Figurenillustration: Erstelle einen Charakter mit Photoshop und Aquarellmalerei

1. Einführung: Was ich am meisten liebe, bevor Charaktere zeichnen, ist, dass es mir eine Chance gibt , alle Arten von verschiedenen Emotionen durch sie zu kanalisieren. Mein Name ist Yana Bogatch und ich bin Illustratorin und Comic-Künstlerin. In der heutigen Klasse werde ich Ihnen zeigen, wie Sie eine Charakterillustration mit einer Kombination aus digitalen und traditionellen Medien erstellen . Speziell mit Photoshop, Tinte und Aquarell. Ich bin wirklich aufgeregt, meinen Prozess mit Ihnen zu teilen, weil ich viele Jahre damit verbracht habe, ihn zu perfektionieren. Ich denke, dass der Prozess digital gestartet wird, und das Skizzieren in Photoshop schafft eine wirklich solide Grundlage. Verwendung traditioneller Medien auf der anderen Seite erfordert eine Menge sofortiges Engagement, wo es wirklich schwierig ist, etwas zu reparieren. Sie müssen also eine Fähigkeit entwickeln, um zu lernen, wie man mit den Fehlern arbeitet, die Sie machen, und manchmal sind diese kleinen Fehler, was die Zeichnung viel spontaner und lustiger macht. In der heutigen Klasse werde ich meinen gesamten Prozess mit Ihnen teilen, beginnend mit dem ersten Schritt, Aufwärmskizzen zu erstellen, und mit dem Scannen bis zum Zeichnen und dem letzten Schliff in Photoshop. Dann drucke ich es aus und verwende eine Lichtbox, um die Skizze auf Aquarellpapier zu übertragen. Der nächste Schritt ist das Freigeben der Zeichnung, und der letzte Schritt ist, Farbe mit Aquarellen zu setzen. Es gibt etwas wirklich Befriedigendes daran, ein fertiges Kunstwerk in Ihren Händen zu halten und es aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten zu können, und ich hoffe, dass Sie diesen Prozess verfolgen können, damit Sie das auch erleben können. Bitte poste dein Kunstwerk in der Projektgalerie, denn ich würde gerne sehen, was du dir einfällt. Ich bin super aufgeregt, dass du dich entschieden hast, zu meiner Klasse beizutreten. Lasst uns loslegen. 2. Prozess und Materialien: In dieser Klasse werde ich Ihnen beibringen, wie Sie eine Figur mit Photoshop, Tinte und Aquarell zeichnen . Normalerweise beginne ich mit mindestens 30 Minuten Aufwärmskizzen, weil ich finde, dass meine Hände ziemlich steif sind und es hilft, sich zu lockern und es beschleunigt wirklich den Skizzierprozess, wenn ich weiter gehe. Es lohnt sich also normalerweise, sich die Zeit zu nehmen, das zuerst zu tun. Sobald ich das Aufwärmen beendet habe, habe ich normalerweise eine ziemlich gute Vorstellung davon , welche Art von Illustration ich in meinem Kopf erstellen möchte, aber ich habe noch keine Skizzen gemacht. Also werde ich ein wenig Thumbnails machen, um die Komposition runter zu bringen und ich mache sie normalerweise ziemlich klein was den Prozess viel schneller macht und ich kann viele Optionen durchlaufen und die auswählen, die ich am meisten mag. Sobald ich eine Skizze ausgewählt habe, mit der ich zufrieden bin, ich ein schnelles Foto davon und schicke es mir selbst, damit ich sie in Photoshop öffnen kann. Ich ziehe das Foto in eine Photoshop-Datei, die normalerweise ein normales Papierformat ist , also achteinhalb mal 11. Ich werde es in die Luft sprengen, so dass es die ganze Seite einnimmt und eine andere Ebene erstellt, damit ich eine endgültige Version der Skizze machen kann. Im nächsten Schritt, je nachdem, wie klar das Thumbnail ist, werde ich normalerweise eine sehr leichte Skizze machen, die einen Kern davon zeigt, wo alles sein wird , damit ich eine andere Ebene erstellen kann, um hoffentlich eine sauberere Version des Charakters zu erstellen , die Die letzte. Manchmal müssen Sie eine zusätzliche Schicht erstellen, nur um sicherzustellen, dass alles so klar wie möglich ist. Sobald die Photoshop-Skizze fertig ist, drucke ich sie aus und übertrage sie mit einer Lichtbox auf Aquarellpapier. Ich habe normalerweise eine grobe Vorstellung davon, welches Farbschema ich verwenden werde. Je nachdem, verwende ich einen Farbstift, um eine wirklich helle Skizze auf dem Aquarellpapier zu erstellen. Sobald das erledigt ist, bewege ich mich direkt in die Tinte. Mein typischer Ansatz, wenn es darum geht, digitale Illustration zu erstellen, würde Cel Shading genannt werden. Also werde ich damit beginnen, Linienbilder zu machen und dann andere Ebenen zu erstellen, während ich vorwärts gehe. Das ist also auch etwas, was ich in meinen traditionellen Malprozess übertrug. Also werde ich auch mit der Linienart mit Tinte beginnen und ich werde auch Schatten niederlegen und ähnlich wie eine andere Ebene darüber zu erstellen und sie so zu vermehren, um flache Farben zu legen, werde ich einfach Aquarelle verwenden, um dasselbe zu tun und einen ähnlichen Effekt erzielen. Für den letzten Schritt werde ich nur an den kleinen letzten Schliff arbeiten, indem ich weiße Gouache für ein wenig Highlights oder Buntstifte verwende, um das Bild zusammen zu binden. Das sind also einige meiner grundlegenden Werkzeuge und ich benutze diese Farbstifte für die Übertragung der Skizze. Normalerweise benutze ich diesen Kugelschreiber, den ich von Muji bekommen habe, zum Skizzieren. Aus irgendeinem Grund habe ich schon lange keinen echten Bleistift zum Skizzieren verwendet. Ich benutze diesen Stift sehr gerne, weil er sehr glatt ist und relativ dünn ist , so dass ich sehr präzise Linien damit bekommen kann. Ich habe hier auch ein paar Micron-Tintenstifte. Normalerweise benutze ich eine Feder zum Tinten, aber manchmal für sehr feine Details werde ich diese verwenden. Dann habe ich auch diesen Präzisions-Radiergummi, der