sie beginnen, ein Projekt zu starten, sind ein Layout oder sogar ein paar Layouts, je nachdem, ob die Aktion an einem oder mehreren Orten stattfindet. In dieser Lektion führe ich Sie durch, was genau ein Layout ist und wie Sie es an Ihre Boards anpassen können. Das Verfahren, das ich erklären werde, ist normalerweise sehr spezifisch für die Animation, aber Sie können es auch auf Live-Action anwenden. Sagen wir einfach für die Zwecke dieser Lektion, ich werde speziell über Animation sprechen, und es wird mehr Sinn machen. Jede gegebene Sequenz findet in der Regel an einem Ort statt. Wenn Sie dann die Position ändern, befinden Sie sich in einer neuen Sequenz. Innerhalb jeder Sequenz gibt es eine beliebige Anzahl von Aufnahmen. Sie können Shots erstellen, die die gesamte Szene zeigen. Sie können eine lange Aufnahme haben, die die Charaktere zeigt und dann Nahaufnahmen über die Schulter Schüsse, Point-of-View-Aufnahmen, all das Zeug. Sie verwenden das Layout, das Sie erhalten, um sagen wir, die Einführungsaufnahme zu erstellen . Nun, das ist einfach, denn wenn Sie dann eine Einführungsaufnahme zeichnen, zeichnen Sie einfach Ihr Layout so neu, wie es sich in Ihren Board-Panels befindet. Wenn sich die Aktion jedoch näher bewegt oder sich der Kamerawinkel vollständig ändert und eine andere Ansicht zeigt, müssen Sie in der Lage sein, das Layout entsprechend zu interpretieren und es aus verschiedenen Blickwinkeln zu zeichnen, wenn dies erforderlich ist. Nahaufnahmen und extreme Nahaufnahmen sind in Ordnung. Generell müssen Sie hier in den meisten Fällen nicht einmal wirklich Hintergrund zeichnen , weil Sie sich nur mit den Gesichtszügen beschäftigen. Aber für jede lange oder mittlere Aufnahme, müssen Sie genau wissen, wo Sie zu jeder Zeit sind und wo Ihre Charaktere in Bezug zueinander und in Bezug auf die Umwelt sind. Hier ist das Zeichnen eines sehr schnellen Grundrisses sehr praktisch. Jetzt ist ein Grundriss, wenn Sie möchten, ein Diagramm der Szene als Ganzes und wie von oben betrachtet, so dass Sie es wie eine vollständige Abwärtsaufnahme betrachten. Nun, diese Zeichnung ist nur für Sie, vielleicht für Sie und den Regisseur, aber es ist nicht für das Storyboard und es ist für niemanden in der Produktion. Es ist nur so, dass Sie klar werden können, wo alles ist. Platzieren Sie Ihre Charaktere dort, wo sie sein müssen, und dann können Sie alle Bewegungen markieren, die sie nehmen werden, wenn sie durch die Szene laufen und dann Ihre Kameras in Position bringen, um Ihre Aufnahmen zu reflektieren. Dann können Sie einfach jede nacheinander nummerieren. Wenn Sie nun aus der Szene oder Sequenz an Bord gehen, gehen Sie nicht schief und Sie werden genau wissen , was Sie in einem bestimmten Schuss im Hintergrund zeichnen müssen. Es wird Ihnen wirklich helfen, eine riesige Menge konsistent zu halten, um Ihre Bildschirmrichtung korrekt zu halten, und natürlich, um Ihnen zu helfen, die 180-Grad-Regel nicht zu brechen. Das ist alles sehr, sehr nützlich. Mein letztes Ratschlag ist, nicht wirklich überschrieben zu werden oder sich darauf zu konzentrieren alle genauen Details des Hintergrunds oder des Layouts zu zeichnen. Um die wichtigsten Sehenswürdigkeiten anzuzeigen, genügt das Zeichnen des Hintergrunds, damit zumindest der Regisseur und die Animatoren wissen, wo die Szene stattfindet. 7. Inszenierung der Aktion: In diesem nächsten Abschnitt werden einige fortschrittlichere Techniken für die Kinematographie und für das visuelle Geschichtenerzählen behandelt . Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie visuelle Sprache kreativ nutzen können, um Ihre Arbeit zu verbessern und wie Sie Ihre Aufnahmen nahtlos fließen lassen. Das erste, worüber wir reden werden, ist die Inszenierung. Inszenierung in Animation oder Film bedeutet, wie Sie die Elemente in Ihrer Szeneso anordnen die Elemente in Ihrer Szene dass die Handlung, die stattfinden muss, möglichst klar dargestellt wird. Die Aktion bedeutet in der Regel oder bezieht sich auf eine der Animationen, die die Charaktere ausführen. Das bedeutet, dass die Position des Charakters in der Szene priorisiert wird. In deinen Storyboards willst du nicht, dass die Charaktere durch ein Hintergrundelement verdeckt werden, oder dass deine Charaktere nicht genug Platz haben , um sich zu bewegen oder zu tun, was sie tun müssen. Es bedeutet im Grunde, die Aufmerksamkeit des Publikums zu kontrollieren. In gewisser Weise lenkt man das Auge des Publikums, um die Charaktere zu betrachten und die Action zu betrachten. Als Storyboard-Künstler ist es Ihre Aufgabe, herauszufinden, was das Wichtigste ist , das in jedem Schuss gesehen werden muss. Es bedeutet auch, voraus zu denken und herauszufinden was als nächstes gezeigt werden muss, wenn sich die Geschichte entfaltet. Wie planen Sie, dass diese nächste Aktion nahtlos fließt? Hier ist ein wirklich einfaches Beispiel. Wenn Sie zwei Leute an einem Tisch wie diesem sitzen und miteinander reden, würden Sie wahrscheinlich darüber nachdenken, die Aufnahme so zu inszenieren. Aber wenn Sie zum Beispiel wissen, dass Sie im nächsten Panel eine dritte Figur haben werden, dann bedeutet clevere Inszenierung, dass Sie das erste Panel so präsentieren , dass die dritte Figur Platz hat. Wir sehen, wie sie hereinkommt und eintritt. Es ist alles sehr schön und glatt und es gibt keine Notwendigkeit für Schnitte oder für neue Setups. Eine andere Sache, die immer eine gute Inszenierung erfordert , ist, wenn Sie mehr als zwei Zeichen haben. Angenommen, Sie haben eine Gruppe von Charakteren in einer Szene wie dieser. Hier haben wir eine Hauptfigur ist im Gespräch mit einer Gruppe von Freunden. Ein cleverer Weg, dies