Die Geschichte des Grafikdesigns – Einflussreiche Stil- und Kunstbewegungen

1. Kursvorschau: [MUSIK] Um die Zukunft des Grafikdesigns zu verstehen, musst du die Vergangenheit verstehen und wissen, wie weit wir in den letzten 120 Jahren gekommen sind. Dieser Kurzkurs gibt einen die Geschichte des Grafikdesigns, während wir sieben verschiedene Stil- und Kunstbewegungen besprechen , die unsere Branche für immer verändert haben. Dies sind unterhaltsame und unterhaltsame Lektionen, die mit vielen visuellen Beispielen aus jeder Stilbewegung gefüllt sind . In diesem Kurs werden wir die folgenden Kunstbewegungen überprüfen. Jugendstil, Bauhaus, Art Deco, Schweizer Stil, Pop Art, Postmoderne und das digitale Zeitalter. Am Ende wirst du beauftragt, ein Posterprojekt zu erstellen , das einen dieser sieben Stile emuliert. Sie werden auch hilfreiche zusätzliche Recherchen zur Verfügung stellen, damit Sie moderne Interpretationen dieser Stile in Aktion sehen können . Dieser Kurs richtet sich an alle, die sich für Designgeschichte interessieren oder für diejenigen, die ihr Wissen im Bereich Design mit Leidenschaft erweitern möchten. Ich werde dein Lehrer für diesen Kurs sein. Mein Name ist Lindsay Marsh und ich bin seit über 20 Jahren Grafikdesignerin und habe in den letzten fünf Jahren über 300.000 Designstudenten unterrichtet . Jeder, der an meinen Kursen teilgenommen hat, hat meine Hingabe und Liebe zur Grafikdesignbranche gesehen , und ich freue mich, Ihnen heute diesen Geschichtskurs präsentieren zu können. Wir sehen uns in der ersten Lektion. [MUSIK] 2. Geschichte der Style Eine Einführung: [MUSIK] Wir haben das große Glück , in dieser Position zu sein und auf eine so große, wundervolle und reiche Designgeschichte zurückgreifen zu können . Um die Zukunft des Designs zu verstehen, müssen wir die Vergangenheit verstehen. In diesem Kurs werden lang anhaltende Stilbewegungen des 20. und 21. Jahrhunderts besprochen, die die Grafikdesignbranche heute geprägt haben. Stil- und Kunstbewegungen kommen selten vor, manchmal nur einmal in einer Generation, und sie hängen stark von Ereignissen in der globalen Politik, Kultur und Geschichte ab. Sie sind tiefgreifende Veränderungen in der Art und Weise, wie Künstler und Designer die Welt um sie herum betrachten und mit ihr interagieren. Einige Bewegungen wie der Art Deco, der in den 1920er und 1930er Jahren beliebt war , sind auch heute noch im Design relevant. Sie können sehen, wie all diese Stilepochen die Vielfalt der heutigen Designästhetik beeinflusst haben . Sie werden feststellen, dass jede neue Kunst- oder Stilbewegung auf der nächsten aufbaut. Wenn ein bestimmter Designstil in einer Kultur anfängt , abgestanden oder übersättigt zu werden, kommt es tendenziell zu einem entgegengesetzten Stil. Denken Sie an das Styling von Autos in den letzten 50 Jahren. In den 1950er und 60er Jahren werden Sie feststellen, dass Autos sehr große Flossen und sehr glatte, abgerundete Karosserieformen hatten . Nach einigen Jahrzehnten der Sättigung und Überbeanspruchung war etwas Neues und Anderes gewünscht. Zu diesem Zeitpunkt kam das eher kastenförmige Design der 1980er Jahre auf den Markt. Dann, langsam nach den 1990er Jahren und bis Mitte der 2010er Jahre, stellten wir fest, dass die Autos wieder runder und kurviger wurden. Das gleiche Phänomen tritt auch bei Mode auf. In den 1980er Jahren waren es einmal Mom Jeans . Dann wechseln helle zerrissene Jeans in den 1990er Jahren, um dann in den 2000ern wieder zu den dunkleren Hosen mit geraden Beinen zurückzukehren, die in den 1950er Jahren beliebt waren . Bis jetzt, nun, wir sind wieder bei Mom Jeans. Die helleren gebleichten Farben der 1990er Jahre sind in. Das Pendel schwingt weiter hin und her, nicht nur beim Styling von Autos sondern auch beim Styling von fast allem. Wenn etwas Gewöhnliches wird, suchen wir nach Anweisungen , was wir tun können es jetzt zu etwas Außergewöhnlichem zu machen. In der Geschichte des Grafikdesigns sehen wir in den letzten hundert Jahren alle ein oder zwei Jahrzehnte dasselbe Pendel schwingen . Wenn ich diese sieben verschiedenen Bewegungen im größeren Stil durchgehe, wirst du feststellen , dass eine Bewegung der nächsten entgegenwirkt und sie langsam aufeinander aufbauen, wie ein mehrstöckiges Gebäude, das alle Stile zulässt der Vergangenheit , um die neuesten Bewegungen zu beeinflussen. Ich möchte Ende des 19. Jahrhunderts mit unserer ersten Stilbewegung beginnen und am Ende werden wir über die neuere Geschichte des Grafikdesigns und über Ereignisse sprechen über die neuere Geschichte des Grafikdesigns und , die unsere Branche heute und darüber hinaus geprägt haben. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. [MUSIK] 3. Jugendstil und die Bauhaus-Bewegung: [MUSIK] Unser erster Stil , über den wir sprechen werden, ist der Jugendstil. Dies dauerte ungefähr in den 1880er bis 1910er Jahren. Ich glaube, dass vor allem ein Gemälde schmücken muss. Das ist der Künstler Maurice Denis, ein französischer Maler und Künstler. Wenn ich diesen Stil in einem Satz beschreiben könnte, wäre er kurvig, verspielt und wortwörtlich voller Leben. Wenn Frankreich ein Erbe des Designstils hätte, würde es höchstwahrscheinlich im Jugendstil verwurzelt sein. Dieser architektonische Stil würde viele der herrlichen Hotels und Gebäude von Paris sowie das Ornamentdesign beeinflussen herrlichen Hotels und Gebäude von Paris sowie . Wie die meisten Designbewegungen auch diese über Design, Architektur und dekorative Kunst hinaus und dominierte während der Belle Epoque. Diese Zeit im späten 19. Jahrhundert und vor dem Ersten Weltkrieg war voller temperamentvoller Optimismus und künstlerischer Erkundung und Ausdruckskraft. Der Jugendstil zeichnet sich durch eine Fülle detaillierter Blumen - und Pflanzenarten aus, normalerweise in sich nicht wiederholenden Mustern dargestellt werden. Sie werden viele Kurven bemerken , die Fotos und Brennpunkte umrahmen, wie in diesem Beispiel. Auf den beiden Fotos unten sehen Sie verschiedene Gestaltungselemente im Jugendstil. Sie werden diese reichlich finden, da Hintergrunddekor an den Ecken eines Designs drapiert ist. Sie sehen auch viele sehr anschauliche Hauptfiguren in denen tendenziell mehr Frauen als Männer zu sehen sind. Jugendstil wurde von alten japanischen Holzschnitten inspiriert . Viele Künstler von Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts widmeten sich der japanischen Kunst und dem japanischen Stil des frühen 19. Jahrhunderts, darunter kein anderer als Claude Monet. Der Topographiestil bestand oft aus unvollkommenen handgezeichneten Buchstaben mit einem ausgeprägten individuellen Aussehen. Die meisten Poster verwenden Typografie , bei der in ihren Überschriften ausschließlich Großbuchstaben verwendet wurden. Selten gibt es in einem Jugendstil-Stück weiße Flächen und fast jeder Quadratzoll hat Details und ornamentale Schnörkel und ein Gefühl von Reichtum. Die Hauptfiguren des Designs würden sich höchstwahrscheinlich in einer sehr dramatischen Pose befinden, um so viel Bewegung wie möglich zu zeigen. Das Poster auf der linken Seite zeigt eine Überschrift in verschiedenen Schriftgrößen, die eng zusammengepackt sind. Dies ist ein sehr verbreitetes Merkmal des Jugendstils. Farbpaletten, die in diesem Stil verwendet wurden , bevorzugten eher gesättigte, erdige Töne mit einer schönen Mischung aus warmen und kühlen Farben, wobei eine warme Farbe der beliebteste der beiden war. Sie können auch viele Bräune-, Gold-, Braun- und natürliche Grüntöne sehen . Eines der interessanten Merkmale des Stils sind die asymmetrischen Aspekte der meisten Layouts. In der Regel werden Sie eine Seite stärker gewichtet sehen als die andere, wobei die Typografie die Bildsprache und die Zeichen ausbalanciert. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs hatte dieser Designstil seinen Lauf genommen und machte Platz für einen ähnlichen detaillierten und ornamentalen Designstil namens Art Deco, der bis in die 1920er Jahre andauern sollte. Sie werden später sehen, wie sehr der Stil die kurvigen und maximalistischen Züge des Art Deco beeinflusst. Jetzt gehen wir zur zweiten Kunstbewegung über. Wir brauchten etwas, um all dem maximalistischen Design des Jugendstils entgegenzuwirken , um all dem maximalistischen Design , und das sollte Bauhaus sein. Das Bauhaus existierte ungefähr von 1919-1933. Es vereinte die Künste, um ein ästhetisch ansprechendes und praktisches Design zu schaffen . Das Bauhaus war eine deutsche Schule , die 1919-1933 eröffnet wurde. Das Wort Bauhaus bedeutet