hilft, wenn ich mit einer relativ kleinen Zeichnung arbeite, die viel Detail darin hat. Also das ist meine Tinte, die ich benutze, es ist Ph Doctor Martin und es gibt zwei verschiedene Arten, die ich habe. Es gibt eine Matte und eine glänzende Version. Normalerweise gehe ich mit Matte, wenn ich später Aquarelle hinzufüge , so dass es nicht mit dem Glanz ablenkt. Ich verwende auch Winsor und Newton schwarze Tinte als auch. Aber ich habe diese in letzter Zeit sehr benutzt und ich mag es. Das sind die farbigen Tinten, die ich gerne benutze, sie sind auch Winsor und Newton. Was ich wirklich an ihnen mag, ist, dass sie wirklich hell und lebendig und sie sind eigentlich ein bisschen wie Aquarell. Aber das Tolle an ihnen ist, dass sie nicht mit Wasser wiederbelebt werden, nachdem sie trocken sind. Deshalb verwende ich diese eher als Aquarell, um mich mit meiner schwarzen Tinte zu mischen. Manchmal, wenn ich eine Illustration wie eine extra kleine Note geben möchte, werde ich auch entweder diese Winsor und Newton Silbertinte oder diese Kuretake Gold Mica Tinte mischen . Dies sind die Bürsten, die verwendet werden. Ich bin nicht zu wählerisch, wenn es um Bürsten geht. Normalerweise bekomme ich regelmäßige Aquarellpinsel in jedem Kunstgeschäft erhältlich. Diese beiden Größen sind meine Go-to, also sind sie eine Größe vier und zwei. Ich habe gerne die kleinere Bürste für detaillierte Arbeit. Dieser mittelgroße Pinsel ist eine, die ich am häufigsten verwende und ich mag auch eine etwas größere haben , um größere Bereiche mit Aquarell oder Tinte zu füllen und ich benutze diese Pinsel für Tinte und Aquarell austauschbar. Für einen Großteil der Tinte verwende ich eine Deleter-Marken-Feder, es ist das Genom. Ich denke, es ist wirklich beliebt bei Comic-Künstlern in Japan, aber es ist eine wirklich schöne und dünne Linie und in der Regel ein paar davon nur für den Fall. Das ist mein Lieblings-Aquarell-Set. Da ist Dr. Martins synchromatisches transparentes Aquarell. Ich mag diese wirklich, weil sie sehr hell sind und sie sich sehr sauber mischen. So kann ich eine breite Palette von Farben und auch Flüssigkeit bekommen , so dass ich sehr präzise sein kann, mit wie viel Farbe ich auf meinem Gaumen setzen. Zusätzlich zu den Aquarellen von Dr. Martin verwende ich auch gerne normale. Ich glaube, das sind Pentel und sie kamen in kleinen gequetschten Röhrchen. Also habe ich sie alle auf einen Gaumen gelegt, damit sie leicht zu erreichen sind. Manchmal benutze ich diese, weil sie ein wenig anders wirken und wenn sie trocknen, sie nicht ganz so leicht wiederbeleben wie die von Dr. Martin. So sind sie in diesem Sinne ein wenig einfacher zu verwenden, aber die Farbe ist nicht so hell. Dies ist der Aquarell-Papierblock, den ich am häufigsten verwende. Ich bin nicht allzu wählerisch über die Art von Papier, die verwendet werden. Manchmal verwende ich auch Bristol-Papier, wenn ich keine Textur möchte , aber in letzter Zeit habe ich Aquarellpapier die meiste Zeit verwendet. Mein größtes Anliegen ist es in der Regel sicherzustellen, dass das Papier nicht zu dick ist , so dass ich es auf der Lichtbox verwenden kann, um die Skizze zu übertragen. Dies ist mein aktuelles Lieblings-Skizzenbuch zu verwenden. Ich benutze diese seit ein paar Jahren konsequent und was ich daran sehr mag , ist, dass es sehr dünn ist, so dass es leicht tragbar ist und ich kann es überall bringen, wo ich will. Auch wenn ich es öffne, bleibt es relativ flach und es ist nicht zu hoch von einer Kante, so dass ich den ganzen Weg bis zu den Rändern des Papiers zeichnen kann. Das ist also die Lichtbox, die ich benutze, Artograph ist die Marke und ich mag sie sehr, weil ich sie seit einigen Jahren benutze und nie irgendwelche Probleme damit hatte. Ich mag, wie die Helligkeit relativ hoch ist. So kann ich ein ziemlich dickes Papier verwenden, aber es ist auch nicht so hell, dass es meine Augen schmerzt, wenn ich daran arbeite, nicht wenn ich es für eine lange Zeit benutze. Für den digitalen Teil der Illustration, Ich benutze Photoshop und ein 22 HD Cintiq, aber Sie können jedes Tablet verwenden, das Sie haben, und es muss nicht einmal Photoshop sein. Also, egal mit welchem digitalen Programm Sie sich wohl fühlen, wird gut zum Skizzieren funktionieren. 3. Aufwärmskizzen: Der Grund, warum ich den Prozess wirklich gerne mit einigen warmen Skizzen beginne, ist, weil ich finde, dass meine Hände in der Regel sehr steif sind. Das ist etwas, das ich nicht einmal unbedingt bemerken muss. Ich verbrachte so viele Jahre mit dem Zeichnen und die meiste Zeit war ich ziemlich ungeduldig, also setzte ich mich einfach hin und ging direkt zur Arbeit, aber ich fand, dass ich Warm-ups machte und mindestens 30 Minuten und bis zu einer Stunde verbrachte und vielleicht sogar manchmal sogar noch mehr, hilft wirklich, den Prozess später zu beschleunigen. Es hilft stark in der Genauigkeit und macht es nur im Allgemeinen viel einfacher zu zeichnen. Das ist etwas, das ich definitiv auf die harte Art lernen musste, und es ist wirklich leicht zu vergessen. Aber ich würde empfehlen, immer mit Warm-Ups zu beginnen, weil es sich definitiv lohnt. Beim Aufwärmen Skizzieren mag ich nicht zu viel Zeit in eine einzelne Pose stecken , weil es darum geht, einfach Ihre Hand zu benutzen, um sich aufzuwärmen. Also werde ich vielleicht ein paar Minuten vorschlagen, vielleicht bis zu fünf höchstens, aber normalerweise ist es etwa zwei oder drei Minuten. Normalerweise arbeite ich gerne aus Referenzbildern für die Aufwärmskizzen. Normalerweise verwende ich gerne dynamische Posen, verschiedene Arten