Einführung in das Animation-Filmmaking

1. Einführung: Hallo. Mein Name ist Eve Leonard, und willkommen zur Einführung in das Animationsfilmmachen. Ich unterrichte seit 20 Jahren Animation und Filmproduktion. Ich bin momentan am Pratt Institute in Brooklyn, New York, unterrichte in der Abteilung Digital Arts. Ich habe diesen Kurs für Skillshare entworfen, weil ich etwas frustriert über die Verfügbarkeit von Tutorials auf mittlerer Ebene war . Die meisten Animations-Tutorials, auf die ich gestoßen bin, sind meist entweder technisch, oder sie zeigen sehr grundlegende Methoden der Animationsproduktion. Dieser Kurs ist so konzipiert, dass jeder Animator mit sehr anfänger- oder rudimentären Fähigkeiten und ermöglicht es, diese Projekte zu Kurzfilmen zu entwickeln. Wenn Sie noch nie einen Kurzfilm gedreht haben, aber Sie daran interessiert sind, Ihre Fähigkeiten auf die nächste Stufe zu bringen, ist dies absolut der richtige Kurs für Sie. Ich möchte auch darauf hinweisen, dass dieser Kurs nicht softwarespezifisch ist. Ich nutze die Adobe Creative Cloud als Teil meiner technischen Demonstrationen. Die Konzepte, die wir diskutieren, können jedoch auf jede Software angewendet werden , die digitale Bildkomposition und jede digitale Manipulation durchführt. Diese Klasse deckt einen umfassenden Workflow für die Animationsproduktion ab, sodass Sie diese Schritte für größere Projekte neu verwenden können. Hier sind einige Beispiele für kommerzielle Kurzfilme, so dass Sie ihre praktische Anwendung außerhalb eines persönlichen Portfolios verstehen können. Ich hoffe, diese Beispiele haben Sie dazu inspiriert, Ihr eigenes Projekt zu erstellen. Vielen Dank für das Zuschauen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 2. Animation: - Hallo. Willkommen zurück zu Animationsfilmen. Dies ist Lektion 2, Animationsfilmemachungstechniken. Bevor wir anfangen, würde ich gerne definieren, wovon wir reden, damit wir auf derselben Seite waren. Jetzt definiere ich Animationsfilmtechniken wie die Verwendung von Postproduktionswerkzeugen und Bildmanipulation, um einen Kurzfilm zu machen. Kurze Kamera Notiz, bevor wir vorwärts gehen, Ich habe dieses erstaunliche Skript, das ich für euch geschrieben habe, aber leider ist es etwas außerhalb des Bildschirms. Jedes Mal, wenn meine Augen beginnen, ist es nicht so , dass ich Sie ignoriere, dass ich mein Skript lesen muss, um Ihnen den besten Weg zu vermitteln. Wenn wir über Film reden, beziehen wir uns in der Regel auf Live-Actionfilm. Animation ist nur eine Technik, die für das Storytelling genauso wie Podcasts oder Theater verwendet wird. Doch wenn wir über Animationsfilme und Popkultur sprechen, beziehen wir uns normalerweise auf etwas, das familienfreundlich ist, und im Action-Abenteuer-Genre. Der Grund dafür liegt darin, dass Animationsfilme extrem teuer und zeitaufwändig sind . Die durchschnittliche Zeit, die für einen Live-Actionfilm benötigt wird, beträgt etwa 18 Monate, verglichen mit einem Animationsfilm, der etwa fünf Jahre dauert, vom Drehbuch bis zur Leinwand. Aufgrund der Zeit, die es braucht, um einen Animationsfilm zu machen, müssen Studios all diese Ausgaben zurückgewinnen, so dass Sie im familienfreundlichen Action-Adventure-Genre das größtmögliche Publikum bekommen können. Ja, ich weiß, was du sagen wirst. Was ist, wenn Ihr Name, das japanische Animationsdrama, Science-Fiction-Feature, weltweit 400 Millionen Dollar beläuft? Was ist mit Loving Vincent, dem handgemalten Film über die letzten Tage im Leben von Vincent van Gogh , der 2018 für einen Academy Award nominiert wurde ? Also, was bringt dich nach Auvers? Oder was ist mit, I Lost My Body , der gerade in diesem Jahr für Best Animated Feature nominiert wurde? Wenn Sie keinen dieser Filme kennen, tun Sie sich bitte einen Gefallen und schauen Sie sie nach, sie sind absolut erstaunlich. Aber das sind Ausnahmen. Sie sind nicht die Regel. Shorts hingegen sind eine ausgezeichnete Möglichkeit, mit Storytelling zu experimentieren und verlangen nicht die gleiche Zeit und Aufmerksamkeit, die ein größerer Spielfilm braucht. Das Internet ist mit einer Vielzahl von Genres und Techniken explodiert , um diese Filme einem neuen Publikum zugänglich zu machen. Hier sind einige Beispiele aus dem National Film Board of Canada. Wie ich, ist Ryan ein Filmemacher [unhörbar] Ryan ein animierter Dokumentarfilm über den berühmten NFB-Animator Ryan Larkin und seinen täglichen Kampf mit Alkoholsucht. Er ist der Schöpfer mehrerer Kurzfilme, von denen zwei seinen Platz in der Geschichte des Animationsfilms gesichert haben. Willst du, dass ich gestehe? Freaks of Nurture ist ein Familiendrama über eine junge professionelle Künstlerin, die ihr Leben mit ihrer Mutter vergleicht, die Mutterschaftsfähigkeiten zu einer Karriere gemacht hat. - Hallo. He, Mama. Es ist ein Notfall. Ich flippe aus. Mein Deadline ist morgen, und ich schaffe es nicht. Blinkity Blank ist ein experimenteller Film, der unkonventionelle Techniken mit Klängen und Formen verwendet , um Bewegung zu veranschaulichen. Unsere Klasse wird Ihnen zeigen, wie man Filme in drei verschiedenen Bereichen macht. Herstellungstechniken. Wie Sie Assets wiederverwenden, anstatt von Grund auf neu zu beginnen. Dies erweist sich als hilfreich bei der Erstellung Ihres Portfolios oder beim Start Ihres eigenen Kurzfilms. Einführung in die Kinematographie. So verwenden Sie die virtuelle Kamera als kreatives Werkzeug. Beginnende Animatoren warten zu lange, um die Kamera zu betrachten. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie die Kamera effektiv und zielstrebig nutzen können. Produktions-Design. Verwenden von Beleuchtungs- und Compositing-Werkzeugen, um eine Bühne für eine Szene zu erstellen. Ein animiertes Asset kann so klein oder so groß sein, wie Sie möchten. Wir besprechen das Produktionsdesign als eine Möglichkeit, Ihre Storytelling Fähigkeiten zu verbessern. Um zu beginnen, werden Sie mit der Erforschung Ihrer Interessen beginnen und Ihre Arbeit sammeln. Hier ist eine zweiteilige Zuweisung, die Ihnen den Einstieg in dieses Projekt ermöglicht. Forschung. Schauen Sie sich im Web nach allem, was Sie inspiriert. Ich habe ein paar Seiten aufgenommen, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. Finden Sie etwa sechs verschiedene Werke der Animation. Sie können Loops auf Instagram, TV-Shows, Videospiele, alles sein, solange es animiert ist. Sobald Sie Ihre sechs finden, identifizieren Sie, wer der Künstler, Künstler oder das Atelier ist. Was ist die Animationsmethode? 2D, 3D, Stop-Bewegung, Pixelation. Was ist das Genre? Ist es Komödie, Drama, Horror, Western, Slapstick, etc.? Beginnen Sie, Gemeinsamkeiten zu identifizieren und schreiben Sie eine kurze Aussage über Ihr Interesse. Zweitens: Sammeln Sie Ihre Animationen. Sie werden sie für dieses Projekt benötigen. Sie können kurze Tests sein, etwas, das Sie zum Spaß gemacht haben, ein Tutorial, was auch immer, es muss diese Kriterien erfüllen. Animation sollte mindestens fünf Sekunden lang sein, jede Methode ist in Ordnung, Stop-Bewegung, Pixelation, 2D, 3D, etc., kein Hintergrund. Die Animation sollte keinen Hintergrund haben, oder Sie müssen die Möglichkeit haben, den Hintergrund zu entfernen. In der nächsten Lektion besprechen wir, wie Sie diese Animation bereinigen können, damit Sie sie für Ihren Kurzfilm verwenden können. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit, und wir sehen uns nächstes Mal. 3. Aufräumen: Willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmmachen. Hier ist Lektion 3, aufzuräumen. Bereinigen bezieht sich nun auf den Prozess der Überprüfung Ihres animierten Assets, um zu sehen, ob es Fehler oder Bereiche gibt, die Sie verbessern können. Das animierte Asset bezieht sich auf das animierte Element in der Szene. Der erste Schritt ist die Auswahl. Für dieses Projekt können Sie eine beliebige Animation auswählen, die Sie abzüglich des Hintergrunds haben. Das Asset kann so einfach sein wie ein hüpfender Ball oder etwas so komplexes wie Lip-Sync-Animation. Das Asset kann sich auch in jedem Medium befinden, das Sie wählen. Wenn Sie Ihr Animations-Asset auswählen, müssen Sie den Hintergrund entfernen. Entweder wurde die Animation ohne Hintergrund erstellt, oder Sie können zu den Projektdateien zurückkehren und den Hintergrund entfernen. Hier sind zwei Beispiele. In diesem ersten Beispiel habe ich eine 2D-Animation, die vier Frames lang ist, in Adobe Photoshop mit der Timeline-Funktion ausgeführt wird. Die Frames wurden zeitlich eingestellt, so dass der Charakter etwas anstarrt, bevor sie schreien. Diese Animation wurde erstellt, damit der Hintergrund entfernt werden kann. Das zweite Beispiel ist ein 44 Frame Stop-Motion-Animationstest, den ich getan habe. Es ist oben auf einem grünen Bildschirmhintergrund. Ich werde den Hintergrund später in diesem Video entfernen. Ich habe beide Vermögenswerte ausgewählt, um in der gleichen Szene zu sein. Bevor wir anfangen, möchte ich einige schlechte Gewohnheiten ansprechen, die Künstler erleben, wenn sie zum ersten Mal anfangen. Künstler neigen dazu, an ihrem Kunstwerk festzuhalten, weil es stundenlange harte Arbeit darstellt, vor allem in der Animation. Auch wenn ein Projekt viele Fehler zeigt. Das ist ein Problem, wenn ein Künstler von der Schule in das berufliche Umfeld übergeht. Teil des