Les bases de la photographie en studio : Beauté, mode et clichés de nature morte

1. Introduction: Vous êtes-vous déjà demandé comment améliorer votre éclairage ? Je m'appelle Jose Carvajal. Je suis photographe de beauté, de mode et de nature morte, mais aussi un designer 3D occasionnel basé à Séville, en Espagne. Je travaille en tant que photographe professionnel depuis quatre ans, publiant dans des magazines tels que TUSH, Nylon, L'Officiel ou Neo2. J' ai également travaillé pour de grandes entreprises comme Mango et Adobe. Dans ce cours, Studio Photography : Lighting Setups for Beauty, Fashion, and Still Life, je vais vous guider à travers toutes les étapes pour améliorer votre photographie en comprenant comment la lumière fonctionne dans différents environnements. À l'aide de quelques exercices et devoirs que j'ai faits, vous allez apprendre à utiliser l'éclairage et la créativité d'une manière intelligente pour atteindre les concepts les plus intéressants, et comment les filtrer pour créer un travail exceptionnel. Aussi, je vais vous montrer mon processus pour obtenir les images les plus nettes et les plus raffinées pour construire un portefeuille incroyable et obtenir des emplois commerciaux avec elle. Nous allons travailler sur un tableau d'ambiance, utiliser différents modificateurs de lumière, apprendre à travailler avec des mannequins et des maquilleurs, et comment éditer nos images à la perfection. Que vous soyez débutant ou professionnel, si vous voulez améliorer votre créativité dans les techniques d'éclairage, ce cours est fait pour vous. J' espère que vous apprécierez tous ce cours. On se voit dans le coin. 2. Orientation du cours: Aujourd'hui, nous allons apprendre à utiliser des stroboscopes légers pour rendre nos clichés plus sombres, dramatiques, et leur donner un look plus professionnel. Ceci est absolument essentiel si vous voulez construire votre carrière en tant que photographe, que vous vouliez centrer votre travail autour de l'industrie de la mode, la nature morte, du portrait ou de la photographie de beauté. Tout d'abord, nous allons travailler à travers quelques-unes de mes principales références artistiques, ainsi que des livres que j'ai jugés essentiels. Après cela, je vais vous montrer quelques exercices créatifs pour former votre œil et améliorer votre productivité quand il s'agit de créer de nouveaux projets. Je vais également vous expliquer comment je comprends la créativité et comment nous pouvons appliquer nos connaissances en éclairage à ce domaine. La deuxième mission sera la réalisation d'un tableau d'humeur. Comment recherchons-nous des références ? Comment organisons-nous toutes nos idées ? Je vais également vous apprendre à utiliser des applications comme Shot Designer, pour créer des configurations d'éclairage schématique et les inclure dans nos moodboards. Ensuite, je vais vous expliquer comment fonctionne la lumière. Nous allons plonger en profondeur en expliquant la lumière dure et diffuse, différentes sources de lumière artificielle, l'équipement de base, la loi Inverse-Square et les bases d'une lumière stroboscopique. Je vais vous emmener à travers toutes les configurations essentielles pour la beauté, mode et la nature morte, telles que la coquille, la lumière clé et la lumière de jante, astuces derrière la photographie de produit ou l'utilisation d'un compteur de lumière. Tout ce dont vous avez besoin pour monter. Si tu es prêt, on y va. On se voit ! 3. Équipement: Dans cette leçon, nous allons couvrir les besoins d'équipement que nous aurons pour notre projet de tir. Le principal équipement qui va nous permettre d' exprimer notre créativité est la caméra. Si vous êtes un débutant, ne vous inquiétez pas des mégapixels ou des spécifications secondaires. Prenez l'appareil photo avec lequel vous vous sentez plus à l'aise. L' option la plus accessible est un appareil photo reflex, et vous pouvez trouver de très belles caméras même sur le marché d'occasion, si vous avez besoin d'économiser un peu. Pour les objectifs, les plus courants pour la photographie de mode sont téléobjectifs comme ce 100mm de Canon, que j'aime absolument, parce que je peux utiliser sa macro dans mes travaux de beauté. Quoi qu'il en soit, si vous voulez obtenir un peu plus créatif et expérimental, vous pouvez toujours essayer des objectifs plus larges, comme le Nifty Fifty, le 40mm, ou même un 28mm. Pour les tournages en studio et les réglages d'éclairage où vous allez faire, les strobes seront indispensables. Il y a beaucoup d'options abordables, étant mon préféré et le plus utilisé, le SK400 de Godox. Ce que vous devriez regarder, c'est la puissance du stroboscopique étant de 400, le minimum requis pour ce que nous allons faire. Et s'il vous plaît, n'oubliez pas d'utiliser un joli trépied robuste pour tenir vos strobes. Les gens ont tendance à passer par là, mais avoir un bon trépied est l'une des meilleures façons de se soucier de nos strobes. En outre, vous devriez avoir quelques cartes mémoire et un réflecteur 5-en-1, ce qui vous permettra de rebondir la lumière avec différentes textures et couleurs. Comme certains équipements optionnels, vous pouvez avoir un câble de connexion pour prendre et regarder vos photos sur un moniteur externe ou votre ordinateur portable. Vous pouvez également avoir un lightmeter pour effectuer des corrections sur le terrain plus rapidement. toujours à l'esprit que pour commencer, vous n'avez pas besoin de l'équipement le plus cher. Avec des choses abordables et combinant cela avec la compréhension de la lumière et comment cela fonctionne, vous aurez déjà d'excellents résultats. Pour la prochaine leçon, je vais vous dire quelles sont mes principales références et nous analyserons comment ils utilisent les lumières. Allons-y ! 