auf Deutsch Haus, Schule und schließlich eine einflussreiche Bewegung in Kunst und Design, die darauf abzielte, Alltagsgegenstände effektiv zu gestalten und ein Gefühl der Einfachheit zu bewahren. und Schönheit. Es wurde in einer Zeit der Moderne in Deutschland geboren , in der Künstler neue Ausdrucksformen und Formen von Kunst und Stil schaffen und die traditionelle Ära des Designs hinter sich lassen wollten neue Ausdrucksformen und Formen von Kunst und Stil schaffen und . Es konzentrierte sich auf die Herstellung gut gestalteter Produkte, die problemlos für einen größeren Teil der Gesellschaft in Massenproduktion hergestellt werden können. Anstatt nur der wohlhabenden Elite. Das Bauhaus hat einen industriellen Einfluss, da es Technologie und neue Materialien in seine Produktdesigns einführt . Die Denkschule des Bauhauses beeinflusste schließlich die Zukunft des Architekturdesigns, Produktdesigns und sogar der Typografie. geometrische Typografie wurde von den präzisen, aber abgerundeten Eigenschaften des Bauhaus-Stils beeinflusst den präzisen, aber abgerundeten Eigenschaften . Es verfolgt einen ganzheitlichen Ansatz für Design und Kunst ohne ausgeprägte Grenzen zwischen verschiedenen Design- und Kunstbereichen. Bauhaus-Stil besteht ein starker Wunsch, sich auf den wissenschaftlicheren Ansatz zur Lösung von Designproblemen zu konzentrieren . Dies ebnete den Weg für Raster, den Goldenen Schnitt und andere mathematischere Interpretationen, und andere mathematischere die im Design verwendet wurden. Der Bauhaus-Stil besteht aus geometrischen Grundformen, die als Hauptinspirationsquelle dienen. Abgerundete Kanten in Kombination mit schärferen, rechteckigen Kanten werden deutlich verwendet . Es wurde versucht, sich von den künstlerischen Ausdrucksformen der Vergangenheit zu lösen und konzentrierte sich mehr auf die Einfachheit klarer Linien und weniger auf Emotionen. Sie wollte einer ungeordneten Welt Ordnung geben. Dieser Stil überschneidet sich häufig geometrischen Formen und stellt sicher die grundlegenden Theorien von Farbe, Layout und Hierarchie befolgt werden, um ein grundlegendes Gleichgewicht und einen Fluss zu erreichen. Das Bauhaus-Design versucht, die Dinge so einfach wie möglich zu machen , ohne etwas Unnötiges zu verwenden . Form follows function ist der Hauptslogan dieses Stils. Die Form eines Objekts sollte sich auf seine beabsichtigte Funktion oder seinen beabsichtigten Zweck beziehen . Im Gegensatz zu Kunstströmungen des 19. Jahrhunderts, wie dem Jugendstil, unnötige oder kunstvolle oder zusätzliche wurden unnötige oder kunstvolle oder zusätzliche Dekorationen im Design entfernt. Dies liegt daran, dass jedes Element dem Hauptzweck des Designs dienen sollte . Der hier von Marcel Breuer vorgestellte Stuhl wirkt einfach, aber jede Designentscheidung trägt dem Hauptzweck Rechnung, nämlich dem bequemen Sitzen. Außerdem werden weniger Materialien verwendet. wäre es einfach herzustellen und Aufgrund der Vereinfachung wäre es einfach herzustellen und herzustellen. Der Einfluss des Bauhaus-Stils auf das aktuelle Logodesign ist leicht zu erkennen . Die meisten dieser Beispiele verwendeten weiterhin geometrische Grundformen, um ihre Logo-Marken zu konstruieren. Das Beats-Logo von Dr. Dre ist eine großartige Darstellung der abgerundeten Buchstabenform des Bauhauses und des umgebenden Kreises. Bauhaus kann scharfe Winkel haben, aber durch die weicheren, abgerundeten Kanten ergänzt werden. Alle diese Marken haben ihre einfachste Form ohne unnötige Gestaltungselemente. Der Logo-Stil eignet sich aufgrund der Einfachheit und des Back to Basics-Looks gut für die moderne digitale Welt . Diesen Stil gibt es seit fast 100 Jahren und er ist kein Stil, absehbarer Zeit verschwinden wird und klares, klassisches Design verkörpert. [MUSIK] 4. Art Deco und die Schweizer Designbewegung: Der nächste Stil, den wir entdecken werden , ist Art Deco , der ungefähr zwischen 1925-1940 andauerte. Dies würde als dramatisch, opulent und luxuriös beschrieben werden. Die Art-Deco-Bewegung wurde vom Kubismus inspiriert, einem Malstil, der von Pablo Picasso entwickelt wurde. Kubismus wurde auch stark von grundlegenden geometrischen 3D-Formen wie Kegel, Zylinder und Kugel beeinflusst. Art Deco ist weniger ein bestimmter