Die zehn Grundsätze des Malens in täglichen Skizzenbuchlektionen

1. Die zehn Elemente des Malens: Das sind Grundlagen, die jeder kennen muss. Hey, ich bin Amarilys Henderson, ich bin Aquarell-Illustrator. Ich kann für einen Lebensunterhalt malen, und ich male auch meine Gefühle und die Dinge, die ich tun muss, und zum Spaß, meinen Glauben und alles, was man sich vorstellen kann. Ziemlich einfach nur auf ein Blatt Papier legen. Wenn ich das tue, setze ich diese Prinzipien um, die Sie vielleicht nicht einmal erkennen, dass Sie ständig verwenden, oder dass Sie in den großen Kunstwerken sehen. Ich möchte Sie durch die 10 Prinzipien der Malerei führen. Sie werden fertig mit 10 Skizzenbuch-Seiten für Notizen, Ideen und Konzepte, die Ihnen helfen, bessere Kunstwerke zu erstellen. Jeder Künstler muss das Zeug wissen, also lasst uns los. 2. Übersicht: Wenn du Arbeit und Denken kreierst, muss ich zurück zu den Grundlagen, ich verstehe nicht wirklich, was ich tue, oder worauf ich reagiere, oder was ich mag, ich möchte dir diese Worte in den Mund legen, Ich möchte, dass Sie verstehen, was ein Gemälde großartig macht, um Linie zu betrachten, Farbe zu betrachten, Komposition zu betrachten, all diese Dinge, die zu wunderbarer Arbeit beitragen. Sie sind einfach lustige Praktiken, die wir in jedem dieser Lektionen ausüben werden und wir gehen weg wie immer mit etwas, das es wert ist, zu zeigen. Ich persönlich mag es nicht, Kurse zu machen, in denen ich einfach kritzeln oder schlimmer notiere, und ich habe nichts, um darauf zurückzublicken, um es zu zeigen. Da ich so ein visueller Lernender bin, möchte ich wirklich sehen, wovon wir hier reden, und das werden wir tun. Sie können diesen Kurs jeden Tag über Snippets nehmen, in der Tat, ich denke, das ist, wie ich es vorschlagen würde so haben Sie diese Sammlung von Lektionen und Sie lernen es langsam, und wenn Sie am nächsten Tag darauf zurückkommen und Sie Prinzip Nummer 2, du denkst zurück, okay, was war die Nummer 1 wieder? Ooh richtig, und das kleine mentale Joggen, das du direkt dort gemacht hast, das ist sehr nützlich beim Lernen, du wirst die Konzepte tatsächlich mehr erfassen, wenn du es als tägliche Übung machst , wenn du es ein bisschen zu einer Zeit nimmst. Wir gehen durch jeden einzelnen, und ich werde dir ein bisschen über jeden beibringen, bevor wir zu unseren Skizzenbüchern und Übungen kommen, was sie für Kunstwerke bedeuten. 3. Über Farben: Farbe. Wenn wir jetzt über Farbe sprechen, ist es normalerweise das erste, was in den Sinn kommt, wenn wir an Gemälde denken. Es ist, was wir in der Kunst des Play Store verlieben und wirklich der Köder, uns in die Malerei zu bringen. Wenn wir über Farbe sprechen, spreche ich darüber, wie Licht ein Objekt trifft und vom Auge wahrgenommen wird. Das ist wirklich wissenschaftliche Vortrag dafür, dass wir jede Farbe durch unsere Augen interpretieren und es ist tatsächlich Licht. Aber was sind einige Möglichkeiten, wie Farben in der Malerei verwendet werden? Wir sprechen über Farbe, wir sprechen über Farbton, also wäre das der Unterschied zwischen Rot und Grün, Gelb und Blau, dem Farbton dieser Farbe. Dann sprechen wir über Intensität, was im Grunde ist, wie gesättigt eine Farbe ist. Wie sehr diese Farbe von sich selbst ist, wie wahr sie ist, wie intensiv sie ist oder wie langweilig sie ist. Eine sehr entsättigte Farbe wäre also grau, und es ist ein perfekter Übergang zum Wert. Eine andere Art, über Farbe zu sprechen, ist der tonale Wert. Wir sprechen also von Licht und Dunkel, sogar innerhalb des gleichen Farbbereichs. Einige Wörter, die Sie vermeiden sollten, wenn Sie über Farbe sprechen, sind hell, einfach weil es als Wert oder Intensität betrachtet werden könnte. Deshalb verwenden wir diese großen Worte, um über Farbe zu sprechen. Wir sprechen über Farbton, wir sprechen über Intensität und wir sprechen über Wert. Hier sind einige Gemälde, die einige dieser Prinzipien am besten veranschaulichen. Wir haben viele verschiedene Farben und wir haben wirklich intensive, gesättigte Farben. Dann haben wir Farben, die verwendet werden, um verschiedene Töne zu beschreiben, verschiedene Werte innerhalb eines Gemäldes. 4. Mit Farben üben: Ich habe mein Skizzenbuch für meine erste Lektion bereit. Farbe. In Ordnung, ich habe meine Aquarellfarben. Dies ist eine Mijello Mission Goldpalette. Es ist ziemlich teuer. Sie können verwenden, was Aquarellpalette Sie wollen , weil wir nur mit den Farben spielen, die wir haben. Ich werde eine Größe 4 Rundbürste verwenden. Es ist ziemlich praktisch. Es ist klein. Du könntest etwas größer als das gehen und später werde ich eine wirklich große flache Bürste benutzen. Im Moment möchte ich nur, dass du mit deiner Lieblingsfarbe beginnst und ihm ein wenig Schwärmen gibst, also kreiere einen kleinen Kreis. Jetzt auf unserem Farbrad, werden wir denken, welche Farbe will ich gehen, dass überspringt eins und geht dann zu diesem. Rosa ist ein Derivat von Rot. Wenn ich also zu warmen Farben überspringen würde, würde ich rot, orange überspringen und zu geradeaus orange gehen. Geradeaus, ist das grün. Es gibt mein gesplittenes Ergänzungsprogramm. Jetzt möchte ich ein analoges Schema von dieser ersten Farbe machen. Meine erste Farbe war rosa, und das habe ich nach Rosa wieder herausgezogen. Ein analoges Farbschema wählt Farben, die direkt daneben liegen. Gleich nebenan habe ich rote Orange und Orange. Nur um es etwas leichter zu machen, werden wir uns in die gelbe Orange erstrecken. Siehst du, wie diese Farben irgendwie alles in einer Linie gehen, das ist mein analoges Farbschema. Nun, ich werde nur eine Farbe auswählen. Ich benutze einen kleinen flachen Pinsel, das ist Größe 6. Aber ehrlich gesagt sieht es so aus, als ob es kleiner sein sollte, eine kleinere Zahl als das. Du brauchst diesen Pinsel nicht zu haben. Ich erstelle nur ein wenig Farbtupfer damit. Jetzt habe ich zwei coole Farben, grün und blau, und viele warme Farben. Ich werde mein Bestes versuchen, mich an diese Farben zu halten, und ich kann dann schwarz hinzufügen oder aufhellen, wie ich will, und ich kann sie zusammen mischen. Was wirklich Spaß machen wird. Es ist so lustig, dass ich es dir zeigen muss. Ich werde mein Rosa mit meiner Orange mischen. Sehen Sie, wie einfach einen kleinen Kreis von Rosa über der Orange zu schaffen, einfach reaktiviert. Sie mischen sich zusammen. Ich werde mein Rosa mit dem Grün mischen. Um Ihre Farben zu reaktivieren, bekommen Sie einfach Ihren Pinsel sehr nass. Auf diese Weise weckt es wieder die Farben auf Ihrem Papier. Ich werde dasselbe mit der Orange machen. Hier ist Orange plus Pink. Welche Farbe macht das aus? Es ist ein bisschen wie die verbrannte Orange. Die Orange mit dem Grün macht einen schönen schlammigen Braun und schön, das ist sehr hübsch. Das sind alle Farbkombinationen, die wir tun können , indem wir diese drei Farben miteinander mischen. Denn wenn ich das Grün mit der Orange vermische, ist das dasselbe wie das Mischen der Orange mit dem Grün. Ein weiterer Schritt, den ich machen werde, ist, weiß zu verwenden, ich benutze Stift weiß von Dr. P.H. Martins. Ich werde ein wenig von diesem Weiß mit meinem Rosa mischen , damit ich sehe, wie das aussieht, wenn es hell ist. Waschen Sie meinen Pinsel ab, mischen Sie ein wenig Orange mit dem Weiß. Waschen Sie meine Bürste ab, weiß mit dem Grün. Ziemlich wenig Minze. Zu dunkel, ich werde ein wenig mehr weiß hinzufügen. Da gehen wir. Ich kann es sogar in dieses Braun bringen, das vermischen. Du bekommst dieses kühle, gedämpfte Braun. Ein wenig Weiß in diese Art von violetter Farbe, die ich von rosa plus grün und weiß bekam , und das wäre das gleiche, rosa weiß und orange. Das sind viele Farben, aus denen wir wählen müssen. So können wir ein sehr komplettes Bild machen und wir müssen nicht einmal auf diese Art von Bonusblau einwählen, das ich nur zum Spaß geworfen habe. Was ich tun werde, ist, dass ich jetzt meine große flache Bürste benutzen werde. Sie können den Pinsel verwenden, den wir benutzt haben. Das wird eigentlich schneller sein. Also werde ich zuerst meine Bürste nass bekommen. Dies ist eine Größe 20. Ich werde nur einen Farbverlauf mit dieser untersten Ebene erstellen. Ich werde mit dem nassen Teil meiner Seite ganz oben anfangen. Ich werde rosa hinzufügen. Diese Methode wird als Nass-Nass-Malmethode bezeichnet, liegt daran, dass wir nasse Farbe auf ein weißes Blatt Papier malen. Es lässt die Farben viel besser vermischen, als wenn wir von einem nassen Pinsel zu einem trockenen Blatt Papier gingen. Ich habe meine Bürste noch nass, aber dieses Mal habe ich etwas Orange hinzugefügt, ich werde sie ein wenig Crossover lassen. will sehen, ob mein Papier noch nass ist. Nicht wirklich, also werde ich noch etwas Wasser hinzufügen. Der Pinsel war ein wenig schmutzig, also hatte er schon ein bisschen von der rosa, aber das ist okay. Meine nächste Farbe, gelb, orange. Sie können sogar Farben überspringen, denn wenn wir direkt auf Gelb gehen, würden sich Gelb und Orange verschmelzen, oder? Also muss ich dieses rote Orange hier nicht hinzufügen. Es ist schon rot-orange. Es ist schon das Rosa und die Orange mischen sich zusammen. Kämmen Sie sie so viel durch, wie Sie möchten. Du kannst weitermachen, wenn du einen vollen Regenbogen machen und mehr Farben machen willst, werde ich bei gelb anhalten, weil ich wirklich mein Farbschema behalten möchte , wie ich hier habe. Ich trage nur Farbe wieder auf, wie ich muss, wo ich sehe, dass es einige Flecken gibt, die mehr Farbe benötigen. Ehrlich gesagt, ich habe nur so viel Spaß. Dies ist so eine einfache Aktivität und Sie lernen so viel über Farbe, nur indem Sie diese Farben interplay und mischen sich miteinander. Machen Sie mehr davon, wenn Sie wollen. Aber das ist alles, was wir heute tun werden. Wir spielen mit den Farben, die wir gewählt haben, unser geteiltes komplementäres Farbschema, schaffen nasse Betten von Farbe, und füllen es dann mit mehr, so dass sie zusammen gradieren. Es macht wirklich Spaß, zuzusehen. 