4. Rechercher une recherche inspirante: Dans cette leçon, nous allons explorer le travail des créateurs que j'admire, ainsi que des photographes, des artistes 3D, graphistes et des artistes conceptuels. Il est absolument nécessaire d'avoir des référents dans le secteur de la création et pas seulement des photographes. Parce que ce sera le point de départ pour nous connaître nous-mêmes, ce que nous voulons faire, et à qui nous chercherons, afin que nous puissions commencer à développer notre carrière. Je pense que le concept est un aspect très important pour commencer à raconter des histoires à travers nos images et pour évoluer en tant qu'artistes. Par exemple, j'aime comment Eugenio Recuenco crée un monde unique et toute une histoire dans chaque image, et l'œil pictural qu'il a fournit à ses concepts une vision puissante. Il a tendance à utiliser une lumière continue et des compositions avec beaucoup de décors, ce qui garde chaque image intéressante et vous fera regarder chaque partie pendant des heures. Sa formation en beaux-arts est tout à fait perceptible ainsi que sa façon particulière de raconter des histoires. Dans son 365 Project, il a tourné une image pour chaque jour de l'année, gardant un concept de base mais changeant l'histoire à l'intérieur de celui-ci. Cette fois, il n'utilise qu'un ensemble spécifique pour chaque photo. Trois murs et une fenêtre. Regardez comment il change tout en créant de nouvelles idées et en essayant de nouvelles lumières, nouvelles couleurs, de positions de caméra, ou même en travaillant avec de l'espace négatif. Pour moi, il est l'exemple parfait d'avoir une idée de base comme point de départ et de l'emmener très loin. Quant aux artistes du portrait et de la beauté, je pourrais citer des icônes comme Peter Lindbergh ou Helmut Newton. Mais pour moi, Cecil Beaton est un incontournable. Beaton avait l'habitude de tirer sur des gens célèbres, mais d'une manière plus intime et sensible. Il voulait les normaliser avec ces portraits époustouflants. Vous devriez également suivre de nouveaux talents comme Agata Serge, Cho Gi Seok, Zhong Lin, Elizaveta Porodina et Anna Rudzit pour voir les tendances actuelles et comment la mode, beauté et la créativité ont évolué dans le temps. Elizaveta crée de nouvelles situations pleines de couleurs, de saturation, d'accessoires et de mélange de différents matériaux pour faire une imagerie rêveuse et puissante, qui reste beaucoup à Man Ray. Aussi, sur un petit mot pour la nature morte, découvrez le travail de Roberto Greco, un photographe étonnant et sensible qui se soucie énormément de la composition, couleur et de la délicatesse. Je suis toujours à la recherche de nouveaux moyens d'expression artistique, tels que la 3D et le graphisme. L' un de mes favoris est Peter Tarka, qui développe de belles compositions conceptuelles avec les palettes de couleurs les plus propres. Aussi, ce livre a été une révélation pour moi en termes de texture et d'utilisation de la couleur. Il met en vedette de nombreux artistes étonnants avec des perspectives créatives uniques. Découvrez, si vous êtes intéressé par de nouvelles formes et de belles idées. En tant que conseil professionnel, je dirais de rester en dehors de votre zone de confort, surtout si vous n'êtes pas un débutant. Cela vous aidera à former votre œil dans d'autres disciplines et peut-être que cela vous fera essayer de nouvelles situations visuelles. Pour moi, la créativité est le filtre de nos idées et nous devons y travailler sans relâche. En plus de cela, changer vos principaux référents et être dans un processus de recherche constant vous gardera éveillé avec beaucoup d'idées qui circulent. Maintenant, pour cette leçon, je veux ajouter une petite mission, définir un concept à travers la créativité. Vous devez choisir entre les idées de la douleur, du bonheur et de l'espoir, et prendre une photo de chacun, en évitant le noir et blanc pour la douleur, les gens riant pour le bonheur, ou l'utilisation du vert pour l'espoir. En évitant les clichés, vous mettrez plus d'efforts pour obtenir les meilleurs résultats. Dans la leçon suivante, nous définirons le moodboard de notre projet final. Suivez-moi ! 5. Réalisation de notre moodboard: Dans cette leçon, je vais vous guider à travers le processus de fabrication d'un moodboard cohérent. Ayant toutes les références à l'esprit, il est temps de consulter Pinterest et de chercher le type d'images que nous aimerions prendre pour notre projet final. Un moodboard est un document ou un guide où nous allons ajouter toutes les idées que nous considérons intéressantes pour notre tournage, donc nous avons tout plus clair. C' est une partie fondamentale du processus de pré-production et je vous recommande de vous habituer à le faire pour chaque tournage. Je vais choisir des images et faire mon propre tableau d'humeur pour le tournage de mode, le tournage beauté, et le tournage de la nature morte. Le conseil professionnel sur l'utilisation de Pinterest rend notre recherche aussi spécifique que possible afin que nous puissions filtrer les résultats et obtenir les images aussi près que nous l'avons à l'esprit. Dans mon cas, je voulais filmer un maquillage coloré et ludique, qui contraste avec la peau des taches de rousseur, et aussi placer quelques portraits et références de mode. De plus, vous pouvez voir le tableau d'ambiance que j'ai créé pour le tournage de la nature morte pour cette classe. Pour le tournage de mode, je voulais opter pour un look contrasté, avec des portraits proches en noir et blanc et jouer plus avec poses différentes plutôt que de me concentrer sur des vêtements excentriques. Cela dit, pour les références de portrait, je suis allé à la « Série de taches de rousseur » d'Agata Serge, qui fonctionne comme une excellente étude de pose et il est idéal pour apprendre la direction du modèle et le traitement des couleurs. Dans son cas, elle utilise surtout la lumière naturelle. Mais rappelez-vous, ce ne sont que des références pour les poses et les coups de feu. Essayez de chercher des poses intéressantes en recherchant ce sujet spécifique et ouvrez votre esprit. La variété est ce qui vous fera vous démarquer. La chose qu'il aime le plus à propos de Pinterest est que vous pouvez rechercher du contenu associé dans chaque image que vous choisissez et il est assez facile à organiser avec des tableaux et des épingles, que vous pouvez définir en privé au cas où vous ne voulez pas n'importe qui pour les voir. Le meilleur conseil que je peux vous donner ici est de chercher des feuilles de contact avec différentes pose et agissant. Cela va créer une bibliothèque mentale d'options à choisir lorsque vous êtes dans un tournage. Croyez-moi, c'est vraiment utile si vous manquez d' idées ou si le modèle n'est pas trop expérimenté. En tant que photographes, il est de notre responsabilité de savoir diriger quelqu'un. Ce sera mieux pour l'humeur du tournage si vous répliquez les poses que vous avez à l'esprit, ou si vous montrez la référence au modèle. C' était mon dernier tableau d'humeur pour le tournage de mode. Comme je l'ai mentionné plus tôt, mon idée pour la séance de beauté était de jouer avec le contraste entre certaines palettes pastel et les taches de rousseur du modèle que nous avions. Le maquilleur et moi avons travaillé