Die komplette Music Masterclass

1. Einführung: Hallo zusammen, willkommen zur kompletten Mastering-Masterclass. Ich freue mich sehr, diesen Kurs endlich live zu haben. lange gebraucht, um es wirklich richtig zu machen . Und ich freue mich sehr , es jetzt veröffentlichen zu können. Falls Sie mich nicht kennen, mein Name ist Jay Allen. Ich habe jetzt über 100 Kurse gemacht, über 1 Million Schüler in meinen Online-Kursen im Internet. Und ich freue mich sehr, dass so viele Leute meinen Unterricht so nützlich fanden. Ich höre jeden Tag von ihm und ich liebe es. Ich habe einen Doktortitel in Musik mit Schwerpunkt elektronische Musik und einen Master in Computermusik. Seit einigen Jahren produziere, schreibe und komponiere ich seit 2030. Ich habe an einigen Platten gearbeitet , die in den Top-CMJ-Charts standen. Ich wurde von der Grammy Foundation für einen Teil meiner pädagogischen Arbeit ausgezeichnet. Und ich habe tonnenweise Tracks produziert, gemischt und gemastert. Aber das Wichtigste ist, dass ich es wirklich liebe, über diese Dinge zu reden und ein Nerd zu sein. Also, wenn das nach dir klingt, bist du hier richtig. Eine meiner Lieblingsbeschäftigungen ist es, morgens aufzustehen, alle Fragen zu lesen, die ich im Unterricht habe, und jeden Morgen jede einzelne davon zu beantworten. Das ist mein Lieblingsteil meines Tages. In diesem Kurs werden wir uns eingehend mit dem Mastering befassen. wissen müssen In diesem Kurs finden Sie alles, was Sie über Mastering Wir werden über die Arten des Masterings sprechen, über die Theorie, die hinter dem Mastering steckt, was wir erreichen wollen. Und natürlich, wie das geht. Wir gehen ins Unkraut und meistern eine Strecke. Der Track, den wir meistern werden , ist eigentlich ein Studenten-Track, zu dem ich jemanden eingeladen habe, ihn einzureichen. Wir werden diesen Track während des gesamten Kurses meistern und ich werde dich durch jeden grausamen Schritt führen. Ich werde über alle Effekte sprechen, die Sie benötigen, alle Tools, die Sie benötigen, wie Sie Ihre Kette aufbauen, Details darüber, wonach Sie suchen und was Sie bei Spotify und den anderen Streaming-Diensten einreichen müssen . Wie wir den dreidimensionalen Raum , in dem wir arbeiten, kontrollieren , indem wir zusätzliche Süßstoffe hinzufügen. Und dann natürlich das Rendern in die verschiedenen Dateitypen und wie Ihre Perfect Render-Einstellungen aussehen sollten, damit es von den Streaming-Diensten akzeptiert wird. Abschließend werde ich über Dinge sprechen, die Sie tun können um sich den Mastering-Prozess auf lange Sicht zu erleichtern sich den Mastering-Prozess auf lange Sicht , und darüber, wie Sie als Mastering Engineer Auftritte bekommen. also ohne weitere Umschweife Lassen Sie uns also ohne weitere Umschweife eintauchen und damit beginnen. Für mich ist es wichtig zu vermitteln , dass Sie dies in nahezu jeder Software, jeder Audiosoftware tun können. Wenn Sie Pro Tools, Logic, FL Studio, Reaper, das, die Tools verwenden, die wir für eine Maske benötigen. einfach irgendwie heraus. L und ich haben aufgehört, Dequeue zu machen. Also okay, was wir hier gemacht haben, ist, dass wir es einfach wirklich hart vorangetrieben haben. Aber das wollen wir nicht tun. Offensichtlich. Passen Sie hier unser Verhältnis zwischen Attack - und Release-Zeiten an, okay, also funktioniert alles genauso wie nur ein etwas anderes Interface. Hier ist unsere Seite, oder? Also können wir die Komprimierung einstellen und gegen diese Obergrenze fahren. Es wird sich verzerren. Das ist es, was es tut. Dieser hat also diese Soft-Clip-Funktion. Solange wir da nicht zu hart reinhauen, wird uns das ein bisschen verzerrt , aber es ist eigentlich eine nette Verzerrung. Also ist es okay. 2. Was ist Meisterschaft?: Okay, was ist Mastering? Lass uns das ganz schnell durchgehen , um uns auf die gleiche Seite zu bringen. Lassen Sie uns also den Prozess durchgehen , den wir durchführen, um einen Track zu erstellen. Okay, überspringe den schwierigsten Teil, nämlich die eigentliche Kunst , die Strecke zu bauen. Du setzt dich hin, um Musik zu machen. Du machst einen Track in welcher Software auch immer du einen Track machst, hurra, du hast die Musik geschrieben, du bist damit zufrieden. Cool. Nun, was passiert danach? Und das ist das Typische , was danach passiert. Nachdem du den Track geschrieben hast , sagen die Leute normalerweise: Großartig, ich habe einen guten Track geschrieben, ich bin zufrieden damit, jetzt ist es an der Zeit, ihn zu mixen. Sie werden also eine Menge Zeit damit verbringen , alle Pegel zu mischen, das Verhältnis eines Sounds zum anderen genau das Verhältnis eines richtig zu finden und es genau so klingen zu lassen, richtig zu finden und es genau so klingen zu lassen wie Sie es möchten. Köche küssen sich. hast du also gemacht, okay, ich habe einen ganz eigenen Kurs zu diesem Prozess. Nachdem du das getan hast, machst du den Mastering-Prozess. Also nimmst du deine Mischung und exportierst sie aus deinem Farbstoff. Sie exportieren das als Stereo-Audiotracks. Also zwei Kanäle links und rechts, die Art, die wir streamen, die Sache, die wir hören. Du könntest es dort nicht als erledigt bezeichnen. Und manchmal tun es die Leute. Manchmal sagen die Leute wie Das ist mein Mix. Das klingt großartig. Ich werde es an Spotify schicken, und das wird großartig sein. Sie konnten diesen letzten Schritt jedoch nicht ausführen und sollten diesen letzten Schritt tun. Du solltest deine Tracks wirklich oder deine Tracks von jemand anderem mastern lassen. Mastering ist also eine letzte Ebene, die wir machen, um die Tracks für das Streaming vorzubereiten, für die Aufnahme einer Platte. Ich werde zwar in einer Sekunde darüber sprechen, aber das muss passieren. Eine CD auflegen, im Auto spielen oder auf beschissenen Lautsprechern spielen, tolle Lautsprecher planen. Auf diese Weise können Sie sicherstellen, dass Ihr Track an so vielen verschiedenen Orten wie möglich großartig klingt . Auf diese Weise können Sie sicherstellen , dass beim Abspielen Ihres Titels im Radio niemand nach dem Wählrad greift, niemand nach dem Wählrad greift um ihn lauter oder leiser zu stellen. Es passt einfach zu der Musik, die auf dem Radiosender gespielt wird. Es ist eine Möglichkeit, sicherzustellen, dass der Track keine Kuriositäten enthält, wie zum Beispiel eine ganze Menge tiefer Sachen die du im Mix nicht gehört oder komisches Hi-Zeug, das du im Mix nicht gehört hast. Nur um dem Ganzen einen gewissen Glanz zu verleihen und sicherzustellen , dass es auf all diesen Plattformen funktioniert. Und es wird so klingen, als wäre es das Beste. Das ist Mastering. Das Wichtigste, was du aus diesem ersten Video mitnimmst , ist , dass Mastering bedeutet, dass wir mit einem Stereo-Track arbeiten, k, zwei Kanälen wie diesem. Schau dir diesen Track hier an. Das sind zwei Kanäle, siehst du. Und das ist nicht alles Teil einer Sitzung. Dies sind 1234567 einzelne Titel. Das ist nicht 1 s. Ich habe hier nur sieben Titel reingezogen um Ihnen etwas zu zeigen , worüber wir in ein paar Minuten sprechen werden. Aber das sind fertige Tracks, die ich in einer Session habe und ich mastere diese Tracks. Also schauen wir uns das an, es ist Stereo, es hat zwei Dateien. Das ist nicht die Mischung. Wenn Sie etwas mastern, sind Sie mit dem Mix fertig. Du mischst es nicht mehr. Es ist weg. Unser Mix ist also in Stein gemeißelt. Wir, wir haben es auf eine Stereo-Spur heruntergespielt und jetzt gehen wir zur Mastering-Phase über. Das ist also Mastering und das werden wir in diesem Kurs lernen. 3. Eine Anmerkung zu Terminologie: Okay, ein kurzes Wort zur Terminologie, bevor wir zu weit kommen, ich wollte nur darauf eingehen. In der Tontechnik gibt es eine Bewegung , das Wort Mastering nicht mehr zu verwenden, da es von einigen als bedrückende Sprache angesehen wird. finde ich absolut sympathisch. Alternativen, die vorgeschlagen werden, sind Endbearbeitung und Maximierung. Beide Begriffe sind großartig und funktionieren gut. Und ich versuche, ich bin gerade dabei, meine Sprache anzupassen, um zu sagen, dass ich diese beiden Begriffe verwenden soll, damit die Leute verstehen, wovon ich spreche. Ich werde vorerst in erster Linie den Begriff Mastering verwenden. Aber ich gehe vielleicht zurück, sobald einer dieser beiden Begriffe irgendwie haften bleibt und bearbeite diese ganze Klasse noch einmal, um den neuen Begriff zu verwenden. Aber im Moment wissen die meisten Leute, was Mastering ist. Also muss ich das irgendwie für diesen Kurs verwenden, damit die Leute wirklich verstehen, wovon ich spreche. Andere Wörter und Sprachen, die im Audiobereich neu durchdacht werden. Es gibt tatsächlich viele von ihnen. Dinge wie zum Beispiel, wenn wir zwei Hardwaregeräte haben, die zusammenarbeiten , wie eine Bandmaschine und eine Uhr, oder einen synthetisierten oder annotierten Computer. Ich bin die Beziehung wird immer als Master-Slave-Beziehung bezeichnet. Wir werden diese Begriffe auch irgendwie los. Aber nur damit du es weißt, vielleicht hörst du, dass die Leute Mastering als Finishing oder Maximizing oder vielleicht sogar etwas anderes bezeichnen . Das alles bedeutet meistens dasselbe. Ich mag Finishing besser als Maximieren, weil Maximieren für mich ein Element des Masterings ist, aber sowieso nicht das ganze Element des Administrierens, dazu später mehr. Ich wollte das nur veröffentlichen, damit Sie , wenn Sie diese Begriffe hören, verstehen, wovon wir sprechen. Cool. Lass uns weitermachen. 4. Software- und Hardware-Empfehlungen: Okay, lassen Sie uns über die Tools sprechen, die wir jetzt verwenden werden. Du kannst viele verschiedene Sachen für das Mastering verwenden. Es gibt eine Menge Leute, die auf Hardware-Mastering bestehen und es gibt wirklich coole Hardware zum Mastering. Aber was ich in diesem Kurs machen möchte, ist, dass wir uns erster Linie an Software halten, oder wir werden uns in diesem Kurs nur an Software halten. Aber Sie werden verstehen, wie Hardware funktioniert. Wir werden darüber reden, wenn es soweit ist. Also werde ich hier Ableton verwenden, aber es ist wichtig für mich, das zu vermitteln. Sie können dies in fast jeder Software tun , jeder Audiosoftware. Wenn Sie Pro Tools, Logic, FL Studio, Reaper verwenden. Die Tools, die wir für das Mastering unserer EQs und Kompressoren benötigen , vielleicht noch ein paar andere Dinge, aber jedes Audioprogramm hat diese Tools eingebaut. Wirklich, es ist komplett geschlossen. Ich bin mir fast sicher. Jede einzelne, du könntest wahrscheinlich viel davon in GarageBand machen , wenn du wirklich müsstest. Es geht nicht so sehr um den Zugriff auf die Tools, sondern darum, sie gezielt einzusetzen. Das macht einen guten Meister aus. Also, welche Daten Sie haben, sie werden in Ordnung sein, auch wenn Sie keinen Hund haben, machen Sie das in Audacity, einem kostenlosen Programm? Kannst, das kannst du machen. Es wird ein bisschen schwieriger sein, aber du kannst Audacity wirklich gut beherrschen. Also alles, was Sie brauchen, um etwas richtig gut zu beherrschen, sollte bereits in Ihre Software eingebaut sein. Lassen Sie sich also nicht von meiner Verwendung von Ableton abschrecken. Wenn du die Fähigkeit nicht verwendest und es wird okay sein. Sie müssen nur verstehen, wie Sie Ihre Software ziemlich gut verwenden. Sie müssen verstehen, wie Sie Ihre Kompressoren und EQs verwenden . Darüber werden wir mehr sprechen , wenn wir dort sind. Sie müssen also keine schicken Plug-ins kaufen, um diese Dinge zu tun. Davon abgesehen, wenn es ein schickes Plugin zu kaufen gibt, werde ich später mehr darüber sprechen, wie ich es verwende. Aber es wären Isotope, Ozon, es sieht so aus. Ozone ist ein Mastering-Plug-in. Du brauchst es nicht. Lassen Sie mich, ich kann das nicht genug betonen. Du brauchst es nicht. Ohne ihn kannst du einen großartigen Meister machen. Es macht jedoch einige Dinge wirklich gut, die Ihr Hund wahrscheinlich auch kann. Aber Ozon wird es anders machen und die Verwendung von Ozon hat einige Vorteile. Darüber werden wir später mehr sprechen. Geh noch nicht raus und kaufe Ozon. Vielleicht möchtest du es bis zum Ende dieses Kurses kaufen. Ich werde also in erster Linie dieses in Ableton eingebaute Zeug ganz am Ende dieses Kurses verwenden . Ich werde Ihnen einige Vorteile zeigen, die das Hinzufügen von Ozon in unsere Kette mit sich bringt. Aber bis dahin benutze, benutze, was du hast. Jede Tür ist dafür in Ordnung. 5. Arten von Mastering: Noch eine Einschränkung, bevor wir auf alles eingehen. Und genau das habe ich vor einer Minute erwähnt , als ich darüber gesprochen habe, was Mastering ist. Aber ich möchte nur sichergehen, dass ich die Idee verstanden habe , dass es verschiedene Arten des Masterings gibt. Und was wir in diesem Kurs machen, ist digitales Mastering. Wir mastern einen Track, um ihn für den digitalen Vertrieb vorzubereiten, also auf einer Website gestreamt, auf SoundCloud, auf Spotify, all diese Dienste. Es gibt Dinge wie Vinyl-Mastering. Das ist ein ganz anderes Tier. Ich weiß nicht wirklich, wie man Vinyl-Mastering macht. Es braucht wirklich einen Profi, um etwas zu beherrschen, um es für den Druck auf Vinyl vorzubereiten. Wenn Sie daran interessiert sind, sollten Sie sich an jemanden von The Vinyl Pressing Planet wenden , der das tut. Es ist ein ganz anderer Prozess. Einige der ähnlichen Dinge, aber es muss noch viel mehr dahinterstecken. Es ist, es ist viel mehr eine Wissenschaft. Die Art des Masterings, die wir in diesem Kurs machen werden, konzentriert sich also Masterings, die wir in diesem Kurs machen werden wirklich darauf, unsere Tracks in jedem Genre zu finden, egal ob es akustisch oder elektronisch, orchestral oder was auch immer ist. Ich bereite sie für Streaming-Plattformen vor, digitale Dateien. Darauf konzentrieren wir uns hier. Geh. In Ordnung. 6. Vokabular: Während ich diesen Kurs skizzierte und irgendwie herausfand, wie ich das unterrichten sollte. Mir wurde klar, dass da eine Menge Begriffe auftauchen werden, viele Fachbegriffe, von denen dir einige vielleicht schon bekannt sind und andere, wenn du meine anderen Kurse wie Mixen besucht hast meine anderen Kurse wie Mixen und einige von ihnen werden für dich völlig neu sein. Also, wenn diese Begriffe auftauchen, werde ich aufhören und sie vorstellen und definieren. Aber ich dachte auch, es wäre praktisch für dich, eine kleine Vokabelliste zu haben , auf die du zurückgreifen kannst. Im nächsten kleinen Abschnitt gebe ich Ihnen ein PDF , das meine Vokabelliste ist. Mach dir keine Sorgen, das durchzulesen und auswendig zu lernen. Ich gebe dir das jetzt zu Beginn des Unterrichts, in der Hoffnung, dass du es vielleicht ausdruckst und neben deinen Computer stellst oder es als Datei auf deinem Desktop öffnest. Wenn ich also über diese Dinge spreche, können Sie auf diese Liste zurückgreifen. Also werde ich über jedes davon im Kontext sprechen, wenn sie auftauchen. Einige von ihnen werden es erst eine Weile sein, aber ich möchte, dass du einfach diese Liste hast und sie als Referenz verwendest. Sie können darauf schreiben, kommentieren, wie Sie möchten, um das Konzept noch besser zu verstehen. Okay, also auf der nächsten Vokabelliste, dann tauchen wir ein. 7. Laut und klar sein: Okay, lassen Sie uns ein wenig über die Theorie hinter Mastering sprechen . Und in erster Linie werden wir darüber sprechen, was unsere Ziele für das Mastering sind. Warum haben wir das gemacht? Warum haben wir diesen ganzen Prozess durchlaufen? Wie ich darüber denke? Beim Mastering gibt es zwei Ziele. Zwei Dinge versuchen wir zu erreichen. Eine besteht darin, unseren Track so laut wie möglich zu machen. Da gibt es einige Vorbehalte und darüber werden wir in nur einer Minute sprechen. Aber die laute Sekunde ist klar. So laut und deutlich wollen wir unseren Track haben. Und das ist etwas, das im Mastering-Prozess untergeht . Wenn du also mischst, was du in einem Track machst, während du all die verschiedenen Ebenen des Tracks hörst all die verschiedenen Ebenen des Tracks hörst , all die Instrumente. Und du vergleichst sie miteinander und du bekommst die beste Mischung. Also du willst, sagen wir, du hast dein Schlagzeug und dann hast du deine Gitarre, oder? Also du, was du tun willst ist, du willst dir diesen Schlagzeug-Track anhören und dann willst du deine Gitarre holen. Vielleicht willst du es ein bisschen lauter als das Schlagzeug, vielleicht ein bisschen leiser als das Schlagzeug. Vielleicht schreib da weiter. Aber du wirst das relativ zum Schlagzeug mischen oder was auch immer dein Start- oder Referenztrack ist, oder? Dann fügst du deine Basis hinzu und mischst diese Relation. Und dann wirst du in irgendeiner Weise oder in sonstiger Weise Gesang hinzufügen . Du wirst all das miteinander vermischen. Sie sind alle relativ zueinander. Wenn du damit fertig bist, wirst du sagen, Sweet, ich habe eine tolle Mischung. Ich bin zufrieden mit meinem Mix. Und vielleicht ist es eine gute und laute Mischung. Vielleicht, aber vielleicht nicht und das ist okay, wenn nicht, die Aufgabe des Mixens besteht nicht darin, den lautesten Mix zu machen. Du willst deinen Mix so laut wie möglich haben, aber er wird nicht so laut sein wie ein gemasterter Mix, weil wir spezielle Dinge tun. Mastering, um es ein bisschen lauter zu machen, mehr dazu in einer Minute. Sie mischen also relativ zu allen anderen Instrumenten des Musikstücks. Aber du meisterst es im Vergleich zu all den anderen Tracks, die der Hörer vielleicht hört. Das Beispiel Radio, ich glaube, das habe ich schon erwähnt, aber wenn wir einen Titel im Radio hören, wollen wir keinen hören, der leiser ist als alle anderen um ihn herum. Wenn wir das tun, wird jemand nach der Wählscheibe greifen und sie lauter stellen. Okay, wenn sie es eine ganze Menge lauter drehen, dann kommt der nächste Track und es wird richtig laut und es wird ihnen die Ohren rauspusten, oder? Das wollen sie nicht tun. Deshalb wollen wir, dass unser Mix genauso laut ist wie alle anderen , die im Radio laufen. Vielleicht ist Radio ein schlechtes Beispiel für die Moderne. Ich höre immer noch Radio, aber Spotify, alle Titel auf Spotify, wir wollen keinen , der leiser oder lauter ist als die anderen um ihn herum. Wenn es lauter ist, ist es wahrscheinlich verzerrend. Wenn es leiser ist, drehst du es lauter. Oder schlimmer noch, wenn es wirklich leise ist, wendet Spotify einen Algorithmus an , der die Lautstärke automatisch für dich erhöht und das wird wahrscheinlich dazu führen, dass es verzerrt und nicht gut klingt, okay, also Lautstärke ist wichtig. Die andere Sache, die wir wollen, ist Klarheit. Wir werden also auf problematische Frequenzen achten. Stapelt sich da ein ganzer Haufen Basiskram an? Gibt es eine ganze Reihe von hohen Sachen? Und es gibt eine gewisse Klingelfrequenz. Wir werden die einfach rausholen und uns um sie kümmern. Dann bewerben wir uns vielleicht sogar , wenn der Track es braucht. Ein bisschen von dem, was wir Süßstoffe nennen würden, ein bisschen zusätzliches Zeug, nur um es zu polieren, einfach um es ein bisschen mehr glänzen zu lassen. Wir werden später über all das sprechen. Aber unsere beiden Hauptziele, laut und deutlich. 8. Es ist mehr als nur das Volumen aufzubauen: Okay, als ich gelernt habe, wie man das macht, fand ich das laute Ding immer etwas seltsam. Lassen Sie mich das erklären, wenn Sie so verwirrt sind , wie ich früher darüber verwirrt war. Warum denn? Also laut, ich kann einen Titel lauter machen , indem ich einfach die Lautstärke erhöhe, oder? Warum drehen wir nicht einfach die Lautstärke auf, oder? Das ist kein Hexenwerk. Es ist viel komplizierter als das. Und lassen Sie mich Ihnen sagen, warum ich das immer mit solchen wie Bierwerbespots verglichen immer mit solchen wie habe, in denen es heißt, wir haben das kälteste Bier. Und du sagst, ist es einfach nicht, die Funktion ist nicht die Kälte eines Bieres, die Funktion des Kühlschranks, in den du es stellst. Machen Sie es einfach kälter, lassen Sie es länger im Kühlschrank stehen oder stellen Sie es in den Gefrierschrank, wenn Sie es richtig kalt haben möchten. Ich verstehe das nicht. Ich verstehe immer noch nicht, dass die Kälte von Bier angepriesen wird. Aber mit Sound ist es nicht dasselbe. Es ist nicht einfach so, dass Sie es einfach kälter oder in unserem Fall lauter machen können, indem Sie die Lautstärke erhöhen. Okay. Lass mich dir zeigen warum. Schauen wir uns diesen Track an. Das ist ein abgeschlossener Track und er ist ziemlich laut. Wir können sehen, dass es hier eine gewisse Kopffreiheit gibt, was bedeutet, dass oben auf den Gleisen etwas Platz ist, aber nicht viel. Es ist wirklich so laut wie möglich gemischt. Okay. Lass es uns einfach lauter machen. Okay, ich gehe hier rüber zu meinen Messgeräten, es ist auf dieser Strecke. Machen wir sie schön groß, damit wir sehen können, was wir hier machen. Okay, also hier ist der Track. Es ist solo gespielt. Es war, als hätten wir alles durchgemacht. Höhen und Tiefen. Ich bin immer noch, wenn mein Hund, ich fühle mich nicht wohl, Menschenmassen, ich kann meinen Laden behalten. So läuft es bis zu seinem Höhepunkt, so wie wir es getan haben. Trage ich immer noch meinen Hund. Das ist gut. Null ist der Wasserhahn. Wir können nicht über Null gehen. Wir werden später mehr darüber sprechen, aber wir können nicht über Null gehen und der Wert steigt auf minus 0,02. Das heißt, es ist ganz oben. Da oben ist es bunt gemischt. Das ist großartig. Es ist so laut wie es nur sein kann. Wenn wir es also lauter wollen, können wir einfach die Lautstärke erhöhen. Es war so, wie wir es gemacht haben. Aber die Höhen und Tiefen, ich bin immer noch, wenn mein Hund ich Menschenmassen nicht vergesse. Ich kann mein Kleingeld behalten, das ich eigentlich sollte. So ist das halt. Ich habe nicht viele Fremde und enge Freunde gefunden und Salama. Okay. Stimmt. Also habe ich es lauter gemacht und was ist passiert? Es hat verzerrt. Wir können es also nicht einfach lauter drehen , weil es sich verzerrt. Wenn wir diesen Nullpunkt hier überschreiten, verzerren wir den Wert auf 5,91. Okay, wir müssen auf Null hochfahren. Ist es nicht schon perfekt gemeistert, wenn es seinen Höhepunkt bei minus 0,02 erreicht, das ist so nah wie Null, oder? Nun, nicht wirklich, denn hier kommt das Mastering ins Spiel. Schauen wir uns die Wellenform an, oder? Also hier ist nur eine zufällige Stelle in der Wellenform. Das ist genau hier. Das ist bis ganz nach oben. Das geht direkt bis Null oder minus 0,02. Das ist so laut wie ich kann. können wir also nicht lauter machen. Das ist es aber nicht. Das kann lauter sein. Das kann lauter sein. Das kann lauter sein. Und gehen wir noch ein bisschen näher ran. Das kann lauter sein, und diese können lauter sein. Die Hochs sind oben, aber die Tiefs, die können steigen, oder? Und hier kommt die Wissenschaft von all dem ins Spiel, oder? Ich möchte, dass die Höhen so hoch wie möglich bleiben, aber ich möchte, dass die leisen Dinge hochkommen. Nun, das nennt man den Dynamikbereich. Der Dynamikbereich ist die Entfernung vom höchsten, dem lautesten Punkt, zum leisesten Punkt. Und was wir tun werden, ist , das zu zerquetschen. Wir werden ein paar Spezialwerkzeuge verwenden, um das zu zerquetschen. Das Ganze ist also lauter. Wir werden es so machen , dass die Musik nicht ruiniert wird. Das bringt uns zu etwas , über das ich nachsichtig wäre, wenn ich nicht darüber sprechen würde. Es gibt dieses Ding namens Loudness Wars. Und das ist etwas, mit dem du dich irgendwie auseinandersetzen musst, wenn du über Mastering sprichst. Lass uns also zu einem neuen Video gehen und darüber sprechen. 9. Die Loudness Wars: Wir haben ein bisschen Geschichte geschrieben. Gehen wir zurück in die 80er, z. B. das ist angeblich seit den Siebzigern, wohl den 60ern, so. Aber nehmen wir an, wir sind in den Achtzigern und du hörst Musik. Du hörst Musik im Radio , weil viele Leute damals Musik so gehört haben. Du hörst im Radio und hörst zwei Songs nebeneinander und einer klingt lauter als der andere. Es gab Studien , die zeigten, dass sich eine, die lauter klang, besser verkaufte. Also fingen die Leute an, Musik mit diesen Techniken, über die wir sprechen, immer lauter zu machen Musik mit diesen Techniken, über die wir sprechen, immer lauter , entweder tatsächlich lauter oder lauter wahrgenommen. Irgendwann ist die Lautstärke eine Funktion des Einstellrads, des Lautstärkereglers in Ihrem Auto oder was auch immer. Aber du kannst wirklich ziemlich fest gegen diesen Knopf drücken. Und das war in den achtziger Jahren sehr schwierig. Also haben die Leute einfach damit experimentiert. Weil wir immer noch mit Dingen wie Kassetten und analogen Signalen gearbeitet haben . Als wir die CD bekamen, die CD, die 1981 erfunden wurde, aber in den frühen 90ern, glaube ich, zur Standardmethode wurde, wie wir Musik verkauften und konsumierten . Jetzt hatten wir digitale Signale und diese können vorsichtiger manipuliert werden. Also haben die Leute angefangen, das wirklich voranzutreiben. Wie können wir unseren Track am lautesten machen? Denn wenn fünf Tracks im Radio gespielt werden und einer sehr laut gemischt oder gemastert ist und er sich von den anderen abhebt. Es wird sich besser verkaufen. Das wissen wir. Also begann dieser seltsame kleine Krieg , der Loudness Wars genannt wurde und in dem jeder versuchte, seine Musik am lautesten zu machen . Und wir befinden uns immer noch in diesem kleinen Krieg. In gewisser Weise. Einige Künstler haben dagegen angekämpft , indem sie gesagt haben, dass sie nicht dabei sein wollen weil dann ein Argument vorgebracht werden muss, dass indem wir einen Track so laut wie möglich machen, am Ende diesen Dynamikbereich reduzieren. Und das nimmt ihm genau dort die Musikalität. In den delikaten Qualitäten der Musik geht etwas verloren . Wenn wir das tun, haben werden, dazu neigen die Künstler, die gesagt haben, dass wir stille Meister Künstler zu sein, die sich nicht so viele Gedanken über Albumverkäufe oder Streams machen müssen wie der Rest von uns. Ein wirklich gutes Beispiel dafür ist Nine Inch Nails. Ich kann mich nicht erinnern, welcher Rekord. Ich glaube, es war fast das Jahr Null. Ich glaube, dort hat er zwei Versionen dieses Albums veröffentlicht. Einer hieß, ich glaube, er nannte es einfach den Loud-Mix oder vielleicht die Radiomikrofone. Und es war laut. Es wurde so laut gemastert, wie man es erwarten würde. Aber dann gab es eine audiophile Dateiversion , die nicht laut gemastert wurde. Es wurde mit einem viel größeren Dynamikbereich gemastert einem viel größeren Dynamikbereich und so gefiel es ihm, so wollten es die Künstler. Aber im Radio oder bei Streaming-Diensten würde es nicht sehr gut Radio oder bei Streaming-Diensten ankommen. Also hat er zwei Versionen gemacht. Der Loudness-Krieg ist also in gewisser Weise immer noch im Gange. Wir versuchen immer, Wege zu finden, den Meister lauter zu machen. Aber ich habe das Gefühl, dass wir eine Obergrenze erreicht haben , bis wir es nicht viel weiter treiben werden. Weil die Streaming-Dienste uns in gewissem Maße einschränken. Sie haben Standards , die sie benötigen. Und sie werden nicht zulassen, dass die Musik darüber hinausgeht. Und du kannst nur so viel tun, um auf sie zu stoßen, bevor du nur eine seltsame Schallmauer machst. Aber Lautstärke ist immer noch wichtig. Stellen Sie also sicher, dass Ihre Tracks laut genug gemastert sind , um sie mit den anderen Dingen zu vergleichen , die Ihr Publikum Ihnen möglicherweise hört. Das ist das wichtigste Stück. hat also noch viel mehr Der Loudness War hat also noch viel mehr zu bieten. Wenn Sie ihn googeln, finden Sie eine Geschichte von Künstlern, die gegen ihn waren, Alben, die Meilensteine sind oder die Loudness Wars im Laufe der Jahre. Wenn Sie also mehr darüber lesen möchten, probieren Sie es aus. Aber lass uns weitermachen. 