Der One-Palette-Illustrator: Entdecke, wie Farbe in deiner Kunst funktioniert

1. Trailer zum Kurs: Wenn Sie ein Illustrator sind und jemals das Gefühl haben, dass Sie Ihre Farben einfach nicht richtig bekommen können, ist diese Klasse genau das Richtige für Sie. Mein Name ist Tom Frost. Ich bin ein preisgekrönter Illustrator und ein Top-Lehrer hier auf Skillshare, wo ich Zehntausenden von Schülern geholfen habe, die Welt der kommerziellen Kunst und Kreativität zu entfalten . Ich erinnere mich an eine Zeit, in der es schien, als könnte ich nicht richtig machen, wo es zu Farben kam. Es fühlte sich immer so an, als würde ich die falsche Entscheidung treffen oder dass meine Entscheidungen einfach zufällig waren. Selbst als Kunstschule Grad nach Jahren des Lernens der Farbtheorie, nun, es hilft mir, über Farbe zu sprechen, nichts schien mir besser zu machen, damit zu arbeiten. Aber im Laufe der Zeit bemerkte ich etwas. Ich benutzte die gleichen Arten von Farben in meiner Arbeit und diese gleichen Farbtöne würden immer wieder auftauchen. Also dachte ich, warum nicht einfach diese in einer einzigen Palette formalisieren und sie absichtlich mehr verwenden. Begleiten Sie mich, wenn ich Ihnen zeige, was es bedeutet, ein Ein-Paletten-Illustrator zu sein und wie es viel leistungsfähiger ist, als Sie vielleicht denken. Wie üblich werden wir einige wichtige Erkenntnisse und Theorie in der Grundierung durchlaufen und dann einige Selbstentdeckung und persönliche Palettenbildung in den Übungen durchführen. Wie immer werden wir es ganz in ein saftiges Endprojekt setzen. Möchten Sie entdecken, wie Sie Farbe auf Ihre eigene Art und Weise verwenden? Eine gute Möglichkeit, zu beginnen, ist als Illustrator mit einer Palette. Von dort sind die Möglichkeiten, naja, sie sind begrenzt und Gott sei Dank. Nur durch absichtliche Festlegung und Einhaltung von Grenzen können wir unsere kreativsten sein. Lassen Sie uns erforschen, was ein Illustrator mit einer Palette zusammen bedeutet. Wir sehen uns im Unterricht. 2. Über diesen Kurs: Diese Klasse ist in drei übergreifende Teile unterteilt: die Grundierung, die Übungen und natürlich das abschließende Projekt. Die Grundierung ist in zwei kleinere Teile unterteilt, wo wir zuerst untersuchen, was es bedeutet, ein Ein-Paletten-Illustrator zu sein und wie das uns stärker macht mit Farbe in unserer Arbeit und dann werden wir durch einige Schlüsselkonzepte in der Farbtheorie gehen nur um uns alle auf die gleiche Seite mit den Grundlagen bevor wir in den Rest der Klasse gehen. Wie immer geht es bei der Grundierung darum, Ihnen Verständnis zu vermitteln, damit Sie wissen, nicht nur, wie wir die Dinge in dieser Klasse machen werden, sondern auch warum. Dies sind Prinzipien, die Sie in all Ihre Arbeit mitnehmen können, die voranschreiten. In den Übungen werden wir anfangen, alle Konzepte, über die wir sprechen, in die Tat umzusetzen. Wir werden zunächst nach Hinweisen suchen was unsere eigene Farbe spürt, indem wir über unsere eigene Arbeit nachdenken. Wir werden uns auch einige der Arbeiten unserer Illustrationshelden ansehen um Hinweise darauf zu erhalten, wie Farbe in unserer eigenen Arbeit aussehen könnte. Auf dieser Grundlage der Entdeckung bauen wir unsere eigenen begrenzten Farbpaletten die im Projekt und vielleicht sogar darüber hinaus verwendet werden können. Das Projekt ist immer, wo wir die ganze Theorie der Grundierung und alle Entdeckungen der Übungen auf die Probe stellen. wir mit der Palette arbeiten, die wir in den Übungen erstellt haben, erstellen wir zwei Illustrationen: eine einfache Reihe von Spots mit einer strengen Palette und eine weitere komplexe Szene, darunter einige Personen und einige der Objekte, die wir in das erste Set mit einer abwechslungsreicheren Version unserer Palette. Natürlich werde ich teilen, wie ich über Farbe denke, während ich meine eigenen Illustrationen in den Demos arbeite. In Bezug auf die Erfahrung ist diese Klasse für alle, die jemals mit der Auswahl und Verwendung von Farbe in ihrer Illustration zu kämpfen haben. Wenn Sie schon immer mehr Vertrauen in die Verwendung von Farben haben wollten, oder wenn Sie sich gefragt haben, wie Sie in Ihrer gesamten Arbeit konsistenter werden können, ist diese Klasse genau das Richtige für Sie. Egal, ob Sie seit Jahrzehnten illustrieren oder gerade erst anfangen, es gibt viele Erkenntnisse, die Sie in Ihrem Prozess mitnehmen können . Obwohl diese Klasse keine Vollfarbtheorie Klasse ist, werde ich die Grundlagen durchlaufen und zeigen, wie sie sich auf die tieferen Fragen über Farbe und Stil in Ihrer eigenen Arbeit beziehen . In Bezug auf Fähigkeiten und Techniken konzentriert sich diese Klasse auf die Verwendung von Farbe auf eine sehr spezifische Weise, nämlich Arbeiten mit sehr begrenzten Paletten mit digitalen Illustrationswerkzeugen und das Arbeiten auf flachere, stilisierte Art und Weise. Wie der Name dieser Klasse sagt, geht es darum, nur eine Farbpalette zu wählen, und ja, ich versuche buchstäblich, Sie auf der Arbeit mit einer dominanten Palette in all Ihrer Arbeit zu verkaufen. In Bezug auf die Ausstattung, natürlich, einige Erfahrung in digitalen Illustrations-Tools wie Photoshop, Illustrator oder Procreate ist ziemlich wichtig. Ich benutze Procreate zum Skizzieren und Photoshop für meine letzten Illustrationen, aber Sie können alle digitalen Werkzeuge verwenden, mit denen Sie sich am wohlsten fühlen, ob auf dem iPad oder dem Computer. In Bezug auf die Zeit bis zum Abschluss, die Übungen können überall von 30 Minuten bis zu einem ganzen Tag oder mehr dauern. Die beiden Illustrationen im Projekt könnten von jeweils einer Stunde bis so lange dauern, wie Sie möchten. In meinen Klassen ermutige ich, sich Zeit zu nehmen und Ihre Entscheidungen so viel zu durchdenken, wie Sie brauchen. Da dies all die Entdeckung Hinweise zu Ihrem eigenen Stil und wie Sie Farbe verwenden, können Sie sich finden, dass Sie das Kaninchenloch hinunter gehen und sich dort für länger verloren gehen, als Sie erwartet haben. Wenn Sie diese Klasse besuchen, lernen Sie die Kraft, mit einer begrenzten Palette zu arbeiten, sowohl in einzelnen Projekten als auch in Ihrem gesamten Arbeitsbereich. Sie erhalten tiefere Einblicke in die Arten von Farben, die Sie am meisten angezogen sind und wie Sie diese mehr in Ihre eigene Arbeit integrieren können. Sie werden entdecken, wie Farbe und Stil zusammenarbeiten und wie die Verwendung von konsistenteren Farben Sie sowohl in Ihrer persönlichen als auch in Ihrer professionellen Arbeit unterstützen können. Nur ein letzter Zettel. Farbe, wie Stil, ist etwas, das wir bestreben sollten, konsistenter zu sein, aber es ist auch etwas, das sich mit uns entwickeln sollte. Verpflichtung zu einer Farbpalette ist keine Zwangsheirat oder eine Gefängnisstrafe, es ist eine Beziehung zwischen dem, was Sie in diesem Moment über sich selbst wissen. Wenn die Idee, sich auf eine einzige Palette zu engagieren, Sie sowohl erregt als auch erschreckt, sind Sie bei uns genau richtig. Es gibt keinen besseren Weg, das zu klären, als hier in dieser Klasse. 3. Was ist ein Ein-Paletten-Illustrator?: Mit all den Farbtheorie-Klassen draußen und allen Werkzeugen, die für die Herstellung harmonischer Paletten zur Verfügung stehen, würden Sie denken, dass die Verwendung von Farbe heute ein Kinderspiel wäre. Die Realität ist, dass Sie Tonnen über Farbtheorie kennen und die Bedeutungen hinter allen Farben verstehen und immer noch nicht wirklich wissen, wie Sie es auf Ihre eigene Weise verwenden, in Ihrer Kunst. Farbe erweist sich als viel wie Stil, wo wir in der Lage sein wollen, sie auf einzigartige Weise zu verwenden. In der Tat, Farbe und Stil sind sehr verwandt und eine informiert die andere, vielleicht mehr, als Sie vielleicht erwarten. In meiner Stilklasse spreche ich darüber, wie dein Illustrationsstil auf deinen Fähigkeiten und deinen Neigungen basiert. Eure Fähigkeiten sind die Dinge, in denen ihr gut seid, entweder von Natur aus oder durch erworbene Fähigkeiten und Expertise. Eure Neigungen sind Dinge, zu denen ihr natürlich hingezogen seid. Sie sind die Dinge, die Sie einfach mögen. Finden Sie Ihren Stil kommt davon, herauszufinden, wo sich diese beiden Dinge, Ihre Fähigkeiten und Ihre Neigungen überlappen und dann absichtlich entwickeln. Obwohl Sie nur begrenzte Kontrolle darüber haben, was Sie gut sind und was Sie mögen, Ihre Identität als Illustrator, ist Ihre Identität als Illustrator, Ihr Stil, zum großen Teil eine Wahl. Sie entscheiden sich für einen Ausdruck des Stils auf Kosten aller anderen möglichen Ausdrücke. Indem du dieses Engagement machst, was auch immer du opferst, gewinnst du etwas Großes, die Möglichkeit, eine Sache zu meistern, um das Beste zu werden, bei dem du sein kannst. Von diesem Ort der Stärke kannst du immer wachsen und weiterentwickeln, wie du willst. Genau wie Stil eine Wahl ist, eine Entdeckung bestimmter Dinge, die Sie mögen und gut sind, und dann eine Verpflichtung, diese zu entwickeln und sie in Ihrer Arbeit zu verwenden, ist Farbe auch eine Wahl. Wir müssen bestimmte Farben und bestimmte Arten der Verwendung von Farben auf Kosten aller anderen Möglichkeiten wählen. Dies ist der Ausgangspunkt für die ganze Idee, ein Ein-Paletten-Illustrator zu sein. Ein Ein-Paletten-Illustrator bedeutet, zuerst zu wissen welche Farben wir neigen dazu, anzieht zu werden, und zu lernen , wie man diesen subjektiven Geschmack oder Farbsinn absichtlich mit Vertrauen in unsere Kunst nutzt . Dies erfordert sowohl persönliche Reflexion als auch ein bisschen Selbstkritik. Es erfordert auch Fähigkeiten, unsere Werkzeuge zu verwenden und verstehen, wie Farbe nach der grundlegenden Farbtheorie funktioniert. Was ist ein Illustrator mit einer Palette? Ein Illustrator mit einer Palette verwendet einen begrenzten Satz von Farben für die meisten ihrer Arbeit. Infolgedessen ist die Arbeit eines One-Pellet-Illustrators konsistenter. Ob sie in einem strengen Stil arbeiten oder es ein wenig vermischen, ihre Auswahl und Verwendung von Farbe bindet es insgesamt harmonischer. Ein Illustrator aus einer Palette weiß immer, welche Farben er auch zu Beginn eines Auftrags verwenden wird. Selbst wenn wir Farben für unsere Kunden erhalten, haben wir so viel Übung, eine begrenzte Farbpalette auf unsere Weise zu verwenden , dass es einfach ist, unsere Techniken mit ihren Farben anzuwenden. Anstatt uns kreativ zu beschränken, gibt uns die Verwendung eines einzigen Farbsatzes in unserer Arbeit die Art von Zwängen, die wir brauchen, um wirklich kreativ zu sein. Ein ein-Paletten-Illustrator beweist immer wieder , dass Kreativität nicht aus der Freiheit von Grenzen kommt, sondern indem er Probleme in ihnen löst. Als Einpaletten-Illustratoren ist es unser vorrangiges Ziel, Farbe konsequent und selbstbewusst zu verwenden. Während wir möglicherweise andere Farben von Zeit zu Zeit verwenden müssen, und während manchmal Farbe muss die Stimmung einstellen oder bestimmte Ideen darstellen, zum größten Teil, Farbfunktionen Augen anziehen und auszugleichen unsere Kompositionen alle während konsistent innerhalb unseres gesamten Stils. Das Ziel bei der Verwendung einer einzigen Palette ist Vertrauen, Konsistenz und Effizienz, nicht Flexibilität und sicherlich nicht die Realität zu imitieren. Es geht mehr darum, eine konsistente visuelle Identität zu haben. diese Katze aus der Tasche ist, werden wir uns nun einige mögliche Einwände gegen den Einpalettenansatz ansehen und sehen, was es nicht bedeutet, ein Illustrator mit einer Palette zu sein. 4. Mögliche Missverständnisse (Bin ich eine Eintagsfliege?): Ich verstehe es. Ein ein-Paletten-Illustrator klingt ein bisschen zu nah daran, ein One-Trick-Pony zu sein. Aber ich glaube wirklich nicht, dass das der Fall ist. Wie ich bereits gesagt habe, geht es darum, herauszufinden, wo sich Ihre Stärken und Geschmäcker überschneiden, und sich darauf mit mehr Fokus aufzubauen. So entwickeln Sie eine Stimme als Illustrator. Aber nochmal, ich verstehe es. Es gibt eine feine Grenze zwischen diszipliniert und entscheidend auf der einen Seite zu sein, und unflexibel zu sein und auf der anderen Seite stagnierend zu sein. Hier sind sechs mögliche und gültige Missverständnisse darüber, was es bedeutet, ein ein-Paletten-Illustrator zu sein, und einige Klarstellungen, die ich hoffe, alle Bedenken zu lösen, die Sie haben könnten. Das erste Missverständnis ist, dass Sie als Illustrator mit einer Palette niemals andere Farben verwenden können. Das ist einfach nicht wahr. So wie Menschen, die in einem begrenzten, entscheidenden Stil in ihrer kommerziellen Arbeit arbeiten, es von Zeit zu Zeit mischen können, können Sie Ihre begrenzte Farbpalette variieren, wann immer Sie wollen. Die Hauptsache ist, dass Sie auf die allgemeine Konsistenz Ihrer Arbeit Überstunden anstreben sollten, vor allem, wenn Sie sie Ihrem Publikum präsentieren, sowohl in sozialen Medien als auch in Ihrem Portfolio. Starten Sie alle Ihre Arbeit von einer einzigen Palette, ist ein Ausgangspunkt, der überall führen kann. Selbst wenn Sie in einigen Projekten mit ganz anderen Farben landen, können Sie sich immer an Ihren treuen alten Freund wenden, Ihre One Go-to-Palette. Das zweite Missverständnis ist, dass, wenn Sie nur ein paar Farben die ganze Zeit verwenden, es bedeutet, dass Sie nicht wissen, wie Sie Farbe gut verwenden. Das ist der One-Trick-Pony Trugschluss. Wie wir jetzt wissen, es bei der Verwendung einiger Farben darum zu wissen, was wir mögen und was uns inspiriert zu wissen, wie wir dieses Verständnis absichtlich in unsere eigene Arbeit einbinden können. Es ist nicht so, dass wir nicht wissen, wie man Farbe gut verwendet, sondern dass wir uns gut kennen. Wenn wir unsere Hausaufgaben richtig gemacht haben, ist es nicht nur, dass wir die Farbpalette eines anderen genommen haben und beschlossen, sie für immer zu verwenden. Unsere Go-to-Home-Paletten kommen aus dem Wissen, aus dem Verständnis, welche Farben für uns und unseren Stil die meiste Zeit am besten funktionieren. Wenn wir unsere Paletten immer wieder verwenden, werden wir besser und besser darin, sie zu nutzen und visuelle Probleme innerhalb unserer Zwänge zu lösen. Das dritte Missverständnis ist, dass Sie, wenn Sie nur eine begrenzte Palette verwenden, die Farbtheorie ignorieren. Wenn Sie Ihre eigene Palette richtig verwenden, arbeiten Sie in der Tat innerhalb der Best Practices der Farbtheorie. Wie wir später in dieser Klasse sehen werden, wird unsere Go-to-Palette unter Verwendung von Farbtheorie-Prinzipien erstellt werden. In allen Weisen, werden wir unsere Farben in dem Projekt verwenden, sind wieder fest in einem Verständnis der Farbtheorie verwurzelt. Das vierte Missverständnis ist, dass Sie, wenn Sie streng in Bezug auf Ihre Farben sind, unfair gegenüber Ihrem Kunden sind. Zahlende Kunden verdienen es, ihnen verschiedene Optionen für Farben zu zeigen, nicht wahr? Ich würde sagen, vielleicht, aber nur, wenn das ein Service ist, den Sie anbieten. Wenn Sie über Ihren Stil als Marke nachdenken, was es sicherlich ist, haben Marken immer strenge Farbpaletten. Durch die Verwendung dieser Farben in einer konsequenten Disziplin wird die Marke verstärkt. Genau wie wir als Illustratoren oft mit den strengen Farben der Marken arbeiten müssen , mit denen wir arbeiten, können auch wir unsere eigenen Markenfarben durchsetzen. Wenn wir jetzt mit anderen Farben arbeiten müssen, sollten wir das auf jeden Fall tun. Das Erstaunliche ist, dass wir, wenn wir besser mit unseren eigenen Farbpaletten arbeiten, mit unseren eigenen Farbpaletten arbeiten,mit minimalem Aufwand von unseren Paletten auf die unserer Kunden umsetzen können. Auf dem Weg, weil wir die gleichen Techniken verwenden, jede Kunst, die wir mit unseren Paletten außerhalb unserer Paletten herstellen, wird jede Kunst, die wir mit unseren Paletten außerhalb unserer Paletten herstellen,ein ähnliches Gefühl haben. Es ist wichtig, hier zu beachten, dass ein Schlüssel konsistente Farbverwendung ist ein konsistenter Stil und Technik. Wenn Sie diese von Projekt zu Projekt ändern, ist es möglicherweise schwierig, Farbe jedes Mal auf die gleiche Weise zu verwenden . Das fünfte Missverständnis ist, dass Sie durch das Festhalten an einer strengen Palette Ihr eigenes Wachstum als Künstler einschränken. Dies kann der Fall sein, wenn Sie in der Tat nur früh in Ihrer Entwicklung eine Palette auswählen und nie etwas anderes ausprobieren. Aber schauen Sie näher an, wie die eine Palette hergestellt wird. Es kommt nicht aus Faulheit oder dem Mangel an Wachstum, sondern indem man ständig darauf achtet, wie man sich entwickelt und auf dem Weg, was die Dinge konstant bleiben. Identifizierung unserer Konstanten ist nicht das Zeichen eines mangelnden Wachstums, sondern ein Zeichen von Reife und Erfahrung. Natürlich, ob Sie sich entscheiden, neue Farben und verschiedene Stile und Techniken außerhalb Ihrer Hauptarbeit auszuprobieren , liegt an Ihnen. Als Künstler sollten wir natürlich immer mit neuen Ideen experimentieren und spielen, sei es in unserem Skizzenbuch oder in einem Nebenprojekt. Nachdem Sie Farben oder einen Satz Stil als Ihre wichtigste öffentlich gegenüberliegende Sache gesetzt haben, bedeutet nicht, dass es Ihre einzige Sache ist. Schließlich ist das sechste Missverständnis, dass Sie durch das Festhalten an einer strengen Palette nicht genug Farben haben, um alles darzustellen , was Sie in einer gegebenen Illustration darstellen müssen. In gewisser Weise ist das tatsächlich wahr. Möglicherweise haben Sie keine Orange in Ihrer Go-to-Palette, was es schwierig machen würde, eine Orange, die Frucht, in einer realistischen Farbe darzustellen . Wenn Sie kein Gelb in Ihrer Palette haben, müssen Sie etwas anderes für einen Schulbus oder eine Banane wählen. Aber das ist einer der schönsten und kreativsten Aspekte der begrenzten Farbpalette. Sie arbeiten mit dem, was Sie haben, und die Ergebnisse sind oft überraschend. Ein Student fragte mich einmal, wie sie Farbe auf skurrilere Weise verwenden können, wo der Himmel nicht blau sein muss und Blätter nicht grün sein müssen. Es ist nicht so, als ob Illustratoren diese Entscheidungen willkürlich treffen. Wir ändern nicht nur die Farben, um skurrisch zu sein. Stattdessen beginnen wir mit einer begrenzten Farbpalette und arbeiten dann in ihnen. 5. Ein-Paletten-Illustratoren nach Lust und Laune: Nun, da wir wissen, was ein Illustrator mit einer Palette ist und nicht, möchte ich ein paar Beispiele von Illustratoren teilen, die in einem dominanten Satz von Farben arbeiten. Ich möchte besonders beobachten, wie ihre Farbauswahl sich nahtlos in ihren Stil einbinden und dabei helfen, ihre Marke als Künstler im kommerziellen Raum aufzubauen. Ich möchte auch darauf hinweisen, dass ich Arbeiten von diesen Künstlern handverlese , die alle scheinen auf eine Kerngruppe von Farben zu verweisen. In vielen Fällen finden Sie ihre Arbeit, die alle Arten von anderen Paletten verwenden, aber die Beispiele, die ich teilen, zeigen, soweit ich das sagen kann, soweit ich das sagen kann,auf ihre dominantesten oder am meisten bevorzugten Farbschemata. Auf dem Weg werde ich einige Farbbegriffe verwenden, mit denen Sie vielleicht noch nicht vertraut sind. Bitte bedenken Sie, dass wir viele von ihnen später in der Klasse in der Farbtheorie behandeln werden. Unsere erste Künstlerin ist Anna Hurley. Anna Hurley aus Oakland arbeitet in einem herrlich einfachen und verspielten Stil. arbeite in einem klar digitalen Medium Icharbeite in einem klar digitalen Mediumund sehe hier viele von Druckerzeugnissen inspirierte Techniken, insbesondere ihre Verwendung von mutigen, einfachen Formen oder subtilen oder gar keiner Textur, klaren, abgegrenzten Kanten und natürlich, einfache Paletten. Während sie, wie die meisten anderen Künstler, die wir heute betrachten, in einer Vielzahl von Paletten arbeitet, verrät ihr Gesamtwerk ihre Vorliebe für Cyan, Blau, Pink, Gelb, Rot, Orange und Grün. Sie scheint auch einen cremigen oder gelb-getönten Hintergrund zu mögen. Ihre Palette scheint in einem noch abgeschrägteren triadischen Set verwurzelt zu sein , tiefgelb, rosa und cyanblau, das sie mit Multiplikations- oder Überdruckeffekt kombiniert, was wir im Bereich der Farbtheorie näher betrachten werden. In ihrer Arbeit beobachte ich die fast völlige Abwesenheit von tatsächlichem Schwarz. An seiner Stelle entsteht ein effektives Schwarz durch die dunkelste Kombination aller gegebenen Farben in ihrer Palette. Die nächste Künstlerin ist Louise Lockhart. DieIllustratorin Louise Lockhart, auch bekannt als The Printed Peanut, das Leben der romantischen Künstlerin in einer alten Mühle in Englandlebt Illustratorin Louise Lockhart, auch bekannt als The Printed Peanut, das Leben der romantischen Künstlerin in einer alten Mühle in England , hat einen klar von der Druckerzeugung inspirierten Stil und der Name ihres Online-Shops, The Printed Peanut, unterstützt Meine Behauptung. Nun, Lockhart schwelgt klar in allen Farben. Der Großteil ihrer Arbeit ist in einer Triade aus Cyan, Pink und Gelb verwurzelt, die wie Anna Hurleys Arbeit durch Überdruckeffekte kombiniert werden kann, um Rot, Orange, Blau und Grün zu erzeugen . Auch hier, wie Hurley, ist Louise Lockhart in der Lage, auf Schwarz zu verzichten stattdessen verschiedene Farben zu kombinieren, um das dunkelste, kontrastreichste Dunkel zu schaffen. Louises Arbeit ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Stil , Technik und Farbe ineinander spielen. Ihre Arbeit ist buchstäblich für primitive Drucktechniken wie Buchdruck gemacht, und selbst wenn dies nicht der Fall ist, scheint sie innerhalb der gleichen Einschränkungen zu spielen. Das ist es, was ihre Arbeit so unverwechselbar und konsequent macht. Unsere nächste Künstlerin ist Katie Benn. Auf ihrer Website sagt die in San Francisco lebende Künstlerin Katie Benn, dass sie von Vintage-Verpackungen und allen Dingen Farbe inspiriert ist. Während sie in verschiedenen Medien arbeitet, ist ihr gesamter Stil und die Verwendung von Farbe durchweg einfach, mit nickt zu amerikanischer Volkskunst, warholesque Druckkunst und für mich weckt irgendwie ein Gefühl von [unhörbaren] Barbershop-Zeichen . Wie andere im Set arbeitet sie mit flachen Formen der Farbe, mit klar abgegrenzten Kanten, fast keine Beweise für das Mischen oder Schichten aufweisen. Ihre begrenzte Palette wiederholt sich sowohl in ihren Gemälden, als auch in ihrem digital aussehenden Werk, Rosa , Gelb, Blau, Rot und manchmal Grün, Blaugrün und Cyan. Zusätzliche Farben lassen sich leicht von Kombinationen dieser Farben ableiten, insbesondere in den Primärfarben wie Dreiklang von Pink, Gelb und Cyan. Ob digitale oder physische Medien, Katies Stil schlägt vor, stumpfe Pinsel, mollige, blickdichte Marker und gelegentlich Ölpastellfarben zu verwenden . der Suche nach einer Paletten-Illustratoren, die Sie mit Ihnen teilen können, war ich erfreut, die Arbeit des lettischen Illustrators