5. Über Farbtöne: Es wird gesagt, dass Wert das Wichtigste in einem Gemälde ist, aber Farbe bekommt den ganzen Kredit. Wert ist ein großartiger zweiter Schritt, über den man nachdenken muss. Es ist wirklich der Eckpfeiler vieler Gemälde. Wenn Sie ein Gemälde nehmen und einfach die Farbe vollständig entfernen können, was ich oft tatsächlich auf meinem Handy tun, nur um die Intensitäten des Wertes zu sehen, das wird Ihnen helfen, zu entscheiden, was als nächstes in Ihrem Gemälde zu tun. Manche Leute nennen es Ton, aber wir reden darüber, wie hell und dunkel eine Farbe, oder nicht. Vielleicht schwarz, vielleicht Grey, ist es. Wenn wir uns dem Wert nähern, denken wir über den Kontrast nach. Das wäre eine sehr scharfe, dunkle und leichte Art, Wert zu schätzen. Wir reden von Abstufung. rechts reden über einige wirklich langsame Abstufungen im Wert, und dann verwenden wir Wert als Brennpunkt. Hier sind einige Visuals, die Ihnen helfen, diese Idee des Kontrastes zu verstehen, oder einige wollen schick klingen, Sie können es Chiaroscuro nennen, wo wir diesen italienischen Begriff haben, um dieses raue dunkle und raue Licht zu beschreiben, und wie es lässt unsere Augen auf gestochen scharfe Umrisse konzentrieren. Wir haben wirklich Werte in dieser Abstufung und Fokuspunkte, die durch Wert erzeugt werden. Dies sind einige Gemälde, die diese verschiedenen Prinzipien des Wertes zeigen, den hohen Kontrast der Mona Lisa. Im zweiten Gemälde von John Burton sehen Sie eine Abstufung der Werte von sehr scharfen Kontrast zu einigen sehr hellen Tönen, wenn die Figuren immer weiter weg wachsen. Im dritten Bild, genannt „Der Matchmaker“, sieht man, wie der Brennpunkt wirklich durch diesen harten Kontrastwert gezeichnet wird. Wir haben viel Dunkel und viel Licht, und dann werden unsere Augen an diesen Ort hingezogen, und das ist eine großartige Möglichkeit, die Prinzipien des Wertes zu nutzen. Wir werden die jetzt trainieren. 6. Mit Farbtönen üben: Jetzt werden wir mit Wert arbeiten. Wert ist das Licht und die Dunkelheit. Wir arbeiten noch in der Farbtheorie hier, also werde ich meine gleiche Runde für Pinsel verwenden und ich werde nur von dieser Farbe gehen. Da ist es, in seiner reinsten Form. Ich werde es hier drüben setzen und es in verschiedenen Ebenen der Dunkelheit tun , indem ich die ergänzende Farbe dieses Smaragdgrün hinzufüge. Ich werde vermuten, dass das wirklich dunkel ist, bringen Sie es hierher. Schön und dunkel. Jetzt mit Aquarell, die Art und Weise, wie wir heller und dunkler werden, ist nicht nur durch Mischen von Farben, sondern auch durch Zugabe von Wasser. Ich werde die Farbe auf meinem Pinsel benutzen sie hierher bringen. Sie könnten ein wenig mehr Wasser hinzufügen, um es leichter zu machen. Sie können Farbe entfernen, indem Sie Ihren Pinsel rollen und ihn aufheben, und ich füge nur ein wenig von dieser lila Farbe hinzu, die ich noch auf meinem Pinsel und zu dieser Wäsche habe, und Ihre erste muss nicht perfekt sein. Es ist alles eine Praxis, dies genau richtig zu bekommen und vorherzusagen, wie hell oder dunkel diese Farben sein werden, indem Sie wie viel Farbe Sie auf Ihrem Pinsel haben und wie viel Wasser Sie verwenden. Dies ist eine großartige Übung, wenn Sie neu in Aquarell sind und Sie versuchen zu verstehen, wie viel Sie auf Ihren Pinsel legen, wie viel Sie mit jeder Übung auf Ihre Seite setzen eine kleine Wertskala erstellen. Rollen Sie die Bürste, wenn wir wegnehmen müssen, fügen Sie ein Wasser hinzu, wenn wir es leichter machen müssen. Dann für meine letzte, werde ich das, was ich übrig habe, als Mischung mit Weiß verwenden, und das ist so leicht, wie ich in der Lage sein werde, mit dieser Farbe zu gehen. Lassen Sie uns dasselbe mit dem Grün versuchen. Wieder, Waschen Sie Ihre Bürste bekommen eine reine, Menge an reinem Schwitzen hier. Einfach direkt auf Smaragdgrün. Ich setze es hierher. Jetzt, da Grün von Natur aus dunkler ist, beschneide ich etwas von dieser Farbe, so dass es eine hellere Farbe sein wird. Ich erkannte, dass es wirklich schnell dunkel wird, also grün in seiner reinsten Form wird wahrscheinlich mehr gegen das Ende meiner Werteskala hier sein , während das Rosa genau in der Mitte war. Verwenden Sie es ein wenig mit dem Weiß, sehen Sie, wie das herauskommt. Ich liebe diese Farbe wirklich. Haben Sie noch mehr Weiß. Alles klar, jetzt müssen wir dunkler werden, also werde ich die Farbe auf meinem Pinsel noch vollwertiger machen. Mal sehen, ob das so weit ist, wie ich es in seiner reinsten Form schieben kann. Sieht so aus. Wenn ich dunkler werden will, rate mal was, es werden diese Farben da oben sein, also muss ich das nicht nochmal malen. Ich füge einfach ein kleines bisschen Rosa hinzu. Schau dir an, wie das meine Farben schon so verändert hat. Diese Mischung hat mehr Grün als Rosa, diese Mischung hat mehr Rosa als Grün, also gibt es meine Werte für mein Grün. Jetzt für die lustige Übung. Ich möchte, dass du Wolken mit diesen Farben kreierst. Ich werde mit der coolen Farbe gehen, weil es sich natürlicher anfühlen würde. Nein, ich werde mit der warmen Farbe gehen, ich werde mit dem Rosa gehen. Rosa Wolken, ich kann einfach nicht widerstehen. Ich werde mit einer hellweißen Mischung mit dem Rosa beginnen, um meine Wolken zu machen. Die Art und Weise, wie ich meine Wolken mache, besteht darin, eine Sammlung von Halbkreisen in verschiedenen Größen zu machen und sie dann auszufüllen. Hier ist ein kleiner Halbkreis, drei oder vier ist eine gute Zahl, und dann verbinden sie alle auf der Unterseite. Es ist offensichtlich nicht der einzige Weg, um Wolken zu machen, das ist meine Art, dass ich am meisten Spaß fand. In Ordnung, aber da ich Wert erforsche, werde ich das tun. Nächste Wolke, mit mehr Farbe, werde ich eine dunklere Version machen. Gleiches Motiv, nur dunkler, und mit meinen Werten spielen. Ich mag meine niedlichen kleinen Wolken, schöne Abwechslung und die Werte. Ich fühle mich, als hätte ich ein besseres Verständnis dafür, wie ich mit meinen Farben dunkler und heller werden kann, indem ich ein paar Wolken malte. 7. Über Linien: Das dritte Element der Kunst, über das wir sprechen werden, ist Linie. Beim Malen haben wir immer Linie, weil es im Wesentlichen jedes Mal, wenn Ihr Pinsel auf die Leinwand oder das Papier trifft, Sie eine Linie erstellen, egal ob Sie wollen oder nicht. Dies sind Pfade von einem zum anderen, die sich durch den Raum bewegen. Nun können Linien sehr definiert sein, sie können sehr symmetrisch sein, aber nicht in der Breite variieren, nicht viel Linienqualität, aber dann haben Sie gestische Linien, die viel freier platziert werden. Sie drücken viel mehr mit einer einzigen Zeile aus. Perspektive ist auch eine große Verwendung von Linie und es ist, was es sagt. Wir werden Linien verwenden, um die Tiefe und Umgebung zu schaffen, um die Umgebung, in der sich unser Thema befindet, besser zu verstehen. Hier sind einige Gemälde, die helfen, diese Idee zu zementieren, wie Linien wie Mondrian definieren können, da Linien Emotionen hervorrufen können, indem sie gestisch sind, sehr locker sind, indem sie eine Menge Breite und dicke und dünne Linien verwenden, um die Umriss von etwas. Es muss keine Stick sein, gerade Linie. Eine coole Art, Perspektive zu zeigen, muss es sich nicht um eine Bleistiftskizze handeln. Perspektive wird oft mit Linie gezeigt, einfach weil wir das Auge von einem Punkt zum anderen mit der Kraft der Linie führen . 