10. Genre Matters: Ein kurzer Hinweis zum Genre, bevor wir loslegen, denn das Genre spielt bei diesen Sachen eine Rolle. Du solltest das Genre berücksichtigen, in dem du arbeitest , während du mastest und während du über Lautstärke nachdenkst. Insbesondere wollen wir über die Bedeutung des Dynamikbereichs nachdenken . Also tu das für mich. nächste Mal fährst du in deinem Auto. Auf Ihren lokalen kommerziellen Pop-Radiosender eingestellt. Hör dir eine Minute lang Musik auf diesem Sender an. Dann möchte ich, dass du den Wählknopf so schnell wie möglich zu deinem lokalen klassischen Musiksender drehst . Okay? Es ist durchaus möglich, dass Sie, wenn Sie zu Ihrem klassischen Musiksender kommen, nichts hören. Es ist so leise, dass man nichts hört. Sie müssen die Lautstärke Ihres Autos erhöhen um die Musik und den klassischen Sender zu hören. Weil klassische Musik nicht laut gemeistert wird, ist der Dynamikbereich der klassischen Musik wichtig, ist von grundlegender Bedeutung, um diese Musik zu hören und zu genießen. Wir verringern diesen Dynamikbereich also nicht. Beim Mastering, wenn wir klassische Musik hören , tun wir das einfach nicht. Wir haben vielleicht ein bisschen, ein bisschen, ähm, aber Leute, die klassische Musik beherrschen, sind sehr spezialisiert und damit habe ich nicht viel Erfahrung. Aber ich mache Sie darauf aufmerksam, um sich daran zu erinnern, dass das Genre wichtig ist. Wenn du Dance-Musik beherrschst, willst du das Ding so laut wie möglich weil du willst, dass es im Club pumpt. Wenn Sie ein Solo-Klavierstück von Brahms beherrschen, möchten Sie nicht, dass es bis an die Spitze vordringt. Du willst, dass es leise ist, um leise zu sein, und es ist erlaubt, dass es laut ist. Du willst, dass es diesen Raum wirklich füllt. Du willst nicht, dass es einfach bis zum Ende durchpumpt. Darum geht es in dieser Musik nicht. Wenn du mastern willst, wie Pop-Punk, willst du, dass es bis zum Ende ziemlich knallhart ist, oder? Aber wenn du akustische Folkmusik beherrschst, möchtest du vielleicht etwas mehr Breite darin haben, und du willst nicht, dass es bis ganz nach oben geht. Das klingt komisch, wenn du das extrem laut beherrschst. Aber du willst es so laut wie möglich machen. Denken Sie also immer über das Genre nach, an dem Sie arbeiten, und darüber, was für dieses Genre , Genre, angemessen ist. In ein paar Minuten werden wir mit Ihnen darüber sprechen, wie Sie Leitfäden verwenden können, um Ihnen dabei zu helfen. Guidetracks sind etwas , das wir in der Mastering-Session verwenden werden , um uns irgendwie mit dem, was um uns herum passiert, in Verbindung zu halten . Wir werden also darüber sprechen, sobald wir in unsere erste große Sitzung eintauchen, die wir in Kürze machen werden. Aber ich möchte über Tools sprechen , die wir als Nächstes für diesen Prozess verwenden werden. 11. Die Frequency: Okay, wir haben viel über Lautstärke gesprochen und nicht viel über Lautstärke gesprochen und nicht viel die anderen Dinge, die beim Mastering zu tun haben, hauptsächlich über die Frequenzarbeit. möchte ich nur eine Minute damit verbringen , weil es durchaus üblich ist , dass wir, wenn wir über Mastering sprechen, über Lautstärke sprechen und diese anderen wichtigen Aspekte vernachlässigen. Wenn wir also über Frequenzarbeit sprechen, sprechen wir darüber, ob es irgendwelche problematischen Frequenzen gibt ? Das ist die Hauptsache. Es könnte niedriges Zeug sein, es könnte hohes Zeug sein und es könnte Zeug genau in der Mitte sein. Es könnte sein, dass ein seltsames Klingeln durchkommt. Es könnte sein, dass sich einige niedrige Frequenzen aufbauen. Das hast du vielleicht nicht gesehen , als du den Track gemischt hast. Aber mit den Werkzeugen des Masterings können Sie sie sehen. Bin ich nicht einmal Dinge gewesen, die du nicht einmal hören kannst. Aber Sie können sie auf unseren Messgeräten sehen. Und du sagst, Whoa, untersten Bereich hier oben baut sich ein großes Problem auf. Warum sollte das jetzt wichtig sein? Nehmen wir an, du mischst wie einen großen Dance-Track, oder? Und du hast etwas, das diese Pumpe und die Basis hat, also, bumm, es ist wirklich großartig und du hast das Gefühl, dass es eine großartige Mischung hat. Nehmen wir an, Sie verstehen beim Mastering nicht , dass unter dem, was Sie an Ihren Lautsprechern oder Kopfhörern hören können, eine Menge leiser Geräusche passieren . Du unternimmst also nichts dagegen. Dann gehst du in einen Club mit diesem Track, einen Club mit dieser riesigen PA-Anlage und diesen riesigen Subwoofern. Du spielst diesen Track und du hörst einfach dieses schreckliche Geräusch. Das liegt daran, dass es da war, aber Ihre Lautsprecher haben es nicht verstanden. Das sind also die Dinge, die wir beim Mastering zu erfassen versucht haben, und das ist ein ziemlich extremes Beispiel. Aber solche Dinge können passieren, wenn Sie etwas auf einem anderen Lautsprecherset hören. Und es klingt ganz anders. Und das versuchen wir beim Mastering zu eliminieren, indem wir nach diesen problematischen Frequenzen suchen. Deshalb sieht man in einem Studio, das sich auf Mastering spezialisiert hat, oft eine ganze Reihe von Lautsprechern, oder? Weil sie ein paar wirklich nette Redner haben werden. Sie werden ein paar wirklich billige Lautsprecher haben. Sie könnten einen Satz Autolautsprecher haben. Sie haben vielleicht nur billige Ohrhörer, alle möglichen Dinge. Sie werden einen kleinen Switcher haben. Sie können also zwischen all diesen verschiedenen Lautsprechern wechseln und einfach auf die problematischen Frequenzen achten, die durchkommen. Dann arbeite an ihnen. Stimmt es? Das ist es also, was in die Frequenz einfällt. Arbeit. Dazu bald mehr. Okay, lassen Sie uns nun zu den Handwerkszeug kommen. Wir beginnen mit unseren drei wichtigsten Tools. Später werden mehr dazu kommen, aber das sind unsere wichtigsten Tools. 12. Werkzeuge: Die DAW: Okay, lass uns über die Werkzeuge sprechen und lass uns mit dem Hund beginnen. Das ist nicht wirklich eines der Tools, aber ich möchte nur kurz darüber sprechen. Wir werden in einem Würfel arbeiten. Du musst nicht wirklich in einem Würfel arbeiten. Weil wir hier wirklich nur mit einem Track nach dem anderen arbeiten werden . Wie eine typische Mastering-Session. Sieht so aus. Es sieht so aus, als gäbe es einen Track, mit dem wir arbeiten werden. Sie können dies also in jeder Art von Audioeditor tun, sogar in Audacity, bis hin zu Pro Tools. Es spielt keine Rolle. Ich werde Ableton benutzen. Sie können jede Software verwenden, die Sie möchten. Solange Sie Zugriff auf die Tools und Plug-ins haben , über die wir in den nächsten drei Videos sprechen werden. Okay? Also bleib nicht dabei hängen. Ich benutze Ableton. Ableton hat mit diesem Prozess nichts zu tun. Es ist wirklich nur irgendwie das, was mir die Spur hält. Nun, ich mache diese Dinge damit. Sie benötigen jedoch ein Programm, in das Sie eine einzelne Audiodatei laden und dann einige Effekte darauf anwenden können. Das ist es, was wir brauchen. Und es sollte ein wirklich gutes Messgerät haben, worüber wir als Erstes sprechen werden. Gehen wir also zu einem neuen Video und sprechen wir jetzt darüber. 13. Werkzeuge: Der Meter: Okay, unser erstes und umstrittenes, wichtigstes Instrument dieses ganzen Prozesses ist das Messgerät. Sie dachten wahrscheinlich, ich würde Kompressor sagen. Wenn Sie damit Erfahrung haben und der Kompressor sehr wichtig ist, werden wir als Nächstes darüber sprechen. Aber das Messgerät wird uns zeigen, was wirklich vor sich geht. Okay? Im Live-Modus muss ich also zu dieser Ansicht wechseln, um das Messgerät wirklich zu sehen. Das ist das Messgerät, oder? Es wird auf der Grundlage eines Schecks für mich angezeigt, okay, jetzt hat das Messgerät ein paar verschiedene Elemente. Ihr Messgerät sieht vielleicht anders aus, aber hier ist, was wir brauchen , um es sehen zu können. Wir müssen in der Lage sein, den Gipfel zu sehen. Für mich taucht es genau dort auf. Wenn ich also darauf klicke, steht negativ unendlich, was bedeutet, was sehr zerebral ist, aber es bedeutet nur, dass es noch keine Informationen hat. Und wenn ich den Track spiele, wird er aktualisiert, um zu zeigen, worauf mein höchstes Level basiert Schau nach mir und das wird nie untergehen. Es wird immer nur hochgeschoben, hoch, hoch, hoch, hoch. Und dann wird es endlich sagen wie Okay, nichts Lauteres passiert als das. Okay? Und Sie können darauf klicken, um es zurückzusetzen. Es wird wichtig sein, welche Software Sie verwenden, um diesen Spitzenwert erkennen zu können. Manchmal erscheint es im Messgerät oder manchmal taucht es woanders auf. Aber solange du es sehen kannst, wird es großartig funktionieren. Okay, die andere Sache, die wir sehen müssen, ist das RMS. Ok, jetzt wirst du feststellen, dass, wenn ich bei diesem Titel auf Play klicke, hier zwei grüne Balken sind. Nun, lassen Sie mich das etwas näher erläutern. Wir haben einen Stereo-Track , den wir hier spielen , und es gibt eine linke und eine rechte Seite. Sie sollten sehen, dass Sie zwei verschiedene Seiten des Messgeräts sehen werden , und das wollen wir sehen. Aber zusätzlich zu diesen beiden Seiten wirst du zwei verschiedene Farben sehen, die nach oben und unten gehen, okay? Und in meinem Fall wirst du je nach Scheck von mir dunkelgrün und hellgrün sehen , es sei denn, du hast MIA. Okay. Das zeigt uns also zwei verschiedene Sichtweisen auf die Lautstärke. Okay? Der dunkelgrüne ist also unser Spitzenpegel, der zu einem bestimmten Zeitpunkt erreicht wird. Was ist das lauteste Geräusch, das wir sehen? Okay? Das ist nützlich. Das ist im Grunde das, was hier auftaucht. Okay? Wichtiger für uns ist in meinem Fall jedoch die hellgrüne, nämlich die RMS-Lautstärke. Das RMS-Level sagt es uns. Es zeigt uns gewissermaßen die wahrgenommene Lautstärke , die wir hören. Rms steht für Root Mean Square. Irgendein Mathe-Sache. Im Grunde berechnet es etwa alle 300 Millisekunden ein durchschnittliches Volumen . Es heißt also, hier ist unser gesamtes Volumen für die letzten 300 Millisekunden. Was ist der Durchschnitt davon? Und dann eine Zahl zeichnen und dann sagen, für die nächsten 300 Millisekunden, was ist der Durchschnitt davon? Aber sie überschneiden sich, oder? Also ist es so. musst du nicht wirklich verstehen. Verstehe einfach, dass es eine bessere Methode ist, die wahrgenommene Lautstärke zu betrachten, die wir hören. Das Dunkelgrün ist die Spitzenlautstärke und das wird auch hier angezeigt. Ich werde mich also nicht zu sehr mit der Spitzenlautstärke in meinem Messgerät befassen , weil ich mich hier damit befassen werde. Stattdessen. Das Grün, das Grün ist unser RMS-Wert. Und darauf werde ich mein Auge behalten während ich mir unser Gesamtsignal ansehe. Es ist auch wichtig zu wissen, dass Sie zwei verschiedene Stellen haben. Du kannst dein Level sehen. Du hast es auf der Strecke und du hast es auf dem Master. Wenn du im Dunkeln bist. Wir wollen unsere Lautstärkeanpassungen hier bei Null belassen. Wir werden diesen Fader in diesem ganzen Prozess nicht verschieben . Das Gleiche hier drüben. Bei unserem Meister. Wir werden den Mistkerl bei Null belassen. werden wir nicht anfassen. Unser Track-Level und unser Master-Level, unser Master-Fader, werden also dasselbe sein. Okay, wir werden die Lautstärke auf der Strecke nicht anpassen. Wir werden nur die Stufen in unseren Tools anpassen. Cool. Informieren Sie sich also über das Messgerät, das Sie verwenden. Wir möchten sicherstellen, dass wir den RMS-Wert und den Spitzenwert sehen . 14. Werkzeuge: Der Kompressor: Okay, als nächstes ist der Kompressor dran. Und der Kompressor wird unser Schweizer Taschenmesser des Mastering-Prozesses sein. Wir werden viel Zeit und einen Kompressor aufwenden. Erinnern Sie sich an ein paar Videos von vor ein paar Jahren, in denen ich sagte , wir haben hier unsere Spitzenwerte, aber wenn wir uns unsere Wellenform ansehen, gibt es Tiefpunkte. Und wenn wir diese Tiefpunkte vergrößern können , lassen Sie mich das einfach noch einmal machen. Wenn wir uns diese Wellenform ansehen und hineinzoomen, können wir sehen, ja, dieses Zeug ist oben, aber dieses Zeug ist es nicht. Wie können wir dieses Zeug also lauter machen , ohne es zu beeinflussen? Das ist größtenteils das, was ein Kompressor tut. Es macht es auf eine etwas andere Art als das, was ich gerade gesagt habe. Die Hauptaufgabe eines Kompressors besteht darin, den Dynamikbereich zu reduzieren, oder? Also haben wir über den Dynamikbereich gesprochen, also die Entfernung und den leisesten Ton, den lauteren Ton. Ein Kompressor wird das komprimieren . Also geht es so. Es wird also die lauten Sachen leiser und die leisen Sachen lauter machen , oder? Damit diese, dieser Abstand ist kleiner. Es wird also so laufen, aber dann kann es die ganze Sache noch ein bisschen aufpeppen. Es gibt viele verschiedene Arten von Kompressoren und praktisch jeder von ihnen funktioniert. also unabhängig von der Software, an der Sie arbeiten, den eingebauten Kompressor verwenden. Sie möchten, können Sie ein Plug-In erwerben, das ein schicker Kompressor ist Wenn Sie möchten, können Sie ein Plug-In erwerben, das ein schicker Kompressor ist. Allen geht es gut. Das wichtigste Werkzeug in einem Kompressor ist der Schwellenwert. Es sollte eine Make-up-Menge enthalten. Im Idealfall spielen wir mit unserer Angriffs - und Release-Zeit. Das Verhältnis spielt keine Rolle. All deine Standard-Sachen , die ein Kompressor hat. Praktisch jeder Kompressor funktioniert also. Wenn Sie also einen eingebauten Kompressor haben, können Sie damit problemlos auskommen. Wir werden bald viel detaillierter darauf eingehen, wie Kompressoren funktionieren und was wir mit ihnen machen müssen. Aber ich möchte nur den Kompressor vorstellen. 15. Werkzeuge: Der Limiter: Okay, als Nächstes kommt ein Limiter. Hoffentlich haben Sie in die Software, die Sie verwenden, einen Limiter eingebaut . Wenn nicht, können Sie ein Plug-In erwerben, das einen Limiter darstellt. Sie können tonnenweise von ihnen in der Umgebung finden. Ein Limiter ist eigentlich ein ziemlich einfaches Tool. Es legt eine Obergrenze fest, eine Volumenobergrenze. Und dann sagen wir, darfst du nicht darüber hinausgehen. Also heißt es nur, hier kommt kein Geräusch rüber. Also können wir reingehen und sagen, also hier ist ein einfacher Limiter. Wir können sagen, dass Null unsere Obergrenze ist. Jetzt können wir super duper sein. Sicher. Keine Frequenz wird sich herausschleichen und diese Obergrenze überschreiten. Das ist die Spitze. Wir werden nicht alles, irgendwas darüber hinausgehen lassen . Nun könntest du einen Grund finden, dies auf weniger als Null zu setzen, z. B. minus 0,3 also lassen wir oben ein wenig Platz. Das kann okay sein, dafür gibt es gute Gründe und darüber werden wir später mehr sprechen. Aber alles, was es tut, ist einfach ein hartes Limit zu setzen und zu sagen, wenn das Signal steigt und es diese Obergrenze erreicht, wird es nicht durchgehen. Das macht ein Limiter. 16. Werkzeuge: Der EQ: Okay, noch eins, eigentlich zwei weitere Tools , über die ich sprechen möchte, nur um sie vorzustellen. Dieser ist der EQ. Nun, wenn du meinen Mixing-Kurs gemacht hast, wenn du schon Produktionsmaterial oder Aufnahmen gemacht hast, weißt du, was ein EQ ist. Aber nur um uns wieder auf die Reihe zu bringen, schauen wir uns einen einfachen EQ an. Was wir haben, wenn wir uns einen EQ ansehen, da Lautstärke in diese Richtung und die Frequenz in diese Richtung geht. Und wenn wir diese Linie beeinflussen. Wenn es also Null ist, werden Sie feststellen, dass dies 06120 ist, minus sechs, minus 12. Wenn wir also auf Null sind, bedeutet das, dass wir die Frequenzen überhaupt nicht ändern. Wenn ich diesen Weg gehe, erhöhe ich diese Frequenzen, in diesem Fall niedrige Frequenzen. Wenn ich diesen Weg gehe, reduziere ich diese Frequenzen, in diesem Fall niedrige Frequenzen. Also, wenn ich mittendrin ein Geräusch habe, vielleicht um die drei K, gehe ich hier hoch. Und ich werde sagen, ich will mehr von diesem Signal oder ich will weniger von diesem Signal. Wie Sie vielleicht aus meinen anderen Kursen wissen, wollen wir ein Signal sehr selten mit einem EQ verstärken. Wir verwenden hauptsächlich EQs zum Schneiden. Wenn das also, wenn wir hier eine problematische Frequenz finden, werden wir diese herunterfahren. Wir könnten es sehr eng machen. Und sag, es ist genau richtig, es gibt eine kleine Frequenz , die mich nervt und wir können sie irgendwie so wegschneiden. Wir werden viel Feintuning mit EQs vornehmen. Damit. Wenn Sie einen EQ haben, der eine größere Ansicht hat , wird Ihnen das wirklich zeigen, was vor sich geht. Es kann hilfreich sein. Dieser, wenn ich diesen kleinen Pfeil hier treffe, wird er schön groß. Und ich kann es so richtig groß machen. Und du kannst den tatsächlichen Frequenzgehalt des Tracks sehen , den ich dir anhöre, während ich ihn spiele. Basierend auf einem Scheck für mich. Ja. Stimmt. Also ich kann mir diese Frequenz ansehen, Spiel für Spiel, Spiel, Spiel am Freitag und du wirst es wiederholen müssen. Wenn ich entscheide, dass die Frequenz problematisch ist arbeite ich vielleicht ein bisschen damit, aber das zeigt mir irgendwie alle Frequenzen. Ich kann sehen, was herausragt, was von C überprüft wurde. Also das sieht genau dort komisch aus. Also sieh für mich nach. Okay, das würde also diese Frequenz reduzieren , nicht vollständig, aber es wird sie um einen ganzen Haufen reduzieren . Lerne also einen guten EQ kennen. 17. Werkzeuge: Deine Ohren: guter Letzt möchte ich, dass Sie sich immer daran erinnern, dass es ein sehr wichtiges Tool ist Ich hätte wahrscheinlich mit diesem als unserem wichtigsten Tool beginnen sollen. Aber das wichtigste Werkzeug ist Ihr Ohr. Weil Mastering eine Kunst ist. Es ist eine sehr delikate Kunst. Es erfordert viel Zuhören, viel Konzentration, viel Übung, viel Training, um wirklich gut darin zu werden. Lass dich also nicht frustrieren. Wenn du in den ersten paar Malen etwas meisterst, glänzt es nicht wirklich wie einige deiner anderen Lieblingstracks, es erfordert Übung. Es gibt Leute, die viel Geld dafür bekommen , Tracks zu mastern. Es ist nicht so einfach, einfach einen Kompressor und einen EQ einzuschalten und ihn rauszurendern und ihn als gut zu bezeichnen. Es ist eine Kunst und es erfordert ein gutes Gehör und viel Übung. Also erfordert auch das Beherrschen von Patienten Patienten. Okay, davon abgesehen, lasst uns zum nächsten Abschnitt übergehen und uns darauf vorbereiten, zu meistern, wo wir unseren Weg einschlagen werden, den wir meistern werden. Und ich habe zwei Studenten-Tracks in der Warteschlange , damit wir sie meistern können. Und wir werden darüber sprechen, was wir tun müssen, um diese für den Master vorzubereiten, und was macht einen Track bereit, gemastert zu werden? machen wir uns auf den Weg. 18. Einrichtung einer Mastering Session: In diesem Abschnitt werden wir über die Einrichtung unserer Sitzung sprechen . Und das alles fällt unter die große Überschrift sich darauf vorzubereiten, ein paar Dinge zu meistern, von denen wir sichergehen wollen, dass wir alles richtig machen, bevor wir uns auf die Strecke stürzen. Also schauen wir uns in diesem Abschnitt die eigentliche Strecke an, die wir meistern werden. Wir werden sicherstellen, dass alles bereit ist, um gemeistert zu werden. Und wir werden anfangen, ein paar kleine Dinge zu tun . Erstklassiges Zeug, das wir bei jedem Mastering-Projekt machen sollten. Okay, lassen Sie uns zunächst über die Einrichtung unserer Sitzung sprechen , egal welche Puppe Sie verwenden, ein paar Dinge, die Sie tun sollten, nur um sicherzustellen, dass Sie eine völlig leere Tafel haben. Wir wollen sicherstellen, dass unsere Ernährung diesen Track in keiner Weise verarbeitet , bis wir es ihm sagen. Hier ist alles sehr heikel. Wir wollen also eine sehr saubere Strecke. Wir wollen im Grunde nur wie eine Bandmaschine emulieren, oder? Als ob es einfach das ist, was es ist. Keine Auswirkungen, nein nichts. Okay, also als Erstes werde ich alle Tracks entfernen, die ich nicht benutzen werde. Ich möchte einen Stereo-Audiotrack. Das ist alles, was ich für diese Sitzung will. Als Nächstes gehe ich rein und vergewissere mich, es keine Auswirkungen auf diesen Track gibt. Okay, also hier würden sich meine Effekte zeigen. Da ist nichts. Ich werde mir meinen Mastertrack ansehen. Stellen Sie sicher, dass es keine Auswirkungen auf den Master gibt. werde mir meine Sendungen ansehen und sicherstellen, dass ich nichts sende. Die sind unten und sie werden unten bleiben. All unsere Effektbearbeitungen, die wir mastern, werden wir direkt auf dem Track machen. Jetzt weiß ich, dass in den Produktionsschritten und sogar beim Mischen darüber gesprochen haben, wir in den Produktionsschritten und sogar beim Mischen darüber gesprochen haben, einige Effekte per Bus anzuwenden, wie z. B. zeitbasierte Effekte wie Delays und Reverbs. Und manchmal ist es besser, Dinge einem Bus zu benutzen und dann in den Effekt anzuwenden. Und das stimmt immer noch, aber es gehört nicht zum Mastering. Beim Mastering machen wir alles direkt auf dem Track. Okay? Als Nächstes schalte ich mein Stromnetz aus. Sie können also hier sehen, ich bin auf einem Raster voller Maße, was ich mir hier ansehe. Okay, was auch immer Ihr Hund braucht, um das Netz auszuschalten , denn wir wollen hier eine sehr gute Auflösung. Es ist am einfachsten, das Stromnetz komplett auszuschalten. Also für mich gehe ich bei gedrückter Strg-Taste auf Festes Raster aus. Jetzt habe ich gepunktete Linien, aber ich kann jede Art von Genauigkeit machen und bin an kein Raster gebunden . Cool. Okay, jetzt ziehe ich mein Tracking durch. Das ist also die Strecke, die wir meistern werden. Ich werfe es ab und lege es den ganzen Weg zurück. Okay. Es sieht ziemlich gut aus. Lass uns einfach hören, was wir haben. Hier ist der laute Teil, es ist ein bisschen wie eine Rock-Melodie. Es gibt noch eine wichtige Sache, die wir noch tun müssen, und ich wollte nur ein bisschen davon hören , um es zu demonstrieren. Also los geht's. Okay. Du kennst diesen Track also nicht, wie Idea, das ist ein Studenten-Track. Und die Sache, von der ich weiß, dass Sie es nicht wissen , ist, dass das sehr umfangreich ist, in der Lage, seine Planung so schnell zu gestalten. Wenn Sie also in Ableton sind, müssen Sie in einem Schritt das Warping ausschalten, und das ist sehr wichtig. Was Warping also für Sie Endbenutzer nicht erreichen können, ist, dass es im Grunde das Tempo des Tracks analysiert und dann versucht, den Track in unserem Session-Tempo abzuspielen. Es versucht also, das Tempo dieses Tracks an unser Session-Tempo anzupassen , das derzeit bei 96 Seiten pro Minute liegt. Also müssen wir ihm sagen, dass er das nicht tun soll, es in seinem aktuellen Tempo spielen soll. Also doppelklicke ich, gehe hier in meine Warp-Einstellungen und schalte das Warping aus. Okay. Jetzt werde ich diesen Track spielen und er wird sehr langsam klingen. Okay? Dies ist das tatsächliche Tempo des Tracks. Okay, es ist nicht der andere. Das schnelle Tempo hat mir irgendwie gefallen und ich mag es, aber es ist nicht mein Track, es ist nicht meine Entscheidung. Also werden wir das gut nennen. Hier haben es die Künstler geschafft und das ist der richtige Track. Okay, wir haben also Warping ausgeschaltet, wir haben unser Netz abgeschaltet. Das Letzte, was ich hier tun möchte, ist sicherzustellen, dass alle meine Level auf Null gesetzt sind. Okay? Also werde ich hierher gehen. Hier ist meine Hauptlautstärke und das ist wirklich schwer zu lesen. Hier steht Null, also kann ich es hoch und runter bewegen. Wenn dieser Wert auf etwas anderes als Null steht und dazu in der Lage ist, können Sie einfach darauf klicken und die Löschtaste drücken , um ihn wieder auf Null zu setzen. Aber wenn du es etwas besser sehen willst, könntest du hier zur Session-Ansicht gehen. So sehen wir uns die Messgeräte in Ableton an. Mach die so groß wie ich kann, und das ist das hier. Und hier ist mein Level. Es ist im Grunde dasselbe, was ich mir immer wieder angesehen habe, bevor ich zu dieser Ansicht wechselte. Also hier ist es. Ich werde nur sicherstellen, dass das perfekt und genau bei Null ist. Ich werde auch sicherstellen, dass mein Master-Fader genau auf Null eingestellt ist. Okay? Mach dir darüber vorerst keine Sorgen. Dieser kleine Spitzenindikator. Wir werden uns später damit befassen. Okay, als Nächstes müssen wir uns unseren Premaster auf dieser Strecke, die wir gerade angefahren haben, genau ansehen , um zu sehen, ob es etwas gibt, mit dem wir uns sofort befassen müssen. Lass uns also zu einem neuen Video gehen und uns auf diese Version dieses Tracks konzentrieren und sicherstellen, dass er bereit ist, gemastert zu werden. 