von Aktionen, weil sie viel einfacher zu erfassen und zu sehen sind. Ich benutze Pinterest wirklich gerne und benutze es für viele andere Aspekte meiner Arbeit, nicht nur Aufwärmskizzen. Pinterest ist auch sehr hilfreich, wenn du ein Projekt startest. Normalerweise kreiere ich gerne einen Ordner voller Inspiration, zu dem ich immer gehen und schauen kann, das hilft, die kreativen Säfte fließen zu lassen. Also, wenn ich Aufwärmskizzen mache, beginne ich gerne mit der Suche nach dem Brustkorb, gefolgt von Becken und es ist wie eine kissenige Grundform. Von da an ist es ziemlich gut, eine Handlungslinie zu etablieren. So gibt es Ihnen ein gutes Gefühl für die Bewegung in der Pose. Es ist ziemlich wichtig, die Füße zu platzieren. So mache ich das gerne früh, ohne ins Detail zu kommen. Dann, der Kopf. Normalerweise versuche ich es so schnell wie möglich mit dem Torso zu verbinden , damit die Platzierung relativ genau ist. Dann finde ich grob, wohin die Hände gehen werden. So wie so. Vielleicht zeigen Sie eine schnelle Geste dessen, was die Pose der Hände. Ja, ja. Dann, nach dem Grund ist einfach bereit zu gehen. Ich werde ein wenig Details ausfüllen. Normalerweise, in diesem Prozess, werde ich feststellen, dass, vielleicht habe ich die Marke an einem bestimmten Ort verpasst speziell, wenn ich gerade anfange, mich aufzuwärmen, also werde ich Anpassungen vornehmen, während ich gehe. Der Punkt hier ist nicht, eine schöne Zeichnung oder so etwas zu bekommen, ist nur, um Ihre Hand in Bewegung zu bringen und die Pose zu erfassen. Wenn sich nicht herausstellt, dass es großartig ist, gibt es immer den nächsten. Gehen Sie voran und machen Sie Ihre eigenen Warm-ups, versuchen Sie, mindestens 30 Minuten zu verbringen. Manchmal verbringst du bis zu einer Stunde, was wirklich gut ist. Wirklich, je mehr Zeit Sie damit verbringen, desto besser, desto einfacher wird es, wenn Sie mit den nächsten Schritten fortfahren. Ja, konzentrieren Sie sich nicht zu sehr darauf, wie die Zeichnungen aussehen. Der springende Punkt ist nur, sich aufzuwärmen und Ihre Hände zu lockern. Im nächsten Schritt beginnen wir mit der Planung der Illustration, indem kleine Miniaturansichten zeichnen, um die grundlegende Komposition nach unten zu bringen. 4. So planst du deine Figur: Der nächste Schritt ist, wählen Sie Thumbnail, die Illustration, um die grundlegende Komposition nach unten zu bringen und herauszufinden, wie Sie es aussehen möchten. Ich habe normalerweise eine grobe Vorstellung davon, was ich zeichnen werde, also hilft es natürlich, einen Charakter im Kopf zu haben und vielleicht eine Art von Aktion zu mögen, die Sie möchten, dass sie tun, oder vielleicht sogar nur ein Gefühl, über das Sie hinwegkommen möchten. Mit dieser besonderen Illustration möchte ich diesen einen Charakter von mir zeichnen und ich möchte mich auf ihren Gesichtsausdruck konzentrieren. Normalerweise fange ich einfach mit so etwas an und sehe, wohin es mich hinführt. Also mit dieser kleinen Skizze, die ich hier gezeichnet habe, setze ich den Winkel des Gesichts herunter, an den ich dachte , und kam auch auf, dass sie vielleicht ihre Haare so hält. Es ist also nur ein bisschen eine Erkundung, so dass ich im nächsten Thumbnail herausfinden kann, wie die gesamte Pose aussehen wird. Ich mag wirklich, wohin das geht, aber ich habe das Gefühl, ich sollte noch ein paar Optionen zeichnen, nur um zu sehen, wo ich es hinnehmen kann. Ich habe noch ein paar kleine Thumbnails gemacht, um die Idee zu erkunden, mit der ich unterwegs war. Ich fing damit an, hier drüben diese Pose zu skizzieren. Obwohl ich es mochte, schien es etwas zu formell und ich mochte sie nicht, sie stand direkt vor der Kamera. Also habe ich diese beiden ausprobiert und sie waren viel näher an dem, was ich im Sinn hatte, aber in diesem, war ihr Gesicht nicht sichtbar genug, also entschied ich mich, eine Pose auszuprobieren, in der sie sich niederlegte. Aber das hier wieder, ich mochte nicht ganz kompositionell, aber ich mochte die Idee, Pilze als Laub um sie herum zu verwenden und wie ein kleines Baumstamm, auf dem sie legen kann. Dann habe ich noch ein paar Optionen gezeichnet und mit diesem war es eine gute Kombination aus ihrem Gesicht, das sichtbar genug war, damit ich den Gesichtsausdruck einbinden kann , den ich am Anfang mochte und ich die Pilze auch als Laub benutzen konnte um. Wenn ich Posen finde, die ich für meinen Charakter verwende, vermeide ich gerne alles, was zu statisch ist, also neige ich generell nicht dazu, stehende Posen zu machen. Für diese besondere Zeichnung gefällt mir die Idee, dass sie sich an ihren Haaren festhält. Ich denke, es lief gut mit ihrem Gesichtsausdruck und verlief ein gewisses, leicht nervöses Gefühl, obwohl sie hier relativ entspannt auf dem Baum ist. Also ja, ein bisschen eine Idee wie diese zu haben, hilft viel, eine interessante Pose zu schaffen. Also jede winzige Aktion wie eine Figur, die ihr Haar hält, ist mehr als genug, um zu gehen, um mit einer interessanten Komposition zu kommen. Der, auf dem ich gelandet bin, war dieses Thumbnail, also werde ich voran gehen und das in Photoshop bringen, um eine fertige Skizze zu erstellen. Ich mag diesen Teil des Prozesses wirklich, weil er mir erlaubt meine Optionen schnell zu erkunden, ohne sich in Details zu verfangen. In der Vergangenheit habe ich manchmal versucht, Posen zu skizzieren, die viel größer auf der Seite sind, und leider hat das mich auf Details konzentriert und es hat viel zu lange gedauert. Also mit diesen, manchmal je kleiner, desto besser. Ich finde und ich muss mich nicht zu sehr darum kümmern, die