Roberts Rurans zu finden. Rurans bringt nicht nur einen starken Farbsinn in seine Arbeit, sondern eine ganze Bildsprache, die von byzantinischen christlichen Ikonografie inspiriert ist. Diese Arbeit wird meist mit physischen Medien erstellt. Sein Stil zeigt den Einfluss zeitgenössischerer vektorbasierter Illustration in Form, Qualität, Zurückhaltung in der Verwendung und Farbtiefe sowie Sinn für Abstraktion. Rurans beschreibt seine Arbeit als eine Mischung zwischen dem Modernist, die eine visuelle Einfachheit und traditionelle Technik ist. Seine Palette ähnelt denen, die wir bereits gesehen haben; eine Dreiklang von primären benachbarten Farbtönen, einschließlich Rosa und Rot, tiefes Gelb und Cyan oder Blau, alle scheinen zusätzliche Farben wie Grün zu informieren, und gelegentlich stahlblau-grau, rot braun und taupes. Ein Blauton Schwarz scheint aus anderen Farben in der Palette aufgebaut zu sein. Obwohl Farben flach sind, zeigen subtile Fehler und Hinweise auf Pinselstriche seine physikalischen Medientechniken. Der nächste Künstler ist Olimpia Zagnoli. Wenn Sie meine anderen Klassen besucht haben, wissen Sie, dass ich einer Olimpia Zagnoli Referenz nicht widerstehen kann. Mit Sitz in Mailand arbeitet Zagnoli in einem stark stilisierten Grafikstil, sie vom Designer und Illustrator Paul Rand der Mitte des Jahrhunderts inspiriert hat. Sie nickt definitiv zu seinen abstrakten Formen und fast exklusiven Vorlieben für primäre und sekundäre Farbtöne, aber natürlich bringt sie ihre eigene frische Sicht auf diese Dinge. Olimpia Zagnoli beeindruckende Karriere hat es ihr geschafft, sowohl in ihrer formalen Sprache als auch in ihrer Farbgebung unglaublich diszipliniert zu bleiben . Sie beweist, dass man nicht viele ausgefallene Tricks braucht, um eine erfolgreiche und begehrte Künstlerin zu sein. Sie müssen nur clever, zuversichtlich und konsequent sein. Wie ich schon sagte, sie zieht fast ausschließlich um primäre und sekundäre Farbtöne, alle voll auf und hochintensiv. Sie verwendet selten eine ihrer Farben auf halbem Weg. Anders als die Künstler, die wir bisher gesehen haben, verwendet Olimpia tatsächlich Schwarz in ihrer Arbeit. Aber ich sehe auch Schwarze und fast Schwarze, die eher auf Überdrucken ihrer Farben basieren. Ihre Paletten variieren, aber ich denke, sie ist eine einzige Illustratorin im Herzen, besitzt Drucker primäre benachbarte Farben, Magenta , Cyan und Goldgelb, und das Grün, Blau und Rot, das von diesen stammt. Von dort färbt sie sich zurück zu rosa und überdruckt die Braun- und Burgunder. Übersehen Sie auch nicht ihre Verwendung von weißem oder negativem Raum, was ihr immer hilft, sonst voll auf Farben zu atmen und zu Pop. Die nächste Künstlerin ist Barbara Dziadosz. Hamburger Illustratorin Barbara Dziadosz macht in ihrer Arbeit keinen Einfluss auf die Druckgrafik. Wie sie auf ihrer Website sagt, ist ihre Arbeit stark von Vintage-Illustration und Siebdruck inspiriert und verwendet eine begrenzte Farbpalette und kräftige Formen. Sie können diesen Einfluss der Druckerzeugung nicht nur darin sehen , wie sie ihre Farben wie Druckerfarben verwendet und kombiniert , sondern auch in ihrer Verwendung von Textur und einfachen Formen. Wie die meisten Künstler in diesem Set, auch sie vermeiden ein volles Schwarz, lassen Farben kombiniert werden, um dunkle selbst zu schaffen. eine Palette von Dziadosz umfasst Pink, Blau, Cyan, Magenta und ein sattes Goldgelb. Diese werden mithilfe von Überdruckeffekten kombiniert, indem sich Formen entweder vollständig oder nur an den Rändern überlappen . Ihre Farben haben eine Wärme zu ihnen, sich aus der Anwesenheit von cremigen oder hellgelben Tönungen ergeben. Unsere nächste Künstlerin ist Diana Ejaita. Auch aus Deutschland stammende Berliner Künstlerin Diana Ejaita arbeitet als Illustratorin und Textildesignerin. Unter allen Künstlern im Set ist Ejaita die expliziteste über ihre Ein-Paletten-Tendenzen. Sie sagt, dass das, was ihre Illustrationen auszeichnet, eine Kombination von dramatisch kontrastierenden Bereichen von Schwarz und Weiß mit weichen Mustern und Texturen ist. Sie hätte das einfach hinzufügen können. Sie hält sich hauptsächlich an Primärfarben: blau, rot und gelb, und gelegentlich grün und rosa. Wenn ich ehrlich bin, kann ich nicht mit Sicherheit sagen, dass sie digital oder in physischen Medien oder ein wenig von beidem arbeitet, aber ihre Arbeit wird deutlich durch die sanften Hin und Her Striche von Buntstiften informiert. Die texturalen hellen Farbbereiche auf schwarzem Hintergrund erinnern mich an schwarze Samtbilder. Unsere nächste Künstlerin ist Lisa Congdon. Wie konntest du die Arbeit von Lisa Congdon nicht lieben? Ihre Arbeit ist eine stilistische Mash-up skandinavischer und amerikanischer Volkskunst, die auf Malereien basiert, aber Printmaking inspiriert ist. Ob sie ein Tier oder ein abstraktes Muster darstellt oder Ihnen zeigt, dass Sie Multitudes enthalten, ihre Farben sind fast immer gleich: Schwarz, Weiß, Blau, Rot, Gelb und Rosa. Sie variiert es ab und zu, wirft in einem grünen, oder vielleicht einen gelben Hinweis von Zeit zu Zeit. Wie die meisten anderen Künstler in diesem Set glänzt ihre schlichte Palette mit einem flachen Stil, der jeder Farbe eine Chance gibt, ihre eigene Form zu überfluten. Farben können auf der Malpalette gemischt werden, es gibt eine völlige Abwesenheit von Farben auf der Leinwand. Ich möchte mich schließlich an die Arbeit von Sonny Ross wenden, dessen Arbeit ich auch bei der Recherche für diese Klasse entdeckt habe. Ich liebe Ross' geschäftige, verspielte Kompositionen und natürlich sein hartnäckiges Engagement, ein Ein-Paletten-Illustrator zu sein. Ross arbeitet klar mit digitalen Werkzeugen, aber er erinnert auch an physische Medien wie Farbstift in Gouache-Pinseln in seiner Arbeit. Die ganze Zeit verwendet er eine zurückhaltende Palette von Pink, Gelb und Blau, die er mit Überdruckeffekten kombiniert, um Rot-, Grün- und natürlich seine dunkleren Dunkel zu erzeugen . Auch er vermeidet reines Schwarz für bestimmte Details und vermeidet auch reines Weiß. Insgesamt wirft cremige Ton eine Wärme auf seinen gesamten Körper der Arbeit, die Sie am deutlichsten auf seiner Portfolio-Website zu sehen. So wie Schwarz nicht immer schwarz sein muss, muss Weiß nicht immer weiß sein. Eine leichte Tönung von nur einer Farbe, die auf Ihren Körper der Arbeit angewendet wird , kann Wunder tun, um alles zusammen in Harmonie zu halten. 6. Arbeiten mit begrenzten Paletten: Arbeiten mit einer begrenzten Palette und das Festhalten an ihr in den meisten Ihrer Arbeit klingt so, als sollte es alles viel einfacher machen. Nun, natürlich macht es unsere Aufgabe einfacher, neue Paletten für jedes Projekt von Grund auf neu zu erstellen, aber es löst nicht jedes Problem. Jedes Projekt stellt seine eigenen Herausforderungen, und selbst Illustratoren mit der strengsten Stil- und Farbpalette werden sich darum bemühen, die Dinge jedes Mal zum Laufen zu bringen. Auch wenn wir wissen, welche Farben wir verwenden werden, gibt es immer einen Problemlösungsaspekt, um herauszufinden, wie Farben in unserer Arbeit abgespielt werden. Wenn wir verstehen, wie begrenzte Paletten funktionieren und nicht funktionieren, werden wir mehr Erfolg haben, sie in unserer eigenen Arbeit zu verwenden. In diesem Video werden wir uns einige Strategien und Best Practices ansehen , um das Beste aus der Arbeit mit unseren begrenzten Paletten herauszuholen. Der erste Tipp ist, dass Sie Ihre Illustration so einfach wie möglich halten. Je komplexer eine Illustration ist, desto schwieriger wird es, eine einfache Palette zu verwenden. Dies gilt insbesondere dann, wenn eine Illustration ein Gefühl der Tiefe hat mit einem Vordergrund und einem Hintergrund und überlappenden Elementen und so. Dies sind die Dinge, die Sie in einer Szene finden könnten. Wenn Sie schon lange illustriert haben, haben Sie vielleicht bemerkt, dass es einfacher ist, einfache Objekte oder Zeichen über weißen oder durchgezogenen Hintergründen zu illustrieren, als komplexere Szenen zu veranschaulichen. Diese Herausforderung ist eine weitere Komposition, aber Farbe ist ein großer Teil davon. Sobald Sie mit dem Hinzufügen in Vordergrund, Hintergrundelemente und viele Details dazwischen beginnen, kann die Abbildung flach und übermäßig beschäftigt aussehen. Es fehlt ein Gefühl der Hierarchie. Es gibt keinen Bereich des Schwerpunkts. Die Lösung für dieses Problem besteht darin, mit zu arbeiten, nicht gegen unsere Zwänge. Die Auswahl einer begrenzten Palette bedeutet im Allgemeinen, einen vereinfachten Stil zu wählen. Dies ist nicht der Fall zu 100 Prozent der Zeit, aber es gilt als allgemeine Regel. Im Klassenprojekt werden wir sowohl mit einfacheren Ikonen-ähnlichen Illustrationen auf weißem Hintergrund als auch mit einer komplexeren Szene mit einem Hintergrund und sogar einigen Leuten arbeiten . Wir werden sehen, wie es einfacher ist, mit den Farben in der ersten Abbildung strikt zu sein, und wie wir unsere Einschränkungen lösen müssen, um mit der zweiten Abbildung zu arbeiten. Die ganze Zeit, keine Illustration ist verrückt komplex. Ich arbeite zunächst in einem einfachen Stil, und ich bin bewusst in meinen Kompositionen, um sicherzustellen , dass es mit meiner Art funktioniert, begrenzte Paletten zu verwenden. Wenn Sie im Laufe der Zeit mit Farbpaletten arbeiten, müssen Sie herausfinden, wie Ihre Farben und Ihre stilistischen Entscheidungen, einschließlich Ihrer Werkzeuge, Techniken und Kompositionen, harmonisch funktionieren. Es sollte beachtet werden, dass komplexere Illustrationen durch einfachere Paletten für die Augen erleichtert werden können, aber mein ganzer Punkt ist, dass die Verwendung einfacherer Paletten für komplexere Kompositionen schwieriger ist als für einfachere. Mein zweiter Tipp ist, Leerzeichen in Ihren Kompositionen zu verwenden. Wenn Sie sich Illustrationen ansehen, die begrenzte Paletten verwenden, sind die Kompositionen oft ziemlich flach. Wie wir uns gerade angeschaut haben, ist der gesamte Stil relativ einfach. Eine andere Sache, die Sie bemerken werden, ist, dass Leerraum oder negativer Raum oft in ziemlich viel Faktoren. Da uns die anspruchsvolle, nuancierte Art der Verwendung von Farben fehlt, die einem Maler oder Konzeptkünstler zur Verfügung stehen würde , wie Beleuchtung und Umgebungseffekte, brauchen wir andere Wege, um ein Gefühl der Hierarchie in unseren Bildern aufzubauen. Die Monotonie unserer begrenzten Paletten kann durch strategische Verwendung von Leerzeichen schnell unterbrochen werden , indem das Weiß der Seite oder des Bildschirms auf interessante Weise in unsere Kompositionen geschnitten wird. Selbst Künstler, deren Stile und Techniken mehr Feinheiten und Variationen in ihren Farben erlauben , verwenden negativen Raum, um atemberaubende Effekte in ihren Kompositionen zu erzeugen. Nehmen wir zum Beispiel Miroslav Sasek, dessen üppige Aquarellabbildungen oft brillant mit Herzbrüchen in Farbe zerbrochen wurden , so dass das Gewicht der Seite seine Motive auftauchen ließ. Der nächste Tipp ist, die logischsten Farben zu verwenden, die verfügbar sind. Einer der Vorteile der Arbeit mit einer begrenzten Farbpalette ist, dass Ihre Arbeit automatisch ein Gefühl der Laune annimmt. Dies gilt insbesondere dort, wo es darum geht, Objekte in unwahrscheinlichen Farben darzustellen. Wenn Sie eine sehr Streifenback-Palette haben, machen Sie einfach mit Ihren verfügbaren Farben zu tun. In Ermangelung von fleischigen Tönen können die Menschen lila sein, in Abwesenheit von Rot können Äpfel blau sein. Wenn ich in meinen begrenzten Paletten arbeite, benutze ich normalerweise das, was ich als Farblogik bezeichne. Damit meine ich, angesichts der Palette, mit der ich arbeite, habe ich gerade die logischste Farbe auf der Hand für was immer ich illustriere verwendet. Sagen wir einfach, ich arbeite mit einer zweifarbigen Palette von Orange und Blaugrün, und ich illustriere einen Apfel. Orange ist der typischen roten Farbe eines Apfels am nächsten, also werde ich wahrscheinlich nur Orange verwenden. Teal ist der typischen grünen Farbe eines Apfelblattes am nächsten, also werde ich nur Blaugrün für dieses Detail verwenden. Was ist mit Hautfarben und anderen Dingen, die in diesem Beispiel eindeutig nicht blaugrün oder orange sind? Da kommt der skurrile Teil ins Spiel. Manche Leute könnten orange sein, andere könnten blaugrün sein. Wie für andere Arten von Objekten, natürlich, in meiner typischeren Palette, habe ich rot, blau, gelb und fast jede Farbe dazwischen. Es ist nur, dass meine Farben nicht ganz reine Farbtöne sind. Ich kann mein Rot, Orange für den Apfel und Grün für das Blatt verwenden Orange für den Apfel , und wahrscheinlich habe ich eine Vielzahl von Farben zur Verfügung, die mehr Sinn für Hauttöne machen wird. Der Punkt hier ist, dass Sie, ob Sie die natürlichsten Farben haben oder diejenigen, die völlig deaktiviert sind, können Sie sie in Ihrer Kunst verwenden. Sie können die Farblogik folgen, um auszuwählen, welche für Ihr Thema am besten geeignet sind. Der nächste Schritt ist, denken Sie an Ihre Hierarchie. Visuelle Hierarchie ist im Grunde, wie Elemente in Bezug auf die Wichtigkeit geordnet werden. Was auch immer Sie in Ihrem Bild am prominentesten sein möchten, dies sollte die erste in Ihrer visuellen Hierarchie sein. Dann sollten alle anderen Elemente unterstützen, anstatt damit zu konkurrieren. In einer ausgewogenen visuellen Hierarchie wird das Auge geordnet durch die Komposition gezogen. In einem Buch oder einer Webseite wird beispielsweise die Hierarchie linear dargestellt, wie der Titel Nummer 1, die Überschrift Nummer 2 und dann der Textkörper als Nummer 3 in der visuellen Hierarchie. Natürlich können wir die Hierarchie etablieren und nicht nur durch die visuelle Reihenfolge oder die lineare Ordnung, sondern durch die Skala der Objekte in unserer Zusammensetzung, werden die größten Dinge am offensichtlichsten sein, und daher oben auf der Hierarchie. Die Farbe bestimmt auch, wie sich das Auge um Ihre Komposition bewegt. Die drei Hauptfaktoren bei der Erstellung der Hierarchie in Bezug auf Farbe sind Wert, Intensität und Farbtemperatur. Wert ist die scheinbare Dunkelheit oder Helligkeit einer Farbe. Primärblau ist beispielsweise dunkler als primäres Gelb. Es ist wahrscheinlich, dass Blau auf einem weißen Hintergrund mehr als gelb hervorstechen wird. Die Intensität hingegen ist die Helligkeit und Reinheit einer Farbe. Ein wirklich intensives oder voll gesättigtes Gelb wird gegen ein Dunkelblau knallen. Farbtemperatur ist, wie warm oder kühl eine Farbe zu sein scheint. Rot ist eine warme Farbe und Blau ist eine kühle Farbe. Warme Farben neigen dazu, nach vorne zu springen und kühle Farben neigen dazu, rückwärts zu gehen. Wenn Sie eine reine gelbe Sonne über einem reinen Cyan-Typ platzieren, wird die Sonne natürlich nach vorne springen, obwohl beide Farben ihre volle Intensität haben und obwohl das Cyan einen dunkleren Wert als das Gelb hat. Wenn Sie versuchen, das Auge durch Ihre Illustrationen zu führen, sollten Sie eine klare Hierarchie dessen aufbauen, was am wichtigsten ist und dann all die anderen Dinge, die es unterstützen sollten. Wenn die Dinge zu flach oder überwältigend aussehen, erleben Sie wahrscheinlich eine Aufschlüsselung in der Hierarchie. Achten Sie darauf, wie Wert, Intensität und Farbtemperatur Ihrer Komposition auf diese Weise helfen oder verletzen. Wir werden mehr Dinge wie Wert und Intensität in der Farbtheorie Abschnitt der Klasse betrachten. Der nächste Tipp ist, fügen Sie Abwechslung mit Schattierung und Textur hinzu. Eine gute Möglichkeit, das Gefühl der Monotonie in begrenzten Paletten aufzubrechen, besteht darin Einführung von Schattierung und Textur ein Gefühl von Licht und Schatten oder Tiefe zu erzeugen. Schattierung und Textur sind wirklich Möglichkeiten, den Wert Ihrer Kern-Gaumenfarben zu optimieren , ohne von ihnen abzuweichen. Schattierung wird natürlich Farben und Textur je nach Technik verdunkeln oft Farben aufhellen. Zum Beispiel verwende ich eine Menge von gebürsteten und bedruckten Texturen, die es ermöglichen, dass die Papierfarbe durchscheint. Dies wird einen Blitzeffekt haben. Indem Sie strategisch und konsequent Schattierung und Textur in Ihrer Arbeit anwenden, können Sie Ihre begrenzten Paletten ziemlich viel dehnen. Der nächste Tipp ist: Erweitern Sie Ihre Paletten mit O-A-Ts. Wie wir im Klassenprojekt sehen werden, können Sie nahezu endlose Variationen Ihrer einen Palette erstellen, indem Sie Opazität, Adjazenz und Transparenz oder die OAT-Methode verwenden. Opazität ist, wie eine Farbe einfarbig oder undurchsichtig erscheint. Indem Sie die Deckkraft der Ebene reduzieren, verringern Sie den Wert und die Intensität, während Sie sie leichter machen. Diese Technik ermöglicht es Ihnen, Farbtöne Ihrer Kernfarben zu erstellen, die natürlich harmonisch mit Ihrer Palette sind. Zum Beispiel können Sie eine rote Deckkraft auf 30 Prozent zurückziehen, was ein hellrosa ergibt, das dann die Basis für eine Vielzahl von Hauttönen werden kann. In den Übungen und Projekten werden Hauttöne ausführlich behandelt. Eine andere Möglichkeit, dass die Deckkraft Ihre Farben dynamischer machen kann , besteht darin, dass Farben unterhalb der Show durch ein wenig. Dies erzeugt einen schönen, subtilen Schichteffekt. Adjazenz ist ein bisschen wie ein Bissen, aber hier ist, was ich meine. Angrenzend bedeutet neben oder in der Nähe. Wenn Sie Ihre Palette erweitern, möchten Sie darauf achten, nicht völlig andere Farben zu wählen, die mit dem Rest Ihrer Palette unharmonisch aussehen würden. Aber manchmal müssen Sie in besonderen Situationen eine Farbe in Ihrer Palette leicht verdunkeln, aufhellen oder ändern. In einem solchen Fall können Sie Ihr Farbwähler-Tool öffnen, das in den meisten digitalen Illustrations-Apps verfügbar ist, und die Farbe leicht auf eine dunklere oder hellere oder mehr oder weniger gesättigte Version Ihres Farbtonsdrücken hellere oder mehr oder weniger gesättigte Version Ihres Farbtons indem Sie Verschieben des Ziels Dingy von seiner aktuellen Position. Sie können den Farbton auch auf diese Weise leicht drücken. Auf diese Weise wählen Sie eine benachbarte Farbe oder eine, die sehr nah an der, mit der Sie begonnen haben und verhindert, dass Sie zu weit in eine völlig andere Art von Farbe springen , was die Farbharmonie bewahrt, die Sie etabliert , wenn Sie Ihre Palette erstellen. Transparenz ist der Effekt der Durchsichtigkeit Ihrer Farbe. In digitalen Werkzeugen können Sie eine Farbe transparent erscheinen lassen, indem den Verschmelzungsmodus des Objekts oder der Ebene festlegen, der multipliziert werden soll. Wie wir sehen, wenn wir über den CMYK-Farbraum sprechen, multipliziert oder simuliert einen Überdruckeffekt, bei dem eine durchgehende transparente Tinte über die andere gedruckt wird. Opazität ermöglicht natürlich etwas Transparenz. Aber wenn wir wirklich spezifisch sind, würde ich sagen, wenn Sie die Deckkraft einer Farbe zurückwählen, ist sie durchscheinend. Es lässt etwas Licht durchscheinen, aber nicht alles. Die Farbe endet als Ergebnis weniger intensiv und niedriger im Wert. Transparenz unterscheidet sich von der Opazität in dem Sinne , dass die beiden Schichten technisch undurchsichtig sind. Das bedeutet, dass die Layer-Sichtbarkeit immer noch 100 Prozent beträgt. Hier bleibt die Farbe die gleiche Intensität, in Wert, und in der Tat, die resultierende Farbe aus der Multiplikation der beiden Farben ist noch intensiver und dunkler im Wert. In dieser Klasse werden wir hauptsächlich mit Deckkraft und Transparenz in unterschiedlichem Maße arbeiten , um unsere Paletten zu erstellen und zu verwenden. Aber die Nachbarschaft ist immer ein netter Trick, um unsere Ärmel zu haben, wenn wir sie brauchen. Wir werden sehen, ob wir die Chance haben, es zu benutzen, sobald wir in das Projekt einsteigen. 