Kunststil, sondern eher eine Sammlung von Stilen dieser Zeit. Es entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts, etwa in der Zeit des Ersten Weltkriegs. Es entstand aus dem Wunsch heraus , Begeisterung für die sich schnell entwickelnden Technologien und Branchen seiner Zeit und den darauf folgenden Erfolg zu zeigen die sich schnell entwickelnden Technologien und . Es zeichnet sich durch extravagante Opulenz mit vielen Details, scharfen Winkeln und modernen Materialien wie glattem, abgerundetem Kunststoff und Glas aus. Der Stil der Art-Deco-Bewegung inspirierte Gebäude wie das Empire State Building und das Chrysler Building. Sie können auch die Details und Ornamente in diesem klassischen Design für ein Kartenspiel sehen , ganz im Art-Deco-Stil. Dieser Stil beeinflusste stark die Entwicklung unterschiedlicher Typografiemerkmale wie lange, gestreckte, dramatische Buchstabenformen mit beiden spitzen Enden, aber geometrisch inspirierten Kurven. Der heutige Einfluss des Art Deco kann im Logo-Design auf viele verschiedene Arten gesehen werden . Sie könnten ihn durch die Verwendung von Typografie als ultradehnbaren Buchstabenformen, die in der modernen Welt häufig verwendet werden, erkennen. Tag. Sie können es auch in detaillierten Liniengrafiken sehen, die in Logos für Coaching, persönliche Entwicklung und Gastfreundschaft beliebt sind. Da Art Deco nicht nur ein einziger definierter Stil ist, sondern eine Sammlung von Stilen dieser Zeit, können Sie in allen auf Typografie basierenden Logos unterschiedliche Darstellungen von Art Deco erkennen . In diesem Beispiel haben Sie einen klassischen Stretchbuchstaben, bei dem der Mittelarm des E tiefer in der Buchstabenform platziert ist, sowie in unterstrichenen Zeichen wie dem O und diesem Metro-Beispiel. Sie sehen auch mehr stilisierte Ligaturen, Sie werden in dieser modernen Schriftinterpretation die beiden Ls bemerken , wobei das zweite in das erste verschachtelt ist, was im gesamten Art Deco sehr häufig vorkommt. Das Layoutdesign im Art-Deco-Stil zeichnet sich durch detaillierte Boxen, Liniengrafiken und Doppelstriche aus. Das perfekte Beispiel fand ich beim Essen einem Restaurant im Stil der 1920er Jahre in Asheville, North Carolina. Das Menü-Layout bestand aus wunderschön detaillierten Liniengrafiken sowie Feldern mit doppelten Strichen oder Linien, die sich überkreuzen, um ein elegantes Merkmal zu schaffen. Sie können diesen Doppelstrich- oder Gliederungsmerkmal auch im Namen des Restaurants sehen , das vertikal auf der linken Seite nach unten verläuft . Wie Sie vielleicht bemerkt haben, wird Gold in dieser Bewegung häufig verwendet , um den Erfolg, den Wohlstand und die Opulenz dieser Zeit zu demonstrieren. Monogramme und Radiografiken. Ein weiteres fantastisches Bußgeld war dieser Pfadfinderführer, der in der Lobby meines Hotels gefunden wurde. Dieses dreifache Monogramm zeichnet sich durch einen radialen Linieneffekt aus, der die Sonnenstrahlen nachahmt. Sie werden sehen, wie Sonnenstrahlen widerhallen und viele Art-Deco-Designs sowie andere Merkmale der Natur wie Pflanzenblätter, Muscheln und andere natürliche Objekte, ein Überbleibsel des Jugendstils. Die nächste Kunst- und Stilbewegung, über die wir sprechen werden, ist wahrscheinlich die einflussreichste im modernen Grafikdesign. Diese Methode wird uns allen beigebracht wenn wir zur Designschule gehen oder wenn wir anfangen, Design zu lernen. Daher ist es sehr wichtig, auf diese Methode zu achten , da sie die Grundlagen wirklich festlegt . für viele Dinge, die wir heute tun. Der nächste ist Swiss International Design, auch bekannt als International Typographic Style. Manche Leute kürzen es, um nur Schweizer Design zu sagen. herrschen Raster, Leerzeichen und San-Serif-Schriften. Diese Form folgt dem Funktionsethos der Bauhaus-Bewegung. Dies zeigt sich deutlich im Schweizer Designstil, der in den 1950er Jahren von Designern in der Schweiz populär gemacht wurde. Es hat das moderne Design stark beeinflusst und kann mit seinen supereinfachen geometrischen Formen als kontinuierliche Weiterentwicklung der Bauhaus-Bewegung angesehen werden als kontinuierliche Weiterentwicklung der mit seinen supereinfachen geometrischen Formen als kontinuierliche Weiterentwicklung der Bauhaus-Bewegung . Raster