Produktionsprozesses ist es, Feedback von Ihren Vorgesetzten und Kollegen zu erhalten. Wenn Sie nicht bereit sind, ein Projekt basierend auf diesem Feedback zu ändern, werden Ihre Fähigkeiten als Künstler behindern. Es ist wichtig, an Ihre Fähigkeiten zu denken, wie ein Athlet an seinen Körper denkt. Ihr müsst euer Handwerk üben, um euch zu verbessern. Mit jeder Stunde des Trainings werden Sie mit Ihrer Zeit effizienter. Daher haben Sie mehr Zeit, um wichtige Probleme zu beheben. Für jede Meistermalerei, Skulptur, Film , etc. gibt es Tausende von Fehlern und Fehlern. Geben Sie sich die Erlaubnis zu scheitern, damit Sie sich verbessern können. Ein Teil meiner beruflichen Praxis ist es, grundlegende Tutorials zu überarbeiten um ein Fertigkeitsset zu üben, das ich seit einiger Zeit nicht verwendet habe. Dies hilft mir, mein Timing zu verbessern und es macht mich effizienter in der Produktion. Ich ermutige Sie, das Gleiche zu tun. Wo fängst du an? Nun, fangen Sie an, Projekte zu identifizieren, die Ihnen Freude bereiten. Sie sind vielleicht nicht perfekt, aber es gibt mindestens ein oder zwei Aspekte Ihrer Fähigkeiten, die wirklich durchscheinen. Fangen Sie an, sie in Skill-Sets zu kategorisieren. Welche Projekte zeigen Ihre Automatisierungsfähigkeiten, welche Projekte zeigen Ihre Konstruktionsfähigkeiten. Nachdem Sie die Bibliothek organisiert haben, können Sie mit der Auswahl von Projekten beginnen, an denen Sie weiter arbeiten möchten. Es kann ein Projekt sein, das Sie länger machen möchten oder ein Projekt, das Sie nur verbessern möchten. Ich habe die Stop-Motion-Hand gewählt, weil ich das Timing des Uhrwerks und das Design der Hand mag. Ich habe mich entschieden, es mit den Screen-Tests zu koppeln, weil ich das Gefühl habe, dass sie zusammenpassen können. Das Gesicht kann auf die Hand reagieren, während es sich bewegt. Ich möchte mich herausfordern, um das Timing des Bildschirms und das Timing der Hand anzupassen. Diese beiden Stücke passen auch zu der Ästhetik, die ich erforschen möchte, und mischen eine Vielzahl von Medien, so dass sie fühlen, als wären sie Teil der gleichen Welt. Preiswerte Technologie hat diesen Ansatz mit einer Vielzahl von Machern möglich gemacht. Einige Beispiele für diese Technik können in Cartoon-Netzwerke gefunden werden, Amazing World of Gumballs, die 2D mischt, 3D, Puppenspiel und Fotografie. Blink Industrien, Don't Hug Me, Ich habe Angst, Das macht oft diese Live-Action-Puppenspiel mit 2D-und 3D-Animation. Nun, der zweite Schritt ist die Evaluierung. Scrubbing ist der Prozess, bei dem Sie Ihren animierten Clip mit jeder Geschwindigkeit durchlaufen können , um Probleme zu erkennen. Wenn Sie durch den ausgewählten Klick schrubben, betrachten Sie die Kritik in zwei verschiedenen Bereichen, Qualität und Timing. Qualität bezieht sich auf den Standard des Rahmens. Timing bevorzugt, wie lange der Rahmen auf dem Bildschirm bleibt. Jetzt kann ich das auf zwei verschiedene Arten beheben. Ich kann die aktuellen Frames länger machen, oder ich kann ein paar zusätzliche Frames hinzufügen. Da diese Animation kürzer ist als die Stop-Bewegung, werde ich das Timing anpassen, sodass beide Clips die gleiche Laufzeit haben. Ich möchte auch einige schlampige unvollständige Probleme ansprechen, wie hier im Haaransatz und in diesem Rahmen hier drüben, ich habe eine kleine Farbe außerhalb der Ränder und ich habe auch eine gerade Linie hier drüben. Was die Hand angeht, fühle ich mich wie das Timing für die Animation ist ziemlich konsistent und es bewegt sich mit einer Geschwindigkeit, die ich mag. Aber ich muss noch ein bisschen mehr arbeiten, um diesen Hintergrund zu bereinigen. Ich werde das in einem anderen Video ansprechen. Für die 3D-Animatoren da draußen können alle Probleme, auf die Sie stoßen, leicht gelöst werden, indem Sie sich das technische Handbuch der Software ansehen oder Fragen zu Community-Threads stellen. Etwa 90 Prozent der Probleme, die ich mit einer 3D-Animation hatte , wurden auf diese Weise gelöst. Beim Schrubben rate ich, dass Sie zuerst alle Probleme aufschreiben , die Sie mit der Animation finden, bevor Sie mit der Lösung beginnen. meiner Erfahrung habe ich festgestellt, dass, wenn ich ein Problem löse, es einen Welligkeitseffekt haben und noch mehr Probleme lösen kann. Oder während ich ein Problem behebung, kann ich zusätzliche Probleme verursachen. Es ist wichtig, zuerst alles aufzuschreiben, damit du deinen Fortschritt im Auge behalten kannst. Behalten Sie auch den Überblick, wo Sie Ihre Informationen finden, es könnte ein guter Ort sein, um zurück zu gehen und ein anderes Problem zu lösen , wenn die Informationen gut waren. Der dritte Schritt, einfach aufräumen. Sie nun die Clips identifiziert haben, die Sie verwenden möchten, gehen Sie durch und bereinigen Sie das Bild basierend auf dem, was Sie als richtig und falsch identifiziert haben. Im nächsten Video werden wir aufschlüsseln, wie Sie den Hintergrund in Stop-Motion-Animation entfernen und einige technische Begriffe besprechen. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit. Ich freue mich darauf, Sie nächstes Mal zu sehen. 4. Alpha-Kanäle und Rotoscoping: Hallo, willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmmachen. Dies ist Lektion 4 Alphakanäle und Rotoskoping. Ich möchte ein paar Minuten damit verbringen, über diese beiden Fachbegriffe zu sprechen. Ich denke, es ist wichtig, diese Begriffe zu verstehen weil sie Ihnen enorm in jeder Produktion helfen. Alphakanal bezieht sich auf den Bereich des Bildes , der in der digitalen Bildzusammenstellung transparent ist. Ich werde Adobe Photoshop verwenden, um zu erklären, wie es funktioniert. Hier ist der 2D-Schrei, der in Adobe Photoshop geladen wird. Es ist wichtig zu verstehen, dass Alphakanäle sich auf die Transparenz in Ihrem Bild beziehen. Nun, die Transparenz kann kreativ für unsere Zwecke verwendet werden , da dies ein Einführungskurs ist, werden wir die Transparenzen als eine Möglichkeit verwenden, Bilder zusammenzusetzen. Wir möchten, dass der Hintergrund vollständig transparent ist, wird er in Photoshop durch dieses grau-weiße karierte Muster angezeigt. Jetzt werden Adobe Photoshop Dateien automatisch in Adobe After Effects erkannt, so dass ich diese als Photoshop-Datei speichern kann, ich kann sie in After Effects öffnen und die gesamte Transparenz bleibt erhalten. Aber sagen wir, um des Arguments willen, ich benutze eine andere Art von Compositing-Programm und ich möchte dieses Bild exportieren. Ich kann gehen, um als zu exportieren. Nun, es ist wichtig, hier über Dateiformate zu sprechen, dieses Dateiformat PNG bewahrt die Transparenz, so dass ich hier vergrößern kann und Sie sehen können, dass diese Zeichnung automatisch das karierte Muster hat, was mir anzeigt, dass es Transparent. Aber sagen wir, ich wollte eine JPEG-Datei rendern. Wenn diese Option ausgewählt ist, behält das JPEG-Format die Transparenz in dieser Anwendung nicht bei. Wenn ich JPEGs exportiere, habe ich keinen transparenten Hintergrund. Es ist wichtig, diese Dinge im Auge zu behalten, wenn Sie Ihre animierten Assets für das Compositing vorbereiten. Um die Bedeutung von Alphakanälen weiter zu demonstrieren, schalte ich auf mein 3D-Programm Autodesk Maya um. Hier habe ich meine Rendereinstellungen geöffnet. Nun, diese Sequenz ist nur eine einfache Geometrie mit sehr grundlegenden Materialien darauf. In meinen Dateiausgabeeinstellungen habe ich eine Vielzahl von Optionen, ich habe Filmoptionen, die AVIs und QuickTime-Filme sind, aber ich habe auch eine Vielzahl von Standoptionen wie GIF oder JPEG und TIF. Als 3D Artist empfehle ich immer, Standbildsequenzen über Filmsequenzen zu rendern. Filmsequenzen werden in der Composite komprimiert, sie sind sehr schwierig, Effekte hinzuzufügen und lassen sie gut aussehen, so dass Sie mit der höchstmöglichen Qualität arbeiten möchten , wenn Sie für das Compositing gehen. Sie möchten auch die Kontrolle über Ihre Bildsequenz haben. Filmdateien sind in der Regel veraltet, je älter sie werden da die Codecs nicht mehr zum Lesen der Filmdatei verfügbar sind. Bildsequenzen haben eine längere Haltbarkeit und sie sind ziemlich konsistent zwischen Softwarepaketen. Um Alphakanäle zu demonstrieren, exportiere ich eine JPEG-Sequenz und eine TIFF-Sequenz. Nun, in meinen Rendereinstellungen, werde ich sicherstellen, dass der Alpha-Kanal ausgewählt ist , so dass auf jedem Frame eine Alpha-Maske vorhanden ist. Hier im Composite in Adobe After Effects habe ich hier meine 2D-Bildsequenz geladen, zu Demonstrationszwecken habe ich dieses Sternobjekt erstellt, so dass das Sternobjekt, wie ich es über mein Bild ziehe, können Sie sehen, dass Es ist innerhalb der Transparenz sichtbar, so dass es hinter dem Objekt oder in diesem Fall unser animiertes Asset bewegen kann. Nun möchte ich unsere JPEG und unsere TIFF-Sequenzen aufzeigen, damit wir sie vergleichen können. Ich werde mit unserer JPEG-Sequenz beginnen und sie in meine Timeline bringen, wie Sie sofort sehen können, der Hintergrund ist undurchsichtig, er ist nicht transparent. Auch wenn die Transparenz in unserem 3D-Programm ausgecheckt wurde. Wenn Sie ein 3D-Animator sind und dies zuerst erleben, überprüfen Sie das Dateiformat, das Sie JPEGs verwenden, keine Transparenzen registrieren. Selbst wenn Sie Ihren Alphakanal ausgewählt