19. Der Vormeister: Okay. Also, welche Datei haben wir abgerufen und wie stellen wir sicher, dass wir eine gute Datei haben , die bereit ist, gemastert zu werden. Okay, was wir suchen, ist zunächst, dass der Track ziemlich gut gemischt wird. Wir hoffen, dass wir mit der Mischung zufrieden sind. Wenn Sie mit der Mischung nicht zufrieden sind. Oder wenn Sie mit dem Track eines anderen Künstlers arbeiten und dieser mit den Mikrofonen nicht zufrieden ist. Meistere es nicht. Es zu beherrschen ist, als würde man über das Mischen nachdenken, als würde man alle Zutaten des Kuchens zusammenfügen. Und Mastering ist wie es in den Ofen zu stellen und zu backen. Okay? Sobald du den Kuchen gebacken hast, kannst du der Mischung keine weiteren Zutaten hinzufügen, oder? Es ist erledigt. Wenn es aus dem Ofen kommt. Es ist erledigt. Wir können nicht zurück. Meistern Sie also nicht etwas , indem Sie denken, dass Sie später etwas im Mix anpassen werden , denn wenn es einmal gemastert ist, hat es richtig funktioniert. Okay, unser Mix ist also abgeschlossen. Wir wissen, dass wir mit unserer Mischung zufrieden sind. Was wir jetzt wirklich brauchen, sind Audiodateien in voller Qualität. Wir benötigen eine WAV- oder AIFF-Datei. Und idealerweise ist es eines mit sechs dB Kopffreiheit, sechs bis zehn dB Kopffreiheit. Okay, das bedeutet Folgendes. Headroom ist das Zeug hier oben. Die Entfernung vom lautesten Gipfel, dem lautesten Punkt der Strecke, bis Null. Das ist Kopffreiheit. Okay? Damit wir hier die Kopffreiheit sehen können. Das ist unsere Kopffreiheit. Okay? Und wir können das etwas wissenschaftlicher angehen , wenn wir uns ansehen, was unser Höhepunkt ist Moment ist unser Höhepunkt negativ mal minus sieben. Wir hoffen, dass das nicht über das Negative hinausgeht. In Ordnung, gut. Es ist unter minus sechs. Also minus 6,18, das ist ungefähr perfekt. Okay? Wenn Sie das also bei etwa minus sechs abschwächen wollen , haben wir darüber etwas Spielraum, um zu arbeiten. Wir können da reingehen, um es schön laut zu machen. Wir können dort auch etwas arbeiten, etwas Frequenzarbeit, das gibt uns ein bisschen Spielraum zum Spielen weil du nicht Tracks haben willst, die bis auf Null gemischt sind, was wir Nullsummenmischung nennen. Wo du mischst, ergibt die Summe absolut Null. Wenn du einen Track hast, der so laut gemischt , kannst du ihn mastern, aber er gibt dir nicht viel Platz zum Arbeiten und du musst ihn erst leiser machen, bevor du ihn lauter machen kannst. Ich weiß, das klingt komisch , aber so funktioniert es einfach. Es ist also besser, einen Track zu haben, der mit bis zu negativen sechs dB gemischt ist . Wenn Sie an meinem Mixing-Kurs teilgenommen haben, war das, glaube ich, der Standard, den wir gesetzt haben. Ich hoffe, dass wir gemischt bis minus sechs dB als Ihren höchsten Punkt bezeichnet haben. Also minus sechs bis minus zehn, das wollen wir. Wir werden sicherstellen, dass unsere Sampling-Raten gleich sind. Das ist ein wichtiger Schritt. Wenn Ihre Datei also eine Samplerate von 4041 hat, 44.100 Samples pro Sekunde. Wenn es so gerendert wurde, ist das cool, das ist in Ordnung. Du musst sicherstellen , dass deine Mastering-Session entweder die gleiche oder genau die doppelte Sampling-Rate hat. Dieselbe Samplerate ist wahrscheinlich großartig. Also dieser Track, den ich gerade hier aufgenommen habe, eine Sampling-Rate von 48, 48 K, 48.000 Samples pro Sekunde. Es ist sehr üblich , es 48 aufzunehmen. Das ist in Ordnung. Also muss ich sicherstellen, dass meine Sitzung auch bei 48 K ist oder bei was ist das? 96, 96 K. Okay, also genau, oder in diesem Fall doppelter großer Vorteil gegenüber einer Verdoppelung. Wir wollen einfach nicht, dass unser Computer die Rechnung macht 441248 aussortieren zu müssen. Das wird Artefakte und Geräusche erzeugen. Wir wollen keine Sounds, die wir nicht wollen, also versuche einfach, die gleiche Sampling-Rate beizubehalten. Und als letztes habe ich bereits erwähnt, stellen Sie sicher, dass Sie eine WAV-Datei oder eine AIF-Datei haben. Wir benötigen hier eine Audiodatei in voller Qualität. Ich bin nur, ich möchte hier nur darauf hinweisen, das Meistern einer MP3-Datei nicht hoch genug ist. Du wirst nicht wirklich das bekommen, was du willst. Ich versuche zu rechtfertigen, deswegen kein Audio-Snob zu sein, aber tu es einfach nicht. Jemand schickt dir eine MP3-Datei und sagt, kannst du das meistern? Antworte ihnen und sage, ja, aber kannst du mir eine Wave-Datei schicken? Und hoffentlich konvertieren sie die MP3-WAV-Datei einfach nicht , weil das auch nicht sehr gut sein wird. Sie müssen zu ihren Mikrofonen gehen. Sie müssen erneut als WAV-Datei in voller Qualität bei 4041 oder 48 exportieren . Okay, cool, cool. Ordnung, lassen Sie uns als Nächstes unsere Wellenform untersuchen und sehen, was sich in diesem Sauger befindet. 20. Inspektion der Wellenform: Als Nächstes schauen wir uns diese Wellenform genau an. Okay, also werde ich hier runter gehen und ein bisschen hineinzoomen. Und was ich suche , ist einfach alles , was wirklich auffällt. Ich werde mir das ein paar Mal anhören. Höre während des gesamten Prozesses immer zu. Denken Sie an Ihre Ohren, das wichtigste Werkzeug in diesem Prozess. Aber dein Auge ist auch nicht so schlecht. Also werde ich alles durchschauen, ich werde nach allem suchen , was wirklich auffällt. Jetzt sehe ich das, diesen kleinen Gipfel hier. Es gibt nicht viele Gipfel drum herum, aber es ist genau am Anfang dieser Sache. Also lasst uns hören, was das ist. Es ist ein Kick, also ist es in Ordnung. Es fällt mir nicht wirklich auf, das ist wahrscheinlich ein weiterer Kick. Also sehe ich alles. Es sieht ziemlich cool aus. Dynamiken sind also gute Dinge, die wir haben, wahrscheinlich dieser Kick , der hier heraussticht, oder vielleicht ist es eine Snare, die Kicks und Snares können herausragen. Ich suche nach allem, was irgendwie zufällig platziert aussieht , genau wie ein seltsamer großer Dorn. Und ich sehe nichts auf mich springen. Alles sieht ziemlich gut aus. Mir fällt auf, dass der rechte Kanal etwas größer aussieht als der linke Kanal. Vielleicht ist das eine optische Täuschung. Es könnte sein. Okay, und wir gehen runter und raus. Okay, mir fällt also nichts wirklich auf. Wenn es hier nur einen großen Anstieg gäbe, würde ich sagen, okay, was ist das? Und wir hatten es uns ein paar Mal angehört. Es könnte ein Renderfehler sein. Es könnte wie ein Geräusch sein , das beim Rendern des Tracks passiert ist. Wenn das der Fall wäre, wäre der beste Weg, das loszuwerden, zur Mix-Session zurückzukehren und sie erneut zu rendern, um das herauszubekommen. Du solltest nicht versuchen, diese herauszubekommen, indem sie ausschneidest oder auswählst. All das wird das System oder die Datei verschlechtern. Wenn Sie also einfach zum Mix zurückkehren und ihn erneut exportieren könnten, wäre es viel besser und schneller. Um ehrlich zu sein. Wenn es sich nicht um einen Rendering-Fehler handelt, könnte es sich nur um ein Problem in der Mischung handeln. Bevor wir also zu weit kommen, wollen wir einfach sicherstellen, dass wir uns allem befassen, was darin nur seltsam ist , damit wir nicht alles erledigen. Und dann sage: Oh, hier ist dieses Problem, das ich nicht lösen kann. Und jetzt ist es im Master. Wenn es also irgendwelche Probleme gibt , die du in der Wellenform siehst und wenn du sie definitiv hörst, ist es immer die einfachste und beste Lösung, einfach zur Mix-Session zurückzukehren und sie dort zu beheben. Wenn Sie es finden können, reparieren Sie es dort, exportieren Sie eine neue Version erneut und laden Sie sie dann in das Mastering. Es gibt keinen speziellen Audiotrack , um diese Dinge loszuwerden. Geh zurück zum Mix-Bereich, repariere es, komm zurück. Aber dieser sieht gut aus. Ich sehe nichts , was auffällt. Okay, was ich jetzt machen werde ist, dass du nicht dasitzt und mir dabei zusiehst, sondern ich werde es mir einfach zwei- oder dreimal anhören . Ich werde nur sichergehen, dass ich es wirklich spüre. Ähm, und an der Mischung fällt mir nichts auf. Und ich fühle mich gut dabei. Okay, ich werde es mir anhören und ein paar Mal. Und dann komme ich zurück und wir fahren mit dem nächsten Schritt fort. Okay, los geht's. 21. Beginnen der Strecke: Okay, ich habe mir das ein paar Mal angehört und es ist alles gut. Ich freue mich sehr, damit fortzufahren. Das nächste, was wir tun werden , ist, drei kurze kleine Schritte zu machen. Ich möchte sie nicht als Änderungen bezeichnen, sondern als Änderungen an der Datei. Nur um sicherzugehen, dass es so eingerichtet ist, dass es gut klingt. Am Ende. Im Grunde werden wir nur am Anfang und am Ende die Haare schneiden. Das ist sehr einfaches Zeug. Okay, schauen wir uns zuerst den Anfang der Streckenkamera zoomen bis zum Anfang der Strecke hinein. Okay, also hier ist was wir haben. Ableton, ich werde hier automatisch winzig klein eingeblendet. Und das ist cool. Wir wollen dieses klitzekleine Fade-In. Wir werden uns in einer Minute damit befassen, aber jetzt werde ich es loswerden. Sie sehen also, dass dieser Track sofort beginnt. Es ist nur n, okay ? Das ist nicht toll , weil einige Streaming-Dienste ein wenig überblenden. Und einige Geräte machen einen kleinen Cache, um ein bisschen Speicher zu verbrauchen, bevor es abgespielt wird. Also wollen wir ein bisschen Zeit einplanen , bevor die Strecke beginnt. Eine gute Praxis hier sind also 100 Millisekunden, was in etwa richtig ist. Okay? Wir müssen uns also daran erinnern, dass wir beim Rendern das Ganze rendern werden, einschließlich dieses leeren Raums. Eine Sache, die du tun kannst, wenn du willst, ist, du hier Stille einfügst. Oder was ich manchmal gerne mache, nur um sicherzugehen, dass ich es mache, ist, dass Sie das alles kontrollieren können, klicken Sie auf alles und dann fügt Command J diese Stille dort tatsächlich ein. Okay? Jetzt kann ich das gleich wieder darauf verschieben. Okay, cool. Jetzt habe ich meinen Track mit dieser zusätzlichen Stille eingerichtet. Mit diesem Befehl wurde J did also quasi in dieser leeren Zeit an den Anfang geschrieben in dieser leeren Zeit , es heißt konsolidieren. Wenn Sie sich also konsolidieren ansehen, wenn Sie not able to verwenden, nennen sie das vielleicht Rendern von Ort oder so. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie es dabei der vollen Sampling-Rate rendern, was standardmäßig der Fall sein sollte. Okay, jetzt wollen wir ein bisschen einblenden. Und dieses kleine Einblenden kann ganz hinten sein. Aber nutzen wir diese freie Zeit , um hochzufahren. Das sieht also so aus, als würde es ein großes Fade werden. Und, aber denk daran, dass das Schweigen vorbei ist und es nur 100 Millisekunden sind. Das ist wie eine Zehntelsekunde. Okay, das ist ziemlich schnell. Du wirst also nichts davon hören, aber diese kleine Verblendung ist wichtig. Und hier ist der Grund, warum wir sicherstellen müssen, dass wir zuschlagen wenn wir einen Nulldurchgang schaffen. Das ist ein Nulldurchgang. Wenn wir uns unsere Wellenform ansehen, sehen wir, dass die Linie durch die Mitte geht. Sie können sich diese Zeile so vorstellen, als ob Ihr Lautsprecher still steht. Dann, oberhalb der Linie, drücken Ihre Lautsprecher unter der Linie heraus, Ihre Lautsprecher kommen zurück und Ihre Lautsprecher machen das immer, oder? Also, genau dann, wenn sich Ihr Lautsprecher genau dort oder direkt auf der Linie befindet, wird das Nulldurchgang genannt, das Überqueren dieses Nullpunkts. Okay. Wenn du nun dem Track sagst beginnen soll, wenn deine Lautsprecher aus sind, macht ein kleines Klicken, weil er gehen und dann ausgehen muss , oder? Das ist, das macht einen winzigen, winzigen Klick, aber das wollen wir nicht. Wir wollen diesen winzigen, winzigen Klick nicht. Das Gleiche, wenn es zurück ist. Der einfachste Weg, einen Nulldurchgang zu erstellen, besteht also darin, einfach ein klitzekleines bisschen verblasst zu haben. Weil genau hier kein Ton zu hören ist. Also wird es dort einen Nulldurchgang machen. Deshalb haben wir am Anfang gerne ein kleines Fade-In und am Ende machen wir eines. Ebenfalls. Es geht nur darum, einen Nulldurchgang zu machen. wirst du nicht hören. Tatsächlich, wenn wir weit nach hinten zoomen , können Sie es nicht einmal sehen. Okay, also so klingt der Anfang. Schreiben Sie jetzt, dass all die Arbeit, die wir gerade gemacht haben, völlig unhörbar ist. Aber wenn es auf einem Streaming-Dienst oder so ist, werde ich mich freuen, dass es da ist. Es ist eine gute Praxis. Gönnen Sie sich 100 Millisekunden und dann unser kleiner Fade, und dann unser kleiner Fade der zum Anfang dieses Tracks führt. Nun noch eine Sache, auf die ich hinweisen werde bevor ich weitermache. Wenn du einen Track hast , der eingeblendet wird, kann das etwas kniffliger sein. Was Sie also tun könnten, wenn es einblendet, ist sich immer noch 100 Millisekunden Zeit zu geben , bevor Sie etwas hören möchten. Und dann lass deine Füße rein, folge dem ein bisschen. Du kannst das ein bisschen aufpolieren. Wenn du musst. Gehen Sie davon aus, dass bis 100 Millisekunden niemand etwas hören wird. Aber du bekommst irgendwie ein Gefühl wie das Klima verblassen soll. Es ist etwas kniffliger und verblasst. Okay, lass uns weitermachen und uns mit dem Ende der Strecke befassen. 22. Den Track beenden: Okay, jetzt machen wir das Gleiche am Ende der Strecke. Und das kann etwas schwieriger sein, da fast alle Tracks auf die eine oder andere Weise ausgeblendet werden. Wenn die Musik nicht ausgeblendet wird, könnte es wie ein Symbolring sein, der verblasst. Es könnte eine klitzekleine Verblendung sein. Ich bin nur Hall oder Effekte, aber es gibt fast immer etwas, das ausgeblendet wird. Okay, lassen Sie uns hier ganz weit hineinzoomen und einen Blick darauf werfen. Du kannst sehen, dass dieser das antut, lass uns hören, wie das ist. Okay? Was wir hier also tun müssen , ist sicherzustellen , dass es nicht viel zusätzlichen leeren Speicherplatz gibt. Also wollen wir, dass das verblasst. Wir wollen, dass es das tut, was der Schöpfer dieses Songs von ihm erwartet. Aber wir wollen nicht, dass es in die Lunge gelangt. Wir müssen also unser Fadeout verwenden , weil wir ihm immer noch ein Fadeout hinzufügen müssen. Weil wir am Ende diesen Nulldurchgang schaffen wollen. Wir wollen erzwingen , dass das da ist. Also werden wir ein Fadeout machen. Aber manchmal kann man einfach den Fade überstehen, der schon da ist. Als würde das verblassen. Und es ist, dieser Trakt eignet sich wirklich gut, um bis zum Ende auszublenden. Es sieht so aus, als ob der Ton völlig aus ist. Hier in der Nähe. Schauen wir uns unser Messgerät an. Mal sehen, ob wir herausfinden können, wo genau der Ton völlig fehl am Platz ist. Also geh zurück hierher. Ich werde hier auf mein Messgerät schauen. Ja, es geht so schnell vorbei, aber am Ende ist es im Grunde ganz draußen. Also werden wir einfach das Schicksal des Endes damit widerspiegeln Endes damit damit wir ganz unten landen. Es gibt also, es gibt hier keinen wirklichen zusätzlichen Platz , den wir abschneiden müssen. Wir müssen am Ende kein Leerzeichen hinzufügen. Das ist nicht nötig. Und wir müssen nur sicherstellen, dass am Ende nicht viel Stille herrscht. Wenn die Stille ein paar Millisekunden dauert, ist das gut. Aber wir wollen nur sichergehen, dass wir am Ende gewaltsam ganz ausgeblendet sind. Okay. Lass uns das jetzt hören. Es ist ziemlich gut. Ich könnte das aggressiver machen, wenn ich wollte, aber ich möchte nicht ändern was der Künstler, der das gemischt hat, gemacht hat, oder? Als ob sie wollten , dass es so lange dauert. Ich lasse es so lange laufen. Und das ist okay. Okay. Also, was wir hier gemacht haben, habe ich vorhin gesagt, wir werden drei Dinge tun. Die drei Dinge, die wir haben, geben am Anfang ein wenig Abstand und dann ein Fade am Anfang und dann ein Fade am Ende. Das sind meine drei Dinge, die ich getan habe, um unseren Track gewissermaßen für das Mastering vorzubereiten. Okay, wir sind jetzt dabei, wir mastern diesen Track, wir arbeiten daran. Also werde ich meine Sitzung speichern. Ich speichere sie immer gerne, während ich gehe. Also speichere ich mir das als Mastering eins zu eins , weil ich diesen Kurs so genannt habe, während ich ihn gedreht habe. Stellen Sie also sicher, dass Sie unterwegs sparen, oder? Irgendwann, ganz am Ende dieses Kurses, werde ich darüber sprechen, wie man eine Vorlage einrichtet , um das etwas einfacher zu machen , damit man das nicht jedes Mal von Grund auf neu machen muss . Aber ich möchte, dass wir es diesmal zusammen von Grund auf neu machen , damit du wirklich siehst was ich mache und warum ich es mache. Aber ich mag es, Sessions zu speichern und sie zu Mastering-Sessions zu machen. Sie sind ziemlich klein. Sie sind wirklich nur ein Track. Sie nehmen also nicht viel Platz ein. Ich habe also einen kleinen Ordner mit Tracks, die ich für mich selbst oder für Leute gemastert habe , nur für den Fall, dass ich zu ihm zurückkehren und ihn erneut mastern muss oder es ein Problem damit gibt oder was auch immer. Es ist also gut, diese als ihr eigenes Ding zu speichern. In Ordnung, lassen Sie uns als Nächstes ein wenig über das Referenzieren von Tracks sprechen und darüber , wie wir diese verwenden können, um unseren Mastering-Prozess ein wenig reibungsloser zu gestalten . 23. Was ist ein Reference: Hallo zusammen. Okay. Zur Referenzierung. Also entschuldige ich mich zunächst für die Verschiebung der Beleuchtung. Ich weiß, es ist nicht ideal, aber ich nehme dieses Video sehr früh am Morgen auf und es ist immer noch dunkel draußen. Die Freuden, dies zu tun, während Sie ein kleines Kind zu Hause haben. Ich verweise also darauf, dass dies etwas später in unseren Prozess einfließen wird , aber ich wollte es jetzt vorstellen , damit wir uns daran gewöhnen können, es zu sehen und zu wissen, wonach wir suchen. Und dann fangen wir an, es zu benutzen. Wir werden es sofort benutzen. Ich zeige dir jetzt, wie man es benutzt. Später wird es ein noch leistungsfähigeres Tool sein. Also, indem ich auf das verweise, wovon ich hier spreche, ist die Verwendung eines anderen abgeschlossenen Mastering-Tracks , mit dem Sie Ihre Mastering-Session vergleichen können. Es kommt also sehr häufig vor, dass, wenn du hingehst, wenn du jemanden anheuerst, um einen deiner Tracks zu mastern, wenn du willst, eine E-Mail an ein Mastering-Studio schickst und du sagst, ich brauche diese fünf Tracks, Master. Oder auch nur als ein Track gemastert. Sie werden mit einem Zitat antworten, sagen wir, wir wissen, dass wir so viel Bubble-Bla verlangen. Dann fragen sie dich vielleicht sehr, sehr häufig, dass sie dich nach einem Referenztrack gefragt haben. Sie sagen, was für ein Geräusch du hier willst. Gib mir eine Vorstellung davon, was du willst. Gib mir eine Referenz. Man könnte also sagen, nun, meine Strecke ist in dieser Richtung von 21 Piloten. Und speziell dieses eine Lied. Das bedeutet nicht, dass dein Song unbedingt so klingt, als wäre es ein Song. Aber vielleicht ist es ein ähnlicher Stil. Und du magst den Mix und das Master dieses anderen Songs wirklich , du mochtest wirklich, wie es sich insgesamt anhört. Das ist irgendwie das, wonach wir hier suchen. Das ist also ein Referenztrack. Und was wir tun werden, ist, diesen Track in unsere Session zu laden . Und wir werden es gelegentlich ABB machen. AB meint das also. Das heißt, ich werde eins alleine machen. Und dann werde ich den anderen solo spielen. Ich werde eins solo spielen, das ist ein, das ist B. Ich werde zwischen den beiden hin- und herschalten, nur um zu sehen, ob ich eine ähnliche Stimmung habe, oder? Das ist im Lautstärkebereich sehr hilfreich , um zu wissen, ob meine Lautstärke im gleichen Bereich ist, ob ich so laut drücke wie der Track. Aber auch nur für den Frequenzgang, indem ich die gleichen Dinge vorbringe wie der andere Track . dieser Gegend gibt es nicht viel zu tun. Im Mastering-Teil. Das ist eher eine gemischte Sache, aber es gibt eine Menge, die du mit EQs machen kannst und sicherstellst , dass du beim Aufräumen hilfst . Also lasst uns einen Referenztrack für diesen Song finden und ihn in unsere Session laden. 24. Einen Referenzspur finden: Okay, denken Sie daran, dass wir hier nach etwas suchen , das eine ähnliche Atmosphäre hat, was wir wollen. Nun, diese Künstler haben mir keinen Referenztrack gegeben. Also werde ich selbst einen finden. Ich gehe hinter dem her, was ich glaube, wir hören vorerst zu. Das ist gefährlich , weil es viele meiner eigenen Vorurteile in die Sache einfließen lassen wird. Aber das ist okay. Ich denke, es wird trotzdem etwas Nettes herauskommen und ich denke, ich habe etwas Gutes gefunden, das funktioniert. Also hier ist unser Track, nur um ihn wieder in unseren Kopf zu bekommen. Also habe ich ein paar Minuten darüber nachgedacht. Ich dachte, was ist etwas, das mir wirklich gut gefallen hat einfach der Gesamtsound, der gesamte Vibe dieser verzerrten Art von hart, aber nicht wie schreiender Metal, sondern hat eine, hat eine Kruste an sich. Was passt zu einem solchen Genre? Und ich scanne einfach meine Playlist mit Sachen durch. Als es herauskam, waren es Taubtöne, weißes Pony. Jetzt verwende ich hier eine MP3-Datei, was nicht ideal ist, aber ich habe sie. Also werde ich es einfach direkt in meine Sitzung importieren. Ich schalte das Warping aus. Okay, jetzt muss ich sie nicht wirklich mit irgendwas in Einklang bringen . Es sind völlig unterschiedliche Strecken oder nicht in einem Raster. Es sind keine Warps, sie müssen nicht aufgereiht werden. Aber eine Sache, die ich gerne mache, ist den lauten Abschnitt dort zu platzieren , wo der andere laute Abschnitt ist. Sie können also sehen, dass der erlaubte Abschnitt hier beginnt, und das ist eine Art Intro. Und in diesem Track ist das ein Intro und das ist ein lauter Abschnitt. Deshalb mache ich mir hier hauptsächlich Sorgen um den Abschnitt Laute. Ich mache mir keine Sorgen, aber ich konzentriere mich irgendwie auf den Kreditbereich. Also werde ich das einfach so aufstellen. Es muss nicht Ich muss das Feld nicht ausfüllen. Es ist in Ordnung und das alles ist in Ordnung. Aber wir können diesen Track sehen. Es ist gut und laut. Es gibt hier ein Bad, Art Brücke oder so , was großartig ist. Aber es ist laut. fürchte, wenn du dieses Lied nicht kennst, sollte ich es wahrscheinlich nicht spielen, aber hier ist nur ein kleiner Vorgeschmack. Okay? Wenn ich also die beiden vergleiche, AB, die beiden, kannst du es sofort hören. Der Unterschied ist, ich meine, es wird in der Lautstärke offensichtlich sein, oder? Lass uns gehen. Okay, sie sind also volumenmäßig sehr unterschiedlich. Das ist also etwas Einfaches, Immaterielles, mit dem ich arbeiten kann. Ich kann mit meinem Kompressor spielen und die Lautstärken besser aufeinander abstimmen. Aber es gibt noch andere Dinge , auf die wir später noch näher eingehen werden. Okay, also hier ist, was ich damit machen werde. Vorerst. Ich werde es einfach stummschalten und es da draußen rumhängen lassen. Ich könnte es sogar so zusammenklappen. Und was ich gerne mache, und du musst das absolut nicht tun, aber was ich gerne tun würde und ich bin mir nicht sicher, warum es so oben steht. Ich mag es, wenn diese Referenz so weit wie möglich im Weg steht. Aber wann immer ich es wirklich hören will, kann ich einfach hierher gehen und es mir schnappen und einschalten. Ich kann es mir ansehen. Es ist da, wenn ich es brauche, aber nicht im Weg. So mag ich es, wenn alles eingerichtet ist. Okay, jetzt denken Sie vielleicht, führt das zu einem Copyright-Problem? Lass uns zu einem neuen Video gehen und darüber sprechen. 