Dinge richtig zu machen, weil dies hauptsächlich dafür dient, den Kern dessen zu bekommen, wie die Zeichnung aussehen wird. Das Tolle daran, es zu Photoshop zu bringen, ist, dass ich zoomen und die Miniaturansicht als Unterzeichnung direkt für die endgültige Skizze verwenden kann. An dieser Stelle, sobald sie Thumbnail haben, mit dem ich mich ziemlich wohl fühle, werde ich ein schnelles Foto davon machen und das Bild direkt in Photoshop aufnehmen. Nun, da ich Ihnen meinen grundlegenden Prozess gezeigt habe, können Sie voran gehen und beginnen, einige eigene Thumbnails zu zeichnen und denken Sie daran, Spaß mit dem Charakter zu haben und zu bekommen, wie ihre Persönlichkeit ist und das als Sprungbrett für Ideen für Posen. Stellen Sie sicher, dass Sie sich nicht allzu in die kleinen Details verfangen , denn dies ist erst der Anfang. Der nächste Schritt besteht darin, das Miniaturbild in Photoshop zu nehmen und eine sauberere Skizze zu erstellen. 5. So skizzierst du in Photoshop: Der nächste Schritt in meinem Prozess besteht also darin, die Miniaturskizze in Photoshop zu bringen , um eine sauberere Version zu erstellen. Ich werde nur eine neue Akte starten, und wir gehen mit achteinhalb mal elf. Der Grund, warum ich es achteinhalb mal 11 mache, so dass es leicht auf einem normalen Drucker ausgedruckt werden kann , den Sie zu Hause haben könnten. Also müssen Sie für die Datei nur sicherstellen, dass es mindestens 300 dpi in Auflösungen ist, damit Sie sie in guter Qualität ausdrucken können. Also werde ich voran gehen und das Foto hineinziehen. Also, jetzt werde ich nur die Größe der Skizze ändern, damit es besser passt. An dieser Stelle müssen Sie nicht unbedingt die exakte Größe haben, Sie können sie jederzeit später anpassen. Also, jetzt werde ich die Deckkraft auf etwa 20 Prozent reduzieren, so dass Sie es immer noch leicht sehen können. Also habe ich gerade eine neue Ebene auf der Oberseite der Miniaturansicht erstellt, um eine sauberere Version zu machen. Mein Lieblingspinsel zum Skizzieren in Photoshop ist der grobe Basaltpinsel von Kyle's Megapack, und ich benutze ihn schon sehr lange. Ich glaube, ich passe es leicht an. Wenn Sie also zu den Pinseleinstellungen gehen, ich normalerweise sicher, dass die Übertragung aktiviert ist und die Baukapazität Jitter und ein Float-Jitter auf Stiftdruck eingestellt sind. In diesem Schritt werde ich mit einer Geste beginnen, eine grobe Geste, aber sehr leicht, damit ich die Figur mit einem höheren Maß an Präzision als das Thumbnail feststellen kann . So kann es auch alle anatomischen und Konsistenzen fixieren. Normalerweise werde ich in diesem Schritt viel präziser mit dem Winkel des Gesichts sein. Hier kann ich kleine Änderungen vornehmen, wenn sie auftauchen. Zum Beispiel hier hatte ich vor, die Hand so hochzuziehen, aber jetzt, wo ich es betrachte, denke ich, es würde besser aussehen, wenn ich es so zeichne. Ich werde grob planen, wohin einige Funktionen gehen, nur um sicherzustellen, dass die Platzierung korrekt ist. Also an diesem Punkt versuche ich immer noch nur, den Kern der Pose zu bekommen, aber diesmal mit mehr Präzision. Sobald ich die Pose noch im ersten Durchgang der endgültigen Skizze feststelle, werde ich normalerweise eine grobe Form für das Haar geben, damit ich herausfinden kann, wie viel Platz ich einnehmen wollte und was die Gesamtform sein wird. Jetzt, da ich einen ersten Durchgang grobe Umrisse der Pose des Charakters habe, denke ich, dass ich vielleicht ändern möchte, wie die Beine positioniert sind. Also werde ich einfach zurückgehen und das löschen und einige verschiedene Optionen ausprobieren. Dies ist eines der besten Dinge zum Skizzieren in Photoshop ist , dass es wirklich schnell ist, etwas loszuwerden und etwas Neues auszuprobieren. An dieser Stelle im Skizzierprozess muss ich das Thumbnail nicht mehr sehen, also werde ich das einfach loswerden. Jetzt, da ich mit dem groben Umriss fertig bin, habe ich die Platzierung aller Gliedmaßen und der Pose festgestellt. Damit ich ins Detail geraten kann. Nachdem Sie den ersten Durchgang der Skizze abgeschlossen haben, können Sie immer einen weiteren Layer hinzufügen, nur um diesen Layer beizubehalten, falls Sie zurückgehen und die Details wiederholen möchten. Manchmal werde ich das tun oder zu anderen Zeiten, wenn ich mich mehr sicher darüber, wohin die Konkurrenz geht, werde ich einfach mit den Details auf der gleichen Ebene fortfahren. Es ist auch eine gute Idee, auf einer anderen Ebene zu beginnen, wenn die Skizze zu chaotisch ist, als es viel einfacher ist, sie später zu bereinigen, wenn sie darunter ist. Aber da dies relativ sauber ist, werde ich nur voran gehen und in der gleichen Schicht zeichnen. In diesem Schritt werde ich mich mehr auf bestimmte Elemente konzentrieren, in denen ich mehr Details setzen und andere Dinge für den Farbprozess überlassen werde . Es ist also ein bisschen organischer und ich muss nicht zu viel Zeit mit der Skizze verbringen. Normalerweise beginne ich gerne mit dem Gesicht, weil es mir hilft, den Ton für den Rest der Illustration festzulegen und es ist auch der wichtigste Teil der Illustration. Wenn ich also das Gesicht skizziere, versuche ich normalerweise, es so finalisiert wie möglich zu bekommen, so dass, wenn ich mit Tinte fortgehe, nichts mehr zu lösen ist und ich es eins zu eins verfolgen kann , so dass der Gesichtsausdruck so nah an der Skizze wie möglich. Das Gesicht ist in der Regel der Mittelpunkt und es ist normalerweise das erste, was der Betrachter betrachten wird, wenn er die Illustration zum ersten Mal sieht. Es ist also