haben, Ihre Transparenz ausgewählt haben, haben JPEGs keine Möglichkeit, Transparenzen zu lesen. Vergleichen wir das jedoch mit unserer TIFF-Sequenz. es hier laden, registriert es automatisch die Transparenz, Sie können sie sehen und es ist bereit für das Compositing. Dies ist der beste Weg, um 3D-Objekte zu rendern, und es ist auch wichtig, dies zu verstehen, wenn Sie Probleme beim Exportieren haben. Nun, gehen wir zum Rotoskoping. Rotoskoping ist der Prozess, bei dem ein Künstler oder ein Techniker einen Bereich verfolgt , der von einem Bild entfernt werden soll, um auf einem anderen Bild geschichtet zu werden. Diese Technik wird häufig beim Zusammenstellen von Bildern in visuellen Effekten für die Effektanimation oder bei Stop-Motion-Animation zum Einfügen eines komplizierten Hintergrunds verwendet. Für die Stop-Motion werde ich meine Müllmatte rotoskopieren, um alles auszuschneiden , was für den Chroma-Key nicht grün ist. Hier habe ich mein Stop-Motion-Asset im After Effect geladen, bereits können Sie sehen, dass es Probleme gibt. Es gibt Reflexionen aus dem Plexiglas oben und unten, an den Seiten sind erweiterte Ansichten meines Arbeitsbereichs, aber alles, was wir wirklich wollen, ist die Animation in der Mitte. Jetzt habe ich das auf ein Grünbuch geschossen, damit ich diese Farbe in After Effects entfernen kann , können Sie den Effekt als Schlüssellicht haben , den Sie in der Timeline hier sehen können. die Tastenbeleuchtung sichtbar ist, habe ich in meinen Composite-Einstellungen einen blauen Hintergrund erstellt, so dass Sie den Unterschied sehen können. Nun entferne ich das Grün und das ist großartig, aber ich habe immer noch meinen Arbeitsbereich und die Reflexionen vom Glas, die ich entfernen möchte. Ich muss eine Müllmatte erstellen. Also, wenn meine Ebene für Stop-Motion-Frames ausgewählt ist, gehe ich in After Effects nach oben und wähle das Stift-Werkzeug aus. das Stift-Werkzeug ausgewählt ist, werde ich einfach schnell eine Form um meine Animation zeichnen und sobald es geschlossen ist, schneidet es alles andere aus. Nun, für meinen Kurzfilm, den ich demonstrieren werde, habe ich diese beiden Vermögenswerte ausgewählt, weil die sich medizinisch erinnern, ich denke, sie passen zusammen. Ich möchte, dass mein 2D-Charakter auf diese Hand reagiert, die aus dem Boden herausspringt. Ich werde die Müllmatte anpassen, um es mehr von einem flachen Flugzeug zu geben, ich werde ganz nach vorne gehen und ich werde nur die Knöchel und diese kleinen weißen Stücke von Ton zu bedecken, die dortnur Dreckfelsen diese kleinen weißen Stücke von Ton zu bedecken, die dort darstellen aus dem Boden zu springen, also wird das mein erster Rahmen sein. Bevor ich fortfahre, werde ich zu meiner Timeline gehen und die Menüs unter meiner Maske offenbaren, ich werde „Maskenpfad“ auswählen und Maskenpfad wird die Form meiner Matte animieren. Ich werde durch meine Frames nach oben scrollen, bis Frame 4 das sieht ziemlich anständig aus. Aber dann bei Frame 5 schneidet es einen meiner Felsen ab, also werde ich mein Auswahlwerkzeug greifen, diesen Punkt auswählen und ich werde nur animieren schnell diesen Punkt und das ist der Müllmann komplett gereinigt und dann, wenn meine Hand hin und her bewegt, möchte ich Sie schnell wissen lassen, dass es zwei Effekte auf diese Stop-Motion-Ebene gibt. Beachten Sie, wie diese Hand wollte ich nur darauf hinweisen, wirklich schnell, beachten Sie, dass diese Hand, die ich zoome, eine Menge Schatten darauf hat. Ich habe einen Effekt namens Matte Choker hinzugefügt. Matt Halsband, es ist eine schöne Abkürzung es dauert all die kleinen Pixel , die das Schlüssellicht verpasst haben kann, und es macht schnell eine Anpassung an die Verstärkung und entfernt diese. Sie können dies manuell tun, indem Sie die Einstellungen für Ihren Effekt anpassen , den Sie in diesem Fall für den Chroma-Key verwenden, es ist Schlüssellicht. Aber After Effects hat diese tolle Wirkung matte Halsband, die automatisch nimmt, dass heraus und machen Sie Ihr Leben viel einfacher. Wie Sie sehen können, habe ich das alles schön und aufgeräumt und bereit für das Compositing. Denken Sie daran, den Hintergrund zu entfernen, fügen Sie Keyframes hinzu, wenn nötig, bereinigen Sie das digitale Unvollständige und beenden Sie einfach die Reinigung, um mit der nächsten Lektion in unserer Serie fortzufahren. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit. Ich hoffe, dass viele dieser Ratschläge und diese technische Überprüfung Ihnen bei der Aufräumung Ihrer eigenen Animation hilfreich waren . Bevor Sie zum nächsten Video gehen, stellen Sie sicher, dass Ihr animiertes Asset bereinigt und bereit für das Compositing ist. 5. Die Szene erstellen: Willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmmachen. Hier ist Lektion fünf, die Szene inszeniert. Lassen Sie uns überprüfen. Sie haben ein animiertes Asset, das bereinigt wurde und für das Compositing bereit ist. Beginnen wir nun mit dem Prozess des Aufbaus eines Kurzfilms um dieses Asset. Das erste, was Sie hier brauchen, ist das Skizzenbuch oder ein Tablet mit einer Skizzenbuchungs-App darauf. Ich persönlich bevorzuge ein Skizzenbuch, nur weil Sie sich keine Sorgen darüber machen müssen, Macht verlieren oder Datenkorruption, was auch immer, aber alles ist in Ordnung. Der erste Schritt ist, sich Ihre Animation anzusehen und sich zu fragen, welche Geschichte kann ich daraus bauen? Du sagst vielleicht zu dir, Eva, ich habe ein Stück Gras animiert, das im Wind weht, wie machst du das zu einer interessanten Geschichte? Ich würde dann antworten, gut junge Paddel auf. Denken Sie darüber nach, wie Sie das Gras in einer größeren Szene verwenden können. Ein Vorschlag wäre, eine Szene zu schaffen, in der ein Soldat auf einem grasbewachsenen Hügel mit dem Kopf in den Händen sitzt. Schleifen Sie das fließende Gras, zoomen Sie in der Kamera und lassen Sie traurige Klaviermusik für sieben Sekunden spielen, oder haben Sie eine Silhouette von zwei Kindern weit weg in einem langen Feld als die Sonnenuntergänge. Dies sind gute Vorschläge, wenn Sie gut im Figurenzeichnen sind, aber sagen wir, Sie sind nicht so gut im Figurenzeichnen. Ich würde sagen, denken Sie an eine Landschaft, in der Sie Ihr fließendes Gras benutzen können. Ein weiterer Vorschlag wäre, eine Burg im Hintergrund zu haben, die von jahrelanger Vernachlässigung auseinanderfällt oder ein verlassenes Grundstück mit spärlichem Gras und ein selbstgemachtes Kinderfestung im Hintergrund. Diese Szenen sind viel interessanter in einem Portfolio oder einer Demo-Rolle zu betrachten als das Asset allein. Der Schlüssel hier ist, die Aufmerksamkeit Ihres Publikums zu erfassen. Nun, okay, wie machst du das? Nun, um loszulegen, lasst uns ein kleines Experiment machen. Ich denke, Sie kennen das Internet, die Inhalte im Internet. Es gibt Millionen von Clips da draußen, die versuchen, jeden Tag um deine Aufmerksamkeit zu konkurrieren. Lassen Sie uns ein kleines Experiment ausprobieren und Ihre eigenen Sehgewohnheiten weiter verstehen. Wenn Sie das nächste Mal in einem Streaming-Dienst sind oder nur Zeit im Internet verschwenden, beginnen Sie zu ermitteln, warum Sie bestimmte Teile von Medien auswählen. Für einen Streaming-Dienst, gehen Sie zu einem Genre, das Sie genießen, und blättern durch, bis Sie etwas, das nicht vertraut oder interessant ist zu sehen. Wenn Sie auf jedem gewünschten Medium aufhören, beginnen Sie, sich zu fragen, warum haben Sie diese Entscheidung getroffen? War es das Thumbnail, das sie verwendeten, waren es die Farben, die sie verwendeten, war es der Titel von dem, was auch immer es ist, das Sie hineinzog? Wenn Sie anfangen, Ihre eigenen Sehgewohnheiten zu verstehen, wird Ihnen das helfen, besser zu verstehen, wie Sie mit Ihrem Publikum kommunizieren können. Als Erzieher glaube ich, dass du dich besser verstehen wirst indem du verstehst, was dich in die Inhalte zieht, die dir gefällt. Seien Sie spezifisch, wenn Sie sich diese Fragen stellen. Gefällt Ihnen die Farbe oder das Thumbnail oder gibt es einen bestimmten Schauspieler, dem Sie folgen möchten? Was auch immer der Grund ist, fangen Sie an, diese zu notieren , so dass Sie einige dieser Techniken auf Ihre eigene Arbeit anwenden können. Nun, da Sie ein besseres Verständnis für Ihre Sehgewohnheiten haben, beginnen wir mit Brainstorming, wie Ihre Szene aussehen kann. Hier sind ein paar Tipps, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. Sammeln Sie Geschichten, hören Sie sich einen Podcast an, schauen Sie Shorts im Internet an, lesen Sie einen Essay, achten Sie auf die Arten von Geschichten, die Sie angezogen werden, und konsumieren Geschichten mit ähnlichen Inhalten, um Ihr Wissen über das Thema zu erweitern. Behalten Sie so viele Perspektiven wie möglich. Recherchieren Sie, anstatt zufällige Wörter in Ihre Suchmaschine einzugeben, gehen Sie in die Bibliothek, besuchen Sie einen Ort und machen Sie Fotos mit Ihrem Telefon. Ich empfehle immer Lebenserfahrung. Nach jahrelanger Arbeit in der Branche ist es offensichtlich, jemanden zu sehen, der gerade eine Stunde Internet-Recherche im Vergleich zu jemandem macht, der tatsächlich einen Standort besucht hat. Holen Sie sich Hilfe. Ich gebe zu, dass ich ein schrecklicher Schriftsteller bin, wenn ich alleine arbeite. Ich lade oft einen Freund zu einer Mahlzeit ein oder schaue mir einen Film an, um mich aus einem Block zu holen. Zum Glück habe ich viele Freunde, die gerne Geschichten erzählen. Ich mache oft Notizen und bitte, einen Teil ihrer Geschichte in meinen eigenen Erzählungen zu verwenden. Real-Life-Stories beinhalten kleine Details , die manchmal schwierig sind, sich selbst zu beschwören. Wenden Sie diese Ideen in Ihrem Skizzenbuch an. Beginnen Sie, das zu kombinieren, was Sie aus Ihren Sehgewohnheiten gelernt haben und was Sie aus Ihrer Forschung gelernt haben. Hier ist ein Exemplar meines Skizzenbuches. Ich habe die beiden animierten Assets genommen, die ich demonstriert habe, und ich habe sie in diesem spukhaften Haus wie Szenario kombiniert , in dem die Hand aus dem Boden herausspringt und die 2D-Figur reagiert. Jetzt muss ich den Rest der Assets in dieser Zeichnung erstellen, wie das Haus, den Baum und den Hintergrund. Das wird eine Menge Spaß machen. In unserer nächsten Lektion beginnen wir mit der Auflistung von Assets, die wir für unsere kurze Szene basierend auf unseren Skizzen erstellen müssen , und besprechen dann, wie sie erstellt werden. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit, und wir sehen uns nächstes Mal. 6. Assets erstellen: Willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmen. Dies ist Lektion 6, Erstellen von Assets. Sie haben gehört, dass ich den Begriff Vermögenswerte in dieser Serie so weit benutze. Asset bezieht sich auf alles, was der Künstler geschaffen hat, um im Film wiederverwendet zu werden. Assets können Charaktere, Requisiten, Möbel, alles im Hintergrund sein. Animatoren verfügen über Bibliotheken von Assets auf die gleiche Weise, wie Filmemacher Schauspieler oder Möbel oder Requisiten haben. Als Regisseur habe ich meine eigene Bibliothek, die ich überprüfe um Experimente zu machen oder für zukünftige Projekte zu nutzen. Beginnen wir nun mit der Planung und Erstellung unserer eigenen Vermögenswerte. Für diese Übung müssen wir zu unserem Skizzenbuch zurückkehren. Ich habe meine Liste. Ich werde meine Liste in Charaktere, Requisiten, Umgebung und Hintergrund organisieren . Vergiss die Geräusche nicht. Stellen Sie sicher, dass Ihre Liste die Arten von Sounds enthält, die Sie für Ihre Szene benötigen. Sounds können Musik, Soundeffekte, Dialog und Atmosphäre sein. Atmosphäre für Raumton bezieht sich auf Hintergrundgeräusche in einem Ort. Wenn sich Ihr Standort beispielsweise in einem Park befindet, können Sie zu Ihrem örtlichen Park gehen, einen Ort finden, an dem keine Personen vorhanden sind, und einige Minuten mit Ihrem Telefon oder einem anderen Tonaufnahmegerät aufnehmen. Nachdem Sie Ihre Sounds aufgenommen und gesammelt haben, legen Sie sie in einen Ordner und beschriften Sie jede Datei richtig. Wir werden in Lektion 10 auf sie zurückkommen. Zurück in die Grafik. Jetzt muss ich bestimmen, wie ich meine visuellen Assets erstellen werde. Es gibt andere Methoden, die Sie für Ihre Hintergrund-Assets verwenden können. Einige der häufigsten sind Fotografie und Mattmalerei. Diese beiden Methoden sind ein bisschen knifflig. Für die Fotografie müssen Sie sicherstellen, dass Sie die richtige Bildgröße haben und dass es groß genug ist, um in Ihren Hintergrund zu setzen. Auch die Beleuchtung ist ein bisschen knifflig mit der Fotografie. Wenn Sie die Beleuchtung nicht korrekt anpassen können, ist es für Ihre Zielgruppe sehr schwierig zu verstehen, dass sich sowohl das fotografierte Element als auch die animierten Elemente in derselben Szene befinden. Sie sehen fast aus, als wären sie zusammengeklebt. Ein mattes Gemälde ist eine bemalte Darstellung eines Hintergrunds in einer Umgebung. Es ist, die Illusion eines größeren Satzes zu schaffen, was wir allgemein die Business-Set-Erweiterungen nennen. Matte Gemälde sind zweidimensional und stellen oft dreidimensionale Räume dar , die ein Verständnis der realen Beleuchtung erfordern. Für diese Lektion werde ich mit Mattmalerei demonstrieren, aber ich empfehle dringend, dass Sie es einfach halten und einen Hintergrund mit dem gleichen Medium wie Ihr automatisiertes Asset erstellen . Für diesen besonderen Punkt im Unterrichtsplan möchte ich das Urheberrecht aufgreifen. Ich weiß, dass es mehrere Schüler dieser Klasse gibt, die in ihrem eigenen Land tätig sind, und daher kann das Urheberrecht je nach Standort variieren. Vor diesem Hintergrund möchte ich Ihnen einige allgemeine Ratschläge geben, um Sie während der Produktion Ihrer Arbeit aus Schwierigkeiten zu halten. Wenn Sie im Internet arbeiten, ist es einfach, Fotos oder Designs oder Fan Arts für Ihre Projekte zu kopieren und einzufügen. Ich verweise oft auf urheberrechtlich geschütztes Material, um meine eigenen Fähigkeiten für die Praxis zu verbessern. Allerdings verwende ich niemals urheberrechtlich geschützte Materialien für Kundenarbeit oder Auftragsarbeiten, für die ich bezahlt werde. Ich ermutige Sie, urheberrechtlich geschützte Materialien so wenig wie möglich zu verwenden, damit Sie sich daran hindern, in rechtliche Fallstricke zu fallen. Dazu gehören auch Tutorials. Wussten Sie, dass Tutorials das geistige Eigentum des Autors sind? Wenn Sie Assets für ein Tutorial herunterladen, gehören sie technisch nicht Ihnen. Wenn Sie das Ergebnis dieses Tutorials veröffentlichen, können Sie nicht behaupten, dass es sich um Ihr eigenes Werk handelt, es ist tatsächlich die Arbeit des Autors. Das bedeutet, dass Sie nur Anweisungen folgen, die der Autor Ihnen gegeben hat. Wenn Sie mehr über das Urheberrecht erfahren möchten, empfehle ich Ihnen dringend, auf die Website Ihrer Regierung zu gehen, um zu sehen , was die Gesetze dieses einzelnen Landes über urheberrechtlich geschütztes Material sind. Ich empfehle auch, dass Sie zu creativecommons dot org gehen. Sie verfügen über ausgezeichnete Ressourcen für Materialien, die im Internet veröffentlicht und verteilt werden. Es gibt mehrere Dinge, die Sie beachten müssen , wenn Sie Ihre Assets erstellen. Größe des Rahmens. Wie groß ist die Größe Ihres Rahmens? Für dieses Projekt arbeiten wir im HD-Format. Der Rahmen ist 1920 Pixel breit und 1080 Pixel hoch. Dies ist wichtig zu wissen, bevor Sie mit der Arbeit beginnen, immer zu erforschen, wie Sie Ihre Animation verteilen und die Framegröße herausfinden. Für Hintergründe besteht meine allgemeine Regel darin, Ihren Hintergrund doppelt so groß wie Ihr Rahmen zu erstellen , damit Sie innerhalb Ihres Hintergrunds zoomen oder schwenken können, ohne die Qualität zu verlieren. Ich werde dies in zukünftigen Lektionen weiter erörtern. Größe des Assets. Wie groß ist Ihr Vermögen im Rahmen? Kleinere Assets können weniger detailliert sein als größere Assets. Farbpalette. Stellen Sie sicher, dass Ihre Assets so aussehen, als ob sie in derselben Szene gehören. Konzeptionelle Künstler machen etwas, das als Farbskript bezeichnet wird, das ist die Farbpalette, die die Farben in der Produktion für eine bestimmte Szene bestimmt. Farben können die Tageszeit, die Stimmung oder das Genre bestimmen. Die Ästhetik muss konsequent sein, um geglaubt zu werden. Bewegungsparallaxe. Aufteilen der Szene in Vordergrund-, Mittelgrund- und Hintergrund-Assets Dies wird das Thema unseres nächsten Videos sein. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit. Bevor Sie mit der Erstellung Ihrer Assets fortfahren, empfehle ich Ihnen dringend, dass Sie sich die nächste Lektion, Motion Parallax, ansehen, um Ihnen weitere Informationen und Tipps zur Erstellung Ihrer Assets zu geben. Vielen Dank. Kümmere dich um. 7. Kamera: Willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmmachen. Hier ist Lektion 7, Kamera. Es gibt einen häufigen Fehler für Animatoren, die Kamera vollständig zu ignorieren. In der Animation ist die Kamera keine gängige Methode zur Bilderstellung. Wir erstellen unsere Assets und verwenden dann die Kamera, um diese Assets im Rahmen zu erfassen. Für Live-Action-Film ist die Kamera das erste Werkzeug, das Künstler verwenden, um Animationen und Storyboarding zu meistern. In Anbetracht der Kamera und Storyboarding, meine allgemeine Regel ist es, die Kamera mit Zweck nach Handlung und Aktion zu bewegen. Wenn Sie nicht den Story-Grund haben, Ihre Kamera zu bewegen, dann bewegen Sie sie nicht. Eine vertraute Reise für meine Schüler folgt dieser Reihenfolge der Ereignisse; Kamera-Ignoranz, Charaktere und Requisiten sind in einem zweidimensionalen Rahmen angeordnet, ähnlich einer Sitcom, einer Theaterbühne oder einem 2D-Videospiel. In diesem ersten Simpsons-Beispiel war die Besatzung durch Zeit und Mittel begrenzt. Die Aktion ist flach entlang eines zweidimensionalen Zugangs. Kamera entstellt, wenn der Künstler erkennt, dass es eine Kamera gibt, liegt sie überall auf dem Platz ohne Grund. Im Feature Foodfight fliegt die Kamera in der Einleitung durch die Landschaft. Das Timing ist schlecht, weil die Kameras langsamer werden, wenn es keine Aktion gibt und während der Aktion beschleunigt, es für das Publikum schwierig macht zu erkennen, was vor sich geht. Dann gibt es Kamera gereift, das glückliche Medium zwischen den beiden, wo die Kamera bewegt sich effektiv, um Stimmung für ihre Geschichte zu verbessern offenbaren. In The Incredibles bewegt sich die Kamera mit der Aktion, um die Dynamik des Meeres zu verbessern. Im Animationsprozess wird die Betreuerplatzierung in der