sind die Hauptstütze des Schweizer Stils und haben dazu beigetragen, die Ordnung logisch aufrechtzuerhalten, aber auch Informationen auf leicht verdauliche Weise darzustellen . Dieser Stil hebt sich von anderen Stilen dadurch Allgemeinen viel Leerraum zwischen den Elementen verwendet Dadurch wird die Lesbarkeit des Designs gewährleistet und ein einfaches, direktes Ziel verfolgt. Typografie spielt eine größere Rolle und wird sogar zum Design selbst. Es enthält hauptsächlich San-Serif-Schriften, ohne jegliche Details oder Serifen. Typografie ist normalerweise linksbündig mit ausgefransten rechten Rändern. Dies ist auch der Stil, der die Schrift Helvetica hervorgebracht hat, die heute beliebteste San-Serif-Schrift, sogar für die U-Bahn von New York City und viele andere Regierungsinstitutionen verwendet wird . Volkswagen wandte Schweizer Design auf seine Werbung an , um weite, offene weiße Flächen zu schaffen. Vor dieser Zeit galt die Verwendung von zu viel Leerraum als verschwenderisch für den angegebenen Platz. Schweizer Design akzentuiert den weißen Raum und er wird sogar eigenständig Teil eines Gestaltungselements. Der Goldene Schnitt war für das Schweizer Design wichtig , um dem Design Struktur zu verleihen. Jedes Raster, das mit einer strukturierten mathematischen Gleichung erstellt wurde, war jetzt Teil des Werkzeuggürtels des Schweizer Designers Wir können ein Wiederaufleben beobachten und Raster werden in allen Facetten des Logodesigns von insgesamt verwendet Layout zur Konstruktion der Logo-Marke wie sie in diesen Beispielen zu sehen ist. Die Bauhaus-Bewegung, bei der es einen allgemeinen Fokus auf einfache geometrische Formen und Vereinfachungen gibt, selten existiert eine Designbewegung unabhängig voneinander ohne von früheren Designbewegungen beeinflusst zu werden. Wenn du es einfacher machen kannst, dann tu es. Das Hauptmantra des Schweizer Designs ist der Prozess der Vereinfachung. Ich denke, der größte Fehler, den Designer machen, ist, zu ehrgeizig zu sein , wenn es darum geht, eine Idee zu visualisieren. Komplexität kann einem Logo, einer Ikone oder einem Design Charakter verleihen , aber wir müssen auch sicherstellen, dass unsere Konzepte so einfach wie möglich sind, damit sie effektiv sein können. Gibt es irgendwelche unnötigen Elemente oder Details in Ihrem Konzept? Gibt es eine Möglichkeit, Grafiken zu kombinieren, um einen einzigen Schwerpunkt statt mehrerer Dinge zu haben ? Wie wir bereits studiert haben, waren Art Deco und andere frühere Kunstströmungen auf zusätzliche Dekorationen oder Details angewiesen , um den Betrachter zu beeindrucken. Mit Schweizer Design überzeugen wir durch Schlichtheit und Klarheit. Wir möchten, dass sie unser Design als klar und einfach und auf den Punkt bringen. Es kommt darauf an, was Sie mit dem zusätzlichen Platz machen. Was dieses alte Physik-Lehrbuch zu einem klassischen Schweizer Design macht , ist nicht, was es mit dem Designraum macht, sondern was es mit dem übrig gebliebenen Platz macht, damit die meisten modernen Designer Schwierigkeiten haben sicherzustellen nutzen Sie den gesamten zur Verfügung stehenden Gestaltungsraum. Schweizer Design ermöglicht es dem Designer, weniger Informationen auf einmal zu präsentieren, wodurch mehr Fokus auf das Gezeigte gelegt wird. Es wäre natürlich, diese Physikgrafik größer zu machen. In diesem Fall wird es kleiner gemacht, sodass zusätzlicher Leerraum das Design atmen lässt. Bei der Gestaltung unserer Designs herrscht immer Spannung. Achten Sie darauf, Leerzeichen als Gestaltungselement zu verwenden und nicht nur leeres Nichts. Was Sie mit dem zusätzlichen Platz machen, ist genauso wichtig wie die anderen Designelemente, die Sie zeigen. Dies ist eine Reihe von Feature-Arbeiten von Studenten. Dieses redaktionelle Projekt, das von einem Studenten eines meiner Kurse abgeschlossen wurde , verwendet Typografie in grafischen Elementen, die vertikal und mittig ausgerichtet sind, um die typische Indexseite, die Sie normalerweise sehen, herauszufordern . Das geringe Gewicht des Typs sorgt für ein elegantes, fragiles Gefühl. Das auf dem Cover abgebildete Motiv ist für sich genommen atemberaubend , daher haben sie darauf geachtet es frei von ablenkenden Objekten, Mustern und Texturen ist, um einen sehr schweizerischen Stil zu schaffen, sauber Layout mit viel Platz. 