wirklich wichtig, es richtig zu machen. Nachdem ich das Gesicht fertig gemacht habe, gehe ich normalerweise zu den Händen, weil sie das nächste Wichtigste sind. Der Grund, warum ich mich so sehr auf die Hand in der Skizze konzentrieren möchte, ist, weil es normalerweise ein ziemlich totes Werbegeschenk ist, weil es Mangel an anatomischem Wissen ist. Also überlasse ich das auch nicht gerne dem Zufall für die Tinte. So mag ich es so nah wie möglich an das Finale in der Skizze zu bekommen, dass ich es später nur vorsichtig mit Tinte wiederholen muss. Normalerweise, wenn ich das Gesicht und die Hände fertig fertigstelle, werde ich einfach wieder herauszoomen und das Gesamtbild ansehen und sicherstellen, dass es für mich richtig aussieht, und ich lege einige Grundformen für die Kleidung fest, wo immer sie fehlt. Wie Sie hier sehen können, habe ich bereits angegeben, wohin der Rock gehen wird, aber ich habe nicht wirklich etwas in den Rumpfbereichen gemacht. Also werde ich einfach reingehen und das tun. Normalerweise werde ich in dieser Phase nicht zu viel ins Detail gehen, ich werde nur feststellen, wo die Falten grob gehen. Einige der wichtigsten Dinge, um sicherzustellen, dass ich unten habe, sind die Formen. Ich werde mich darauf konzentrieren, wie die Kleidung fällt und welche Art von Form sie um die Gliedmaßen kreiert , nur um sicherzustellen, dass nichts seltsam aussieht, und es ist alles dynamisch und nichts wirklich kämpft zu viel. Ich mache normalerweise nicht ein Element nach dem anderen. Also reise ich um die gesamte Illustration und füge Linien hier und da hinzu, wie sie es für richtig halten. Also, jetzt werde ich zu den Haaren gehen und das ein bisschen mehr abschließen. Das Zeichnen der Haare ist in der Regel der Spaß an einer Illustration für mich. Ich genieße wirklich, wie viel Freiheit und erlaubt, und ich kümmere mich normalerweise nicht zu sehr darum, wie es in der Realität aussehen soll. Also werde ich es in Stränge und größere Formen aufteilen, so dass es besser überschaubar ist und es hilft, das Bild zu organisieren und es kohärenter aussehen zu lassen, und dann kann ich zurückgehen und kleine Strähnen hinzufügen, wo ich das Gefühl habe, dass es notwendig ist. Ich kann das auch beim Drucken tun. Also verbringe ich nicht zu viel Zeit damit, in die winzigen Details im Skizzierprozess zu gehen. Sobald ich also die meisten Charakterelemente so ziemlich ausgearbeitet habe, werde ich wieder hineinzoomen und entscheiden, wie viel Detail in den Hintergrund gestellt werden soll. Wie ich die Skizze erwähnte, mag ich die Idee, ein paar Pilze und Laub zu setzen. Also habe ich einige raue Bereiche angegeben, in denen ich das gerne gehen möchte und in etwa, welche Form ich es annehmen möchte. Also, basierend darauf, werde ich einfach zeichnen. Diese Arten von Dingen sind ziemlich schnell und einfach zu zeichnen, so dass ich es nicht jedes einzelne zeichnen muss. Dies sind die Art von Details, die ich wirklich gerne für Tinte verlassen , weil es spontaner auf diese Weise ist, und wird in der Regel am Ende aussehen interessanter. Also habe ich das Gefühl, dass das kein ziemlich guter Ort ist, aber ich arbeite noch ein bisschen länger daran, nur um die fehlenden Linien runter zu kommen und das ein wenig zu straffen bevor ich zum letzten Schritt der Skizze übergehen kann. Also an dieser Stelle ist die Skizze mehr oder weniger gut zu gehen und ich wurde ein wenig mitreißen, um Details hinzuzufügen. Das ist also etwas detaillierter, als ich normalerweise gehen würde, aber ich bemerkte, dass es ein wenig schwer ist zu sagen was um das Gesicht und die Haare vor sich geht. Also habe ich beschlossen, einen flachen Ton auf das Haar hinzuzufügen, nur um es leicht zu machen , durch das Papier zu sehen, sobald ich die Skizze mit der Lichtbox übertragen. Das ist also ein wirklich schnelles und einfaches Zeug. Normalerweise gehe ich in die Bürsten und wähle etwas Regelmäßiges aus. Also von allgemeinen Bürsten, werde ich mit harten Rundbürsten gehen und sicherstellen, dass der Fluss 100 Prozent ist. Ich gehe einfach und überprüfe die Einstellungen und stelle sicher, dass die Übertragung nicht aktiviert ist. Es ist also eine feste Bürste. Ohne sich zu sehr darum zu kümmern, innerhalb der Linien zu bleiben, werde ich einfach Buchstaben grau wählen, eine Mitte zwei Buchstaben Töne. Aber wenn es ausdruckt, ist es nicht zu dunkel, so dass ich immer noch die Linien durch sie sehen kann. Ich setze den Ton auf eine separate Ebene, normalerweise unter der Skizze, oder wenn Sie den Ton darauf setzen, stellen Sie sicher, dass er multipliziert ist. Da es so viele Linien in der Skizze gibt, ist es ein bisschen schwer zu sagen, wo die Haare enden und das Kleid beginnt. So macht es einfach einfacher und schneller zu Tinten, wenn es einen flachen Ton gibt. also in diesem Schritt, Versuchen Siealso in diesem Schritt,sich darauf zu konzentrieren, Ihre eigenen Fähigkeiten wirklich zu erreichen und zu sehen, wie viel Detail Sie hineingehen möchten. Je detaillierter die Skizze und je vollständiger sie ist, desto einfacher wird es zwei Tinten sein. Für mich, in der Regel mag ich mich auf das Gesicht und die Hände konzentrieren , nur um sicherzustellen, dass diese Dinge wirklich abgeschlossen sind, und vielleicht ein wenig lockerer mit den Haaren oder der Kleidung, nur weil ich es so oft gemacht habe und ich mag fügen Sie ein wenig Experimentieren in. Aber geben Sie einfach Ihren Komfort an und stellen Sie sicher, dass Sie sich wirklich gut über die Skizze fühlen, bevor Sie mit der Tinte fortfahren. An dieser Stelle fühle ich mich