Storyboard-Phase des Projekts entschieden. Was wir Pre-Production nennen. Vorproduktion ist, wenn die Geschichte geschrieben wird, das Storyboard und die Automatik gezeichnet und bearbeitet wird und der Temp-Sound aufgezeichnet wird. Die Produktion ist, wenn Assets basierend auf dem Storyboard und automatisch angeordnet und animiert werden. Dies ist wichtig, weil die Animation wissen muss, was zu erstellen und wie man betrügt. Jetzt ist das Konzept des Betrugs nicht heimtückisch. Denken Sie darüber nach, wenn Sie auf einem Live-Action-Set vor Ihnen sind, sehen Sie das Set und die Charaktere und die Requisiten, aber manchmal gibt es einen grünen Bildschirm oder eine Crew um die Kamera herum. Es gibt viel, dass Sie hinter der Kamera nicht sehen oder was hinter dem Set vor sich geht. Dies ist das gleiche für die Animation, wenn die Kamera eingeschaltet ist, sehen Sie das? Hinter der Kamera siehst du das. Stop-Motion ist die nächste Produktionsmethode zu Live-Action, da die Animatoren mit physischen Objekten und Kameras zu tun haben, aber die Methode der Animation verwendet die gleichen Prinzipien. Ich demonstriere dieses Konzept in After Effects. Wenn ich ein 2D-Objekt mit Keyframes mache, verschiebe ich es über die Szene, aber es wird nicht weiter animiert, sobald es außerhalb dieses Feldes außerhalb des Bildschirms liegt, es existiert in keinem Kontext meines Films. Hier ist Autodesk Maya, ein 3D-Animationsprogramm. Sehen Sie, wie ich diese Objekte verschiebe und ordnen Sie sie nach der Kamera an. Schau, was passiert, wenn ich meine Kamera bewege. Viele dieser Objekte sind nicht fertig, wo sie in einer Weise platziert werden, um ihre Fehler zu verbergen. Das bedeutet nicht, dass ich faul oder ungelernte bin. Viele professionelle Studios wie Pixar oder Sony Animationen verwenden die gleichen Prinzipien, um die ganze Zeit zu betrügen. Es ist eine Methode, um effizient mit Ihrer Zeit zu sein. Je weniger Zeit Sie für Inkonsequenzen aufwenden, desto mehr Zeit können Sie meistern, was für Ihre Geschichte wichtig ist. Erstellen von Assets mit dem Kamera-Geist ist wichtig, um ein guter Animationsfilmemacher zu sein. Eines dieser Prinzipien, die Animatoren meistern müssen, ist die Idee der Bewegungsparallaxe. Bewegungsparallaxe bezieht sich auf die Tatsache, dass sich Objekte, die sich mit konstanter Geschwindigkeit über den Rahmen bewegen, in einer größeren Menge bewegen, wenn sie näher am Beobachter sind, dann würden sie es tun, wenn sie in größerer Entfernung wären. Wenn sich ein Objekt in der Nähe der Kamera befindet und es genau die gleiche Geschwindigkeit bewegt wie ein Objekt von der Kamera weg, bewegt sich das Objekt, das der Kamera am nächsten liegt, schnell über den Rahmen, während das Objekt, das sich weiter von der Kamera entfernt befindet, angezeigt wird , um sich langsamer zu bewegen. Walt Disney erkannte diesen Effekt und testet sein Animationsteam, um die Multiplane Kamera in den 1930er Jahren zu erstellen. Es wurde zuerst in einem Experiment in der Produktion der Alten Symphonien Mühle verwendet. Lassen Sie uns demonstrieren, warum das wichtig ist. Nehmen wir an, ich bekomme den Hintergrund und die Geschichte verlangt, ist in den Rahmen zu zoomen. Nehmen wir diesen Hintergrund und zoomen Sie hinein. Das ist im wörtlichen Sinn großartig, aber es ist flach und langweilig. Aber bessere Möglichkeiten, den Hintergrund in Ebenen aufzuteilen. Die Kamera kann scheinen, sich durch die Landschaft zu bewegen. Wenn ich diese Assets erstelle, mache ich sie größer als die Rahmengröße, so dass sie die gleiche Qualität haben , als wenn ich sie bei der gleichen Rahmengröße beibehalten würde. Sehen Sie nun, wie der Kamerazoom erreicht wird. Der Hintergrund wird in Ebenen aufgeteilt und bewegt sich in unterschiedlichen Raten, um die Illusion von Bewegungsparallaxe zu erzeugen. Wenn Sie mehr über die Wissenschaft der Bewegung Parallaxe oder die Geschichte der Multiplane Kamera wissen wollen , habe ich einige Website-Links hinzugefügt, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. Verwendung dieser Technik wird definitiv die Qualität Ihres Films verbessern. Wenn Sie diese Technik in Betracht ziehen, ist es wichtig, diese Entscheidung zu treffen, wenn Sie Ihre Assets erstellen , damit Sie die Qualität und Größe jedes Assets kennen. Sie daran, die Kamera zu berücksichtigen, wenn Sie Ihre Assets vervollständigen . Sie müssen fertig sein, um mit der nächsten Lektion fortzufahren. Vielen Dank nochmals für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit.In unserer nächsten Lektion werden wir Beleuchtung abdecken. Vielen Dank. Kümmere dich um. 8. Beleuchtung: Willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmmachen. Hier ist Lektion Nummer acht, Beleuchtung. Wir haben die Grundlagen der Bereinigung, der Erstellung von Vermögenswerten und der Kamera behandelt . Es ist Zeit, zur Beleuchtung zu gehen. Für heute wollte ich schnell darauf eingehen, wie Licht ein wichtiger Teil des Animationsfilmmachens ist. Licht kann vielen Zwecken in einem Film dienen. Es kann den Zweck der Szene identifizieren. Es kann das Bewusstsein für ein Objekt oder Charakter zu bringen, das für die Geschichte wichtig ist. Es kann einen lebenswichtigen Hinweis auf die narrativen Handlung enthüllen. Es kann die Identität eines Charakters enthüllen, und es kann dem Publikum helfen, von einer Szene zur nächsten zu wechseln. Die ganze Welt liebt dich. - Mike. Du wirst nie wissen, wie es ist zu scheitern, weil du als Sullivan geboren wurdest. Du kannst dich immer wieder vermasseln, und die ganze Welt liebt dich. - Mike. Du wirst nie wissen, wie es ist zu scheitern, weil du als Sullivan geboren wurdest. Ja. Ich bin ein Sullivan. Ich bin ein Sullivan, der jeden Test durchbrochen hat. Derjenige, der aus dem Programm geworfen wurde, derjenige, der so Angst hatte, alle im Stich zu lassen, dass ich betrogen und gelogen habe. Eva. Künstler nutzen seit Jahrhunderten kreative Beleuchtung. Dieses Gemälde Night Watch, des niederländischen Malers Rembrandt, verwendet kreative Beleuchtung als eine Möglichkeit, Charaktere und die Beziehungen in der Komposition zu enthüllen . Die zentrale Figur, die Frau im goldenen Kleid, ist auf der Rückseite der Komposition positioniert, weg von den Figuren im Vordergrund. Die Beleuchtung trennt ihre Figur jedoch von den umgebenden Charakteren. Als nächstes erscheint ein Licht, das direkt von der Decke zu kommen die beiden Charaktere vor der Gruppe enthüllt. Ein weiteres Licht von der rechten Seite, ein weiteres vom Boden. Diese Lichter helfen dem Publikum, ihren Fokus auf das Bild zu bewegen. All dies ist gesetzt Dressing, um die zentrale Beziehung zwischen dem Mann auf der rechten Seite zu unterstützen, und seinen Blick auf die Frau im Hintergrund. In diesem Bild des Yosemite Park, Fotograf Ansel Adams, verwendet Dunkelraum-Techniken, um die Beleuchtung rund um die gesamte Komposition zu steuern, so dass das Publikum in der Landschaft, als eine ausgewogene herrliche Haltung nehmen konnte . Für unsere Klasse wollte ich schnell die Dreipunkt-Beleuchtungstechnik vorstellen , um jedes Thema zu beleuchten. Dreipunktbeleuchtung ist die Standardpraxis in jeder Filmproduktion. Ein grundlegendes Setup besteht darin, zwei Lichter vor ein Motiv zu stellen, bei 45 Grad links und rechts. Setzen Sie dann das dritte Licht hinter das Motiv, um eine gleichmäßige Menge an Beleuchtung in der Szene zu bekommen. Das Schlüssellicht ist unsere primäre Lichtquelle. Normalerweise ist es das hellste Licht in der Szene. Das Fülllicht hat eine geringere Intensität als das Schlüssellicht, seine primäre Funktion besteht darin, die Bereiche des Subjekts, die dunkel gelassen wurden, durch das gerichtete Tastenlicht zu beleuchten , ohne es zu überwältigen. Dann gibt es das Hintergrundlicht oder das Haarlicht. Beim Aufhellen des menschlichen Subjekts wurde das Hintergrundlicht mit dem Spitznamen Haarlicht versehen, da es dem Haar einen Halo-Effekt verleiht. Der Zweck des Haarlichts ist es, den Charakter vom Hintergrund zu trennen und die Menge an Schatten vom Schlüssellicht zu reduzieren. Bei Stop-Motion in 3D-Animationen sind Lichter eher wie physische Objekte, die in der Szene verschoben werden können. 