8. Linien üben: Jetzt kommen wir in etwas, das ich wirklich versucht habe, in meine Arbeit zu integrieren. Obwohl die Farbe groß ist, ist die Farbe ein bisschen wählerisch. Linie, also liebe ich es, über die Linienqualität zu sprechen. Es liegt daran, dass wir Linien herstellen können, die einheitlich sind und das mit Sicherheit spricht. Aber es gibt etwas daran, die Breite davon zu erhöhen , wie dick und dünn Ihre Linie ist. Wir werden die in Orange machen. Jetzt werde ich ein paar reguläre Zeilen erstellen. Versuchen Sie irgendwie mein Bestes, sehr konsistent mit ihrer Breite, mit ihrer Dicke zu sein. Vielleicht machen Sie ein paar Wellenlinien. Aber wieder Uniform. So gut ich kann. Jetzt werde ich mit Linienqualität spielen, indem ich dick und dünn gehe. Ich lade viel Wasser und viel Farbe auf meinen Pinsel, damit ich mehr Flexibilität habe. Die Größe meines Pinsels ist vier, aber Sie werden sehen, dass ich die Spitze davon verwenden kann, um dies zu einer sehr dünnen Linie machen und dann nach unten drücken und eine dicke Linie zu machen und wieder eine dünne Linie zu machen. Dies wird viel Übung brauchen, wenn es etwas ist, das für Sie völlig neu ist, aber es lohnt sich, mehr darüber zu lernen. Lassen Sie es uns in die Praxis umsetzen. Wir werden die Linienqualität mit ein paar verschiedenen Themen erkunden. Vielleicht wird einer von ihnen interessanter für dich sein als der andere. Eins sind Schmetterlinge. Schmetterlinge sind also lustig zu zeichnen, weil sie nur symmetrisch sind, und es ist Zwei-Ohr-ähnliche Formen zusammen. Aber mit meiner Linienqualität kann ich die Flügel des Schmetterlings manchmal dicker anfühlen, sich dünner fühlen. Es fügt wirklich viel Interesse und sogar Realität zu etwas, das so leicht kritzeln kann. Lets versuchen und Schmetterlinge seitlich. Sehen Sie, wie ich meine Bürste runter drückte, als ich in diese Kurven zu bekommen und nach oben zu lassen, wie das Wiegen an den Schmetterling befestigt. Jetzt versuchen wir das gleiche Prinzip mit einem Pferd. Pferde können schwer zu zeichnen sein. Aber wenn man sich ein Pferd anschaut, denke an seine dominante Bewegung, und dort soll die Linie die dickste sein. Hier mache ich es über seinen Rücken. Immer dünner, als ich in die Schnauze komme. Ging ein wenig spitz auf die Schnauze. Spitziger, als ich wollte. Eine einheitliche Linie für den Hals und für die Ohren. Beachten Sie, wie diese Linien, sie geben nur ein Gefühl von Form. Es ist nicht das realistischste Pferd, das Sie jemals sehen werden, aber es ist da, um die Bewegung eines Pferdes zu zeigen. Hätte ich das gleiche Pferd mit einer einheitlichen Linie gezeichnet, würde er eher so aussehen. Ich ziehe das gleiche Pferd, aber es sieht anders aus, und das gefällt dir vielleicht besser. Aber es gibt keine Bewegung, es gibt kein Gefühl, ein Verständnis davon zu bekommen , wohin es geht und wo es seine Kraft setzt. Ich werde nur das Gesicht eines Pferdes machen. Zwei Linien für die Ohren, zwei Linien für die Augen und zwei Linien für die Nasenlöcher, nur um meine Haltung zu bekommen. Verwenden Sie dann eine dünnere Linie auf der Innenseite des Ohres. Gib ihm ein paar dicke Haare hier. Einige dünnere Linien entlang der Ränder seines Gesichts. Du willst zurück zu Schmetterlingen. Ich verstehe es total. Wie wäre es, wenn wir kreieren, was wir schaffen wollen, schaffen wir die Silhouette davon mit einer wässrigen Aquarellwaschung. Ich mache die Silhouette eines Schmetterlings. Ich werde versuchen, in die Silhouette eines Pferdes zu quetschen. Hals, Körper, Beine Sehr kleines kleines Pferd hier. Das Gefühl, als müsste er ein wenig ausfüllen, nah genug. Nach denen, die trocken sind, komme ich mit einer reinen Farbe rein. Vielleicht fangen Sie an, meine Farben ein wenig zu mischen. Ich habe ein bisschen von diesem rosafarbenen Orange, das ein wenig dunkler wird. Jetzt erstelle ich den Körper des Schmetterlings mit einer schönen dicken Linie, die sich am Ende verjüngt, so dass er dünner ist. Die Antenne. Und ich kann den Umriss mit einer Linienqualität erstellen , bei der ich mit meinen Linien dicker und dünner werde. Füllen Sie, wo Sie ein wenig zu leicht bekommen. Setzen Sie ein paar weitere Farbflecken. Fügen Sie ein wenig grüne, sehr dünne Linie hinzu. Also genau hier in diesem kleinen Schmetterling bekam ich ziemlich viel Abwechslung mit Dicke und Dünnheit jeder Linie. Lasst uns dasselbe für das Pferd tun. Das Pferd, wir werden ihn stark vor sich stehen lassen. Sieht fast wie ein Schlagschatten aus. Du kommst herum und breitest dich aus. Wir werden dicker, fügen kleine Details, ein kleines Auge, kleines Nasenloch für unser Pferd hinzu. Sie können einige andere Tiere versuchen, indem Sie speziell zuerst diese Silhouette erstellen, diese kleine wässrige Farbe nur der Umriss und füllen, dass in, lassen Sie das trocknen. Dann versuchen Sie Ihr Bestes, um diese Tiere zu betrachten und zu interpretieren, wohin ihre Bewegung geht. Sie spielen damit, wie dick und dünn Sie diese Linien erstellen. 9. Über Formen: Ein persönlicher Favorit und ein gemeinsamer Favorit unter Künstlern. Ganz einfach, es ist ein geschlossener Bereich. Es ist eine Form, du verstehst es. Wenn wir über Form sprechen, sprechen wir über geometrische Formen. Sie können organische Formen sein oder Formen können der positive oder negative Raum sein, so dass andere Formen die Form bilden können. Hier sind einige Beispiele für einige von denen, die sich sehr leicht vorstellen können. Geometrische Formen, Dinge, die Sie beschriften können. Organische Formen, nicht so sehr, schwieriger zu beschreiben. Gewöhnlich in der Natur von der Natur inspiriert gefunden. Positive und negative Formen. Die Form des Ringes wird durch die negativen Formen erzeugt, oder wenn Sie darüber nachdenken, ist der Kreis innerhalb des Ringes eine Form, die durch den negativen Raum erzeugt wird. Hier sind einige Gemälde, die diese schön lieben diese schönen geometrischen Formen in diesem ersten Gemälde erstellt darstellen , überlappend. Wir können alles in Formen reduzieren. Sobald wir diese Formen verstehen, können wir sie leicht interpretieren. Matisses organische Formen, die er aus geschnittenem Papier gemacht hat. Sehr fließend mit nur der Bewegung Ihrer Hand und nicht zu genau von dem geleitet, wie es aussieht. Oder wir haben diese positiven und negativen Formen mit unserem Geist in dieser Escher-Zeichnung spielen, wo wir haben, ist es das Schwarz, das der positive Raum ist, der tatsächlich die Form ist, oder ist es das Weiß, das eine negative Form ist? Es ist alles sehr verwirrend, aber es sind alle Formen, die von diesen umschlossenen Bereichen geschaffen werden, die wir visuell erstellen. 10. Formen üben: Eines meiner Lieblingsprinzipien der Malerei, Form. Der Grund, warum ich Form liebe, ist, weil man so viel mit der Form von etwas interpretieren kann. Du brauchst nicht wirklich viele andere Dinge, wenn du deine Formen richtig hast. Ich werde eine flache Bürste benutzen. Dies ist Größe 12. Der Grund, warum ich das benutze, ist nur, um Ihnen zu zeigen, wieder, Sie können jeden Pinsel verwenden, den Sie haben. Aber ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie leicht Formen mit diesem Pinsel erstellen , weil ich das Gefühl habe, dass es wirklich gut lehrt. Ich werde diese rot-orangefarbene Mischung verwenden, die wir hier haben. Das Tolle an einem flachen Pinsel ist, wie ich es senkrecht verwende, es wird eine schöne breite Linie zu schaffen, die das Erstellen einer Form ziemlich einfach macht. Ich benutze den Pinsel von oben nach unten und wirbel ihn, um einen Kreis zu erstellen, anstatt ihn in einem Winkel zu verwenden, was wir normalerweise tun, wenn wir malen. Malen Sie einfach ein paar Grundformen. Sie haben das schon mal gemacht, keine große Sache, aber wir werden diese grundlegenden Formen verwenden, um zu bauen, was wir wollen. In diesem Fall machen wir eine Scheune. Ich werde mein Grün, mein Rosa und meine Orange mischen , um zu sehen, welche Art von schlammigen Farbe wir hier bekommen. Ich mache eine Scheune, weil sie schön und symmetrisch ist. Es hat einige sehr harte Kanten, und es wird großartig sein, uns eine Vorstellung davon zu geben, wie die Dinge als Formen zusammengesetzt werden können. Ich erstelle zuerst ein Rechteck. Könnte ein Quadrat sein, aber es ist etwas größer, und ich möchte diese Farbe ziemlich hell halten, weil ich daran arbeiten werde, mehr und mehr Details hinzuzufügen. Das ist die Vorderseite der Scheune. Ich werde ihm ein gebogenes Oberteil geben, es ist wie ein gewölbtes Dreieck, und ich werde dieser Linie folgen und seitlich mit meinem Pinsel arbeiten, um das Dach zu schaffen. Jetzt erstelle ich die Seitenwand und mache dasselbe wie mit dem Dach, das die Linie von der Vorderseite der Scheune in einem leichten Winkel nach hintenausdehnt