25. Urheber- und Referenzspuren: Okay, also Copyright-Probleme und Referenztracks, nichts, worüber Sie sich Gedanken machen müssen. Und hier ist der Grund. Aus zwei Gründen. Wirklich. Zum einen wird es kein Audio von diesem Track in unseren Master-Export schaffen, unsere gemasterte Version, wo wir nichts davon reinlegen werden. Wir werden sicherstellen, dass dies stummgeschaltet oder gelöscht wird , wenn wir es exportieren. Es gibt also keinen Inhalt daraus, dass es dort ankommen wird. Das ist also ein Grund, warum diesem Track in unserem Endprodukt kein Audio herauskommt. Grund Nummer zwei ist, dass Sie einen Mix nicht urheberrechtlich schützen können und Sie können einen Master nicht urheberrechtlich schützen. Wie der Prozess , mit dem jemand etwas gemeistert hat, das nicht urheberrechtlich geschützt ist. Und wir wissen nicht, mit welchem Verfahren sie das meistern. Wir versuchen nur, den Klang nachzuahmen , um ein ähnliches Gefühl zu bekommen. Es ist genauso, als würde man einem Todeslager für Acuity Song zuhören . Und zu erkennen, dass du Death Camp for Acuity wirklich mochtest und ihre Musik studiert um herauszufinden, wie sie so gute Songs schreiben. Es gibt dort kein Copyright-Problem, solange du ihre Musik nicht kopierst. Also das Gleiche hier. Überhaupt keine Copyright-Probleme. Das einzige Copyright-Problem, mit dem wir dabei konfrontiert sind, ist, dass ich in diesem Video das Lied von den tauben Tönen für dich spiele. Aber das hat mehr damit zu tun, wie ich diese Kurse verkaufe , und nicht damit, wie wir die Dinge meistern. Sie müssen sich also keine Sorgen machen. Es ist keine neue Sache. Du kannst also alles, was du willst, ohne Copyright-Probleme in deine Session einbauen, solange nichts davon seinen Weg in deinen Final Bounce findet und es nicht ungewöhnlich ist, mehrere Referenztracks zu haben. Du kannst zwei oder drei Tracks da oben platzieren. Ich werde einfach so nacheinander gestapelt. kannst du auf jeden Fall machen. Ich mag es nicht, ich arbeite gerne nur mit einem. Hinzufügen mehrerer. Es ist ziemlich kompliziert für mich und ich wollte mich einfach auf diesen Sound konzentrieren. Aber wenn das für dich funktioniert, kannst du das auf jeden Fall tun. Aber das ist nicht mein Ding. Cool. Also lassen wir den Referenztrack da drin. Wir werden es benutzen. Wir werden es nicht gleich eine ganze Menge benutzen. Aber wenn wir fertig sind, wenn wir, nachdem wir unsere Maximierung durchgeführt haben, nachdem wir unser E-Queuing gemacht haben, nachdem wir unsere gesamte Effektkette darauf aufgebaut haben. Dann kommen wir zurück und hören zu und vergleichen es mit der Referenz. Sie können es jederzeit anhören und mit der Referenz vergleichen der Referenz . Okay, also hab keine Angst das einfach anzufeuern und es dir anzuhören. Aber in diesem Kurs werden wir es am Ende vor allem verwenden, um unsere Arbeit zu überprüfen und sicherzustellen, dass wir im richtigen Stadion sind. Und es gibt einen Grund, oder? Denken Sie daran, dass das, was wir zu Beginn gesagt haben, wie die Radio-Analogie ist, oder? Du fährst in deinem Auto, du hörst Radio, wenn das Lied mit den tauben Tönen ertönt. Und dann heißt unser Song , den ich beim Namen nennen sollte , Black Shirt. Unser Song Black Shirt kommt gleich danach. Wir wollen nicht, dass jemand nach der Wählscheibe greift und sie lauter oder leiser stellen muss. Wir wollen, dass es mit den gesungenen Taubtönen verglichen wird. Wir wollen, dass es so klingt, als wäre es am selben Tag im selben Studio aufgenommen worden , vielleicht sogar von derselben Band. Da helfen diese Referenztracks also wirklich, oder? Okay, lass uns weitermachen. 26. Effektketten meistern: Jetzt ist es an der Zeit, mit der Verarbeitung zu beginnen. Okay? Das erste, worüber ich sprechen möchte, ist die Effektkette. Man sieht die ganze Zeit Leute, die über die Effektkette sprechen . Lassen Sie mich Ihnen erklären, was eine Effektkette ist. Sie können die Folie finden, wenn Sie herumgoogeln, was ist die Lady Gaga-Gesangseffektkette dieser suchen die Leute. Und was sie suchen, wenn sie das eingeben, ist die Abfolge von Effekten wie dieser Effekt und dann dieser Effekt und dann dieser Effekt, den die Leute verwenden, wenn sie Lady Gagas Stimme mischen, oder? Sie, Sie können beliebte Effektketten für beliebte Gitarristen finden , oder? Wirkkette besteht also aus einer Reihe von Effekten. Die Verzerrung, das Echo, der Hall in dieser Reihenfolge in diesen Einstellungen bilden die Effektkette , die der oder die für ihre Gitarren oder ihre Stimme mag . Okay, also was wir tun werden , ist eine Mastering-Effektkette aufzubauen. Sobald Sie eine Master-Effektkette erstellt haben, die Ihnen wirklich gefällt, können Sie sie speichern und jederzeit verwenden. Du wirst nie in der Lage sein, es einfach auf einen anderen Track zu schreiben und zu sagen, süß, ich habe den Track gemastert und dann weggehen. Es muss immer optimiert und damit gearbeitet werden. Aber ich gebe dir jetzt gleich Voraus mein Master-Effects-Kettenskelett. Okay, also das ist es, was, wenn ich etwas beherrsche, werde ich diese drei Dinge sofort drauf legen , ohne darüber nachzudenken. Und dann füge ich vielleicht noch ein paar Sachen hinzu. Und danach geht es nur noch darum, es einzuwählen und zu optimieren. Das Einwählen und Optimieren. Hier kommt die wahre Kunst ins Spiel. Und vergiss nicht, was ich glaube, am Anfang gesagt zu haben, ist, dass all das eine Kunst ist. Und es ist eine sehr präzise Kunst. Es braucht also Erfahrung und es braucht Zeit. Also, wenn du nicht sofort den gewünschten Sound bekommst. Keine Sorge, es wird okay sein. Aber hier kommt die Kunst erst richtig ins Spiel wenn wir diese Effekte einstellen. Aber dazu in einer Minute mehr. Gehen wir zur Kette der Skeleton-Effekte und dann werden wir damit beginnen, herauszufinden, wie man sie einwählt und dann werden wir damit beginnen, herauszufinden, wie man und was diese Einstellungen tatsächlich sind. 27. Das grundlegende Mastering Effect Chain: Okay, los geht's. Also das erste, was ich will, ist ein EQ. Also ich will deinen größten besten EQ, den du hast. Du brauchst mindestens acht Bands. Ein wirklich netter grafischer EQ , mit dem Sie arbeiten können. Ich mag den EQ Eight in Ableton, aber jedes EQ-Plugin funktioniert auch hervorragend. Okay, und wir werden das auf den richtigen Weg bringen. Denkt daran, das ist ein gutes Beispiel dafür warum wir das direkt auf der Strecke und im Masterbus machen werden. Ihr werdet sehen, dass einige Leute ihr gesamtes Mastering im Master-Bus machen . Und es gibt eine Gelegenheit, bei der es eine gute Idee ist, Ihr Mastering auf dem Master-Bus oder dem Master-Kanal durchzuführen. Ich werde am Ende dieses Kurses darüber sprechen. Aber der Grund, warum ich es mag, der Grund, warum wir es direkt auf der Strecke machen werden , ist unser Referenztrack. Stimmt es? Wenn ich das zum Beispiel auf den Master lege, den ich habe, ich erfahren, dass dieser Referenztrack von meinen Effekten beeinflusst wird. Ebenfalls. Das will ich nicht. Also werden wir unseren Master sauber halten , ohne dass es Auswirkungen darauf hat. Wir werden es direkt auf die Strecke bringen. Also ich habe hier einen EQ, wir lassen ihn unverändert. Wir werden nichts damit anfangen. Eines der Dinge, die ich an diesem EQ mag , ist, dass ich diesen Knopf hier drücken und ihn öffnen kann und eine schöne große grafische Oberfläche dafür habe. Ich sehe hier unten die Frequenz und Tonhöhe und die Dezibel, die ich betrachte. All das macht das wirklich nett. Es werden hier nur vier Bands gezeigt. A-Band ist jeder dieser Punkte, aber ich habe bis zu acht. Ich kann sie hier unten einschalten, sie auch einwählen. Genauer gesagt damit. Das ist also ein guter EQ, aber auch hier, jedes professionelle EQ-Plugin, es wird großartig funktionieren. Okay, nach unserem EQ brauchen wir einen Kompressor. Und der Kompressor , den ich verwenden werde, ist diese Multiband-Dynamik. Okay? Das ist wie ein EQ und ein Kompressor zusammen. Das sind drei verschiedene Kompressoren. Das Layout und die Grafik sind etwas verwirrend. Wir werden später besprechen, wie es funktioniert, keine Sorge. Aber im Grunde ermöglicht uns das, die niedrigen Sachen, die guten Sachen und die höchsten Sachen anders zu komprimieren . Also, wenn ich viel Basis habe, kann ich das anders komprimieren als die hohen Frequenzen, oder? Das sind also im Grunde drei Kompressoren in einem. Aber das wird meine Kompression schwer nehmen. Okay, und ich werde das nochmal direkt auf den Track legen , sodass es nach meinem EQ fällt. Also, lassen Sie mich noch eine Sache machen und dann werde ich hier über den Signalfluss sprechen. Okay? Danach wird mein drittes Ding ein weiterer Kompressor sein, aber ein etwas anderer. Ich werde diesen Leimkompressor benutzen. Das ist also ein weiterer Kompressor. Sie können hier jeden beliebigen Kompressor verwenden. Aber der Grund, warum ich das hier hinstelle, ist dass mir das hier einen Limiter gibt. Wenn du also nicht in Ableton bist, solltest du hier vielleicht einen Limiter anstelle eines Kompressors platzieren . Dieser spezielle Kompressor. Es wird Klebstoffkompressor genannt weil es einen Algorithmus verwendet, angeblich dabei hilft, Dinge zusammenzukleben , sodass sie sich wie eins anfühlen. Es ist eine Art abstrakte Idee. Aber es hat diesen, diesen wirklich schönen Soft Clipping Limiter drin, den ich sehr mag. Ihre dritte Sache sollte entweder ein Kompressor mit eingebautem Limiter oder nur ein Limiter wäre in Ordnung. Okay, jetzt werde ich auch noch ein paar andere Dinge hinzufügen . Stimmt es? Es wird einige Gelegenheiten geben, bei denen ich Hall hier haben möchte. Es ist nicht sehr oft, aber manchmal ist ein bisschen D&C Hall praktisch. Und das möchte ich vielleicht hier haben. Es gibt auch ein Plugin namens Ozone, das ich gerne verwende. Ich brauche es nicht immer, aber manchmal schon. Also werden wir sie später hinzufügen. Stellen Sie sich das also einfach als Ihre Skelett-Effektkette vor. Sie können EQ, Multiband-Dynamik und einen Limiter verwenden. Im Grunde sind das drei Dinge, die wir brauchen, um die Dinge in Gang zu bringen. Wir können mehr hinzufügen, wenn der Track es erfordert. Aber im Grunde braucht jeder Track , an dem ich je gearbeitet habe, diese drei Dinge. Das Letzte, was ich dazu sagen werde, ist, denken Sie daran, dass der Signalfluss wichtig ist. Und das bedeutet, dass die Reihenfolge dieser Audiosignale hier reinkommt und sich in diese Richtung bewegt. Also wird es diesen EQ durchmachen dann kommt es hierher. Und es wird diese Dynamik durchmachen, den Multiband-Dynamikkompressor. Und dann kommt es her. Und dann geht es durch diesen Limiter oder diesen Kompressor oder Slash LTR. Und dann wird es hierher geschickt und dann wird es an den Master-Kanal geschickt , wo es rausgeht. Okay, das heißt also, dass dieses Arrangement, das ich jetzt habe, ganz anders sein wird als dieses Arrangement. Stimmt es? Jetzt werden wir es komprimieren und dann mit einem EQ versehen. Diese spezielle Sache ist vielleicht nicht radikal anders, aber sie wird anders sein. Wir wollen es in dieser Reihenfolge belassen. Okay. Sie können sehen, was ich mit dieser kriminellen Strömung meine. Wenn ich darauf auf Play drücke. Da kommt bestimmt rein , dann geht es da hin. Andererseits gibt es nichts. Keiner unserer Effekte bewirkt noch wirklich etwas, aber das ist unser nächster Schritt. Okay, also von hier aus möchte ich diese drei Dinge wählen. Lassen Sie uns also zuerst mit unserem EQ beginnen, ersten Durchgang unseres EQ. 28. Wie ein EQ funktioniert: Also für unseren UQ, damit wir uns daran erinnern, was ein EQ tut. Wir haben über EQ und meinen Mixing-Kurs gesprochen. Wir haben über EQ und Produktion gesprochen, aber die Kurzversion dessen, was ein EQ tut, ist auf der linken Seite niedrige Frequenzen, auf der rechten Seite sind hohe Frequenzen. Dann, Sie können hier sehen, es heißt 06120 minus sechs, minus 12. Okay, also hier, wenn du dir die Zahlen 101 K, zehn K ansiehst , okay, also wenn ich auf 100 gehe, erhöhe ich es auf sechs. Das bedeutet, dass alles bei dieser Frequenz bei 100 um sechs dB erhöht wird. Das ist ziemlich viel. Also werde ich es erhöhen, aber auch die Frequenzen um es herum, oder? Dieser Bereich um diese Mittenfrequenz, das wird Warteschlange genannt, gibt also an, wie breit diese ist. Wenn ich hier runter gehe und das ist es, womit ich hier arbeite. Hier ist die Warteschlange. Also mal sehen, ich bin auf Band 3123, der Warteschlange. Ich kann es höher machen , um es schmaler zu machen, oder niedriger, um es breiter zu machen. Okay, das wird später wichtig sein. In Ordnung. Also, wenn ich Low-Zeug boosten will, kann ich so etwas machen. Ich möchte das hohe Personal aufstocken. Ich kann so etwas machen. Jetzt wollen wir selten mit einem EQ boosten? Wir wollen fast immer schneiden. Also kann ich die Dinge auf diese Weise lösen, oder? Wenn die Linie also auf der Null ist, tun wir nichts. Dieser EQ macht bis hier oben nichts, aber darüber werden wir in einer Sekunde sprechen. Suzy Q macht nichts. Wenn wir unter Null gehen, reduzieren wir diesen Frequenzbereich. Dieses Frequenzband. Wenn wir über Null gehen, um dieses Frequenzband zu erhöhen. Okay? Sie können also den ganzen Song auf diesem EQ sehen. Die meisten EQs sehen aus wie eine solche Steigung. Sie sehen aus wie ja, ich kann das hier nicht wirklich manuell machen, aber sie sind im Allgemeinen so abgeneigt, weil unsere tiefen Sachen lauter sind als unsere höchsten Sachen. Mach im Allgemeinen so etwas. Ich bin nicht immer und das bedeutet eigentlich gar nichts und es ist nicht etwas, das du als Grundlage nehmen solltest, sondern einfach etwas, das du finden wirst. Du willst nicht versuchen, das auszugleichen. Du willst nicht boosten , damit alles gleichmäßig ist. Das ist nicht das, was du tun willst. Du wirst sehen, wie die Dinge einfach so nach unten fallen und das ist in Ordnung. So sollte es funktionieren. Okay. Also werde ich das wieder auf Null setzen, indem ich bei all dem Zeug einfach die Löschtaste drücke, um es wieder auf Null zu bringen. Und dann lass uns ein bisschen aus der Warteschlange gehen. Also müssen wir gewissermaßen haushaltstechnische EQ-Schritte machen und dann die erste Runde klingeln. Also lasst uns, lasst uns darauf eingehen. 29. Low End Ausgangspunkte: Okay, das Erste, was die Haushaltsführung angeht, mach das auf jeder Strecke. Wir schneiden uns den Hut von Lowe ab, also gehen wir hier runter. Wir schauen uns diese erste Band an. Ich werde das auf einen Hochpassfilter umstellen. Okay, wenn ich hier runter gehe, mag dein EQ anders sein, aber im Grunde macht ein Hochpassfilter eine Klammer wie diese und damit all die hohen Frequenzen passieren können und die tiefen Sachen, wird es herausgeschnitten. Okay? Es sieht so aus. Oder wenn ich extremer sein will , könnte ich es so machen. Lass uns das nicht tun. Lass uns etwas sanfter sein. Okay, also was hier passiert, ist überall, wo ich das hinstelle , alles darunter, unter diesem Punkt , der Grenzfrequenz genannt wird. Alles, was sich darunter befindet, wird weggeworfen und alles, was drüben ist, wird durchgelassen. Jetzt will ich das nicht tun. Das ist ein bisschen zu extrem. Aber ich möchte das bei etwa 25 Hz oder so belassen. Wir können also hier unten schauen und sehen, dass 25 Hz genau da sind. Okay? Warum sollte ich das jetzt tun? , wir hören also Frequenzen Denken Sie daran, wir hören also Frequenzen bis zu etwa 20 Hz und bis zu etwa 20.000 Hz. Okay? Das Lesen dieser vertikalen Linien ist also ein wenig trügerisch, aber das sind 100. Technisch gesehen ist das Null, aber es steigt exponentiell an. Das sind also 1.010.000 und diese Zeile hier ist 20.000. Okay? Darunter hören wir also nicht viel, aber es können sich dort viele Frequenzen ansammeln. Es gibt also nicht viel, was wir hier in dieser Gegend wirklich können . Aber da kann es eine Menge Dinge geben und es kann zu Volumenproblemen führen. Also schneiden wir es einfach aus. Wir können es sowieso nicht hören. Aber stellen wir sicher, dass da nichts ist. Lassen Sie uns also hören, was wir dabei immer hören wollen. Lass uns hier sein und sicherstellen, dass wir nicht wirklich etwas verlieren. Okay. Lass uns weitermachen. Offensichtlich haben wir diesen Tag jetzt verloren. Wir wollen sicherstellen, dass wir nichts verlieren. Ich könnte es erhöhen, bis ich hier hinten angefangen habe , es ein bisschen abzunehmen. Aber im Allgemeinen wird es ungefähr 25 und ein noch klareres Bild sein , oder? Okay, großartig. das diesen EQ hat, können wir sicherstellen, dass es nichts tut Mit einem Wesen, das diesen EQ hat, können wir sicherstellen, dass es nichts tut. Schalten wir also diesen Kompressor aus und diesen Limiter aus. Und ich kann diesen EQ ein- und ausschalten , indem ich hier auf diese Schaltfläche drücke. Im Moment wollen wir wirklich nichts hören. Das ist ziemlich gut. Das mag also wie ein sinnloser Schritt erscheinen, aber denken Sie daran, nur weil Sie sie nicht hören können , heißt das nicht, dass es dort nicht viele Frequenzen gibt. Also räumen wir nur ein bisschen auf und stellen sicher, dass da unten nichts ist , was uns Probleme bereiten könnte. Und denken Sie daran, wir machen das als Erstes in unserer Effektkette. Es wird uns also keine Probleme bereiten, wenn unser Kompressor Limiter oder ähnliches ist. Wo es das ganz unten abrasieren wird. Vergewissere dich, dass da nichts ist. Cool. Gute Praxis. Mach das immer. Das ist also Schritt eins, Schritt zwei Lassen Sie uns oben einen kleinen Haarschnitt machen. 30. High: Als Nächstes machen wir das Gegenteil. Wir werden nach oben gehen und wir werden es einfach tun, ich denke nicht wirklich das Gegenteil. Es ist irgendwie dasselbe, aber oben werden wir einfach alle Frequenzen abschalten, die über dem liegen, was wir hören können oder was wir verwenden. Also haben wir hier oben schon einen Tiefpassfilter. Das ist also das Gegenteil. Das ist also ein Hochpassfilter, das heißt, die Höhen können ihn passieren. Ist der Tiefpassfilter, was bedeutet, dass die Tiefpassfilter ihn passieren können, die höchsten jedoch abgeschnitten werden. Das wird dieser hier sein. Okay? Wir können also wieder bis zu etwa 20.000 Hz hören. Eine Menge hochfrequenter Sachen. Verzerrung ist, hat viele hohe Frequenzen in, da Symbole viele hohe Frequenzen enthalten. Also mit diesem, noch mehr als mit dem niedrigen, willst du wirklich zuhören und sicherstellen, dass du nicht wirklich etwas änderst. Dieses Ding, dieses n, sowohl das tiefe Zeug als auch das höchste F, ist etwas , das wir vielleicht nicht auf unseren Lautsprechern hören. Aber du kannst diese, einige dieser Frequenzen hören , wenn du einem großen Clubsystem bist oder so. Es ist also sicher, sie los zu werden. Okay, im Allgemeinen strebe ich etwa 16 K an, das ist der Punkt, den ich wirklich loswerden möchte. Fangen Sie an, dies einzuführen. Aber hören wir zu. Definitiv hier, hier passiert etwas. Etwas schlammig, oder? Weil ich viele hohe Frequenzen verloren habe, die zu den Verzerrungen beitragen , und und ich höre nicht, dass sich in diesem Jahr wirklich etwas ändert. Ich gehe um 15151 hoch. Das hat sich gut angefühlt. Also werde ich es bei 151 belassen. sah nicht so aus, als ob wir wirklich irgendwas beeinflussen würden. Wir machen einfach das ganze Zeug kaputt. Okay, und wenn ich schon dabei bin, werde ich das verschärfen, diesen niedrigen EQ. Ordnung, jetzt haben wir dafür gesorgt , dass wir keine unerwarteten Dinge haben werden, weder oben noch unten. Lassen Sie uns als Nächstes daran arbeiten , die Melodie herauszuholen. 31. "Klingeln heraus": Okay, das nächste Ding heißt Klingeln. Und was wir hier versuchen, ist nach Frequenzen zu suchen, die einfach seltsam klingeln und die wir nicht wollen. Das kann viel Zeit in Anspruch nehmen , sowohl um einen Track aufzunehmen, als auch, um irgendwie gut zu hören. Also hier ist meine Methode. Wir nehmen unseren EQ, wir holen uns eine Band. Wir werden es ziemlich eng machen, also werden wir dieses Q, das da herumkommt, enger machen. Und es wird es bis zum Äußersten ankurbeln. Wir werden es ankurbeln. Auch wenn ich es dir erst vor einer Minute gesagt habe, tu das niemals. Und dann werden wir uns irgendwie durch diese Bands schrubben und uns diese Bands anhören . Also locke ich hier einen Abschnitt des Tracks. Ich werde nur zuhören. Ups, lass mich zu dieser Schleife kommen. Ich möchte nicht zu einem Teil gehen, wo es die Symbole gibt ich stelle es lieber vorher hier hin. Genau hier. Das ist ziemlich subtil. Aber wenn ich das höre, fällt diese Frequenz hier, die etwa 650 Hz beträgt, die etwa 650 Hz beträgt, einfach auf. Es klingelt auf seltsame Weise. Eine Sache, die Sie also tun können, ist, wenn Ihr EQ es Ihnen ermöglicht, dieses Band zu isolieren. Es ist sogar noch besser. Also, glaube ich, klicke in meinem EQ auf dieses kleine Kopfhörersymbol. Und wenn das aktiviert ist, wird, wenn ich auf dieses Band klicke und es gedrückt halte, wenn ich auf dieses Band klicke und es gedrückt halte, nur das abgespielt, was ich hier beeinflusse. Das wird das also wirklich verbessern. Also hier ist es einfach so schlimm , dass das ein Bild ist, das irgendwie durchklingt. fühlt sich nicht so an, als hätte es einen musikalischen Grund, dort zu sein. Es streckt nur irgendwie die Kuh heraus und ich habe damit aufgehört. Okay. Also, was wir hier getan haben, ist, dass wir es wirklich hart vorangetrieben haben. Aber das wollen wir nicht tun. Offensichtlich. Wir haben es hier mit unserem EQ verstärkt , der ausschließlich zu Finanzierungszwecken dient. Ich habe es verloren. Da ist es. Okay. Jetzt, wo ich es erhöht habe, werde ich es reduzieren. Der einfachste Weg ist also, hier zum Gain zu gehen und einfach zu gehen. Und dann könnte ich den EQ sogar noch ein bisschen verschärfen . Ich muss es also nicht ganz auf Null herunterfahren. Aber das wird helfen. Jetzt wird diese Frequenz reduziert. Normalerweise willst du es nicht ganz auf Null reduzieren, weil du diese Frequenz willst. Ich wollte immer, dass es klingelt. Nun, das ist nicht da. Lass uns jetzt weitermachen. Ich werde ein- und ausschalten. Ich suche mir eine andere Band aus und mache weiter. Ja, das gefällt mir nicht. Mann. Drei. Lassen Sie uns das ein bisschen herausziehen. Wie gesagt, das kann sehr mühsam sein. Hier sind vier, verbessere die Warteschlange. Das muss sein, los geht's. Manchmal werden Sie sehen, wie sie in der Benutzeroberfläche hier wirklich auftauchen , was Ihnen helfen kann, sie zu identifizieren. Wenn du das tust, sind besonders schwierige Bereiche, nach denen Ausschau halten solltest, etwa zwei K bis acht K oder so. Ähm, also das ist ungefähr hier bis ungefähr hier. Rausspringen. Was für ein Okay, hier. Jetzt fragst du dich vielleicht, nun, worauf höre ich eigentlich? Das ist ein gutes Beispiel dafür , dass wir hier sind. Du kannst also irgendwie hören, was ich verstärke. Du hörst dieses Pfeifgeräusch , das zusammen mit meinem EQ lauter wird, oder? Was ich also höre, ist, dass es beim Aufsteigen auf jeder Frequenz einen Anstieg der Lautstärke gibt, oder? Geht es so, als ob ich runtergehe, aber geht es plötzlich so, weißt du, gibt es eine Frequenz, die wirklich lauter wird? Das würde bedeuten, dass ich mich wahrscheinlich mit dieser Frequenz befassen sollte , aber eigentlich nichts hören sollte. Also ich denke, wir sind in guter Verfassung, also werde ich das loswerden. Aber wir haben diese beiden gefunden. Und ich denke, ohne sie geht es ihr etwas besser. Okay, das ist also Klingeln, alles finden, was wirklich klingelt, und damit umgehen, indem man es schneidet. Das ist also eines der ersten Dinge wir tun möchten, wenn es um die Verarbeitungselemente eines Masters geht , aber das ist nicht das letzte Mal, dass wir das tun. Wir werden später darauf zurückkommen, nachdem wir etwas mehr Verarbeitung durchgeführt haben, da einige dieser Kompressoren und Limiter das ein wenig beeinflussen können und einige Frequenzen irgendwie nach vorne kommen lassen können. Wir werden also wiederkommen, um uns das noch einmal anzusehen. Aber lassen Sie uns vorerst weitermachen und über Komprimierung und Lautes sprechen. 