2D-Animatoren müssen die Lichtquelle auslegen und konzeptualisieren, wie sich die Beleuchtung auf die Farbe in der Szene auswirkt. In einem professionellen Studio haben sie eine ganze Abteilung, die nur an Beleuchtungsmitteln arbeitet. Die Art und Weise, wie Sie die Beleuchtung anwenden, hängt von der gewählten Technik für Ihre Animation ab. Stop-Motion-Animatoren enthalten die Beleuchtung während der Produktion. Wenn sie auf einem grünen Bildschirm fotografieren, imitieren sie die Beleuchtung, die sie für den Hintergrund verwenden möchten, damit das Compositing-Team die Beleuchtung zwischen den Aufnahmen anpassen kann. In 2D- und 3D-Animationen erfolgt die Beleuchtung im Postproduktionsprozess auf einer Ebene, die von der Farbe getrennt ist. Erlauben Sie mir, mit diesen Pannen zu demonstrieren. Im Animationsfilm Klaus auf Netflix, SPA Animationsstudio, trennt den Farbdurchgang vom Lichtdurchgang. Ich kaufte eine zerbrechliche Ware, schlechteste in der Aufzeichnung. Freunde, kaufte eine zerbrechliche Ware, schlechteste in der Aufzeichnung. Im Originalfilm von Pixar Animation Studio, Toy Story, ist der Farbrechner vom Beleuchtungsrendern getrennt. Aber nicht von der Schattierung, und hier ist die Schattierung, aber keine der Beleuchtung. Eigentlich können Sie die Texturen sehen, alle Texturen auf holzig. Der Unterschied liegt in der Oberfläche, einige sind Stoff, einige sind aus Kunststoff, alles ist erledigt. Aber dann der eigentliche Look, die Stimmung und das Ambiente, zieht die Charaktere aus dem Hintergrund, gibt alles seine wahre Form, das ist alles getan in der Beleuchtung hier, für den Hintergrund und für die Zeichen. Wo ist der Klebestreifen? Und noch eine Sache, hör mit dieser Weltraummann-Sache auf. Produktionen trennen die Lichtdurchgänge, so dass sie in der Postproduktion die Kontrolle über sie haben. Wenn in der Beleuchtung etwas geändert werden muss, kann die Beleuchtungsebene im Composite geändert werden, anstatt die Animation erneut zu rendern. Wir werden einen Moment voraus springen und demonstrieren, wie Beleuchtung in der Produktion erzeugt und dann in der Postproduktion angepasst wird . Hier ist eine Demonstration, wie ich die Beleuchtung im Composite manipulieren werde. Für meine 2D-Ebene habe ich bemerkt, dass ich die Farben blockiert habe, und ich habe eine Definition in ihren Ohren, Augen und Nasenbereich, aber es gibt keine wirkliche Definition von Beleuchtung. Ich habe die Beleuchtung identifiziert, wenn sie vor dem Fenster steht, bis zur rechten oberen Ecke. Ich ging in Photoshop und habe einige Schatten erstellt. Ich nahm einfach den Hautton und den Kleidton, und ich habe es ein paar Prozentpunkte im Helligkeitsbereich heruntergebracht. Für die Highlights habe ich entschieden, dass die Farbe des Lichts gelb sein wird. Ich habe ein paar Bereiche in ihrer Stirn, Wangenknochen und im Schulterbereich identifiziert , Bereiche, die in Bezug auf 3D herausfallen würden. Wenn man diese Ebenen auf meine Figur legt, sieht der Schattenbereich ziemlich gut aus, aber mein Highlight-Bereich ist einfach zu hell, gerade jetzt sieht es aus wie Make-up, auf das ich geschlagen habe. Ich möchte es mit einem Mischmodus ein wenig mehr in die Figur mischen. In After Effects befinden sich Mischmodi im Ebenenbereich. Jedes Compositing-Programm, das Sie verwenden, hat einen Mischmodus. Das andere gängigste Compositing-Programm, Nuke, hat eine Version davon, wenn Sie Ihre Ebenen zusammenführen. Mischmodi haben mehrere Optionen, und all diese Mischmodi tun, ist einfach herauszufinden , wie die Bilder übereinander passen. Statt normal, dass einfach nur ein Bild über ein anderes platziert, können Sie wählen, dass die Pixel auf verschiedene Arten gemischt werden. Da dies ein Highlight-Bereich ist, möchte ich zur Beleuchtung gehen. Beachten Sie hier, dass die Sättigung der Farbe ein wenig herausgenommen wurde, und dies fügt sich viel besser in die Figur ein. Dies hat ein bisschen mehr Definition und es passt ein bisschen natürlicher in die Figur. Hier können Sie das Endergebnis vergleichen. Dies ist die Vorkomposition ohne Glanzlichter und Schatten. Hier ist die Pre-Composite mit Glanzlichtern und Schatten. Es ist ein sehr subtiler Unterschied, aber notwendig, wenn Sie mit diesem Prozess fortfahren. Um zu vergleichen, hier ist das Rohmaterial meiner Stop-Motion-Hand. Jetzt merke, wie gesättigt das Rot ist, es fühlt sich fast an, als würde es vom Bildschirm fallen. Ich habe zwei verschiedene Arten von Effekten verwendet, um die Beleuchtung zu manipulieren. So können Sie das klar sehen. Ich habe Farbton und Sättigung verwendet. Dieser Effekt senkt nur die Sättigung, um die anderen Elemente in der Szene anzupassen. Dieser Einfluss, Belichtung, dies ist hilfreich, weil es die Helligkeit und Dunkelheit steuert. Der Belichtungseffekt funktioniert sehr ähnlich wie bei einer physischen Kamera, da ich Stop-Motion-Footage verwende, macht das Sinn. Um inklusiv zu sein, wollte ich ein Beispiel für 3D-Animation einbinden. Hier habe ich einen sehr generischen Wanderzyklus. Dies ist ein halber Spaziergang Zyklus durch eine fotografierte Landschaft. Als ich diesen Charakter aus dem 3D-Animationsprogramm Autodesk Maya gerendert habe, habe ich einen Schönheitspass aufgenommen. Ein Beauty-Pass gibt mir einfach die Farben und die Form meines Charakters. Ich habe auch etwas gemacht, das einen normalen Pass genannt wird. Ein normaler Durchlauf gibt mir Beleuchtungsinformationen, die er in Farbinformationen übersetzt. Es gibt mir eine rote, grüne und blaue Farbe, die dem X-, Y- und Z-Raum entspricht . Dies gibt mir die Kontrolle über die Tiefe und wie das Compositing-Programm diese Tiefe übersetzt. Mit dem separaten Lichtdurchlass kann ich steuern, wie hell oder dunkel mein Bild ist. Das war's für Lektion acht. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit. Nächste Lektion werden wir über einige Grundprinzipien in Ihrem Composite sprechen. 9. Compositing: Willkommen zurück zu Einführung in Animationsfilmen. Hier ist Lektion 9, Compositing. In dieser Lektion definieren wir das Compositing und geben Ihnen einige Tipps, um das Beste aus Ihrem Compositing herauszuholen. Compositing ist der Akt der Kombination von zwei Bildern zu einem einzigen Bild. Das grundlegende Composite in der Animation ist Zeichen vor dem Hintergrund. Der Hintergrund bleibt statisch, während der Charakter innerhalb der Position bewegen kann. Die CFC-Animator-Zeit, so dass Sie den Hintergrund nicht mit jedem einzelnen Frame neu zeichnen müssen . Der Prozess des Compositing kann so einfach oder so komplex sein, wie Sie möchten. Werfen wir einen Blick. Das hier ist unser grundlegendster Verbund. Wir haben unseren Charakter im Vordergrund und der Hintergrund bewegt sich konsequent mit unserem Charakter. Was am Compositing schön ist, ist, dass ich freie unabhängige Kontrolle über diesen Charakter habe. Irgendwann, wenn ich wollte, sagen wir, ändern Sie den Schuss und machen es eine Nahaufnahme, könnte ich meinen Charakter hier viel größer machen, und wir können den Charakter in für eine Nahaufnahme sehen. Auch wenn ich diesen Zyklus wiederverwenden und dann diesen Charakter so aussehen lassen wollte , als wären sie weiter von der Kamera entfernt, habe ich die Freiheit, das auch im Composite zu tun. Für das Klassenbeispiel habe ich etwas viel komplexeres. Der Grund, warum ich diesen Komplex gebaut habe, ist , dass ich unabhängige Kontrollen über alle Assets in der Szene habe. Ich kann sie neu positionieren, ich kann sie ändern, und ich kann auch einige weitere Animationen innerhalb des Composite machen. Jetzt ist ein guter Zeitpunkt, um Datendateien aufzurufen. Welche Art von Dateien sollten Sie in Ihrem Composite verwenden? Wenn Sie Bildmanipulationen, 2D- oder 3D-Software verwenden , haben Sie eine Vielzahl von Optionen, um Ihre Dateien zu erkunden. Die meisten Animatoren exportieren eine Filmdatei, da Sie Bewegungsmedien erstellen. Die gängigsten Formate are.mov, .mpg, .mpg4, and.avi. Diese Formate erzeugen aus zwei Gründen ein Problem für das Zusammenstellen. Eins ist die Kompression. Um eine Videodatei wiederzugeben, verkürzt der Computer das Bild für eine reibungslose Wiedergabe. Haben Sie jemals in ein Foto gezoomt und es sieht so aus? Das ist Kompression. Dies ist schlecht, wenn Sie die Größe Ihres Assets ändern, es wird dabei pixeliert. Zwei, Alphakanäle, nicht alle Videoformate erhalten den Alphakanal. Es gab eine Option, den Alpha-Kanal auf den meisten Software zu erhalten, aber es ist nicht immer zuverlässig wegen der Komprimierung. Die beste und zuverlässigste Möglichkeit, Ihr animiertes Asset zu exportieren, besteht darin , eine Bildsequenz in einem verlustfreien Format auszuwählen. Ihre verlustfreien Formate sind TIFF, PNGs und GIFs. In 3D-Animationen können Sie auch EXRs verwenden. JPG ist ein verlustbehaftetes Format. Das heißt, wenn Sie die Größe Ihres Bildes ändern, kann es aufgrund der Komprimierung auseinanderbrechen. Wenn Sie Ihr Footage in das Compositing-Programm importieren, gibt es eine Option, Ihre Datei als Bildsequenz zu lesen. Stellen Sie sicher, dass Ihre Bildsequenz ordnungsgemäß beschriftet ist. Wenn Sie mit Ihren Dateien irreführen, kann das Compositing-Programm sie nicht lesen. Ich wollte schnell visuell zeigen, wovon ich spreche wenn ich über richtige Etikettierung spreche. Hier habe ich meine 2D-Animationssequenz. Das ist die ursprüngliche Fotosequenz, die ich habe. Wie ich meine 2D-Animation erstellt habe, habe ich sie von Hand auf Papier gezeichnet und dann mit der Stop Motion Software fotografiert. Die Stop Motion Software beschriftet jeden Frame automatisch numerisch. Nun, wenn es numerisch beschriftet ist, kann das Compositing-Programm leicht die Logik der Sequenz lesen. Also 1, 2, 3, 4, etc. Es kann dann diese Datei importieren. mein erster Frame ausgewählt ist, kann ich keinen Frame innerhalb der Sequenz auswählen. Ich muss den ersten Frame in der Sequenz auswählen. Dann kann ich hier runter zu meinen Sequenzoptionen kommen. Das Compositing-Programm, das ich verwende After Effects erkennt automatisch das Dateiformat in diesem Sinne, es ist ein TIFF und kann es als Filmmaterial importieren. Die gleiche Logik gilt für meine 3D-Animation. Für meine 3D-Animation habe ich meine Animationssequenz als EXR exportiert, dasselbe Importprinzip gilt. Es nummeriert jeden Frame 1, 2, 3, 4 usw. Dann erkennt das Compositing-Programm