7. Bonus: Wie findest du deinen Farbsinn: Eine der größten Fragen zum Arbeiten mit Farbe ist zu wissen welche Farben Sie mögen und wie Sie sie in Ihrer eigenen Arbeit verwenden können. Dies ist eine wichtige Frage für alle Künstler und Illustratoren, unabhängig davon, wie einfach Sie Ihre Paletten sein wollen. Sie können alles über Farbtheorie wissen und Sie können alle Bücher zu diesem Thema gelesen haben und alle Klassen genommen haben, und trotzdem sitzen Sie vielleicht vor Ihrem Bildschirm-Stift in der Hand, starrte auf Ihre Farbfelder und fragen sich, wo Sie anfangen sollen. Ich denke, es ist ziemlich klar, dass Farbe subjektiv ist. Es ist etwa so subjektiv wie es wird, wenn es um Kunst geht. Schönheit liegt im Auge des Betrachters. Welche Farben sind schön für Sie? Wie zuversichtlich bist du, diese Farben in deine Kunst zu bringen? Ich denke, dass wir oft mit Farbe stecken bleiben , weil wir das Gefühl haben, dass wir Farbe auf eine bestimmte Weise verwenden müssen. Es ist, als gäbe es einen korrekten Weg, Farbe zu verwenden. Als erholender Designer weiß ich, dass dies in einigen Szenarien tatsächlich wahr ist. Oft müssen wir Farbe in einer Weise verwenden, die den Erwartungen unserer Kunden gerecht wird, oder die Stimmung genau richtig aufrichtet oder genau den richtigen Weg zu unserer gewählten demographischen nach Fokusgruppen in der Marktforschung spricht genau den richtigen Weg zu unserer gewählten . Aber als Illustratoren können wir viel davon beiseite legen. Ich meine, wenn du diese Klasse immer noch beobachtest, denke ich, du bist an Bord mit der Idee, dass Farbe und unsere Kunst nicht wörtlich sein müssen oder an bestimmte kulturell zugewiesene Bedeutungen gebunden sind, noch muss sie einen perfekten Massenanreiz haben. Während Rot Wut bedeuten kann und Schwarz kann Beerdigung viel Zeit im breiteren Kontext der Kultur bedeuten , wenn wir diese Farben konsequent in unserer eigenen Arbeit in einer bestimmten Weise verwenden, verlieren sie diese kulturellen Konnotationen, die Farben verlieren diese kulturellen Konnotationen, beginnen wir, diese Farben als eine Sprache in ihrem eigenen Recht zu sehen. Zum Beispiel ist der Großteil des Textes in Schwarzweiß. Wir denken nicht einmal in Bezug auf die Farben darüber nach, aber all diese Buchstaben sind schwarz und schwarz bedeutet Tod. Also bedeuten alle Dokumente den Tod? Natürlich nicht. Vielleicht ist das ein bisschen zu simpel für eine Referenz. Aber was ist mit der Arbeit von Gemma Correl? Ihre urkomisch illustrierten Comics sind rot, schwarz und weiß. Dies sind sehr ernste Farben. Ich meine, weißt du, wer diese Farben noch liebt? Mein Sinn ist, dass Gemma mehr an Mops und gemütlichen Pyjama interessiert ist als globale Herrschaft durch faschistische Herrschaft. Mein Punkt ist, dass, wenn Sie eine strenge Palette verwenden, unabhängig von den Farben, wenn sie ein Kernteil Ihrer stilistischen Toolbox werden, sie eine Bedeutung annehmen, die spezifisch für Sie ist weit mehr als jede emotionale oder symbolische Konnotation, die von der größeren Kultur verstanden wird. Ihre Arbeit entwickelt im Laufe der Zeit ihren eigenen Kontext, und in diesem Zusammenhang werden Ihre Kunst, Farben und alles zunehmend wahrgenommen. Aber ich glaube, ich kreise um die tiefere Frage. Lassen Sie mich wieder auf den richtigen Weg gehen. Ich kann dir nicht beibringen, wie man einen Farbsinn hat. Ich kann dir nicht sagen, was dein Farbsinn ist. Ich kann Ihnen zeigen, was meins ist und Ihnen zeigen, wie ich es in meiner eigenen Arbeit verwende. Das ist alles, was ich weiß. Aber ich habe einige Ideen, wie Sie anfangen können, Ihren Farbsinn zu finden. Die gute Nachricht ist, dass wir einige davon gemeinsam in den Übungen durchmachen werden. Ich habe sie speziell aus diesem Grund entworfen, mehr zu denen später. Moment werde ich nur sagen, dass Sie Ihren Farbsinn nur durch Selbstbeobachtung finden können und indem Sie die Arbeit studieren, die Sie lieben, um Hinweise zu erhalten, wie man Farbe funktioniert. Gepaart mit einem grundlegenden Verständnis der Farbtheorie, ist dies etwa so stark von einem Anfang wie möglich. Für einige von uns wissen wir sehr gut, welche Farben wir mögen und können sie einfach nicht dazu bringen, dass sie in unserer Kunst funktionieren. Für andere hatten wir seit dem Kindergarten keine Lieblingsfarbe. ob Sie in eines dieser Camps oder in das andere Lager passen, wir finden Hinweise, wie wir Farbe in unserer Arbeit verwenden können, indem Sie Folgendes tun. Suchen Sie zuerst nach wiederkehrenden Farben in Ihrer eigenen Arbeit. Wenn Sie seit einer Weile Kunst jeder Art gemacht haben, ziehen Sie eine Bestandsaufnahme Ihrer Lieblingsstücke und suchen Sie nach Farben, die zu wiederholen scheinen, die Sie am meisten angezogen zu sein scheinen. Welche Farben erscheinen am meisten? Verwenden Sie immer eine bestimmte Farbe oder gibt es bestimmte Arten von Farben, die Sie verwenden? Die Farben, die Sie auswählen und in Ihre Kunst integrieren können Ihnen einige Hinweise darauf geben, welche Farben Sie effizienter in Ihre One Go to Palette integrieren möchten. In der ersten Übung ist die Farbe Selbstinventar, ich führe Sie durch den Prozess, dies zu tun, sowie durch eine Reihe von geführten Reflexionen, um zu helfen, noch tiefer zu graben. Als nächstes suchen Sie nach den Farben, die Sie am meisten in der Welt angezogen sind. welchen Farben umgeben Sie sich? Welche Art von Kunst hast du gesammelt, um deine Wände aufzuhängen? Welcher davon war zumindest teilweise wegen der Farbe? Was trägst du gerne? Wenn du auf Pinterest gehst und nach Illustration, Kunst und Design suchst , welche Farben würdest du am liebsten anziehen? Erregen Sie eine der Farben wirklich und lassen Sie Ihre Säfte fließen? Welche inspirieren Sie am meisten? Was ist an diesen Farben, die du magst und wie kannst du die Inspiration, die du von ihnen fühlst, in deine eigene Arbeit kanalisieren? Das ist etwas, worauf Sie jederzeit achten können. Faire Warnung, wenn du wie ich bist, kann es überwältigend werden. Sie mögen wahrscheinlich alle Arten von Sachen, manchmal sehr verschieden voneinander. Das ist jedoch in Ordnung, sich dessen bewusst zu sein, was Sie mögen, ist wichtig, aber es allein kann Ihnen nicht sagen, welche Farben Sie in Ihrer Arbeit verwenden sollten. Mehr dazu als nächstes. Als nächstes suchen Sie, wie Ihre Helden Farbe in ihrer Arbeit verwenden. Ich glaube, einer meiner größten Erkenntnisse über Farbe ist, dass Farbe und Stil Hand in Hand gehen. Diese Paarung geht tiefer, als Sie vielleicht denken. Wie wir bereits darüber gesprochen haben, wie Illustratoren verwenden Farbe ist sehr persönlich für sie, und wie das passiert, wird immer zum Teil sein, ein Geheimnis für uns. Aber ihre Wahl bei der Verwendung von Farbe hängt oft von den Einschränkungen ab, mit denen sie arbeiten. In ihrem gewählten Stil, mit ihren spezifischen Werkzeugen und Techniken, werden die verfügbaren Farben und ihre Verwendung ziemlich eng. Zum Beispiel, Malerei basierte Illustrator, Carson Ellis neigt dazu, einen schwarz-weißen, oder oft cremefarbenen Hintergrund mit Pops von Rot und Orangen zu haben. Vielleicht anstelle von Schwarz wird sie Variationen einer dunklen Marineblau verwenden. Natürlich demonstriert sie guten Farbsinn durch geschmackvolle Paarung komplementärer Farben, Blau und Orange und Rot. Aber angesichts ihres von der Volkskunst inspirierten Stils und der analogen Medien, die sie benutzt, ist alles von natürlich vorkommenden Qualitäten geprägt. Für mich verweist die cremige Tonfarbe in ihrer Arbeit auf die reichen cremigen Töne von Bögen Aquarellpapier. Sie nutzt große Bereiche des negativen Raums, um ihrem einfachen, stilisierten Kunstwerk zu helfen , mehr herauszukommen, ohne dass alles zusammen getäuscht wird. Sie variiert ihre Farben mit Veränderungen in Opazität und Transparenz und arbeitet mit den Qualitäten, die sich ihre Farbmedien natürlich leisten. Wenn Sie versuchen, ihren Farbsinn mit rein digitalen Medien zu erreichen, es sei denn, Sie hatten sehr überzeugende digitale Pinsel und viel Geschick mit ihnen, würden Sie schwer gedrückt, ein ähnliches Ergebnis zu erzielen. In dieser Klasse spreche ich als digitaler Illustrator, aber mein Punkt ist, dass Farben aus persönlichen oder willkürlichen Gründen ausgewählt werden können. Aber die Art und Weise, wie sie erscheinen, ist wirklich durch den Stil und die Medien geprägt die Sie in Ihren digitalen Medien emulieren. Wie bezieht sich das alles auf die Suche nach Ihrem Farbsinn? Sie können beginnen zu verstehen, nicht nur welche Farben Sie wählen sollten, sondern wie viele und wie sie funktionieren, indem verstehen, welche Art von Stil Sie erreichen möchten, und welche Medien oder Werkzeuge und Techniken Sie mit denen Sie arbeiten möchten. In der zweiten Übung, der Farbinspirationsstudie, erhalten wir eine Chance, die Art von Arbeit zu betrachten, die uns am meisten inspiriert, mit einem besonderen Fokus darauf, wie Farbe verwendet wird. Der nächste Tipp ist Üben, Üben, Üben. Natürlich müssen wir wirklich nur die Arbeit machen, unsere Farben in unserer Kunst auszuarbeiten. Sie haben vielleicht eine ganze Wand von Farben, die Sie lieben, aber Sie werden nie genau wissen, wie sie in Ihrer Kunst funktionieren bis Sie sie tatsächlich mit Ihren Händen versuchen. Im Klassenprojekt werden wir diesen Prozess der Auswahl von Farben durchlaufen und sie gemeinsam in tatsächlichen Illustrationen ausarbeiten. Dies könnte der Anfang Ihrer Farbenreise sein, oder Sie sind gut auf der Suche nach neuen Wegen, um zu wachsen. Wer und wo auch immer Sie auf Ihrer Reise sind, das Projekt wird ein großartiger Sprungpunkt für weitere Erkundungen auf eigene Faust sein. Letztendlich können Sie nicht einfach denken, wie Sie wissen, was Ihr Farbsinn ist. Du musst dein Herz, deine Hände und natürlich deine Augen benutzen . Ich erinnere mich als Grafikdesigner, wie ich mich oft fühlte, als müsste ich die richtigen Farben wählen. Es war, als hätte ich einen Engel auf der rechten Schulter und einen Teufel auf der linken Seite mit dem Teufel , der mir sagte, ich sollte nur die Farben verwenden, die ich wirklich wusste, ich liebte, und dann der Engel erinnert mich daran, dass es nicht darum geht, was ich mag, aber die Ziele des Designs. Als Designer schien der Rat des Engels sehr klug. Das Problem war manchmal, dass sich zwei oder mehr Engel anschlossen, mir alle kluge, aber gegensätzliche Nuggets der Weisheit erzählten. Man könnte sagen: „Ja, es geht um die Ziele des Designs, aber Sie wissen, dass der Kunde diese Farben nicht mag. Also bleibst du vermutlich besser dran.“ Dann würde ein anderer Engel sagen: „Ja, aber bedenken Sie auch, dass Ihr Chef Ihnen gesagt hat, diese anderen Farben nie zu verwenden, also sollten Sie sich auch von denen fernhalten.“ Dann würde ja ein anderer Engel vorbeikommen und sagen: „Laut meiner Kernforschung sind die Farben, die du wählst, sehr beliebt bei jungen Erwachsenen, da sie auf 25 Jahre alt werden und dann [unhörbar].“ Dann kommt natürlich vielleicht ein Punk-Engel vorbei und sagt: „Du weißt, dass diese Farben nicht im Druck funktionieren, oder?“ Aber der Teufel zu meiner Linken stieß mich mit seiner Heugabel und sagte: „Hör nicht auf diese Lust. Du weißt, was du willst, geh einfach mit.“ Nun, ich mag Teufel nicht wirklich, aber ich mag auch keinen widersprüchlichen Rat von sogenannten Weisen. Was ich aber erkannte, war, dass der Rat des Teufels der Weiseste war, und in der Tat war er überhaupt kein Teufel. Die Engel und der Teufel in diesem Fall, wir sind nur mein eigenes Selbst, fragmentiert und geteilt über diese Stimmen, über diese verschiedenen gegensätzlichen Bits von Rat oder Weisheit. Jeder von ihnen könnte richtig oder falsch sein, je nach Kontext. Sie könnten alle Teufel sein, oder sie könnten alle Engel sein. Aber die Stimme, die ich am ehesten als teuflische charakterisieren sollte, war diejenige, die mich ermutigte, mit meinem Bauch zu gehen. Als ich anfing, meinen Bauch zu hören und ihn nicht als teuflische Stimme zu sehen, war dies der Anfang, einen stärkeren Farbsinn in meiner eigenen Arbeit zu haben. Habe ich sofort angefangen, Erfolg mit meinen Farben zu genießen? Nicht genau. Es dauerte immer noch Zeit, um herauszufinden, mit welchen Farben ich am besten gearbeitet habe. Aber schließlich könnte ich mich entscheiden, welche dieser Stimmen ich hören soll. Eine der schwierigsten Dinge, die Sie in der professionellen Kreativität tun können, ist es, künstlerische Entscheidungen zu treffen , weil Sie nicht nur für sich selbst, sondern auch für Ihre Kunden, und natürlich nicht nur für Ihre Kunden, sondern auch für ihre -Zielgruppen auch. Diese alle werden Stimmen in unseren Köpfen, Engel und Dämonen auf unseren Schultern, die uns widersprüchliche Richtung geben. Also stecken wir fest, um herauszufinden, welche von ihnen zu hören sind , oder wir versuchen, sie alle mit gleicher Gewicht zu umarmen. Wir werden in zu viele verschiedene Richtungen gezogen. Aber hier ist die Sache, wir sind Kreative. Wir sind diejenigen, die die künstlerische Vision leiten sollen. Es ist nicht der Kunde und das Publikum, die letztendlich den stärksten Sinn für Richtung geben sollten , wenn wir unsere Kunst machen. Nun, ich weiß, das ist die beste und schlimmste Nachricht auf einmal. Wir sind aufgerufen, die Kreativen zu führen, und Führung ist beängstigend, weil sie uns verantwortlich macht für das, was als nächstes passiert. Aber um zu führen, müssen wir lernen, unseren Mut zu vertrauen und zu wissen, was wir mögen und wozu wir am meisten hingezogen sind. Es ist unsere kreative Richtung, unsere Sensibilität in Stil, Konzept in Farbe, für die wir letztendlich eingestellt werden. Wenn wir herausfinden müssen, welche Stimme wir hören sollen, sollten wir unsere Instinkte immer priorisieren. Der Fang ist, dass wir unsere Instinkte trainieren und schärfen müssen. Das tun wir durch Studium, Anwendung und Praxis. Wenn es etwas gibt, das du aus dieser Klasse herauskommst, ist es eher eine Fähigkeit, diese Dinge mit mehr Absicht und Erfolg zu tun. 8. Traditionelle Farbtheorie: Da Farbtheorie für jeden Illustrator eine wesentliche Fähigkeit ist, wollte ich die Grundlagen durchlaufen. Dies ist keineswegs ein tiefer Einstieg in das Thema, aber es wird uns definitiv alle auf die gleiche Seite bringen, so dass wir in dieser Klasse und in unserer Arbeit mehr über Farbe sprechen können . Mit der traditionellen Farbtheorie meine ich das Farbensystem, das wir wahrscheinlich in der Grundschule gelernt haben, mit Rot, Gelb und Blau als Primärfarben und Orange, Violett und Grün als Sekundärfarben, und die dazwischen diese als die tertiären Farben: rot-orange, rot-violett, gelb-orange, gelb-grün, blau-grün und blau-violett. Theoretisch können Sie Rot, Gelb und Blau kombinieren, die Primärwerte, um all diese anderen Farben zu erstellen. In der traditionellen Farbtheorie sind diese 12 Farben in einem Kreis angeordnet, um das Farbrad zu bilden. Die drei Vorwahlen bilden ein Dreieck, das nach oben zeigt. Dann bilden die drei Secondaries ein überlappendes Dreieck, das wie ein sechszackiger Stern nach unten zeigt. Dann füllen die Tertiäre die sechs Leerzeichen zwischen diesen Punkten aus. Oft sehen Sie auch einen dunklen oder schwarzen Kreis in der Mitte , der theoretisch alle Farben kombiniert wird. Das Farbrad ist nicht nur nützlich, um zu zeigen wie Primärfarben mischen und sekundäre Farben erzeugen usw., sondern auch um bestimmte formale Farbbeziehungen, die als Farbschemata oder Harmonien bezeichnet werden, zu visualisieren . Obwohl es viele mögliche Schemata gibt, würde ich sie auf nur fünf aufkochen. Monochromatisch, analog, komplementär, triadisch und tetradic. Lasst uns jedes durchgehen. Monochromatische Farbschemata verwenden nur eine Farbe in verschiedenen Farbtönen und Schattierungen. Ein altmodisches Sepia-Tonfoto und eine Bleistiftzeichnung sind Beispiele für monochromatische Farbschemata. Ein monochromatisches Farbschema gilt als nie versagen Farbschema, was bedeutet, dass Farben immer harmonisch sein werden, egal was Sie tun . Analoge Farbschemata verwenden zwei oder mehr aufeinander folgende Farben auf dem Farbrad. Zum Beispiel sind Rot, Orange und Gelb analog, weil sie nebeneinander sitzen. Da der Sprung von einem Farbton zum nächsten kein großer Sprung in einer analogen Palette ist, funktionieren die Farben natürlich gut miteinander , weil sie entweder eine ähnliche Eigenschaft teilen, insbesondere die, warm oder kühl zu sein, oder sie wechseln allmählich von einem zum anderen. Komplementäre Farbschemata basieren auf Farben, die einander auf dem Farbrad gegenüberstehen. Rot und Grün sind Komplementärfarben, ebenso wie Lila und Orange. Komplementärfarben haben in der Regel auch entgegengesetzte Farbtemperaturen. Rot und Grün sind wärmer bzw. kühler. Wenn zwei komplementäre Farben nebeneinander bei voller Intensität verwendet werden, kann der Effekt tatsächlich ziemlich schräg sein, dem viele Künstler absichtlich auffällige Farbschemata erstellen. Bei Verwendung mit unterschiedlichen Intensitäten und Werten schaffen komplementäre Farbschemata ausgewogene, harmonische Paletten. Farben, die in der Nähe von Gegensätzen auf dem Farbrad sind, werden als Split-Komplementär bezeichnet. Während diese als separate Farbschemata gelten, möchte ich sie für unsere Zwecke in den Gesamtschirm komplementärer Farbschemata zusammenfassen. Komplementäre und fast komplementäre Farbschemata sind einfach zu bedienen, einfach zu mögen, und deshalb gehören sie zu den beliebtesten. Triadische Farbschemata basieren auf drei Farben, die ein Dreieck auf dem Farbrad bilden. Das wichtigste triadische Farbschema ist Rot, Gelb und Blau, die drei Primärformen, die ein gleichseitiges Dreieck auf dem Farbrad bilden. Alle drei Farben, die grob ein Dreieck bilden, können als triadisch betrachtet werden. Triadische Farbschemata, insbesondere solche, die primäre oder primäre benachbarte Farben betreffen , sind ebenfalls einfach zu bedienen und sehr beliebt in der kommerziellen Kunst. Wie wir im Projekt sehen werden, kann sich eine einfache Palette, die auf diesem Farbschema basiert als sehr vielseitig und harmonisch erweisen. Das tetradic Farbschema ist die letzte Bushaltestelle auf dieser Tour der Farbharmonien. Aber es gibt nicht viel zu sehen. Tetra bedeutet vier, damit du siehst, wohin das geht. Wenn es darum geht, einfache, begrenzte Paletten zu verwenden, können Sie, sobald Sie vier Quellfarben haben, genauso gut fünf, sechs oder 600 haben. Für mich hören Farbharmonien auf, einfach zu finden oder all das für die meisten Illustratoren nützlich zu sein, wenn wir drei Grundfarben vorbeigehen. Für unsere Zwecke können wir tetradic Farbschemata ignorieren, weil sie uns nicht helfen, unsere Farben so zu begrenzen, wie es die rudimentären Farbschemata tun. Nun, ich habe bereits über einige Farb-Terminologie wie Farbton, Wert, Intensität und so etwas angehäuft. Aber das sind sehr wichtige Wörter, um Farbe zu beschreiben. Lass uns über sie reden. Im Folgenden sehen Sie, was ich als die wichtigsten Begriffe für die Beschreibung der Farbe halte. Farbton, Intensität und Wert. Farbton, Intensität und Wert sind drei Wörter, die Sie viel hören, wenn Sie über Farbe sprechen. Sie gelten als die drei Eigenschaften einer bestimmten Farbe. Während sie miteinander verknüpft sind, schauen wir uns einfach jede Komponente einzeln an. Farbton ist oft das, was wir meinen, wenn wir Farbe sagen, aber Farbton ist spezifischer als Farbe. Farbton bezieht sich auf eine der 12 Quellfarben des Farbrades. Farbton kann als eine Farbe in seiner reinsten Form betrachtet werden. Eine Farbe hingegen ist allgemeiner Ausdruck eines Farbtons oder einer Mischung von Farbtönen in jedem Farbton, Tönung oder Ton. Wert bezieht sich auf die wahrgenommene Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe. Bei einer reinen Graustufen von Schwarz bis Weiß wäre das Weiß der hellste Wert hätte überhaupt keinen Wert, und das Schwarz wäre der am stärksten abgedunkelte Wert mit Maximalwert. Farbtöne haben inhärente Werte. Zum Beispiel ist reines Gelb im Vergleich zu reinem Blau von Natur aus heller. Intensität bezieht sich auf die Reinheit eines Farbtons. Wenn Sie ein reines Spektrum rot aus einem Farbrohr quetschen, wird gesagt, dass es an seiner intensivsten Form ist. Alles, was Sie tun, um dieses reine Rot zu modifizieren, wird seine Intensität verringern. Es wird langweiliger, wenn Sie andere Farben hinzufügen oder wenn Sie mehr Weiß hinzufügen oder es anderweitig verdünnen. In jedem Fall werden die roten Pigmentpartikel buchstäblich weniger konzentriert. Eine gegebene Farbe hat einen einzigartigen Farbton, Wert und Intensität. Es gibt zwei endgültige Begriffe zu definieren, bevor wir von dieser kleinen Grundierung auf einer traditionellen Farbtheorie übergehen : Tönungen und Schattierungen. Ich denke, wir alle wissen, was diese bedeuten, aber in der Farbtheorie haben sie eine ganz spezifische Bedeutung. Farbtöne sind das Ergebnis des Hinzufügens von Weiß zu einer Farbe. Je mehr Sie dazu neigen, zu färben, desto mehr Weiß fügen Sie hinzu, bis es schließlich in reinem Weiß verschwindet. Dies ist verwirrend, da wir Tönung in der gemeinsamen Sprache anders verwenden. In der Tat habe ich es sogar falsch in dieser Klasse im technischen Sinne verwendet. Wenn Sie beispielsweise getönte Scheiben auf Ihrem Fahrzeug wünschen, möchten Sie, dass sie dunkler sind. Wenn wir sagen, dass jemand das Leben durch Rosengläser sieht, meinen wir, dass die Brille, die sie durchschauen, eine Farbe für sie haben. Wir meinen nicht, dass sie durch Gläser schauen, die auch weiß hinzugefügt haben, das wäre einfach milchig und seltsam. Verwenden Sie unser neues Vokabular, um zu beschreiben, was hier passiert, wenn Sie einen Farbton einer Farbe erstellen, senken Sie sowohl ihre Intensität als auch ihren Wert. Pastellfarben werden hergestellt, indem Weiß zu Quelltönen hinzugefügt wird, wodurch alle Pastellfarben getönt werden. Schattierungen sind das Ergebnis des Hinzufügens von Schwarz zu einer Farbe. Je mehr Sie eine Farbe schattieren, desto mehr Schwarz fügen Sie hinzu, bis Sie keinen Schwärzer bekommen können. Das Wort macht tatsächlich Sinn, wenn man über Schatten und Schatten nachdenkt und wie sie ähnlich klingen, Schatten verdunkeln Dinge. Wie auch immer, jetzt wissen Sie, dass ein Farbton technisch eine dunklere Version einer Farbe ist, die durch Hinzufügen von Schwarz erstellt wurde. Gehen Sie einfach nicht herum und korrigieren Sie Leute über ihren Missbrauch dieses Begriffs oder Sie werden nicht mehr zu Partys eingeladen. Das schließt unsere kurze Ausbildung zur traditionellen Farbtheorie ab. Es ist nicht alles, was es zu wissen gibt, aber es ist alles, was Sie für die Zwecke dieser Klasse wissen müssen. nächsten Schritt werden wir uns einige verschiedene Farbmodelle ansehen , die für Illustratoren sehr wichtig sind. 9. Der digitale Unterschied: In der traditionellen Farbtheorie überprüfen wir die grundlegenden Farbprinzipien, die wir vor allem kennen, seit wir wirklich jung waren. Vielleicht haben Sie die ganze Zeit gedacht, dass Rot, Gelb und Blau die einzigen Grundfarben sind, und das ist das Ende der Geschichte. Tut mir leid zu sagen, dass man dir nicht die ganze Geschichte erzählt hat. Es gibt andere Primärfarben und manchmal sogar die Farben, die wir immer als Primärfarben gedacht haben , sind eigentlich sekundär. Lassen Sie mich erklären. Was die traditionelle Farbtheorie traditionell macht, ist, dass sie alt ist. Alt bedeutet nicht schlecht, es basiert nur weitgehend auf traditionelleren Möglichkeiten, Farben zu schaffen und zu mischen, nämlich mit Farbe oder Pigment. Rot, Gelb und Blau sind pigmentbasierte Primärwerte, und Sie können diese Farbfarben buchstäblich mischen, um die sekundären und tertiären mehr oder weniger zu erstellen . Aber ich werde die Vermutung hetzen und sagen, dass die meisten von uns nicht mit Pigment illustrieren. Selbst wenn wir irgendwo auf dem Weg Farbe verwenden, landet alles in Pixeln. Ich rede von Bildschirmen. Wenn Sie digitale Illustrationswerkzeuge wie Procreate, Photoshop verwenden , sind Sie zweifellos auf den Begriff RGB gestoßen. RGB steht für Rot, Grün und Blau. Dies ist das Farbmodell oder der Farbraum, das von digitalen Geräten verwendet wird, die auf den Bildschirm ausgegeben werden. Im RGB-Farbraum sind Rot, Grün und Blau die Primärwerte und Secondaries sind völlig kontrastierend intuitiv. Cyan, Magenta und Gelb Wenn Sie sich mit dem Drucken auskennen, erkennen Sie diese sekundären Dateien als Primärdrucker, aber wir werden im nächsten Abschnitt mehr darüber erfahren. Beim traditionellen Pigment-basierten RYB-Farbmodell werden sie dunkler, wenn Sie zwei oder mehr Farben mischen. Durch Hinzufügen aller Farben wird effektiv die dunkelste Farbe erzeugt, die theoretisch schwarz ist. Wenn neue Farben gemischt werden, nimmt die Menge an Licht, die von der Seite reflektiert wird, ab, weshalb wir dieses Modell als subtraktiv bezeichnen. Hinzufügen von Farbe zu der Seite verringert wie viel Licht bestimmte Wellenlängen von ihr und in Ihre Augen abprallt. Der RGB-Farbraum hingegen ist lichtbasiert. Neue Farben werden gemacht, indem mehr Licht bestimmter Wellenlängen hinzugefügt wird. Zum Beispiel, um Cyan zu erhalten, fügen Sie Blau und Grün hinzu, die auf einem Bildschirm tatsächlich winzige kleine Lichter sind, die von ausgeschaltet oder schwarz bis zu ihrer hellsten reinsten Form von Rot, Blau oder Grün dimmen . Aufgrund der Art, wie Licht hinzugefügt wird, um neue Farben zu erzeugen, wird dieser Farbraum additiv genannt. Während die Begriffe additiv und subtraktiv für uns als Illustratoren weitgehend unbedeutend sind , ist es hilfreich, ein wenig darüber zu wissen, wie und warum Farben sich auf Bildschirmen so anders verhalten als auf Papier. Es liegt an diesem Unterschied zwischen additiver und subtraktiver Farbe. Wenn Sie etwas davon