der Scheune in einem leichten Winkel nach hinten und dann diese Form mit Farbe ausfüllt. Dann lassen wir das trocknen. Aber nur um dir zu helfen, zu verstehen, wie alles aus Formen besteht, auch wenn es nicht etwas Blockiges ist, werde ich einen Baum mit unserem Smaragdgrün machen. Ähnlich wie wir die Wolken gemacht haben, werde ich nur diese Halbkreisformen erstellen, sie nicht unbedingt ausfüllen. Sie sind mehr wie Makkaroni-Stücke, und nur damit es ästhetisch den Wolken ähnlich aussieht, die wir bereits geschaffen haben, werde ich sie flach auf dem Boden machen. Machen Sie noch einen. Es ist immer gut, eine kleine Wiederholung in Ihrem Stück zu haben, das ist eigentlich ein Designelement. Es ist auch gut, an etwas anderem zu arbeiten, während Sie darauf warten, dass etwas trocknet. Ich gehe zurück zu meiner kleineren Rundbürste für ein paar Details über unsere Scheune. Es ist immer noch ein wenig nass. Verwenden Sie einen Pinsel, um etwas Wasser aufzusaugen, damit es schneller für uns trocknet. Ich mische mein Smaragdgrün. Waschen Sie meine Bürste ein wenig, bevor ich sie in das Rosa eintauche. Ich vermische diese und erschaffe dieses dunkelviolette, und benutze das letzte Prinzip, das wir benutzt haben, kreiere Linien, um die Kanten unserer Scheune zu machen. Wenn Sie sich eine Fotoreferenz ansehen möchten, damit Ihre Scheune rechtmäßig aussieht, sind Sie herzlich eingeladen. Ich arbeite nur aus dem Gedächtnis als eine lustige kleine Übung Art, um den Druck zu halten und diese Videos kurz zu halten, damit wir weiter lernen können. Ich skizziere meine Formen und gebe meiner Scheune eine schöne große Tür. Ich gebe ihm ein schönes großes Fenster hier oben. Auch wenn wir über Formen nachdenken, sagen wir, es ist offen und das sind die Fenster, die sich nach innen öffnen. Setzen Sie eine andere Form und verbrennen Sie zwei bis zur Hälfte. Jetzt haben Sie einige Fenster, nicht in der Regel, aber vielleicht. Sie können sich sogar auf einige dieser Rippenbänder konzentrieren, die nach unten kommen. Ich gehe zurück zu meinen Bäumen. Ich habe diese violette Farbe, wenn ich ein wenig orange hinzufügen, wird es browner bekommen, und ich erstelle die Zweige nur mit einzelnen Strichen meiner flachen Bürste, wie kleine Hände an den Stamm des Baumes reichen. Ein paar dieser Rippen zeigen zu lassen. Ich werde ein paar dieser Zweige zueinander machen, den lustigen, skurrilen Baum. Um unseren Spaß mit Formen zu fördern, werde ich ein paar Blätter hinzufügen. Dieses Rot oben mit den grünen, kleinen Details wie diesen. Lassen Sie mich wirklich abschließende Illustrationen machen. Ich hoffe, du warst in der Lage zu schätzen, wie alles aus Formen besteht, und wenn du sie einfach genau richtig kompilierst, mein ovales Gesicht, das Rechteck, das ich habe meinen Kopf, meine rechteckigen Schultern, meine Rundheit und die Schultern gehen zu Ovalen, die sich auf mehr Ovale erstrecken, werden Sie sehen, wie Formen überall sind, und Form ist so wichtig in der Malerei. 11. Über Fläche: Raum, wir sprechen oft über den Raum innerhalb eines Gemäldes als dieser positive und negative Bereich. Wir porträtieren Tiefe mit Raum, wir schaffen Volumen wie in dem Gewicht der Menge an Raum, die es in einem Gemälde gibt. Raum kann mit relativen Mitteln geschaffen werden, was bedeutet, dass wir einen Raum schaffen können, indem wir einige Dinge überlappen, etwas weiter in der Ferne machen, diese alle werden verwendet, um ein Ambiente zu schaffen, eine Atmosphäre innerhalb eines Kunstwerks. Wir können sehr technisch sein und Raum schaffen, indem wir Perspektive verwenden, mit Linien messen und sicherstellen, dass alles in die richtige Perspektive zurückgeht, anstatt nur relative Proportionen wie im ersten Beispiel. Wir können das Verhältnis und wo die Dinge sind völlig außer Acht lassen und einfach alles flache, flache Ebenen machen , die Raum schaffen. Hier sind einige Gemälde, die jedes einzelne von ihnen deutlich zeigen. Sie haben Salvador Dalis Gemälde, wo Sie eine Vorstellung von dem Raum haben, es geht in die Ferne, es ist kein echter Raum, es gibt eine Perspektive, aber die meisten unserer Vorstellung, wo wir sind, ist, indem wir einen -Objekt zu einem anderen Objekt. Wir haben Perspektive, wo Sie nur alle Fähigkeiten und technischen Fähigkeiten verwenden, die Sie können, um den Raum zu schaffen. Im dritten Bild vergessen wir nur , wie große Dinge relativ zueinander sind, wo sie liegen, es sind nur flache Ebenen und wir haben nur Spaß mit den Formen mehr, um diesen Raum zu schaffen. 12. Flächen üben: Weltraum ist ein Prinzip, das wir besser sehen werden, wenn wir uns die letzte Komposition ansehen. Aber Raum, der auch als Lautstärke bezeichnet wird, ist genau das, was es klingt. Es ist das Zusammenspiel von Subjekt und allem um sich herum. Wenn ich hier sitze und wegschaue, gibt es Ihnen einen völlig anderen Sinn für dieses Foto, das wir gerade betrachten. Vor allem, wenn ich wegschaue, was schaue ich dann an? Also werden wir etwas Raum schaffen, indem wir malen, was der negative Raum sein wird, der ungenutzte, sozusagen Raum in unserer Malerei, wo unsere Augen eine Pause bekommen. Aber es schafft auch ein wenig Spannung mit dem, was nicht ist und was ist. Wenn ich ein Feld erstellen würde, beginnen Sie mit der mittleren Farbe, sagen wir das Grün, das ich gewählt habe. Dann kam ich in etwas, das der Nahe Weltraum sein könnte. Darauf stehen wir theoretisch. Jetzt können Sie dunkler werden mit der Farbe, die vor uns liegt, oder dass wir uns am nächsten sind. Aber wenn die Dinge weiter weg von uns kommen, werden sie tatsächlich leichter. Wasserpartikel in der Luft stören das, was wir sehen und so scheinen die Dinge verschwommen und leichter zu werden, wenn sie zurückgehen. Ich erstelle nur einige Felder, einige verschiedene Felder in verschiedenen Farben, beginnend mit meiner ersten Farbe, komme zu dem, was vor uns liegt, und dann hinter einigen sehr abgeflachten Halbkreisen um zu zeigen, dass Gefühl von Raum. Wirklich lustig zu sehen, wie diese Farben ineinander weben. Nun, wenn Sie diese Vorstellung von Volumen haben, müssen Sie die Aufmerksamkeit von etwas haben. Wir haben hier einige schöne Farben, und ich hasse es fast, sie in irgendeiner Weise zu beschmutzen, aber wir brauchen etwas, das uns daran erinnert, dass dies die wichtigste ist. Was ist widersprüchlich? Was ist interessant? Was zieht uns von diesen Flüssigkeitswäschen weg? Dann komme ich wieder hierher. Ich habe diese kleine Tasche weiß gelassen. Wenn Sie alles grün gemalt haben, ist das in Ordnung, aber Sie müssen warten, bis alles trocknet, bevor wir noch etwas daran arbeiten. Aber ich habe es weiß gelassen, weil wir kleine Blumen oder Gras hinzufügen werden. Sogar ein Muster von Xs wird genug sein, denn was wir wollen, ist etwas, das nur beschäftigt ist und uns in diese Richtung schauen lässt. Ich werde eine Farbe verwenden, die eine Überraschung sein könnte, sie ist braun, weil ich möchte, dass sich die Farbe sehr anders anfühlt als alles andere. Ich schaffe nur ein paar Gänseblümchen. Eigentlich kommen einige aus diesem kleinen Gebiet heraus und einige bluten vorbei. Sie möchten, dass Ihr Betrachter Ihres Gemäldes sogar etwas hat, das sie ein wenig frustriert. Denken Sie an die Mona Lisa und wie viel Intrige es um das Semi-Lächeln auf ihrem Gesicht gibt. Wenn es ein volles Lächeln gewesen wäre oder wenn es jedem Betrachter klar gewesen wäre, was dort vor sich geht, gäbe es nicht viel Interesse an dem Gemälde. Aber es ist Tugend darin, wie es wenig unbekannt ist, es ist ein wenig geheimnisvoll. Ich stelle mir dieses Feld vor, als ob es eine Quilt wäre und nur ein wenig Spaß Muster in dieser Tasche zu schaffen . Ein bisschen weiß und ein bisschen gelb. Ich werde versuchen, das Zentrum dieser Gänseblümchen zu machen, ohne zu viel zu bluten. Wir könnten ein paar dieser Punkte hier rausbringen. Ich füge ein paar Blätter nur um in diesem seltsamen kleinen Abschnitt von Blumen in dieser großen Menge von negativen Raum weiter zu binden diesem seltsamen kleinen Abschnitt von . Das ist alles, was wir tun werden für den Raum, kleine Quilt auf das Feld, Subquilt. 