automatisch die EXR-Sequenz, sobald ich den ersten Frame wähle, und kann ihn dann sofort importieren. Ich wollte etwas klären, das auftauchte, nachdem ich das Skript für diese Episode geschrieben habe. Jemand hatte mich nach dem Export aus dem Composite gefragt, und ich wollte deutlich machen, dass die Verwendung eines Compositing-Programms wie After Effects Ihnen nur die Möglichkeit gibt, eine unkomprimierte Videodatei zu exportieren. Nun, das ist nicht weniger als eine Bildsequenz. In der Tat sind Film-Dateien für die Bearbeitungsphase Ihres Projekts vorzuziehen. Die Bearbeitung erfolgt im Wesentlichen, wenn Sie mehrere Aufnahmen aufnehmen und sie zusammenstellen. Compositing sollte wirklich nur für einen Schuss auf einmal geschehen, so dass Sie nur eine Komposition für jede Aufnahme haben sollten. Nun, es gibt einige Kompositionen, die Sie in Ihrer Sequenz wiederverwenden können , und das ist völlig akzeptabel. Für die Zwecke dieser besonderen Klasse wollte ich jedoch nur die Idee des Compositing vorstellen. Zu Bearbeitungszwecken pumpt Adobe After Effects nun nur eine Videodatei aus, sodass Sie diese Videodatei mit mehreren anderen Videodateien in der Bearbeitung verwenden können. Nun, um klar zu sein, die unkomprimierte Videodatei ist enorm. Es wird viel Festplattenspeicher in Anspruch nehmen. Es ist wichtig, sicherzustellen, dass genügend Speicherplatz auf der Festplatte vorhanden ist, um das Rendern aufzunehmen. Beim Compositing stehen Ihnen weitere Optionen zur Verfügung, um das Footage zu manipulieren, z. B. Größe, Farbe und Timing. Beginnen Sie mit der Erstellung Ihres Composite-Objekts, indem Sie Ihre Assets importieren und sie in Ihrem Frame anordnen. Fühlen Sie sich frei, mit den Optionen zu spielen , die Ihnen über die Software zur Verfügung stehen. Experimentieren und erkunden. Hey, alle. Ich wollte schnell mit Ihnen über einen Teil meines kreativen Prozesses sprechen, besonders wenn es um die Postproduktion geht. Wie Sie zuvor in meinem Skizzenbuch gesehen haben, hatte ich die Idee meiner 2D-Anlage geschaffen, diese schreiende Frau und sie schauten aus dem Fenster eines Hauses an die Hände, die aus dem Boden knallen. Das war es, wofür ich anfangs geplant habe. Ursprünglich wollte ich sie auf einem Friedhof haben, aber als ich Friedhofsgüter erschaffte, wurde mir klar, dass der Rahmen wirklich überladen aussieht und die Aufmerksamkeit von den Händen abnahm. Also habe ich die losbekommen und bin einfach am Baum geblieben. Als ich jedoch anfing, diese Assets zu erstellen, wenn Sie sie in früheren Videos gesehen haben, war mein 2D-Asset riesig im Rahmen. Ihr Kopf nahm etwa ein Viertel der Größe auf, wenn Sie in früheren Videos gesehen haben, und während ich im Prozess des Compositing war, erkannte ich, dass ihr Kopf einfach viel zu groß war, also beschloss ich, es zu ändern und ihn kleiner im Rahmen zu bewegen. Als ich dieses Problem jedoch gelöst habe, habe ich ein weiteres Problem geschaffen, da ich nicht wirklich einen Körper für sie hatte. Anstatt einen ganzen Körper zu reanimieren, sieht aus, als ob er in den Rahmen geht. Ich habe gerade beschlossen, den Körper ein wenig mit einigen sorgfältig platzierten Laub zu verstecken, ich habe das Laub in dieses andere Fenster aufgenommen, so dass es Konsistenz im gesamten Rahmen gibt. Sieht aus, als wäre sie jemand, der Pflanzen an der Seite des Hauses hält. Ich wollte auch ihre Farben bewahren. Ich wollte sie nicht entsättigen, um sie so aussehen zu lassen, als wäre sie nicht in der Nacht. Ich fügte diese Lichter in den Verbundwerkstoff, um Sinn für diese Färbung zu machen. Wieder bin ich weiterhin kreativ und füge zur Szene in der Composite hinzu. Nun, das ist etwas, das ziemlich regelmäßig im Studio passiert , sowie in meiner eigenen Praxis. Je mehr ich es in die Hände kriege, desto mehr Ideen tauchen auf. Sie keine Angst, weiter zu planen, anzupassen und zu erstellen, je weiter Sie in den Prozess kommen. Lassen Sie sich nicht davon mitreißen, weil Sie schließlich Ihre Projekte beenden möchten. In der nächsten Lektion beginnen wir, Ton auf unsere Filme zu setzen. Vielen Dank. Wir sehen uns nächstes Mal. 10. Sound: Willkommen zurück zur Einführung in das Animationsfilmmachen, hier ist Lektion 10, Ton. Du fragst dich vielleicht, Eve, warum flüstest du in ein Mikrofon, um deine Aufmerksamkeit auf den Klang zu lenken. Wenn der Ton im Animationsfilm nicht funktioniert, merkt man es wirklich. Sehr gut kuratierter und gemischter Soundtrack kann Ihre Erfahrung beim Anschauen eines Films erhöhen. Es ist genauso wichtig für den Erfolg Ihres Films wie die Bilder. dieser Stelle erinnern Sie sich in Lektion 6, als wir unsere Assets zusammenstellten, daran, dass ich Sie daran erinnert habe, einen Ordner für Ihre aufgezeichneten Sounds zu erstellen. Jetzt ist es an der Zeit, zurück zu diesem Ordner zu gehen, anfangen, diese Sounds herauszuziehen und wirklich mit ihnen im Soundmix zu spielen. Wir werden die Bearbeitungssoftware Adobe Premiere verwenden , um unsere Tonmischung durchzuführen. Ein kurzes Wort dazu Bis zu diesem Zeitpunkt haben wir in erster Linie die Compositing-Software Adobe After Effects für die meisten unserer technischen Demonstrationen verwendet . Obwohl diese Software die Möglichkeit hat, Sounds zu importieren und zu mischen, empfehle ich Ihnen dringend, Adobe Premiere für Ihre Tonmischung zu verwenden, nicht Adobe After Effects. Der gesamte Zweck des Importierens von Sounds in ein Compositing-Programm besteht darin, eine Zeitüberschreitung für Ihre Animation zu machen oder einen Teil Ihres Dialogs oder Lip-Synchronisation erneut zu Timeout. Oder wenn du einen bereits aufgenommenen Soundtrack hast, um sicherzustellen, dass die Beats in deiner Komposition Soundtrack übereinstimmen. In Adobe Premiere ist es sinnvoller, Sounds zu bearbeiten, die Sie in das visuelle Bild einfügen, und auch die Musik und den Dialog richtig miteinander zu mischen. Es gibt bessere Werkzeuge damit, und es ist viel einfacher zu bedienen. Also schauen wir uns mal an. Wir befinden uns derzeit in Adobe Premiere und ich habe meine Animation mit halber Auflösung exportiert. Dies ermöglicht eine sehr einfache Wiedergabe, da ich meine Sounds durchschrubbe und mische. Hören Sie zu, was ich bisher getan habe. Ich mag, wo das so weit geht, zu lassen Sie wissen, wie ich Tonmischung machen mag, ist, Ich arbeite gerne von unten nach oben. Wenn ich Dialoge und Soundeffekte bearbeite, haben diese Effekte meist die meisten Bearbeitungen, da ich das Bild an das anpassen muss, was im Soundtrack passiert. Ich neige dazu, diese Spuren wie möglich meinem Bild am nächsten zu halten, so dass ich Bild und Ton ausrichten kann. Für andere Soundeffekte wie Musik oder Ambiente neige ich dazu, diese nach unten zu lassen, weil sie durch die ganze Arbeit laufen und ich normalerweise nicht sehr editiere. Es gibt einen kritischen Soundeffekt, der in dieser Komposition fehlt , und das ist der Schrei am Ende. Fangen wir an, diesen Schrei zu bearbeiten. Hier drüben habe ich einen Bin für meine Soundeffekte erstellt und ich habe eine Vielzahl von Effekten, die von einer lizenzfreien CD kam, die ich von weit zurück in den Tag. Ich habe auch ein paar Sounds, die ich auf meinem Handy aufgenommen habe. Klingt wie die äußeren Geräusche und ein Teil des Bodens bewegen. Aber jetzt möchte ich eine Frau aussuchen, die schreit. Ich gehe zu meiner Akte, die besagt, dass Frau schreit, wähle das aus. Ich werde mir ein paar Geräusche anhören und sehen, welche mir gefällt. Ich mag das letzte wirklich, ich denke, dass der Charakter am besten passt. Ich werde diesen Clip auswählen, indem ich Punkte auf beiden Seiten ein- und ausschiebe. Ich werde dann wieder hier runter zu meiner Sequenz gehen, ich werde sicherstellen, dass die richtige Spur ausgewählt ist. Adobe Premiere bietet Ihnen die Möglichkeit, eine beliebige Audio- oder Videospur auszuwählen, in die Sie importieren können. Für mich werde ich hier in diese Top-Audiospur importieren, und wir wollen, dass unser Audio direkt hier kommt. Ich werde überschreiben drücken, um das direkt in unsere Spur zu bringen. wir sicher, dass es ausgekleidet ist. Ich will, dass das ein bisschen später passiert. Eine andere nette Sache an Premiere ist, dass ich die WAV-Datei sehen kann, damit ich beobachten kann, wo das Audio beginnt. Gerade jetzt bin ich in der Reihe der Abspielkopf passen, wenn sie beginnt, ihren Mund zu öffnen, und das ist, wenn unser Bildschirm beginnt. Ich werde das nach unten schieben und diese gerade Linie hier sagt mir, dass es hier keinen Ton gibt, also kann ich den Clip etwas kürzer machen. Lasst uns das zurückspielen und sicherstellen, dass es passt. Wir müssen ihr ein bisschen mehr Zeit geben, damit der Bildschirm auftaucht, also lass uns das nach unten bewegen. Das klappt viel besser. Um mein Mischen zu machen, brauche ich Zugriff auf mehr Tools. Unter meinem Fenster gehe ich zu Arbeitsbereichen und wähle Audio. Das Schöne an Premiere ist, dass es eine Vielzahl von Voreinstellungen hat , die diesen Mischvorgang effizienter machen. Da ich kein Sounddesigner bin, sind diese Werkzeuge für meine Zwecke sehr vorteilhaft. dieser Titel ausgewählt ist, werde ich ihn als Soundeffekt markieren. Ich habe eine Vielzahl von Voreinstellungen zur Auswahl. Für diesen hier möchte ich es ein bisschen