zu inszenieren, wäre, diese Gruppe als einen Charakter zu behandeln. Also, wenn man anfängt, von diesem Schuss hin und her zu schneiden, ist es wirklich klar, wo jeder ist. Das Publikum kann den Fluss der Aufnahmen reibungslos verfolgen und sie werden nicht verwirrt. Schließlich ist ein fehlersicherer Leitfaden für die Inszenierung, Ihren Charakteren einfach viel Platz zu geben. Regisseure werden oft sagen, dass die meisten Storyboard-Künstler nicht wirklich weit genug auf Charakteren schneiden und den Charakteren nicht genug Platz geben. Dies ist eine Sache, die sich in Bezug auf schlechte Inszenierung wirklich herausstechen wird. Eine wirklich gute Faustregel ist es, Ihre Szene für die größtmögliche Action zu inszenieren. Auch in der Nahaufnahme, geben Sie dem Charakter ein wenig Spielraum und ein wenig Platz auf dem Bildschirm in die Richtung, die er sucht. Sobald Sie wirklich gut und nachdenklich über die Inszenierung sind, werden Sie in der Lage sein, Schüsse zu kombinieren, ohne sie tatsächlich schneiden zu müssen. Das ist etwas, wofür Ihr Regisseur Sie wirklich lieben wird, denn es bedeutet nur, dass die Dinge etwas effizienter in der Pipeline sein können und der Hintergrundkünstler nicht für jeden Schnitt einen neuen Hintergrund erstellen muss. 8. Komposition: Im vorherigen Kurs habe ich über die Regel der Drittel gesprochen. Wenn Sie sich erinnern, habe ich Ihnen gezeigt, wie man es benutzt, um den Rahmen aufzuteilen, und ich habe auch darüber gesprochen, warum ich denke, dass es tatsächlich auf einer viel tieferen Ebene funktioniert als einfach nur weil es für das Auge angenehm ist , Dinge auf diese Weise zu arrangieren. Hoffentlich haben Sie diesen Kurs eingeholt und wenn Sie es nicht getan haben, empfehle ich es zu gehen und zu beobachten, weil es einige gute Punkte gibt, die Sie im Auge behalten müssen. Für jetzt in dieser Lektion werde ich mir andere kompositorische Techniken ansehen, die Sie verwenden können. Es gibt bestimmte Dinge, die Sie in Ihren Storyboards tun können, die das Auge des Publikums genau dahin führen können, wo Sie wollen, dass sie suchen, und das ist im Grunde, was Sie tun in Inszenierung und Komposition. Sie sind sortieren ihre Aufmerksamkeit auf diesen Teil des Rahmens oder jenem Teil des Rahmens. Eine wirklich einfache Sache, in Ihren Kompositionen zu verwenden sind diagonale Linien. Diese sind ideal, um das Auge immer zu einem bestimmten Punkt im Rahmen zu führen, und die Idee ist, dass Sie eine natürliche Perspektive innerhalb der Szene als starke Richtungslinien verwenden . Diese Linien zeigen buchstäblich darauf, wo Sie suchen sollten. Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, ist mit Framing. Wenn Sie Elemente der Szene so anordnen, dass der Charakter, der im Fokus der Aufnahme steht, tatsächlich innerhalb dieser Elemente gerahmt wird. Oft können Sie dies mit Vordergrundelementen wie diesen tun. Oder Sie können sogar Charaktere verwenden, um sich gegenseitig einzurahmen. Alles, was einen Teil deines Panels aussperrt und nur genügend Platz für den Charakter lässt , ist Framing. Nun, wenn Sie diese kompositorische Technik wirklich mögen, dann werde ich Ihnen empfehlen, einen Film namens In the Mood for Love von Wong Kar-wai zu sehen. Ich denke, dass die ersten 10 Minuten dieses Films vollständig aus Rahmen innerhalb von Frames bestehen, und dann während des gesamten Films, die Komposition und die Verwendung von Bildschirmraum ist erstaunlich. Dieser Film, der ich denke, ist so ziemlich eine Meisterklasse in der Komposition. Also, gehen Sie auf jeden Fall überprüfen Sie das. Immer wieder beziehen Sie Ihre kompositorischen Entscheidungen auf die Geschichte. Vermeiden Sie die Verwendung dieser Techniken nur aus Gründen der es. Zum Beispiel isoliert der Regisseur in diesem Film gezielt seine Charaktere durch präzise Einrahmung und Verwendung von Rahmen innerhalb von Rahmen, weil dieses visuelle Motiv die Geschichte unterstreicht. Die Geschichte handelt von zwei Charakteren, die buchstäblich in ihren inneren Welten gefangen sind, sogar voneinander, und diese erstaunliche Verwendung von Komposition fügt jeder Szene, in der sie sich befinden, Bedeutungsschichten hinzu . Also, wenn Sie experimentieren oder mit kompositorischen Ideen spielen, versuchen Sie, sie immer auf einen Grund wie die Verwendung von diagonalen Linien beziehen, wenn Sie dramatischen Moment zeigen möchten. Verwenden Sie Framing, wenn Sie einen Charakter in psychologischer Isolation zeigen wollen oder das Gefühl geben, eingehüllt zu sein. In der nächsten Vorlesung werde ich darüber sprechen, wie Sie ein Gefühl von Tiefe in Ihrem Panel schaffen können. 9. So erzeugst du in deinen Panels Tiefe: In dieser Lektion möchte ich Ihnen zwei einfache Techniken zeigen , die Ihnen helfen, ein Gefühl der Tiefe in Ihren Zeichnungen zu schaffen. Am Ende der Lektion gebe ich Ihnen einen kurzen Auftrag, damit Sie das selbst praktizieren können. Der erste Tipp besteht darin, perspektivische Linien zu verwenden. Jetzt wird Ihnen das wirklich helfen, wenn Sie in einer Situation sind, in der Sie eigentlich nicht viel in Ihrem Frame vor sich haben und Sie Distanz vermitteln möchten. Alles, was Sie tun müssen, ist in einem einfachen Raster hinzuzufügen. Nun muss es nicht die technische Ein-Punkt- oder Zwei-Punkt-Perspektive sein , über die ich im letzten Kurs erklärt habe. Es ist nur ein Hinweis darauf, wo sich der Fluchtpunkt befindet, wo sich die Horizontlinie befindet. Das ist alles. Aber es schafft sofort ein großes Gefühl der Tiefe in Ihrem Rahmen, und es kann eine große Menge zu Ihrer Zeichnung hinzufügen. Was auch gut ist, ist, dass wir sofort verstehen, was der