13. Über Textur: Ein sehr lustiges Element der Kunst ist die Textur. Was Spaß an Textur macht, ist, dass wir über die Art, wie ein Bild fühlt, sprechen können , indem wir es betrachten, oder die Art, wie sich ein Bild fühlt, wenn es berührt, oder Textur kann auch durch Muster erstellt werden. Ich würde nicht empfehlen, ein Gemälde zu berühren, aber wir haben Bilder gesehen, die so gemacht werden , dass sie eine taktile Textur haben. meiste Teil der Textur, die wir in der Kunst sehen, ist visuell. Wir verwenden unsere Bleistifte und unsere Pinsel, um die Textur von etwas zu zeigen, und dann mustern, das ist die Wiederholung, die Bewegung, die geschaffen wird, um Textur zu zeigen. Hier sind einige Beispiele für Textur. Wir haben Monets Seerosen, die eine spürbare Textur haben. Wenn Sie in der Lage wären, nah genug zu sein, um eine dieser Farben zu berühren, würden Sie die Textur dieses Gemäldes direkt dort spüren. Wir haben schöne Skizzen, die Details zeigen, wenn wir auf diesen Hasen hineinzoomen, würden Sie sehr komplizierte Details sehen und verschiedene Texturen auf den Ohren im Vergleich zu den Schnurrhaaren und dem Fell des Bauches zeigen . Textur wird auch durch Muster gezeigt, so dass es sich nicht um eine Textur in der Natur, gefunden auf der Erde, es kann eine wahrgenommene Vorstellung von Textur durch ein Muster sein. 14. Texturen üben: Heute ist ein Spaß eine Textur. Was an Textur Spaß macht, ist, dass wir fast alles nutzen können, um sie zu erforschen, denn Textur dreht sich alles um Vielfalt. Ich werde mit Aquarellen beginnen, da ich sie draußen habe. Aber ich möchte, dass du alle Medien verwendest, die du hast. Vielleicht schaust du dir an, was ich tue und denkst : „Ich glaube, ich könnte das mit etwas anderem nachbilden.“ Wir werden etwas anderes in der Art tun, wie wir malen. Ich werde Ihnen die Trockenpinsel-Technik zeigen, anstatt die nasse auf nass. Es wird seinem Namen gerecht. Wir wollen einen Pinsel, der trocken, aber sauber ist. Wir tauchen es in etwas Farbe ein. wir verschiedene Linien malen, werden Sie sehen, dass es eine grobe Textur erzeugt, wenn der Pinsel auf das Papier trifft, und er hat nicht wirklich viel Farbe zu arbeiten. Was Spaß am Erstellen von Texturen macht, ist, dass Sie Muster erstellen können. Sie können viele verschiedene Medien verwenden und Dinge hinzufügen. Sie könnten mit Quash oder Acrylfarbe malen und Sand hinzufügen, oder Sie können in den Laden gehen und es bereits dort kaufen. Es macht wirklich Spaß, Texturen mit genau den gleichen Vorräten zu erstellen , die Sie verwendet haben. Wieder, hier ist mein Pinsel, ich habe etwas Wasser hinzugefügt, und anstatt eine Schachtel zu malen und sie einzufüllen, werde ich mit ihm nach oben und unten stempeln. Heute geht es nur darum, verschiedene Texturen mit allem, was Sie zur Hand haben, zu erforschen. Ich werde meine Buntstifte herausziehen und einige Texturen mit denen ausprobieren. Ich werde weiter mit den Materialien, die ich habe, die Aquarellfarben erkunden , weil ich wirklich alle Möglichkeiten nutzen möchte, die ich möglicherweise meine Materialien verwenden könnte. Ich halte mich an meinem Farbschema. Nur um dir dabei zu helfen, ein Ziel oder etwas zu haben, das du mit diesen Dingen kreierst, lassen Sie uns einfach sagen, dass wir Gras und Laub in verschiedenen Texturen herstellen. Ich hoffe, Sie haben einige neue Texturen entdeckt, die Sie nicht nur erstellen können , indem Sie verschiedene Kunstmaterialien verwenden, sondern sie anders verwenden, und indem Sie verschiedene Arten von Linien innerhalb Ihrer Arbeit erstellen. 15. Über Skalierung: Größe ist ein sehr wichtiges Element in der Malerei. Wir werden auf diese Weise an die Größe denken. Es kann natürlich sein. So proportionale Größe. Wir könnten auch über das Ausmaß des Gemäldes selbst oder über die Dinge innerhalb des Gemäldes sprechen. Aber wenn es dramatisch wäre, könnten wir eine sehr kleine Person haben, eine sehr große Person. Wir haben vielleicht etwas, das kleiner sein sollte, groß sein sollte. Und es ist da, um eine Geschichte zu erzählen. Es ist für eine Absicht da, und das ist innerhalb des Gemäldes. Die Größe kann hierarchisch sein. Wir verwenden Größe, um zu zeigen, wie wichtig etwas ist, indem wir es massiv machen und andere Dinge unter den Anzug fallen lassen. Das Gemälde selbst kann massiv oder winzig sein, um mehr im Bild zu kommunizieren. Um ein mittlerer Begriff zu sein, ein anderes Element darzustellen, ein weiterer wichtiger Teil dieses Gemäldes, durch Größe und Maßstab. Einige Beispiele für diese dramatische Verschiebung, die Dinge unverhältnismäßig groß zu machen, oder wir konzentrieren uns auf die Seiten der Dinge und manipulieren das, um eine Geschichte zu erzählen, in diesem Gemälde namens Neugier gezeigt wird. Das zweite Beispiel für hierarchische Struktur in der Größe. Wir sehen vor allem auf der rechten Seite, dass die Reifen von der Bedeutung, wie groß die Dinge sind. Es könnte in der Reihenfolge sein, aber auch in der Skala. So werden einige Dinge, die sehr wichtig gemacht werden fast mathematisch platziert, so dass wir sie in dieser Reihenfolge sehen. Einer meiner Lieblingskünstler, Chuck Close, macht massive Porträts, die er auf eine wirklich einzigartige Weise macht. Du kannst ihn nachsehen, wenn du etwas Zeit hast. Aber er macht diese Porträts sehr groß, so dass sie aus der Nähe nicht wie Porträts aussehen. Sie können aus der Ferne geschätzt werden. Das ist ein Teil dessen, was er versucht zu kommunizieren, und er macht das durch Größe aus dem Maßstab. 16. Skalierung üben: Lassen Sie uns über Skala oder Größe sprechen. Die heutige Aktivität ist ziemlich einfach oder diese Aktivität ist ziemlich einfach, weil es ein bisschen wie das ist, was wir bereits getan haben, aber wir werden auf etwas hineinzoomen, das wir bereits gemalt haben. Die einfachste Sache für uns, zu vergrößern, sind die Blumen. Im Weltraum-Projekt hatten wir einen kleinen Teil von Gänseblümchen, also werden wir nur ein oder zwei machen, die wirklich nah sind und nur über den Unterschied zwischen klein und groß nachdenken. Was Sie sich ansehen werden, diese Spannung, die interessiert, die nur durch Ändern der Größe oder der Skala von etwas geschieht . Mit meinem vier Rundpinsel werde ich nur die Gänseblümchen, leicht gelben Zentren malen. Ich werde einen machen, der ein bisschen ein Blickwinkel ist. Lasst uns groß gehen. Dann mit einer meiner warmen Farben, werde ich von dort zu erweitern, um jedes Blütenblatt beginnen mit diesem abgewinkelten ein, so dass Sie Blumen sehen können oder diese radialen Blumen sind im Grunde ein Sternchen. Wenn Sie an ein Sternchen denken, das von der Mitte nach außen zieht. Wir versuchen zu denken, okay, wenn es von hier aus beginnt, wird es etwas breiter, es ist ein bisschen größer. Schleifen um und diese werden in einer Halbmond-Formation sein , wie sie breiter und kürzer werden und sich um die Mitte des Gänseblümchens wickeln. Nun, da dieser größer ist, war das Zentrum größer als dieses andere, deshalb wollte ich zuerst daran arbeiten, weil es vor dieser Linie steht. Das ist Teil des Prinzips der Skalierung. Diese Größe wird viel mehr offen sein. Direkt vor uns zu stehen und uns anzuschauen, ist es viel einfacher, sich darauf zu konzentrieren. Auch hier macht es Spaß und eine kluge Idee, an mehreren Dingen gleichzeitig zu arbeiten, wenn Sie im Aquarell malen. Denn es ist wichtig, Ihr Timing richtig auf einige Dinge zu bekommen und sie einfach sitzen und trocknen zu lassen , bis zur nächsten Stufe. Achten Sie darauf, die Blütenblätter dieses Gänseblümchens hinter dem zu platzieren, was bereits gemalt ist, also haben Sie ein bisschen von dieser Überlappung vor sich. Ich tauche zurück ins Gelbe und gehe viel dicker drauf. Viel mehr Farbe auf meinem Pinsel und weniger Wasser, so dass ich ein wenig Textur in die Mitte dieser Gänseblümchen sprengen kann . Verwenden Sie Ihr Grün, achten Sie darauf, hinter dem zu gehen, was bereits da ist. Da wir über Skala sprechen, wie wäre es, dass wir diesem ein paar schöne große Blätter geben , nur um es ein wenig anders als die Stiele zu machen, fügen Sie ein wenig weiß. Ich werde das Zentrum mit ein wenig von einem Design verlassen, nur so dass Flexibilität, Ich kann in einer anderen Farbe hinzufügen, wenn ich möchte in einer Sekunde hier. Es ist einfach unglaublich, nur ein Blatt zu haben. Du brauchst mehrere. Niemand weiß, warum. In diesem seltsamen Zentrum, das ich hier verlassen habe, glaube ich nicht, dass dies typisch für Gänseblümchen ist, aber ich werde in einer Kontrastfarbe hinzufügen, nur weil ich es nicht kann, das ist meine skurrile kleine Farm, die ich hier los habe. Schließlich werde ich ein wenig mehr Definition zu den Gänseblümchen hinzufügen , indem ich das Prinzip der Linie verwende. Hinzufügen von ein paar Mittellinien, ein paar Eckkantenmarkierungen, bei denen ich das Gefühl habe, dass es nicht ganz klar ist, was hier vor sich geht. Manchmal muss man nicht so klar sein. Manchmal kann man sehr schön definiert sein und manchmal nicht und als Künstler können Sie wählen, wann das zu tun ist und wann man einfach nicht etwas skizzieren soll. Es wird sowohl zu einer stilistischen Wahl als auch zu etwas, das nur passieren muss. Zum Beispiel, wenn sich die Dinge überlappen, fühle ich das Bedürfnis, mehr Farbe hinzuzufügen, um zu definieren, so dass unsere Augen nicht gehen, was dort vor sich geht. Ziemlich kapiert. Dann sind wir gezwungen, anzunehmen, macht uns ein wenig unbehaglich. Es macht Spaß, jeden Grund verantwortlich zu machen , manchmal ein wenig Spannung zu erzeugen, ein wenig Einstieg. Aber wenn es um offensichtlichere Dinge geht wie Überschneidungen und wo die Dinge wirklich sind, wo sie sich treffen und wo sie enden. Dann sollten wir dafür ein paar visuelle Hinweise geben. Dann werde ich definitiv das Element von mir beraten , um zu helfen, das zu finden, was wir hier suchen. Nur um unserer Skizzenbuchseite willen, damit ich, wenn ich darauf zurückblicke, weiß, was ich mit Skala gemeint habe. Lassen Sie mich hier ein paar sehr einfache Gänseblümchen malen, lose mit meinem Pinsel, um einen Unterschied in der Größe zwischen den Gänseblümchen hieroben rechts und den Gänseblümchen hier unten oben links zu zeigen zwischen den Gänseblümchen hier . Also trocknen Sie Ihr großes Ding und ein kleines Ding, um Skala zu zeigen. 