32. Wie Kompression funktioniert: Okay, lass uns zu unserem Lautstärkeregler übergehen. Jetzt. In gewisser Weise ist das eine einfache Sache, weil wir einfach versuchen werden, es an die Spitze zu bringen. Aber wir wollen hier eine Menge feinfühliger Kontrolle , um sicherzustellen, dass wir nicht kürzen und dass wir Dinge, die wir nicht verstärken wollen, nicht erhöhen. Aber das ist das Offensichtlichste , was wir tun, oder? Es ist das hörbarste Ding. Als ob wir es lauter machen, aber wir machen es lauter und das auf sehr kluge Weise. Also Schritt Nummer eins, lassen Sie uns eine kleine Auffrischung oder ein neues machen oder von Anfang an gelernt haben, wie ein Kompressor funktioniert, denn wir müssen unseren Kompressor ziemlich gut kennenlernen. Also habe ich hier einen Multiband-Kompressor geladen, und dieser ist etwas knifflig. Schauen wir uns kurz einen normalen Kompressor an damit wir sehen können, wie die Steuerung funktioniert. Also gehe ich hier zu meiner Dynamik und schmeiß hier einfach den normalen Ableton-Kompressor an. Ich werde das in einer Minute loswerden, aber ich mag die Benutzeroberfläche, wie sie uns zeigt, was sie macht, besser als diese. Dieser ist wirklich verwirrend. Ich möchte Ihnen nur zeigen was die Kontrollen sind und wie sie funktionieren. Okay, also egal welchen Kompressor Sie verwenden, welche Software Sie für Ihre Komprimierung verwenden. Es sieht wahrscheinlich entweder so, so oder so aus. Dies sind die drei verschiedenen Layouts , die die meisten Kompressoren haben. Hier machen wir vielleicht etwas anderes und das ist okay. Dies sind jedoch nur drei verschiedene Ansichten derselben Art von Informationen. Okay, ich werde mit dieser Ansicht beginnen , damit wir wirklich sehen können, was wir tun. Okay? Diese Aufstellung hier wird also meine Schwelle genannt. Ich kann es nach oben oder unten bewegen. In Ordnung? Ich lasse die Lautstärke also auf den Schwellenwert steigen, bevor ich anfange, damit herumzuspielen. Okay. Also alles unter der Schwelle lassen wir in Ruhe, oder? Und das ist die Lautstärke, über die wir sprechen. Also alles, was leiser als die Schwelle ist, wird einfach okay sein. Wenn es den Schwellenwert überschreitet, werden wir ein paar Dinge damit machen. Okay, schauen wir uns an, was hier passiert. Also ich bin hier wirklich ganz oben in meinem Sound. Ich mache nicht viel. Okay, unsere Schwelle liegt also genau da, direkt am oberen Rand des Sounds. Nun, diese goldene Linie hier wird unsere Gewinnreduzierung genannt. Um so viel reduzieren wir die Lautstärke. Okay? Nun, diese beiden Dinge hängen zusammen, oder? Jedes Mal, wenn das Signal den Schwellenwert überschreitet, wird es durch die Verstärkungsreduzierung nach unten gedrückt. Also stell dir vor, das ist unser Schwellenvolumen wird steigen und dann geht die Verstärkungsreduzierung weiter. Du bist da unten geblieben. Ich hatte nicht vor, meinen Kopf dafür zu benutzen , aber es funktioniert irgendwie. Also werden wir die Schwelle überschreiten und dann wird es sie nach unten drücken. Lass uns das machen und sehen, du wirst sehen, wie das die Lautstärke runterdrückt. Lassen Sie uns unsere Schwelle ändern, um dort etwas aggressiver zu werden. Jetzt siehst du Momente wie diesen, in denen genau da eine Spitze ist und eine Spitze herunterkommt, um dem entgegenzuwirken, oder? Die Goldlinie ist also wirklich nur unser Volumen. Es ist wie ein Lautstärkeregler, wenn jemand brüllt und versucht, diese Spitzen aufzufangen und zu kompensieren , sodass unsere Lautstärke ungefähr gleich bleibt, oder? Also zerquetschen wir gewissermaßen das höchste Zeug, das laute Zeug, und machen es genauso. Nun, wenn ich komplett komprimiert sein und die gesamte Lautstärke von Anfang bis Ende genau gleich sein möchte komprimiert sein und die gesamte Lautstärke . Ich könnte diese Schwelle bis ganz nach unten verschieben. Stimmt. Und jetzt sehen Sie, dass diese Verstärkungsreduzierung überall stattfindet. Es versucht nur wirklich, die Lautstärke runterzudrücken , um sie einfach flach zu machen. Richtig? Nun, es gibt eine Sache, über die wir noch nicht gesprochen haben, und zwar das , was einige Dinge bewirkt, über die ich hier spreche, aber eines der wichtigsten Dinge, über die wir noch nicht gesprochen haben, ist, dass wir eine gewisse Kontrolle darüber haben , wie die Software mit diesen Geräuschen umgeht, wenn sie den Schwellenwert überschreiten. Es ist nicht nur so, dass wir sie niederschlagen, oder? In diesem Fall schlagen wir sie nieder. Aber wir könnten sie die Schwelle um einen gewissen Betrag überschreiten lassen. Und wir könnten festlegen wie mit ihnen umgegangen wird, wenn sie diesen Betrag überschreiten. Die erste Möglichkeit , das zu tun, ist die Geschwindigkeit, mit der wir die Lautstärke herunterdrehen und dann die Geschwindigkeit, mit der wir sie wieder loslassen, oder? Dass diese Dinge, die wir hier finden, angreifen und freilassen werden. Moment sind wir bei einer Millisekunde. Angriff und 30 Millisekunden Loslassen. Das heißt, wenn das Plugin sieht, dass ein Signal nach oben geht, dauert es eine Millisekunde, um es herunterzudrücken. Das ist wirklich schnell. Und wenn das Signal dann wieder unter den Schwellenwert fällt, wird es 30 Millisekunden dauern bis es irgendwie zurückgeht und es steigt. Okay? Jetzt wird dieses Timing wichtig sein, weil wir beim Mastering ziemlich schnell vorangekommen sind. Wir werden also auf diesen Zeitpunkt zurückkommen, aber das ist es, was das ist. Das sind diese Einstellungen. Ich bin mir sicher. Und welche Software Sie auch verwenden, Sie haben sie. Du hast irgendwo Einstellungen für Timing, Attack und Release Time. Das ist ein Alleskompressor, den ich je gesehen habe. Die nächste Sache ist das Verhältnis. Das heißt, wenn etwas den Schwellenwert überschreitet, werden wir es einfach immer bis zu ihrem Schwellenwert herunterdrücken, oder lassen wir es ein bisschen manipulieren? Okay, dafür gehen wir hier zu einer anderen Ansicht über. Ich gehe rüber zu dieser Ansicht. Okay? Was wir hier sehen, ist, dass hier unsere Schwelle ist. Und ein kleiner springender Ball ist unser, das ist auch unsere Schwelle. Und Sie werden unseren aktuellen Band hier als weitere kleine Kugel sehen . Hier finden Sie unsere aktuelle Reduzierung der Volumenverstärkung. Okay? Jetzt sieh dir diese Zeile an. Wenn ich es einfach niederschlagen und sagen würde Überschreite nicht die Schwelle. Ich würde das machen. Das heißt, wenn die Lautstärke immer lauter und lauter wird, ist das okay. Das ist, wir werden es in Ruhe lassen. Was dieser perfekte Winkel hier bedeutet, ist, dass wir es in Ruhe lassen. Sobald dieser Schwellenwert überschritten ist, werden wir als Obergrenze fungieren. werden wir nichts hinausgehen lassen. Aber vielleicht wollen wir nicht als Decke fungieren und wir wollen sie ein bisschen neigen , damit das wirklich laute Zeug immer noch ein bisschen lauter wird. Und es hat ein bisschen Platz, um lauter und leiser zu werden, aber nicht viel. Also dafür würden wir das machen, oder? Jetzt. Wenn etwas wirklich laut wird, kann es immer noch lauter werden als der Schwellenwert, aber es ist immer noch weit nach unten skaliert. Dieser Punkt hier oben wäre , wenn wir nichts dagegen tun würden. Okay? Nun, diese Einstellung, der Winkel dieser Linie wird das Verhältnis genannt, oder? Hey, wenn ich das Verhältnis auf 11 heruntersetze und das gemacht habe, macht unser Kompressor nichts. Das bedeutet, dass der gesamte eingehende Ton dem ausgehenden Ton entspricht. Also können wir das machen. Und wir können sagen, nun, lassen Sie uns das ein bisschen reduzieren. Das ist eigentlich eine Menge. Nehmen wir an, das wird ein bisschen sein. Das wäre viel und das ist einfach flach. Okay? Darüber hinaus haben wir jetzt ein paar andere Einstellungen. Wir haben etwas namens Lookup, das dazu beitragen wird , dass es ein bisschen schneller wird. Das sollte hier im Mastering nicht nötig sein, wir haben das Knie, das ist genau der Winkel dafür. Also runden wir das ab, indem wir das Knie stärken. Das sollten wir nicht zu sehr brauchen. Aber es gibt noch eine andere Umgebung, von der ich Ihnen erzählen möchte. Wir werden hier ziemlich lang. Gehen wir also zu einem neuen Video und lassen Sie uns über den Make-up-Gain sprechen, wodurch wir ihn tatsächlich lauter machen. 33. Make-up Gewinn: Okay, kehren wir zu dieser Ansicht zurück. Okay, und lass uns das machen, was ich vor einer Minute gemacht habe, wo wir einfach die Schwelle weit nach unten nehmen und das Ding einfach komprimieren. Okay, los geht's. Jetzt können Sie sehen, dass wir die Lautstärke einfach stark herunterdrehen und alles auf die gleiche Lautstärke stellen. Okay, lass uns unser Verhältnis erhöhen, sodass es fast flach ist. Okay? Jetzt haben wir hier ein Problem, oder? Weil es hier nur darum geht, die Dinge lauter zu machen. Und wir haben es wirklich nur leiser gemacht, oder? Das ist das Gegenteil. Wir haben die falsche Richtung eingeschlagen, aber das haben wir wirklich nicht. Also hier ist, was wir getan haben. Wir haben es komprimiert, oder? Das Ding sagt, dass es das tun wird. Es braucht die Lautstärke, die Spitzen und die Lautstärke, die steigen. Und es wird diese abflachen und sie werden alle gleich oder fast gleich viel Volumen haben, je nachdem, wie unser Verhältnis ist. Jetzt, wo wir das getan haben, jetzt, wo wir diese Wellenform abgeflacht haben. Jetzt können wir es steigern. Und es wird genau dort bleiben, wo wir wollen. Nun, wenn es für diesen Kompressor nur eine Möglichkeit gäbe, dem Kompressor mitzuteilen, dass Sie ihn beim Komprimieren um das Volumen x reduziert haben , nachdem Sie mit dem Komprimieren fertig sind. Jetzt möchte ich, dass du dem Ganzen wieder die X-Lautstärke hinzufügst , wodurch die Höhen im Grunde dort bleiben, wo sie waren, und alles wieder auf die Höhen hochfahren. Lassen Sie mich das noch einmal erklären. Also lass uns das benutzen. Okay, nehmen wir an, unsere Signale kommen rein und es ist ungefähr, hey, hier ist die Spitze unseres Signals. Okay, also unser Schwellenwert liegt bei etwa minus 13. Okay? Nehmen wir an, ich komprimiere es um einen ganzen Haufen auf minus 14, 45. Okay, das ist verrückt. Tu das nicht, aber es sollte meinen Standpunkt verdeutlichen. Also haben wir es auf minus 45 reduziert. Wir waren also bei minus 13. Jetzt sind wir bei minus 45. Was wir jetzt also tun wollen, ist es dem Plugin mitzuteilen, den Unterschied dieser beiden Dinge zu nehmen und ihn um das Vielfache zu erhöhen. Also diese negativen 13 sind das, was unsere Höchststände sind, bei denen wir bei minus 13 sind. Wir werden jetzt alles wieder auf diesen Wert erhöhen. Okay. Es ist ein verwirrendes Konzept. Ich habe nicht das Gefühl, dass ich es schaffe. Vielleicht versuche ich das noch ein paar Mal. Aber um es kurz zu machen, sieh dir diesen kleinen Knopf hier an, auf dem Make-up steht. Das ist Make-up-Gewinn. Was das genau bewirken wird , wovon ich hier spreche. Es wird einfach alles ankurbeln. Okay? Also lass es uns machen. Also hier sind wir. Super-Duper komprimiert. Okay? Ich werde einschalten , um unsere Zulage nachzuholen. Okay? Richtig, also lass uns das sein, mal sehen, mit diesem Kompressor an und aus. Hier geht es ab. Okay, einschalten. Definitiv mehr Volumen, oder? Vergleichen wir es mit diesem Deaf Tones-Track. Hier ist unserer. Wir sind im Baseballstadion, oder? Wir haben noch ein bisschen mehr Arbeit vor uns, aber wir sind im Baseballstadion. Okay, um das Ganze abzuschließen, machen Sie sich mit diesen Steuerungen an Ihrem Kompressor vertraut und stellen Sie dann sicher, und stellen Sie dann sicher dass Sie die Makeup-Gain aktiviert haben , denn das ist es, was wir brauchen. Das werden wir, wenn wir zu unserem Multiband-Kompressor zurückkehren , was wir in nur einer Sekunde erledigen werden. Das Make-up wird etwas zarter. Wir können die Leistung wirklich genau so steigern, wie wir es wollen. Lassen Sie uns jetzt darauf zurückkommen. Okay, jetzt, da wir wissen, wie der Kompressor funktioniert, gehen wir zu unserem Multiband-Kompressor und sprechen darüber. 34. Multiband Kompression: Okay, also werde ich diesen Kompressor loswerden und zu unserer Multiband-Dynamik zurückkehren. Ich werde es einschalten. Nun, was wir hier in einem Multiband-Kompressor haben, okay, ich glaube, ich habe es schon früher erklärt, aber lassen Sie mich nur sicherstellen, dass wir hier auf derselben Seite sind. Was wir also im Grunde haben, sind quasi zwei Geräte in einem, wir haben einen EQ und wir haben einen Kompressor. Wir haben also ein kleines EQ-Sprichwort. Und das ist das hier. Es heißt also, hier ist unsere Mittelfrequenz. Und es heißt, das ist das höchste Zeug. Wir lassen das höchste Zeug sein. Und dann werden wir es auf verschiedene Arten komprimieren. Wir haben niedriges Zeug, wir werden das auf unterschiedliche Weise komprimieren. Wir haben Mittelding und das werden wir auf unterschiedliche Weise komprimieren. Wenn Sie keinen solchen Multiband-Kompressor haben, ist dieser bei Ableton einfach vorrätig. Also, wenn du Ableton verwendest, okay, du hast das, aber es gibt eine Menge Multiband-Kompressoren da draußen. Wenn du keinen hast, könntest du das auch ohne einen machen , indem du eine Art komplizierte Kette mit einem EQ und dann einem Kompressor und dann, und dann parallel, einem weiteren EQ und weiteren Kompressor und einem anderen EQ und Miller-Kompressor aufbaust, du müsstest eine Art Effekt-Rack-Fähigkeit haben , um das Signal aufteilen zu können. Aber das ist nicht machbar. So geht das und das ist in Ordnung. Es ist einfach viel komplizierter. Es wird eine gute Idee sein, einen Effekt zu haben, der das wirklich für Sie tun kann. Also sofort einsatzbereit, so sieht es aus. Also hier sind unsere drei Bands mit hohem Zeug, mentalem Zeug und niedrigem Zeug, richtig? Ich kann jeden der drei Kompressoren solo spielen. Hier laufen wirklich drei Kompressoren, oder? Also kann ich das hohe mit diesem kleinen S hier solo machen. Also hier sind nur unsere hohen Sachen, oder? Wir können es also irgendwie, wir können es anders komprimieren und wir können sehen, was passiert. Hier ist unser Mittelding. Okay? Und hier sind unsere niedrigen Sachen. Okay, sieh mal, das ist großartig, weil ich sagen kann, ich möchte das niedrige Zeug erhöhen. Werde richtig holprig damit. Sie wollen einige der hohen Sachen nicht reduzieren. Das ist quasi unser Make-up-Gewinn hier. Wir wollen also nicht wirklich das tun, was ich gerade getan habe. Wir werden ein bisschen konzentrierter sein. Okay, lass uns eintauchen. Konzentrieren wir uns zuerst auf die wichtigsten Dinge. 35. Einrichtung von Multiband Compression: Okay, das erste, was wir hier tun müssen, ist sicherzustellen , dass unser EQ-Teil unseres Multiband-Kompressors so eingerichtet ist, wie wir es wollen. Mit anderen Worten, ist diese Fokussierung das Höchste, Konzentrieren nur auf unsere höchsten Dinge. Und dann unser Mittelding. Wo ist diese Linie zu hoch, zu niedrig. Lass uns das einsperren und es genau richtig machen. Es gibt also ein paar schnelle und relativ einfache Möglichkeiten, dies zu tun. Ich bin eher eine allgemeine Faustregel. So wurde mir das beigebracht. Also stell dir das höchste Zeug als ob du schimmerndes Zeug bist, okay? Verzerrungen, Symbole, solche Dinge. Und diese Art von Grenze zwischen dem hohen Zeug und der Mitte hat irgendwie mit der Snare Drum zu tun. Das ist genau wie meine Faustregel. Du kannst das machen, wie du willst. Also werde ich die höchsten Sachen solo machen. Okay? Ich will diese kleine Trommel nicht hören . Wir hören es. Stimmt es? Also lasst uns erhöhen. Ja, diese Schlinge ist so knackig. Ich glaube nicht, dass wir in der Lage sein werden, es vollständig herauszubekommen, aber wir wollen definitiv keine Fallstricke hören . Wir hören ein bisschen das Knacken der Schlinge, das höchste Zeug. Aber wir hören nicht den Inhalt. Gehen wir runter zur Leiche. Hier. Ich fühle mich ein bisschen körperlich, fair? Stimmt. Ich will die Leichen nicht hören , wenn du hochgehst. Das ist ziemlich gut, genau da, es fühlt sich ziemlich gut an. Diese Schlinge hat nicht wirklich Körper. Es ist nur der, der Crack-Teil. Also werde ich damit leben. Okay, jetzt werde ich zu den unteren Sachen übergehen. Ich habe die Mitte für den Moment übersprungen. Okay, so tiefes Zeug, ich wollte nur hören dieser Schlamm, den ich einfach hören will, allmählich schlammiges Zeug ist. Auch hier werde ich die Snare als Referenz verwenden. Ich will hier wirklich nicht den Körper der Schlinge hören, was ich auch nicht will, aber lasst uns hochgehen. Okay, jetzt habe ich das Gefühl, dass das da ist. Das ist ziemlich gut genau da. Okay. Religiöses schlammiges Zeug. will nicht, dass die Schlinge die Schlinge da drin spürt. Okay, und dann bleibt uns die Mitte. Sie werden hier feststellen, dass wir keine Kontrolle über die Mitten haben , da die Mitte die Entfernung zwischen diesen und diesen sein wird . Also sollten wir im Grunde unsere gesamte Snare Drum haben. Ziemlich gut. Damit fühle ich mich wohl. Also haben wir das irgendwie da drin gewählt. Die Sache mit der Snare Drum ist also wirklich nur ein Trick, der mir beigebracht wurde. Es funktioniert nicht immer, aber es ist eine gute Faustregel, diese Bereiche irgendwie festzulegen. Es hat gut für mich funktioniert. 36. Auswählen in der High: Okay, schauen wir uns an, wie sich unsere Bands bewegen und welche am aktivsten sind. Derjenige, der am aktivsten ist, ist normalerweise der beste für den Anfang. Wir werden uns mit allen anlegen. Ich fange einfach gerne mit dem an , der sich am meisten bewegt. Also sind wir hier immer noch solo, okay. Okay. Also Bewegung hier, nicht viel Bewegung in der Mitte. Die Augen bewegen sich am meisten. Ich glaube, sie fahren den ganzen Weg bis hier runter. Okay, lass uns die Höhen solo spielen. Und lass uns ein bisschen damit arbeiten. Okay, hier ist unsere Multiband-Schnittstelle. Es ist ein bisschen anders, aber es passieren viele der gleichen Dinge. Okay? Das ist jetzt also unsere Schwelle. Also wollen wir unseren Schwellenwert so weit senken , dass wir nur ein bisschen komprimieren , bis dieses hohe Zeug da drin haben. Eine Menge. Zieh es ein bisschen zurück. Deshalb wollen wir die Verstärkung nur ein bisschen reduzieren. Wir kommen jetzt an die Schwelle. Unsere Signale sind etwas stärker in ihrem Winkel. Okay? Jetzt hätte ich das sagen sollen, bevor wir angefangen haben. Stellen Sie sicher, dass Sie sich im RMS-Modus befinden. Das wird uns jetzt wirklich helfen, für mich ist das dieser Button hier. Wir können RMS oder Peak machen. Rms wird wirklich besser sein. Weil wir uns jetzt die Art des durchschnittlichen Signals ansehen wollen . also sicher, dass Sie den RMS-Wert und nicht die Spitzenwerte im Auge haben. Okay, jetzt überschreitet mein Signal den Schwellenwert. Ich gebe ein bisschen Zeit, um es durchzugehen. Jetzt muss ich das Verhältnis anwenden, oder? Ich muss ihm sagen, was er mit dem Signal machen soll, das den Schwellenwert überschreitet. Die Art und Weise, wie du das machst, und dieser ist wirklich anders. Okay, also was wir tun werden, ist, dass ich in dieses Feld hier klicke und es herunterziehe. Und was Sie sehen werden, ist, dass diese vertikalen Linien zehn dB repräsentieren, oder? 30 bis 40. Das sind zehn dB auf unserem Weg nach oben auf Null. Diese sind also alle negativ auf unserem Weg nach Null. Und was eine Senkung bewirken wird , ist, dass sie näher zusammenrücken. Nun zu unseren höchsten Werten, jede dieser Linien steht immer noch für zehn dB, oder? Mit anderen Worten, das ist so, als würde man die Kurve, die wir uns angesehen haben, so anwinkeln , dass sie das Geräusch komprimiert, das über den Schwellenwert geht. Es ist auf diese Weise etwas verwirrend, aber es ist eigentlich eine coole Art, es zu betrachten. Es ist, es ist eine andere Art von Oberfläche, aber ich weiß nicht, ich mag es, es ist cool. Aber es ist gewöhnungsbedürftig. Denken Sie also daran, je näher diese kleinen vertikalen Linien sind, desto mehr komprimieren wir sie. Und Sie können sehen, wie diese Nummer hier auftaucht. Das ist unsere Gewinnreduzierung. Das ist also der Betrag, den wir reduzieren. Nur als gutes Maß. Hier sind unsere Angriffs - und Veröffentlichungszeiten. Ich werde das auf eins anpassen. Und diese 230 hängen an eine Sekunde, eine Millisekunde und werden auf 30 Millisekunden freigegeben. Okay, also dann unser Ergebnis, das ist das Make-up-Spiel, oder? Also werde ich mir hier ansehen, um wie viel wir reduzieren. Reduzieren. Mal sehen, 9,49, 0,7, zehn. Lass uns neun gehen. Und jetzt mit der Leistung werde ich sie um ein Vielfaches erhöhen. Also werde ich das um neun erhöhen. Okay? Nun, diese Menge an Boosting, das ist nur unser Maßstab. Okay? Was wir tun werden, ist, das Solo zu lösen. Wir werden zuhören. Und wir werden sicherstellen, dass wir nichts Verrücktes gemacht haben, oder? Immer, wenn Sie irgendeinen mathematischen Kram machen , zum Beispiel wenn wir um 90 Schläge reduzieren, fügen wir auf der anderen Seite des Kompressors neun dB hinzu, so wie hier. Denken Sie immer daran, dass Ihr Ohr hier das Wichtigste ist. Also lass uns zuhören. Lass uns erstmal fühlen, dass es okay ist. Fahren wir mit unseren Tiefstwerten und dann unseren Mitten fort und wählen auch diese ein. 37. Auswählen in der Low: In Ordnung, lass uns zu unseren niedrigen Sachen gehen. Okay, also werde ich unsere Tiefs solo spielen. Ich werde das Gleiche tun. Ich werde meine Schwelle nach unten senken, wir erreichen da einfach die Obergrenze. Ich brauche hier nicht viel. Und ich werde es ein bisschen zurückziehen. Nun, das Ausmaß der Komprimierung, das ich hier mache, ist nicht wirklich wissenschaftlich. Ich fühle es, ich schätze es, und ich werde später zurückkommen und es ein bisschen genauer einwählen. Aber im Allgemeinen gehe ich hier herum. Ich möchte, dass hier die Komprimierung stattfindet. Ich möchte, dass die Verstärkung reduziert wird. Mein ganzer Punkt hier ist die Verstärkungsreduzierung. Ich möchte also, dass wir hier eine Reduzierung erreichen. Ich bin nicht wirklich wissenschaftlich, aber ich werde später darauf zurückkommen. Nochmals, ich werde meine Zeiten ändern. Du kannst ein bisschen mehr sein. Dieser muss nicht so schnell sein, aber ich habe festgestellt, dass es nicht wirklich weh tut, ihn so schnell zu machen. Wenn Sie einen langsamen Computer haben, kann dies ein Problem sein, sollte aber in Ordnung sein. Okay, lass uns dorthin gehen. Wir haben eine Verstärkungsreduzierung von etwa 6526 dB. Lass uns das hier zusammenzählen. Lass uns 5,5 nehmen. In Ordnung, hören wir es uns an. Jetzt. Lass uns unsere Mids machen. 38. Wählbar in der Mid: In Ordnung, Kinder, als Nächstes. Jetzt fragst du dich vielleicht, warum ich über Minuten gesprungen bin? Warum habe ich Höhen und Tiefen gemacht als Mitten? Ich weiß es nicht. Das ist genau das, was ich gerne mache. Du kannst Höhen, Mitten und Tiefen machen. Das ist in Ordnung. Ich fange gerne dort an, wo am meisten Bewegung ist , um zu versuchen, das zu fixieren. Dann tendiere ich für mich normalerweise zu Höhen oder Tiefen. Und dann ist das Gegenteil das, was ich als nächstes machen werde. Aber das ist, weißt du, du kannst das in der Reihenfolge machen , in der du willst. Okay, schauen wir uns den niedrigsten oder den Mittag an. Ziemlich solide. Sie werden nach und nach komprimiert. Okay. Ich wollte nur sagen, ich fühlte mich irgendwie eingeschlossen und irgendwie lustig, eine Art, die sich irgendwie gut anfühlte. In Ordnung, also um drei bis dreieinhalb reduzieren. Drei. In Ordnung, lass uns eine Kleinigkeit machen. Okay. Ich habe das Gefühl, dass mir ein bisschen zu viele Tiefpunkte bevorstehen, aber ich werde es vorerst sein lassen. Wir werden im nächsten Schritt darauf zurückkommen. 39. Upwards: Okay, bevor wir weitermachen, möchte ich ein wenig über die Aufwärtskomprimierung sprechen . Ich glaube nicht, dass wir es hier brauchen, aber ich möchte, dass du weißt, dass es existiert. Eine Aufwärtskomprimierung würde dieses Zeug also durcheinander bringen. Das wäre also so, lassen Sie uns es auf dieser Basis verwenden, z. B. wir sind hier rauf gegangen und haben den Schwellenwert, diese Linie fast an unserer, an unsere Abwärtsschwelle gebracht. Das ist Abwärtskomprimierung. Und dann haben wir unsere Linien verschoben. Dies ist jetzt eine Aufwärtskomprimierung. Und was das bewirken wird, es wird es laut machen. Es wird nicht sehr viel unter die Schwelle gehen lassen , oder? Es wird weiter draufdrücken, um es laut zu machen. Es ist nicht so nützlich bei Rockkram und dieser Art von Stimmung. Aber wenn Sie Kompressoren mit ähnlichen OTT-Einstellungen gesehen haben , ist das was, das ist es. Es ist sehr beliebt bei EDM und so die Dinge die ganze Zeit sehr laut zu halten. Du kannst auch auf die leiseren Sachen gehen, und das ist das hier. Du kannst es auch herunterkomprimieren, was in etwa so ist, als würde man es komprimieren. Wenn du etwas hast, das wirklich komprimiert ist und du versuchen willst, es zu dekomprimieren , kannst du damit, das wird es irgendwie wieder herausnehmen und es, lass es ein bisschen mehr atmen. Aber wir brauchen es hier nicht. Also werde ich das nach unten verschieben. Dann werden sie irgendwie zurückgesetzt, dann spielen Mädchen ein bisschen damit. Ich brauche sie also nicht wirklich. Kann ich das zur Standardeinstellung machen? In Ordnung? Ich kann das genau auf Null setzen, aber das ist okay. Das muss es nicht sein. In Ordnung, also das sind diese Dinge. Ich denke nicht, dass es für uns hier nützlich ist, aber es ist gut, es zu beachten, damit Sie es wissen. 40. "Ring Out" und Vergleichen: Okay, an dieser Stelle werde ich es irgendwie auswringen. Schon wieder. Geh zurück zu meinem EQ und vergewissere dich, dass nichts wirklich auffällt. Ups, bin den ganzen Weg da hinten gesprungen. Jetzt habe ich das Gefühl, dass die Basis schlammiger geworden ist. Also wähle ich das ein bisschen zurück. Und dann ist es schwer, die Sache zu klären, um wirklich die Basis zu bekommen, mit der Medina fertig ist. Das ist wirklich in der Mischung. Aber es gibt ein paar Dinge, die ich tun kann. Also habe ich hier eine Band. Ich werde wieder nach problematischen Dingen suchen . Das ist einer. Also höre ich zu, was das Geld noch schlimmer macht. Okay, also fühle es irgendwie genau dort. Du könntest sehen, wie eine Frequenz genau dort herausspringt, wenn du sie ein wenig verbreiterst. Sie helfen tatsächlich. Gut. Okay, lass es uns jetzt ohne den EQ und die Multiband-Dynamik hören . Hier ist unser Original. Ordnung, wir sind also definitiv auf dem richtigen Weg. Wir sind noch nicht richtig laut geworden, oder? Wir haben ein bisschen komprimiert, um irgendwie zu kombinieren, was da drin ist. Unser echtes Volumen wird vom Kleberkompressor und dem daran angebrachten Limiter kommen . Also, was wir hier gemacht haben, ist es irgendwie mit dem Kompressor zu zerquetschen, den Sound irgendwie stark gezähmt zu haben. Und jetzt werden wir es auf den Glue Compressor übertragen , wo wir ihn verwenden werden , um richtig Gas zu geben. Es ist wie unser eigener Make-up-Gewinn. Aber der Limiter wird dafür sorgen, dass wir es nicht tun, wir überschreiten es nicht. Lassen Sie uns als Nächstes damit fortfahren. 41. Einen zweiten Kompressor verwenden?: Okay, als nächstes kommt unser Glue Compressor und Limiter oder unser Kompressor und ein Limiter. Oder wenn Sie es einfach halten möchten, können Sie hier einfach einen Limiter verwenden. Also, was ich hier verwende, ist dieser Glue Compressor, ähm, weil ich ihn wegen der Soft-Clip-Funktion wirklich mag, aber ich werde ihn auch als Kompressor verwenden. Sie werden also feststellen, dass viele Leute bei dieser Art von Arbeit mehrere Kompressoren verwenden. In der Regel verwenden Sie dabei verschiedene Kompressoren. Also verschiedene Plugins, verschiedene Hardware-Dinge, sie alle komprimieren Dinge unterschiedlich und das kann dir eine etwas andere Qualität verleihen. Es ist also keine Seltenheit , einen zweiten Kompressor in Ihrer Kette zu haben. Also werden wir diesen Kompressor für eine weitere Stufe verwenden für eine weitere Stufe , um den dynamischen Kontrast hier zu verringern. Okay, also ich werde einfach, also werde ich einfach meine Schwelle ein bisschen herunterdrehen , bis sie, bis die Musik ausgeblendet ist, und wir schneiden das Oberteil einfach ein bisschen ab. Da ist es. In Ordnung. Jetzt werde ich sicherstellen, dass mein Angriff und Freilassung gut und schnell vonstatten gehen. Okay, also wenn wir hier unsere Attack- und Release-Zeit anpassen, ist eine wirklich merkwürdige Sache dass die Attack-Zeit hier, dieser Regler, in Millisekunden angegeben ist. Eine Millisekunde hier. Okay, das ist gut. Wir lassen es dort. Wir könnten es sogar etwas schneller machen , wenn wir etwa eine Zehntelmillisekunde machen wollten. Aber mit einer Millisekunde komme ich hier eigentlich klar. Die Veröffentlichungszeit wird tatsächlich in Sekunden angegeben. Ich möchte das also ganz auf 0,2 s oder 0,1 s zurückziehen . Okay, ich belasse das Verhältnis genau dort. Ich denke, das ist in Ordnung. Okay, jetzt haben wir diesen Kompressor einige Arbeit für uns erledigt. Lassen Sie uns nun über die Verwendung des eingebauten Limiters sprechen. 