ensemble pour obtenir plus facilement le résultat final avant le jour du tournage. Assurez-vous d'organiser correctement les différents looks. Ils n'ont pas besoin d'être faits dans le même ordre que vous avez défini sur votre moodboard parce que certains produits de maquillage pourraient être plus difficiles à enlever, et ceux-ci devraient être appliqués le dernier. Vous ne voulez pas passer des heures et des heures dans Photoshop ! Laissez-vous habituer à faire vos moodboards beauté avec votre maquilleur. Il résoudra tous les doutes que vous avez. Si vous voulez suivre le chemin de la photographie de beauté, vous devez en apprendre davantage sur les produits, les textures et les applications sur la peau et les cheveux. C' était mon moodboard pour la séance de beauté. Pour mes clichés nature morte, je voulais aller à une image de produit classique avec une bouteille de parfum. Je voulais obtenir un cliché de mauvaise humeur avec un beau rétro-éclairage pour ajouter des tons de couleur supplémentaires, ce qui pourrait ajouter plus d'épices et de dimension. Essayez de définir votre ton nature morte avant d'être dans le tournage réel parce que comme vous le verrez plus tard, c'est un genre photographique très technique, qui n'accepte pas trop de changements parce qu'un petit mouvement peut vous faire recommencez à zéro. Aussi, cherchez des références intéressantes et essayez d' écrire la configuration de l'éclairage une fois que vous en avez appris un peu, et découvrez de nouvelles façons de configurer vos lumières. C' était mon tableau d'humeur pour le tournage de la nature morte. C' est un exemple de planche d'humeur professionnelle que j'ai fait pour photographier avec un modèle. Comme vous pouvez le voir, j'ai préparé un document externe à envoyer à l'équipe et à l'agence pour tout planifier. et j'ai commencé à expliquer mon concept pour le tournage, qui portait sur les marques de naissance, cicatrices, et tout ce qui nous rend uniques et spéciaux. Ensuite, j'ai fait une palette de couleurs sur le site Coolors, qui vous permet d'explorer les possibilités et de mieux définir tout. Bien sûr, nous avons ici quelques photos et des références d'acteur. Je voulais aller ludique puisque le mannequin est aussi une excellente actrice et elle pourrait entrer dans n'importe quelle humeur que je lui ai dit. C' était le modèle avec lequel nous avons tourné, Cecilia. Dans ce cas, puisque je savais qui allait être le modèle, j'ai peint un portrait d'elle avec des crayons aquarelles et j'ai conçu quelques looks pour les envoyer au maquilleur, afin que nous puissions avoir une orientation créative claire. Deux de mes trois propositions ont été faites pour le tournage final, comme vous pouvez le voir dans ces exemples. L' éditorial a été publié sur L'Officiel. Planifier tout vous fera réussir. En tant que mission, vous devrez préparer un moodboard avec un concept brièvement expliqué de votre propre, 3-4 lignes, un maximum de 10 images pour décrire visuellement votre idée, et une description de vous-même avec votre portfolio ou arrière-plan. Maintenant, vous êtes prêt à apprendre les types d'éclairage que nous allons utiliser. Allez ! 6. Connaître notre lumière: Dans cette leçon, vous comprendrez les différences entre la lumière naturelle et artificielle. Nous garderons notre attention sur la lumière artificielle et nous verrons des lumières continues et stroboscopiques. Bien que cela puisse sembler évident, sources de lumière artificielle sont tout ce qui ne provient pas d'un environnement naturel tel que le Soleil ou tout ce qui reflète sa lumière. Un stroboscopique est une source lumineuse qui contient l'énergie dans un tube flash. Chaque fois que nous déclenchons la télécommande, elle libère toute cette énergie en une seule décharge, et c'est ce que nous appelons communément le « flash ». Nous pouvons limiter la quantité de puissance sur le panneau flash de notre lumière afin de pouvoir les utiliser avec des arrêts F variables. Pour marquer les principales différences entre les strobes et lumière continue, c'est que la puissance des strobes est condensée sur une seule décharge flash tandis que sa lampe de modélisation fonctionne simplement comme une orientation de la position. Mais ce n'est pas aussi puissant qu'une source continue dédiée. D' autre part, les feux continus ont un faisceau de lumière constant qui est parfois modifié par des gradateurs. Exemples de ces dernières lampes peuvent être HMI, Fluorescents, LED ou Fresnel. Indépendamment, toutes ces sources lumineuses peuvent être dures ou diffuses, ce qui est déterminé par la douceur de la transition entre les reflets et les ombres. Lorsque la transition ne montre pas les médians et beaucoup de contraste, nous parlons d'une lumière dure. Par exemple, regardez les points de lumière les plus élevés ici à Laura. Les faits saillants vont être concentrés sur le front, le nez et le menton. Si vous regardez comment la lumière tombe sur ce point, vous trouverez les ombres sévères qui en font une image vraiment contrastée. Mais si nous voyons un dégradé avec des reflets, des lumières médianes et des ombres plus douces, nous avons une lumière diffuse. Ici, à Kayla, on voit une chose totalement différente. La transition est beaucoup plus douce, bien que nous ayons une lumière de jante dure sur sa mâchoire. Regardez à nouveau les ombres et les tons moyens sous son nez et sa joue, et comparez cette douceur avec l'impact le plus dur de la lumière de jante que j'ai mentionnée précédemment. Cela peut affecter le résultat de nos images, les rendant vraiment contrastées ou vraiment plus douces. Cela dépendra de ce que nous voulons réaliser. Nous devons ajouter à cela la Loi Inverse-Carré, qui est une loi physique qui détermine la chute ou la différence éclairage si nous rapprochons la source ou plus loin de l'objet. Si nous l'éloignons du sujet, nous obtiendrons une meilleure transition entre les reflets et les ombres, tandis que si nous le rapprochons, nous obtiendrons une lumière plus dure, augmentant le contraste. N' oubliez pas d'ajuster l'ouverture, chaque fois que vous déplacez la lumière plus ou plus près des sujets. Nous pouvons modifier la perception et l'effet de la lumière déplaçant autour de l'axe horizontal ou vertical. De cette façon, nous pouvons obtenir des résultats plus intenses et dramatiques , et surtout, avec volume et tridimensionnalité. Ceci est un exemple de lumière de jante, qui consiste à déplacer la source dans l'axe horizontal pour rétroéclairer les bords du sujet. Il est utilisé comme un kicker, une fine ligne d'un point culminant dans une ombre profonde pour donner du volume. Si nous déplacons la lumière vers une position latérale, nous obtiendrons un feu latéral, qui a plus de présence qu'un kicker mais crée un beau contraste pour les formes. Celui-ci jumelé avec un autre côté opposé est très utilisé pour la photographie sportive. Placer la lumière aérienne créera un effet mystérieux et suspensif, ce qui est assez cool pour une photographie de mode plus sombre ou pour l'ajouter à des cheveux clairs si vous photographiez la beauté. Si vous avez dit votre lumière totalement en face de vos sujets, vous perdrez le contraste, mais vous aurez un look plus doux, et si vous choisissez le bon modificateur, par exemple, un grand parapluie, vous pouvez allumer le toute la scène avec juste cette lumière. Il est parfait pour la photographie de mode ou les tournages de test. Une position d'angle bas n'est certainement pas très courante en tant que configuration d'une seule lumière en raison de son aspect plus dur. Mais vous pouvez le combiner avec la configuration de base de la beauté pour faire l'effet clamshell, qui remplira de lumière les poches pour les yeux et autres ombres indésirables. Maintenant, je vais vous montrer quelques exemples de mon propre portefeuille. Ici, vous pouvez voir dans les yeux d'Amanda, la position frontale de la lumière. Comme vous pouvez le voir, il n'est pas trop contrasté parce que j' aime le look doux et je voulais sentir le travail de maquillage constamment. Ici, je combine deux sources de lumière frontale, mais l'une d'entre elles est un peu au-dessus de la tête d'Axinia, assez pour éclairer ses beaux cheveux et ne pas perdre un look propre pour sa superbe peau. Avec Jasmijn, j'ai mélangé trois configurations de base. Le frontal, mais un peu au-dessus de sa tête, le kicker, en rebondissant deux lumières sur le fond pour avoir une puissante lumière de jante des deux côtés, et la configuration d'angle bas avec un réflecteur. Elle a l'air charmante, n'est-ce pas ? Dans cet éditorial, je voulais beaucoup de contraste en utilisant une seule lumière. C' était un tournage sombre, donc j'ai placé un stroboscopique au-dessus des modèles. Vous devez étudier quelle humeur voulez-vous donner à vos tournages afin que vous puissiez résoudre la situation de ne pas savoir quelle configuration est la meilleure pour vous. C' est un peu d'un processus d'essai et d'erreur, mais pratiquez-vous et vous le rendrez plus facile à chaque fois que vous tirez. Ensuite, je vais vous montrer quels sont les modificateurs de lumière, et lesquels d'entre eux sont les plus utiles pour la mode, beauté et la photographie de nature morte. On se voit là ! 7. Modifications de lumière: Les modificateurs de lumière seront l'épice que nous ajouterons à notre lumière pour définir l'intention et l'humeur que nous voulons donner à nos images. L' essentiel sera des boîtes à lumière et des octaboxes, qui jettent une lumière douce et diffuse, semblable à la lumière naturelle filtrée à travers une fenêtre. Il est vraiment utile pour des portraits ou une photo de nature morte plus picturale. La boîte de bande est un modificateur qui ressemble à une boîte à lumière régulière, mais elle est plus étroite. Son but principal est donc de l'utiliser pour définir une belle lumière de jante et d'ajouter cette ligne de mise en évidence dans une ombre pure. Nous pouvons avoir un effet similaire en rebondissant la lumière sur le fond, par exemple, avec le modificateur suivant, le réflecteur parabolique. Il nous donnera un faisceau de lumière dur, et bien utilisé, il peut imiter l'effet de la lumière du soleil. Il produit un contraste élevé, qui peut diminuer en utilisant des matériaux de diffusion. Maintenant un de mes favoris absolus, les parapluies. Les parapluies sont l'un des modificateurs les plus abordables, polyvalents et faciles à transporter et à monter que vous trouverez jamais sur un marché. Ils sont utilisés pour la mode, la beauté, la photographie commerciale, et certains types de nature morte, exception de la photographie de produits avec des produits très réfléchissants. Ceux-ci peuvent avoir un matériau réfléchissant argenté ou blanc, ce qui rendra la lumière plus dure ou plus douce respectivement. Vous pouvez trouver les plus grands pour vraiment pas cher, et vous pouvez les utiliser comme un modificateur le plus résolutif pour presque n'importe quel type de travail. Il distribue la lumière d'une manière très cohérente et belle. C' est la principale raison pour laquelle j'aime tellement celle-là. Si vous voulez aller un peu plus précis sur la photographie de beauté, le Beauty Dish va être votre meilleur ami. C' est un modificateur assez difficile à apprivoiser, mais quand vous savez comment l'utiliser, il semble incroyable. Il s'agit d'un modificateur entièrement encerclé qui contient un petit plat métallique à l'intérieur de celui-ci qui est placé devant la source lumineuse. Il fonctionne donc comme un videur léger, distribuant la lumière magnifiquement et donnant à cela un look commercial de beauté que nous voulons tous dans ces images. Il est plus dur que le parapluie, mais plus doux que les réflecteurs paraboliques. Et ma recommandation personnelle est d'utiliser un 70cm avec une couverture blanche à l'intérieur. Un modificateur curieux est ce snoot. Il a une construction tubulaire qui fait que la lumière se concentre sur un point spécifique d'un objet. Le snoot produit un faisceau de lumière dur, qui peut être encore plus focalisé avec une grille. Et il est couramment utilisé pour la photographie de produits et de nature morte. Pour une note plus commerciale, il est impossible de ne pas mentionner les crims, qui sont de grandes surfaces carrées avec un matériau diffusant, et ils sont parfaits pour maintenir une lumière douce mais contrastée sans perdre de consistance. Enfin, les accessoires les plus courants sont les grilles en nid d'abeille, qui concentrent la lumière projetée sur le sujet, diffusant des matériaux, des vibreurs dans différentes versions, ou des filtres de couleur. Ils peuvent être utilisés intelligemment pour être créatifs et expérimentaux, et ils vont faciliter la définition de notre intention d'éclairage, ou même avoir une lumière signature sur notre travail. Lorsque nous voulons concevoir nos configurations, le meilleur outil pour cela est l'application Shot Designer. Nous allons faire tous nos réglages avec ça à partir de maintenant. Shot Designer est une application principalement utilisée par les cinéastes et Directeurs de la Photographie pour diriger leurs équipes facilement et avoir tout organisé en termes d'équipement et d'éclairage. Je recommande fortement l'utilisation de celui-ci car cela rendra votre travail plus rapide puisque vous avez déjà tout planifié avant d'aller au tournage, et vous pouvez développer des alternatives si une installation ne fonctionne pas. Chaque fois que nous définissons une nouvelle scène, nous aurons deux modèles par défaut, et vous pouvez les supprimer ou en ajouter d'autres en cliquant sur l'option Ajouter un caractère. Vous pouvez également créer autant de caméras que nécessaire dans l'onglet Ajouter un appareil photo. Vous pouvez ajouter des accessoires si vous voulez avoir un certain design et que vous voulez vous décider plus rapidement, ou si vous devez tirer à l'intérieur d'une pièce où vous n' êtes pas en mesure de déplacer quoi que ce soit à l'intérieur de celui-ci. Vous pouvez créer vos propres espaces en ajoutant des ensembles. Complémentaire à l'onglet Props, cela vous aidera à placer les lumières plus précisément et même définir les modificateurs que vous souhaitez utiliser en fonction de la taille de l'ensemble. L' onglet le plus important, Ajouter un éclairage. Ici, vous verrez une grande variété de modificateurs qui peuvent être renommés et redimensionnés comme n'importe quel autre élément de Shot Designer. Vous pouvez tout régler près de la perfection. Je vous suggère d'ajouter des annotations et des étiquettes pour faire la différence entre les modificateurs, les ensembles ou les caractères. Après avoir effacé nos références et modificateurs de lumière, il est maintenant temps de vérifier les configurations d'éclairage. Allons-y ! 8. Éclairer pour la photographie de mode: Dans cette leçon, nous allons couvrir les principales configurations de la photographie de mode. Tout d'abord, vous verrez comment j'ai fait ma pré-production sur Shot Designer. Je vais vous montrer deux réglages. Je vais commencer à ajouter le modèle. Qui devrait être à deux mètres de la toile de fond. Ceci est important, en particulier pour la prochaine installation. Ensuite, j'ajouterai un Octabox comme lampe clé dans un angle de 45 degrés par rapport au modèle et un peu au-dessus de sa tête, avec le stroboscopique pointant vers elle. Utilisez un gros Octabox si vous en avez un autour et cela couvrira tous vos besoins, preniez des portraits rapprochés ou que vous réalisiez un test, qui nécessitera des plans plus larges. Bien sûr, mettre un diffuseur dans l'Octabox parce que nous voulons faire du contraste, mais en même temps, nous ne voulons pas une lumière vraiment dure. Sur le côté opposé de l'Octa, placez un autre stroboscopique mais changez le modificateur une boîte de bande pour définir la silhouette du modèle. C' est une configuration de lumière très courante car vous pouvez ajouter du volume facilement et c'est un type de portrait qui pourrait être utilisé par les agences pour avoir les livres de leurs modèles plus complets. Votre travail ne sera pas seulement axé sur l'éclairage de la scène, vous devez diriger un modèle et utiliser vos références pour obtenir les meilleurs résultats possibles. N' ayez pas peur de demander au modèle de reproduire certaines poses, mais assurez-vous qu'elle est à l'aise avec le travail que vous faites tous les deux. Il y a toujours une chance de tout changer au cas où quelqu'un de l'équipe n'aime pas les photos et il est préférable de le faire plutôt d'être mal à l'aise ou dans des situations tendues. Écoutez toujours votre équipe ! Quand il s'agit de diriger un modèle, nos références visuelles nous aideront à aller dans une direction plus intéressante et nous pouvons reproduire ces poses par nous-mêmes afin que le modèle puisse comprendre ce que nous voulons. Positionner les mains et rendre le look plus intense en abaissant le menton est la clé pour avoir les meilleurs coups pour cela. Nous pourrions essayer de mettre le menton pour avoir une attitude très défiante, et c'est très courant dans la photographie de mode. Pour faire un résumé, travaillez avec l'Octabox comme lampe clé et placez-le dans un angle de 45 degrés par rapport au modèle. Utilisez une boîte de bande pour avoir une belle lumière de jante. N' oubliez pas de diriger et de travailler en équipe. Pour la deuxième installation, nous allons juste utiliser une lumière et un modificateur, mon joli parapluie blanc. Placez-le derrière vous et au-dessus de la tête du modèle, mais ne faites pas une configuration aérienne et n'hésitez pas à tirer. Ce sera la configuration la plus simple que nous allons faire aujourd'hui. Si vous l'expérimentez, vous pouvez appliquer les connaissances des leçons précédentes. Rappelez-vous la loi Inverse-Square, si vous voulez obtenir un contraste avec ce modificateur doux, placez la lumière plus près du modèle. Mais si vous voulez également éclairer l'arrière-plan, placez-le plus loin. Si vous travaillez dans un studio et qu'il est équipé d'un support de lumière à flèche, utilisez-le pour déplacer facilement la lumière. Si vous en avez la chance, utilisez un compteur de lumière pour apprendre à effectuer des mesures rapides sur le terrain pour modifier les paramètres de votre caméra en cas de problème ou pour ajuster la puissance du stroboscopique. Un compteur de lumière est un outil qui reçoit lumière et en fonction des réglages que vous avez sur votre appareil photo, il calculera l'exposition correcte, vous donnant une valeur d'ouverture. Ma recommandation est que vous le paramétrez en mode flash si vous travaillez dans un studio, réglez votre appareil photo sur 1/200 et 160 ISO et essayez d'atteindre environ f/8 à f/16, ce qui sera parfait pour les configurations mode et beauté. Rappelez-vous, un parapluie blanc est la meilleure option et la plus abordable pour commencer à prendre des photos de mode. Utilisez un compteur de lumière pour vous assurer que vous utilisez la puissance et les réglages appropriés. Réglez tout sur au moins 1/160 et 160 ISO. Pour la mode et la beauté, essayez de tirer entre f/8 et f/16. Voici quelques exemples des résultats de mon tournage. La première partie du projet de classe principale commence ici. Tu dois faire un tournage de mode, essayant l'une des deux configurations que j'ai enseignées. Et puis livrez une image en JPEG. Pratiquez ces configurations et chaque fois que vous vous sentez prêt, commencez la leçon suivante où je couvrirai quelques configurations pour la photographie de beauté. On se voit là ! 9. Éclairer pour la photographie de beauté: Dans cette leçon, nous allons couvrir les principales configurations de la photographie de beauté. C' est ma scène dans Shot Designer pour le premier look de beauté. Nous commençons à le construire en créant le modèle et l'appareil photo, mon 7D avec l'objectif macro 100mm. Après cela, nous allons aller à l'onglet d'éclairage et sélectionnez la Softbox, qui sera renommée Beauty Dish. Nous allons l'escalader et spécifier la dimension du modificateur, dans ce cas, 40cm. J' ajouterai une lumière PAR, qui sera renommée comme réflecteur parabolique. Il jettera la lumière sur le fond. Le but de ce réflecteur parabolique est de souffler la toile de fond avec de la lumière, obtenant une belle et douce lumière de jante et un fond propre. Vous pouvez en ajouter un autre pour remplir la scène un peu plus. J' ai également ajouté quelques V-Flats, juste au cas où je voudrais avoir plus de contraste avec ses côtés noirs ou remplir avec plus de lumière en utilisant les côtés blancs. Rappelez-vous : le Beauty Dish devrait toujours être au-dessus du modèle et de la tête du photographe. Nous pourrions avoir un ou deux strobes qui soufflent le fond à presque pleine puissance pour créer une lumière de jante sur la tête et le corps du modèle. Nous pouvons avoir des V-Flats en option pour générer plus de contraste ou rebondir un peu plus de lumière. Enfin, la caméra devrait être un peu sous l'apparence du modèle. La première photo de chaque regard est notre guide pour voir s'il y a quelque chose à corriger. Nous devons être extrêmement prudents avec chaque détail. Nous devons faire confiance à notre équipe et être assez confiants pour dire ou demander s'ils doivent jeter un second regard sur le maquillage, ce qui réduira beaucoup la quantité de travail de post-production. En termes de direction du modèle et de positionnement de la caméra, nous devons être un peu sous les yeux du modèle. Alors qu'elle devrait toujours regarder directement à la caméra ou lui dire de le menton. Lorsque vous utilisez le Beauty Dish, essayez de le positionner aussi près que le diamètre des marques de modificateur. Parce que si on l'installe trop loin, on n'aura pas le look de beauté. Vous pouvez mettre un réflecteur argenté ou blanc sous le corps du modèle, qui remplira de lumière, les poches pour les yeux et nous aurons le look commercial de beauté classique. C' est aussi connu sous le nom de « clamshell ». Ce sont mes résultats pour ce premier look, comme vous pouvez le voir, celui de gauche a été tourné juste avec la lumière dure du plat de beauté et le bon avec le parabolique et la beauté combinés. J' ai aussi utilisé mon réflecteur argenté, pour faire cet effet clamshell sur celui-ci. La meilleure façon de diriger une équipe dans une séance de beauté est d'avoir références visuelles claires et différents looks de maquillage. La suivante est l'une de mes configurations préférées en utilisant le parapluie argenté. Cette fois, vous devez prendre soin de la distance entre le modèle, l'arrière-plan et la lumière. Si le modèle est trop proche de l'arrière-plan, nous pourrions générer un résultat plat avec presque aucun contraste. Nous voulons du volume, donc nous allons séparer le modèle et l'arrière-plan. Nous mettrons le parapluie non seulement au-dessus de nos têtes, mais aussi vers le corps du modèle comme si vous essayiez de le couvrir. Cela rendra une lumière plus enveloppante avec un résultat très cohérent. Pour faire un peu de récapitulation, utilisez votre parapluie pointant vers le modèle pour couvrir l'ensemble de la lumière. Définissez la distance appropriée entre l'arrière-plan, modèle et le stroboscopique. Vous pouvez également ajouter un réflecteur ou un autre stroboscopique pour faire l'effet clamshell, ainsi que des V-Flats. Dites au modèle de mentonner et essayer de recadrer avec votre objectif pour faire un gros plan puissant. Ce sont mes résultats en utilisant le parapluie et en faisant équipe avec un maquilleur créatif pour développer un beau résultat, et en utilisant une seule source de lumière avec un grand parapluie. Impressionnant, non ? Vous devez beaucoup former votre œil pour être capable de faire ces gros plans extrêmes. Mais rappelez-vous, la pratique fait un maître. Si le mannequin a la tête trop basse, vous aurez trop de contraste général et elle n'aura pas la lumière réfléchie sur ses yeux. Lui dire de prendre le menton va être une direction fréquente si vous commencez à prendre des photos de beauté. Maintenant, c'est à votre tour d'essayer de filmer un look de beauté. Travaillez avec un maquilleur et un mannequin et expérimentez avec l'une des configurations que j'ai couvertes. Chaque fois que vous vous sentirez prêt, suivez-moi jusqu'à la leçon suivante, nous construirons une configuration d'éclairage pour une nature morte. Allez ! 10. Éclairer pour la photographie de nature morte: Cette leçon va porter sur la façon dont nous pouvons créer un plan avec 7-8 sources de lumière, mais juste avec un ou deux strobes. Suivez-moi et vous verrez l'astuce de celui-ci. C' est le résultat que j'ai obtenu de ma photo de nature morte, et c'est la configuration. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup de sources de lumière, mais nous n'avons pas vraiment besoin de ces nombreux strobes. L' astuce est d'avoir clairement le look que nous voulons, et commencer à trouver la position pour notre produit. Après cela, nous devons tourner une photo avec presque pas de lumière, aussi sombre que possible. Ensuite, nous allons commencer à ajouter différentes sources, lumières clés, lumières de jante, exhausteurs de détails, faisceaux subtils, une lumière pour la toile de fond... Nous aurons environ 5-7 photos, en fonction du nombre de lumières que nous voulons, et nous allons tous les obtenir dans Photoshop. Donc, il va y avoir une petite retouche empilable pour mélanger toutes ces lumières dans une seule image. clair que c'est le plus dur de toutes les configurations que nous couvrons aujourd'hui. Cela nécessite d'être précis et prudent, alors entrons-y ! Tout d'abord, je vous recommande d'installer votre bouteille et une planche réfléchissante sur un trépied robuste. Trouvez la hauteur et le placement final de la bouteille, puis utilisez un peu d' un matériau adhésif comme Blu-Tack pour coller l'objet sur la planche. Nous ne voulons pas que ça bouge du tout. Une fois que nous avons fait cet endroit la caméra, essayez de la régler à la même hauteur que la bouteille, au moins pour commencer, et fixez votre position sur un trépied. Soyez prudent avec le déplacer une fois mis en place aussi, comme je l'ai mentionné que nous allons empiler quelques photos dans le post. Maintenant, la partie amusante, allumer la scène. Définissez un fond avec un carton noir et derrière lui mettre en place un stroboscopique avec une Softbox rectangulaire. Le carton ne fonctionnera pas comme toile de fond, mais il fonctionnera aussi comme un drapeau. Dans la photographie et la cinématographie, un drapeau est un objet qui bloque lumière et c'est précisément ce que nous allons faire avec le stroboscopique derrière lui. Pourquoi ? Parce que de cette façon nous diviserons ce rétroéclairage en deux belles lumières de jante. Je vous recommande d'utiliser un obturateur à distance ou la minuterie interne de la caméra pour éviter tous les mouvements possibles ou les secousses que vous pourriez faire accidentellement. Une fois que vous avez tiré sur celui-ci, éloignez-vous du carton noir et tirez à nouveau. Avez-vous déjà fait un masque dans Photoshop ? C' est la façon manuelle de le faire et cela facilitera le processus de retouche et d'empilage, car nous allons traiter l'image sans compromettre le reste de celle-ci. Une fois que nous avons résolu cela, passons aux autres sources. La prochaine serait notre lumière clé, qui est un stroboscopique avec la Softbox que nous avons utilisée plus tôt mais dans un angle de 45 degrés par rapport à l'objet, couvrant sa hauteur, essayez de photographier une partie de la Softbox avec un autre drapeau si vous voulez obtenir une lumière uniforme en fonction de la bouteille. Dans ce cas, j'en avais besoin, donc j'ai couvert différents domaines pour voir lequel fonctionne le mieux. Nous avons déjà trois photos, allons-y pour la prochaine. Placez un autre stroboscopique sur le côté opposé de la clé et à l'aide d'une boîte Strip, nous allons allumer un peu plus de la bouteille et surtout le bouchon. Comme vous pouvez le voir, nous éclairons les objets individuellement et nous pouvons le faire avec une seule lumière, mais n'oubliez pas d'être précis afin que notre astuce fonctionne mieux. Quatre photos faites, allons-y avec la cinquième. Comme vous pouvez le voir, nous ne pouvons pas voir le logo, mais en utilisant le même stroboscopique avec un snoot, nous allons résoudre ce problème. Un snoot est un modificateur qui concentre la lumière sur une pièce spécifique, et nous la pointons directement vers le logo de la marque. Mais comme vous pouvez le voir, nous n'avons pas tout couvert de la même manière. Comment on répare ça alors ? Prenez un morceau de carton blanc et placez-le sous le logo. Tirez autant de fois que vous avez besoin de déplacer le carton de haut en bas pour obtenir cette partie entière recouverte de lumière, soyez patient et vous l'aurez. Et la sixième et dernière image : Placez un stroboscopique sous le trépied, qui tient la bouteille, et en utilisant le réflecteur parabolique pointant vers l'arrière-plan. Cela va créer un faisceau comme ceux que nous avons sur nos références et nous pouvons le transformer en n'importe quelle couleur que nous voulons. Peut-être qu'on devrait essayer un joli violet dedans ! J' ai utilisé une grille dessus pour concentrer la lumière un peu plus, mais ce n'est pas totalement nécessaire. Pour faire un peu de récapitulation, tout d' abord, soyez patient et ne vous précipitez pas. C' est très technique, mais je suis sûr que vous serez capable d'obtenir un résultat incroyable. Soyez délicat en vous déplaçant autour de la caméra ou de la base de l'objet. Essayez différents modificateurs, expérimentez avec des angles de caméra, et surtout, n'ayez pas peur des strobes ! drapeaux et les planches de rebond seront vos meilleurs amis ici. Pour le processus de retouche, j'ai sélectionné mes photos préférées, les ai exportées et je les ai introduites dans Photoshop. La clé pour cela est d'utiliser les masques, les inverser et de peindre sur l'image de base que vous voulez. Donc, étape par étape, vous allez ajouter plus de sources de lumière à votre image. Pour le logo que j'ai remplacé, celui qui a été allumé avec le snoot en créant un masque avec l'outil Pen (P). J' ai fait un masque de coupe aussi raffiné que je pouvais juste en le sélectionnant, inversant, et en obtenant instantanément le logo que je voulais. Tu te souviens de l'image du masque manuel ? Ici, il vient. Une fois que nous avons résolu l'éclairage du logo, nous pouvons sélectionner et affiner notre image à l'aide de l'outil Sélection rapide de Photoshop en appuyant sur « W ». Créez un masque à partir de celui-ci et remplacez les masques inversés sur le reste des images. Avec l'outil Pinceau, nettoyez certains bords et détails que vous souhaitez effacer. En passant, lors du masquage de la bouteille n' oubliez pas de faire le même travail sur son reflet. Last but not least, je veux tourner en violet le faisceau lumineux sur le fond. Je pense que ça peut créer un beau contraste. Avec le réglage sélectif des couleurs, nous pouvons transformer ce gris en un violet puissant en masquant le faisceau lumineux. Ici, vous avez à nouveau les résultats. Comme vous pouvez le voir, j'ai aussi tourné un avec un angle de caméra différent. J' espère que vous les aimez beaucoup ! Maintenant, c'est à votre tour, pratiquez cette configuration avec quelque chose que vous avez autour et créez une belle scène en composant des couches de lumière. Dans la leçon suivante, nous verrons comment travailler en couleur et améliorer le look de notre travail. Allons-y ! 11. Coloration de nos prises: Cette leçon couvrira mon processus de préparation des images dans Capture One pour avoir l'édition couleur la plus proche pour le résultat final. Ce que je préfère ajuster au début, ce sont les paramètres d'exposition. Vous pouvez les trouver dans l'onglet Exposition de Capture One. À l'intérieur, nous verrons beaucoup de contrôles tels que Exposition, Contraste, Luminosité et Saturation. Avec l'exposition, nous surexposerons ou sous-exposerons notre image si nous avons besoin de compenser notre prise de vue initiale. Le contraste augmente ou diminue la transition entre les reflets et les ombres. Si nous le tirons vers le bas, nous obtiendrons plus de lumières moyennes et laverons un peu les ombres. Mais si nous le tirons vers le haut, nous aurons des reflets et des ombres plus forts. La Luminosité augmentera la puissance des reflets, mais soyez prudent, augmenter la Luminosité n'est pas la même chose qu'augmenter l'Exposition. Lorsque nous augmentons l'exposition, nous modifions l'intensité lumineuse générale, mais avec la luminosité, nous ajustons simplement les points forts. Une image lumineuse n'est pas la même qu'une image surexposée. La saturation définira le signal de couleur final de notre image. Si nous le réduisons en dessous de zéro, l'image perdra de la couleur. Si nous atteignons des valeurs supérieures à zéro, notre signal de couleur sera plus fort, plus vif. Tous ces contrôles devraient être modifiés à la légère. Capture One a l'avantage de vous permettre de changer quoi que ce soit en faisant des corrections subtiles, alors essayez de ne pas trop éditer. Nous devons nous occuper de nos techniques d'éclairage, mais nous devons aussi faire de même avec notre processus de coloration. Dans l'onglet Plage dynamique élevée, nous pourrons éditer l'intensité des reflets et des ombres d'une partie spécifique de notre image, ainsi que les tons noir et blanc. Avec la Clarté, vous pouvez adoucir la texture de la peau lorsque vous utilisez une valeur négative. Eh bien, cela améliorera certains détails si vous lui donnez une valeur positive. Il est particulièrement utile pour les taches de rousseur, les sourcils, les cheveux et d'autres textures intéressantes. Nous y trouverons ci-dessous le paramètre Structure, qui définira un peu plus les lignes des formes à l'intérieur de notre image. Il fonctionne similaire à un filtre passe-haut. Pour modifier les tons de lumière et de couleur, nous aurons les Courbes et les Niveaux. Mais celui que je préfère utiliser est le contrôle de courbe. J' y suis habitué et je trouve ça plus facile. Vous pouvez diminuer les tons de couleur dominants pour corriger leur image générale. Si, par exemple, il semble plus vert ou rougeâtre qu'il ne devrait l'être, modifiez l'exposition dans les champs Color et Luma. Expérimentez avec elle et trouvez votre façon de travailler avec eux. Je suggère de commencer par faire ces corrections classiques en forme de S, qui fonctionne généralement assez bien. l'onglet Couleur, nous trouverons Dansl'onglet Couleur, nous trouveronsles ajustements de la balance des blancs si vous voulez l'affiner un peu plus, et les roues de couleur, qui peuvent vous affecter de manière générale avec le contrôle maître, mais peuvent également être divisées en trois roues ; Ombres, Tons intermédiaires et Faits saillants. De cette façon, vous pouvez teinter avec la couleur les différents types de lumière de votre image. L' une de mes configurations de couleurs préférées est le contrôle noir et blanc, qui vous permet de modifier l'intensité de chaque tonalité de couleur individuellement, abaissant ou en augmentant sa puissance lumineuse. Vous pouvez créer un contraste lourd de noir et blanc avec ceux-ci, et c'est vraiment amusant de le faire. En outre, vous pouvez diviser les tons sur le dessus à côté de lui. Qui changent la couleur des reflets et des ombres avec les panneaux de teinte et de saturation. Enfin, un truc amusant que j'aime toujours montrer. Vous pouvez changer de couleur en utilisant un masque sélectif, et croyez-moi, c'est assez impressionnant. Accédez à l'onglet Calques et créez un nouveau calque d'ajustement vide. Appuyez ensuite sur « B » pour sélectionner le pinceau et la peinture où vous voulez changer la couleur. Si vous n'êtes pas en mesure de voir quoi que ce soit, appuyez sur « M » pour afficher le masque que vous avez peint. Comme vous le verrez, nous n'avons pas besoin de peindre la même forme exacte, mais nous pouvons demander à Capture One de le faire. Allez sur le calque sur lequel vous travaillez, faites un clic droit dessus et sélectionnez « Affiner le masque », et il s'adaptera à la forme que vous avez peinte. Ensuite, vous êtes prêt à jouer avec n'importe quel changement de couleur ou de lumière. Cool, n'est-ce pas ? Maintenant, pour exporter l'image, assurez-vous d'avoir sélectionné la bonne recette, définissant la sortie sur TIFF, 16 bits et 300 PPI. clic droit sur les images que nous voulons exporter, appuyez sur, « Exporter les variantes » et voilà. Avec quelques petites touches, nous aurons notre image prête à l'exportation. Lorsque vous utilisez Photoshop pour la beauté et la mode, nous pouvons nous retrouver dans quelques situations que nous devons corriger. Pour la beauté, peut-être que nous aurons besoin d'effacer quelques boutons ou des cheveux qui ne devraient pas être là. Pour les boutons, j'aime utiliser l'outil Patch. Vous pouvez le trouver en appuyant sur « J. » Si vous alternez les options de cet outil, vous trouverez mon premier choix quand il s'agit d'effacer des choses minces. L' outil Pinceau de guérison des taches. Souviens-toi, ne retouche pas trop. La meilleure chose à faire est juste d'effacer les choses temporaires et de ne pas modifier le modèle à un point exagéré. Pour des situations comme celle que nous voyons dans cette image, nous pouvons effacer les modificateurs de l'arrière-plan avec le même outil de patch et ajouter les morceaux d'arrière-plan dont nous avons besoin avec l'outil de tampon de clone. Si vous voulez avoir un processus de clonage parfait, utilisez l'outil Plume pour sélectionner où vous souhaitez travailler. Chaque fois que vous utilisez l'outil Tampon de clone, il n'affecte que cette zone. Expérimentez avec la couleur et partagez vos modifications ici avec nous. Dans la leçon suivante, nous allons terminer et faire un petit résumé avant de commencer à faire votre projet. Viens avec moi ! 12. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé la classe ! J' espère que vous l'avez trouvé intéressant et appris beaucoup. Pour faire un petit résumé, nous avons abordé comment rechercher les meilleures références artistiques, comment créer un tableau d'ambiance, et comment éclairer différentes scènes, en gardant à l'esprit les différences essentielles entre lumière dure et lumière diffuse, lumières continues et stroboscopiques, et comment fonctionnent les modificateurs. En outre, nous avons créé trois images : une pour la mode, une pour la beauté, et la dernière, une composition de nature morte. Je suis vraiment excité de voir ce que tu as fait. N' oubliez pas de partager votre travail ici et sur les réseaux sociaux, et tagez-moi pour que je puisse voir ce que vous avez fait, et vous faire savoir ce que je pense. La photographie est un peu un succès, mais je suis sûr que vous trouverez votre chemin si vous avez tout clair. Quoi qu'il en soit, si vous avez des questions, hésitez pas à les laisser ci-dessous. Merci d'avoir assisté à ce cours, et j'espère vous revoir bientôt ! Au revoir !