17. Über Richtung: Richtung. Die Richtung ist, wie wir das Auge durch ein Gemälde führen. Sie können dies tun, und der offensichtlichste Weg mit Linie. Als wir über Linie sprachen, sahen Sie sie wahrscheinlich in eine Richtung gehen, so dass eine ziemlich einfache Richtungslinie. Aber wir können auch Licht verwenden, um Richtung zu schaffen, um das Auge zu einem bestimmten Brennpunkt zu führen, um Flecken von Licht durch oder sogar Farbe zu bringen. Denn Farbe wieder, ist eine andere Möglichkeit, Licht zu veranschaulichen. Es ist eine andere Wahrnehmung unserer Augen. Richtung könnte etwas sein, das einfach durch die Größe Ihres Gemäldes getan wird. Wenn Sie es in einer horizontalen Landschaft oder quadratischen Ausrichtung tun, wird ein Bild dramatisch geändert, wenn Sie es in eine andere Ausrichtung, ein anderes Format. Die Art und Weise, wie Sie Ihre Grafiken erstellen, die Oberfläche, die Sie erstellen, spielen auch die Dimensionen eine Rolle. Ein berühmtes Beispiel für die Verwendung von Linien und wirklich Bogenmarkierung Textur ist Sternennacht von van Gogh. Die Linien lenken das Auge durch den Himmel, um sich durch das Gemälde zu bewegen, und es tut dies auf eine sehr fließende Weise. Im mittleren Bild sieht man, wie hell das helle und helle und dunkle der linken Handfigur in den zurückgehenden Blick nach unten geht. Aber Sie wollen nach unten schauen, weil Sie durch das Licht in diesem Bild und die Richtung der Figuren geführt werden. Das Format dieses dritten japanischen Gemäldes, wie lange es ist, ist es, uns eine bestimmte Art und Weise zu fühlen und das Bild anders zu verstehen, als wenn es horizontal gewesen wäre. 18. Richtungen üben: In Ordnung. Jetzt kommen wir in breitere kompositorische Werte ein. Richtung. Die Richtung ist im Grunde, wie wir das Auge lenken. Es stützt sich auf den Mittelpunkt, den wir in einem Gemälde haben. Obwohl wir unser Gemälde noch nicht zusammenstellen lassen, und wir werden kein völlig neues Gemälde schaffen, nur um etwas über die Richtung zu erfahren. Ich werde Ihnen nur ein paar kleine Abkürzungen und Übungen geben, die wir zeichnen und malen können , nur um einige Ideen zu haben, wie man Richtung porträtiert, wie man das Auge durch das Bild führt. Ein sehr nützlicher Weg, den wir verwenden, um das Auge durch die Malerei zu führen, ist durch Farbe. Verwenden Sie den höchsten Kontrast oder die hellste Farbe an der Stelle, auf die das Auge gelenkt werden soll, während andere Farben auf dem Weg dorthin stärker werden. Siehst du, wie das Auge natürlich von hier nach dort hin gehen will. Es will wirklich auf die gelbe. Eine andere Möglichkeit, die Richtung des Auges zu lenken, besteht im Grunde darin, es für das Auge zu zeichnen. Ich werde etwas von diesem Weiß benutzen, eine Minze daraus machen und einen Fluss machen. Dein Auge kann diesem Fluss nicht widerstehen, egal in welcher Farbe wir ihn machen. Es wird nur auf natürliche Weise das Auge oder durch dünnere Linien führen. Es muss kein großes Thema sein. Es könnte nur ein bisschen von nur einer einfachen Zeile sein. Eine weitere große Praxis in Linienformen. Sie werden sehen, dass viel mit den Illustrationen mit Kalligraphie verwendet. Sie werden Ihr Auge führen, indem Sie die Linien verwenden. Wir haben Menschen mit den Farben geleitet, die wir verwenden, mit der Intensität der Linien oder sogar mit dem Thema, das in diesem kleinen Fluss gezeigt wird. Das ist es, was ich folgen muss. Es ist einfach so ein klarer visueller Hinweis, wo mein Auge arbeiten muss. Eine andere ist durch Priorisierung. Wir sprachen vorher über die Größe und wir sprachen über Skala. Wie etwas, das größer ist, Ihre Aufmerksamkeit auf sich ziehen wird. Nun, was ist, wenn Sie diese größeren Dinge an strategische Stellen stellen, um wieder das Auge zu lenken? Wir haben das mit Farbe gemacht. Aber was wäre, wenn uns dieser Fluss zu einem Hasen am Ende des Flusses führt. Ich kann diesen Hasen hier rüber bringen , und ich glaube, er würde etwas Aufmerksamkeit von dir erregen. Glaubst du, ich könnte dein Auge zu diesem Häschen führen? Er ist isoliert, er ist allein, und er ist an dieser großen leuchtend gelben Kugel. Aber wenn ich ein paar Ohren erschaffen würde, die gerade aus der Ecke spähen, würde Ihr Auge durch Skala zu diesem Häschen geführt werden , nur weil er so groß ist und er etwas Aufmerksamkeit verlangt. Du könntest wegen des Kontrastes zu ihm geführt werden. Vielleicht nicht unbedingt Farbe, aber das zweite Prinzip lernten wir von Wert. Verwenden Sie helle und dunkle Töne und erzeugen Sie dort eine Spannung indem Sie das Auge dorthin schauen, wo verschiedene Werte los sind. Das wird dir helfen, mein Häschen anzuschauen. Auch wenn er von der Seite kommt, obwohl er es nicht ist, vielleicht die Hauptsache, man kann ihn einfach nicht ignorieren. Er macht dein Auge in Bewegung, weil wir dieses wirklich dunkelbraun neben einem weißem Hintergrund haben. Üben Sie einige Richtungslinien, spielen Sie mit dem Kontrast der Dinge und sehen Sie, ob Sie sich herausfordern können , so viel wie möglich auf der Seite zu springen. Hop jemanden von diesen Süßen. In meinem Gemälde wollen Sie sich dieses Häschen ansehen und dieses Häschen führt Sie durch die kühlen Farben, um wärmer zu wärmer, zu sehr hell, sehr stark, sehr isoliert Peak Hase im Hintergrund, während diese Linien bestätigen können, ja, Sie sind am richtigen Ort gelandet. In der nächsten Lektion erfahren Sie, wie Sie Zuschauer im Laufe der Zeit etwas länger bei Ihrem Gemälde verweilen können. 19. Über Zeit: Die Zeit ist, wie lange Sie Ihren Betrachter zum Verweilen bringen. Wenn es um dieses Prinzip geht, ist es einfach besser in Beispielen zu zeigen. Also gehen wir direkt zu dem. Ein Gemälde kann uns verweilen lassen, indem wir uns etwas fühlen, oder vielleicht, wenn man sich das Bild anschaut, haben Sie ein Gefühl von Zeit. Vielleicht schauen Sie sich ein Gemälde an, das eine große Fläche hat und es sich wie eine längere Zeit anfühlt, oder es könnte ein sehr emotives romantisches, leidenschaftliches Gemälde wie dieses in The Kiss by Gustav Klimt sein. Wir können Zeit durch Bewegung spüren und es könnte eine wirklich komplexe Art von Malerei sein. Denken Sie daran, in eine Kathedrale zu schauen und Fresken an der Decke zu sehen und nur die Details von Engeln und Cherubim und all den Dingen zu bemerken. Die Bewegung dort lässt Sie verweilen und mehr Zeit dort verbringen. Es kommuniziert auch Zeit, weil das, was wir durchleben, was wir tun, indem wir an einem Gemälde verweilen , tatsächlich in die Interpretation dieses Gemäldes einfließen. Es könnte sehr einfach sein, wie in Andy Warhols, Campbell's Suppenkanne. Wir haben etwas, das so überraschend ist, dass es uns dazu bringt, eine Pause zu machen, und wir versuchen wirklich herauszufinden, was dieses Gemälde versucht zu kommunizieren, oder vielleicht lässt uns etwas anders betrachten oder uns dazu zwingen, innezuhalten und schauen Sie sich etwas an, das wir jeden Tag passieren. 