5. Pop-Kunst, Der Ad und das digitale Zeitalter: Lassen Sie uns im Laufe der Geschichte des Grafikdesigns weitermachen . Ich werde über die Pop-Art-Bewegung sprechen, und diese dauerte ungefähr von den 1950er bis in die 1970er Jahre. Alltägliche Dinge werden aufregend, farbenfroh und mutig Pop-Art, die ihren Ursprung in den Vereinigten Staaten und Großbritannien hat. Man könnte sofort an den berühmten Künstler Andy Warhol denken , wenn man sich diesen übertriebenen Stil ansieht. Nun, die Herausforderung der Pop-Art waren die traditionellen Formen der bildenden Kunst, bei denen alltägliche, banale Objekte zum Thema wurden , normalerweise im Comic-Stil. Ein berühmtes Beispiel von Andy Warhol ist sein Gemälde einer einfachen Dose Campbell's Soup. Diese Alltagsgegenstände wurden interessant und fanden bei den Zuschauern Anklang , weil Pop-Art sehr zuordenbar war. Weit entfernt von den zarten und komplizierten Mustern und Bildern der Perfektion aus der Renaissance. Was Pop-Art ausmacht, ist ein zufälliger, weniger klarer Stil, der sich auf das Thema konzentriert und weniger auf Raster und Präzision und Perfektion. Grobe Skizzenlinien, zerrissene Zeitungen Collagen waren übliche Elemente der Pop-Art. Pop-Art definiert den Werbestil der 1960er Jahre mit einem farbenfrohen, wenn auch manchmal sarkastischen Sinn für Humor. Es brachte einen bodenständigen Mainstream für den Verkauf von Produkten. Auf der ganzen Welt gab es ein großes Wiederaufleben des Pop-Art-Stils und auch in den 1990er Jahren. Möglicherweise haben Sie dieses Muster schon einmal gesehen , es wird als Halbtonmuster bezeichnet und es hat seinen Ursprung in dieser Zeit. Wenn es ein Mantra für diesen Stil gäbe, wäre es: Lass deinen Stil nicht durch Regeln einschränken. Eines der bekanntesten Logo-Designs unserer Zeit sind die berühmten roten Lippen der Band The Rolling Stones. Es gibt ein großes Statement mit einem komischen Unterton und einer leichten Missachtung sozialer Normen ab. Die meisten Logos, die einem Pop-Art-Stil entsprechen haben eine sehr ausdrucksstarke Typografie, wie im Pizzakopf-Logo dieses Designers. Es besteht normalerweise aus benutzerdefinierter handgeschriebener Topografie oder Textzeichen, anstatt einer geraden Linie zu folgen, gegenseitig zu streicheln und fast wie ein Puzzleteil zusammenzufügen. Der Beginn des Pop-Art-Stils führte natürlich zu einem weiteren Boom , dem Werbeboom. Von den 1960er bis in die 1990er Jahre waren wir mit Werbung übersättigt. „Versuche nicht originell zu sein, versuche einfach, gut zu sein“, sagte berühmte Designer Paul Rand , der 1914-1996 lebte. Als die Werbebudgets von Unternehmen Mitte des 20. Jahrhunderts immer größer wurden, stieg Mitte des 20. Jahrhunderts immer größer wurden, auch ihr Appetit auf Kunst und Design. Grafikdesigner waren nicht mehr darauf beschränkt, einfach Wörter auf einer Seite zu platzieren oder Fotos für eine Zeitung anzuordnen. Jetzt spielten sie eine große Rolle dabei, Unternehmen dabei zu helfen, visuelle Marken, Logos und globale Werbekampagnen zu etablieren und Unternehmen dabei zu unterstützen, visuell mit ihrem Publikum in Kontakt zu treten. Paul Rand, ein einst bescheidener, autodidaktischer Grafikdesigner, Hinweis, Autodidakt, genau wie ich und viele von Ihnen, der Global Art Director wurde, entwickelte ikonische Logos für Ford, ABC und IBM. Paul Rand verbindet die künstlerische Seite des Designs mit der praktischeren Geschäfts - und Marketingseite. Er machte Grafikdesign zu einem unverzichtbaren Bestandteil der boomenden Werbeabteilung. Rand war vor allem für die Entwicklung von Unternehmensidentitäten bekannt. Sein Ansatz bestand nicht darin, mutig und akzentrisch zu sein, sondern affektiv in seinem Designansatz darauf zu achten, überkomplexe visuelle Ideen zu vermeiden um nur künstlerischen Ausdruck zu erzielen. ließ sich von Stilbewegungen vor ihm inspirieren und stellte sicher, Er ließ sich von Stilbewegungen vor ihm inspirieren und stellte sicher, dass jeder Strich und jedes Objekt eine Bedeutung hatte und einen Zweck hatte, im Kontext zu stehen. Nach dem Werbeboom gehen wir in die postmoderne Designbewegung über, ungefähr von den 1980er bis in die 1990er Jahre andauerte. Dies würde als