nehmen, sollten Sie zumindest verstehen, wie RGB-Nummern oder -Codes funktionieren und wie sie den Farben entsprechen, die Sie verwenden. Um dies zu demonstrieren, öffne ich das Farbwähler-Tool in Illustrator, nur um Ihnen dies zu zeigen. Wenn ich meine RGB-Werte alle auf Null setze, ist die resultierende Farbe schwarz. Wenn ich sie alle auf den höchsten Wert setze , der zufällig 255 oder FF im nerd-freundlichen Hexadezimalformat ist, bekomme ich weiß. Neben diesem kleinen Feld unten können Sie einen RGB-Wert im Hexadezimalformat eingeben, oder Sie können einen resultierenden RGB-Code kopieren, um anderswo zu verwenden, z. B. auf einem Website-Design. Sehen Sie sich nun an, was passiert, wenn ich nur lesen auf 255 und die anderen auf Null setze, bekomme ich die reinste Form von Rot, die auf meinem Bildschirm verfügbar ist. Das gleiche für Grün und Blau zu tun, während die anderen beiden auf Null gesetzt werden, gibt mir jede Farbe in ihrer reinsten Form. Um die Secondaries zu erhalten, setze ich einfach zwei beliebige Farben auf 255 oder FF und lasse die andere auf Null. Durch die Variation dieser Zahlen sind alle 16,7 Millionen Farben im RGB-Farbraum möglich. Auch hier müssen Sie kein Computernerd sein, um mit RGB-Farben zu arbeiten. Dies ist alles nur hilfreich, um diese Zahlen, Codes und Schieberegler weniger zufällig erscheinen zu lassen. Was Sie wissen müssen, ist, wie sich das Farbrad in digitaler Farbe ändert und wie dies wiederum die Farbbeziehungen oder Schemata ändert, die wir im roten, gelben, blauen Farbmodell kennen gelernt haben. Das Farbrad in RGB wird oft als kreisförmiges Spektrum oder Farbverlauf angezeigt von Gelb über Orange über Rot über Magenta zu Blau zu Cyan usw. übergeht. Aber für unsere Zwecke kann es auch in einer einfacheren Art und Weise mit nur drei Primär- und drei Secondaries arrangiert werden , und wenn Sie auch einige Tertiäre wollen. Wenn Sie die fünf Farbschemata anwenden, die im letzten Video erwähnt wurden, können Sie sehen, dass die tatsächlichen Farben in diesen Beziehungen unterschiedlich sind. Grün ist nicht mehr die Ergänzung von Rot. Stattdessen ist es Cyan. Blau ist das direkte Kompliment von Gelb statt Lila und so weiter. Jetzt haben wir in der traditionellen Farbtheorie über Farbtonwert und -intensität gesprochen. In digitaler Farbe sprechen wir mehr über Farbtonsättigung und Helligkeit. Diese sind ähnlich, aber ein bisschen anders, vor allem aufgrund der Unterschiede zwischen den additiven und subtraktiven Farbräumen, die wir gerade durchgemacht haben. Um diese Begriffe zu demonstrieren, ist es hilfreich, mein Farbauswahlwerkzeug in Photoshop wieder aufzurufen. Während wir hier sind, werde ich nur darauf hinweisen, dass Sie, wenn Sie eines der Adobe-Programme verwenden, sich mit diesem Farbwähler-Tool vertraut machen sollten. Gewöhnen Sie sich besonders an die Arbeit im HSB-Modell im Farbtonmodus. Sie tun dies, indem Sie auf das Optionsfeld neben H klicken, genau hier. Dadurch erhalten Sie ein Spektrum von RGB-Farbtönen und einen Schieberegler in der Mitte der Farbwähler-Toolbox. Wo auch immer der Schieberegler ist, das ist der ausgewählte Farbton. Dann befindet sich im großen Quadrat auf der linken Seite ein Farbverlauf aller möglichen Tönungen und Schattierungen für diesen Farbton. Die resultierende Farbe aus all diesen Schiebereglern und was nicht erscheint im neuen Farbfeld. Ein kleines Rechteck rechts vom Farbstreifen. Während wir weitermachen, zeige ich Ihnen, was alles und das Farbwählerwerkzeug bedeutet, oder zumindest die Dinge, die für unsere Zwecke wichtig sind, für diejenigen, die mit Procreate arbeiten. Wenn Sie klassisch in Wert-Farbwerkzeugmodi verwenden, haben Sie im Grunde dasselbe zu arbeiten. Es ist nur, dass sie auf zwei verschiedenen Menüs statt auf einem. Farbton bleibt hier die gleiche wie im traditionellen RYB-Farbraum. Es ist die Quelle oder reinste Form einer gegebenen Farbe. Hier im Farbwähler wird der Farbton in Grad ausgedrückt. Wenn Sie den Farbspektrumstreifen in einem Kreis umwickeln, bezieht sich der Gradwert auf eine Position auf diesem Kreis. Persönlich denke ich nie an die besonderen Zahlen für Farbtonsättigung und Helligkeit. Es ist alles sehr visuell für mich. Ich achte mehr auf die Farbe selbst, die ich auf dem Bildschirm sehe. Sättigung ist sehr ähnlich wie Intensität. Je gesättigter eine Farbe ist, desto intensiver und reiner wird das Ergebnis in Farbton. Farbton wird als Prozentsatz ausgedrückt, wobei Null Prozent die niedrigste Sättigung und 100 Prozent die höchste oder intensivste ist. Wenn Sie diese Zahl ändern, wird das Ziel über dem Farbverlaufsquadrat der Sättigung nach links und rechts mit niedrigeren oder dunkleren Sättigungswerten nach links und höheren oder helleren Werten nach rechts verschoben. Bei null Prozent ist das Ergebnis nur ein Schwarzweißwert. Es gibt keine Farbe. Helligkeit ist natürlich sehr ähnlich wie Wert. Die Helligkeit beschreibt natürlich, wie hell oder dunkel eine Farbe ist. Es wird auch beschrieben, als ein Prozentsatz war Null Prozent der am wenigsten hellsten oder dunkelsten, und 100 Prozent ist die hellste oder hellste. Durch Ändern dieses Prozentsatzes geht das Ziel über dem Gradientenquadrat nach oben und unten, wird dunkler und niedriger, wenn eine Zahl abnimmt und heller und höher, wenn die Zahl zunimmt. Bei einer Helligkeit von null Prozent wird die Farbe auf Schwarz reduziert. Interessant am HSB-Modell ist, dass es eine Alternative zur Beschreibung von Farben in Bezug auf RGB-Werte ist. Was ich am HSB-Modell mag , ist , dass es intuitiver ist, wenn man mit digitalen Farben arbeitet. Das liegt daran, dass ich im digitalen Bereich nicht wirklich daran denke, Primär- und Sekundärfarben zu mischen, wie ich Farbe verwenden würde. Farben sind nicht gemischt. Sie sind nur da, indem Sie einen Code einschlagen. Farbton, Sättigung und Helligkeit sind hilfreich, da sie eine Beschreibung der Farbe liefern , die intuitiver ist. Sobald ich meinen Farbton eingestellt habe, kann ich leicht verstehen, was es bedeutet, ihn mehr oder weniger gesättigt, mehr oder weniger hell oder beides zu machen . Während wir hier sind, möchte ich nur auf ein paar weitere Dinge hinweisen , die in der Farbauswahl geschehen. Wie ich schon sagte, halten Sie es einfach im Farbtonmodus und Sie werden gut für den Rest dieser Klasse und wahrscheinlich für das Leben sein. Wir haben bereits gesehen, was passiert, wenn wir Zahlen sowohl in den HSB-Boxen als auch in den RGB-Boxen anpassen . Hier gibt es vier Modelle HSB, RGB, Lab und CMYK. Sie sehen, wie eine Wertänderung in einem dieser Modelle mit Änderungen in allen anderen Modellen übereinstimmt. Sie sind alle verschiedene Darstellungen oder Modelle, die verwendet werden, um Farbe auf dem Bildschirm darzustellen. Ich werde nur sagen, dass ich nichts über Laborfarbmodell weiß, also können wir das wahrscheinlich für den Rest Ihres Lebens völlig ignorieren. CMYK betrifft, werden wir im nächsten Video mehr darauf eingehen. Aber vorerst sollten wir wissen, dass CMYK ein druckbasiertes Farbmodell ist , wobei jeder Buchstabe einem der Primärwerte des Druckers entspricht: Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz. Beim CMYK- oder Offsetdruck werden alle Farben erstellt, indem gesteuert wird, wie viel der Primärwerte auf Papier festgelegt ist. Die Prozentsätze hier beziehen sich darauf, wie viel von jeder Tinte benötigt wird, um eine bestimmte Farbe zu erzeugen. Während wir im nächsten Video mehr in CMYK eingehen, möchte ich auf etwas hinweisen, das Sie von Zeit zu Zeit sehen werden , wenn Sie den Farbwähler verwenden, der die Gamutwarnung ist. Möglicherweise sehen Sie rechts neben dem neuen Farbfeld ein kleines Warnzeichen und ein kleines Farbfeld. Wenn Sie dies sehen, warnt Sie das Farbwerkzeug, dass die auf dem Bildschirm angezeigte Farbe nicht gedruckt werden kann. Das liegt daran, dass RGB einen viel breiteren Farbumfang oder einen größeren Farbbereich aufweist als CMYK. Es gibt Farben möglich mit lichtbasierten Bildschirmen, die nicht in Tinte dargestellt werden können. Vergleichen Sie 16,7 Millionen Farben in RGB mit nur 16.000 möglichen Farben in CMYK. Wenn Sie diese Farbskala Warnung sehen, heißt es im Grunde, wenn Sie dieses Bild drucken, ändern Sie besser die Farbe in etwas CMYK-freundlicheres oder jemand anderes wird es für Sie tun, und Sie mögen vielleicht nicht die Ergebnis. Farben im RGB-Raum können elektrisch und oft sehr grell sein. Vergleich dazu werden Farben im CMYK-Bereich auf Ihrem Bildschirm stumpfer angezeigt. Sie werden diesen Unterschied besonders in Procreate bemerken. 10. Brücke zwischen Digital und Druck: In diesem Abschnitt möchte ich nur durchgehen, wie Farbe im Druck funktioniert. Als Illustratoren arbeiten wir wahrscheinlich digital und ein Großteil unserer Arbeit lebt nur im digitalen Raum, aber natürlich wird so viel von unserer Arbeit auf Papier landen, sei es auf den Seiten einer Zeitschrift oder eines Buches, auf einem Paket oder einem Plakat. In diesen Fällen muss die Farbe aus dem digitalen Raum zurück in einen pigmentbasierten Druckraum übersetzt werden. Im Standard-Akzidenzdruck werden die vier Primärfarben Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz verwendet, um alle anderen Farben zu erstellen. Wie wir im letzten Video gesehen haben, im RGB-Raum C, sind im RGB-Raum C,M und Y tatsächlich die sekundären Farben. Beim CMYK-Druck wird dieser Wert von innen nach außen mit Cyan, Magenta und Gelb als Primärwerte und R, G und B oder Rot, Grün und Blau als sekundäre Verzeichnisse umgedreht und Gelb als Primärwerte und R, G und B oder Rot, . Was auch immer Sie mit diesen Informationen tun, wenn es eine Ähnlichkeit zwischen RGB- und CMYK-Räumen überhaupt gibt, es die Farbschemata. Analoge ergänzende und triadische Farbschemata sind in beiden ziemlich gleich. Der große Unterschied ist der Farbskala, Farben sind weniger intensiv im CMYK-Farbraum. Eine große Sache am CMYK-Druck ist, wie neue Farben aus diesen vier Tinten, nämlich mit Halbtönen, hergestellt werden. Wenn Sie sich alles super nahe ansehen, was gedruckt wurde, werden Sie wahrscheinlich sehen, dass es mit winzigen Punkten dieser vier Primärien gemacht wird. Das werden wir am deutlichsten in einem alten Comicbuch oder in farbigen Zeitungen sehen. Im Offsetdruck wird jede Tinte von ihrer eigenen Platte oder Trennung bedruckt. Die vier Platten gehen an der gleichen Stelle auf einem Blatt nach unten und führen zu Tausenden von Farben. Halbtöne wurden erfunden, um ein Problem im Druck zu lösen, was das ist. Die Platten für Tinten sind im Grunde große Stempel psychisch in einer Farbe der Tinte bedeckt und dann auf ein Blatt Papier gelegt. Ein Bild kann viele verschiedene Farben in allen Arten von Variationen haben, aber ein Stempel kann nur eine Farbe nach unten platzieren. Daher müssten Sie für jede Farbe und Variation eine separate Tintenfarbe auf einer separaten Platte haben. Für Vollfarbkunst wird das technisch komplex und sehr teuer. In der digitalen Illustration können Sie leicht die Deckkraft einer Farbe zu sagen 25 Prozent, keine große Sache, aber man kann nicht 25 Prozent Cyan Tinte mit einem Stempel setzen, streng genommen. Aber wenn Sie Tinte und eine ganze Reihe von kleinen Punkten platzieren können , die 25 Prozent einer bestimmten Fläche abdecken, dann erhalten Sie eine effektive 25-prozentige Tönung dieser Farbe. Obwohl es nicht perfekt ist, ist es das nächste Beste, um Cyan- und Weißtinten zu mischen. Im Laufe der Zeit haben clevere Menschen eine Möglichkeit erfunden, nur vier Tinten zu verwenden , um fast jede für unsere Augen wahrnehmbare Farbe zu kreieren, was den Vollfarbdruck zu einem erschwinglichen und allgegenwärtigen Prozess macht, den wir heute haben. Während die meisten Druckverfahren Halbtöne verwenden, um neue Farben zu erstellen, gibt es eine andere Möglichkeit, die von traditionelleren Drucktechniken namens Überdruck verwendet wurde . Natürlich habe ich schon viel darüber gesprochen, in dieser Klasse zu überdrucken. Überdruck ist genau so, wie es klingt, wenn es über einem anderen gedruckt wird. Da Tinte eine gewisse Transparenz hat, wird eine neue, dunklere und gesättigtere Farbe erzeugt, bei der zwei Farben übereinander gedruckt werden. Während Sie nicht so etwas wie die Palette der Farben möglich mit Halbtönen bekommen, gibt es etwas ganz Schönes darüber, wie zwei Farben aussehen, wenn sie überdruckt sind. Bei der digitalen Darstellung können Überdrucke wie diese im Mehrfach-Layer-Mischmodus emuliert werden. Es ist kein Geheimnis, dass so viel von meiner eigenen Arbeit durch begrenzte traditionelle Drucktechniken wie Buchdruck und Siebdruck beeinflusst wurde . Was ich an diesen Techniken liebe die physikalischen Eigenschaften der Tinte, wie sie auf der Seite erscheint. Aber ich liebe es auch, wie die limitierten Paletten kreativ eingesetzt werden. Da jede Tinte Komplexität und Kosten zu einem Druck beiträgt, müssen die Farben begrenzt sein. Da Tinten nur einfarbig sinken können, müssen Bilder mit massiveren Farbblöcken erstellt werden, möglicherweise mit einer dunklen Linie oder cleveren Verwendung von negativem Raum unterbrochen werden. 11. Übung 1: Farbselbstauskunft: Die nächsten drei Übungen sollen Ihnen helfen, Hinweise auf Ihren eigenen einzigartigen Farbensinn zu finden. Die Arten von Farben, die Sie lieben, und die Art, wie Sie sie in Ihrer Arbeit verwenden möchten. Diese Übungen sind die notwendige Verbindung zwischen der Theorie des letzten Abschnitts und der Anwendung, die wir tatsächlich im abschließenden Projekt durchführen werden. Die erste Übung wird als Farb-Selbstinventur bezeichnet. Ein Farb-Selbstinventar ist eine Sammlung von 5-10 Lieblingsstücken Ihrer eigenen Illustrationen oder Kunstwerke, besonders in Bezug auf Farbe. In dieser Übung werden wir einige Beobachtungen oder Notizen machen und wir werden sie über unsere Bilder schreiben oder sie separat ausschreiben. Ein optionaler Teil dieser Übung besteht darin, einige tiefere Überlegungen zu diesem Satz als Antwort auf einige auffordernde Fragen zu machen , die ich auf der Seite „Klassenprojekte und Ressourcen“ gepostet habe . Der Zweck dieser Übung besteht darin, Farben zu identifizieren, die wir bereits verwenden. Vor allem die Farben, auf die wir uns immer wieder zuwenden scheinen. Dies wird ein großer Hinweis auf unsere natürlichen Farbsets sein. Ein weiterer Zweck dieser Übung besteht darin, Links zu finden zwischen der Art und Weise, wie wir Farbe verwenden, und den Werkzeugen, Techniken und Stilen oder Medien, die wir in unserer Arbeit verwenden. Das Ergebnis dieser Übung wird ein stärkeres Gefühl für die Farben, die Sie mögen und wie Sie sie in Ihrer Kunst verwenden. Wir werden auch die Ergebnisse dieser Übung in Übung 3 verwenden, in der wir eine einfache Palette erstellen. Wir werden die Farben verwenden, die wir beobachten oder aus dieser Übung herausgreifen , als Grundlage unserer einfachen Palette später. Ich werde nur schnell die Anweisungen durchgehen, wie Sie Ihre eigene Farb-Selbstinventur machen können und natürlich zeige ich Ihnen meine eigene Farb-Selbstinventur als Beispiel. Verbringen Sie zunächst einige Zeit damit, durch Ihren Arbeitskörper zu schauen, mit dem Ziel, 5-10 Ihrer Lieblingsbilder auszuwählen, besonders in Bezug auf die Farbe. In meinem Beispiel, das ich mit Ihnen teilen werde, beschränkte ich die Bilder, die ich in mein Set gesetzt habe, auf meine kommerzielle Arbeit zwischen 2013 und 2015, was eine Zeit war, als ich immer noch ein bisschen überall mit meinen Farben war. Ich kam definitiv etwas Konsistenteres nahe, aber ich war nicht ganz da, wo ich heute bin. Ein weiterer Grund, warum ich dieses Zeitfenster in der Vergangenheit, 2013-2015, gewählt habe, ist einfach, weil ich heute, im Jahr 2021, als ich diese Klasse aufgenommen habe, jetzt ein ziemlich konsistentes Gefühl für Farbe habe, das ich seit einiger Zeit benutze. Ich wollte mich in eine Zeit zurücknehmen, in der ich weniger zuversichtlich war, was meiner Meinung nach diese Übung viel mächtiger und vielleicht relevanter für viele von Ihnen in Ihren eigenen Situationen machen würde . Das nächste, was Sie tun möchten, ist, Ihre Auswahl auf einer Seite zu arrangieren , so dass Sie sie alle auf einmal als Set sehen können. Die Seite sollte etwa acht mal 10 Zoll in vertikaler Ausrichtung sein. Ich verwende die standardmäßigen Bildschirmabmessungen auf meinem iPad mit Procreate. Viele von Ihnen werden wahrscheinlich das am einfachsten finden. Nachdem Sie eine neue Datei oder ein neues Dokument erstellt haben, können Sie oben oben einen Titel hinzufügen, der mit der Bezeichnung „Farbself-Inventory“ und Ihrem Namen übereinstimmt. Jetzt ist es an der Zeit, einige schnelle Beobachtungen über Ihr Set zu machen. Wenn Sie in der Lage sind, schreiben Sie sie irgendwo auf der gleichen Seite wie Ihre Bilder. Sie können Pfeile und Linien verwenden, um bestimmte Dinge hervorzurufen, und Sie können Ihre Beobachtungen auch in Punktform notieren. Ich habe eine Liste auf meiner genannt, Was ich mag /beobachten. Als optionaler Deep Dive können Sie die Fragen zur Aufforderung von der Seite „Klassenprojekte und Ressourcen“ herunterladen und einige gründlichere Beobachtungen zu Ihrem Set schreiben. Wenn Sie fertig sind, posten Sie Ihre Bilder und Notizen, falls sie getrennt sind, in Ihrem Klassenprojekt. Hier ist mein Farb-Selbstinventar, und wie ich bereits sagte, wollte ich mich nur auf die Arbeit von 2013-2015 konzentrieren. Auch hier war dies nur eine Zeit, in der meine Farben immer noch ganz überall waren. Ich fühle mich, als würde ich definitiv an einen besseren Ort kommen, aber ich war noch nicht ganz da. Dies ist nur ein schönes Zeitfenster oder ein Zeitpunkt für mich, dass eine Übung wie diese wirklich hilfreich gewesen wäre. Ich habe wahrscheinlich zwei oder drei Stunden damit verbracht, wirklich tief zu gehen und nach all diesen Bildern zu suchen. Es dauerte eine lange Zeit, teilweise, weil ich Festplattenlaufwerke und solche Sachen bekommen musste. Aber es dauerte auch eine lange Zeit, denn es gab einfach so viel Arbeit zur Auswahl. Was ich hier getan habe, ist, dass ich gerade eine Reihe von Notizen und Reflexionen über meine Arbeit gemacht habe, und ich habe es gerade oben auf der Seite hier geschrieben. Wenn Sie dies zu beschäftigt finden, können Sie Ihre Beobachtungen einfach auf einer separaten Seite eingeben, das ist völlig in Ordnung. Ich mag die Unmittelbarkeit davon und dann kann ich das einfach ganz einfach in mein Klassenprojekt hochladen. schaue nur durch diese, gehe durch meine kleinen kritzelten Notizen hier, meine Beobachtungen und Dinge, die ich mag, sind Dinge wie das Drucken von Texturen, viele handgefertigte Elemente und kleine Handschrift, viele davon physische Medientexturen, die ich innerhalb von Formen platziert habe, um ihm mehr visuelles Interesse und ein Gefühl von Textur zu geben. Natürlich, rufen Sie einige der Farben, die ich verwendet habe, obwohl Farben überall hier sind, können Sie sehen, dass ich eine Menge Rot verwendet habe. Rot ist wahrscheinlich meine dominanteste Farbe, oder rot getönte Cousine, rosa. Ich habe auch eine Menge Rosa hier drin. Ich würde sagen, eine der anderen dominierenden Farben ist dieses tiefere Goldgelb. Sie sind nicht alle ganz wie dieses super helle Gelb, wie ich in der Linie hier, sie sind tiefer goldener Ton zu ihnen. Das siehst du definitiv in diesem Arrangement hier, und du siehst sie in diesem Stier, obwohl es andere Gelbtöne gibt, sind das diejenigen, die ich mag, also habe ich sie gerade ausgerufen. Natürlich habe ich über Pink gesprochen. Ich habe hier viele helle Rosa in verschiedenen Tönen, ich weiß nicht warum, ich bin nur von ihnen in meiner Arbeit angezogen und so werde ich diese definitiv herausrufen. Natürlich haben wir Sortierung und Cyan. Ich habe keinen echten Blues hier drin, aber Teals und Cyans tauchen definitiv auf. Dann natürlich, eine Sache, die ich für bemerkenswert hielt, obwohl ich schwarz in einigen von diesen verwende, denke ich im Laufe der Zeit, dass ich angefangen habe, diese tiefe Marine als meine dunkelste Farbe zu verwenden. Als ich angefangen habe, das zu tun, habe ich tatsächlich angefangen, das zu tun. Das ist eine Sache, auf die ich definitiv umgestellt , wahrscheinlich tatsächlich, als ich dieses Projekt hier gemacht habe. Dies war ein Projekt, das ich für ein Weingut in San Antonio gemacht habe. Aus welchem Grund auch immer, ich kann mich nicht erinnern, ob es ein Kundenwunsch war oder ob es etwas war, das ich nur so fühlte, als ob ich es tun wollte, ich benutzte diese tiefe Marine anstelle von Schwarz und ich fühlte mich, als hätte es die Bilder ein bisschen leichter gemacht, weniger schwer, als wenn Sie ein Full-on schwarz verwenden, und viel mehr unverwechselbar und jetzt, da ich es die ganze Zeit in meiner Arbeit benutze, denke ich, das ist ein Unterschrift Teil meiner Arbeit. Wie auch immer, ich habe all diese Beobachtungen genommen und ich habe sie gerade hier in Punktform geschrieben. Die andere Sache, die ich getan habe, und das ist der nächste Schritt, ist, einfach das Farbwähler-Tool in jeder App zu verwenden, die Sie verwenden. In Procreate mache ich einfach so etwas, wo ich die spezifischen Farben aussuchen kann , die ich mag, und dann habe ich nur einige Farbfelder basierend auf diesen Farben gezeichnet. Jetzt gibt es eine ganze Reihe von Farben, die hier los sind, wir müssen nur sechs wählen. Wenn Sie Ihre sechs Farben in diesem Set auswählen, sich keine Sorgen über die Auswahl der falschen Farben. Finden Sie einfach die sechs, die Sie am meisten angezogen sind, und stellen Sie sicher, dass jede Farbe unterschiedlich ist. Wenn Sie ein orangees Rot und ein mehr karminrot haben, wählen Sie vielleicht eines davon und lassen Sie das andere für jetzt gehen. Zum Beispiel, in meinem Set hier habe ich viel mehr Magenta Typ rot und dann habe ich auch noch ein paar rote Orangen. Ich weiß nur aus Erfahrung, dass ich rot-orange viel mehr liebe, als ich die mehr magenta-rot, also das ist das Rot, das ich wählte. Gleiches mit Rosa habe ich eine ganze Reihe von verschiedenen Rosa, aber ich wählte mehr blassrosa , weil ich denke, ich mag einfach das Rosa und mehr als die dunkleren oder tiefer oder wieder, mehr Magenta. Sobald Sie Ihre Übung fertig sind, stellen Sie sicher, dass Sie sie auf der Seite des Klassenprojekts veröffentlichen Wenn Sie Ihre Notizen separat geschrieben haben, können Sie diese auch hinzufügen oder sie sogar direkt im Projekt eingeben. Das war's für diese Übung. Lassen Sie uns nun in die zweite Übung übergehen, die Farbinspirationsstudien sein wird. 12. Übung 2: Farbinspirationsstudie: Diese Übung wird als Farbinspirationsstudie bezeichnet. In der ersten Übung schauten wir nach innen auf unsere eigene Art und Weise, Farbe zu verwenden , und benannten einige wichtige Stärken und Schwächen. Wir begannen auch, uns