20. Zeit üben: In Ordnung, Zeit könnte Bewegung genannt werden. Was an der Zeit lustig ist, ist, dass es kein Element eines Gemäldes ist, das man auf dem Bild sieht, sondern die Wirkung des Gemäldes auf den Betrachter. Wie viel Zeit jemand damit verbringt, Ihr Stück anzuschauen, kann durch viele Dinge bestimmt werden. Die Zeit kann im Gegensatz dazu angezeigt oder herangezogen werden. Viele Dinge, über die wir bereits gesprochen haben, dieser krasse Kontrast, der uns etwas sehr anschaulich machen kann. Wiederholung, wo wir immer wieder die gleichen Elemente haben, und unser Geist versucht, Sinn zu machen, was dieser Rhythmus, worum es bei dieser Wiederholung geht oder vielleicht sind Sie wirklich meisterhaft in Richtung, um den Betrachter durch. Vielleicht bist du wirklich meisterhaft in den Details, bei den Farben, bei den Tönen, bei den Werten. Vielleicht bist du wirklich großartig darin, Form zu zeigen. Ich habe Stücke angestarrt, weil ich gerade durch ihre Formen hineingezogen bin. Es könnte alles sein, aber es muss gut gemacht werden, und es ist definitiv eine Kombination dieser Dinge. Da wir das in Erwägung ziehen, sind wir am Ende einer Menge unserer Skizzenbuchseiten und sicherlich können Sie einige dieser Motive in Ihrem Skizzenbuch erstellen. Was wir heute tun werden, ist eigentlich ein paar Miniaturansichten zu machen. Als ich in der Kunstschule war, war eines der ersten Dinge, die ich tat, Thumbnail-Skizzen zu erstellen und zu lernen, was sie waren. Thumbnail Skizzen sind winzige kleine Skizzen, kleine kleine Zeichnungen, vielleicht die Größe Ihrer Miniaturansicht, die Ihnen helfen, zu beschreiben, was Sie tun werden. Es ist wie dein Plan für dein Stück. Jetzt haben wir viele Dinge erstellt, ohne Thumbnail Skizzen zu erstellen , aber diese Skizzen sind wirklich praktisch, vor allem, da wir schließlich die Komposition des Stückes betrachten , die dadurch unseren Betrachtern helfen wird Gefühl Bewegung in dem Stück und verstehen Zeit und Zeit zu verwenden, um an ihnen verweilen. Das erste, was Sie tun werden, wenn Sie Ihre Miniaturskizze erstellen, ist, zu entscheiden, ob Ihr Stück horizontal oder vertikal sein wird. Es wird sich wie ein anderer Ausdruck der Zeit selbst anfühlen. Wenn Sie sich Comic-Bücher ansehen, sehen Sie, dass die breitesten Bereiche auf einer Comic-Seite, der Bereich ist das kleine Fenster mit der Zeichnung, die längste Zeit zum Ausdruck bringen. Vielleicht ist es ein Panoramablick oder vielleicht ist es jemand sitzt und es ist eine wirklich lange Zeitspanne langweiliger Zeit, während die sehr dynamischen Scheiben vertikal sind und Sie sehen das, und vielleicht gibt es eine Kampfsequenz oder etwas, das schnell geht Nachfolge. Sie könnten auch wählen, ein Quadrat zu machen, vor allem, wenn Sie versuchen, in sozialen Medien zu posten, das ist praktisch. Aber während Sie Miniaturansichten erstellen, denken Sie daran, wie sich Ihr Hintergrund anfühlen soll. Wenn es flach und horizontal ist vielleicht eine horizontale Orientierung am besten, so fühlt es sich sehr ruhig, sehr ruhig mit Ihrem kleinen Scheune und einem Schmetterling, Sonne, Bach, Pferd oder vielleicht möchten Sie die Majestät dieses Gradienten Sonnenaufgang zeigen, die wir getan haben. Die Scheune ist hier hinten versteckt. Beachten Sie, wie das Verschieben der Dinge dazu führt, dass wir das gleiche Thema ganz anders sehen. Obwohl dieser Fluss immer noch unsere Augen zur Sonne lenkt, diese riesigen Blumen im Vordergrund mit Skala und der Farbe , sobald diese drin ist, die Showstopper sein. Während es in diesem Gemälde viel ruhiger ist, vielleicht sogar stagniert und nur das Gefühl hat, dass die Zeit sehr langsam ist und die Malerei nicht so viel Zeit von der Seite des Betrachters benötigt, um es anzusehen. Wenn du jemals in einer Kunstgalerie warst und jemanden gesehen hast ein Stück anstarrt und du denkst, was sehen sie dann an? Sie müssen so viel tiefer oder aufschlussreicher sein als ich. Das ist genau das, wovon ich rede. Wenn etwas wirklich kompliziert ist, werden Sie einfach auf natürliche Weise verweilen, wenn es interessant genug ist. Vieles hängt in der Balance der Dinge, die uns interessieren und wie wir die Dinge in unserem Herzen interpretieren werden. So werden verschiedene Dinge verschiedene Menschen beeindrucken , aber die Prinzipien sind immer noch die gleichen, sie sind einfach neu angeordnet. Nach Ihren Vorlieben, können Sie Arbeit, die eine kopfüber Landschaft hat oder hat die Scheune ist einfach kaum sichtbar hier und ist weg zur Seite und kopfüber, nie getan, dass vorher. Aber je nach Stil werden Sie verschiedene Miniaturansichten erstellen, um zu versuchen, das Aussehen darzustellen, für das Sie sich entscheiden. Erstellen Sie mindestens drei, vorzugsweise vier Skizzen, die Ihnen helfen, zu verstehen, wie Zeit und Bewegung ins Spiel kommen, als wirklich eine Kombination aus vielen Dingen, die Sie bisher gelernt haben. In der nächsten Lektion, wenn ich über Komposition spreche, werde ich die Bilder, die wir bisher benutzt haben, nehmen und sie in eine angenehme Komposition oder vielleicht mehrere zusammenstellen. Dies ist ein Source Spot für viele Leute, daher freue ich mich darauf, Ihnen einige verschiedene Ansätze zu zeigen, dies zu tun. Aber bevor wir das tun, stellen Sie sicher, dass Sie verstehen, wie Sie das Auge führen, wie Sie Ihr Gemälde im Laufe der Zeit im Auge behalten können. 21. Über Komposition: Endlich, Komposition. Hier kommt alles zusammen, und so ist das Gemälde nachdenklich arrangiert. Wenn wir an Komposition denken, kann dies auf so viele verschiedene Arten erfolgen. Es ist wirklich schwer, es auf nur eine Folie zu setzen und es auf diese Ideen von Ungleichgewicht einzugrenzen, wir haben eine gewisse Bewegung. Wir haben ein Gemälde, das sich gut abgerundet oder geerdet anfühlt. Wir können Komposition schaffen, indem wir das Auge an vielen verschiedenen Orten führen. Durch die Schaffung von Bewegung und Rhythmus, durch die Schaffung verschiedener Fokuspunkte und strategisch zwingt der Betrachter, sich um das Bild zu schauen. Komposition wird auch durch Fokusabsicht erreicht. Mit all diesen Dingen, all diesen Elementen, über die wir gesprochen haben, mit Dunkel und Licht, mit harten Linien und dicken Linien und weichen Linien, gibt es dort eine Spannung. Bei der Kombination dieser Zutaten gibt es diese verschiedenen Aspekte, die uns die Komposition auffallen lassen , weil es uns wirklich zwingt, zu verweilen und zu bemerken, dass all diese Dinge zusammenkommen. Hier sind einige Beispiele. Einheit und Ausgewogenheit in Frida Kahlos Gemälden. Sie hat oft direkte Symmetrie, also haben Sie zwei Frida Kahlos, die sich gegenseitig anschauen, und sie sind fast symmetrisch ausgeglichen. Degas ist bekannt für seine Bewegung und seinen Rhythmus. Wenn Sie Komposition studieren wollen, ist er ein großartiger Künstler, um tiefer zu graben. Es gibt eine Menge Fokus Absicht in Gemälden, die beschäftigt sind, die mehr Farben verwenden, die mehr Licht zu ihrem Vorteil verwenden. Lasst uns alles in unseren Kompositionen zusammenziehen. 22. Komposition üben: Komposition, wie wir Komposition betrachten, ist dies eine Biggie. Viele von uns kämpfen wirklich mit dieser Idee. Wir wissen, dass es wichtig ist, wo wir Dinge setzen und wie man sie genau richtig arrangiert. Aber ich möchte wirklich, dass Sie sich auf die Tatsache konzentrieren, dass wir uns an neun Tagen aufgebaut haben , über all diese anderen Elemente nachzudenken, die hier gipfeln. Ironischerweise war es schwer, neun oder 10 am Ende zu platzieren, weil wir mit Komposition spielen wollen, um das Endziel der Zeit zu erhalten. Aber egal, in diesem Segment geht es nicht darum, dass du in Photoshop gehst und all diese Elemente nimmst und sie so zusammensetzst, wie ich es habe . Ich möchte dir nur zeigen, wie all diese Dinge zusammenkommen können , um etwas zu werden , die wahrscheinlich nur die meisten Elemente zeigt, über die wir bisher gesprochen haben. Wie wir die Komposition betrachten, wie Sie mir diese zuerst in einem quadratischen Format, einer Art von horizontalem Format und dann in einer vertikalen Komposition zusammenstellen Art von horizontalem Format , so dass Sie ein anderes Gefühl dafür bekommen, wie diese sind inhärent gehen, um eine andere Wirkung auf den Betrachter zu haben. Ich möchte Ihnen nur einige Hinweise geben, während Sie die Komposition betrachten. Ich habe alle Elemente, die Dinge, die wir in den letzten Segmenten geschaffen haben, die letzten paar Prinzipien, und sie sind wie diese verschiedenen Puzzleteile. Sie müssen zuerst die größten in Betracht ziehen. Wir haben Platz, und in unserem Fall, in unserer Übung, Farbe. Farbe muss nicht notwendigerweise etwas sein, das man sich bewegt, sozusagen. Aber da sie die Übungen gemacht haben, haben wir diesen schönen Farbverlauf , der eigentlich als Hintergrundhimmel dienen wird. Sobald wir diese nach unten legen, haben diese Decke, dieses Schema, wie groß das sein wird, dann wählen wir die Dinge vorrangig aus. Wenn du über deine Komposition nachdenkst, wie du Dinge auslegen willst, überlege immer, wie du das Auge lenken wirst. Sicher, die Richtung, der Fluss, die Bewegung, all diese Dinge. Aber wo landen wir? Was ist der Ort, an dem Sie sicherstellen möchten, dass Ihr Betrachter nicht verpassen wird? Das wird Ihr Schwerpunkt sein. Nicht alle großen Kunstwerke haben einen klaren Fokus. Ich weiß, das hört sich komisch an. Aber denken Sie daran, dass all diese