42. Begrenzung: Okay, jetzt schalten wir diese Softclips ein. Also, was dieser Softclip bewirken wird, er wird, er ist ein Limiter, oder? Also werden wir eine Obergrenze festlegen, und diese Obergrenze ist standardmäßig Null. Okay? Es wird uns also nicht über Null steigen lassen. Also können wir den Make-up-Gewinn hier so stark erhöhen, wie wir wollen. Und es wird das Signal niemals über Null steigen lassen. Lass es mich dir zeigen. Also werde ich hierher gehen, damit ich auf meine Zähler schauen kann. Ich drücke einfach die Tabulatortaste, um das abzurufen, wenn du in Ableton bist, werde ich mir hier meinen Master-Output ansehen. Okay, lassen Sie uns das zurücksetzen. Und vielleicht möchten Sie dafür Ihre Lautsprecher leiser stellen. Das wird ein bisschen laut. Also drücke ich auf Play und schiebe einfach das Make-up auf. Ich werde es einfach ankurbeln. Okay. Siehst du, wir haben bei minus 0,5 aufgehört, oder? Wir haben nie Null erreicht, obwohl wir es eindeutig weit hinter uns haben und es verzerrend gehört haben, oder? Es klang nicht sehr gut. Denn wenn du einen Limiter hast und bis zu diesem Limiter gehst, wenn du einfach diese Decke stößt, wird er sich verzerren. Das ist es, was es tut. Dieser hat also diese Soft-Clip-Funktion. Solange wir da nicht zu hart reinhauen, wird uns das ein bisschen verzerrt , aber es ist eigentlich eine nette Verzerrung. Also ist es okay, aber wir wollen dieses Herz nicht treffen. Okay? Also, was ich tun möchte, ist den Make-up-Gain zu verwenden und gehen, bis wir sehen, wie dieses Clip-Licht ein bisschen ausgeht. Wir wollen es nur ein bisschen flackern sehen . Okay, lass uns da rauf gehen. Ziemlich gut. Ziemlich gut. Lass uns hier unser Messgerät neu einstellen, damit wir sehen können , wo wir landen. Genau bei minus 20. Okay? Jetzt verwenden wir diesen Limiter und wir legen großen Wert darauf, auf den Makeup-Gain, um ihn bis zum absoluten Maximum zu bringen , das es sein kann. Und wir gehen sogar noch ein Haar weiter und lassen den Limiter oben irgendwie abrollen, um diesen weichen Clip zu bekommen. Okay, lassen Sie uns jetzt über die Kopffreiheit sprechen und herausfinden, wie viel wir wollen und wie wir sie bekommen. 43. RMS Headroom Standards: Okay, denken Sie daran, dass die Kopffreiheit die Entfernung vom lautesten Signal bis Null ist. Denn denken Sie daran, dass alle unsere Signale negativ gemessen werden. Wenn unser lauteres Signal also Null ist, negativ 0,5, wo wir uns jetzt befinden. Das bedeutet, dass wir 0,5 Kopffreiheit haben. Wir haben so viel Platz, bevor wir Null erreichen, okay? Unser Limit bringt uns also dorthin. Aber denk dran, das ist unser höchster Gipfel, das ist nicht unser Top-RMS, oder? Wenn wir hier nachschauen, ist der RMS die hellgrüne Linie. Schauen wir uns also an, wo unser RMS sitzt. Das zeigt uns unseren Höhepunkt. Okay, unser RMS-Peak liegt also bei minus sechs, minus sieben oder so, knapp unter minus sechs sieht es aus. Das ist okay. Was wir also generell wollen, eine gute Faustregel ist, dass Ihr RMS bei minus vier und minus fünf landet , für so schwere Sachen wie diesen oder aggressivere Sachen. Wenn es vielleicht akustisches Zeug ist, willst du dich vielleicht auf minus acht, vielleicht zehn zurücklehnen . Sie möchten auf keinen Fall, dass Ihre Peaks über Null gehen. Aber das, dieser Bereich, der Unterschied zwischen Ihrem RMS-Peak und Ihren tatsächlichen Peaks. Das wollen wir relativ klein haben und wir können es durch mehr Komprimierung vergrößern oder verkleinern. Okay? Das ist also ziemlich aggressiv, also möchte ich eigentlich, dass mein RMS etwas höher ist. Ich werde meine Gipfel genau dort lassen, wo sie sind. Minus 0,5 ist großartig. Der Grund, warum ich nicht ganz auf Null gehe, ist, dass es immer gut ist, etwas mehr Kopffreiheit zu lassen . 0,5 ist so etwas wie das Minimum von 0,5 zu eins, was die Kopffreiheit angeht, die Sie wirklich brauchen. Und der Grund dafür ist , dass, wenn Sie das in eine MP3-Datei konvertieren, einige digitale Dinge passieren können. Und das kann es, es kann die Lautstärke ein wenig erhöhen. Und wenn du ganz bei Null bist, dich das verfälschen und es wird zu Verzerrungen führen , die nicht gut sind. Deshalb möchten wir immer ein wenig warten bis diese Konvertierungsfehler auftreten. Es wird also immer noch gut klingen. Also belassen wir das bei minus 0,5. Das ist großartig, aber ich möchte mein RMS ein wenig steigern. Okay, also ich werde das hier einfach machen, indem ich meine Schwelle ein bisschen mehr anziehe und ein bisschen nach unten ziehe, um sie ein bisschen weiter zu drücken. Und dann werde ich mein Make-up noch ein bisschen aufpeppen. Jetzt bin ich ziemlich zuverlässig bei 0,6. Lange bevor ich gehen würde. Okay, jetzt arbeitet der Kompressor wirklich hart, aber ich glaube, ich habe ihn dahin gebracht, wo er mir gefällt. Also habe ich meinen RMS-Spitzenwert bei minus fünf erreicht, vielleicht sogar bis zu minus vier. Und meine Spitzenwerte steigen auf minus 0,5. Das ist ziemlich viel Geld für das, wo ich sein möchte. Sie vergrößern oder verkleinern also die Lücke zwischen Ihrem Peak und RMS durch mehr Komprimierung, oder Sie verkleinern sie durch mehr Komprimierung. Du wirst also mehr komprimieren als Makeup Gain, also mehr Makeup Gain komprimieren . Und das wird das RMS dahin bringen , wo Sie es haben möchten. Der Limiter wird dafür sorgen, dass dein Peak nicht darüber hinausgeht. Negativ 0,5. Okay, das wird uns gut und laut machen. Als Nächstes hören wir zu und machen unser AB mit unserem Referenztrack. 44. A/B es!: In Ordnung, hören wir zu. Wir werden zwischen unserer Referenz und dieser hin und her gehen . Okay, lass uns zu diesem Punkt zurückkehren damit es ein bisschen einfacher ist zu sehen, was wir tun. Stellen wir sicher, dass unsere Referenz hier etwas Nettes und Lautes hat. Perfekt. In Ordnung, also hier ist unser Track. Hoppla. Okay, und hier sind taube Töne. Für mich sind Geräusche lauter oder ein R klingt auch etwas knackiger. Ich denke, wir bekommen einen besseren Sound aus diesen Gitarren. Schauen wir uns an, was ihre Werte bewirken, und die tauben Töne verfolgen. Ich gehe auf positiv hoch. Es gibt ein Chaos. Rms liegt bei minus sechs, minus sieben, da waren wir , bevor wir etwas stärker nach oben gegangen sind. Okay. Und geht da drüben ein Anstieg auf 0,1? Das könnte nur an der Konvertierung in die Dateien liegen, die ich bekommen habe. Sie haben es dort wahrscheinlich nicht verwechselt. Das kann nur passieren Dateien herumgeworfen und konvertiert und in konvertierte m plus konvertiert werden. Ich glaube, den habe ich genommen. Ich glaube, wir hören uns hier tatsächlich eine MP3-Datei an. Das ist also nicht großartig. Aber das ist wahrscheinlich, wo das herkommt , ist diese Konvertierung. Aber trotzdem bin ich ziemlich zufrieden mit dem, was wir hier haben. Cool. 45. Betrachtet unsere Arbeit: Okay, lassen Sie uns ganz schnell einen Blick darauf werfen, was wir hier gemacht haben. Also werde ich noch einmal rübergehen, um mir unsere Wellenformen hier anzusehen. Weil ein bisschen mehr Platz. Was ich tun werde, ist , den gesamten Track zu duplizieren , mit Effekten und allem. Okay, jetzt rendere ich diesen Track, damit wir die Wellenform sehen können. Also gehe ich erfrieren und mache es dann platt. Das ist so, wenn du in einem anderen Dawes bist , ist das wie Rendern eines Ortes oder so. Okay. Lass mich den Mistkerl holen. Große dicke schwarze Linien. Und dort waren wir. Das sind wir jetzt. Also lasst uns hineinzoomen und uns das etwas genauer ansehen. In Ordnung, wir haben immer noch unseren dynamischen Kontrast und nichts wird unterbrochen. Wir sind einfach richtig gut und laut. Wenn wir hier richtig tief hinaufgehen, werden wir etwas von dem weichen Ausschnitt sehen. Es ist wie bei solchen Dingen , bei denen wir ganz oben stehen. Aber wir gehen nicht darüber hinaus, dass der Limiter den Sound irgendwie abrundet und ihn dann wieder abrundet, anstatt ihn einfach da reinzuschlagen und scharfe Winkel zu bilden. Das ist es, was wir normalerweise sehen, wenn wir eine Finsternis langweilig sehen. Wir sehen diese abgerundete Kante, was zu einer leichten Verzerrung führt. Aber auch hier, wie eine sanfte Verzerrung, etwas, das normalerweise ziemlich nett ist, besonders wenn man verzerrte Gitarren hat. Aber das sieht gut aus. Aber lassen Sie uns weitermachen und wir werden über Stereo-Imaging sprechen und etwas Süßes tun. Wir haben noch ein bisschen mehr zu tun. 46. Die Rolle von Reverb in der Mastering: Okay, an diesem Punkt haben wir also einen wirklich aggressiven, aber guten Master dieses Tracks gemacht , oder? Als wir uns diese Wellenform angesehen haben, war sie solide. Das könnten wir ein bisschen zurücknehmen. Das ist sehr aggressiv, Meister, aber das ist okay, das, das kann gut sein. Wir haben, wir können fertig sein. Wir können weggehen und sagen, dass wir es geschafft haben , oder wir können weitermachen. Okay. Jetzt werde ich dich davor warnen, zu viel zu tun, oder? Als ob du es mit all dem Zeug nicht übertreiben willst. Also ab jetzt, was ich Ihnen als Optionen zur Überlegung gebe, ähm, unsere Lautstärke ist gut, wir haben uns um alle problematischen Frequenzen gekümmert. Jetzt schauen wir uns zusätzliche Dinge an, die wir tun können. Das erste, worüber ich sprechen möchte, ist Reverb. Die Rolle des Reverbs beim Mastering liegt irgendwo zwischen keiner und einem klitzekleinen bisschen. Okay? Wir verwenden manchmal Hall und Mastering, aber wenn und wenn wir das tun, ist das ein sehr, sehr subtiler Effekt. Aber wenn wir es tun wollen, ist dies der richtige Ort, um es zu tun es ist das nächste Ding in unserer Effektkette. Also hier ist, was wir tun würden. Und ich werde dir schon sagen, dass dieser spezielle Track, an dem wir gerade arbeiten , kein guter Kandidat dafür ist, aber okay, wir haben unsere Kette, wir haben unseren EQ, unseren Multiband-Dynamics Glue Compressor und dann etwas Hall. Denkt daran, dass das Pi-Hall für den ganzen Track sorgt, oder? Es ist nicht nur so, dass wir dem Gesang oder dem Schlagzeug oder was auch immer Hall hinzufügen werden. Das wird auf der ganzen Strecke sein und wir können es nicht trennen. Um dies zu tun, sollten Sie also eine sehr, sehr minimale Menge verwenden. Die einzige Situation, in der ich das tun würde ist hauptsächlich akustische Musik. Sehr sanfte Musik, die das Gefühl hat, dass sie einfach ein bisschen zu trocken ist. Wenn es sich anfühlt , als ob es nur ein bisschen trocken ist, dann kannst du hier ein bisschen Hall hinzufügen. Es ist die Art von Sound, bei der du, wenn du das Gefühl hast, du dir des Halls bewusst bist, wahrscheinlich ein bisschen zu viel gegangen bist. Also akustische Musik, manchmal klassische Musik, wenn sie wirklich trocken aufgenommen wird. Ich habe es für Vokalmusik wie reine Vokalmusik wie Acquire verwendet . Weil das ist Musik, die oft vorkommt, wir hören sie wie in einer großen Kirche mit einer Menge Hall. Und wenn du eine Aufnahme vom Studieren wie in einem Studio bekommst, braucht es vielleicht ein bisschen Hall, damit es normal klingt. Wenn du Reverb verwenden willst, erinnere dich einfach an eine kleine Berührung und verwende ihn nur, wenn du ihn brauchst. Und das nur in den Fällen, in denen man sehr sanfte Musik, akustische, akustische Gitarre hat . Diese Art von Sound, den wir hier haben , großes Rock-Zeug. Es wird nicht funktionieren. Wir können es versuchen. Ja, ich mag es schon nicht. Also werden wir das hier nicht tun. Es wird hier nicht funktionieren, aber es ist etwas, das Sie in Betracht ziehen können. 47. Was ist das Stereo-Bild?: Okay, als Nächstes werden wir über das Stereobild sprechen. Wir haben noch keine Zeit damit verbracht, zumindest nicht absichtlich. haben wir vielleicht ein bisschen mit dem Stereobild gemacht In unserer Dynamikverarbeitung haben wir vielleicht ein bisschen mit dem Stereobild gemacht. Aber jetzt werden wir es uns wirklich ansehen. Also, worüber wir hier sprechen, ist das Stereobild der Einfluss der Musik. Du kannst dir vorstellen, wie Lautstärke auf diese Weise ist, Stereobilder, diese seltsame Art zu sagen, dass wir im Grunde überall Musik um uns herum hören können. Wir haben diese Ohren und sie sind darauf ausgelegt, Dinge um uns herum zu hören. Sie sind nicht so gut darin, Dinge im Detail hinter uns zu hören , weil es wirklich darauf abzielte. Aber wenn wir an Musik arbeiten, können wir sie so klingen lassen, als käme sie von genau dort. Wir können es so klingen lassen, als käme es von dort oder da drüben oder von da drüben, oder? Deshalb verwenden wir fast immer zwei Lautsprecher, oder? Zwei Lautsprecher bedeuten also Stereo, das heißt das Stereofeld. Und damit können wir Tricks anwenden, damit es sich anfühlt , als käme der Sound von irgendwo in diesem Bereich. Wenn ich also möchte, dass etwas klingt, als käme es von genau hier, platziere ich eine exakte Kopie in beiden Lautsprechern und dein Gehirn wird es irgendwie zusammenfügen , dass es genau da ist. Ich werde es versuchen. Meine Stimme sollte jetzt in diesem Video genau in der Mitte gemischt sein. Wenn Sie also, wenn Sie Kopfhörer tragen, einen herausnehmen und Sie werden so ziemlich dasselbe hören, außer nur in einem Ohr. Du kannst es wechseln und du wirst dasselbe hören. Das liegt daran, dass auf beiden Ohren genau dieselbe Kopie vorliegt. Es klingt, als käme es aus der Mitte. Nun, wenn ich es so klingen lassen wollte, als käme es von links oder rechts. Ich würde Panning benutzen, oder? Aber wir wollen hier nicht Panning verwenden. Also Gemälde, dieser Prozess, den wir machen, bei dem wir Geräusche bewegen können. Wir würden Panning beim Mastering nicht wirklich gebrauchen , weil wir Zugriff auf den ganzen verdammten Song haben . Und wenn wir Panning verwenden, können wir den ganzen Song nach links oder rechts bewegen, aber das wird nicht sehr gut klingen. Stimmt es? Panning ist etwas, das wir beim Mischen verwenden würden. Nach dem Mixvorgang können wir das Panning nicht mehr wirklich verwenden. Aber normalerweise wollen wir, dass unsere Tracks so klingen, als würden sie den gesamten Raum vor uns ausfüllen , oder? Wir wollen dieses vollständige Stereobild aufnehmen nennen wir es, oder? Ich möchte, dass es sich so schön und groß anfühlt. Wir haben also einige Tricks, die wir anwenden können , um diesen Raum wirklich auszufüllen. Und das nennt man Stereo-Imaging. Das Hinzufügen von etwas Hall kann dazu beitragen, dass es sich größer anfühlt , wenn Sie möchten, dass es sich im Raum größer anfühlt. Aber wir können noch viel mehr tun , ohne dass es um Hall geht. In den nächsten paar Videos werden wir also über Techniken sprechen, werden wir also über Techniken sprechen um diesen Raum, den Stereoraum, sozusagen auszufüllen . In Ordnung, also los geht's. 48. Mid/Side EQ (MS EQ): Okay, die Art und Weise, wie wir das machen , ist ein sogenannter Mid-Side-EQ. Und das ist vielleicht etwas, auf das Sie schon einmal gestoßen sind . Vielleicht hast du das gesehen. Es wird manchmal beim Mischen verwendet. Der Sinn ist, dass wir die Dinge im Grunde anders ausgleichen werden , egal ob es in der Mitte ist, was die Mitte ist, oder an den Seiten, den Seiten, wie hier drüben. Auf diese Weise können wir kontrollieren, was in der Mitte und was an den Seiten ist und den Raum irgendwie besser ausfüllen. Es heißt also Mid-Side-EQ. Manchmal sieht man es als M, S EQ oder MS-Imaging geschrieben . I steht für Mid Side. Wir haben also ein paar Tools, die wir dafür verwenden können. Dazu benötigen Sie etwas mehr als Ihren durchschnittlichen EQ. Wir sind in Ableton integriert und haben ein paar Tools, die ein bisschen damit umgehen können. Hauptsächlich unten in den Versorgungsunternehmen. Wir haben nur den linken Kanal in der Mitte. Wir können Mono spielen, was zum Zuhören praktisch ist. Nur Seiten zum Schreiben. Da sind also deine Mitte und deine Seiten. Also kannst du auf diese Weise irgendwie mit den Dingen spielen. Aber es ist nicht sehr nützlich für das, was wir brauchen. müssen wir also wirklich zu einem neuen Tool wechseln. Es gibt einige andere Tools, die du für Live-Through bekommen kannst , wie Max for Live und solche Sachen. Aber das ist egal. Wenn Sie ein Tool haben , mit dem Sie auf einen Midside-EQ zugreifen können. Das ist großartig. Es ist wahrscheinlich genug. Denn wie du weißt, konzentriere ich mich gerne auf Tools, die wir in diesem Kurs bereits haben, und sage nicht, dass du rausgehen und irgendwelche Plug-ins kaufen solltest. Ich werde dir jedoch sagen, dass du hier rausgehen und ein Plugin kaufen sollst. musst du nicht, aber es ist praktisch. Es gibt ein Plug-in, das wirklich eine Art Standard-Mastering-Plug-in ist . Es gibt uns eine wirklich gute Kontrolle über die Mitte. Und es gibt uns ein paar andere Schnickschnack , die wir verwenden werden. Also werde ich für die nächsten paar Dinge dieses Plugin verwenden, dieses Plugin. Gehen wir also zu einem neuen Video und lassen Sie mich das Isotopenozon vorstellen. 49. Izotop-Ozon: In Ordnung, also gehe ich zu meinen Plugins. Ich werde Isotop, Ozon und Ozon 7 laden . Wir haben gerade einen Ozonausbruch und sie aktualisieren ihn ständig. Also hol dir den neuesten. Ich werde Ozone 7 verwenden. Okay, also werfe ich das auf die Schiene an der Kette hinter meinem Leimkompressor. Jetzt Ozon, hergestellt von der Firma Isotop. Kein kostenloses Plugin. Ich kann mich nicht erinnern, wie viel es kostet. Aber es ist nicht so teuer, wie Sie für das, was es tut, denken würden. Dies ist ein leistungsstarkes Mastering-Plug-in. Das nutzen viele Leute für alles, was wir bisher getan haben , kann in Ozon gemacht werden. Sie können hier Effektketten erstellen. So wie wir es da unten gemacht haben. Ich benutze gerne das eingebaute Ableton-Zeug , um uns so weit zu bringen. Aber das musst du nicht. Ich meine, hier ist ein EQ. Hier ist Dynamik, da ist Maximizer. Ich denke, hier ist ein dynamischer Multiband-Prozessor drin. Oder vielleicht kannst du, ja, du hast hier Zugriff auf den Multiband-Kompressor , weil du dort einen EQ hast. Wir können viel tun, oder? Es gibt viele verschiedene Ansichten. haben wir. Es gibt Voreinstellungen. Ich habe hier nicht wirklich irgendwelche Presets installiert. Ich bin mir nicht sicher warum, aber das ist egal . Wir werden sie nicht brauchen. Das wird uns also eine Menge darüber zeigen , was in unserem Track vor sich geht. Schauen wir uns das Ganze an. Aber wofür ich das verwenden werde ist vorerst nur die mittlere Bearbeitung. Also werde ich das und das loswerden. Und lass uns einfach zu den Equalizern gehen. Ich hole mir einen Equalizer zurück. Und dann wird Ihnen hier eine Sache auffallen , dass die Füllstandsmesser etwas anders aussehen. Was wir hier sehen, ist zunächst, dass dieser Pegelmesser unser Eingang ist, das ist, was er hört, und das ist unser Ausgang, was er aussendet. Okay, der Unterschied zwischen diesen beiden besteht darin, was das Isotop tut, was im Moment nichts ist. Das Gelb in der Mitte ist also unsere Mitte und das Blau an der Seite ist unsere Seite. Das zeigt uns also Mittelniveau. Es zeigt uns also, dass unsere Seiten leiser sind als unsere Mitte oder Mitte, was in Ordnung ist. Und das ist typisch. Und wir können sowohl in der Mitte als auch in der Seite eine gute Menge an Bewegung sehen . Auch hier sehen wir den Peak als die hellere Farbe und den RMS als die dunklere Farbe. Cool. Mit dieser Mitte werden wir uns als Nächstes befassen. Es gibt noch ein paar andere Dinge zu beachten. Und das wird es ziemlich weit ausbreiten. Jetzt kann ich schon sagen , dass beim Mixen dieses Tracks viel Arbeit im Midside geleistet wurde beim Mixen dieses Tracks viel Arbeit im , weil dort bereits viel Action passiert. Es gibt also wahrscheinlich nicht viel, was ich mit diesem Track mit Midside machen werde diesem Track mit Midside weil er ihn nicht braucht und warum ich ihn nie machen will, wenn er ihn nicht wirklich braucht. Aber ich möchte dir zeigen, wie es funktioniert. Lass uns zu einem neuen Video gehen und es öffnen. 50. Eine Mid/Side EQ lesen: Okay, ich habe gerade zwischen den Videos darüber nachgedacht und es gibt eine Sache, mit der ich versuchen werde , diesen Track zu verbessern. Ich habe immer noch das Gefühl, dass das Low-End ein bisschen schlammig ist. Und ich denke, ich könnte es mit einer Mid-Side-EQ-Technik vielleicht ein bisschen zurückgewinnen oder ein bisschen mehr Klarheit bekommen einer Mid-Side-EQ-Technik vielleicht ein bisschen zurückgewinnen oder ein bisschen mehr Klarheit . Lassen Sie mich Ihnen zunächst zeigen, wie Sie die verschiedenen Einstellungen von Mid und SAT sehen können. haben wir uns schon angesehen. Aber was ich tun werde, ist hierher zu gehen, wir sehen Stereo, das heißt wir schauen uns eine Stereoanlage an, oder? Jetzt kann ich auf den nächsten klicken. Jetzt schauen wir uns die Darstellung in der Mitte an. Okay? Hier ist unsere Mitte und hier ist unsere Seite. Beachten Sie auch, dass hier oben Seite steht. Also schaue ich mir gerade den EQ für die Seite an. Und die Seite ist solo. Okay? Das ist also ein Solospiel für meine Seiten. Gerade jetzt. Lass uns in der Mitte solo spielen. Und hier sind die Seiten. Jetzt kann ich sie separat egeln. Schau, hier ist die Mitte, denn die habe ich hier ausgewählt. Das ist die Mitte und das sind die Seiten. Also, was ich dort ausgewählt habe, okay? Jetzt kann ich den EQ für die Seiten anpassen. Und ich habe hier einen EQ. Du bist es gewohnt, diese Art von EQ zu sehen. Und ich kann den EQ für die Mitten anders einstellen. Für die Mitte sollte ich diese Mitte nicht anders pluralisieren. Also, was ich hier versuchen werde , lass mich das leiser machen. Und ich werde versuchen , diese Basis ein wenig zu trennen und einige der tiefen Frequenzen zur Seite zu schieben und einige auf der Mitte zu belassen und zu sehen, ob wir sie trennen können um diese Stimmungsschwankungen zu beseitigen. Okay. Lass es uns versuchen. 51. Reinigung des unteren Endes mit Mid/Side EQ: Okay, ich fange hier mit meinen Mids an. Und ich werde diese mit einem Hochpass um 300 Hz reduzieren . Mach das etwas schärfer. Gehen wir auf etwa 20 Hz runter. Das wird nur irgendwie überflüssig machen, was wir mit unserem EQ hier unten machen. Das sollte also eigentlich nichts bewirken. Aber ich werde das da in unserer Mitte belassen, jetzt in unseren Seiten und es loswerden. Und unsere Seiten, ich mache einen Hochpass und schneide ihn um die 200 ab. Zieh es fest. Okay, also wenn ich das mache, was passiert jetzt? Unsere Seiten haben nicht diese wirklich niedrigen Frequenzen, diese wirklich niedrigen Dinge. Alles unter 200 Hz ist nur in der Mitte. Alles über 200 Hz wird in der Mitte und an den Seiten sein. Also trennen wir das wirklich niedrige Zeug und legen es einfach in die Mitte. Okay, jetzt werde ich den Geschmack anpassen , indem ich zuhöre und sehe, ob das hilft. Solo die Seiten. Da ist dieses Geld. Schreib das auf. Ich möchte das Low-End nicht loswerden, ich möchte das Low-End nicht verlieren. Ich möchte nur ein bisschen mehr kontrollieren. Ich denke, das hilft ein bisschen. Das ist also eine Technik, die wir beim Mid-Side-EQ verwenden können , um das Low-End ein wenig zu kontrollieren. 