vorzustellen, wie eine selbstbewusste Verwendung von Farben für uns aussehen könnte. In dieser zweiten Übung werden wir nun Dinge betrachten, die uns am meisten inspirieren, wenn es um Farbe geht. Eine Farbinspirationsstudie ist eine Sammlung von 5-10 Bildern von einem Ihrer Lieblings-Illustratoren. Um das Beste aus dieser Übung herauszuholen, empfehle ich zwei oder drei Studien mit jeweils einem anderen Künstler. Natürlich, genau wie Übung 1, werden wir einige Beobachtungen oder Notizen über diese Bilder oder in Punktform machen, und natürlich, genau wie beim letzten Mal, haben Sie die Möglichkeit, einige tiefere Überlegungen über das Set von und folgen einige der Fragen, die Sie auf der Seite „Klassenprojekte und Ressourcen“ finden. Der Zweck dieser Übung ist es, Ihre wichtigsten Quellen der Inspiration oder Ihre Helden zu identifizieren , und speziell, um Verbindungen zwischen ihrem Stil und Verwendung von Farbe zu finden. Wie hängt ihr Einsatz von Farbe und ihren Stiltechniken oder Medien zueinander zusammen? Ein weiterer Zweck ist es, Verbindungen zu finden zwischen dem was Sie inspiriert sind und was Sie sich selbst machen wollen, vor allem in Bezug auf Farbe und Stil. Ich denke, eine wirklich wichtige Sache zu tun, wenn wir lernen und entwickeln, ist es , von den Meistern in unserer eigenen Sphäre von Einflüssen zu lernen. Wer auch immer du aufsiehst, wen auch immer du bewunderst, wer auch immer deine Illustrationshelden sind, du willst beobachten, was sie tun und daraus lernen. Es geht nicht um Kopieren oder Nachahmen, sondern darum, nur aus ihren Entscheidungen zu lernen und zu sehen, wie Sie das auf Ihre eigene Art und Weise auf Ihre eigene Arbeit und Ihren eigenen Stil anwenden können . Die Ergebnisse dieser Übung sind mehr Hinweise auf Ihren Farbsinn und wie sich das auf Ihre eigene künstlerische Vision bezieht. Außerdem erhalten Sie Einblicke, wie Farbe und Stil sich gegenseitig beeinflussen. Ein weiteres mögliches Ergebnis dieser Übung ist, einige Inspiration zu finden , um Farbtechniken auszuprobieren, die wir vielleicht noch nicht in Betracht gezogen haben. Wenn Sie Übung 1 übersprungen haben, kann diese Übung auch die Grundlage für den Gaumen sein, den wir in Übung 3 aufbauen. Wieder werde ich schnell die Anweisungen hier durchgehen und dann zeige ich Ihnen mein eigenes Beispiel für Farbstudien. Nun, das erste, was zu tun ist, ist den Namen 2-3 Ihrer Lieblings-Illustratoren. Fügen Sie mindestens eine aus der Vergangenheit und eine aus neueren Zeiten, wenn Sie können, und der Grund, warum wir das tun, ist nur ein wenig Vielfalt in unseren Einflüssen zu haben. Es ist immer gut, beeinflusst zu werden, nicht nur von Menschen, die heute arbeiten, sondern auch von Menschen, die zuvor in einer anderen Zeit gearbeitet haben. Wahrscheinlich wurden die Menschen, von denen ihr heute Helden seid, von sich selbst beeinflusst. Jetzt, für jeden Künstler, tun Sie Folgendes. Auch hier, um das Beste aus dieser Übung herauszuholen, empfehle ich 2-3 Studien mit jeweils einem anderen Künstler. Sammeln Sie 5-10 Bilder von jedem Künstler. Nun, natürlich hilft es, diese in Bezug auf die Farben zu wählen, die Sie mögen, die Farben, die in Bildern von diesen Künstlern stattfinden, ist nicht völlig notwendig. Es ist okay, wenn Sie die Kunst lieben, aber nicht die Farben so sehr. Wir können immer noch Hinweise darüber finden, wie sie Farbe verwenden , unabhängig von den genauen Farben, die sie verwenden. Ordnen Sie die Bilder nun wie in Übung 1 auf einer Seite an. Sie können den Titel „Color Inspiration Study“ hinzufügen. irgendwo am oberen Rand Ihrer Seite Notieren Sie sichirgendwo am oberen Rand Ihrer Seiteden Namen des Künstlers und dessen Stil oder bevorzugte Medien, wie Collagenmalerei, Vektorillustration oder derartiges Ding. Ähnlich wie Übung 1, machen Sie einige schnelle Beobachtungen über Ihr Set. Wenn Sie in der Lage sind, schreiben Sie sie irgendwo auf der gleichen Seite wie Ihre Bilder oder darüber, genau wie Sie es im ersten Satz getan haben. Sie können Pfeile und Linien verwenden, um es spezifische Dinge zu nennen, und Sie können Ihre Beobachtungen auch in Punktform notieren. Als optionaler Deep-Tauchgang können Sie hier auch die Fragen zur Aufforderung von den Klassenprojekten und Ressourcen herunterladen und einige gründlichere Beobachtungen über Ihr Set schreiben. Wenn Sie Ihre Farbinspirationsstudien fertig sind, posten Sie sie zusammen mit allen Schriften, die Sie auf der Seite zu Ihrem Klassenprojekt gemacht haben. Hier schauen wir uns meine erste Farbinspirationsstudie an. Wie Sie sehen können, ist es nur der Titel oben und dann eine Sammlung von 5-10 verschiedenen Bildern von einem meiner Lieblingskünstler. Ganz oben hier habe ich den Künstler und den Stil oder die Technik aufgelistet. Dort könnten Sie auch Medien schreiben. Also Stil, Technik, Medien, ich benutze hier austauschbar, und das bedeutet nur, was sind die physischen visuellen Eigenschaften oder Qualitäten der Arbeit? Dann habe ich natürlich ein paar Notizen, die gerade über oben geschrieben wurden, um einige bestimmte Dinge mit Pfeilen und sowas zu nennen . Dann etwas weniger, was ich mag, Beobachtungen hier unten nur in Punktform. Besonders dieser Künstler ist Paul Rand und wie Sie wissen, ist Paul Rand einer meiner Lieblings-Illustratoren. Er arbeitete in einem, was ich eine Collage Print-Making beeinflussten Stil nennen würde. Weil viele davon eigentlich sind, würde ich diese reine Illustration nicht nennen, sie sind Poster oder Bucheinbände, es ist eher wie Grafikdesign, also habe ich nur hinzugefügt, dass genauso gut wie eine Notiz. Er benutzt eine Menge Collage, mehr Ausschnitte, wo er wird, nur in diesem Fall, er hat tatsächlich buchstäblich ein Stück Zeitung ausgeschnitten und es als Teil des Bildes verwendet. Sonst haben seine Formen nur dieses improvisierte Gefühl für sie. Als ob du sie einfach mit einer Schere ausschneidest und sie hinablegst, was er vielleicht genau das getan hat. Eine andere Sache, die ich an seiner Arbeit liebe oder die ich darüber beobachte, ist nur seine Verwendung von Leerzeichen. Whitespace wird als Element, als Kompositionsgerät verwendet , und in einigen Fällen wird das Weiß als Farbe verwendet. Hier in diesem Second Man Buchcover, weiß ist wie ein Ausschnitt oder ein negativer Raum von dieser braunen Farbe dahinter und wirkt so fast wie seine eigene Farbe. Dann hier denke ich, Paul Rand hat brillant Whitespace verwendet, um das Huhn vorzuschlagen. Er hat nirgends ein Huhn gezeichnet. Er hat ein paar Formen dort gesteckt und du siehst es einfach. Dein Verstand setzt das Puzzleteil zusammen. In Bezug auf seine tatsächlichen Farben, die er Paul Rand verwendet, verwendet er eine ganze Reihe von verschiedenen Farben. Aber ich würde sagen, seine wichtigsten Go-to Paletten oder Gaumen sind primäre und sekundäre Farben. Das ist sowohl die Verwendung von Gelb, Blau und Rot, aber auch Grün, Lila und Orange. Du siehst, dass diese Farben viel auftauchen. Ich denke, Paul Rand mag auch rosa. Sie sehen viel Rosa in seiner Arbeit, und das ist wahrscheinlich, warum ich mag oder wurde inspiriert, rosa viel in meiner Arbeit zu verwenden. Ich weiß es nicht sicher, aber ich werde eine Vermutung riskieren , dass, weil Paul Rand so ein Einfluss auf mich hat, es sehr wahrscheinlich ist, dass ich von seiner Verwendung von Rosa inspiriert wurde. Nun natürlich, in Bezug auf seinen Stil oder seine Technik, eines der Dinge, die er tut, die ich auch viel tun und viel über gesprochen habe, ist das Gefühl von Überdrucken, wo ich diese beiden Farben nehmen werde und dann gibt es diese dunklere Farbe, die durch die Kombination geschieht. Ich finde, das ist wie eine schöne Art, eine begrenzte Farbpalette zu verwenden, und es ist natürlich auch ein Hinweis auf seinen Prozess. Als ob er tatsächlich darüber nachdenkt, wie diese Tinten im gedruckten Endprodukt für das, was er entwirft, überdrucken werden. Jetzt schnell auf Klas Fahlen umschalten. Ich glaube, er ist ein schwedischer Illustrator. Ich liebe seine Arbeit. Seine Arbeit erinnert mich tatsächlich an einen anderen meiner Lieblings-Illustratoren, [unhörbar]. Er arbeitete mehr in den 1950er und 1960er Jahren. Deshalb habe ich ihn hier in eine meiner Farbinspirationsstudien aufgenommen. Wieder oben habe ich nur den Namen des Künstlers Klas Fahlen und seinen Stil oder seine Technik, und ich würde sagen, dass er auch mehr Printmaking inspiriert ist. Ich habe auch retro, weil seine Arbeit hat ein Retro-Gefühl, es. In Bezug auf Werkzeuge sieht es für mich wahrscheinlich so aus, als würde er Photoshop oder vielleicht sogar Procreate verwenden. Also habe ich einfach Digital und Vektor in Klammern gesetzt, weil Sie definitiv viele dieser harten Ausrichtungen sehen , die mich an Vektor erinnern. Oder selbst wenn er nicht wirklich Vektor verwendet, ist es genau das, woran es mich erinnert. Was ich in seiner Arbeit beobachte, ist die Verwendung von Überdrucken, genau wie Paul Rand und genau wie einige der Arbeiten, die ich in meinem Farb-Selbstinventar gezeigt habe. Sie können einige dieser Überdrucke sehen, besonders hier mit diesen Handtaschen passiert. Eine Sache, die ich an seiner Arbeit liebe, die mir auch an Paul Rands Arbeit gefallen hat , ist ihre Verwendung von Abstraktion. Das sind also nur eine Reihe von Boxen, die übereinander gedruckt werden. Aber wenn man sieht, wie sie mit diesen Frauen hier an diesen Fäden hängen, bekommt man das Gefühl, dass sie Einkaufstaschen sind. Es gibt nichts wirklich spezifisches ihnen, das Ihnen sagen würde, dass es eine Einkaufstasche ist, außer für den Kontext und die Art, wie er sie gerade in dieser Szene komponiert und arrangiert hat. Ich liebe Klas Fahlen auch die Verwendung von filigraner Linienarbeit. Ob er tatsächlich Schwarz dafür verwendet oder das Gegenteil von diesem Weiß über dunklere Farben verwendet, ich denke, das ist eine konsequente Sache, die er tut. In Bezug auf die tatsächlichen Farben, die er verwendet, finde ich, dass Klas Fahlen Paletten ziemlich vielseitig sind. Aber wenn ich mir seine gesamte Arbeit ansehe, beobachte ich, dass er Schwarz als Anker verwendet, dunkle Farbe, und er mag Orange. Er verwendet Orange in fast allen seinen Illustrationen in irgendeiner Weise. Hier haben wir die Uhren haben eine Orange zu ihnen. Einige von ihnen sind nur Schattierungen und Farbtöne von Orangen, aber das ist definitiv eine Orange. Er hat Orange hier. Er hat Orange passiert auch hier, und natürlich, in dieser Küchenszene, die illustriert ist. In Bezug auf Farbschemata, ich sage, er hält Farben definitiv auf der einfachen Seite. Viele davon sind sehr monochromatisch. Wie ich sagen würde, dass dieses Bild hier ziemlich monochromatisch ist. Er hat im Grunde nur Orange und verschiedene Töne und Schattierungen von Orangen plus Schwarz. Er hat wohl etwas Ähnliches hier. Wenn es nicht monochromatisch ist, ist es zumindest analog. Hier spielen nur Rot-, Gelb- und Orangen zusammen. Genau wie [unhörbar], an das mich seine Arbeit erinnert, nutzt er eine Menge negativen Raum, der in die Komposition einschneidet und Farben wirklich auffallen lässt. Er macht das in fast allen seinen Arbeiten, wahrscheinlich das unterschiedlichste seiner Bilder ist dieses, wo er einen Bonsai-Baum beschneiden hat und es viel weniger Leerzeichen gibt, aber es ist immer noch da. Alles ist immer noch sehr abgeflacht, und alles ist immer noch ziemlich abgeflacht und vereinfacht, selbst wenn es einen Hintergrund gibt, seine Arrangements neigen dazu, konzeptioneller und abgeflachter zu sein. Hier haben wir eine Dame, die hier die zentrale Figur ist, und dann ist sie von den Elementen der Küche umgeben, aber sie ist immer noch wirklich flach. Sie haben immer noch nur diesen leeren Hintergrund und alles andere unterstützt nur diese Idee, dass diese Person in der Küche eine schöne Zeit hat, leckeres Essen zu machen. Ein weiteres Beispiel für seine Arrangements ist, dass er einfach wieder diesen weißen Hintergrund hat und die Dinge einfach überspringen. Er ist sehr minimal darüber, was in die Szene aufgenommen werden soll , gerade genug, um vorzuschlagen, was los ist nicht zu tief in den Details verstrickt. Wieder, die vollste Szene hier ist wahrscheinlich der Typ, der den Bonsai-Baum schneidet, aber auch die Leute, die vor diesem Haus stehen, diese Globe Magazine Coverillustration. Ich denke, es macht mehr Sinn, dass er einen Hintergrund in diesen eingeschlossen hätte , weil es ein Magazincover ist. Es muss mehr Pop und nur attraktiver aussehen als Cover-Stück. Er hält es immer noch einfach. Alles ist ziemlich solide in den tatsächlichen Formen und so. Es ist nur, dass er überall ein bisschen mehr Vollfarbe und sogar ein bisschen ein Gefühl von Licht und Tiefe verwendet. Trotzdem finde ich seine Farben nicht zu überall. Er benutzt wirklich nur das Blau, Schwarz und Orange, und er wird vielleicht einen Farbton von diesem Schwarz überdruckt oder multipliziert über das Blau dieses Hauses verwenden , nur um ein Gefühl von Schatten zu schaffen, und es ist nur wunderschön gemacht. Es sieht aus wie ein wirklich reichhaltiges Bild, aber gleichzeitig gibt es eine solche Einfachheit in der Farbe. Er hat wirklich gute Arbeit damit gemacht. Ich füge hinzu, dass er natürlich das Rosa für die Hauttöne hat. Abgesehen von den Hauttönen hat er diese Farben nicht wirklich anderswo benutzt. So war er in der Lage, Menschen und Hautton vorzuschlagen , ohne verrückt mit der Farbe irgendwo anders zu machen. Also denke ich, es hat erfolgreich funktioniert. Eine andere Sache, die in diesem Stück darauf hinweisen sollte, ist nur seine Verwendung von Hautton in diesem, wo er gerade aus dem Fenster mit irgendeinem Gefühl von Realismus in Hautton gegangen ist, und er wollte, dass dieser Kerl abhebt und gegen die grüne und er hat sein Gesicht super rot gemacht. Natürlich ist niemand die Haut diese Farbe, aber es funktioniert nur, um diesen Charakter wirklich abheben mit Grün ist der dominante Hintergrund und die umgebende Farbe. Mit dieser zusätzlichen Farbe von Rot gegen das Grün hilft es wirklich Pop. Dies sind nur zwei Beispiele für Farbinspirationsstudien. sind Künstler, die mich wirklich inspirieren und mich beeinflusst haben und die ich bewundere. Ihre werden völlig anders sein. Ich habe so viel darüber gelernt, was ihr von diesen Übungen inspiriert seid. Tatsächlich entdecke ich Künstler und Illustratoren, von denen ich noch nie gehört hatte. Sie also sicher, dass Sie Ihre Übung, Ihre Farbinspirationsstudien auf Ihrer Klassenprojektseite posten , und so können wir alle sehen, wovon Sie inspiriert sind. Natürlich werden wir als nächstes in die nächste Übung springen, die eine einfache Palette aufbaut , und dies wird die Grundlage des Projekts sein. Lasst uns da reingehen. Wir sehen uns im nächsten Video. 13. Übung 3: Einfacher Palettengenerator: Dies ist Übung 3, wo wir eine einfache Palette erstellen werden. Dies ist ein Schritt-für-Schritt-Prozess für die Erstellung einer einfachen Palette basierend auf den Farben, die wir in unserem Farb-Selbstinventar ausgewählt haben. Wenn Sie die Farbe selbst Inventar nicht gemacht haben, können Sie Farben verwenden, die Sie aus einer Ihrer Farbinspiration Studien wählen, oder auch einfach mit den Farben folgen, die ich in der Demo verwende, das ist auch völlig in Ordnung. Ziel dieser Übung ist es, eine einzigartige, einfache und vielseitige Palette zu entwickeln, die wir im Klassenprojekt verwenden können. Das Ergebnis dieser Übung wird eine personalisierte Palette sein , die auf einem triadischen Farbschema basiert. Die Palette wird einfachere Version mit nur sechs Farben plus eine dunkle haben, und dann wird es auch eine erweiterte Version mit Tönungen und Schattierungen haben, die alle auf dieser einfacheren Version basieren. Für diese Übung können Sie einfach der Demo folgen, die ich auf dem Bildschirm mache, und Sie können die Datei, mit der ich arbeiten werde, von der Seite Klassenprojekte und Ressourcen herunterladen . Ich mache diese Übung in Photoshop und die Datei, mit der ich arbeiten werde, ist eine Photoshop-Datei. Wenn Sie Photoshop haben, dann großartig, aber wenn Sie wie viele mit Procreate sind, habe ich auch Anweisungen in der Klassenprojekte und Ressourcen Seite enthalten , die Sie folgen und eine Palette in ähnlicher Weise erstellen können. Nun, diese Schritte, die ich benutze, um diese Palette zu erstellen, sind nur zusammengestellt, es ist etwas, das ich für diese Klasse entworfen habe, so dass wir alle eine Palette mit diesen sechs Farben plus dunkel plus die Art und Weise, wie ich diese Paletten erweitern. Das gibt uns allen etwas Ähnliches, mit dem wir für das Projekt arbeiten können. Es ist keineswegs dazu gedacht, Ihnen Farben zu geben, die Sie für den Rest Ihres Lebens verwenden werden, das ist etwas, das Sie alle herausfinden während Sie entlang gehen, aber das wird Ihnen definitiv einige Hinweise geben und es wird Ihnen wirklich viel lehren, wie erfahren Sie, wie Sie eine einfache Palette im Projekt verwenden. Wenn Sie mit dieser Übung fertig sind, stellen Sie sicher, dass Sie Ihre endgültige Palette auf der Projektseite veröffentlichen. Was wir uns hier ansehen, ist der Gaumenbauer Photoshop-Datei. Ich bin auf meinem Mac, ich bin in Photoshop und der Palettengenerator ist nur eine Photoshop-Datei, die ich einige Anweisungen zum Erstellen einer einfachen Palette platziert habe . Das wirklich coole an dieser Datei ist, dass sie fast automatisch ist. Alles, was Sie tun müssen, ist, wählen Sie Ihre Farben aus Ihrem Farb-Selbstinventar oder wo immer Sie Ihre Farben bekommen und Sie setzen sie hier in Schritt eins. Dann wird alles, was du hier abholst, in alles andere kaskadiert. Ich setze nur ein paar zufällige Farben hier rein, um dir zu zeigen, was ich meine. Ich werde Sie durch das führen, was ich in diesen Schritten getan habe und was ich empfehle, und dann werde ich auch nur ein paar Herausforderungen aufwerfen, die auf dem Weg kommen könnten. Schritt 1, um die Pipette zu verwenden , um Ihre sechs Lieblingsfarben aus Ihrem Farb-Selbstinventar zu wählen. Ich werde meine erste Übung hier öffnen und auf dieser Seite habe ich meine Top sechs Picks, die ich aus diesen Farben ausgewählt habe. Was ich getan habe, ist eigentlich nur diese kopiert und eingefügt und sie so so darinnen geplottet. Allerdings können Sie Ihre Farben hier reinbekommen, Sie möchten das zuerst tun. Als nächstes wählen Sie drei Farben aus Ihrem Set aus, um eine ungefähre primäre Triade zu bilden. Nun, nur für die Bequemlichkeit, ich habe Farbrad hier eingeschlossen, das ist ein traditionelles Farbrad mit rot, gelb und blau als Ihre Vorwahlen, und dann ein Dreieck hier, nur um zu zeigen, wie eine Triade funktioniert. Ein Dreiklang Farbschema aus den Farben gemacht , die ein Dreieck auf dem Farbrad bilden, so rot, gelb und blau ist ein triadisches Farbschema, wenn Sie das Dreieck drehen, wo diese Dinge zeigen, das ist Ihre Farbe Triade. Sie können hier ziemlich ungefähr sein, meine Farben sind keine reinen traditionellen Primärfarben, der Punkt hier ist, etwas in der Nähe von Rot, Gelb und Blau oder Rot, Grün und Blau zu erstellen , wenn Sie das RGB-Farbschema verwenden, oder sogar Cyan, Magenta und Gelb. Was auch immer Farbrad Sie nach welchem Farbmodell gehen, es sollte eine Triade dieses Farbmodells sein. Für mich wählte ich dieses Gelb und wählte dieses Rot und ich wählte diese Cyan Farbe. Diese Formen werden mit dem Stiftwerkzeug erstellt, handelt sich im Wesentlichen um Vektorformen oder Vektorebenen, und es ist wirklich einfach, die Farben zu ändern. Doppelklicken Sie einfach auf die Ebene der Farbe, die Sie ändern möchten, und dann verwenden Sie die Farbauswahl, um diese Farbe zu ändern. Auch hier wählen Sie einfach die Ebene, die Sie ändern möchten, Sie sollten sehen, dass im Ebenenfenster hier auftauchen, Sie doppelklicken Sie einfach, verwenden Sie die Farbauswahl und dann können Sie diese Änderungen vornehmen. Nun, wie diese Datei funktioniert, ist nicht so wichtig wie das, was sie tut, ich zeige Ihnen nur einen kurzen Blick unter die Haube hier. Alle Gelben, die ich hier erstellt habe, sind einschichtig und so, wo ich eins ändere, ändert es sie alle, und dasselbe mit den Roten. Alle Rottöne sind die gleichen Schichten, wenn ich eine ändere, ändere ich alle, wenn ich all diese ändere, ändere ich alle. Einige dieser überlappen sich wie das Gelb hier, überlappt das Rot hier und es überlappt auch ein Blau und das ist, wie wir am Ende diese zusätzlichen Farben bekommen, denn wenn Sie hier in meinem Ebenen-Panel schauen, vermehren sich die Farben alle übereinander. Das Gelb und Blau, das Blau multipliziert sich hier über das Gelb und das Rot. Dasselbe hier unten in Schritt fünf, wenn ich eine schwarze oder eine dunkle Farbe einschließe und wir hier kommen, springe ich voran, aber wenn wir das ändern, was wir hier ändern, endet überall anders und gleich mit diesem Shader, der Schattierungen dieser Farben erstellt, und Sie können diesen Farbton erstellen und dann alles andere um ihn herum schattiert. So funktioniert das, wenn man unter der Haube sieht. Jetzt gehe ich zurück zu Schritt zwei und gehe dann ein bisschen mehr in Ordnung. Sie können in Schritt 3 sehen, wir erstellen drei sekundäre Dateien, indem Sie die Primärwerte übereinander multiplizieren. Diese Datei macht es automatisch, aber Sie können dies auch manuell in jedem Programm tun , das es Ihnen ermöglicht, separate Ebenen wie Sie jede Farbe auf ihrer eigenen Ebene zu haben, und Sie können jede dieser Ebenen multiplizieren. Das nächste, was wir in Schritt vier tun, ist, dass wir Farbtöne erstellen. Wenn Sie sich an den Farbtheorie-Teil dieser Klasse erinnern, ist eine Tönung, wenn Sie Weiß zu einer Farbe hinzufügen und es wird heller. Jetzt fügen Sie im digitalen Farbraum kein Weiß zu einer Farbe hinzu. Es ist nicht wie Farbe, wir fügen eine Menge Weiß zu Ihrem Rot, Ihrem Blau und Ihrem Gelb, Sie müssen das auf eine andere Weise tun. Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, nur eine Farbe zu nehmen und dann die Deckkraft auf einen bestimmten Prozentsatz zu ändern . Ich habe 50 Prozent und 20 Prozent und das mache ich hier in diesen beiden Reihen effektiv. Ich erstelle hier eine 50 Prozent Deckkraft meiner sechs Farben, und dann erstelle ich in der zweiten Reihe darunter eine 20-prozentige Deckkraft Version dieser Farben und das gibt mir einige Farbtöne, mit denen ich arbeiten kann. In Schritt 5 wähle ich die dunkelste Farbe aus, die ich aus meinem Farb-Selbstinventar ausgewählt habe. Zum Glück für mich habe ich etwas Dunkles, mit dem ich arbeiten kann. Es ist sehr dunkel. Ich habe schon mal ein bisschen darüber gesprochen, wo ich lieber ein Dunkelblau gegen ein Schwarz habe. Das ist es, was hier los ist. Ich benutze das einfach. Wenn Sie sich nicht für eine Farbe entschieden haben, die Ihrer Meinung nach dunkel genug ist , um mit einer Art effektivem Schwarz zu arbeiten, können Sie zu Ihrer Farbinspiration Studie zurückkehren und einfach nach einer wirklich dunklen Farbe suchen, von der Sie denken, dass sie gut funktionieren wird. Wenn Sie nicht zu aufgehängt werden wollen, oder wenn Sie es vorziehen, können Sie auch einfach schwarz verwenden. Zurück zu Schritt 5 hier habe ich auch eine Tönung dieser dunklen Farbe, und ich habe diese Tönung über meine sechs primären und sekundären einfachen Palettenfarben multipliziert. In diesem Arbeitsblatt ist dies nur ein zusätzlicher Schritt, den Sie tun müssen. Es ist nicht völlig automatisch. Ich habe diese Dunkelheit aus meinem Blau erschaffen und dann muss ich einen Farbton dieser Dunkelheit erzeugen. Ich benutze einfach den Farbwähler hier und wähle das Dunkel aus. Welche Farbe auch immer ich wähle, wird die Schattierungsfarbe. Natürlich möchte ich, dass es auf meiner dunklen Farbe basiert, so dass alles so harmonisch wie möglich ist. Schauen Sie sich einfach die gesamte Palette Builder Datei in einer Ansicht hier an, indem Sie einfach drei Farben aus unserer Top-Auswahl aus unserem Farb-Selbstinventar auswählen. Nur indem wir diese Farben ändern, haben wir eine ganze Palette von sechs Farben plus eine dunkle, plus Schattierungen und einige Farbtöne erstellt . Diese resultieren in Ihrer einfachen Palette mit nur Ihren sechs Farben plus Ihre dunkle, und dann Ihre erweiterte Farbpalette, die all diese Variationen hier, Ihre Farbtöne und Ihre Schattierungen speziell enthält . Diese beiden Paletten sind alles, was wir für das Projekt brauchen. Nun, ich denke, wir sollten es offiziell machen und tatsächlich Muster daraus erstellen. Abhängig von Ihrem Programm haben Sie verschiedene Möglichkeiten, dies in Photoshop zu tun. Ich habe nur das Musterfeld geöffnet. Ich bringe es hier runter, damit es im Blick ist. Ich erstelle nur zwei Mustergruppen. Die erste Gruppe, ich werde nur meine einzige Palette einfach nennen. Dann werde ich eine weitere Mustergruppe erstellen, die meine eine Palette erweitert genannt wird. Dann kann ich von hier aus einfach in diese Mustergruppe klicken und meine Farbfelder hinzufügen. Um Farbfelder zu erstellen, muss ich nur mein Pipettenwerkzeug verwenden und anfangen, die Farbe auszuwählen und dann die Farbfelder hinzuzufügen. Sie können diese benennen, wenn Sie wollen. Es liegt an dir. Dann gehe ich in meine eine Palette erweiterte Gruppe hier und mache das gleiche. Jetzt in meiner erweiterten Palette gibt es ein paar redundante Farben und ich werde einfach gehen und diese ausklingen lassen, nur damit sie nicht so ablenken, wenn ich an dem Projekt arbeite. Ich habe schon ein Weiß, mit dem ich arbeiten kann. Diese letzte Farbe ist etwas überflüssig. Wenn Sie sich die Zeit nehmen und Ihre Farben nach Farbton sortieren möchten, können Sie das tun. Ich werde sie einfach so lassen, wie es ist. In den meisten Fällen werde ich mich auf meine einfache Palette in beiden Teilen des Projekts konzentrieren . Dann, wenn ich sie brauche, werde ich auch einige dieser erweiterten Farben verwenden, vor allem einige dieser Rosen und Brauntöne. Diese werden wirklich nützlich sein, wenn Dinge wie Menschen zu tun , und Sie brauchen Hautfarben und solche Sachen. Jetzt sagte ich, dass ich einige mögliche Herausforderungen zeigen würde, die Sie haben könnten wenn Sie Farben auswählen und sie selbst in diesem Paletten-Builder verwenden. Die bemerkenswerteste Herausforderung, die ich denke, wird mit Farben kommen , die in euren Sekundenaren deutlich genug sind. Sagen wir einfach, dass Sie hier die reinen Vorwahlen auf diesem Farbrad verwenden. Wenn ich ein reines Gelb, ein reines Rot und dann dieses reine Blau wähle , werden Sie sehen, dass es eine Farbpalette schafft, die nicht so toll ist, vor allem, weil die beiden Farben hier ziemlich identisch sind. Wenn Sie dieses reine Gelb haben und es über dem reinen Rot ist, macht es wirklich keinen großen Unterschied. Dann finde ich die anderen Farben einfach entweder nicht wirklich attraktiv oder sie sind einfach zu intensiv und grell. Was ich in diesem Fall tun würde, wenn ich Farben wollte, die nahe an Gelb, Rot und Blau waren , wie diese reine, Ich versuche, eine dieser Farben zu modulieren, so dass sie nicht so intensiv sind und das wird dazu beitragen, die sekundäre Farben. Für das Rot könnte ich nur die Intensität davon oder die Sättigung ein wenig nach unten klopfen , nur ein wenig. Sie können bereits beginnen, eine deutliche Farbe zwischen dem Gelb und dem Rot zu sehen. Ich könnte sogar das Gelb selbst nehmen und das etwas modulieren. Ich könnte den Farbton modulieren, ein bisschen. Ich könnte auch die Sättigung davon modulieren. Jetzt fange ich an, etwas etwas deutlicheres zu bekommen. Gleich mit diesem Blau finde ich, dass dieses Blau einfach zu intensiv ist. Vielleicht kann ich ein wenig etwas hinzufügen, das helfen wird, es zu unterscheiden oder es mehr in den Linien der anderen Farben zu bringen. Eine andere Möglichkeit besteht darin, diese Farben Drucker Primärwerte zu machen, und nur zu sehen, wie diese funktionieren. Ich denke, sie werden ein bisschen besser arbeiten. Machen wir einfach 100 Prozent Cyan, 100 Prozent Magenta und dann 100 Prozent Gelb. Hier erhalten Sie einige sehr unterschiedliche Farben und sehr attraktiv als auch. Nun, ich finde diese ein bisschen zu rein für meinen Geschmack, aber es zeigt Ihnen nur eine mögliche Art, mit diesen Farben zu arbeiten. Es liegt an dir. Sie können diese zurück tönen und hellere Farben machen. Jede Kombination, die Sie wollen. Natürlich ist dies nur, um zu zeigen, wie man diesen Palettengenerator in einer Weise verwendet , die für Sie besser funktioniert, und um nur die Situation zu vermeiden, in der Sie diese Farben erhalten , die nicht wirklich so unterschiedlich sind. Ich denke, dass, solange Sie Farben verwenden, die Sie aus Ihrem eigenen Farbsinn ausgewählt haben, Farben, die Sie wissen, dass Sie mögen, Farben, die Sie fühlen, dass Sie sich immer wieder zuwenden, können Sie diesen Palettengenerator verwenden, um Ihre Paletten und hoffentlich werden Sie etwas daraus bekommen , das sowohl harmonisch ist als auch etwas widerspiegelt , das mit den Farben verbunden ist, die Sie bereits verwendet haben. Etwas, das mit Ihrem eigenen wahren Farbsinn verbunden ist. Was auch immer Sie am Ende als Ihre Palettenfarben wählen, sicher, dass Sie das abschließen, machen Sie es legitim, indem Sie einige Farbfelder erstellen und dann werden diese nützlich sein, um im endgültigen Projekt zu verwenden, was natürlich wir als nächstes tun werden. 14. Projektübersicht: Okay, es ist Zeit, das eigentliche Projekt zu machen. Lasst uns da reingehen. Das Projekt nimmt das, was wir über uns selbst gelernt haben, in die Übungen und gibt uns die Chance, es real zu testen. Das Projekt ist in zwei Teile gegliedert. Im ersten Teil werden wir uns einigen einfacheren Illustrationen beschäftigen und nur mit unserer Kern-Home-Palette, die wir in Übung 3 erstellt haben. Dies gibt uns Vertrauen in die Verwendung unserer begrenzten Paletten und gibt uns ein Gefühl dafür wie wir bei strengen Einschränkungen sehr kreativ sein können. Im zweiten Teil werden wir eine komplexere Illustration erstellen und sehen wie wir unsere strenge Palette vielfältiger und flexibler nutzen können. Am Ende des Projekts haben Sie zwei allgemeine Illustrationen, unsere einfachere und unsere komplexere, die Sie auf der Klassenseite und natürlich auf Ihrem Instagram- oder anderen Social-Media-Konten teilen können , und vielleicht sogar auf Ihrem Portfolio. Um diese Klasse effizient zu halten, werde ich mich auf den Farbenaspekt in meinen Demos konzentrieren. In meinen anderen Klassen - einschließlich Sweet Spots, Drawing Tours Illustration und The Style Class - zeige ich ausführlicher, wie ich Ideen finde und Skizzen erstelle, bevor ich in die endgültige Farbgestaltung gehe. Während ich in dieser Klasse Skizzen anspreche, werde ich das Spotlight mehr darüber drehen, wie ich Farbe arbeite in die endgültigen Illustrationen. Wenn du mehr Hilfe brauchst, um den Skizzen-Teil aufzusteigen, empfehle ich dir Videos 10-12 in Sweet Spots oder wenn du wirklich die volle Erfahrung willst, probiere meine gesamte Klasse Zeichnen in Richtung Illustration aus. 15. Projekteinstellung: Ein Thema auswählen: Das erste, was wir tun wollen, ist ein Thema für unser Projekt zu wählen. Um die Dinge leichter zu machen, gebe ich euch allen eine Aufforderung, in die wir alle unsere Zähne versenken können , und das ist Essen. Das Schöne an Essen ist, dass es uns alles etwas gibt, mit dem wir uns beziehen können, und es bietet alle Arten von Möglichkeiten in Bezug auf Gegenstände zu illustrieren. Essen ist auch zufällig ein sehr farbenfrohes Thema, das eine schöne Herausforderung bieten sollte, wenn eine strenge Palette verwendet wird. Hier gehen wir einfach durch die Auswahl unseres Themas und machen es persönlicher und lustiger, bevor wir in die erste Illustration übergehen. Auf meinem iPad hier habe ich gerade eine kurze kleine Sache hier geschrieben , die wir gemeinsam durchgehen können und so schlage ich vor, dass Sie über die Auswahl Ihres Themas für Ihr Projekt gehen. Hier haben wir Thema und dann Essen mal leer. Sie in der leeren Spalte Aktivität oder Kontext UnterteilenSie in der leeren Spalte Aktivität oder Kontexteine Aktivität oder einen Kontext Ihrer Wahl. Das Essen, das wir essen, wie es aussieht und wie wir es genießen, ist immer anders, je nach Kontext. Ein Beispiel für eine Aktivität oder einen Kontext könnte Radfahren oder Lernen sein. So sollte Ihr Projektthema so etwas wie Essen Zeiten Radfahren oder Essen Zeiten studieren in diesen Beispielen sein. Nur indem Sie einen Kontext wie diesen hinzufügen, haben Sie plötzlich bestimmte Lebensmittel und Situationen, die in den Sinn kommen. Sie können sich dann vorstellen, welche Art von Lebensmitteln, Utensilien oder andere Arten von Werkzeugen und diese Art von Sache, die zu dem Thema passen könnte, sowie wie ein Szenario mit dieser Nahrung und Aktivität aussehen könnte. Ich werde einfach durchgehen, wie ich das gemacht habe, nur um Ihnen ein kurzes Beispiel zu geben. Das erste, was ich getan habe, ist nur mein Thema ausgewählt. Also mein Thema wird Camping sein und ich wählte Camping, weil, vor allem, es ist nur etwas, das ich genieße. 16. Projektteil 1: Skizzen: In diesem Teil des Projekts wird vier bis fünf einfache Objekte in flacher Anordnung auf einem sauberen oder festen Hintergrund illustrieren . Das ist sehr ähnlich wie die Werkzeuge der Handelskarten, die wir in meiner Inky-Illustrationsklasse gemacht haben. Wir verwenden nur sechs Grundfarben plus unsere dunklen oder schwarzen Farben in unseren einfachen Paletten. Wir werden nicht zu sehr davon abweichen. Der Zweck dieses Teils des Projekts ist es, mit einer sehr einfachen Palette zu üben, mit unseren gewählten Stilwerkzeugen und Techniken. Dies zeigt, wie es einfacher ist, eine einfache Palette auf einfachere Illustrationen anzuwenden. Natürlich wird das Ergebnis dieses Teils des Projekts unsere erste Illustration sein, die auf unserem Essen Zeiten Aktivität Thema basiert, und es wird fünf sind so einfache Objekte mit einer einfachen Farbpalette. Jetzt können Sie auf die Klassenprojekte und Ressourcen Seite gehen , um die vollständigen Spezifikationen für das Projekt zu erhalten. Aber wirklich schnell, es wird acht mal 10 Zoll bei 300 DPI sein, und dies kann im vertikalen oder horizontalen Format sein. In Bezug auf Werkzeuge verwende ich Procreate zum Skizzieren und Photoshop für die endgültigen Illustrationen und natürlich können Sie die digitalen Illustrationswerkzeuge verwenden, die Sie wünschen. Sobald wir unser Thema und unsere Liste von fünf Objekten haben, können wir natürlich anfangen, den Modus zu skizzieren. In diesem Video führe ich Sie schnell durch meinen eigenen Skizzierprozess und gebe Ihnen hier nur einen kurzen Überblick über mein Denken. Wenn Sie einen ausführlicheren und tieferen Blick auf meinen Skizzierprozess wünschen, sollten Sie sich meine Klasse Zeichnen in Richtung Illustration ansehen. Bei fast allen Illustrationsprojekten fange ich fast immer mit Bildsuche an. Die Bilder, die ich finde, werden meine Skizzen informieren, die wir in einem Moment eingehen werden. Ich finde, dass dieser Schritt immer hilft, die Säfte fließen zu lassen. Ich erlaube mir etwas Zeit, nur um mich zu verlieren und nach Bildern zu suchen, die Ideen inspirieren können, und informieren Sie mich über einige Details der tatsächlichen Themen oder Formen, die ich illustrieren werde. Als ich mich aufmachte, Bilder für dieses Projekt zu finden, ging ich auf Pinterest und suchte die offensichtlichsten Dinge wie Camping-Essen und natürlich die tatsächlichen Artikel aus meiner Liste wie Lagerofen, Bratpfanne und so weiter. Aber ich benutze auch einige Suchbegriffe, die vielleicht weniger offensichtlich sind , aber von persönlichem Interesse für mich sind. Wenn ich über Camping nachdenke, werde ich sehr nostalgisch und denke an die Ausrüstung meine Familie benutzt hat, als ich in den 1980er und 1990er Jahren aufwuchs. Die Ausrüstung, die meine Eltern zu dieser Zeit hatten stammt wahrscheinlich aus den 1960er und 1970er Jahren. Das sind die Objekte, von denen ich am meisten nostalgisch bin und von denen ich inspiriert bin. Wenden Sie sich hier für eine Sekunde an meinen Computer. Dies sind einige Bilder, die ich aus meiner Bildsuche gezogen habe. Wie Sie sehen können, gibt es viele Camping-Sachen und vieles davon ist retro, aus der Ära, über die ich spreche. Für mich baut das eine schöne Geschichte auf, und natürlich gibt mir einige interessante Dinge, aus denen ich im nächsten Teil dieses Prozesses ziehen kann. Wenn ich mit dem Sammeln von Referenzbildern fertig bin, gehe ich in das, was ich Beobachtungs- oder O-Modus-Skizzieren nenne. In einigen meiner Klassen habe ich dieses kostenlose Skizzieren auch genannt. Hier zeichne ich einfach aus meinen Referenzbildern ohne Ziele, außer visuelle Informationen über mein Thema herunterzuladen. Ich denke in diesem Stadium nicht so sehr an Ideen nach, wirklich. Es geht nur darum, tiefer in den Prozess einzutreten und die Säfte fließen zu lassen. Ich mache mir an dieser Stelle keine Sorgen, ob meine Zeichnungen gut oder schlecht sind, sie fangen an, aus meinen Bildern zu zeichnen. Wenn ich skizziere, verwende ich einen einfachen Bleistift und ziehe mich nach, aber das Skizzieren kann auch auf Normalpapier oder in einem Skizzenbuch erfolgen. Nehmen Sie sich so lange, wie Sie für diesen Schritt benötigen. Ich würde sagen, dass dir mindestens 30 Minuten genügen sollten. Wenn Sie fertig sind, können Sie mit dem nächsten Schritt fortfahren. Manchmal ist es hilfreich, eine kurze Pause zwischen diesen Schritten zu machen, einfach Ihre geistige Energie aufzufüllen und mit einem frischen Geist zurückzukommen. Wie Sie sehen können, sind dies meine O-Modus-Skizzen. Nichts zu Besonderes an ihnen wirklich. Ich würde nur ein Bild auf meinen Bildschirm legen, es ansehen, es zeichnen, zum nächsten Bild wechseln, es zeichnen und so weiter. Diese sind wirklich schnell, es geht nur darum, einige Informationen in meinem Kopf zu stecken , um mich zu inspirieren und mir genügend Informationen über die Objekte zu geben, die ich zeichne. Dies ist besonders nützlich, wenn ich nicht mit einigen Details darüber vertraut bin, wie diese Objekte aussehen könnten. Es ist einfach erstaunlich, wie viel mehr Sie wirklich auf etwas schauen, wenn Sie es zeichnen, verglichen mit nur Blick auf es im Bild oder etwas vor Ihnen im wirklichen Leben. Jedes Mal, wenn ich eine Seite ausfülle, erstelle ich eine neue Ebene und beginne darauf zu zeichnen, und ich werde das immer wieder tun , bis ich das Gefühl habe, dass ich fertig bin. Nachdem ich meine O-Modus-Skizzen fertig gemacht habe, der nächste Schritt darin, das zu tun, was ich ideational oder i-mode skizzieren nenne. Hier fangen wir an, über unsere tatsächlichen Ideen und Absichten für die Illustration nachzudenken. Hier konzentrieren wir uns auf das, was ich die drei C's von Skizzieren, Konzept, Inhalt und Komposition nenne. Meine ideationellen Skizzen beginnen eine lose und rau und dann, wie ich gehe, Ich bin in der Lage, mehr raffinierte und entscheidende über meine Ideen zu bekommen. Unsere Aufgabe hier ist es, mit einer Komposition zu enden, mit der wir zufrieden sind, die wir dann verwenden, um zu illustrieren. Hier in Procreate, können Sie sehen, dass ich gerade einige Thumbnails erstellt habe, nur sechs hier oben und da, das gleiche Seitenverhältnis wie mein endgültiger Druck sein wird, das ist 8 mal 10. Ich habe ziemlich unsicher angefangen. Das ist wie die peinliche Phase meines Skizzierprozesses, wo ich es wirklich nicht weiß. Wie ich schon sagte, ich habe keine vorgefassten Vorstellungen, ich beginne einfach zu zeichnen, und von dort beginne ich ein Gefühl davon zu bekommen, welche Objekte funktionieren und welche Stücke am besten passen, und ich bewege mich auf eine neue Ebene, wenn ich auf der Seite. Hier können Sie auf meiner zweiten Seite sehen, ich fange an, ziemlich guten Sinn dafür zu bekommen , welche Objekte funktionieren und was die Geschichte, die ich zu erzählen versuche, ist. Dann gehe ich weiter und versuche ein paar andere Dinge, nur um sicherzustellen, dass ich genug Dinge ausprobiert habe, um die bestmögliche Idee zu bekommen. Nach einer kurzen Pause ging ich zurück, um einige meiner Lieblingsstücke zu bewerten und auszuwählen, die ich mit einem roten Punkt markiert habe. Wir haben diesen hier mit, wir haben einen Lageröfen, einen Kaffee, ein paar Streichhölzer, eine Kaffeemaschine. In verschiedenen Variationen mit diesen Objekten blieb ich bei der Idee des Frühstücks fest. Ich fing an, mich um das Thema Frühstück zu beschäftigen und einige schöne Kompositionen zu bekommen, die hier stattfinden. Ich mag immer, dass meine Skizzen so verfeinert wie möglich sind, bevor ich in meine endgültige Kunst übergehe. Auf diese Weise kann ich die kleinen Knicke ausarbeiten, die mich später stecken lassen könnten. Ich finde, dass, wenn ich jetzt in der Skizzenphase keine Dinge herausfinde, ich sie später sowieso neu skizzieren muss. In diesen raffinierteren Skizzen nahm ich meine drei Top-Auswahlen, die ich mit einem roten Punkt markiert habe , und skizzierte sie mit mehr Klarheit und Raffinesse neu. Hier sind meine drei endgültigen Auswahlen, um in raffinierte Skizzen zu gehen. Diese fühlte ich oder einfach nur meine stärksten Kompositionen und angesichts der Zeit, die ich für sie verbrachte, war ich glücklich genug mit dem, was ich hatte und es war Zeit, weiterzumachen. Ich habe gerade meine originalen Skizzen unten auf den Boden gelegt, und meine raffinierten oben, meine rauen hier unten, meine raffinierten oder oben. Wie Sie sehen können, habe ich gerade ein paar subtile Änderungen an diesem ersten gemacht, und das ist die Ausrichtung der Butter. Ich habe nur ein paar Pfefferpunkte für ein paar zusätzliche Details hinzugefügt. Ich verfeinerte die Form der Bratpfanne und fügte ein Streichholz hinzu. Mit den anderen beiden habe ich diese auch verfeinert, aber ich fand sogar in meiner Verfeinerung, die Dinge wurden nicht wirklich klar oder weniger peinlich. Wieder ging ich mit der linken oben hier, und ich war ziemlich glücklich, damit weiterzumachen. Inzwischen sollten Sie mindestens eine Skizze oder eine Komposition haben, mit der Sie zufrieden sind, die Sie für Ihre abschließende Illustration verwenden möchten. Wenn du dich nicht entscheiden kannst, wähle einfach eins aus und verspreche dir, dass du später eines der anderen erledigen kannst. Das Wichtigste ist, nur eine klare Komposition zu haben, mit der Sie arbeiten können. Im nächsten Video beginnen wir mit der Erstellung der tatsächlichen Illustration. 