entfernter machen. Mal sehen, wie das ist. Ich mag den Hall drauf, aber er ist sehr leise in der Mischung, also möchte ich das beheben. Ich habe auch während ich das durchgespielt habe, ein Problem identifiziert. Nun, viele Animatoren neigen dazu, nur ihren Ohren zu vertrauen, wenn sie Kopfhörer für Sound-Mixen tragen, das ist nicht die beste Methode, Sie sollten wirklich die Aufmerksamkeit auf die Bereiche, die Sie hier haben. Die gleiche Art und Weise, wie Sie auf jede Art von Bereichen achten würden , wenn Sie erweiterte Farbkorrektur durchführen. Wenn Sie diese roten Linien hier sehen, zeigt das an, dass der Soundeffekt etwas über moduliert ist und er knackig klingen wird, wenn er auf anderen Geräten abgespielt wird. Um das zu beheben, möchte ich runterbringen. Ich werde den EQ herausnehmen, der die Tonspur ein bisschen mehr steigert. Ich werde sehen, ob das Problem behoben wird. Nein, es ist immer noch über moduliert. Es sieht so aus, als müsste ich die Lautheit senken. Es ist immer noch laut, also werde ich jetzt die Lautstärke einstellen. mein Clip ausgewählt ist, werde ich hier rauf gehen und ich werde die Lautstärke senken. Jetzt können Sie sehen, dass ich keine Warnungen habe, dass der Ton über moduliert ist. Für unseren anderen Soundtrack werde ich das ein paar Dezibel ansprechen. Das ist eine schnelle Demonstration, wie man den Prozess des Klangmischens beginnt. An dieser Stelle können Sie mit der Arbeit an Ihrem Bild fortfahren, bis es zum Rendern bereit ist. Arbeiten Sie also weiter an Ihrem Compositing, Ihrer Beleuchtung, spielen Sie mit Ihren Farben und sogar an Ihrer Kamera. Nächste Lektion machen wir uns bereit zu rendern. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit. Ich freue mich darauf, Sie nächstes Mal zu sehen. 11. Rendering und Teilen: Willkommen zurück zu Einführung in den Animationsfilm machen. Hier ist Lektion 11, Rendern und Teilen. Wir haben es geschafft. An diesem Punkt. Sie sollten fertig sein, der Produktions- und Postproduktionsprozess. Das Compositing sollte durchgeführt werden, die Klangmischung sollte aufgelöst werden. Jetzt machen wir uns bereit, das Rendern von diesem Composite zu treffen. Bevor wir das tun, stellen wir sicher, dass wir die richtigen Einstellungen haben, um unser Projekt zu erkunden. Wir sind wieder hier in Adobe After Effects, mein Composite ist komplett fertig und jetzt bin ich bereit für den Export. Ich gehe zu Datei, und unter Exportieren habe ich eine Vielzahl von verschiedenen Optionen, darunter das Senden an Adobe Media Composer zur Komprimierung Senden direkt an die Renderwarteschlange, was mir eine unkomprimierte Datei gibt. Wir senden es an das Bearbeitungsprogramm, Adobe Premiere Pro. Meine Methode besteht darin, AAfter Effects Composites immer an die Renderwarteschlange zu senden , da ich eine unkomprimierte Version meines Projekts möchte. Der Grund, warum ich das mache, ist, dass ich meine Projektdateien nicht jedes Mal öffnen muss, wenn ich eine neue Version dieser Videodatei benötige. Jetzt habe ich mein Projekt in Adobe Premiere gebracht, ich habe die unkomprimierte Version meines Projekts und schiebe es jetzt in meine Timeline, um meinen Soundtrack zu begleiten. Ich bin jetzt bereit für den Export. Zuerst möchte ich meine Sequenzeinstellungen überprüfen, um sicherzustellen, dass sie alle in ihrer richtigen Größe sind. Meine Framegröße beträgt 1920 x 1080, und ich arbeite bei 30 Bildern pro Sekunde. Ich möchte auch sicherstellen, dass die Sequenz bei quadratischen Pixeln liegt, jede andere Voreinstellung macht das Ergebnis länglich oder verzerrt. Ich werde jetzt exportieren. Wenn ich aus Adobe Premiere auf die gleiche Weise wie aus After Effects exportiere, möchte ich sicherstellen, dass ich eine unkomprimierte Version exportiere Dies wird in der Zusammenfassung der Exporteinstellungen angezeigt. Für diese spezielle Version werde ich einen QuickTime Codec mit einem Apple Fortschritt 422 Preset verwenden. Das gibt mir eine unkomprimierte Version bei 30 Bildern pro Sekunde mit 1920 x 1080. Stellen Sie sicher, dass Ihre Audio- und Videodaten ausgewählt sind , oder das eine oder andere wird möglicherweise nicht angezeigt. Sie haben auch die Möglichkeit, durch Ihre Animation zu scrubben , um sicherzustellen, dass alles gut aussieht, bevor Sie auf „Rendern“ klicken. Jetzt bin ich in Adobe Media Encoder. Ich schrubbe durch meinen Kurzfilm. Jetzt möchte ich es für eine Vielzahl von Verteilungsmethoden vorbereiten. Die gebräuchlichste Verteilungsmethode ist die H.264-Komprimierung. die Presets anschaue, ein weiterer Grund, warum ich die Adobe-Suite als Teil meiner Demonstration gerne verwende , weil es verschiedene Voreinstellungen gibt , die für populäre Social-Media-Distributionen wie Facebook, Twitter, Vimeo und YouTube. Je nachdem, wie ich meinen Film exportiere oder wie mein Publikum meinen Film sehen soll, kann ich diese auswählen . Sobald ich die richtige ausgewählt habe, kann ich meinen Play-Button drücken und ich bin bereit, zu exportieren. Mit dieser unkomprimierten Version kann ich eine Vielzahl von verschiedenen Methoden haben, wie YouTube, Vimeo, etc. Ich kann sie alle einrichten und so einstellen, dass sie nacheinander gerendert werden. Bevor Sie fortfahren, machen Sie Ihre Recherche. Wohin soll dieser Film gehen? welchen Social-Media-Plattformen möchten Sie es teilen oder möchten Sie es einfach auf eine Website hochladen? Jede Distributionsstelle hat Kriterien für die Arten von Dateiformaten, die sie benötigen, um auf ihre Plattform gestellt zu werden. Stellen Sie sicher, dass Sie mit der richtigen Dateistruktur exportieren. Sie sollten immer jede Datei testen, bevor Sie sie auf Ihrem Konto erstellen. Sie suchen nach verlassenen Frames oder wenn der Sound nicht synchronisiert wird, oder vielleicht gibt es einfach einen Fehler. Nächste und letzte Lektion besprechen wir, wie Sie ein Publikum für Ihren Kurzfilm gewinnen können. Vielen Dank für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit. Wir sehen uns nächstes Mal. 12. Verteilung: Willkommen zur letzten Lektion in Animationsfilmen, hier ist Lektion 12, Verteilung. Herzlichen Glückwunsch, Sie haben einen Kurzfilm gemacht. Nun, um die uralte Frage zu stellen, wenn du einen Film gedreht hast und niemand ihn gesehen hat, existiert er? Für Sie, sicher. Natürlich existiert es. Es zeigt ein Stück Zeit in Ihrem Leben, in das Sie viel Mühe setzen, vielleicht ist dies nur eine große kreative Übung. Ich ermutige Sie jedoch, mit Ihrer Arbeit ein Publikum zu finden. Es ist immer hilfreich, etwas zu teilen und ein aussagekräftiges Feedback zu erhalten. Jetzt weiß ich, dass dies das Internet ist und manchmal bekommt man keine wirklich tollen Kommentare, aber man könnte etwas wirklich Nützliches oder Inspirierendes bekommen. Hab keine Angst, geh da raus, finde dein Publikum. Der letzte Schritt in diesem Prozess besteht darin, diese Zielgruppe zu identifizieren. Wer will dir deine Arbeit ansehen? Fragen Sie sich zuerst bei der Erstellung dieses Projekts, welchen Zweck dient Ihnen dieses Projekt? Ist das eine Übung? Wenn es den Menschen gezeigt wird, die Ihnen eine nützliche Kritik geben werden. Sind Sie auf der Suche nach Arbeit? Stellen Sie sicher, dass die Fähigkeiten, die Sie in der Kurzform demonstrieren, für die Stellenbeschreibung gelten. Dies ist ein Proof of Concept. Stellen Sie sicher, dass dies Ton und Charakter in einem kurzen Clip zusammenfasst. Teilen Sie es mit Personen, die daran interessiert sind, mehr über Ihr Projekt zu erfahren. Was auch immer Ihr Grund ist, stellen Sie sicher, dass Sie es den richtigen Leuten zeigen , um Ihnen hilfreiche Ratschläge für Ihren Fortschritt als Künstler zu geben. Hier sind soziale Medien wirklich wertvoll. Jedes Jahr besuche ich das Ottawa Animation Festival für professionelle Referenzen und Networking. Im Jahr 2018 hörte ich von der Animatorin Celia Bullwinkel über ihren selbst produzierten Kurzanimationsfilm: Sidewalks. Sidewalk ist eine visuelle Metapher über eine Frau, die durch das Leben geht, ihren sich verändernden Körper konfrontiert und lernt, sich selbst zu lieben. Dass es über drei Millionen Ansichten auf Vimeo und gewann mehrere Auszeichnungen und Filmfestivals. Während ihres Vortrags skizzierte Celia ihre Strategie, ein Online-Publikum zu finden. Plane, Celia wählte ein Datum aus, um ihren Film auf ihrem Vimeo-Konto zu veröffentlichen. Sie fand Websites und Social-Media-Gruppen, die Frauenfragen unterstützen. Kontakt, schickte sie den Administratoren dieser Online-Räume eine personalisierte Nachricht und fragte, ob sie den Film für ihre Zuschauer werben würden. Incentive, als zusätzlicher Bonus, jeder, der zustimmte, bekam einen frühen Zugang Link, um mit seinem Publikum zu teilen. Zu ihrer Freude erhielt Celia eine universell positive Resonanz. Nun, das ist eine ziemlich außergewöhnliche Erfolgsgeschichte. Ich glaube, dass Celias Strategie, ein Publikum zu verdienen , ziemlich universell und zugänglich ist. Ich hoffe, Sie haben diese Klasse genossen und gelernt, wie Sie Ihre Animationsfähigkeiten für viel größere Projekte nutzen können. Ich ermutige Sie, weiter zu üben und Ihre Arbeit zu teilen. Vielen Dank nochmals für Ihre Zeit und Aufmerksamkeit und ich freue mich auf die Zusammenarbeit mit Ihnen für zukünftige Klassen. Danke und achte auf.