intelligent und experimentell beschrieben werden, und lassen Sie uns einige Regeln brechen. Wenn Sie es mögen, seltsam, lustig, skurril, mutig zu sein und Designregeln zu brechen, die oft von Leuten wie dem Schweizer Typografiestil und der Bauhaus-Bewegung festgelegt wurden von Leuten wie dem Schweizer Typografiestil , befinden Sie sich vielleicht in der Bewegung des postmodernen Designs. Es wurde in den späten 1960er Jahren entwickelt, wurde aber in den 1970er und 80er Jahren zu einem beliebten Einrichtungsstil. Dekonstruktionismus war eine Bewegung innerhalb des postmodernen Designs, die Gebäuden ein fragmentiertes Aussehen verlieh. Es verwendet nicht rechteckige Formen und verzerrte Außenseiten. Dies alles, um die starre klassische Architektur der Vergangenheit herauszufordern und weiter voranzutreiben . Es gibt eine breite Wahrnehmung von Bewegung und postmoderner Kunst mit abgerundeten Ecken und Objekten, die dazu neigen, in Bewegung mit nichtlinearen Linien zu erscheinen. Abstrakte Logos entstanden aus dieser Bewegung, das Raster zu durchbrechen, aber auch dieser fließenden Bewegung mit abgerundeten Kanten und überlappenden Elementen zu verleihen. Lassen Sie uns über ein Beispiel aus dem wirklichen Leben sprechen. Dies ist das Parsons-Logo, und Parson ist eine Designschule , die Teil der berühmten New School in New York City ist. Es passte eine zufällige variable Schriftart für seine Branding-Standards an, die als New Random bezeichnet wird. Es würde nach dem Zufallsprinzip eine unterschiedliche Zeichenbreite festlegen , während der Benutzer eingegeben wird, wodurch seine Topographie und seine Logos ein völlig regelbrechendes Aussehen erhalten. Dies war zu der Zeit umstritten, und die meisten Dinge, die postmodern sind versuchen umstritten zu sein, aber es entscheidet sich, anders zu sein. Die Designschule verfolgt Philosophie , neue Dinge auszuprobieren und die Zukunft des Designs zu entwickeln sodass dies für die Marke sehr sinnvoll war. In welcher Bewegung befinden wir uns gerade? Ich würde das das digitale Zeitalter nennen. Die Umstellung auf Digitalisierung verschmolz Stil mit Benutzerfreundlichkeit. Was dazu geführt hat, dass sich Stile in den letzten zehn Jahren weiterentwickelt haben, war die Zunahme des Benutzererlebnisdesigns. UX oder User Experience stellen den Benutzer in den Mittelpunkt und zeigen, dass es keine Hindernisse gibt, um seine Ziele, Wünsche und Wünsche zu erreichen. Wenn es sich um eine App für die Bestellung von Lebensmitteln handelt kann der Benutzer durch die Fokussierung auf UX schnell zur Kasse gehen und die Bestellung bearbeiten und gleichzeitig ein reibungsloses, einfaches Erlebnis genießen. Vielleicht die App, stellen Sie sicher, dass der Artikel beim Auschecken nicht vergessen wurde, mit einer Benachrichtigung, die ein sehr visuelles Erlebnis bietet, um schnell und einfach durch die App zu fließen. Das digitale Zeitalter hat uns auf Neuland gebracht. Jetzt, da digitale Geräte sehr klein und mobil sind, muss sich alles, was wir als Designer kreieren , an diese neue Welt anpassen. Komplizierte, detaillierte Logos eignen sich immer noch hervorragend für andere Markenwerte, aber für die Verwendung einer Unternehmenskennung müssen Sie über die kleinen Bereiche nachdenken , in denen sie jetzt existieren muss. Bevor mobile Geräte unsere Hauptinteraktion mit der Welt waren , surften wir mit Desktop-Computern im Internet. Die Bildschirme waren großzügig und ermöglichten die Erstellung komplizierterer Logo-Markierungen mit Schlagschatten, unscharfen Lichtern und Ebenen. Ich neige dazu, an die ursprünglichen Logos von Yahoo und Google zu denken wenn ich den Stil der späten 1990er und frühen 2000er Jahre betrachte . Apple verändert die Welt mit seinem hochglänzenden, elegant aussehenden iMac-Computer mit transparenter Rückseite und individueller Farbauswahl. Sie werben auch für Veränderung mit dem zusätzlichen superglänzenden, glatt aussehenden Effekt. Dieser Stil, den Sie vielleicht als Web 2.0 bezeichnen, wenn Sie damals gelebt haben, war dies ein Schritt, um Marken hochtechnologisch aussehen zu lassen und Ihnen mit der neuesten Technologie zu helfen, in die Zukunft zu gehen . Andere Marken folgten mit diesem glänzenden Look und übernahmen den Namen Web 2.0 und