17. Projektteil 1: Abgeschlossene Kunst: Jetzt ist es an der Zeit, unsere erste abschließende Illustration zu erstellen. Das bedeutet, dass wir den gewählten Stil und Medien oder Werkzeuge und Techniken verwenden , um die Skizzen auszuarbeiten, die wir im vorherigen Schritt entwickelt haben. Nun für diese erste Illustration, als Erinnerung, das Ziel ist es, unsere einfachere Palette von sechs Farben plus eine dunkel oder schwarz zu verwenden. Wir wollen so streng mit uns selbst wie möglich sein, nur diese Farben zu verwenden und keine erweiterten Variationen zu verwenden. Die Tatsache, dass wir einfache Objekte als Grundlage dieser Illustration verwendet haben , wird in dieser Hinsicht definitiv helfen. Jetzt, wenn ich in dieses Video gehe, werde ich Ihnen meinen eigenen Prozess zeigen , der natürlich sehr spezifisch für meinen eigenen Stil, Werkzeuge und Techniken ist . Natürlich werde ich auch meine eigene einfache Palette verwenden. Aber während ich gehe, werde ich Sie durch meinen Denk- und Entscheidungsprozess sprechen , der meiner Meinung nach für alle nützlich sein wird, die mit einer begrenzten Palette in ihrer digitalen Illustration arbeiten . Wenn Sie mit der Illustration fertig sind, posten Sie es bitte in Ihrem Klassenprojekt. Bitte zögern Sie nicht, Ihre Arbeit auf Instagram zu teilen. Ich liebe es, Ihre Arbeit in freier Wildbahn zu sehen, also bitte achten Sie darauf, den #onepaletteillustrator zu verwenden. Da ich in Photoshop illustrieren werde, habe ich Photoshop geöffnet und ich werde nur eine neue Datei erstellen und diese Datei wird acht mal 10 Zoll bei 300 DPI sein. Ich werde das nur erschaffen. Sofort werde ich das nur speichern und ich nenne es einfach einfache Symbole, V1. Ich habe meine Skizze aus Procreate kopiert und ich werde sie hier in Photoshop einfügen. Nun, eine Sache, die ich gerne mache, bevor ich in den Rest des Prozesses komme, werde ich Ihnen nur zeigen, was ich für die Einrichtung meiner Datei tue, damit ich meine Skizze verfolgen kann, ohne dass die Skizze meiner Illustration im Weg steht und ohne meine Illustration, die die Skizze blockiert. Ich lege meine Skizze gerne in eine eigene Layergruppe namens Skizze. Auf diese Weise, jedes Mal, wenn ich hinzufügen oder ändern Skizze, wenn ich zwei, Ich habe es in diesem Ordner und es hält die Dinge organisiert. Dann erstelle ich eine Ebenengruppe darüber, die Art genannt wird. Alle Kunstwerke, die ich erstelle, werden innerhalb dieser Kunst-Layer-Gruppe gehen. Das ist alles, um es von der Skizze getrennt zu halten. Nun, die wirkliche Kraft dieses Setups hier ist, wenn ich das mache, setze ich die Deckkraft der Skizzengruppe auf etwa 20 Prozent. Natürlich hilft das, dass die Skizze dich nicht überwältigt, und ich mache die Kunst. Dann setze ich den Füllmodus der Kunst-Layer-Gruppe so ein, dass er multipliziert wird. Dadurch wird sichergestellt, dass alle Formen, die ich in der Grafik-Layer-Gruppe erstelle , für die Skizze transparent sind, aber nicht für andere Layer innerhalb der Grafik-Layer-Gruppe. Wenn ich andere Dinge hinzufüge, die hier in der Kunst-Layer-Gruppe los sind, nur ein anderes Kunstwerk. Sie können sehen, wenn ich die Skizze ausblende, Objekte selbst sind undurchsichtig zueinander. Sie vermehren sich nicht übereinander. Aber die gesamte Ebenengruppe multipliziert sich über die Skizzen-Layer-Gruppe und dann, was ich illustriere, kann ich die Skizze sehen, und es ist nur eine nette Möglichkeit, dies zu tun. Ich wollte Ihnen nur zeigen, dass Sie arbeiten, bevor ich in den Geschwindigkeitsmodus gesprungen und mit Ihnen durch den Rest des Projekts sprechen. Jetzt beginne ich direkt in die Illustration, beginne ich mit den Eiern. Ich benutze Texturpinsel, nur um das mit der Vollfarbe zu füllen, aber die Textur verleiht den Objekten ein wenig mehr ein, es ist nur ein leichteres Gefühl für sie. Ich mag Textur in meiner Arbeit im Allgemeinen auch. Dasselbe hier mit der Pfanne. Verwenden Sie hier eine kleine Gelegenheit, um einige Leerzeichen durch dieses Objekt kommen zu lassen. Ich mache dasselbe mit dem Inhalt dieser Bratpfanne. Ich füge wahrscheinlich ein paar Eier hinzu. Wir verwenden den gleichen strukturierten Pinsel, den ich für alles andere so ziemlich verwende. Weiter zur Butterpackung. Ich werde nur diese Gelegenheit nutzen, um eine andere meiner Farben zu verwenden, diesmal, dass Cyanblau, füllen Sie es mit dem Texturpinsel. Wie Sie sehen können, fülle ich zuerst jedes Objekt allgemeiner und dann komme ich in die Details jedes nächsten. Wenn der Schnabel und ich einen Fettstreifen mit Weiß hinzufügen und das dann kopieren, setzen Sie die Deckkraft auf vielleicht 30 oder 40 Prozent zurück. Das ist nur natürlich fügt ein wenig mehr Interessen im Detail zu diesem Objekt. Gehen Sie jetzt auf den Herd, wie die Lager Dosierzylinder, dieser Propanzylinder, und das Gerät, das kombiniert, macht es zum Lagerofen. Ich arbeite nur ein paar dieser Details und welche Farben sie haben werden. Weiter zu den Formen der Salz- und Pfefferstreuer. Hier lasse ich mich einfach ausschneiden und einfügen und einen von ihnen nur ein wenig ändern. Es ist nicht vollständig geschnitten und eingefügt. Ich wähle vorerst, Grün in den Pfefferstreuer dort hinzuzufügen. Jetzt werde ich meinen Inker nur verwenden, um ein paar Zeilenarbeiten zu erstellen. Die meisten meiner Liner Details werden so dunkel oder der DV sein. Dann multipliziere ich die über die Farbe, die sie vorbei sind , und das hilft nur, alles integrierbarer zu machen. Nun, natürlich, viele meiner Illustrationen enthalten Schriftzug irgendeiner Art. Hier nutze ich diese Gelegenheit. Ich mag meinen Schriftzug separat und größer. Dann schrumpfe ich es nach unten und lege es zu wem es später gehört. Dies ist nur ein sehr einfacher Schriftzug Stil, den ich sehr viel verwende. Ich verwende das Raster in Photoshop, nur um alle meine Buchstaben eine einheitliche Größe zu machen. Ich mag es auch, die Buchstaben so weit wie möglich zu verfeinern , indem ich die kleinen Bits der Enden lösche, ich hänge vorbei, wo die Rasterlinien sind. Hier für die Eierpackung hilft der Schriftzug wirklich, ein interessanteres Bild zu schaffen. Ich denke, die Eierpackung mit nur etwas Farbe oder Textur oder etwas würde nicht genug sein. Das Hinzufügen des Schriftzugs hier, solange er fiktiv und nicht zu detailliert ist, fügt der Illustration wirklich etwas hinzu. Ich multipliziere diese Farbe auch über das Gelb, und wieder, das bringt nur etwas mehr Harmonie in alles. Ich habe hier beschlossen, die Farbe des Seitenschriftzugs zu ändern, wie frisch und ein Dutzend, nur auf die dunkle Farbe statt. Jetzt arbeite ich mir die Textur aus. Ich versuche herauszufinden, welcher Pinsel die beste Textur für alle Objekte in diesem Stück machen wird . Ich verwende in meinen Illustrationen den gleichen Texturpinsel und die gleiche Farbe und Technik. Ich entscheide mich endlich für diesen Pinsel, und dann setze ich ihn zurück auf 30 Prozent und multipliziere ihn über was auch immer er oben sitzt. Nun, hier, ich passe nur den Schriftzug an, ich fühlte mich, als wäre er zu eng. Dies ist nur das filigrane Detail aber es sieht ein bisschen mehr aus wie das, was ich in meiner Skizze hatte, die Buchstaben sind mehr auseinander angeordnet, hat ein anmutigeres und auch ein Retro-Gefühl. Nun füge ich das Gelb von dem hinzu, was in der Bratpfanne ist, die Eier hier, mit dem gleichen Texturpinsel, und füge weitere Details hinzu. Ich erstelle die Grafik auf dem Butter-Paket mit dem gelben zuerst, und jetzt bin ich dabei, den Schriftzug zu erarbeiten. Ich wähle einen Pinsel für den Brief aus. Ich werde diesen Schriftzug in weiß machen, um zu beginnen. Verwenden Sie das Raster in Photoshop, nur um meine Briefe ein bisschen gleichmäßiger und gemessener zu machen , anstatt das Freiformgefühl. Sobald ich mit meinem Schriftzug fertig bin, habe ich ihn hier angebracht. Ich werde es tatsächlich unter das Gelb der Butter verpackten Grafik legen. Das Gelb, multiplizieren Sie es über das Weiß wird immer noch gelb sein, aber multiplizieren Sie es über die Cyan oder das Blau schafft, dass schöne grüne Farbe. Dies ist nur eine interessante Art, mit den verschiedenen Farben in der Verwendung von Opazität zu arbeiten und in diesem Fall zu multiplizieren. Ich hätte wählen können, um das Wort Butter weiß über das Gelb zu machen, aber das funktioniert auch, und natürlich wissen wir, dass Grün eine Mischung aus Cyan unten und Gelb oben ist. Es gibt hier nur eine Tonne Farbharmonie, die nativ geschieht. Ich nutze die Gelegenheit, ein paar weitere Schriftelemente hinzuzufügen, immer nur ein wenig mehr visuelles Interesse hinzuzufügen, Dinge interessant zu halten, nur einen Markennamen zu bilden. Farmfield's Butter, es sollte existieren, klingt echt für mich. Hinzufügen etwas von der Linie Arbeit mit meinem Inker wieder, nur für die Falten der Enden der Butterpackung. Nun, ich werde die gleiche Textur aus den Eiern verwenden und sie einfach hier in die Butterpackung kleben und auf 30 Prozent Deckkraft setzen und vermehren. Ich werde das so ziemlich überall dort tun, wo es Schattierungen in dieser Abbildung gibt. Jetzt arbeite ich an einigen der Grafiken in den Schriftdetails des Propanzylinders des Kochofens. Ich benutze hier meinen Farbpinsel als Schriftbürste. Dann natürlich, schneiden Sie mit meinem Radiergummi Werkzeug, nur um die Enden und allgemeinen Formen dieser Buchstaben zu verfeinern, nur um sie ein wenig absichtlicher aussehen zu lassen. Ich schrumpfe das nach unten, werfe es in die Propanzylinderform, fange an, einige weitere Details hinzuzufügen. Ich werde mich damit ein bisschen betrügen, und ich beschließe, dass ich diese Details, das Dreieck und der Schriftzug weiß wollen . Es erlaubt ein wenig Leerraum durchzukommen. Jetzt werde ich herausfinden, wie diese Flamme flammig aussieht. Das wäre wegen der Natur einer Flamme etwas schwieriger, sie ist vergänglich und hat nie eine echte Form und sie ist transparent. Was ist eine Flamme? Ich benutze nur verschiedene Kombinationen von Farben, um zu sehen, was funktioniert, und ich am Ende mit diesem Gelb, Weiß und Blau, und es scheint gut zu funktionieren. Jetzt ist es an der Zeit, die Spiele hinzuzufügen. Ich werde diese einfach kopieren und einfügen, damit sie alle gleich groß sind, und ein wenig Wiederholung im Bild erstellen. Dann fügen Sie natürlich die Streichhölzer zu jedem dieser Köpfe hinzu. Ein wenig weiß mit genug Textur, so dass Rot kommt durch, und das stellt sicher, dass Sie zumindest die Rundheit der Spitzen, anstatt sie völlig abgeschnitten aussehen und zu viel mit der Seite hinter. Hier, Ich werde nur noch mehr verbrannt zu einem knackigen Gefühl dieser Streichholz hinzufügen und einige Krümel hinzufügen. Fügen Sie dem Stück ein paar letzte Details hinzu, nur Stücke Pfeffer, die ich durchstreuen kann und natürlich, beenden Sie den Salz- und Pfefferstreuer. Es gibt einige Details, und gehen Sie mit etwas Schriftzug, genau wie ich es an anderer Stelle getan habe, tun Sie es separat und größer, und fügen Sie es dann später zur Objektform hinzu. Ich suche nur eine passende Bürste für den Salz- und Pfefferstreuer hier. Das hier sieht etwas seltsam aus, wenn es groß ist, aber wenn es schrumpft, sieht es in Ordnung aus. Natürlich, indem ich einige dieser Textur meines Texturpinsels hinzufüge und unentschlossen von der Farbe zu werden. Ich versuche nur herauszufinden, wie man die Farben in der oberen Ecke ausbalanciert. Es fühlt sich an, als ob jetzt eine Menge Rot los ist. Ich beschließe, dass der Propanzylinder grün sein wird, aber diese Details oben, werde ich als Marine oder Dunkelheit behalten, und ich werde hier nur ein wenig mit der Farbe der Salz- und Pfefferstreuer rummachen . Fügen Sie dem Propanzylinder natürlich etwas Textur hinzu. Hier verdunkle ich nur den Schriftzug, wodurch er intensiver und kontrastreicher wird. Ich freue mich jetzt über die Farben aller Schriftarten für den Schriftzug. Zweite Vermutung, aber dann gehe ich zurück zu meinem Original. Ich mache das sehr viel. fügen Sie etwas würziges Rot zu den Eiern hinzu, nur um ein wenig mehr Nuance dort hinzuzufügen und etwas mehr Rot tiefer zu bringen und nur einige der Farben gleichmäßig im Bild zu verteilen. Ich versuche, meine Farben so einfach und treu wie möglich zu halten. Nun, wenn ich fertig bin, füge ich meine Unterschrift hinzu , verwirre ein bisschen mit der Farbe, und lande dann wieder mit Marine oder Dunkelheit. Nur ein paar kleine Details zur Fertigstellung, und ich glaube, ich bin fertig. 18. Projektteil 2: Skizzen: Im ersten Teil haben wir einfache Objekte ohne Hintergrund illustriert, und wir haben unsere einfachste Palette von sechs Farben verwendet. Im zweiten Teil werden wir eine komplexere Szene veranschaulichen. Dazu gehören das Essen und die Aktivität, die wir früher gewählt haben, aber auch einige Leute, die miteinander interagieren und das Essen und die Objekte in der Szene im Vordergrund. Da es sich um eine Szene handelt, sollten Sie natürlich auch einige Hintergrundelemente einschließen, um die Szene festzulegen. Diese Illustration wird komplexer sein weil wir es mit verschiedenen Hautfarben zu tun haben, sowie ein Gefühl von Vordergrund und Hintergrund zu schaffen. Um dies zu tun, verwenden wir unsere erweiterte Palette, die wir in Übung 3 erstellt haben. Möglicherweise müssen wir es sogar noch mehr erweitern und modifizieren. Das Rinnsal ist darin, die Farben konsistent und so einfach wie möglich zu halten, mit erweiterten Farben nur nach Bedarf. Nun, nur eine Notiz, wenn das Zeichnen voller Menschen für Sie einschüchternd ist, zögern Sie nicht, nur die Verbreitung von Lebensmitteln zu veranschaulichen mit vielleicht ein paar Händen, die von den Rändern kommen. Dies ist eine großartige Problemumgehung für diejenigen, die in die Illustration springen möchten , aber noch nicht sicher sind, wie sie Menschen zeichnen. Ich habe eine Klasse namens seltsame Körper, die den spezifischen Schmerz für Menschen adressiert, Menschen in ihrer Illustration zu zeichnen und ich ermutige Sie, das irgendwann zu nehmen und vielleicht sogar zu diesem Teil des Projekts zurückzukommen, nachdem ich seltsame Leichen. Der Zweck dieses Teils des abschließenden Projekts besteht darin, die gleichen Farben von einem Illustrationsprojekt zum anderen zu verwenden , unabhängig von der Komplexität. Ein weiterer Zweck ist es, zu demonstrieren, wie eine Palette erweitert werden kann , ohne das Gefühl der Konsistenz zwischen den Illustrationen zu verlieren. In unserer ersten Abbildung hatten wir eine ähnliche Palette, und jetzt werden wir eine komplexere Illustration mit erweiterter Palette haben und beide werden konsistent sein, weil sie im gleichen Kernsatz von Farben verwurzelt sind. Ein weiterer Zweck besteht darin, zu demonstrieren, wie komplexere Anforderungen wie unterschiedliche Hauttöne und komplexe Kompositionen erfüllt werden können, ohne das Gefühl der Farbschlichtheit einer strengeren Palette zu verlieren. Auch hier können Sie die Projektfakten auf der Seite Projekte und Ressourcen dieser Klasse überprüfen , aber wir werden das gleiche Format verwenden, 8 x 10 Zoll, 300 Punkte pro Zoll und Sie können dies im vertikalen oder horizontalen Format tun, Es liegt ganz an dir. Auch hier werde ich Procreate für Skizzen und Photoshop für die endgültigen Illustrationen verwenden. Sie werden es wahrscheinlich an dieser Stelle hilfreich finden, etwas mehr Bildsuche zu tun, diesmal mit einem Auge für Einstellungen Szenarien in Menschen. Für diese Phase ging ich zurück zu Pinterest und suchte nach Dingen wie Leute Camping, Retro-Camping-Leute und sogar Dinge wie die 1960er Jahre Picknick. Ich wollte nur Leute finden, die sich in einem Camping-Kontext versammelt haben. Da ich nostalgisch über die Idee des Campings in den 1960er und 70er Jahren bin, brauche ich meine Suche spezifischer für diese Ära. wende mich nur an meine Bilder, die ich bei der Stufe in Bridge gesammelt habe, kann man sehen, dass alles noch Camping Thema ist, aber diese Sammlung hat mehr einen Fokus auf Menschen, die um einen Tisch essen oder Picknick essen. Es ist nur im Grunde, wenn der erste Satz von Referenzbildern für den ersten Teil der Illustration, wir sind mehr gewählt und speziell auf die Lebensmittel Objekte konzentriert. Das ist wie zurückziehen und mehr auf die Umwelt oder den Kontext schauen. Ich würde sagen, es dauert einige Zeit, um einige O-Modus Skizzen von Menschen in Ihren Szenen zu machen, vor allem, wenn Sie denken, dass es helfen wird, die Säfte fließen für die ideationellen Skizzen. Hier sehen Sie meine O-Modus-Skizzen. Sie sind wirklich nicht so umfangreich. Ich habe gerade ein paar meiner Bilder angekritzt und ich weiß nicht warum, aber ich glaube, ich hatte das Gefühl, dass ich bereits eine Reihe von O-Modus-Skizzen für den ersten Teil gemacht und ich war einfach wirklich begierig, in die eigentlichen Skizzen dafür zu kommen. Ich werde in einem Moment sehen, ich musste tatsächlich eine Tonne von I-Modus-Skizzen machen und ich denke, das macht wieder aus, wie unvorbereitet ich war, weil ich diesen Schritt übersprungen habe. Genau wie beim letzten Mal, nachdem Sie Ihre Beobachtungsskizzen fertig sind, wenn Sie sich dafür entscheiden, sie fleißig zu machen, der nächste Schritt darin, in Ideations- oder I-Modus-Skizzen zu gehen. Denken Sie in diesen Skizzen immer wieder an die drei Cs: Konzept, Inhalt und Komposition. Worum geht es in der Illustration? Welche Objekte und Charaktere werden verwendet, um Ihr Konzept darzustellen und wie werden Sie alles in der Komposition arrangieren? Genau wie beim letzten Mal habe ich meine sechs Thumbnail Spots in Procreate und dann habe ich gerade angefangen zu skizzieren und versucht, Ideen zu haben. Wie üblich begann ich ziemlich peinlich mit dem Ablegen, was immer ich diese erste Idee hatte, vielleicht konnte ich vermeiden, volle Menschen zu zeichnen, indem nur ihre Hände aus den Rändern werfen. Ich dachte immer daran, dass es wie einen Picknicktisch gab, und dann blieb ich ein paar Mal stecken und dachte, naja, ich hatte diese Objekte aus der ersten Illustration. Ich schätze, ich sollte sie irgendwie in die Komposition werfen. Hier habe ich versucht, genau das zu tun. Wieder zu vermeiden, volle Leute in diesem einen zu ziehen und zu versuchen, die Dinge wie den Speck, den Kaffee, die Idee eines Lagerofens einzubeziehen , nur ein paar andere Dinge zu versuchen, die ein wenig verloren gehen, was völlig in Ordnung ist. Dann denken, oh, vielleicht sollte es mehr Kontexte geben, eher einen Hintergrund. Vielleicht sollte es ein Zelt und jemand hacken Holz oder eine Axt oder etwas im Hintergrund. Nur um wirklich die Szene in Bezug auf einen Campingplatz zu setzen. Ich denke, ich fing an, mutiger zu werden und nur Leute mit dem Tisch zu haben. Ich bekam ein Gefühl davon, wie diese Vordergrund-Hintergrund-Beziehung war und wie die tatsächlichen Objekte in meiner Szene sein würden. Dann, ja, ich kam immer wieder auf diese Idee zurück und dann wechselte ich zurück zu, oh, vielleicht sollte ich einfach wieder die Hände machen und dann sollte ich die Leute wieder reinbringen. und her zu gehen, unentschlossen zu sein, ist es in Ordnung, in einer Phase wie dieser unentschlossen denn es sind nur Sie und Ihr Skizzenblock. Wenn Sie noch nicht zufrieden sind, dann einfach weitermachen und Sie wissen, dass ein guter Zeitpunkt, um aufzuhören ist natürlich, wenn Sie beginnen, Ihre Themen immer und immer wieder zu wiederholen. Aber Sie sehen keine große Veränderung in Bezug auf Inhalt oder Zusammensetzung. Auch wenn Sie sich frustriert fühlen, als ob Sie anfangen , etwas negative Energie in Gang zu bringen, dann ist das ein guter Zeitpunkt, um es anzurufen, eine Pause zu machen und mit einem kritischeren Auge darauf zurückzukommen. Das hat mir genauso gefallen, als ich das letzte Mal angefangen habe, rote Punkte auf diejenigen zu setzen , die ich für die vielversprechendsten hielt. Ich mochte dieses hier, weil es die drei Leute hatte, es hatte ein schönes Gefühl von Vordergrund Hintergrund, ohne völlig detailliert zu sein. Ich hatte gerade wie ein Teil des Autos im Hintergrund und ein Teil des Zeltes und ich mochte dieses Gefühl wirklich. Ich mag das auch als eine Möglichkeit, wo ich anstatt eine ganze Person im Vordergrund habe, jemanden im Hintergrund hatte, das menschliche Element irgendwie einstellte, aber auch die Verbindung mit den Menschen im Vordergrund hatte. Genau wie beim letzten Mal nahm ich meine Top-Skizzen und legte sie in ein neues Dokument, um sie mit mehr Klarheit und Raffinesse zu verfolgen. In diesem Fall habe ich beschlossen, nur eine zu verfeinern, die die vollen Zeichen in ihnen hatte , anstatt nur die Hände. Als ich meine Skizzen verfeinerte, machte ich meine Zeichnung so klar und zuversichtlich wie möglich. Achten Sie auf die Details, einschließlich, wie die Charaktere aussehen, was sie tragen und vor allem, wie die Dinge überlappen. Nun, nur wenn ich schnell auf meine raffinierten Skizzen schaue, auf der linken Seite, haben wir meine grobe Skizze, wo ich die drei Leute im Vordergrund hatte und dann ein bisschen vom Campingplatz im Hintergrund, nur um die Szene zu setzen und dann iterierte ich darüber ein paar Mal, bis ich mit dem Detaillierungsgrad zufrieden war. Ich habe mehr Details hinzugefügt, das Bild wurde hier ein wenig komplexer. Aber natürlich denke ich jetzt in Bezug auf Details wie das, was enthalten ist. Ich habe meinen Kaminofen, ich habe meinen Speck, den Kaffee, die Eier, den Salz- und Pfefferstreuer. Die Idee des Kaffees. Ich habe ein paar Bäume im Hintergrund hinzugefügt, denn für mich, wenn du campst, gibt es überall Bäume. Das ist, was ich am Ende in der Skizze getan und wirklich spezifisch über Dinge wie möglich war. Es ist immer noch nur eine Skizze, es gibt keine Farbe, es gibt keine Texturen und Schattierungen wirklich. Aber ich fange an, darüber nachzudenken, wo die Dinge passen und in der endgültigen Komposition sitzen. Jetzt sollten Sie eine abschließende Komposition haben mit der Sie zufrieden sind, um in die endgültige Illustration zu bringen. Versuchen Sie wieder, nicht auf die perfekte Komposition stecken zu bleiben. Es kommt eine Zeit, in der man einfach vorwärts gehen muss. Wählen Sie Ihre Lieblingsskizze für die ganze Szene und gehen Sie einfach mit ihr. Wenn Sie beim nächsten Schritt feststellen, dass nicht funktioniert, können Sie immer zurückgehen und Ihre Skizze mehr verfeinern. 19. Projektteil 2: Abgeschlossene Kunst: Jetzt ist es an der Zeit, unsere ganze Szene zu illustrieren. Dafür können wir unsere erweiterten Paletten verwenden, die meiner Meinung nach nützlich sein werden, wenn wir versuchen, sie auf unsere komplexeren Kompositionen anzuwenden . Das Ziel ist immer noch, diszipliniert über das Festhalten in unserer Palette; ist nur, dass wir ein paar mehr Tönungen und Schattierungen zu arbeiten bekommen. Was Sie hoffentlich finden, ist, dass Sie nicht jede Menge verschiedene Farbtöne brauchen. Sie werden feststellen, dass Ihre einfache Palette von sechs Farben plus dunkel plus ein paar Tönungen und Schattierungen mehr als genug ist, um schöne Kunstwerke zu schaffen. an Ihrer Palette kleben, entspricht die Illustration, die Sie für diese erstellen, der ersten Abbildung. So entwickeln Sie ein konsistentes Farbgefühl für Ihre gesamte Arbeit, indem eine einfache Home-Palette haben und dann nur Variationen davon verwenden, wenn Sie es brauchen. Genau wie beim letzten Mal werde ich Ihnen meinen eigenen Prozess zeigen , der natürlich sehr spezifisch für meinen eigenen Stil, Werkzeuge und Techniken und auch für meine eigene Palette ist. Aber genau wie beim letzten Mal werde ich Sie durch einige meiner Gedanken sprechen , während ich meinen Prozess begleitete. Wenn Sie Ihre Illustration fertig sind, posten Sie sie bitte im Klassenprojekt. Bitte teilen Sie Ihre Arbeit auf Instagram mit dem Hashtag onepaletteillustrator. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was ihr macht, aber bis dahin kommen wir in die Demo. Natürlich werden wir nur damit beginnen, die Datei auf die übliche Weise einzurichten. Erstellen Sie dies erneut bei 8 x 10 Zoll und dann holen Sie die Skizze dort hinein, lassen Sie alles einrichten, um zu illustrieren. Vergessen Sie nicht, Ihre Datei am Anfang und während des gesamten Herstellungsprozesses zu speichern . Ich wähle nur einen der Leute aus, mit dem ich anfangen soll. Diese Vordergrundperson wird hier ein schöner Einstieg in den Beginn des Illustrationsprozesses sein. Ich möchte nur sicherstellen, dass alle meine Pfade gut aussehen, bevor ich beginne, sie auszufüllen. Ich beginne sofort, indem ich eine Hautfarbe aus einem der hautangrenzenden oder hautähnlichen Töne wähle , die ich in meiner Palette gesetzt habe. Ich werde herausfinden, was die genauen Hauttöne sein werden, während ich mitmache, wähle ich einfach etwas aus und beginne damit. Ich sperre Dinge vorerst rein, hol natürlich ein paar Klamotten da rein. Ich habe die Haarfarbe da drin, ich habe meine dunkelste Farbe verwendet und dann multipliziere ich das einfach über den Hautton. Was ich suche, die Kleidung und der Hautton und die Haare, ich möchte nur sicherstellen, dass ich genug Kontrast zwischen jedem der Elemente habe. Hier arbeite ich an der Linie Arbeit Details zwischen den Finger und dem Mund hier. Das ist nur mein Shader, den ich über den Hautton der Person multipliziert habe. Ich werde nur ein paar Details im Hemd hinzufügen. Natürlich, weil dies Camping ist, ist ein schönes kariertes Flanellhemd in Ordnung. Ich benutze hier nur einen breiteren Pinsel. Ich werde meine dunkle Farbe verwenden, aber dann skaliere sie wieder in der Deckkraft auf 50 Prozent , so dass, wenn ich sie über andere Kopien desselben Musters überlappe, es diesen schönen karierten Effekt erzeugt. Natürlich multipliziere ich es auch, also habe ich eine Multiplikation und eine Opazitätsanpassung in diesem karierten Element. Für einige der kleinen Details hier, nur um den Arm vom Rest des Körpers und ein wenig Falte dort zu trennen, werde ich meine Tinte mit der dunkelsten Farbe verwenden und es hilft nur, diese kleinen Details auseinander zu setzen. Dies ist nur eine nette kleine Gelegenheit, etwas Weiß hinzuzufügen. Auf der Seite kommen Sie durch diese andere weiße feste Illustration. Ich füge hier eine kleine errötete Wange hinzu. Jetzt fange ich an, spezifischer über die Hautfarbe zu werden. Was ich suche, ist etwas, das eine schöne Balance zwischen einem dunklen Hautton sein wird, mit etwas, das gut mit der Kleidung kontrastiert, und dann auch, lassen Sie einige dieser Details wie die Linien zwischen den Finger und das Lächeln und das Rouge auch sichtbar sein. Ich arbeite genau, was dieser Ton sein wird. Sobald ich diese Person fertig habe, ist es Zeit, den Tisch zu blockieren. Ich möchte nur sicherstellen, dass die Farbe nicht zu intensiv ist. Das voll auf gelb ist zu viel und so ging ich mit einem helleren gelb. Jetzt fange ich an, die Details des ersten Objekts in der Szene auszuarbeiten, das ist mein kleiner Kochherd, mein kleiner Lagerofen. Aus irgendeinem Grund habe ich mit Rot als Farbe angefangen. Ich glaube, dass die Farbe in meinen Objekten grün war, aber ich werde dieses Detail in einem Moment erarbeiten. Wie Sie sehen können, stehen diese volleren, intensiveren, reinen Farben aus meiner einfachen Palette wirklich schön vor diesem Farbton von Gelb als meinem Hintergrund. füge nur einige der Details hinzu, an die ich mich vom Objekt erinnere. Sie können sich natürlich auf Ihre vorherige Abbildung beziehen, um eines dieser Details richtig zu machen, was ich in dieser Abbildung sehr viel tun werde. Hier schaue ich mir meine erste Illustration an und erkenne, ja, ich habe den Propanzylinder grün gemacht, nicht rot. Ich leihe mir auch nur ein paar Elemente aus dieser vorherigen Illustration, nur um mir ein wenig Zeit zu sparen. Ich mag meine Elemente in jeder Illustration so viel wie möglich neu zu zeichnen , anstatt auszuschneiden und einzufügen. Aber für kleine Details wie diese, gebe ich mir einen Pass und lasse mich etwas kopieren und einfügen und auch nur sicherstellen, dass ich Konsistenz zwischen den beiden Illustrationen habe. Ich bringe nur ein paar andere Elemente ein, die ich bereits gemacht hatte, warum nicht einfach wiederverwenden, anstatt das Rad neu zu erfinden. Jetzt arbeite ich an dem Kaffee-Typ, der nächsten Person in dieser Illustration. Ich beginne gerade mit dem Kopf. Jetzt wird dieser Typ sein Hautton mehr von diesem gelben Farbton sein, der im Grunde die gleiche Farbe wie der Picknicktisch hier ist. mit einer sehr einfachen, begrenzten Palette arbeiten werden Sie verschiedene Objekte finden, die die gleiche Farbe teilen, während sie im wirklichen Leben wahrscheinlich sehr unterschiedliche Farben haben. Ich kenne niemanden, der die Farbe eines Picknicktisches hat, aber Sie können das mit einer einfachen Palette tun. Ich fand, dass seine Jeans nur ein bisschen zu intensiv sind, also habe ich einen Farbton dieser Farbe für meine erweiterte Palette verwendet. Jetzt gehe ich zu diesem Arm-Detail. macht sein Hemd dunkler braun aus der Palette, und dann trägt er eine Weste, die so schön, leuchtend rot ist. Es ist ein schöner Kontrast da. Jetzt arbeite ich nur seinen Hintergrundearm aus, den Arm hinter dem Espressokocher. Jetzt ist es an der Zeit, die Espressokocher selbst zu illustrieren. Ich werde nur die Shader-Farbe verwenden, die hier gut als metallisches Grau funktioniert. Das Hinzufügen dieser Details erfordert immer ein paar Versuche, wie wird dieser Griff funktionieren und sich dann nahtlos in die Linie der Espressomaschine integrieren? Aus irgendeinem Grund bin ich nicht super zufrieden mit denen. Was ich am Ende mache, ist nur das Stiftwerkzeug anstelle eines Freiform-Pinsels zu verwenden. Dies gibt mir nur ein bisschen mehr Kontrolle über diese bestimmte Form. Da, glaube ich, habe ich es. Ich werde nur noch ein paar Details zur Espressomaschine hinzufügen. Hier verwende ich nur einige weiße Linien anstelle meiner dunkleren Linienarbeit, und das hilft nur, die Dinge leichter zu halten. Ich denke, wenn ich die dunkle Linie überall auf der Espressomaschine benutze, hätte das einfach zu schwer ausgesehen. Jetzt nur ein bisschen Schattierung mit diesem Texturpinsel werfen. Natürlich füge ich die Hand des Kerls hinzu, um sie zu halten. Das wäre wahrscheinlich zu heiß, um mit bloßen Händen zu berühren. Aber das ist sowieso keine realistische Illustration. Hinzufügen in einigen der Linie Arbeit Details der Hand. Auch hier, mit exakt gleichen Farbton oder Farbe multipliziert über die Hautfarbe, die ich mit dem Vordergrundzeichen gemacht habe. Für die Haare habe ich nur das Marineblau oder das Dunkle über dem Hautton multipliziert. Wiederum, mit der gleichen Rouge-Technik, die ich im Vordergrundzeichen verwendet habe, ist es die gleiche Farbe, die gleiche Deckkraft, die gleiche Multiplikation. Natürlich nimmt es die Tonalität des darunter liegenden Hauttons auf. Ich benutze das gleiche Gewicht, das ich für die Kaffeekanne wie für die Farbe und den Reißverschluss der Weste verwendet . Nun, ich werde diesem Kerl ein schönes gelbes, flannely kariertes Muster hier geben Kerl ein schönes gelbes, flannely kariertes Muster , weil er auch die Flanell-Vibes fühlt. Hier ist nur das Gelb und ich bin nicht zurück die Deckkraft auf eine bestimmte Menge. Dann lässt das die dunklere Farbe seines Hemdes durchkommen. Jetzt ist es natürlich Zeit, einige Kaffeetassen hinzuzufügen, Ihnen etwas Schattierung geben. Dann erlaube ich mir, das zwischen den drei Leuten hier zu kopieren und einzufügen. Das fügt eine schöne Wiederholung im Bild hinzu. Ich erkannte auch, dass ich vergessen habe, einige der karierten Muster in den Hintergrund Arm dort hinzuzufügen. Ich nehme es nur zurück, also ist es nicht ganz so intensiv. Es ist ein bisschen subtiler. Hier versuche ich nur, die Form des Kopfes herauszufinden und wo die Haarform landet. Diese Person wird ein kleinerer Hautton sein. Es wird einen Rollkragenpullover tragen. Ich arbeite nur ein paar dieser kleinen filigranen Details der Hände. Hände sind immer ein Farbpunkt für mich. Ich habe in diesem Fall beschlossen, es vorerst zu vermeiden. Ich mache die Hand später. Jetzt fülle ich das Grün ein und finde es ziemlich intensiv. Ich werde das wahrscheinlich irgendwie zurückskalieren. Ich verwende einen Farbton, den ich in meiner erweiterten Palette gefunden habe. Jetzt versuche ich nur, es zu multiplizieren und dann die Deckkraft zurückzunehmen , so dass es immer noch eine Form dieses Grüns ist. Es nimmt mehr von der Nuance des Hauttons der Person. Das gefällt mir am besten. Ich fand den Farbton für ihr Hemd hier nur ein bisschen zu milchig. Wieder, nur die gleichen Eigenschaften auf die Armhülse anwenden , wie ich mit dem Rest des Pullovers. Jetzt füllen Sie die Haare. Jetzt hier ist die Haarform knifflig, weil sie unter den Hut, über das Gesicht, über die Farbe und dann hinter der Schulter gehen muss über das Gesicht, über die Farbe . Ich mach mich nur darum. Sie wird Haare haben, die braun sind, diese dunkelbraune Farbe aus der Palette. Alle Augen in meinem Volk hier werden die gleichen Farben haben, die die dunkle Marine ist. Auch ihre Gesichtsdetails erhalten die gleiche Behandlung wie alle anderen. Für die Hotlines denke ich, dass eine dunkle Linie zu schwer ist, also verwende ich die gleichen weißen Linien, die ich in der Kaffeekanne verwendet habe. Nur einige Details hinzufügen, jetzt nur um die verschiedenen Teile ihres Körpers in der Farbe zu trennen. Ich benutze denselben Inker, den ich für die Hotlines und die Kaffeemaschine benutze. Ich benutze diese jetzt ist ein Muster in ihrem Pullover. Dieses Muster wird helfen, es bricht die Solidität ihrer Form. Es hilft auch, sie gegen die Vordergrundperson zu kontrastieren. Nur das Hinzufügen einiger Linien hilft, ein Gefühl der Differenzierung zwischen diesen überlappenden Formen zu geben. Dann nehme ich die Deckkraft dieses Gewichts zu etwa 50 Prozent zurück. Das macht das Muster nur ein wenig subtiler. Natürlich füge ich hier die Zeilenarbeitsdetails hinzu, genau wie ich es überall sonst getan habe. Sie werden bemerken, dass ich die Arbeit der dunklen Linie multiplizierte , die ihre Arme vom Rest ihres Körpers trennte. Das wirkt etwas dunkler als das dunkelblaue Marineblau, das überall sonst ist. Nur mit dieser Handform umher. Wieder, es ist ein großer Schmerz Punkt, wenn Menschen zeigen , wie diese Hände nicht zu peinlich aussehen. Ich bin okay mit Wurstfingern. Ich möchte nur sicherstellen, dass die Formen wie eine absichtliche und nicht zufällig. Ich vervollständigen nur einige der Muster, die es in der Hülse oder der Manschette fehlte. Dann natürlich das Hinzufügen einiger endgültiger Details der Linienarbeit über die Haut dort. Ich mag auch etwas erröten hinzufügen, genauso wie das, was ich auf den Wangen über andere Teile des Körpers habe , nur um mehr Kontrast hinzuzufügen, wenn nötig, und fügen Sie einfach einige weitere neue zu den Hauttöne der Person sowie. Natürlich, indem ich einige Schattierungen mit meinem Texturfüller hinzufüge, genau wie wir es mit den einfachen Flecken getan haben. Hier denke ich ein wenig darüber nach, dass alles die gleiche Lichtrichtung hat, aber ich bin nicht super konsequent darüber. Nun, es ist Zeit, diesen Teller mit Speck hinzuzufügen, fügen Sie eine schöne große Fläche von Weiß hier für die Platte, wird nur wirklich helfen, einige dieser Papierfarbe oder den negativen Raum durch diesen sonst festen unteren dritten Teilbringen diesen sonst festen unteren dritten Teil des Bildes, in dem sich die Tabelle und alle Objekte befinden. Fangen Sie an, einige Rasher von Speck auf diesem Teller zu zeichnen. Für den Speck will ich keine super solide Kante, also lasse ich etwas von der Kante etwas rauer sein. Jetzt füge ich diese Fettstreifen hinzu. Diese helfen, die beiden Speckstücke auf dem Teller zu trennen oder zu unterscheiden. Dann verwende ich eine mehr zurückgezogen in Opazitäts-Version dieses Fettstreifens, um die beiden Stücke von Speck weiter zu trennen und natürlich auch den Speckstücken mehr Charakter zu geben. Ich werde auch Schattierung verwenden, die sowohl den Charakter des Speckes hinzufügen und natürlich ein wenig Kontrast zwischen den beiden geben, da die Schattierung am unteren Rand des Speckes erscheint und nicht an der Spitze jedes Stückes. Auf diese Weise hilft es, die beiden Teile mehr voneinander aufzustehen. Ich perfektioniere nur einige dieser Formen mit der Hand und der Platte, wo sie interagieren. Nun fügen Sie den Spatel in diesem unteren linken Teil des Bildes hinzu. Auch hier ist dies eine weitere Gelegenheit, in einigen negativen Raum oder einige Weißen Tempo zu bringen, dies hilft nur, diese wirklich solide unteren dritten Teil der Illustration zu öffnen. Hilft ihm ein wenig mehr zu atmen und gibt ihm mehr visuelles Interesse. Ich werde ein paar Momente hier verbringen, nur um die Form zu perfektionieren, weil es mich unangenehm aussieht und auf eine nicht so gute Art und Weise. Ich werde mich nur ein bisschen damit beschäftigen, bis ich mich recht darüber fühle, bevor ich weitermache. Hier werde ich mir einen Pass geben. Lassen Sie mich einfach kopieren und fügen Sie das Salz und Pfeffer direkt aus den Objekten Illustration. Das sind kleine Elemente, so dass ich nicht das Gefühl habe, dass ich viel Aufmerksamkeit auf sie aufwenden und sie wieder zeichnen muss, um das Rad neu zu erfinden. Natürlich muss ich dort noch ein paar Teller Essen hinzufügen , wo die Kaffeetrinker auf der anderen Seite des Tisches sind. Ich werde nur angeblich ein paar Eier und Speck auf dem Teller haben, es ist mit einigen strukturierten Bürsten und halten es wirklich einfach. Mir gefällt, wie sich das Rot des Speckes und das insgesamt gerade Speck Motiv hier wiederholt. Sie haben es im Vordergrund, und dann haben Sie es wiederholt im Hintergrund und kopieren Sie es einfach und fügen Sie es zwischen den beiden Platten ein. Ich kann es hinter das Ei auf dem anderen Teller schleichen. hilft nur, dass es so aussieht, als hätte ich es nicht völlig unverblümt kopiert und eingefügt. Hier gehe ich nur mit einer solideren Kante auf der Platte im Vordergrund und füge ein bisschen mehr Details hinzu. Vordergrundelemente und erhalten detailliertere und Hintergrundelemente. Ich bringe einige dieser Spiele ein. Genau wie wir es in der einfachen Objekt-Illustration hatten. Jetzt möchte ich etwas Himmelsfarbe mitbringen. Ich möchte einige der Weißen Tempo in der Mitte zu erhalten. Ich werde diesen Weg verlassen und dann einfach etwas Himmelfarbe auf der Rückseite hinzufügen, Hintergrund oben im Bild. Dann fahre ich fort, das Auto mit dem Kanu an der Spitze zu bringen. Fügen Sie einige einfache Räder hinzu. Ich denke, nur die weiße Linie als die Kreise genug um die Radkappen vorzuschlagen, müssen dort nicht zu viel Detail gehen. Jetzt für Fenster wissen wir, dass die Fenster klar sind und dass vielleicht der Hintergrund, der Himmel oder was dahinter steckt, durch das zeigen würde, was hinter dem Auto ist. Hier werde ich es nur mit meinem Shader füllen und multiplizieren, nur um das Gefühl dieser Verdunkelung zu geben , die passiert, wenn Sie durch das Fenster eines Autos schauen und es ist dunkler im Auto als draußen. Natürlich werde ich nur einige subtile Details, Griffe und ein Lenkrad hinzufügen . Ich brauche nicht viel für Hintergrundelemente. Ich mag meine Autos wirklich einfach zu zeichnen. Jetzt werde ich das Kanu hinzufügen etwas von diesem hellen schönen gelben Ton bringen, sich auch in den Eiern widerspiegelt. Dann fand ich, dass die Autofarbe zu intensiv war. Ich nahm es zurück zu einem der Farbtöne dieses Blaus, dass ich meine erweiterte Palette hatte. Jetzt werde ich nur noch ein paar Details in den Dachträger hinzufügen. Wieder nur mit meinem Liniengrafik Inker und meiner Dunkelheit. Jetzt hier werde ich die kleine Fahne hinzufügen, die ich auf der Kanuspitze hatte. Das wird eine kleine kanadische Flagge sein. Ich werde es ein wenig größer machen, damit es leichter zu sehen und zu machen ist , und dann kann ich es nach unten auf Größe verkleinern. Wie es versucht, die Kanadier mich glauben für mich ist super hart. Ich werde hier ein paar Versuche machen und versuchen, es nicht wie ein Cannabisblatt aussehen zu lassen, das es aus irgendeinem Grund wie das Marihuanaflatt aussah, als ich das zeichnete. Ich denke, ich bin übermäßig aufgeregt damit, besonders wenn man bedenkt, wie klein die Flagge eingreifen wird. Aber manchmal ist es einfach, sich auf ein Detail hineinzuziehen und den Blick auf das Gesamtbild zu verlieren. Ich bin glücklich genug. Ich habe es an Ort und Stelle und ziehe weiter. Fügen Sie dem Kanu etwas Schattierung in das Auto. Nun, hier für die Schattierung, ist es die gleiche Textur, die gleiche Technik wie die Vordergrundelemente, aber tatsächlich gießen Sie die Deckkraft mehr zurück, so dass es noch schwächer ist als es, wenn ich die Schattierung im Vordergrund angewendet habe. Das liegt nur daran, dass jedes Objekt im Hintergrund dazu neigt, im Wert zurückzutreten. Das schließt die Farben ein, beinhaltet die Sättigung sogar, und natürlich beinhaltet es, wie dunkel die Schattierung ist. Weiter zum Zelt. Ich möchte das Zelt grün machen, aber natürlich ist das Grün einfach zu intensiv für unsere Hintergrundfarbe. Kein Wortspiel beabsichtigt. Ich benutze eine Tönung dieses Grüns und füge dann etwas Schattierung hinzu, nur um vorzuschlagen, wie das Zelt dimensionale ist. Wie geht's dieser Seite und der Front? Jetzt füge ich einen Baum hinzu. Ich habe eine bestimmte Art, Bäume zu schaffen, die Rot und Grün mischt. Ich habe das Rot als Hintergrund und dann werde ich das Grün haben. Ich werde darüber mit meinem strukturierten Pinsel multiplizieren und das gibt diesem Baumstamm nur einen schönen organischen bucky Look. Dann benutze ich einfach eine Ebenenmaske, um einige Details dieser Holzstruktur auszuschneiden. Dies ist im Grunde das Rot unten, das durch das Grün zeigt, das oben multipliziert wird. Jetzt werde ich einige der Zweige dieses Baumes hinzufügen. Hier bin ich in Ordnung, die intensivere Version des Grüns zu verwenden. Ich werde mich mit diesen etwas verwirren. Ich denke, ich gebe hier auf und kopiere es einfach und füge es ein, was etwas zu symmetrisch aussehen kann. Für mich bedeutet das Zeichnen von Bäumen nur, den Baum mehr vorzuschlagen, als seine totale Ähnlichkeit zu erfassen. Ich bin okay, wenn diese Details eher symbolisch als wörtlich sind. Ich tue, was ich kann, damit es zwischen den beiden Seiten etwas weniger geschnitten und geklebt wird. Jetzt werde ich einen Baum im Hintergrund hinzufügen. Objekte, die weit weg im Hintergrund sind, werden in meinen Illustrationen normalerweise nur weiß oder dunkel sein. Hier versuche ich nur, den richtigen Pinsel für den fernen Baum zu finden. Am Ende gehe ich mit dem gleichen Texturpinsel, aber nur mit einer kleineren Größe. Irgendwann hier. Sobald ich dann herausgefunden habe, wie mein Schlaganfall aussieht, freue ich mich, den Baum zu zeichnen. Auch hier, weil es im Hintergrund weit weg ist, hat es weniger Variationen in der Farbe und viel weniger Details als auch. Dinge weiter weg brauchen nur nicht so viel Detail. Ich füge nur die Sonne hier und die Wolke hinzu, um die Wolke jetzt ein bisschen flauschiger und subtiler zu machen, setze ich einfach die Deckkraft zurück. Das hilft, das Gelb der Sonne durchzuschauen und lässt die Wolke flauschig und leicht aussehen. Jetzt gehe ich zum Stumpf. Der Stumpf in der Mitte hier mit der gleichen Technik, die ich als der Baum hinter dem Kaffee Kerl dort verwendet , um das braun zu machen und es organisch aussehen zu lassen, dann habe ich die gleiche Farbe wie die Tischplatte verwendet, wie die Holzspitze des Stumpfes. Das ermöglicht eine gewisse Kommunikation zwischen Mittel- und Vordergrund. Das gleiche hellgelb geschieht an beiden Orten, was insgesamt eine einheitlichere Komposition bringt. Jetzt mit der Axt, ich füge nur ein paar Details hinzu, ich versuche nicht zu über Bord zu kommen, aber das Metall der Klinge, es wird die gleiche Farbe wie die Kaffeemaschine, die Espressomaschine. Jetzt mache ich nur den Boden der Stümpfe weich, damit er nicht so scharf aussieht. Dann werde ich ein paar Finishing-Details in der Szene hinzufügen, wie diese Bierdose. Nun mag dies über Bord sein, wie klein diese Bierdose ist, aber ich beschloss, dort etwas Schriftzug aufzunehmen. Jede Gelegenheit, etwas Schriftzug zu machen, nehme ich es normalerweise. Hier füge ich nur einige der Typen Drähte hinzu, die das Zelt halten und dann etwas Ähnliches, das das Kanu an das Fahrzeug anbindet. Durch die Verwendung der gleichen Linienqualität für diese beiden Dinge schafft es nur ein wenig mehr Einheit um das Bild herum. Wenn ich diese Linien nur für das Zelt benutze, fühlen sie sich vielleicht einmalig, aber durch die Verwendung sie auch auf dem Kanu bekommen ein bisschen mehr von einem Muster in Gang. Ich mache nur ein paar Heringe, füge ein paar Vögel in den Himmel, und ich werde mit einigen der Grasbüschel hier im Mittelgrundbereich rummachen. Ich kann das Kaffeegießen nicht vergessen. Dies ist eine großartige Gelegenheit, das dunkelbraun zu verwenden und zu vermehren, da Kaffee eine transparente Flüssigkeit ist. Ich werde nur einige letzte Schattierungsdetails hinzufügen, nur um ein wenig mehr Atmosphäre auf das Foto zu bringen. Natürlich, wenn ich Textur auf einem Zeichen hinzugefügt habe, sollte ich es auf allen hinzufügen. Ich bin nicht super streng in Bezug auf die Richtung des Lichts und wo die Sonne ist. Ich bin sehr wörtlich darüber, ich benutze die Schattierung mehr als eine Möglichkeit, dem Bild ein wenig Volumen und Tiefe zu geben und bestimmte Elemente gegen andere zu kontrastieren. Schließlich fügen Sie nur einige Zeilen auf die Tischplatte oder einige erhöhte visuelle Interesse. Natürlich, fügen Sie etwas würziges Rot ein wenig zu den Eiern hinzu. Wieder nur ein kleines, winziges buntes Detail. Es ist sehr subtil, aber es fügt dem Bild ein wenig mehr Interesse hinzu. Es lässt es etwas weniger flach aussehen. Es ist Zeit, diese Äste vielleicht noch einmal zu besuchen. Jetzt, da ich andere Teile des Bildes herausgefunden habe, fühle ich mich energisch genug, um diesen Zweigen des Baumes ein wenig mehr Aufmerksamkeit zu schenken und sie ein wenig interessanter aussehen zu lassen. Ich benutze nur meinen Radiergummi, um diese Äste ein bisschen mehr zu formen. Ein weiteres Detail hier hinzuzufügen sind nur die Knoten auf dem Baum und bringen sie auch auf den Baumstumpf. Ich glaube, ich bin fertig. Ich werde diese einfach nebeneinander aufstellen und sehen, wie sich die einfachen Objekte und die ganze Szene miteinander vergleichen. Natürlich, wie sollten wir meine Unterschrift zu meiner zweiten Illustration hinzufügen? Wo man die Unterschrift hinstellt, sieht das gut für mich aus. 20. Feiere dich!: Das war's, alle. Wir haben gelernt, was es bedeutet, ein ein-Paletten-Illustrator zu sein. Wir haben gelernt, wie die Beherrschung einer einzigen Palette uns helfen kann , alle Arten von Kämpfen in unserer eigenen Arbeit zu überwinden, einschließlich zu wissen, welche Farben mit jedem Projekt zu verwenden sind, einen stärkeren Stil zu haben und sogar zu lernen, wie man jede Farbe verwendet Palette in einer entschiedeneren und geschickten Art und Weise. Lassen Sie mich Ihnen sagen, das war eine der härtesten Klassen, die ich je unterrichten musste. Härter sogar als Unterrichtsstil. Die Farbe ist so subjektiv und es schien Tausende von verschiedenen Ansätzen zu geben. Ich weiß, dass Sie auch anders sind und wahrscheinlich Ihre eigenen Möglichkeiten finden , Farbe zu verwenden, während Sie vorwärts gehen. Das ist meine größte Hoffnung, dass Sie etwas aus dieser Klasse nehmen und auf Ihre eigene Art und Weise und in Ihrer eigenen Arbeit darauf aufbauen können. Während Sie wie immer an Ihren Übungen und Projekten arbeiten , teilen Sie es bitte auf der Klassenprojektseite. Der beste Weg, um Feedback von mir und anderen zu erhalten , ist, es hier mit dem Rest der Klasse zu teilen. Ich liebe es, deine Projekte so sehr zu sehen. Ich weiß, dass dies eines der größten und ehrgeizigsten Projekte ist, und ich danke Ihnen so sehr für Ihre Zeit und Ihr Engagement hier. Wie immer, wenn Sie auf Instagram teilen, verwenden Sie bitte den Hashtag, ein Paletten-Illustrator. Weißt du, ich liebe es, deine Arbeit in freier Wildbahn zu sehen, und das ist der beste Weg für mich, sie außerhalb von Skillshare zu entdecken. Wie immer, vielen Dank, dass Sie die Klasse genommen haben. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was Sie für das Projekt machen und ich kann es kaum erwarten, mehr darüber zu erfahren , was Sie in dieser Klasse gelernt haben und wie es Ihnen bei Ihrer Kunst geholfen hat.