ziemlich wohl mit der Skizze. Also werde ich es einfach ausdrucken, damit ich es mit meiner Lichtbox verwenden kann. 6. Deine Skizze nachzeichnen: Also, in diesem Schritt sind wir bereit, die Skizze auf das Aquarellpapier zu übertragen. Also habe ich die ausgedruckte Skizze hier und ein Stück Aquarellpapier, das etwas größer ist als das Druckerpapier, so dass es leicht zu befestigen ist. Um es auf das Aquarellpapier zu kleben, werde ich nur Washi-Tape verwenden. Es haftet nicht allzu sehr an der Zeitung. So dass, wenn ich es später abziehe, es nicht reißt. Jetzt sind wir bereit, die Skizze zu übertragen, und sehen, wie das Hinzufügen des flachen Tons wirklich hilft, sehen, wo die Haare enden werden. So können Sie sich schon vorstellen, dass die Zeichnung aussehen wird. Ich mache diesen Prozess seit einiger Zeit und zuerst ging ich einfach direkt in Tinten, ohne zuerst die Skizze mit einem Farbstift neu zu erstellen, aber nachdem ich es ein paar Mal ausprobiert habe, fand ich, dass es tatsächlich eine Menge einfacher, einige Zeit mit der Verfolgung der Skizze zu verbringen, so dass ich nicht haben, um die Licht-Box auf die ganze Zeit zu halten, denn da das Licht kommt durch, vor allem, wenn ich will, um eine große Fläche von gewaschen Tinte füllen, so dass, wenn ich flachen Ton, manchmal ist es schwierig zu bestimmen, wie es aussehen wird weil es heller erscheint, wenn die Leuchtbox eingeschaltet ist. So ist es einfacher, die Skizze einfach zu übertragen, so kann ich sie einfach ausschalten und Tinte, ohne dass das Licht durch das Papier scheint. Ich mag es, die Skizze mit einem roten Bleistift speziell einem Prismakolor zu verfolgen, so kann ich es leicht löschen, nur für den Fall, dass ich einen Fehler mache. Es schmilzt ziemlich leicht in die Tinte, wenn wir anfangen, über sie zu gehen, so dass ich nicht wirklich zurück und löschen muss danach, wenn ich fertig bin. Ich mag, ich habe eine Reihe von Farben zur Verfügung, also wähle ich normalerweise eine Farbe, die den Rest der Farbpalette ergänzen wird , die ich verwenden möchte. Normalerweise drucke ich zwei Kopien der Skizze aus. Also eine, die ich verwendet habe, um in der Rückseite des Blattes zu kleben, aber die andere, ich werde direkt neben mir halten, damit ich es als Referenz betrachten kann, denn manchmal, wenn die Papiere kleben, können Sie die kleinen Details nicht wirklich sehen. In dieser speziellen Abbildung ist das Gesicht ziemlich klein im Verhältnis zum Rest des Papiers, so dass ich es nicht wirklich gut mit der Lichtbox sehen kann. Also möchte ich den zweiten Ausdruck hierals Referenz behalten den zweiten Ausdruck hier , nur damit ich einen kurzen Blick werfen und ihn an Ort und Stelle replizieren kann. Während ich noch an der Skizze in Photoshop arbeitete entschied ich mich, ein paar Äste in ihr Haar zu legen. Das Zeug, das ich nur ein bisschen mehr Details in die steckt. Etwas, auf das ich hinweisen möchte, ist Suche nach Mustern, die Sie automatisch aussehen. Zum Beispiel, für mich eine Art Zone aus und manchmal neige ich dazu, Dinge in gleichen Entfernungen voneinander zu platzieren. Also, wenn Sie hier schauen, gibt es einen Zweig genau dort und hier und da und es sieht so aus, als wäre der Abstand zwischen ihnen gleich, der irgendwie seltsam aussieht, und es sieht ein bisschen zu ordentlich aus. Also, hier werde ich nur diesen Zweig weglassen, damit er überhaupt nicht da ist und auf diese Weise ein wenig organischer aussehen wird. So ähnlich, wie in Photoshop, werde ich die Details weglassen, um sie anzuwenden, um mit der Tinte anzuziehen. So Verzögerungen. Wieder, ich verfolge nur den grundlegenden Umriss, den ich hier nicht in die winzigen Details einkomme. Obwohl ich für diese Skizze ein wenig sauberer sein möchte als der Photoshop. Es ist wichtig, mich daran zu erinnern, dass ich möchte die Skizze ziemlich leicht ist, damit sie leicht in die Tinte schmilzt. Jetzt sind wir bereit, mit der Tinte zu beginnen. 7. So kolorierst du deine Figur: Das erste, was ich beginne, ist das Mischen der richtigen Farbe. Manchmal dauert es ein wenig Zeit, um das zu tun , aber ich stelle gerne sicher, dass ich es richtig mache. Ich habe immer ein kleines Stück Papier dabei. Das ist normalerweise das gleiche Papier, auf dem ich die Illustration mache, nur damit ich sehen kann wie die Tinte damit interagiert und um sicherzustellen, dass ich den richtigen Ton habe. Normalerweise füge ich gerne ein wenig farbige Tinte in die schwarze Tinte hinzu, nur um einen Farbton hinzuzufügen , so dass es näher an dem Farbschema ist, mit dem ich die Illustration erstellen möchte. Für diese Illustration werde ich eine warme braune Farbe mischen. Ich dachte an eine düstere Stimmung für einen nebligen Wald Art von Einstellung. Ich werde es sehr minimal halten, mit Farben, die meistens an einem Paar haften, und ich werde sehen, vielleicht kann ich eine zusätzliche Farbe einführen , aber ich mag es, Farbschemata sehr einfach zu halten, weil ich noch nicht genau das perfekte Verhältnis gefunden habe, aber es ist immer gut, nur zu experimentieren. Also, jetzt, da ich etwas braun und rot oder wie eine rosa Farbe hinzugefügt habe, werde ich es testen. Ich mache einen helleren Ton, damit die Linien nicht zu schwer sind. Ich benutze es auch, um zu schattieren. Normalerweise mag ich den dunklen, den dunkelsten und einen helleren Ton vormischen und habe diese bereit zu gehen. Da ich Tinte bin, wenn es notwendig ist, eine Art Mittelton zu haben , werde ich es einfach an Ort und Stelle mischen und dann immer darauf achten, es zu testen, bevor ich es auf der