Kamerawinkel ist. Das ist sehr wichtig, da Kamerawinkel oft die Fütterung der Aufnahme bestimmen. Wenn es so ein hoher Winkel ist, dann werden wir auf einen Charakter schauen, und das wird dem Publikum den Eindruck geben, dass dieser Charakter vielleicht in einer schwachen oder verwundbaren Position ist. Umgekehrt, wenn wir in ein Gitter wie dieses hinzufügen, sagt es uns, dass der Charakter über uns ist. Es vermittelt ein Gefühl dafür, dass diese Person in einer Position der Macht oder Dominanz ist. Ich weiß, dass ich das etwas über die Spitze inszeniere, aber das sind eigentlich subtile visuelle Hinweise, die wir die ganze Zeit lesen, sogar unbewusst. Es ist gut, sich dessen bewusst zu sein. Die zweite Spitze besteht darin, Elemente innerhalb Ihres Rahmens zu überlappen. Manchmal möchten Sie nicht wirklich große Entfernungen vermitteln, aber Sie möchten auch nicht, dass Ihre Zeichnung geblitzt wird. Du willst etwas Tiefe haben. Einfach überlappende Dinge wie diese können Ihnen ein schönes Gefühl von Tiefe innerhalb des Rahmens geben. Dies ist, wo eine 2D-Kunst ziemlich magisch werden kann, denn wenn Sie darüber nachdenken, verwenden Sie nur eine flache Ebene und ein paar Linien, um dieses wirklich realistische Gefühl oder den Eindruck von Tiefenraum zu erzeugen . Für Ihre Aufgabe, Kompositionstechniken zu üben, möchte ich, dass Sie es wie eine einfache Farmszene zeichnen. Ich habe Ihnen eine Liste von Dingen gegeben, die Sie in diese Zeichnung aufnehmen können, eine Scheune, einen Baum, vielleicht einen Zaun, ein Wagenrad. Du könntest vielleicht ein paar ferne Hügel hineinlegen. Aber Sie müssen nicht zu detailliert oder kompliziert sein. Nur eine grobe Skizze ist alles, was ich suche. Ich möchte sehen, wie man diese Elemente innerhalb des Rahmens anordnen kann , um ein Gefühl von Tiefe zu vermitteln und das Auge des Publikums oder die Aufmerksamkeit des Publikums zu lenken. Denken Sie daran, irgendwo in Ihrem Rahmen Platz zu lassen , damit alle Charaktere oder Aktionen stattfinden können. Denken Sie darüber nach, wie Sie das Publikum dazu bringen würden, diesen Raum zu betrachten. Vielleicht wirst du die Scheune zur Seite haben. Dann müssen Sie nicht die gesamte Struktur in der Mitte zeigen. Aber ich überlasse es dir völlig. Gehen Sie dann nochmals weiter und posten Sie Ihre Zeichnungen im Abschnitt Frage&A. Mal sehen, was ihr euch einfällt, und lasst uns Feedback bekommen. Sonst schick es mir einfach, wenn du willst, dass ich es dir ansehen soll. Drücken Sie „Pause“, gehen Sie los, und machen Sie etwas Skizzieren, und dann kommen Sie zurück zu mir in der nächsten Vorlesung. Dann seh ich dich. 10. Den Storypoint identifizieren: Jedes Panel, das Sie zeichnen, muss den Story-Punkt dieses bestimmten Moments oder dieser Szene erzählen oder zumindest unterstützen , und jede Szene erzählt schrittweise den gesamten Story-Punkt des gesamten Films. Ich werde einen Blick auf den Prozess werfen, wie man einen Story-Punkt in einfachen und übersichtlichen Board-Panels effektiv rendert. In dieser Lektion werde ich ein Beispiel verwenden, um dies zu tun. Sagen Sie zum Beispiel, Sie haben ein Skript, das besagt, dass so etwas wie Colorado Bob in der Kabine ist. Er sucht verzweifelt nach dem Gold und außerhalb der Marshalls nähern sich schnell. Nun, oft, wenn Sie mit einem Skript arbeiten, könnten Sie leicht ein bisschen verloren gehen oder von all den Dingen ablenken, die Sie zeichnen könnten. Was Sie tun wollen, ist, wenn Sie anfangen, fragen Sie sich einfach in jeder Situation, warum macht ein Charakter eine bestimmte Aktion? Das wird Ihnen sofort helfen, klar zu werden, was die Geschichte Punkt ist. In diesem Fall sucht er verzweifelt nach Gold. Warum sucht er danach? Weil die Marshalls rausfahren, um ihn zu holen, und er muss gehen. Er sucht nicht nach dem Gold, um es zu zählen oder es zu bewundern. Er sucht verzweifelt nach ihm, damit er rauskommen kann. Ich würde nicht wirklich Zeit damit verbringen, unnötige Details der Kabine oder der Umgebung zu zeichnen . Du willst dich sofort auf Bobs hektischen Zustand konzentrieren. Dann würde ich wahrscheinlich eine Menge Nahaufnahme Kamerawinkel wählen, um zu zeigen, dass seine Hände durchstöbern, um nach Dingen zu suchen, vielleicht eine Nahaufnahme seiner Augen, oder Sie könnten sogar ihn an einem Punkt aus dem Fenster schauen lassen. Jetzt werden Sie sehen, dass diese Sequenz fließt und die dramatische Spannung erhöht , weil sie den Story-Punkt visuell unterstreicht. Aber hier ist ein weiteres Beispiel, das ich möchte, dass Sie sich ansehen. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben einen Charakter, der durch einen Wald geht. Sie könnten wählen, ihn vor den Bäumen zu zeichnen oder zu Fuß in Richtung Kamera und das wird Ihnen einen schönen, schönen waldigen Hintergrund geben. Aber sagen wir zum Beispiel, der gesamte Story-Punkt des Skripts ist, dass dieser Charakter diesen intensiven internen Konflikt vor sich hat , der ihn irgendwie gefangen fühlt, dann ist dieses Setup hier brillant, weil diese Bäume, wie Sie sofort sehen können, erstellen sie Silhouetten, die seinen emotionalen Zustand zu verstärken und sie unterstreichen die gesamte Geschichte Punkt. Wenn Sie sich fragen, warum, dann können Sie bestimmen, wie Sie ein Diagramm am besten zeichnen und wie Sie visuelle Sprache effektiv verwenden, um dies zu erklären. Sie werden vermeiden, viel Zeit damit zu verbringen, unnötige Kameras bei Jobs zu zeichnen. Denken Sie daran, Sie müssen so sparsam wie möglich wie ein Storyboard-Künstler sein, um den Punkt zu bekommen. Ich hoffe, das ergibt Sinn. Lassen Sie es mich wissen, wenn Sie irgendwelche Fragen haben. In der nächsten Klasse werde ich über Beats und Timing in deinem Board sprechen. 11. Beats und Timing: In dieser Klasse werde ich über Beats einer Geschichte sprechen und ausführlicher erklären, wie man Beats versteht und erkennt. Die Beats zu identifizieren ist eine der ersten Dinge, die Sie direkt am Anfang tun, wenn Sie anfangen, Ihr Skript zu lesen. Die Beats bestimmen in gewisser Weise Ihre Shotlist, so dass es sehr gut ist, ein sehr klares Verständnis für diesen Teil zu haben. Eine der besten Möglichkeiten, wie ich es beschreiben kann, ist, ein Skript buchstäblich mit einem Song zu vergleichen. Denken Sie an einen Song, der eine bestimmte Geschichte in sich hat, einen, der sich entfaltet, während der Song weitergeht. Der Song wird musikalisch zeitgesteuert und jede Zeile des Songs oder Vers, die einen bestimmten Story-Punkt hat, hat ein eigenes Timing. Wenn du einen Song drehst und diese Board-Panels bis zum Soundtrack abgleichen würdest, dann wäre dein Timing alles für dich erledigt, weil es auf die Musik abgestimmt ist. Als Storyboard-Künstler müssen Sie diesen Rhythmus in Ihrem Skript finden, wenn Sie es durchlesen. Tun Sie das alles in der Lesephase Ihres Prozesses? Dann, wenn Sie die Zeichnungen zu einem Miniaturbild kommen, jede Idee, die Sie in Ihrem Kopf hatten, setzen Sie das in Ihre Thumbnails. Der Grund, warum Sie ein Gefühl für das Timing haben müssen, ist, weil es wichtig ist, die richtige Anzahl von Bildern pro Schuss oder pro Szene zu zeichnen, und auch, weil später, wenn es darum geht, eine Animatik zu erstellen es wichtig ist, die richtige Anzahl von Bildern pro Schuss oder pro Szene zu zeichnen, und auch, weil später, wenn es darum geht, eine Animatik zu erstellen, genau wissen, wie lange jeder Schuss sein muss, denn Sie haben Zeit, um das für sich selbst. Das bedeutet, dass Sie nicht nach zusätzlichen Frames herumlaufen werden, oder Sie werden nicht versuchen, eine Szene zu reduzieren, weil sie zu lange gegangen ist und es zu involviert ist. Ich denke, man könnte sagen, die Beats zu finden, ist etwas, das ein bisschen intuitiv ist, aber der beste Weg, es zu tun, ist, den Film im Kopf zu schauen, während Sie lesen. Dann seien Sie spezifisch, was Sie in Bezug auf Kamerawinkel und Aufnahmen sehen. In der nächsten Lektionwerde ich Sie dazu bringen, werde ich Sie dazu bringen die zweite Hälfte des westlichen Drehbuchs zu testen, das wir haben. Im Moment denke ich, es wäre eine gute Idee, sich das Drehbuch zu schnappen und die beiden Seiten durchzulesen und einfach den Film in deinem Kopf zu spielen. Holen Sie sich ein Gefühl für den Rhythmus. Nachdem Sie es ein paar Mal gelesen haben, können Sie Ihre Shotlist auf das Skript selbst schreiben, genau wie ich es Ihnen im vorherigen Kurs gezeigt habe. Einfach Markup in den Rändern oder wo immer Sie wollen, was Sie denken, dass Sie für jeden Beat benötigen. Brauchen Sie dafür einen breiten Schuss oder eine Nahaufnahme oder eine Pfanne? Irgendetwas in der Art Viel Spaß, und wenn du bereit bist, werde ich dich in der nächsten Lektion treffen, wo ich das Klassenprojekt etwas genauer durchgehe. 12. Standard-Eröffnungssequenzen: In diesem Abschnitt des Kurses möchte ich über einige Standardmuster des Storyboarding sprechen und Ihnen zeigen, wie Sie bestimmte Sequenzen fast wie eine grob formulierte Art und Weise behandeln können. Sie können diese Set-Stücke für praktisch jede Art von Skript verwenden. Mit diesen Sequenzierungsformeln können Sie sicher sein, dass Sie den Story-Punkt vermitteln und eine gute visuelle Sprache für Ihre Zielgruppe verwenden. In dieser Lektion möchte ich untersuchen, wie man eine Eröffnungssequenz behandelt, und ich zeige Ihnen, welche Aufnahmen und Kamerawinkel am besten funktionieren, um diese Art von Sequenz zu bedienen. Ich möchte zunächst erklären, dass dieses Muster für eine Eröffnungssequenz auf der Idee basiert , dass eine Geschichte vorwärts zu einer Resolution fortschreitet. Natürlich können Sie sich sofort Filme vorstellen, die rückwärts gesagt werden. Ich weiß, dass ein Film wie 500 Tage des Sommers ein perfektes Beispiel ist. Aber im Allgemeinen beginnt man mit der Prämisse des Films und bewegt sich in Richtung Auflösung des Films. Der Gesamteffekt ist, dass Sie auf eine Reise mit den Hauptfiguren gegangen sind. Dies wird als lineares Storytelling bezeichnet, und es führt uns zu der Idee im Storyboarding, im Grunde nach innen voranzukommen. Dies ist eine ausgezeichnete Möglichkeit, sich einer Eröffnungssequenz zu nähern, denn wenn Sie nach innen fortschreiten, zeigen Sie Dinge von weit weg und bewegen Sie sich dann immer näher, bis Sie den Charakter etablieren. Mit anderen Worten, beginnen Sie mit der breitesten Aufnahme des Ortes, bewegen Sie sich schrittweise nach innen durch eine Reihe von langen Schüssen, Medium, und schließlich, die Nahaufnahme des Charakters. Hier ist ein Skriptbeispiel, das ich habe. Ich zeige Ihnen nur, wie es mit dieser sehr einfachen Eröffnungssequenz funktioniert. Wir haben ein Drehbuch, das besagt, dass der Film in einem Stadtwohnungsblock öffnet. Jack wacht auf und der Wecker geht los. Sofort möchte ich in der Lage sein, dem Publikum diese Informationen mitzuteilen. Diese Nummer 1, unsere Geschichte spielt in einer urbanen Umgebung, es ist eine große Stadt. Nummer 2, dass der Charakter in seiner Wohnung aufwacht. Hier sind die Standardaufnahmen, die Sie für diese Sequenz verwenden können. Sie beginnen mit Ihrem Wide Shot , der den Ort festlegt, gibt dem Publikum einen sehr klaren Überblick darüber, wo die Geschichte stattfinden wird. Sofort haben sie Kontext. Dann ist der nächste Schuss näher in und identifiziert deutlich das Wohnhaus, auf das wir uns bewegen. Jetzt beginnt der Betrachter näher in die Handlung zu rücken. Aber dann mit dem 3. Schuss, ich gewählt habe, eine Nahaufnahme des Gebäudes selbst zu sein , um die Wohnung zu identifizieren, wo Jack ist, jetzt wissen wir, dass hier die Aktion stattfinden wird. Dann kann ich in die Wohnung schneiden, Jack schlafen zeigen und jetzt sind wir mitten in der Geschichte. Dann habe ich eine extreme Nahaufnahme des Alarms ausgelöst, also wissen wir, dass es morgens ist und Jack aufwachen wird. Wir haben Jacks Hand reinkommt und sie aus dem Rahmen klopft, um sie zum Schweigen zu bringen. Der nächste Schuss danach zieht sich aus der Nahaufnahme zurück, um die Szene wieder herzustellen. Wieder, es ist ein mittlerer Schuss, der Jack sitzt und wie groggily aufwacht. Dieses Muster von breit, mittel, Nahaufnahme und zurück zu Medium hat den Effekt, den Betrachter in die Handlung ziehen und sie schrittweise näher zu bringen. Sobald Sie die Szene von einem breiten Schuss erstellt und bis hin zu Nahaufnahmen geschnitten haben, können Sie immer wieder zu Ihren mittleren Aufnahmen zurückziehen, um die Einstellung und die Action wiederherzustellen. Das funktioniert in so vielen öffnenden Sequenzen. Es ist der einfachste Weg, nur die Bühne zu setzen und den Ball rollen zu starten und es funktioniert. Eröffnungssequenzen sind entscheidend, um den Ton festzulegen und die exakt richtige Spannung oder Drama für die Geschichte zu schaffen , die Sie erzählen werden. Sie können sofort an die ikonische Eröffnungssequenz von Star Wars denken, die uns zeigt, dass es im Weltraum ist. Sofort, das ist alles, was wir wissen müssen. Aber in der nächsten Lektion möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie genau die gleichen Aufnahmen verwenden können, die ich Ihnen hier gezeigt habe, um genau dieselbe Geschichte auf eine völlig andere Weise zu erzählen und eine völlig andere Wirkung zu haben. Als nächstes schauen wir uns eine alternative Eröffnungssequenz an. 13. Alternative Eröffnungssequenzen: In der letzten Lektion habe ich erklärt, wie man eine Standardöffnungssequenz veranschaulicht. Jetzt möchte ich Ihnen einige Möglichkeiten zeigen, Dinge ein bisschen anders zu machen. Stellen wir uns für einen Moment vor, dass das Drehbuch, das wir haben, eigentlich nicht so einfach oder langweilig ist , wie Sie zuerst dachten. Nehmen wir zum Beispiel an, dass dies eines jener Skripte ist, in denen der Charakter aufwacht , nur um festzustellen, dass die ganze Stadt, in der er lebt , völlig verlassen ist und er der einzige ist, der übrig bleibt. Sagen wir, es ist die Eröffnungssequenz zu einem dramatischen Thriller oder einem Horrorfilm. In diesem Fall wird die Standardformel von Schüssen, die ich Ihnen zuvor gezeigt habe , hier nicht wirklich gut funktionieren. Diese Kombination, denke ich, ist einfach nicht dramatisch genug. Es fühlt sich sehr humdrum, gewöhnlich und ein wenig Fußgänger an. Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie genau die gleichen Aufnahmen verwenden können , aber sie in einer völlig neuen Reihenfolge vermischen können. Beobachten Sie, wie das die Spannung und das Drama der Sequenz völlig verändert. Beginnen wir unsere Sequenz mit der Nahaufnahme der Uhr, also bringen Sie das als Ihre allererste Aufnahme ein. Sofort wird das Publikum in die Mitte der Aktion gebracht , ohne ihnen Informationen darüber zu geben , wo das stattfindet oder was überhaupt los ist. Es ist nur eine enge und extreme Nahaufnahme eines Weckers, der ausgeht. Dann schneiden Sie zu Ihrem extremen weiten Schuss der Stadt. Als Anmerkung, darunter könnte man zeigen, dass der Wecker immer noch über den Soundtrack klingelt. Dann schneiden Sie zurück zu diesem mittleren Schuss, Jack sitzt auf, sah ein wenig benommen und verwirrt. Schneiden Sie zurück zur Nahaufnahme des Weckers und zeigen Sie, dass Jacks Hand den Wecker abschlägt, um ihn zum Schweigen zu bringen. Beginnend mit dieser extremen Nahaufnahme ist wirklich desorientierend für den Betrachter. Es ist ein bisschen klaustrophobisch vor allem mit dem Soundtrack des Alarms summt. Wir wissen nicht, wo wir sind oder was los ist, aber es gibt uns ein paar visuelle Hinweise. Es sagt uns, dass es früh am Morgen ist und wie bei den meisten Wecker sollte es ein Zeichen dafür sein, dass eine tägliche Routine im Gange ist und dass die Dinge normal und gewohnheitsmäßig sind. Aber wenn wir zu diesem großen Schuss der Stadt schneiden und es ist völlig still und alles, was wir hören, ist dieser lästige Wecker, der losgeht, könnte das anfangen zu signalisieren, dass vielleicht etwas etwas seltsam ist oder ein bisschen abgeschaltet ist. Normalerweise würde man nicht von einer extremen Nahaufnahme zu einem extremen Wide-Shot schneiden , weil es einfach zu desorientierend für den Betrachter ist. Es ist nicht sehr reibungslos Gebrauch von visueller Sprache. Aber hier in diesem Fall, wenn wir diese beiden Aufnahmen zusammenstellen, wird es wirklich helfen, das Publikum am Rand zu halten und sie zu fragen, was los ist. Der mittlere Schuss dann mit Jack sah ein bisschen groggy und benommen, das fasziniert uns mehr darüber, was mit dieser Person los ist. Was ist mit ihm los? Jetzt warten wir, um zu sehen, was als nächstes passieren wird oder sich entfalten wird. Das ist eine ziemlich faszinierende Eröffnungssequenz, die visuelle Hinweise verwendet, um die Szene zu setzen. Wenn Sie sich einen Film ansehen möchten, der eine dieser sehr interessanten Eröffnungssequenzen hat, empfehle ich Ihnen, Blade Runner zu betrachten, einen meiner Lieblingsfilme. Das ist der ursprüngliche Blade Runner, nicht der Neustart. Diese Eröffnungssequenz ist ikonisch, beginnt mit einer extremen Nahaufnahme eines Auges und schneidet dann zu einem extrem weiten Schuss der Stadt. Schauen Sie sich das an und sehen Sie, was Sie aus Ridley Scotts Eröffnungssequenz verstehen und lernen können. Die visuellen Formeln oder Muster, von denen ich spreche, sind für Sie da , aber sie sind keineswegs die Regeln, an die Sie gehen müssen. Es sind nur Optionen für dich. Wenn Sie über lineares Geschichtenerzählen nachdenken möchten, denken Sie darüber nach, von breit zu beginnen und schrittweise in Nahaufnahmen zu bewegen. Aber noch einmal, vielleicht wollen Sie das komplett vermischen und es für dramatische Wirkung verwenden, um eine viel interessantere Geschichte zu erzählen. Es liegt ganz an dir. Lerne die Regeln und lerne dann, sie zu brechen. In der nächsten Lektion werde ich über einige weitere Storyboard-Muster sprechen wie wann ich schneiden und auch wenn ich nicht schneiden soll. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 14. Wann Schneiden: Denken Sie daran, Storyboarding als im Wesentlichen einen Film zu bearbeiten, bevor er gemacht wird. Wenn Sie darüber nachdenken, dann müssen Sie auf jeden Fall einige grundlegende Bearbeitungsregeln kennen , wie zum Beispiel, wann Sie Ihre Schnitte machen müssen. Ein Schnitt ist, wenn sich der Kamerawinkel ändert. Der Begriff kommt eigentlich aus den Tagen des Films vor dem digitalen Film, als ein Redakteurden Filmstreifen physisch schneiden undihn dann wieder zusammen mit einem anderen Stück Filmmaterial kleben würde den Filmstreifen physisch schneiden und . Das steckt gerade bei uns im digitalen Zeitalter fest. Es gibt einige Gründe, die Sie wissen müssen, wann Sie schneiden sollten. Dies wird Ihr Timing für Ihre Storyboards verbessern. Es wird nur Ihre Boards und Ihre Aufnahmen zusammenfließen lassen. Der erste ist, auf Emotionen zu schneiden. Zum Beispiel, wenn jemand etwas Dramatisches sagt, dann könnten Sie schneiden, um die Reaktion der anderen Person zu sehen. Das schneidet die Emotion ab. Oder wenn es einen starken emotionalen Moment in der Szene gibt, dann würden Sie wollen, um dort zu schneiden, anstatt auf dem Schuss zu verweilen und riskieren, dass die Emotionen zerstreut werden. Zum Beispiel, dieser Schuss hier. Nehmen wir an, jemand hat gerade einen Brief gelesen und in ihm haben sie einige wirklich schockierende Nachrichten oder so etwas erhalten. Nun, du würdest sie schneiden und dann zur nächsten Szene wechseln wollen. Wenn sie diesen Schock registriert haben und das Publikum ihn auf dem Gesicht des Charakters sieht. Du würdest nicht auf dem Schuss verweilen wollen und vielleicht zeigen, dass die Person den Brief ablegt. Ich weiß nicht, gehen und eine Tasse Tee machen, das würde einfach nicht wirklich die ganze emotionale Wirkung dieser Szene wegdriften lassen. Ein weiterer guter Moment im Skript, um Ihre Schnitte zu machen, ist, wenn Sie Informationen anzeigen möchten. Beispiel: Schneiden, um Reaktionsaufnahmen oder Point of View Shots anzuzeigen oder um zu zeigen, was ein Charakter betrachtet. Zeigt Informationen zur Szene oder zum Story-Point an. Aber der offensichtlichste Ort, um eine Szene zu schneiden, ist das, was man als Schneiden auf der Aktion nennt. Jetzt schneiden auf ihre Aktion im Grunde ist es eine Standard-Bearbeitung über Live-Action-Filme sowie Animationen. Wenn Sie einen Schuss davon haben, dass jemand von einem Stuhl aufsteht und die Tür beantwortet, dann ist das zum Beispiel eine Aktion. Die Handlung des Charakters, wie er aufsteht. Du würdest den Schnitt dort machen. Als er aus dem Stuhl aufsteht, dann auf den Schuss der Tür geschnitten. Anstatt den Charakter zu zeigen, am Stuhl aufzustehen und entlang zu gehen und dann zur Tür zu kommen. Schneiden auf die Aktion ist sehr intelligente Verwendung von Timing, weil Sie tatsächlich loswerdenkönnen tatsächlich loswerden die lange gezogenen Momente, in denen ein Charakter etwas tut, um woanders zu kommen. Manchmal vor allem, wenn Sie Storyboarding für TV-Animation sind, kann es der Fall sein, dass tatsächlich zu viele Schnitte am Ende ziemlich viele Probleme verursachen später. Es ist oft der Fall, dass, wenn Sie viele und viele Schnitte haben, der Regisseur Sie bitten wird, die Aufnahmen zu konsolidieren, um effizienter in Bezug auf die Arbeitsbelastung für andere Abteilungen wie Hintergründe oder Animation zu sein . Der beste Weg zu wissen, wann nicht geschnitten werden soll, ist literarisch Schneiden Sie nicht, wenn Sie nicht müssen. Wenn Sie Ihre Aufnahmen so inszenieren können, dass Platz für Action und sekundäre Aktionen vorhanden ist, müssten Sie auf neue Setups oder neue Kamerawinkel zuschneiden. In diesem Beispiel wird das Schneiden von hier nach hier als Sprungschnitt bezeichnet da die Position dieses Charakters buchstäblich von einem Schuss zum anderen springt. Sie ist hier drüben in dieser Aufnahme und dann schneidest du einen neuen Kamerawinkel, und sie ist nicht in der gleichen Position. Um das zu lösen, könnten Sie einfach eine einfache Kamerabewegung verwenden und von dieser Position nach links verschieben. Dann können Sie das sekundäre Zeichen im Hintergrund anzeigen , ohne den Schuss überhaupt schneiden zu müssen. Denken Sie daran, als ich über die Inszenierung sprach, habe ich das erwähnt. Wenn es etwas gibt, das Sie jetzt zeigen können, dass die Geschichte in der nächsten Aufnahme entfaltet, dann später Phase Aktion so, weil es Ihnen hilft , keine neuen Setups oder Schnitte zu machen. Eine gute Faustregel ist nur logisch und klar über die Menge an Geschäft nachzudenken , die Sie in einer Szene durchmachen müssen, die Menge an Aktion, die Sie durchkommen müssen, wenn Sie möchten. Wie können Sie den Story-Punkt am besten rendern? Denken Sie darüber nach, ob ein Schuss tatsächlich genauso gut funktionieren könnte wie drei oder vier verschiedene Winkel. 15. Match Cuts und Hook Ups: Ein Übereinstimmungsausschnitt oder ein Anschluss erfolgt, wenn Sie beispielsweise von einer Aufnahme einer Figur in einen anderen Schuss oder Winkel schneiden , dem sich dieses Zeichen noch in der Szene oder im Frame befindet. Sie müssen sicherstellen, dass der neue Schuss mit dem vorherigen übereinstimmt in Bezug auf die Position des Charakters und in Bezug auf seine Pose. Ein Charakter verlässt ihr Haus und geht den Weg hinunter zu dem Auto, wo ihr Freund wartet. In Bezug auf das Timing für die Szene, Sie wollen nicht jeden Schritt von der Tür zum Auto beobachten müssen , wie ich in der vorherigen Lektion erklärt habe. Wenn du ihnen nur zeigst, dass sie von der Tür wegtreten und ihm dann am Auto zuschneiden, wäre das ein Sprung. Manchmal sind Sprungschnitte in Ordnung, wenn Sie ein wenig dynamische Energie in Ihre Szene injizieren möchten. Aber wenn die Stimmung es nicht wirklich erfordert, dann könnte es lästig aussehen. Stattdessen würden Sie zeigen, dass Ihr Charakter die Tür verlässt und dann einen Streichholzschnitt verwenden, der in diesem Fall eine Nahaufnahme seiner Schritte darstellt. Nun ist es ein Match-Schnitt, weil die Schritte mit der gleichen Richtung und der gleichen Aktion wie die vorherige Aufnahme übereinstimmen . Dann könnte der nächste Schuss ihn am Auto zeigen. Das ist ein sehr effektiver Einsatz der Bearbeitung. Es gibt nur drei verschiedene Schüsse, zwei Schnitte, und wir haben festgestellt, dass die Zeit vergangen ist er ihm die Tür verlässt, wenn er beim Auto ankommt. Das ist ziemlich nahtlose Bearbeitung, wenn Sie es sehen gespielt und es ist eine sehr gute Verwendung eines Streichholzschnitts. Eine andere Möglichkeit, es zu tun, ist, dass Sie sie die Tür verlassen, dann verwenden Sie einen Ausschnitt seines Freundes, der aus dem Bildschirm schaut und ihm zusieht, und dann zeigen Sie ihm stehen am Auto. Auch hier hat dies den gleichen exakten Effekt. Es komprimiert die Zeit, so dass wir ihn nicht bei jedem Schritt von der Tür zum Auto sehen müssen. Es ist eine sehr gute Verwendung eines Cutaway, um die Aktion zu beschleunigen. Was ist dann ein Haken? Nun, hier ist ein sehr einfaches Beispiel für einen Haken. Wenn Sie eine Figur vor einem Schnitt außerhalb des Bildschirms sehen, dann sehen Sie eine breitere Aufnahme, aber es zeigt sie nach unten in Richtung Boden schauen, na ja, es könnte viele logische Gründe im Skript geben, warum dieses Zeichen , um nach unten zu schauen, aber Ihr Storyboard wäre falsch, weil die Pose nicht anschließt. Also müssen Sie entweder das erste Panel starten, mit dem sie nach unten schauen, oder starten Sie Ihr zweites Panel mit ihnen, die außerhalb des Bildschirms aussehen und sie dann nach unten schauen. Ich hoffe, das ergibt Sinn. Aber sobald Sie anfangen, Hooks in Storyboards zu sehen, werden Sie beginnen, es einfach sehr intuitiv zu tun. Denken Sie übrigens auch an Ihre Hintergrundelemente. Hintergrundelemente können eine Tendenz haben, sich selbst zu bewegen und Positionen zu ändern , wenn Sie nicht vorsichtig mit Ihren Hooks Ups oder Ihren Match-Schnitten sind. Wenn Sie gehen, um Ihre Szenen zu schneiden, müssen Sie auch ein Auge darauf behalten und sicherstellen, dass ein Charakter neben einem Lampenpfosten in einem Schuss steht. Stellen Sie dann sicher, dass dieser Lampenpfosten relativ zum Charakter in die nächste Aufnahme, wenn es aus einem anderen Blickwinkel ist. Gehen wir rüber zur nächsten Lektion. Ich möchte über einige Standard-Storyboard-Muster für die Charakterentwicklung sprechen, insbesondere wenn wir Nahaufnahmen verwenden. Dann seh ich dich. 16. Aufnahmen für die Charakterentwicklung: Dialoge Sequenzen werden in der Regel mit einer Kombination aus Nahaufnahmen und mittleren Aufnahmen bestiegen . Der mittlere Schuss ist ein großartiger Go-to-Schuss für den Dialog. Es ist eine extrem vielseitige Aufnahme, weil Sie immer noch viel Platz in einem mittleren Schuss für Charaktere haben , um sich zu bewegen, vor allem, wenn sie etwas mit ihren Händen tun. Aber wir sehen immer noch den Ausdruck und die Emotion auf ihren Gesichtern. Ein mittlerer Schuss ist ein sehr nützliches Werkzeug in Ihrem Storytelling. Außerdem ist der mittlere Schuss für relationale Aspekte der Inszenierung gleichermaßen wichtig. Wenn Sie eine Szene wiederherstellen und zurück zur Heimatbasis und eine Sequenz von Schnitten sagen, Sie sind von einer Nahaufnahme zu einem Cutaway zu extremer Nahaufnahme gegangen, dann ist Ihre Mitte Schuss oder mittlere Aufnahmen eine nette Lösung, um das Publikum zurück zu Basis in Bezug darauf, wo wir alle sind, wo die Charaktere in der Szene sind, und in Bezug zueinander. Nun, ich möchte nur ein wenig über die Nahaufnahme sprechen und ich denke, es lohnt sich, Zeit zu verbringen, um Nahaufnahmen in der Tiefe zu besprechen , denn diese Aufnahme ist eine so wichtige Aufnahme für Ihr visuelles Vokabular. Die Hauptsache, die ich denke, ist erwähnenswert über die Nahaufnahme ist, wie die Zuschauer-Identifizierung durch diese Aufnahme funktioniert. Dies ist etwas, worüber ich im ersten Storyboardkurs kurz gesprochen habe, aber ich kann nicht genug betonen, wie wichtig das für das visuelle Storytelling ist. Ich möchte nur noch ein bisschen mehr in dieser Lektion sprechen. Lassen Sie mich es so erklären. Wenn Sie an ein Publikum denken, das ein Stück ansieht, entfaltet sich die Action vor ihnen. Aber sie stecken ziemlich fest in dieser Zone, sie kommen nicht wirklich näher an die Action oder an die Charaktere. Stellen Sie sich vor, wenn sie tatsächlich aufstehen könnten, sitzen direkt neben diesem Haupt, so der Held des Stücks, darüber nachzudenken, wie mächtig das in Bezug auf das Beobachten und Verständnis der Emotionen des Schauspielers wäre . Das ist fast, wie nah wir im Kino kommen, wenn wir uns einen Film ansehen. Für die Identifizierung des Publikums ist die Nahaufnahme entscheidend. Aber es macht keinen Sinn, eine Nahaufnahme nur zufällig oder zufällig zu schneiden, nur weil es eine schöne Aufnahme ist oder weil es eine starke visuelle Sprache ist, oder weil Sie einfach nicht auf die Hintergrunddetails zeichnen müssen. Denken Sie immer genau nach, wenn Sie eine Nahaufnahme verwenden könnten und achten Sie darauf, Folgendes zu beachten. In eine Nahaufnahme schneiden, wo die Emotion oder Reaktion des Charakters das Wichtigste ist , das in der Szene zu zeigen ist, wenn es der Story-Point ist. Nummer 2, etablieren Sie Intimität und Verbindung sowohl mit dem Publikum als auch zwischen den Charakteren, indem Sie für die vorderen drei Viertel so gehen. Sie könnten sogar Platz aus dem Charakter vollständig, aber stellen Sie sicher, dass ihre Augen sehen Bildschirm von links nach rechts Bildschirm. Wenn Sie zwei Charaktere sprechen, diese Nahaufnahme verbindet sie wirklich. Geben Sie ihnen einfach etwas Platz um den Kopf und schneiden Sie einfach nicht zu nahe. Es sei denn, es ist ein sehr dramatischer oder intensiver Moment im Skript, nach einer extremen Nahaufnahme ruft, machen es nicht so eng. Achten Sie darauf, dass Sie einen schönen negativen Raum um den Charakter haben, denken Sie über Ihre Regel von Dritteln und vielleicht platzieren Sie den Charakter auf einen oder anderen Seite des Bildschirms. Als Nächstes werde ich mit Ihnen die letzten unserer Klassenprojekte besprechen. Es ist Projekt Nummer 3, wo ich Sie dazu bringen werde, Ihre Storyboards aufzuräumen und abzuschließen. Wir sehen uns in der nächsten Vorlesung. 17. Schlussbemerkung: Wow, gut gemacht, um das Ende des Kurses zu erreichen. Ich bin froh, dass du es so weit geschafft hast. Ich finde, das ist großartig. Sie sollten wirklich nicht unterschätzen die Menge der Arbeit, die Sie abgeschlossen haben und was Sie erreicht haben, selbst wenn Sie nur den ganzen Kurs durchlaufen. Vielen Dank, dass du hier bist und dass du das bis zum Ende gesehen hast. Ich wollte Sie nur in diesem Video mit einigen der Punkte lassen , die meiner Meinung nach meine besten Takeaways für diesen Kurs sind. Ich denke, dies sind die wichtigsten Tipps, die Sie sich darauf konzentrieren sollten, voranzukommen. Der erste ist Lebenskennzeichnung oder Figurenzeichnung. Wenn Sie überhaupt daran interessiert sind, ein Story-Artist zu sein, oder eine Zeichnung oder eine Animation im Allgemeinen, kann ich nicht genug betonen, wie wichtig es ist, Figuren-Zeichnen zu üben. Wenn Sie zu einer Lebensfigur Zeichnungsklasse kommen können, wäre das das Beste, was zu tun ist. Aber wenn Sie nicht können, können Sie immer einfach von Fotoreferenz online zu zeichnen, und es gibt Tonnen von Ressourcen da draußen, um Ihnen zu helfen. Wenn Sie interessiert sind, senden Sie mir eine Nachricht, ich habe einige Hinweise, die ich Ihnen geben kann, wo Sie gute Tutorials über Figurenzeichnung finden können. Nummer 2, wenn Animation wirklich Ihr Hauptaugenmerk ist, dann ist Charakterdesign etwas, worüber Sie nachdenken sollten und Sie sollten so viel wie möglich üben. Die Studios lieben es, Charakterdesigns in Ihrem Portfolio zu sehen und vor allem für Storyboard-Künstler, die in der Lage sind, eine Vielzahl von Charakteren zu zeichnen, nicht nur ein Stil von Charakter ist etwas, das sie suchen werden. Konzentrieren Sie sich auf Ihre Charakterdesigns und üben Sie das so viel wie möglich. Nummer 3, ist versuchen, Klarheit in Ihren Storyboards so viel wie möglich zu bekommen. Was ich damit meine, ist ein Blick zurück durch Ihre Storyboard-Panels, während Sie an ihnen arbeiten, und fragen Sie sich, ob jemand, der die Geschichte nicht kannte, kommt vorbei und schaut auf Ihre Shot-Entscheidungen oder Fluss von Aufnahmen. Wären sie in der Lage, die Geschichte zu verfolgen? Manchmal kann es bedeuten, dass Sie ein paar weitere Frames hinzufügen müssen , um eine Aktion zu beschreiben, die der Charakter tut. Wenn das der Fall ist, dann tun Sie das, weil Sie wirklich in der Lage sein wollen , Ihr Storyboard für sich sprechen zu lassen. Mein vierter Tipp ist es, so viele Filme oder Shows wie möglich zu sehen und wirklich zu studieren, wie Aufnahmen in diesen Filmen verwendet werden. Eine wirklich gute Praxis, die fast jeder Story-Boarder, den ich kenne, tut, ist, den Film zu pausieren und Thumbnail out in Ihrem Skizzenbuch eine bestimmte Szene oder eine Sequenz, die Sie für interessant oder überzeugend halten. Sie werden beginnen zu verstehen, wie Regisseure denken, wie die Bearbeitung funktioniert und das wird Ihre Story-Boarding Fähigkeiten wirklich verbessern. Dann ist mein fünfter Tipp, so vielen Gruppen online wie möglich beizutreten. Es gibt viele Gruppen auf Facebook für Storyboard-Künstler, und Sie können wirklich jede Menge Inspiration und Wissen und Ideen bekommen , indem Sie diesen Gruppen beitreten und sehen, wie andere Story-Künstler arbeiten. Nun, das war's für mich. Es ist nur Zeit für mich zu unterschreiben, aber bevor ich gehe, möchte ich mich wirklich bedanken, dass du hier bist. Vielen Dank für all Ihre Beiträge in dieser Klasse. Ich kann dir nicht sagen, wie viel mir das bedeutet. Es war erstaunlich, dass sich die Arbeit der Menschen im Laufe der Zeit verbessert hat , und ich freue mich darauf, Sie in einem anderen Kurs zu sehen.