Elemente nicht alle im Spiel sein müssen. Wir wählen und wählen und es hängt wirklich davon ab, wie jemand arbeitet, und das macht es lustig und aufregend. Ist, dass verschiedene Künstler so anders denken, und diese Klasse soll Ihnen helfen, zu dekodieren, worauf Sie reagieren, was Sie mögen, und wie ist dieses Stück gut und das Stück ist gut und sie sind so sehr unterschiedlich. Wenn Sie mit Stücken so herumlaufen wollen , wie ich bin und sie an verschiedenen Orten platzieren, beginnend mit der ersten Priorität des Brennpunkts und endend mit mehr Texturen und entscheiden, wo sie diese kleinen Notizen setzen sollen, Sie können dies in Photoshop tun. Ich habe ein Tutorial dafür, dass ich unten verlinken werde. Sie können dies auch auf einer Telefon-App tun, indem Sie ein Bild machen, den Hintergrund löschen, und dann haben Sie all diese kleinen Elemente zu spielen. Sie können dies als eine alte Schule Methode tun und buchstäblich schneiden und einfügen, was eigentlich eine Menge Spaß macht und eine andere Art des Wachstums sein kann. Sie haben nicht den Luxus, Dinge größer oder kleiner zu skalieren sie zu dehnen oder sie so einfach zu duplizieren wie digital. Aber es hat ein völlig anderes Gefühl, und so spielen Sie mit Form und Linienrändern in einer Weise, die Sie nicht in dieser digitalen Arbeitsweise. Wieder, wenn Sie über Komposition nachdenken, erstellen Sie vielleicht ein weiteres Stück für heute, für diese Übung, das wäre auch großartig, genau wie Sie all diese verschiedenen kleinen Teile gemacht haben. Jetzt wissen Sie, wie Sie sie nach Zeit, Bewegung, Miniaturbild, Übung arrangieren möchten , und jetzt wissen Sie, wie Sie Ihr Stück malen wollten. Bitte, das wäre genial. Das würde ich gerne im Projektbereich sehen. Zuerst schaffen wir einen Brennpunkt, wir wählen aus, was wir wollen. Dann haben wir all diese anderen Elemente, die in der Reihenfolge der Priorität darunter fallen. Wie werden diese Elemente an Ort und Stelle fallen? In unserer Übung, eine Landschaft zu sein, betrachten wir etwas und wir schauen in die Spannweite, in die Tiefe des Hintergrunds, und so entstehen diese Ebenen. Deshalb ließ ich Sie Hügel in diesen Schichten malen , denn das wird uns helfen, visuell zu organisieren. Beginnen Sie mit dem Aufwärmen für die Idee, wie wir unsere Stücke organisieren, die skaliert werden sollen. Also, wenn sie näher kommen, ihre größeren, sie werden weiter, sie sind kleiner, und wir haben bereits ein wenig mehr Tiefe integriert, was so großartig ist. Etwas, das Sie vorsichtig sein sollten, wenn Sie eine Komposition erstellen und Dinge platzieren. Wir wollen nicht, dass die Dinge aneinander reiben, um direkt nebeneinander zu sein, wir wollen, dass die Dinge ein wenig überlappen, damit wir wissen, was zuerst geht und was hinter sich geht. Visuell liest es einfach besser, liest schneller macht Sinn, und es lässt uns nicht durch den Zwischenraum verwirrt. Das ist völlig in Ordnung. Wir wollen nur nicht, dass die Dinge gegeneinander antreten. Wenn Sie über Komposition nachdenken, können Sie sie auch weiter in die Ränder schieben. Wir müssen uns nicht auf diesen Platz beschränken. Wir können über die Ränder hinaus arbeiten. Sie müssen sich nicht auf den Raum beschränken, der auch immer ist. Wenn Sie es auf Matte einrahmen, können Sie den Rahmen auf der Matte immer größer machen. Wenn diese Komposition nicht für jedermann offensichtlich ist, wenn sie nicht leicht zu lesen ist, ist das wirklich okay. Wir wollen, dass es ein wenig knifflig wird. Wenn etwas vielleicht zu einfach ist, um es herauszufinden, dann ist es eine schnelle Lektüre. Wir werden nicht viel Zeit damit verbringen, uns das anzuschauen. Aber je mehr Gedanken Sie in die Art und Weise, wie Sie Ihr Stück zusammensetzen, desto mehr Zeit wird jemand damit verbringen, es anzuschauen. Es gibt eine Zeit und einen Ort auch für eine sehr einfache Kunst und ich bin nicht dagegen. Sie werden oft sehen, dass meine Stücke nur eine Sache isoliert auf einem Hintergrund sind, aber wenn wir darüber nachdenken, Dinge richtig zu komponieren und wir mehr darüber erfahren wollen, wie das geht, dann müssen wir ein wenig vorsätzlicher sein darüber. Nur als Zusammenfassung finden wir einen Schwerpunkt. Wir priorisieren alle verbleibenden Formen. Wir denken über Tiefe und Perspektive nach. Haben Sie keine Angst vor diesen Worten. Das bedeutet nur, wie die Dinge in der Ferne gegenüber der Nahaufnahme aussehen. Wenn Sie eine Szene erstellen, wenn sie aus der Nähe sind, sind sie größer, wenn sie weiter entfernt sind, sind sie kleiner. Je detaillierter, wenn sie aus der Nähe sind, desto verschwommener, wenn sie im Hintergrund sind. Dann bringen Sie Farbe zurück. Ich mag es, mit Farbe zu beginnen und mit Farbe zu beenden. Farbe ist so wichtig in meiner Arbeit und in der Arbeit vieler Leute. In vielen Kunstwerken am Ende schauen wir uns die Dinge an. Fühlt es sich vereinheitlicht an, sind die Farben gesprenkelt, gibt es einen Farbverlauf, mag ich das, ist es zu organisieren. Es ist fast so, als ob du dich morgens anziehen willst, du willst übereinstimmen, du willst koordinieren, aber du hast das Gefühl, du machst es zu viel. Ich fordere Sie auf, entweder mit den Stücken zu spielen mit denen wir bereits in den letzten Übungen gearbeitet haben, in den letzten Prinzipien, oder erstellen Sie jetzt ein neues Stück mit dem, was Sie wissen. Nur um ein wenig auf diesem Entschädigungsstück auszuüben, wie große Kunst zu schaffen. 23. Bonusmaterial: Weitere Lektionen!: Sie können mehr Farbspaß mit der Sonnen- und Mondklasse finden, die ich hier auf Skillshare habe. Wir haben Sonnen und Monde gemalt, zuerst unser Farbschema arrangiert und mit geteilten komplementären Farbschemata gespielt. Sie werden sehen, dass das Mischen von Farben wirklich einfach ist. Mischen Sie sie zusammen und kombinieren Sie sie zu Paletten, die angenehm sind und erzeugen auch eine gewisse visuelle Spannung. Wert ist ein großer Wert und es ist derjenige, den wir nicht verpassen wollen. Wenn Sie mehr Spaß mit Werten und Farben haben möchten, ersetzen wir tatsächlich Werte durch Farbe in dieser Tierporträts Klasse Es wird die Beziehung zwischen diesen beiden herausfordern und dehnen. Eine Künstlerin, die ich suchte, wie sie mit der Form umging, war Mary Blair. Ich habe hier Unterricht auf Skillshare gemacht, die ihr gewidmet ist, wo sogar ich viele verschiedene Künstler einbeziehen durfte, die auch von ihrer Arbeit beeinflusst sind. Die Projekte umfassen die Fokussierung auf Form und machen sie zu verschiedenen Dingen. Du wirst es sehen müssen, um es zu sehen. 24. Schnelle Zusammenfassung: Ich hoffe, Sie haben etwas gelernt und ich hoffe, Sie haben Ihr Skizzenbuch herausgeholt und Sie konnten einige Dinge erkunden, von denen Sie wussten, dass sie da waren. Ich unterrichte jetzt seit ein paar Jahren und ich sehe, wie die Leute wirklich aufgeregt sind, um zu kreieren. Wir werden ins Erstellen springen, wir werden darauf eingehen, wie Sie das tun und wie malen Sie das, und wie zeichnen Sie das? Wir interessieren uns für verschiedene Themen. Schön. Aber dann kommen wir an einen Ort, an dem wir erkennen, dass ich nicht wirklich weiß, was etwas Gutes macht? Oder ich kann diese eine isolierte Sache machen, aber wie setze ich sie dann in einen Kontext? Woher weiß ich, dass es richtig aussieht oder Sinn ergibt oder ich benutze einfach die Farben, die ich mag und ich wende keine Farbtheorie an? Das sind tolle Fragen und nicht das Gefühl, „Oh, ich habe das Boot verpasst, weil ich das vorher nicht getan habe. Ich habe noch nicht an diese Dinge gedacht.“ Das ist alles Teil des Spiels. Dafür ist diese Klasse geeignet. Ich hoffe, dass es ein guter Weg war, die Dinge auszuüben, die in Lehrbüchern gelehrt werden und vielleicht weit verbreitet an Universitäten oder Kunstschulen gelehrt werden. Aber ich wollte, dass du dir die Hände schmutzig machst, ein paar Minuten am Tag oder ein paar Minuten über die Spanne dieser Klasse verbringst und diese Prinzipien praktizierst. Ich hoffe, Sie malen weiter und ich hoffe, Sie hinterlassen eine Rezension, lassen Sie mich wissen, wie Sie die Klasse mögen. Wenn Sie mich auf sozialen Medien finden wollen, Ich gehe nach watercolordevo, D-E-V-O am Ende alle ein Wort oder Sie können versuchen, meinen Namen zu buchstabieren und Sie werden mich wahrscheinlich überall finden. Meine Website ist mein Name amarilyshenderson.com oder watercolordevo.com. Ich hoffe, mehr von diesen Videos zu machen, wo ich einige Grundprinzipien über Kunst aufschlüsseln kann, die eine große Sache sind und Ihre Arbeit auf welcher Ebene des Schaffens Sie sind verbessern können. Bitte posten Sie ein Projekt. Ich will sehen, woran du gearbeitet hast. Danke, dass du Teil der Klasse bist.