Illustration verwende. Der Freihandschritt ist also wahrscheinlich der schwierigste Schritt bisher da Fehler viel häufiger auftreten und Sie nicht wirklich zurückkehren können, um ihn zu beheben oder zu löschen. Aber es macht es auch viel mehr Spaß, weil manchmal man spontan einen kleinen Fehler macht und sie am Ende zu dem Stück hinzufügen und es ist auch eine wirklich gute Lernerfahrung, weil lernen, wie man etwas repariert , das relativ permanent auf der Seite ist eine wirklich gute Fähigkeit zu haben. Also an dieser Stelle möchte ich einige Zeilen hinzufügen. Normalerweise beginne ich mit dem Gesicht, weil es der wichtigste Teil der Illustration ist, weil es fast immer das erste ist, was der Betrachter betrachten wird. Für mich persönlich konzentriere ich mich sehr gerne auf Mimik. Also stelle ich gerne sicher, dass wir es zuerst richtig machen und nur für den Fall, dass ich einen Fehler mache, den ich nicht beheben kann. Manchmal passiert das, dass ich einfach von vorne anfangen muss und deshalb ist es am besten, einfach mit dem wichtigsten Teil in der Mischung zu beginnen , um es richtig zu machen, weil alles andere Fehler gleiten lassen kann , wenn sie später in der Prozess, aber auf jeden Fall nicht im Gesicht. Jetzt werde ich in den Hintergrund gehen und einen Ton nass auf nass hinzufügen, um eine schöne stimmungsvolle Atmosphäre zu schaffen und den Ton so einzustellen , dass ich das Haar und das Kleid dagegen kontrastieren kann. Also das erste, was ich tun werde, ist, das Papier einfach zu benetzen und dann muss ich nur sicherstellen, dass es schnell zu tun, damit ich schnell wieder reingehen kann. Ich werde einfach weitermachen und nach mehr Wasser suchen, wo immer es anfängt zu trocknen. Ich mache dies meistens, um einen Ausbleichungseffekt zu erzeugen. Also muss ich das Papier nicht überall nass machen, wo ich es tun will, wo ich den Tintencode verblassen will. Also, jetzt werde ich ein wenig mehr Details näher an den Brennpunkt, der das Gesicht ist, hinzufügen. Der Grund, warum ich diese Details dem Farbschritt überlasse , weil ich das Gefühl habe, dass es überflüssig ist, sie immer und immer wieder zu tun , weil es wirklich einfach ist, es Open Spot zu machen, der auch ein organisches Element hinzufügt. Ich weiß nie genau, mit welcher Art von Muster ich gehen werde. Es macht also ziemlich lustig, es dem Zufall überlassen zu können. Aber wieder ist es auch, weil ich das schon so oft gemacht habe. Also sollten Sie auf jeden Fall zeigen, was Sie sich wohl und wenn Sie mehr Details in den Skizzierprozess einbeziehen möchten , was immer hilft, wenn Sie das Gefühl haben, dass es schwer ist, eine Entscheidung zu treffen. Also in diesem Stadium im Farbprozess habe ich ziemlich viel die meisten wichtigen Sachen um das Gesicht gelegt und ich werde versuchen, weniger Details in der Umgebung wie im Hintergrund und so, dass es nimmt nicht aus dem Brennpunkt des Bildes weg. Es in der Regel, wenn das Detail zu gleichmäßig verteilt ist erzeugt es ein wenig Verwirrung und für mich persönlich ist es ein ziemlich großer Punkt, an dem ich versuche zu verbessern, weil ich immer dazu neige, in den Details verloren zu gehen und ich gleichmäßig verteilt sie im gesamten Bild. Ich versuche, wirklich hart daran zu arbeiten. Also denke ich, an dieser Stelle bin ich ziemlich fertig mit der Farbphase. Ich bin ziemlich glücklich damit, wie es sich herausstellte. Wie Sie sich erinnern, ging es nicht wirklich in die Beleuchtung oder so in der Skizze. Also überlasse ich es gerne dem Zufall. Also entschied ich mich vor Ort, ich wollte nichts zu Realistisches machen. Ich wollte nur vor allem auf das Gesicht konzentrieren und schaffen eine unheimliche Atmosphäre und ein bisschen ein gespenstisches Gefühl. Also, jetzt bin ich bereit, etwas Farbe hinzuzufügen. 8. So fügst du Aquarellfarbe hinzu: Während ich dieses Stück malte, entschied ich mich, ein analoges Farbschema zu verwenden, was bedeutet, dass ich Farben verwenden werde , die nebeneinander auf dem Farbrad sind. Da ich einen warmen Braunton zum Tinten verwendet habe, werde ich nur Orange verwenden, wie ein orangees oder bräunliches bis rotes Farbschema. Wenn Sie jemand wie ich sind, der durch komplizierte Farbschemata ziemlich eingeschüchtert ist, ist analog eine wirklich gute Wahl weil es fast garantiert gut aussieht, egal was passiert. Weil die Farben so nah beieinander sind. Sie ergänzen sich sehr schön. Wie bei der Tinte werde ich anfangen, indem ich einfach etwas Farbe auf die Palette setze und sicherstelle, dass ich sie zuerst teste, bevor ich sie zur Illustration hinzufüge. Also denke ich daran, wärmere orange oder bräunliche Farbtöne im Hintergrund hier zu verwenden und diese so zu lassen, wie es ist, und dann füge ich vielleicht ein wenig Rot im Gesicht hinzu, um zusätzlichen Kontrast zu erzeugen. Dann verwenden Sie vielleicht ein wenig helleres Braun um die Zweige, die in den Haaren sind hervorzuheben. Dann werde ich vielleicht einen Bass-Ton auf das Kleid legen , aber wir werden sehen, wie es mit allen anderen Elementen zuerst aussieht. Ich mag es, vor Ort viele Entscheidungen zu treffen. Weil es mir hilft, zu lernen und zu experimentieren. Diese besondere Farbe ist sehr konzentriert. Also füge ich gerne viel Wasser hinzu. Also hier benutze ich wieder die Nass-on-Nass-Technik; wie bei der Tinte aber diesmal Aquarell. Ich möchte einen weichen Farbverlauf an den Rändern schaffen, wie hier, um einen interessanten Effekt zu erzielen und auch die neblige Atmosphäre zu behalten. Obwohl das an dieser Stelle ziemlich hell ist, ändert sich die Stimmung vielleicht