seinen Hinweis darauf, wie stark sich das Web seit den frühen 2000er Jahren weiterentwickelt hat . Viele Technologieunternehmen folgten diesem Beispiel mit diesen zusätzlichen Informationen. beliebten Effekten gehörten Fluxionen, so als ob das Logo auf Glas saß. Andere verwenden Verläufe, gekrümmte Lichter und alles, was Glas emulieren kann, wie Sie hier sehen können. Apple veröffentlichte das iPhone und damit kamen diese hyperrealistisch aussehenden Icon-Designs . Dies wurde als skeuomorphes Design bezeichnet , bei dem Schichten und Realismus bevorzugt wurden. Diese Symbole fühlten sich mit Texturen, Mustern und Glanzlichtern fast taktil an. Beliebtes Beispiel ist das Instagram-Logo von 2015. dem Übergang in das digitale Zeitalter haben wir die Ära des Flachdesigns von 2008 bis heute. Wenn es vereinfacht werden kann, ähnelte es vergangenen Bewegungen wie dem Bauhaus oder dem Schweizer Stil. Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts erlebten wir einen totalen Kontrast zu all dem detaillierten und effektiven Design. Die Ära des Flatdesigns stand vor der Tür. Dies war ein Widerspruch zum Web 2.0-Look , den fast jedes Unternehmen zu diesem Zeitpunkt angenommen hatte, und wie wir bereits erwähnt haben, folgt, sobald eine Stilbewegung zu weit gegangen ist, eine Gegenbewegung und Die Zukunft ist nicht anders. Das flache Design hat keine Effekte, Schlagschatten und Details. Flaches Design wurde in den letzten zwei Jahrzehnten und insbesondere in den letzten zehn Jahren, in denen fast jedes Unternehmen einen flachen Logo-Designstil hatte, sehr überstrapaziert und übersättigt und insbesondere in den letzten zehn Jahren denen fast jedes Unternehmen einen flachen Logo-Designstil hatte, sehr überstrapaziert Stile. Jetzt schwingt das Pendel den letzten Jahren in die andere Richtung da sich immer mehr handgezeichnete Elemente in Logos zurückschleichen, es aber auch flach und sauber halten im Gegensatz zu Logos des frühen 21. Jahrhunderts. Dies liegt daran, dass wir sicherstellen, dass unsere Logos ausdrucksstark und einzigartig bleiben, aber auch an kleinere Bildschirmgrößen angepasst werden können und für den Benutzer praktisch sind . 6. Kursprojekt: [MUSIK] Jetzt, da wir die Gelegenheit hatten, in die einflussreichen Stil - und Kunstbewegungen der letzten 100 Jahre einzutauchen einflussreichen Stil - und Kunstbewegungen der letzten 100 Jahre einzutauchen , ist es jetzt an der Zeit , das Gelernte anzuwenden und hoffentlich etwas Begeisterung für das Ausprobieren neuer Dinge zu wecken Stile. Ich möchte, dass du eine der Stilbewegungen auswählst , die wir besprochen haben, und ein Poster entwirfst, das sich von diesem Stil inspirieren lässt. Wir haben Jugendstil, der aus detaillierten, kurvigen, natürlichen Elementen besteht . Bauhaus, das geometrisch, vereinfacht und zielgerichtet ist. Wir haben Art Deco , also ornamentale, detaillierte Liniengrafiken, goldene und dunkle Farbpaletten. Schweizer Stil, bei dem Raster, viel Weißraum und Struktur verwendet werden. Pop Art, Alltagsgegenstände und leuchtende Farben. Postmodern, das gegen die Regeln verstößt, verzerrt, unberechenbar. Oder das digitale Zeitalter, Technologieregeln, Benutzererfahrung an erster Stelle und praktisch. Sie können sich gerne weiter über einige der einflussreichen Künstler und Designer informieren einige der einflussreichen Künstler und , die während dieser dominanten Kunstbewegungen gelebt haben , um einige Ideen für Ihr Poster zu sammeln. Ihr Poster könnte eine Werbung für ein Auto aus den 1960er Jahren oder ein Pop-Art-Stück sein. Es könnte geometrische Formen aufweisen die von der Bauhaus-Bewegung inspiriert sind, oder Sie möchten, dass Ihr Poster ein skurriles Poster für ein Musical aus den späten 1800er Jahren ist. Sie haben die Wahl. Genießen Sie den Prozess, andere Stile zu studieren, die das moderne Grafikdesign beeinflusst haben. Ich hoffe, dir hat dieser Kurs gefallen. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was ihr euch einfallen lasst. Ich liebe es, studentische Arbeiten auf meinem Instagram @lindsaymarshdesign zu zeigen, also tagge mich mit deinen studentischen Arbeiten, poste aber auch Arbeiten in den Bereichen der Studentenprojekte um andere dazu zu inspirieren, sich mit dem Herausforderung. [MUSIK]