52. Shimmer mit Mid/Side EQ hinzufügen: Okay, es gibt, es gibt noch viel mehr, was wir mit dem Mid-Side-EQ und der Mischphase machen können , oder? Es ist eine wirklich gute Technik beim Mixen, um verschiedene Bereiche in Ihrem Mix herauszuarbeiten verschiedene Bereiche in Ihrem Mix , sodass Sie und Ihr Gesang besser sitzen können, oder manchmal auch Ihr Schlagzeug besser sitzen kann. Jede Art von Sinn kann irgendwie besser sitzen. Erkunden Sie, wie Sie dies für Ihre Mixe beim Mastering verwenden können. Die einzige andere Sache, die ich regelmäßig verwenden würde ist, sie zu verwenden, um dem Ganzen wieder ein wenig Glanz zu verleihen. Das hilft auch wirklich bei Ihrem Stereobild. Also werde ich an meine Seite gehen und sie alleine spielen. Und ich werde meine oberen Frequenzen nur ein bisschen erhöhen. Aber wie richtig hohes Zeug. Lass uns das versuchen. Lassen Sie uns sie umgehen. Das ist interessant. Wenn ich von der Seite AB mache, was wir machen, kannst du hören, wie das Grollen zurückkommt. All das rumpelt, was wir abgeschnitten haben. Und das tun wir auch, wir erhöhen das obere Ende hier ein bisschen. Das ist also dieser EQ. Da drüben ein bisschen mehr rausholen. Ordnung, lass uns das jetzt zusammen machen In Ordnung, lass uns das jetzt zusammen machen. Mein Fehler. Das gibt uns also ein bisschen mehr Farbe auf diesen Seiten. Es gibt noch andere Dinge, die wir tun können, um uns am oberen Ende mehr Leben einzuhauchen. Bei harmonischen Excitern werden wir uns die gleich ansehen. Aber das macht etwas Ähnliches, wenn auch etwas billiger. Sie können damit also gute Ergebnisse erzielen. Das ist wirklich subtil was ich hier mache, denn bei all der wirklich verzerrten Gitarre passiert schon viel, es ist also ziemlich subtil, aber es ist, es kann nett sein. 53. Mittel/Seitenkompression: Okay, der nächste und relevantere Aspekt unserer Diskussion über das Stereobild ist die Midside Compression. Wir haben uns den Midside EQ angesehen. Komprimierung scheint ein Konzept zu sein, außer dass wir die beiden Seiten unterschiedlich komprimieren werden. Okay, also bei Ozon gehe ich zu meinem Kompressor. Sie haben hier Dynamics genannt. Und ich schalte es in den Midside-Modus um. Hier habe ich meine Anzeige in der Mitte. Standardmäßig führen wir hier bereits eine kleine Komprimierung durch. Ich weiß noch, wie ich den Teer hier herausgedrückt habe. Wir sollten das vielleicht zurückstellen, um uns etwas Platz dafür zu geben , wenn wir wollen. Okay, hier ist dieses Bild, an das wir uns erinnern, gesehen zu haben. Wir haben hier unsere Schwelle und wir schauen auf unsere Mitte, oder? Also haben wir hier unsere Schwelle. Und dann können wir hier unser Verhältnis und unsere Angriffs- und Release-Zeiten anpassen . Okay, also funktioniert alles gleich. Es ist nur eine etwas andere Oberfläche. Hier ist unsere Seite, oder? Also können wir hier die Komprimierung einstellen. Nun zwei Dinge. Wenn du das machen willst. Zuallererst müssen Sie das nicht tun. Viele Leute verwenden beim Mastering überhaupt keine Mid-Side-Compression und das ist in Ordnung. Experimentiere damit, schau, ob es etwas ist, das dir gefällt. Es kann manchmal die Multibandkomprimierung ersetzen. Das Argument, das ich gehört habe, ist, dass Multiband-Komprimierung den Mix ein wenig beeinträchtigt. Wenn also jemand einen wirklich guten Mix hat, kannst du ihn ein wenig zerstören , indem du Multiband-Komprimierung verwendest. Während bei der Midside Compression die Mischung, die gemacht wurde, immer noch größtenteils erhalten bleibt. Aber Sie haben die Möglichkeit, bestimmte Elemente zu verfeinern und auf ähnliche Weise zu steuern , wie uns die Multiband-Dynamik die Kontrolle gibt. Sie könnten dies also als Ersatz für Multiband-Dynamik betrachten , wenn Sie möchten. Ich verwende gerne Multiband-Dynamik, weil es in gewisser Weise einfacher ist und mir etwas mehr Kontrolle gibt. Und es ist ein bisschen mehr für, es ist ein bisschen einfacher, mich einfach von meinem Gehirn aus mit Multiband-Dynamik vertraut zu machen als mit Midside Compression. Ich weiß nicht warum. Aber experimentiere mit beiden und finde heraus, was dir gefällt. Sie müssen sich nicht für das eine oder das andere entscheiden. Sie können beide verwenden. Aber normalerweise benutzen die Leute das eine oder andere, so wie ich es verstehe. Eine andere Sache ist , dass wir hier mit unserem Glue Compressor viel Komprimierung hinzugefügt haben . Und wenn wir das wirklich gut nutzen wollen, müssen wir den Glue Compressor etwas zurückdrehen oder was auch immer, Kompressor auch immer unsere Hauptkomprimierung durchführt. Damit wollen wir etwas Platz dafür schaffen. In der Tat, lass es uns tun. Ich schalte meinen Multiband-Kompressor aus. Tatsächlich werde ich noch etwas anderes tun. Ich werde diesen Track duplizieren. Lass uns das machen. Das solltest du in deinem Mix nicht tun. Ich mache das nur zu Demonstrationszwecken. Ich werde den ganzen Track duplizieren . Das werde ich stummschalten. Hallo, dieser. Geh zurück zu diesem und lösche Ozone. Okay? Dieser hat also kein Ozon. Dieser tut es. Mit diesem schalte ich jetzt die Multiband-Dynamik aus. Und ich werde unseren Kompressor zurückschalten. Wir haben hier viel Platz für die Komprimierung. Lassen Sie uns als Nächstes eine Komprimierung durchführen , die sich auf die Erhöhung unserer Stereobreite konzentriert. 54. Mid/Side für Stereo: Okay, die Theorie hier ist also , wenn Sie Ihr Stereobild erweitern möchten, sollten Sie die Mitte stärker komprimieren als die Seiten. Okay? Wenn Sie das Stereobild verkleinern möchten, komprimieren Sie die Seiten stärker als die Mitte. Das ist die Formel. Also wollen wir das größer machen. Lass es uns versuchen. Okay, eines der Dinge, die das Isotop dieses Ozons hier macht, ist, dass es gleichzeitig eine Multiband-Dynamik durchführt. Also ich habe hier die vier Bänder eines EQ. Sie haben die Komprimierung für sie anders eingestellt. Ich habe darauf geklickt, dass es einen Link gibt, die Dinge waren alle gleich. Okay. Jetzt werde ich mich schminken. Ich habe hier auch einen Limiter. Mein Leimkompressor ist übrigens immer noch an, aber es ist davor. Also sollte ich wahrscheinlich mein Ozon vor meinen Leimkompressor stellen . Okay, nun, ich habe das eingestylt. Ziemlich gut. Und jetzt ist es meine Seitenkompression. Cool. Ich weiß also nicht, ob man das durch die Magie des Videos spüren kann . Aber für mich fühlt es sich um einiges größer an. Um das zu tun. Wir haben das Stereofeld erhöht. Ich mag den Klang jedoch nicht im Vergleich zu dem, was wir zuvor hatten. Wie ich bereits sagte, hier wurde bereits einige Zwischenarbeit geleistet. Das braucht es also nicht wirklich. Das ist also irgendwie übertrieben, denke ich. Aber hören wir uns die beiden Seite an Seite an. Also dieser hat Ozon eine Ozonmittelkomprimierung und dieser hat eine Multibanddynamik. Also ja, ich mag den Gitarrenton, den wir in diesem haben, besser. Und unsere Basis lässt sich mit dieser etwas besser kontrollieren. Nun, vielleicht hat das damit zu tun, dass ich mit viel mehr Erfahrung habe und mich damit wohler mit Multiband-Komprimierung viel mehr Erfahrung habe und mich damit wohler fühle als mit Midside Compression. Und deshalb bin ich einfach nicht so gut darin. Ich denke, wenn ich das noch einmal wähle, kriegen wir es. Es braucht definitiv etwas weil es so aussieht, als ob wir hier den Höhepunkt erreicht haben, aber Dinge, die es zu beachten gilt. Okay, lassen Sie uns über das Hinzufügen zusätzlicher Süßstoffe sprechen. 55. Steuerung des unteren Endes: Okay. Also lass mich dir sagen, was ich getan habe. Zwischen den letzten beiden Videos. Ich habe unseren doppelten Track , weil der etwas außer Kontrolle geriet. Wir sind einfach zu unserem zurückgekehrt. Ich habe wieder Ozon reingestellt und die Öffnung hier wieder eingerichtet. Also habe ich einfach einen Midside-EQ, der diesen Trick macht, den wir uns angesehen haben , um das bisschen Geld zu kontrollieren , das noch in der Basis steckt. Ich habe ein bisschen mehr an der Medina ist hier gearbeitet. Und ich denke, ich würde es vorziehen, das noch mehr zu bereinigen, ist einfach zur Mischung zurückzukehren. Also schicke ich das vielleicht zurück an den Künstler oder denjenigen, der das Mixing gemacht hat, und frage sie, ob sie das noch ein bisschen aufräumen können. Ich habe die Grenzen dessen erreicht, was ich beim Mastering tun kann , um das zu bereinigen. Es ist einfach irgendwie da. Das hilft ein bisschen. Aber schauen wir uns an , wo wir uns gerade befinden. Also hier ist eine kurze Erinnerung daran, wo wir uns befinden. Ja, ich wünschte wirklich, ich könnte hier mehr Klarheit über das Low-End bekommen , aber ich denke, es ist einfach Teil der Mischung. Das ist also ungefähr das Beste, was ich mit Mastering erreichen kann. Mixing-Probleme kann man mit Mastering nicht lösen. Du wirst sie wirklich nur akzentuieren. Also habe ich ein bisschen getan was ich tun konnte, um das zu bereinigen, aber ich kann nicht viel anderes tun. Also lasst uns aufsteigen. Als Nächstes werden wir darüber sprechen, also noch einmal, worüber ich am Ende des vorherigen, vorherigen Abschnitts gesprochen habe , nach dem dynamischen Abschnitt war, dass wir nicht fertig werden konnten. Zu diesem Zeitpunkt könnten wir fertig sein. Aber wir haben weitergemacht und über Stereo-Bildgebung gesprochen und versucht, diesen Stereoraum auszufüllen, oder? Das ist eine Sache, die du tun kannst. musst du nicht tun, aber es kann dem Meister helfen. Das nächste Ding ist dasselbe. Das ist ein Schritt, den du tun kannst, wenn du glaubst, dass er dem Meister helfen wird. musst du dort nicht tun. Es gibt bestimmte Situationen, in denen das hilft, und es gibt bestimmte Situationen, in denen das weh tun wird. Also, was wir hier tun werden, ist einen harmonischen Exciter zu verwenden und ganzen Track einfach etwas Glanz zu verleihen. Wir werden es knallen lassen. Lassen Sie uns also darüber sprechen was harmonische Erreger sind und wie sie funktionieren. 56. Harmonische Erreger: Okay, ein harmonischer Erreger ist gewissermaßen eine Form der Synthese. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, dies zu tun und Plugins machen das anders. Aber im Grunde ist es so , wenn Sie etwas über Synthese wissen, ob Sie einen meiner Synthesekurse haben oder ob Sie an einem Synthesizer gearbeitet oder ob Sie etwas darüber wissen, wie die Obertonreihe funktioniert. Im Grunde genommen spiele ich meine Klarinette, wenn wir eine Note spielen. Wenn du eine Note auf einem Synthesizer oder einem Instrument oder irgendwas mit irgendeinem Sound spielst , besteht es aus einer Reihe anderer Sounds, die darüber liegen, oder? Das sind die Obertonserien. Das Geräusch, das wir hören, besteht also aus vielen Geräuschen. Okay? Also, was ein harmonischer Exciter tun wird, ist , dass er einige dieser oberen Töne hervorbringt. Normalerweise oben. Normalerweise machen wir das nicht für die tieferen Töne. So wie es das macht, kann es das mit einer Art EQ machen, indem es auf die Grundnote achtet, die Sie spielen möchten. Und wenn Sie dann einen EQ verwenden , um die bereits vorhandenen oberen Frequenzen vorzuziehen , kann das so funktionieren. Viele dieser harmonischen Erreger funktionieren nicht auf diese Weise , weil das tendenziell eine Menge Geld mit sich bringt. Diese Plug-ins, die guten, die High-End-Plug-ins, neigen dazu , diese höheren Obertöne zu regenerieren. Sie werden also nach der Grundfrequenz suchen und sich im Grunde wie ein Synthesizer einwählen, um diese zu haben. Und dann die Obertöne, und dann bringen sie die raus. Also fügt es normalerweise etwas Neues hinzu. Aber es fügt nicht wirklich neue Notizen hinzu. Es sind Informationen , die bereits da sind. Es ist einfach ein bisschen durcheinander da drin und das wird es voranbringen. Und es wird ihm einen zusätzlichen Glanz verleihen. Nochmals, wir machen das normalerweise auf den höheren Sachen, höheren Frequenzen. Es kann Dinge wie verzerrte Gitarren machen, denen wir in diesem Track eine Menge haben. Wir können eine verzerrte Gitarre aussuchen und die Verzerrung ein bisschen mehr formen. Wir können ihm etwas mehr Farbe geben, wenn es ein flaches Geräusch ist. Wirklich, allem, was irgendwie flach klingt, können wir ein bisschen mehr Leben einhauchen. Es ist wirklich einfach, es zu übertreiben und zu viel zu geben , nur weil es im Moment cool klingt. Du musst also etwas Zurückhaltung zeigen , während du das tust. Okay. Wenn ich also in Ableton Live bin, könnte ich mir meine eingebauten Sachen ansehen. Ich könnte einiges davon machen, wenn einige der eingebauten Dinge gesättigt sind oder sogar diese verschiedenen Verzerrungen würden einiges davon irgendwie machen, weil oft, diese Art von dritter Art, wie das manchmal funktionieren kann. Also habe ich erwähnt, dass es bei einem EQ nicht sehr verbreitet ist, aber es kann so funktionieren. Die zweite besteht darin, diese oberen Frequenzen zu regenerieren. Und der dritte Weg ist, es irgendwie mit sehr vorsichtigem Clipping zu machen und da etwas Verzerrung zu erzeugen. Verzerrung ist also ein Weg, dies zu tun. Sie können also ein bisschen davon mit Verzerrung machen. Selbst ein sorgfältig verwendeter Phaserflanger kann Ihnen einen kleinen Teil dieses Sounds geben , aber er ist nicht perfekt. Okay, also was ich dafür tun werde , ist, zu Ozon zurückzukehren, es am einfachsten ist , einen besser klingenden Exciter zu verwenden , den ich mag. Also, wenn ich meinen Ozonfleck hier wieder öffne, gehe ich das hier durch und füge meiner Ozonkette einen Erreger hinzu. Okay, lass uns zu einem neuen Video gehen und es einwählen. 57. Auswählen in Harmonic Exciters: Okay, lassen Sie uns das regeln. Zuallererst, eine Sache, die ich im vorherigen Video zu diesem Konzept nicht gesagt habe , ist, dass harmonische Erreger hinzufügen wie das ist etwas, was wir oft im Mix machen. Und es ist irgendwie ein besserer Ort, um das in der Mischung zu tun. Wenn wir es im Master machen, ist es auf jeden Fall erlaubt und du kannst es tun. Aber wir werden beim Mischen und Mixen etwas sanfter vorgehen als wir es tun würden. Du kannst solche Dinge wirklich verwenden , um deine Verzerrungen wirklich zu formen, sogar deine Snare-Sounds und solche Sachen. Da wir hier nur den Gesamttrack haben, haben wir viel weniger Kontrolle darüber, wo er angewendet wird. Also werden wir ein bisschen sanfter damit umgehen. Davon abgesehen, lassen Sie uns das einwählen. Okay, also hier ist mein Interface für unseren Exciter. Es gibt zwei wichtige Dinge, die wir hier haben. Erstens haben wir diese Voreinstellungen hier. Du kannst dir vorstellen, was sie sind. Also warm, Retro-Klebeband, Röhre, Triode und Doppeltriode. Lassen Sie uns ein bisschen davon sprechen. Und dann werden wir diese Prozesse durchlaufen. Sie können sich diese wie verschiedene Algorithmen vorstellen, z. B. aktivierte Warp-Modi und wenn Sie wissen, was das ist. Wir können also die gewünschte Menge hinzufügen und es dann mit diesen verschiedenen Voreinstellungen ausprobieren . Lassen Sie uns viel hinzufügen, nur damit wir den Unterschied hören können. Okay? Was wir hier gemacht haben, ist, dass wir vier Bands haben. Es wird irgendwie zu einer ähnlichen Oberfläche, oder? Sie können diese Bands hier sehen. Da ist die zweite, sie ist die Mittelklasse. dritte Art der oberen Mitten und die vierte ist das höchste Zeug. Dieser Knopf ist also unsere Mischung. wie viel wir davon hören. Ich werde das bei 100 belassen. Belassen Sie die gesamte Mischung bei 100. Du kannst damit herumspielen, aber ich lasse sie gerne alle offen und schiebe dann einfach aufgeregt ein bisschen von dieser Harmonik hinein. Okay? Das ist also der Betrag. Nun, wie ich schon sagte, das im unteren Preissegment zu tun, wird nicht sehr nützlich sein. Und besonders in unserem Fall, in dem wir bereits ein Low-End-Problem haben, wird uns dies nur zu einem größeren Problem führen. Ich lasse das in Ruhe, überlasse das in Ruhe, aber ich werde bis hierher gehen und sehen, ob wir es hören können. Also werde ich es ein bisschen einschieben und genau hinhören. Es wirkt sich wirklich auf die Gitarre aus. Dem Gitarrenton gefiel fast irgendwie, was er getan hat der Gitarrenton, aber er ist wirklich irgendwie, okay, lassen wir es für eine Minute dabei belassen. Lass uns ein bisschen mehr hinzufügen. Lassen Sie uns etwas zum High-End hinzufügen. Okay, es gibt eine Menge, aber da oben ist es etwas subtiler. Lassen Sie uns nun mit diesen verschiedenen Sounds experimentieren. Also hier ist die warme Umgebung. Okay, diese Wärme hat mir das Gefühl gegeben , wie ein neuer Kompressor aussieht, nicht wie ein Kompressor. Ein neuer Vorverstärker, als würden wir hier die Mitten durch einen Vorverstärker laufen lassen. Retro ist, als würde ich es durch einen alten Vorverstärker laufen das Gefühl, dass ich Kassettensounds habe, als es durch eine alte Bandmaschine laufen lassen, Röhre laufen lassen, durch eine alte Röhre AMP-Tryout laufen und Dual-Tryout. Ich bin mir nicht sicher, was das sind. Röhrenerregerkreis modelliert. Dies ist also einem Triodenkreis nachempfunden. Sie sind sich nicht wirklich sicher, was das ist. All das war zu viel für das, was wir hier gemacht haben. Gehen wir ins Warme. Ich lasse das so wie es ist und lass es uns ABB. Schau, ob du dein Ohr auf das wirklich hohe Zeug fokussieren kannst. Es ist wirklich präsent, aber nur in diesem wirklich engen Band von hohem Zeug. Hör nochmal zu. Okay, also ich werde es hier belegen. Okay, ich denke, das ist ein guter Sound. Wir haben dieser Verzerrung nur ein wenig Form hinzugefügt. Sie jetzt auch daran , dass wir dies in einem Mid-Side-Muster tun können. Also könnten wir es nur an den Seiten machen. Probiere das aus und informiere dich dann darüber, wo ich es hatte. Das könnte uns hier tatsächlich einen guten Sound bescheren. Und wir lassen die Mitten ganz draußen. Also fügen wir diese spannende Harmonik nur an den Seiten hinzu. Okay? Das gefällt mir irgendwie. Es gibt mit unserer Verzerrung etwas mehr Breite, sodass es sich ein bisschen größer anfühlt. Okay, lass uns, lass uns eine kleine Pause einlegen und unserem ganzen Meister zuhören und die ganze Sache irgendwie aus dem Bauch überprüfen. 58. Gut Check: Okay, also was ich jetzt machen möchte ist, dass ich die gesamte Effektkette ABB kann , okay? Das wird also einfach oder schwierig sein , je nachdem, welche Puppe Sie verwenden. Aber in Ableton und es ist wirklich einfach. Also gehe ich hier hin und wähle Alle aus und halte die Umschalttaste gedrückt und klicke darauf. Damit wir auf all diesen Dingen diese Art von blauem Band haben. Ich drücke Control G. Was werden Sie in den Irak schicken? Jetzt sind sie alles, was Sie sehen können es gibt keinen Raum zwischen ihnen. Wir haben diese kleine Bar hier drüben. Es wird genauso klingen. Aber jetzt kann ich das Ganze ein- und ausschalten. Okay, ich habe nichts geändert außer dass ich einige globale Kontrollen für die ganze Sache hinzugefügt habe. Also hier ist die ganze Sache aus. Okay, offensichtlich funktioniert unsere Lautstärke , als wären wir viel lauter. Und eine Sache, die ich auch höre , ist die niedrige Medina, die da drin ist , wenn wir weg sind, wenn das hier aus ist und all das Zeug. Dieser niedrige Kumpel Think Fighter, aber er ist da. Also machen wir es nicht noch schlimmer. Ich denke, wir machen es besser, aber wenn ich das Grollen daraus höre. Okay. An diesem Punkt könnten Sie also sagen, okay, es ist Zeit für mich, wieder anzurufen. Gehen Sie zurück zur EQ-Einstellung und sehen Sie nach, ob Sie etwas Neues finden, das behoben werden muss. Beliebige Frequenzen. Ich bin immer noch versucht, im unteren Preissegment mehr aufzuräumen, aber ich glaube nicht, dass ich in der Lage sein werde , viel mehr dafür zu tun oder etwas zu finden. Ich schätze, das lasse ich in Ruhe. Aber also wringen Sie es wieder aus, stellen Sie die Kompressoren wieder ein, gehen Sie einfach alles noch einmal durch und schauen Sie einfach weiter, ob Sie es besser machen können. Also würde ich gerne noch einmal alles durchgehen. Und das werde ich jetzt machen, ich werde das hinter der Kamera machen und einfach noch einen Durchgang C machen und ich werde dich wissen lassen, ob ich etwas geändert habe. Also los geht's. 59. Letzte Tweeks: Okay. Ich habe eine Sache gemacht. Ich habe das hier gemacht. Dieses Low-End nervte mich und ich wusste, dass ich es besser machen könnte. Und ich habe es meinem Dynamikkompressor zurückgegeben. Ich habe die Komprimierung am unteren Ende erhöht und dann meinen EQ ein wenig angepasst. Das hat wirklich viel vom Low-End weggenommen, aber es ist nicht schlammig. Das hat es also ein bisschen bereinigt, aber es hat auch unsere Low-End-Satzung reduziert. Also so klingt es jetzt. Ups. Entschuldigung, AB. Also ich habe, es fehlt ein bisschen am unteren Ende, aber es ist zumindest nicht wirklich schlammig und es ist so viel Rumpeln drin. Also nochmal, ich muss das wirklich an den Mix-Engineer zurückschicken und sagen, den Tieftonbereich aufräumen. Wenn wir wirklich wollen, dass wir perfekt sind, weil ich wirklich nicht viel mehr tun kann. Also werden wir es so gut nennen. Aber das war's. Ich habe alles andere beim Alten gelassen. Ich habe hier unsere Make-up-Kompression ein wenig angepasst. Danach. Ich kann es anpassen, diese Komprimierung. Und Plato ist nur ein bisschen mein EQ. Okay, also ich denke wir werden mit diesem Mistkerl Schluss machen. Als Nächstes müssen wir jedoch über unsere Rendereinstellungen sprechen und sicherstellen, dass wir es genau perfekt rendern, denn das ist es. Dies ist unsere letzte Station vor Streaming-Diensten. Was auch immer wir hier rauswerfen, wir werden es direkt an Spotify schicken. Wir müssen also sicherstellen, dass unsere Rendereinstellungen perfekt sind. Lassen Sie uns dem also Zeit widmen. 60. Einstellungen wiedergeben: Ordnung, Willkommen zu einem schönen Winterschneesturm hier in Minneapolis, Minnesota, direkt hier an meinem Fenster. Es schneit wie verrückt. Aber das ist dir egal. Das ist die Freude am Online-Unterricht. Ich muss nirgendwohin gehen, um heute zu unterrichten. Lassen Sie uns also über unsere Rendereinstellungen sprechen. Wie ich im letzten Video sagte, ist dies unsere letzte Station. Wir müssen sicherstellen, dass wir sie richtig machen , denn wenn wir sie an die Streaming-Dienste senden , gibt es kein Zurück mehr. Okay, in Ableton gehe ich zu Datei > Audio exportieren. In deiner Ernährung könnte es Export heißen, es könnte Render heißen, es könnte Bounce heißen. All diese machen dasselbe, verschiedene Programme nennen es verschiedene Sachen. Ich denke, vielleicht nennt die Logik es jetzt teilen , weil das eine Apple-Sache ist. Aber was auch immer, du wirst zu einem Bildschirm wie diesem kommen , der einige Optionen bietet. Wenn Sie hier nicht viele Optionen sehen, sehen Sie nach, ob es irgendwo eine Schaltfläche Mehr gibt oder Sie können weitere Renderoptionen aufrufen. Wir wollen sichergehen, dass wir damit Recht haben. Okay, ich werde diese und viele Details durchgehen , denn auch das ist wichtig. Also für mich muss ich sicherstellen, dass das erste Rendern das Richtige ist. Das ist dieser erste Block von Sachen. Welchen Track möchte ich rendern? Der Meister? Ja, das funktioniert. Also alles, was durch die Masters geht, was hier gerendert wird. Ich könnte, weil ich wirklich nur an diesem Track arbeite, auch diesen Track auswählen. Aber ich gehe gerne mit etwas, Meister. Das ist in Ordnung für den Master. Rendern beginnt und endet. Das ist sehr wichtig. Wir beginnen bei 111, das ist also ganz hinten am Anfang und es endet bei 64 zu eins. Lassen Sie uns das noch einmal überprüfen. Also 111 ist da. Und ich habe dieses kleine Fade hinzugefügt. Das ist also richtig. 64 zu eins ist hier draußen weit draußen. Oh, das ist wahrscheinlich das Ende der weißen Ponybahn. Ja. Das ist der ganze Weg hier draußen. Das ist ein bisschen weiter als das. brauchen wir nicht. Also möchte ich sicherstellen, dass ich das Richtige rendere. Also wähle ich diesen Track aus und stelle sicher, dass mein Fade-Out immer noch da ist. Ich verstehe das Ganze. Ich habe keine Änderungen am Track vorgenommen. Wir möchten sicherstellen, dass wir die Region auswählen , die wir exportieren möchten, in diesem Fall den gesamten Track. Also werde ich es einfach so auswählen. Jetzt gehe ich zurück zu meinen Exporteinstellungen und es hätte 4712 aktualisieren sollen. Ich kann die geöffneten Fenster nicht scrollen, aber das sollte stimmen. 4712, warum will es es genau dorthin exportieren? Das sollte es sein. Lass uns das noch einmal versuchen. 4712. Okay, also ist hier standardmäßig 4712 als Länge voreingestellt. Ich bin mir nicht sicher, warum es standardmäßig hier beendet wird, aber ich möchte definitiv nicht, dass es das tut. Ich möchte, dass es bis zum Ende dieser Datei reicht, nämlich 48,2, zwischen 0,2 und 0,3. Also lasst uns, wir können uns irren und bis 48,3 gehen. Also werden wir sicherstellen, dass wir drei bekommen und dann beenden wir das bei eins. Das bringt es hierher. Das ist okay. Das ist wahnsinnig wenig Zeit, die wir hinzufügen werden. Das ist in Ordnung. Okay, also ich habe meine Längenanzeige hier richtig gemacht. Wir werden natürlich überprüfen , ob wir es uns nach dem Rendern anhören und sicherstellen, dass es stimmt. Jetzt werden wir weitermachen und die Optionen hier rendern . Wir müssen sicherstellen , dass das, wonach ich hier suche, wirklich schnell. Ich will, dass die alle weg sind. Schließe Return- und Master-Effekte ein. Nein, die wollen wir nicht. Das wird jeder dieser Return-Tracks sein. Wir sollten keines dieser Renderings als Loop verwenden. Das würde bedeuten, dass es wahrscheinlich versuchen wird Nulldurchgänge am Ende zu platzieren, was in Ordnung ist, weil wir das mit unseren Fades irgendwie manuell gemacht haben . Aber lass uns das einfach nicht tun. Es muss kein Loop sein. Mono konvertieren. Nein, das wollen wir nicht tun. Normalisieren. Du weißt vielleicht, Normalisierung ist wenn du einige meiner anderen Kurse besucht hast, aber das ist eine Sache mit der Lautstärke, das ist eine dynamische Sache. Und wir wollen es nicht hier machen. Wahrscheinlich. Es ist etwas, das Sie vielleicht in Betracht ziehen sollten, wenn Sie ein ganz bestimmtes Problem haben . Aber was die Normalisierung bewirkt, ist eine Art Kompression, bei der welche Komprimierung deine Lautstärke nimmt und die leisen und die lauten Sachen nimmt. Und wenn du es richtig verarbeitest, gleichen sie sie irgendwie aus, oder? Wir normalisieren uns, indem wir die leisen Sachen aufnehmen , die lauten Sachen. Nicht ausgleichen, aber steigere es einfach so, dass das laute Zeug so laut ist, wie du es loslassen wirst. Also könnten wir sagen, sind erlaubt, sein Peak liegt bei minus Eins und wir können ihn bis auf Null erhöhen. Wenn es also den lautesten Punkt auf Null erhöhen kann, verliert es alles andere um den gleichen Betrag. Es geht also im Grunde nur darum, die Lautstärke zu erhöhen, um das Maximum zu erreichen. In unserem Fall haben wir viel getan, um die Lautstärke genau dahin zu bringen, wo wir sie haben wollen. Wir wollen also nicht, dass sich das normalisiert. Erstellen Sie eine Analysedatei, die Ableton-Sache ist, wir brauchen sie nicht. Und die Sampling-Rate, wir haben uns bereits die Sampling-Rate angesehen, aber wir wollen sicherstellen, dass unsere Sampling-Rate der unseres ursprünglichen Tracks entspricht oder das Doppelte, oder? In diesem Fall war unser erster Track also 48 K. Also ist meine Sampling-Rate 48 K. Wir wollen ihn mit dieser Sampling-Rate rendern. Das Gleiche wie unser Track, den wir gerade mastern, oder doppelt. Okay, das sind also deine schnellen Mastering - oder Rendering-Optionen. Lassen Sie uns als Nächstes über das Geschäft mit Dateitypen sprechen. 61. Dateityp: Okay, was ich hier habe, sieht etwas verwirrend aus, aber wenn Sie dieses PCM sehen, sprechen wir hier Audiodatei in voller Qualität, das ist, was PCM im Allgemeinen bedeutet. Es bedeutet Pulscode-Modulation. So wandeln wir analog in digital um. Aber du kannst das quasi als Audiodatei in voller Qualität übersetzen . Was wir hier tatsächlich sehen, ist, dass dort steht, was wollen Sie für Ihre PCM-Datei? Und ich kann es ausschalten, oder? Ich kann sagen Nein, ich möchte keine PCM-Datei, also wie eine Wave-Datei, eine Audiodatei in voller Qualität. Sagen wir stattdessen, ich möchte nur eine MP3-Datei. Das ist keine WAV-Datei in voller Qualität. Das ist eine sehr komprimierte Datei. Oder ich kann sagen, dass ich eine Videodatei möchte, was ich in diesem Fall nicht tun kann. Ich kann Video einschalten, weil ich in meiner Sitzung kein Video habe. Ich kann Videos in meine Sitzung importieren. Und dann würde es das Video und Audio in einer Videodatei importieren oder exportieren . Aber das lässt mich das hier nicht machen , weil es in meiner Sitzung kein Video gibt. Also kann ich eine MP3 oder ein PCM machen. Okay, wir werden in einer Minute über MP3 sprechen. Aber lassen Sie uns vorerst über PCM sprechen. Pcm ist der Codierungsalgorithmus, die Pulscodemodulation. musst du dich nicht erinnern. Aber wir müssen immer noch den Dateityp wählen. Wir haben, ich habe drei Optionen, die Sie in Ihrer DAW vielleicht haben, aber Sie haben definitiv diese beiden Optionen. Sie haben WAV oder AIFF, möglicherweise haben Sie Flak. Okay, lass uns über sie sprechen. Eine WAV-Datei oder WAV-Datei ist eine Audiodatei in voller Qualität. Keine Komprimierung. Dies ist die Audiodatei in voller Qualität. Das ist was du willst. Das ist der Goldstandard. Das ist deine Master-Datei. Okay, winke, dafür ist es gut. Cool. Es wird keinen Verlust geben. Aif, das Gleiche. Audiodatei in voller Qualität, kein Verlust. kannst du auf jeden Fall machen. Was ist der Unterschied zwischen WAV und AIFF? Nicht mehr viel. Für eine Weile. Vor langer Zeit. Wave war der Standard auf dem PC und AIFF war der Standard auf dem Mac. Das ist irgendwie weg. Jetzt. Sie können beide mit beidem umgehen. Aber selbst auf Macs, glaube ich, ist Wave immer üblicher geworden, wir verzichten im Allgemeinen mehr darauf, mehr zu verzichten als AIFF. Ich denke, dieser Dateistandard beginnt zu verschwinden. Manchmal siehst du es auch nur als AIF. Das Gleiche gilt für beide , das ist in Ordnung. Ich würde mich aber für Wave entscheiden. Wir haben hier auch eine FLAC-Datei. Ich hasse FLAC-Dateien. Ich weiß, dass es einige Leute gibt, die von FLAC-Dateien leben und sterben und FLAC-Dateien lieben. Ich mag sie nicht. Ich glaube, sie sind etwas komprimiert. Sie haben eine gewisse Komprimierung, was bedeutet, dass Sie ein klitzekleines bisschen an Klangtreue verlieren. Es ist angeblich ein verlustfreier Komprimierungsstil, aber sie führen eine Komprimierung durch. Es ist nur eine bestimmte Art , die angeblich verlustfrei ist. Sie sind einfach, es ist einfach kein universeller Standard. Nicht alles kann FLAC-Dateien abspielen. Es ist schwer, mit ihnen zu arbeiten. Ich weiß es nicht. Ich arbeite nicht gern mit FLAC-Dateien , weil ich sie nicht verstehe. Wenn du sie verstehst und sie toll findest, mach auf jeden Fall FLAC-Dateien. Ich nehme Wave. Okay, ein bisschen Tiefe. Wenn Sie eine Standardisierung anstreben, sollten Sie dies bei 16 belassen. Oder du könntest höher gehen, wenn du willst. Aber der Standard ist hier 16, also kannst du es bei 16 belassen. Darüber würde ich mir keine Sorgen machen. Und haben ihre Optionen gemacht. Das ist wirklich kompliziert. Gehen wir also zu einem neuen Video und sprechen über Dessertoptionen, weil es hier wichtig ist. 62. Dither: Okay, also Zittern ist vielleicht ein Begriff, den du schon einmal gesehen hast. Es ist so, dass es oft herumschwirrt und es wird oft missverstanden und ich werde nicht lügen und sagen, dass ich jedes Detail über Dithering weiß , weil es ein sehr kompliziertes Thema ist, aber ich weiß ein bisschen darüber. Und ich weiß, was wir hier tun müssen. Im Grunde schützen wir mit Dithering vor jeder Art von Aliasing, das wir uns als Artefakte der Digitalisierung vorstellen können . In diesem Fall ist dies eine grobe Vereinfachung, aber nehmen wir an, dieser Track wurde mit Samples erstellt. Und einige von ihnen waren bei 41 k und irgendwo bei 48 K und irgendwo bei anderen Abtastraten sind Bitraten. Um es zu rendern, muss der Computer also eine ganze Reihe von Konvertierungen durchführen , oder? Es macht sowieso eine ganze Reihe von Konvertierungen, weil es all diese Effekte hinzufügt und all diese Konvertierungen durchführt. Bei all dem können also all diese Konvertierungsartefakte passieren. Artefakte sind seltsam, im Grunde kleine digitale Pannen. Und Dithering kann dazu beitragen, sich vor diesen zu schützen. In einigen Fällen funktioniert Dithering so, dass es ein sehr niedriger Geräuschpegel ist , der auf 0-1 dB gesetzt wird, es ist wie nichts. Und was das bewirkt, ist wenn die Lautstärke von etwas auf Null sinkt , dann kommt es in der Regel zu Störungen, wenn wir Null erreichen. Also dieses leise Geräusch, Sie werden nie so viel Lärm hören. Aber dieses leise Geräusch verhindert im Grunde , dass die Lautstärke Null erreicht, oder? Es kann da nicht runter gehen , weil das Geräusch nur die Band aufnimmt. Der Dither schützt den Computer also davor, diese Renderfehler zu machen , die kleine Störungen verursachen. Okay? Wenn also Dither-Optionen stehen, können wir sagen, kein Abendessen, wir können rechteckig oder dreieckig sagen. Dies sind die verschiedenen verfügbaren Algorithmen. Ich weiß nicht genau, wie all diese Algorithmen funktionieren. tue ich wirklich nicht, aber hier ist, ich sage es dir, Pao minus R1. Dort ist das Geld . Das verwende ich für Mastering und ich habe gute Ergebnisse erzielt. Ebenfalls. Das haben Mastering-Leute benutzt , die mir beigebracht haben, wie man das macht. Und so bleibe ich dabei. Diese Einstellung für Leistung minus R1 gefällt mir Sie wurde mir beigebracht und sie funktioniert hervorragend. Okay, das ist es also, was Dithering ist. Benutze diese Einstellung, wenn du mastest. Und in 99% der Fälle werden Sie nicht einmal bemerken, dass es da ist, aber in diesen 1% der Fälle werden Sie froh sein, dass Sie es getan haben. Machen Sie es sich also zur Gewohnheit , das zu tun , wenn Sie einen Master exportieren. 63. Zu Mp3 oder nicht zu Mp3?: Okay, lass uns darüber reden, wollen wir eine MP3-Datei machen? Wenn ich das einschalte, erhalte ich außerdem sowohl eine WAV-Datei als auch eine MP3-Datei. Warum solltest du eine MP3-Datei wollen? Nun, vielleicht willst du einen zum Teilen. Vielleicht möchtest du das per E-Mail an ein paar Freunde schicken. Vielleicht möchten Sie es auf Ihrer eigenen Website zum Verkauf anbieten und möchten einfach eine MP3-Datei erstellen. Das ist in Ordnung. Das kannst du auf jeden Fall machen. Stellen Sie einfach sicher, dass das, was Sie an Spotify oder was auch immer senden , die WAV-Datei ist oder eine, die ich gerade nachgeschlagen habe. Spotify mag FLAC-Dateien. Sie sagen, sie nehmen eine Wave- oder eine FLAC-Datei. Vielleicht möchten Sie FLAC-Datei für die Einreichung an Spotify erstellen, aber Wave ist auch in Ordnung. Sie werden ihre eigenen Dateien erstellen , die auf Ihren eigenen basieren. Sie müssen ihnen also nur die höchstmögliche Qualität bieten. So können Sie eine MP3-Datei für Ihre eigenen Zwecke erstellen. Wenn du willst. Normalerweise tue ich das nicht. Eigentlich. Ich hätte lieber die offizielle WAV-Datei aus meiner Referenz. Aber wenn du, wenn du etwas tust, du eine MP3-Datei brauchst, kannst du hier eine machen. Als Schritt. Das ist einfach toll. Sie können es hier exportieren. Und dann nochmal, wie gesagt, die Videooptionen, wenn hier Video drin wäre, könntest du Videos exportieren, aber das gibt es nicht. Also können wir nicht. Sobald das alles erledigt ist, sind wir mit unseren Einstellungen zufrieden. Wir klicken auf Exportieren. Nun, hier einen Namen zu finden, ist eigentlich eine komplizierte Sache. Gehen wir also zu einem neuen Video und sprechen wir über Namenskonventionen. 64. Dateinamen: Okay, die Sache mit der Benennung dieser Dateien ist, dass Sie sie nur als Master und Version im Auge behalten möchten . ob mir das geschickt wurde da der Name dieser Datei ein schwarzes Hemd und eine weiße Converse Dot Wave war . Also ich möchte es nicht so nennen. Ich möchte sicherstellen, dass dies die gemasterte Version ist. Also könnte ich es in einen Ordner legen, separate und gemasterte Versionen enthält, und es dort ablegen. Normalerweise würde ich also einen Ordner für das Album erstellen und diesen dann in einen Ordner namens Mastered legen. Aber ich lege auch gerne eine M1 dahinter und du kannst das machen, wie du willst. Das ist nur meine Convention. Also werde ich dieses schwarze Shirt, weißes Converse M1 nennen. Ich setze keine Leerzeichen in den Dateinamen. Ich denke, du kannst das gut. Das ist wie eine alte Angewohnheit, die ich mir als schlechter Programmierer angeeignet habe. Tagesdateinamen mit Leerzeichen machen immer Probleme. Deshalb verwende ich für jedes Wort einen Großbuchstaben und lasse keine Leerzeichen. Sie können wahrscheinlich Leerzeichen lassen und das ist in Ordnung. Das ist genau das, was ich immer mache. Dann beende ich es mit dem Unterstrich M1 master, one, first master. Damit ich es mir anhören kann, wenn ich es exportiere . Ich kann es auswerten, was wir als Nächstes tun werden. Und wenn es angepasst werden muss , komme ich zurück. Ich werde eine andere Version machen. Ich nenne es m2. Dann weiß ich, dass mein Finale immer m ist. Dann die höchste Zahl. Das ist der beste. Ich kann es dir zeigen, z. B. hier ist mein letztes Album, die gemasterten Versionen davon. Sie können sehen, dass dies alle m1, m1, m1, m1 sind , außer drei. Diesmal verfolgen Geber den falschen Tag. Und dann der erste, ein Remix von Wrong Day ist, all our M2, was bedeutet, dass sie zweimal gemastert wurden. Jetzt habe ich diesen Master nicht gemacht. Das war etwas, das ich an jemand anderen geschickt habe , um es zu meistern. Also dieser Unterstrich m1m2 ist nicht nur mein Ding, ich habe ihn gesehen. Viele Leute benutzen es. Und du fragst dich vielleicht, warum hast du deine eigenen Sachen nicht gemeistert? Ich werde in ein paar Minuten mehr darüber sprechen. Bleib dran. Aber hier haben wir den Namen des Albums. Und dann Masters in diesem Ordner, wir haben die M1-Versionen. Überlegen Sie sich also eine Convention, die Ihnen gefallen würde. Unterstreichen. Das M1-System funktioniert sehr gut. 65. Überprüfe deine Arbeit: Okay, also was ich jetzt tun werde ist unsere gemasterte Version runterzuholen. Sagt unser schwarzes Shirt, weiße Converse M1 Track zurück in unsere Session. Und schauen wir uns das zuerst an. Ich sehe, ja, wir haben es eindeutig gemeistert, oder? Als ob das viel lauter ist als das. Vergleichen wir es auch mit unserem Referenztrack, diese tauben Töne, die wir sehen, wir befinden uns ungefähr auf dem gleichen Niveau, wenn wir es uns nur ansehen. Lass uns zuhören. Okay. Und taube Töne. Okay, wie bei ähnlicher Lautstärke können diese beiden Dinge auf Spotify oder im Radio oder so gut zusammenspielen . Wir können uns vorstellen, dass unser Level so aussieht, als ob wir nach oben pushen. Perfekt. Nun, wenn es nicht perfekt wäre, können wir, das ist, wir sind nicht, wir sind noch nicht an einem Punkt , an dem es kein Zurück mehr gibt, oder? Wir könnten dieses Backup leicht öffnen und wieder hierher zurückkehren und vielleicht unsere Komprimierung ein wenig reduzieren. Vielleicht sind mir diese Gitarren nicht einfach ein bisschen zu verzerrt, was sie meiner Meinung nach sind. Vielleicht können wir dabei ein bisschen helfen, indem etwas von unserem Make-up-Make-up abnehmen, nur um es anzufassen. Vielleicht ist es eine Überlegung wert, den Soft-Clip in unserem Limiter abzunehmen und durch einen anderen Limiter zu ersetzen . Und dann rendern Sie es wieder heraus und ziehen Sie es wieder rein. Du kannst das also absolut immer noch tun und zuhören. Geh zurück und mache einen zweiten Master. Ein dritter Meister. Stellen Sie einfach sicher, dass alles genau dort eingestellt ist, wo Sie es haben möchten. Dies ist unser letzter Schritt, um einfach unsere Arbeit zu überprüfen. 66. Speichere deine Session!: Okay, nur ein paar letzte Dinge zur Haushaltsführung. Stellen Sie sicher, dass Sie diese Sitzung speichern. Speichere es einfach genau so. Nicht nur die Datei, sondern die gesamte Sitzung. Ich würde es speichern und planen, es mindestens ein paar Jahre lang zu behalten. Wenn du das für einen anderen Künstler mastern willst, dann solltest du es irgendwie behalten, nur um sicherzugehen , dass er nicht in etwa einem Jahr wiederkommt und anfragen oder wir mastern. Denn wenn sie es tun, können Sie es aktualisieren und haben zumindest einen Vorsprung und müssen es nicht von Grund auf neu machen. Wenn du deine eigene Arbeit meisterst. Wenn das einer deiner eigenen Tracks ist und du ihn mastest, dann behalte ihn im selben Session-Ordner wie deinen Ordner für diesen Track, sodass du die Mastering-Session hast und es immer gut ist , sie zu haben und du kannst jederzeit zurückgehen und sie später optimieren. Ich habe also einen Ordner auf einer Festplatte eingerichtet , um Projekte zu mastern. Dinge, die ich beherrsche , die nicht meins sind. Wenn ich sie nach einem meiner eigenen Dinge frage, lege ich es in den Session-Ordner für diesen Track. Stellen Sie also sicher, dass Sie die gesamte Sitzung speichern, nicht nur den Track, damit Sie Zugriff darauf haben. Wenn Sie zurückkehren und später Änderungen oder Änderungen vornehmen möchten. 67. Speichern Sie Ihre Effektkette: Okay, eine weitere Sache, die Ihnen in Zukunft viel Zeit sparen wird, ist das Speichern Ihrer Effektkette. Sie haben jetzt eine Effektkette erstellt, die all unsere Effekte mit diesen Einstellungen enthält. Sie haben eine für Sie einzigartige Effektkette erstellt. Es sind die Dinge, die du gerne tust. Vielleicht hast du mehr Sachen reingetan, vielleicht hast du welche herausgenommen. Also, wenn wir das speichern, können Sie das nächste Mal Sie etwas beherrschen, das herausziehen und dort platzieren und mit dem Einwählen beginnen und sich eine Menge Einrichtungszeit sparen, oder? Das ist nicht wie ein automatisierter Master. Es ist nicht so, dass du diese Effektkette einfach auf eine andere Strecke werfen kannst und sie wird sie für dich meistern. Du musst es einwählen und du musst wissen, was du tust. Aber es kann Ihnen viel Zeit sparen. Die verschiedenen Türen haben also unterschiedliche Möglichkeiten, Ketten zu speichern. Also wenn du in etwas anderem als Ableton bist, würde ich einfach danach suchen, wie man eine Effektkette speichert. In Ableton. Was wir tun, ist, das schon in ein Gestell zu stellen. Das war das, was wir mit Command G gemacht haben , um es zu bekommen, damit ich die gesamte Kette ein- und ausschalten konnte . Aber der zusätzliche Vorteil dabei ist , dass ich hier runtergehen und darauf drücken kann. Und jetzt kann ich die gesamte Effektkette speichern, oder? Ich könnte das also J is Mastering Chain nennen. Also, wann immer ich etwas beherrschen muss, kann ich meinen Track importieren, vielleicht einen Referenztrack und diesen direkt auf diesen Track legen. Und dann habe ich meine gesamte Mastering-Kette. Cool, oder? Spart dir eine Menge Zeit. Ich muss immer noch alles einwählen, aber das bringt mich auf halbem Weg. 68. In-Session Mastering: Okay, ich möchte in diesem Abschnitt auf eine weitere wichtige Sache eingehen, und zwar auf etwas, das als Insertion Mastering bezeichnet wird. Schauen wir uns also das Gesamtbild an. Was wir als Musikschaffende, Produzenten, Komponisten tun , wo auch immer Sie es nennen wollen , wir machen es. Der typische Arbeitsablauf ist, dass wir einen Track erstellen, den Track aufnehmen den Track in einer DAW produzieren. Das exportieren wir als Stereo-Datei. Wir schicken es entweder an einen Mastering Engineer oder wir haben selbst danach gefragt. Und wir bringen diesen Track wieder rein. Wir machen ein paar Mastering-Sachen damit und dann exportieren wir es wieder. Es ist ein etwas umständlicher Prozess und es entwickelt sich ein Trend. Ich würde nicht sagen, dass es noch ein Trend ist, aber es ist etwas Neues, das ich gerade bei ein paar Leuten gesehen habe. Das ist wirklich interessant und ich wollte dich darauf hinweisen. Und es ist, den Mastering-Prozess als separaten Schritt zu überspringen . Sie beherrschen immer noch. Aber was sie machen, ist Session Mastering. Das heißt, sie arbeiten an einem Track, ihre Aufnahmen ziehen an, sie produzieren einen Track. Und es gibt eine Mastering-Kette. Sie stellen es auf ihren Master-Kanal. Alles läuft über diesen Master-Kanal. Dort befinden sich ihre Master-Effekte. Also mastern sie es, während sie es mischen, oder? In derselben Sitzung. Sie machen keine separate Sitzung, um es zu meistern, aber sie mastern in der Sitzung. Das ist seltsam. Ich kenne einen Typen , der das macht, und ich habe neulich mit ihm gesprochen. Und das macht wirklich Sinn. In seinem Fall. Er arbeitet viel für das Fernsehen. Er arbeitet viel, um für verschiedene Künstler zu produzieren. Und er ist in Situationen, in denen er schnell arbeiten muss. Also produziert er einen Track. Er arbeitet mit einem Sänger zusammen, er macht einen Track. Er muss ziemlich schnell eine gemasterte Version herausbringen . Also macht er alles in der Session, jetzt in seiner Track-Session, keine separate Mastering-Session ist eine coole Technik und ich denke, sie hat einige Vorzüge. Wenn du es machen willst, kannst du es auf jeden Fall tun, aber du musst wirklich vorsichtig damit sein. Achte nur darauf, dass du alles durchgehst und deine Lautstärke nicht außer Kontrolle geraten lässt , du willst trotzdem produzieren. Und dann als Next-Phase-Mix, dann als Next Phase-Master. Aber wir werden alles in derselben Sitzung machen, anstatt zu exportieren und dann in eine neue Sitzung zurückzukehren, um es zu meistern. Dies wird als Insertion Mastering bezeichnet. Das ist eine wirklich interessante Idee. Das habe ich noch auf keinem meiner Tracks gemacht , aber ich könnte es versuchen. Ich werde vielleicht sehen, ob ich auf diese Weise gute Ergebnisse erzielen kann. Denken Sie mal darüber nach, ich denke, Sie werden in den nächsten Jahren wahrscheinlich Leute darüber sprechen sehen , wenn Sie Mastering verfolgen, online chatten. Aber etwas zum Ausprobieren, wenn Sie interessiert sind, all die gleichen Techniken. Ich muss nur ein bisschen vorsichtiger sein. 69. Solltest du deine eigene Musik meistern?: Okay, zwei weitere Dinge , die ich behandeln möchte. Solltest du deine eigene Musik beherrschen? Ich glaube, darauf habe ich vorhin hingewiesen. Und ich denke, wir haben vor einiger Zeit darüber gesprochen und ich sagte, wir widmen dem gegen Ende, das ist jetzt, etwas mehr Zeit . Hier ist der Deal. Eines der Dinge, die du brauchst, wenn du einen Track mastern willst , sind frische Ohren. Hört euch den Track an. Völlig neu, total roh. Höre es für das, was auf dem Track steht, nicht für das, was deiner Meinung nach im Track steht, oder? Das ist ein sehr wichtiger Teil des Masterings. Aus diesem Grund mag ich es nicht, meine eigenen Tracks zu mastern. Das tue ich wirklich nicht. Ich habe einen Mastering-Ingenieur, an den ich all meine Sachen schicke. Die meisten meiner Sachen sind auch draußen. Wenn ich einfach etwas schnell mache und versuche, einfach etwas für eine Zusammenarbeit oder so rauszuholen, dann meistere versuche, einfach etwas für eine Zusammenarbeit oder so rauszuholen , ich es vielleicht und das habe ich geschafft. Aber ich mag es irgendwie wenn jemand mit frischen Ohren es sich anhört und einfach sagt: Hey Mann, als ob du bei diesem Track wirklich zu wenig Grundkenntnisse hast. Als ob die Basis einfach nicht so durchdringt, wie du denkst. Dann tragen sie etwas Material auf einige Prozesse auf, um die Grundfläche zu erhöhen und das Pumpen etwas härter zu machen , weil ich dachte, es würde stärker pumpen. War es aber nicht. Das ist mir schon oft passiert. Als ob du denkst, dass etwas in dem Track ist und du hörst es, du hörst etwas in diesem Track, das nicht wirklich da ist. Vielleicht war es da und du hast es herausgenommen und dein Gehirn verarbeitet es einfach immer noch. Das ist nur eine Illusion , die unser Gehirn macht. Wir hören ständig Dinge, die nicht da sind. Und ich schwöre, dass ich nicht so verrückt bin. mich ist es also ein großer Vorteil, wenn jemand anderes unsere Musik beherrscht, nur um sicherzustellen, dass alles so ist, wie es sein muss. Davon abgesehen, wenn ich schnell vorankomme , werde ich meine eigenen Sachen beherrschen. Aber auch so gerne ich es mag, wenn jemand anderes seine frischen Ohren für meine Musik einsetzt. Wenn sie den Master machen. Ich mag es, diese Person für andere Leute zu sein. Wenn also einer meiner Freunde Attract beendet, schickt er es mir vielleicht zum Mastering, damit ich für sie das frische Ohr sein kann. Sie können es also sicherlich tun. Du kannst deine eigene Musik den ganzen Tag lang beherrschen, aber ich möchte nur, dass du bedenkst, dass es von Vorteil ist , wenn jemand anderes das macht. Also etwas zum Nachdenken. 70. Gigs als Mastering Engineer bekommen: Okay, nehmen wir an, du mastest gerne Tracks für andere Leute und nehmen wir an, du wirst ziemlich gut darin. Wie kannst du Gigs bekommen? Vielleicht bist du daran interessiert ein kleines Unternehmen zu gründen, um Mastering Engineer zu werden. Es ist sicherlich möglich. Das Wichtigste, um dies zu tun, wenn Sie möchten, sind wahrscheinlich zwei Dinge. Das erste ist ein Portfolio, was bedeutet, dass Sie bereits eine ganze Reihe von Tracks gemastert haben müssen . Und ich würde sicherstellen, dass Sie ein etwas vielfältiges Portfolio haben . Sie möchten also viele verschiedene Arten von Tracks in diesem Portfolio hören . Das heißt also, dass ich für ein Jahr oder so alles beherrschen würde, was Sie in die Hand nehmen können. Frag jeden, den du kennst, das macht Tracks, ob du für sie kostenlos mastern kannst. Ich weiß, Dinge kostenlos zu machen ist ein Schimpfwort, aber du machst hier ein Portfolio, also hol dir ein großes Portfolio von Sachen. Nur um zu zeigen, dass du gut darin bist. Das ist was du brauchst. Das zweite, was Sie benötigen, sind einige Verbindungen. Die Leute müssen wissen, wer du bist. Und das wird zum Teil darauf zurückzuführen sein, dass schon viel kostenlos gemastert hast und dich an jeden gewandt hast, den du kennst. Das wird auch dadurch entstehen, dass sich einen Ruf als jemand aufbaut, der wirklich gut darin ist. Und das können Sie tun, indem Sie sich an einige Studios in Ihrer Nachbarschaft wenden. Indem ich Leute kennenlerne, die mixen, aber eine Menge Künstler kennenlerne und mit ihnen zusammenarbeite. Alle Verbindungen, die Sie knüpfen, werden gut sein. Wenn Sie also viele Leute haben, erstellen Sie sich eine kleine Website. Es muss nichts Ausgefallenes sein. Es kann wie eine Squarespace-Website sein. Es muss nur in der Lage sein, ein paar Audiodateien zu hosten , die deine Mastering-Arbeit zeigen. Und wenn Sie Anrufe für Auftritte erhalten , legen Sie einen Preis fest. Es ist normalerweise ein Preis pro Titel. Manche Leute machen das aber pro Album. Ich habe gesehen, wie das gemacht wurde, und ich habe gesehen, wie einige Leute es pro Stunde ihrer Zeit gemacht haben , um etwas zu meistern. Aber was ich für die Preisgestaltung tun würde ist zu schauen, was die Leute in Ihrer Nähe verlangen. Es ist im ganzen Land sehr unterschiedlich. Schauen Sie sich also an, was die Leute verlangen. Seien Sie realistisch in Bezug auf Ihre Erfahrung. Fangen Sie niedrig an, weil Sie neu sind, und bauen Sie dann von dort aus auf. Ich sage, wenn du wirklich willst wenn du willst ich dir nur eine Zahl sage, was die Leute verlangen, nehme ich das mit Vorsicht, aber jemand, der ziemlich gut im Mastering ist, aber nicht wie ein Rockstar darin. Jemand vor Ort hier in Minneapolis. Das ist gut im Mastering, aber nicht sehr erfahren darin. Ich würde erwarten, etwa 100$ pro Track zu zahlen. Also 100 Dollar im Überblick. Klar, das ist ein guter Preis. Ich habe ihrer professionellen Person , die ich benutze, etwa 250$ pro Track bezahlt . Ich habe es höher gesehen, ich habe viel höher gesehen. Es kann also ein lukrativer Gig sein. Aber Portfolio und Verbindungen, das ist es, was Sie brauchen. 71. Vielen Dank fürs Anschauen!: Okay, das ist das allerletzte Video, in dem ich es dir erzähle. Danke, dass du dir dieses Video angesehen hast. Es macht immer Spaß, diese zu machen. Ich liebe es wirklich. Die Leute haben lange, lange nach einem Meisterkurs gefragt . Und ich bin endlich dazu gekommen, es zu tun. Es hat wirklich Spaß gemacht. Danke fürs Zuschauen. Ich hoffe du bist es. Ich hoffe, du hast viel daraus gemacht und ich hoffe, du kannst einige Tracks meistern, vielleicht findest du im Mastering eine neue Karriere für dich. Also ja, danke, dass du Teil dieser Erfahrung warst. Danke, dass du an meinem Online-Kurs teilgenommen hast. Danach habe ich noch ein bisschen mehr Text für dich, also schau dir das bitte und wir sehen uns in der nächsten Klasse. Tschüss.