ein wenig, aber ich mag Worte weg. Es ist irgendwie ein spontaner Prozess. Jetzt mische ich nur eine etwas hellere Version dieser Farbe. Ich bin nur Färbung in den Zweigen , so dass sie nicht als Teil der Haare so viel wie jetzt zu lesen, und es schafft auch kleine Pops der Farbe in der ganzen Figur, weil Moment sieht sie sehr graue Skala im Vergleich zum Hintergrund. Also möchte ich sie einfach in den Rest des Bildes integrieren , ohne zu viel Farbe zu setzen. Ich glaube, ich füge ein bisschen Rot hinzu. Jetzt werde ich etwas Recht auf das Gesicht hinzufügen, um den Kontrast zu verstärken und mehr Aufmerksamkeit auf den Brennpunkt zu lenken. Also habe ich das Gefühl, jetzt ist die Illustration an einem ziemlich guten Ort und ich bin bereit, weiterzumachen und ein paar letzten Schliff hinzuzufügen. Normalerweise neige ich dazu, nicht zu überarbeiten, weil ich manchmal die Zeichnung ruinieren kann , indem ich zu viel Farbe hinzufüge oder einfach zu viel Zeit auf dem Schritt verbringe. Der nächste Schritt besteht darin, einige letzten Schliff mit verschiedenen Mischmedien hinzuzufügen. Ich benutze Gouache gerne, um ein paar weiße Highlights hinzuzufügen und vielleicht einen Farbstift, um das Bild zusammenzubinden. 9. Letzte Schliffe: Jetzt werde ich dem Stück noch einen letzten Schliff verleihen. Zuerst werde ich weiße Gouache verwenden, um vielleicht einige Highlights hinzuzufügen und einige Teile zu reparieren. Oh, ich habe kleine Fehler gemacht. Also füge ich hier und da ein paar Highlights hinzu. Normalerweise benutze ich weiße Gouache, um einige der Bereiche zu reparieren, die ich mit Farbe bedeckt habe, nur um mehr Präzision hinzuzufügen und das Auge zurück zum Brennpunkt zu ziehen. Ich benutze gerne Gouache, weil es undurchsichtig ist, aber ich kann es auch mit Wasser mischen, wenn ich möchte, dass es etwas Transparenz hat. Nun, ich weiß, dass es ziemlich üblich ist, einen weißen Gelstift für diese Art von weichen zu verwenden, aber ich finde, eine Gouache gibt mir nur mehr Präzision und eine breitere Palette von Linienqualität. Ich bin hier für Schultermischungen in den Hintergrund ein wenig. Also werde ich nur eine Flecklinie hinzufügen, um eine Kante zu erstellen. Ich werde jetzt auch ein wenig Details zum Hintergrund hinzufügen , nur um zu sehen, was passiert. Nun, ich gehe einfach mit einem breiteren Pinsel rein und sehe nach , ob ich diesen dunklen Fleck hier etwas reduzieren kann. Ich mag, wie das Mischen des Weiß und schafft ein wenig einen kühlen Ton. Es ist also ein schöner Kontrast zum Rest der mehr, gibt ihm ein nebligteres Gefühl, wie ich es ursprünglich wollte. Also werde ich nur einige der Haarsträhnen niederschlagen oder zurückschlagen , um ein wenig mehr Tiefe zu schaffen. Nun, ich werde nur noch ein paar letzte Berührung mit einem roten Bleistift hinzufügen. Ich benutze denselben Bleistift, den ich benutze, um die Skizze zu übertragen. Was ich jetzt mache, ist vor allem das Hinzufügen von Zutaten um den Brennpunkt, der das Gesicht ist, weiter zu stärken. Ich denke, das ist ein guter Zeitpunkt, um es als beendet zu bezeichnen. Es ist schwer zu sagen, wie genau ich entscheide, wann es fertig ist, aber ich habe das Gefühl, wenn ich ein neues Detail fühle, dann wird es sich überarbeitet fühlen. Ich wollte nur ein paar Teile frei lassen. Ich denke, es schafft eine interessantere Art von Atmosphäre. In diesem Schritt habe ich Gouache verwendet, um einige zusätzliche Details hinzuzufügen und nur um kleine Fehler zu beheben, die ich auf dem Weg gemacht habe, sowie zusätzliche Aufmerksamkeit auf den Brennpunkt zu lenken, und dann benutzten sie einen roten Bleistift, nur um die ganze Bild zusammen und fügen Sie einige subtile Farbverläufe hier und da. Jetzt können Sie voran gehen und dasselbe mit Ihrer Charakterillustration tun. 10. Abschluss: Jetzt haben Sie den gesamten Prozess gesehen mit der Miniaturskizze beginnt und mit der endgültigen Illustration endet, und jetzt können Sie endlich die Zufriedenheit haben ein fertiges Kunstwerk in Ihren Händen zu halten. Obwohl ich diesen Prozess viele, viele Male in der Vergangenheit gemacht habe , finde ich, dass die meiste Zeit das fertige Kunstwerk sehr anders aussieht als das, was ich ursprünglich beabsichtigte, was völlig in Ordnung ist, weil ich dazu neige eine Menge Entscheidungen vor Ort und ich nur rollen mit dem, was auch immer passiert. Es schafft also ein zusätzliches Maß an Aufregung über das Zeichnen im Allgemeinen, und ich bin wirklich glücklich damit, wie sich das herausstellte. Nachdem ich das Kunstwerk fertig gestellt habe, scannt ich es gerne ein und bringe es zurück in Photoshop , damit ich die Farben bei Bedarf weiter anpassen kann, und vielleicht einige kleine Details durch Zoomen korrigieren kann. Wenn Sie also weiterhin hoffnungsvoll diesen Prozess nutzen, hoffe ich, dass Sie jedes Mal etwas Neues lernen. Ich würde Ihnen wirklich raten, sich nicht zu sehr darauf zu konzentrieren , etwas Perfektes zu machen, weil auch dieses Stück, obwohl ich wirklich glücklich damit bin. Es gibt immer noch eine Menge Dinge, die ich in Zukunft mitnehmen kann und ich würde definitiv einige Dinge anders machen. Jede Illustration ist also eine Lernerfahrung. Also, wenn du mit meiner Klasse gefolgt bist, hoffe ich wirklich, dass du etwas Neues gelernt hast und ich würde absolut gerne sehen, was du ausgedacht hast. Laden Sie also bitte Ihre Kreationen in die Projektgalerie hoch. Vielen Dank, dass Sie meine Klasse absolviert haben und ich kann es kaum erwarten, zu sehen, was Sie kreieren. 11. Entdecke noch mehr Kurse auf Skillshare: