Vamos ser críticos: como editar seu próprio trabalho

1. Vamos ser críticos: [MÚSICA] Você é artista, criador ou designer gráfico? Você quer melhorar seu trabalho, mas não sabe por onde começar? Olá, meu nome é Shayna South. Sou artista, pensador excessivo e seu instrutor para a aula de hoje. Mas com toda a seriedade, ser artista, criador ou designer vem com muito medo e dúvida. Mas ser crítico com seu trabalho de forma produtiva é uma habilidade que fará você um artista melhor a longo prazo. A menos que você tenha um diretor de arte em espera ou atualmente na escola de arte, pode ser difícil encontrar feedback de outras pessoas, especialmente se você for pressionado pelo tempo. Nesta aula, quero mostrar como você pode aplicar uma lente crítica à sua palavra e editar você mesmo. Você será capaz de tomar decisões melhores e mais rápidas enquanto estiver trabalhando, usando coisas como os Princípios do Design, os Princípios da Arte e algumas dicas e truques que eu criei aperfeiçoar meu processo. Vou mostrar alguns exemplos aplicando esse processo ao meu próprio trabalho com uma peça acabada, e alguns trabalhos em andamento. Crítico não significa negativo. Significa ser capaz de se afastar do seu próprio ego e inspecionar uma obra de arte objetivamente. Minha esperança é que você não só possa editar seu trabalho sozinho, mas também poderá apreciar o que torna seu trabalho tão grande. Mesmo com todas essas ferramentas, às vezes você simplesmente não pode competir com feedback externo. Também vou mostrar como você pode perguntar à família e aos amigos, que podem ou não ser criativos, como eles podem olhar para o seu trabalho de uma forma crítica que é realmente produtiva. Prepare essas canetas vermelhas e vamos ser críticos. [MÚSICA] 2. Sua crítica: [MÚSICA] Para o projeto da classe, você escolherá um pedaço próprio que aplicará esse processo para passar pela lista de verificação desta classe, tomando notas à medida que você avança. Você pode fazer isso depois de assistir a aula ou passar pelo processo junto com as lições. Na galeria do projeto, publique uma imagem do seu trabalho e compartilhe quais conclusões você chegou após sua crítica. Você pode adicionar o mínimo de detalhes que quiser, desde que inclua alguns pontos positivos junto com qualquer área a ser melhorada. Como bônus, os primeiros cinco alunos a postar um projeto de aula receberão uma crítica completa de mim. Vamos prosseguir e começar. [MÚSICA] 3. Estágios de edição: [MÚSICA] Logo de cara. Quero esclarecer uma coisa muito importante, e isso é que você não deve esperar até terminar o projeto para olhá-lo criticamente. Ao longo de seu processo, você deve estar se perguntando as perguntas que vamos passar hoje. Até o fim, vou mostrar a vocês uma crítica a um projeto finalizado. [RUÍDO] Também vou mostrar algumas amostras de alguns trabalhos em andamento e projetos inacabados para mostrar minha lógica e como você pode aplicar o que aprenderá nesta aula para trabalhar em andamento, não peças acabadas. [RUÍDO] O projeto finalizado com o qual vou trabalhar hoje, é um cartão de felicitações que fiz para trabalhar. Isso é o que usarei como linha de passagem em cada lição. Então vou integrar alguns trabalhos diferentes em andamento à medida que avançarmos. Quando se trata de edição para design gráfico ou ilustração ou outras formas de arte, eu pensaria nisso como escrever. Você tem seu esboço, um rascunho aproximado, talvez um segundo rascunho que você compartilha com alguém. Então você tem algo próximo do final. É assim que vejo a edição à medida que vou ao longo do meu trabalho. Na próxima lição, falaremos sobre diminuir o zoom e entrar no headspace certo para analisar criticamente seu trabalho. [MÚSICA] 4. Ampliar: [MÚSICA] Antes de entrarmos na nitty-gritty da nossa crítica, vou pedir que você faça uma coisa muito importante e isso é diminuir o zoom do seu trabalho. Queremos reduzir o zoom agora estamos fisicamente, mas mentalmente. Isso significa dar um passo longe do seu projeto e limpar a cabeça. Isso significa dar um passeio, limpar a casa, cozinhar o jantar, pintar as unhas, apenas fazer o que precisar fazer para sair um pouco da cabeça. Você quer entrar na crítica, revigorado e com uma nova perspectiva. É provável que você esteja trabalhando em seu projeto por um tempo. Queremos sair desse headspace, entrar nisso como se fosse algo que você nunca viu antes. Depois de terminar de limpar a cabeça, é hora de mergulhar. A primeira coisa que gosto de fazer é imprimir meu trabalho. Agora, se você estiver trabalhando digitalmente e seu projeto final será digital, talvez imprimi-lo, não faça sentido. Mas eu gosto de ter esse pedaço de papel físico na minha mão. Gosto de dar um passo para trás fisicamente do meu trabalho. Mas é claro, você também pode diminuir o zoom no Photoshop ou Illustrator ou em qualquer programa em que você esteja. Mas o objetivo é levar em seu projeto de uma só vez. Em vez de nos concentrarmos em um pequeno detalhe neste canto, queremos começar olhando para a coisa toda. Gosto de me mudar do lado de fora e então chegaremos a esses pequenos detalhes mais tarde. Agora estamos prontos para entrar na parte crítica desse processo. 5. Missão/objetivo: [MÚSICA] Agora você deve ter uma cabeça clara para olhar criticamente para o seu trabalho. A primeira coisa que gosto de fazer é olhar para a minha peça geral e ver se ela está cumprindo a missão do projeto. Se você está olhando para o trabalho do cliente, a pergunta seria isso cumpre o resumo que recebi do meu cliente? Se você não tem um cliente e está simplesmente trabalhando para si mesmo, então talvez você tenha criado uma nova peça para o seu portfólio, anote qual é o objetivo dessa peça do portfólio. Talvez seja para mostrar suas habilidades de letras, ou talvez você esteja mostrando suas habilidades de design gráfico criando um logotipo e um guia de estilo. Mesmo que seja um projeto inventado, vá em frente e anote seu resumo, então lá temos alguma estrela do norte a seguir. Finalmente, você poderia ter uma peça que acabou de criar para si mesmo. Você está apenas tentando melhorar suas habilidades ou talvez esteja fazendo arte pelo bem da arte. No final do dia, o objetivo é garantir que você esteja alcançando o que se propôs a fazer. Este é meu exemplo. É um cartão de felicitações que eu fiz para o trabalho. Só quero observar que bloqueei o logotipo, então é isso que esses quadrados pretos são. Onde esses estão, haveria um logotipo, então finja que está lá. De qualquer forma, esta era uma tarefa no trabalho onde eles estavam procurando um cartão para enviar para o novo ano, e isso foi no final de 2020. Sinto que não preciso explicar por que todos ficaram felizes em ver 2020 sair, mas é importante observar o momento. A tarefa era criar um cartão de ano novo que reflita a véspera de Ano Novo após 2020. Algo que é leve, mas não surdo para a realidade de como a vida se parece durante uma pandemia. O cartão deve parecer como inserir o nome da marca e usar as cores da marca. Pessoalmente, eu queria projetar algo que pudesse compartilhar meu ponto de vista como artista sem distrair muito da marca. Eu queria criar algo que eu também pudesse mostrar em um portfólio, como trabalho dentro das diretrizes ou padrões da marca. O conceito aqui foi desenvolvido ao lado da minha equipe e um dos meus colegas teve a ideia de fazer um cartão que parecia uma chamada de vídeo. Esse é o conceito que acabamos seguindo, e esse foi o resultado final. Mesmo estando separados, ainda podemos comemorar juntos. A primeira pergunta que eu me perguntaria é isso atinge o objetivo? Você recebe essa mensagem? Para este projeto, posso dizer que sim, estou muito confiante de que consegui todos esses pontos de bala. É divertido, é leve. Ele reconhece a pandemia sem se concentrar demais nela e se concentrar na desolação do ano passado, mas também não é muito frívola. Não estamos apenas fingindo que nada aconteceu e tudo foi o mesmo de costume. Isso definitivamente atinge os objetivos da tarefa. A segunda parte do meu objetivo, meu objetivo pessoal, era criar algo no meu estilo que ainda funcionasse dentro das diretrizes da marca, e acho que definitivamente consegui isso. Estas são todas as cores da marca, mas há apenas alguns pequenos toques que são um pouco mais pessoais, como os pequenos desenhos de linhas para os rostos. Também adicionei textura aqui e ali. Pode ser um pouco difícil de ver aqui, então vou sobrepor uma foto do meu computador. Isso é apenas algo que eu imprimi para minha impressora doméstica, então não parece exatamente como a peça final acabou parecendo. Posso dizer que sim com confiança que também atingi meus objetivos pessoais com este projeto. Eu já respondi um pouco a isso, mas outra pergunta importante que eu me perguntaria, que emoções esse projeto evoca? Olhando para isso com minha cabeça limpa, saindo do que eu já sei, parece muito alegre para mim. Todos estão sorrindo e acenando, comemorando, todos estão se divertindo. As cores são alegres. Estou recebendo apenas uma cena feliz e alegre aqui. Algumas dessas perguntas podem parecer bobas se perguntar a si mesmo se você está realmente investido em um projeto, mas elas são importantes porque você tem que entender como outras pessoas perceberão seu trabalho quando ele estiver fora no mundo. A 3ª pergunta que eu me perguntaria que se relaciona com o objetivo geral é sobre o estilo. Isso combina com o estilo pretendido e é consistente? No geral, eu diria que sim. De repente, não mudo de um pouco de sombreamento para áreas muito sombreadas. As únicas linhas aqui são para detalhes necessários, então distinguindo os dedos aqui. A linha que separa a parte superior e inferior da grelha. Apenas coisas essenciais. Essa parte, definitivamente, sim. Eu tinha um estilo específico com o qual estava trabalhando, e segui isso. Na segunda parte da pergunta, acho que poderia ter feito um pouco melhor, porque o estilo não é totalmente consistente em algumas áreas. Por exemplo, aqui, isso é suposto ser Detroit. Temos um prédio aqui, o Renaissance Center. Eu não tinha janelas. Este edifício tem janelas por toda parte, então eu realmente mantive essas luzes que mudam no topo dos edifícios, mas aqui tenho janelas, tenho janelas que estão iluminadas. Aqui, eu realmente tenho janelas escuras, que não estão iluminadas, e vejo mais delas aqui, então isso não é super consistente. Se eu fosse voltar e fazer isso de novo, eu poderia atualizar isso adicionando talvez algumas janelas aqui e ali, mesmo que sejam janelas escuras. Outra coisa que eu poderia ter feito talvez seja adicionar um pouco mais de textura em alguns desses fundos. Eles são muito planos, o que é bom porque isso cria alguns contrastes entre as figuras em primeiro plano, mas olhando agora estou me perguntando se alguma textura pode ter ajudado a definir o cena um pouco mais. Isso é algo que eu poderia fazer diferente na próxima vez. Mas, no geral, ainda estou muito feliz com a forma como isso acabou. Às vezes, você não pode gastar muito tempo em um projeto, você tem que avaliar o quão importante ele é. Eu tenho muitas outras responsabilidades no meu trabalho, então mesmo que haja algumas coisas que talvez eu pudesse ter melhorado, ainda estou feliz com o cartão em geral. Agora vou dar uma olhada em um trabalho em andamento. [NOISE] Estou trabalhando na criação de uma coleção de padrões para o meu portfólio. Estou tentando passar mais para uma carreira de design de ilustração e padrão. Isso é algo que eu estive construindo. Apenas mais padrões e coleções de padrões. A coleção em que estou trabalhando agora é inspirada em um ciclo de vida de jardim. Este é um padrão que vou fazer inspirado em pacotes de sementes. Meu objetivo geral com toda a coleção de padrões é criar algo que represente o ciclo de vida da jardinagem e o trabalho de um jardineiro. Eu quero que meu padrão de pacotes de sementes reflita um estilo específico que incluiria alguns elementos desenhados à mão como essas linhas de tinta que você vê aqui. Eu também gosto de coisas que não são totalmente perfeitas, então eu gosto do esboço desses esboços iniciais que fiz. Estes eram apenas esboços soltos baseados em pacotes de sementes reais. Mesmo que eu não esteja aplicando todo o meu processo crítico agora, estou sempre pensando no meu objetivo para este projeto. Mesmo que eu realmente goste do visual mais confuso desses, esse não é o visual final que eu quero. Esses são apenas alguns esboços práticos. Depois desses esboços de prática, eu tenho esses. Aqui você pode ver que estou brincando com estilos diferentes. Aqui, tenho alguns rabiscos para representar texto, mas eu digo que eles são rabanetes. Aqui, não há nenhum texto, você pode ver isso. São apenas blocos de cores, linhas de tinta bagunçadas sobre ele. Então aqui, isso é apenas tudo de cor, não há linhas. Isso representa algo que se parece quase uma peça impressa com camadas de cor sólida. Basicamente, eu estava apenas brincando com abordagens diferentes para ver que direção se destacou para mim e como esse padrão poderia parecer no final. Além disso, por favor, desculpe essas manchas de tinta malucas aqui embaixo, eu posso ou não ter derramado uma nova garrafa de tinta. Lá vamos nós. Somos todos humanos. Eu acho que você pode ver aqui que eu estou realmente apenas resolvendo as coisas enquanto vou junto para que eu não acabe com um padrão final que não se parece com o resto dos padrões da coleção. Estou sempre avaliando avaliando e vendo em que direção devo seguir. Acho que temos essa seção de metas abordada e vamos passar para a próxima lição e falar um pouco mais sobre legibilidade e textos. [MÚSICA] 6. Readability, e texto: No final da última lição, eu disse que vamos falar sobre legibilidade e textos. Também vamos discutir legibilidade. Agora você pode estar se perguntando por que estou falando sobre isso com este cartão. Quando digo legibilidade, estou falando sobre como algo se lê, também conhecido como é interpretado. Mesmo que o único texto na página seja esse botão que diz sair, aqui embaixo, estou vendo como alguém interpretaria isso. Eles estão interpretando o que eu quero que eles façam? Algumas perguntas para este projeto que eu me perguntaria seriam, uma, isso lê para a marca para a qual estou criando? Eu sei que pode ser complicado com os logotipos apagados, mas acho que isso claramente acontece com essas cores da marca e as múltiplas colocações dos logotipos, também é um design muito limpo e simples como muitos de nossos designs de marca. Outra questão para essa peça em particular é isso parece uma chamada de vídeo? Eu diria que sim, acho que sim. É por isso que esse bar aqui em baixo é tão necessário. Se eu não tivesse esse bar, isso parecerá talvez uma colagem de pessoas em lugares diferentes dizendo oi, mas por ter essa barra lá, indica que esta é uma chamada de vídeo. Estou usando símbolos muito comuns aqui para refletir isso. Outra questão importante é está claro que essas pessoas estão em locais diferentes? Isso era algo que eu estava ciente enquanto trabalhava. Aqui é noite, isso é em algum lugar na Costa Leste, talvez Nova York, mas você pode ver que do fundo nas janelas, você também pode ver que aqui, isso é suposto ser o Detroit skyline. Aqui temos palmeiras, parece que talvez o sol esteja pondo, mas o sol definitivamente ainda está fora, e então aqui podemos ver esta janela no fundo está mostrando um clima frio, e não é tão escuro quanto esses dois lugares. Talvez esteja em algum lugar bem no centro do país. Então, sim, para mim, diz que essas pessoas estão todas em locais diferentes. Vou fazer uma distinção aqui entre legível e legível, tecnicamente essas palavras são intercambiáveis, mas vou usar legível neste contexto para descrever como algo é interpretado, e vou usar legível para descrever como algo está claro em um texto específico. Aqui, se eu dissesse, é isso legível, esta pequena palavra deixa aqui. Estou perguntando, há contraste suficiente para que eu possa ver a palavra sair? O contraste entre a cor da palavra e a cor do fundo, talvez seja muito pequeno? É difícil de ler? Isso é o que quero dizer quando estou vendo legível. Mas, além disso, acho que estou pronto para passar para um dos meus trabalhos em andamento. Vamos voltar aos pacotes de sementes. Com esses pacotes de sementes, quero que seja muito óbvio que é o que eles são. Vou me perguntar, eles são lidos como pacotes de sementes? Alguém olhando para um padrão feito a partir desses projetos entenderia que eles deveriam ser pacotes de sementes? Se estou sendo totalmente honesto comigo mesmo, não acho que alguns desses façam. Por exemplo, este pacote de sementes de tomate aqui parece uma vinheta tão legal de tomates. Eu não acho que alguém que já não soubesse minhas intenções entenderia que isso deveria ser um pacote de sementes. Mas também não quero que esse projeto seja super pesado em texto. Aqui temos um nome de marca de um pacote de sementes e o tipo de sementes que elas são. Eu acho que isso é um pouco demais, não quero que as palavras se distraiam do design, é por isso que eu estava testando algumas delas sem palavras. Ao me fazer essas perguntas, decidi chegar a um compromisso e é isso que temos aqui em baixo. Esta abóbora, diz o que é, ainda é um design simples. Tenho meus elementos desenhados à mão, mas ainda é simples e não tão ocupado. Não me oponho a alguma ocupação, mas realmente não quero que os textos ultrapassem os pacotes de sementes. Ao me fazer essas perguntas, evitei algumas dores de cabeça mais adiante, e depois consegui fazer esses esboços mais refinados que combinam esses dois elementos. O único texto sobre eles será o nome da planta e, em seguida, talvez alguns preços aqui e ali, que na verdade eu nem acho que adicionei esses. Vai ser o nome das plantas e depois minhas ilustrações. Neste ponto, acho que você deve ter um bom controle sobre o que estou falando quando falo sobre legibilidade, então vamos falar agora um pouco mais sobre legibilidade. Quando estou me perguntando, algo é legível, estou perguntando se está claro. Sinto que esses são dois exemplos muito bons, um ao lado do outro. Estas são duas pinturas ilustrativas que fiz como parte de um projeto de 100 dias no ano passado, 100 dias de contêineres. À esquerda, é muito claro aqui isso diz Gumption, e então há um pequeno slogan que diz ser ousado nisso, ou garrafa de cerveja gelada ou qualquer que seja o seu veneno, mas você pode ver claramente a palavra Gumption. É distinto do plano de fundo, sabemos exatamente o que diz, então é legível. Aqui, este é um pouco mais difícil. A palavra que eu estava jogando era Gusto para este recipiente de especiarias, eu sei que é o que isso diz, mas se eu estivesse fazendo isso para um projeto real, não seria muito bom. É difícil ver o que diz. Não sei se alguém olhando para isso sem nenhum contexto, sem que eu diga a eles, saberia que é o que diz. Este G parece um C. Este S tem esse redemoinho extra aqui, que talvez seja um pouco inconsistente, e este foi apenas um projeto de prática então eu não estou muito de coração partido por isso, eu gosto do visual geral, mas isso é legível? Na verdade, não. Não é muito legível para mim. Isso é algo para se ter em mente. Especialmente se você estiver criando para um cliente ou para uma peça de portfólio, você precisa ter certeza de que as pessoas possam ler suas palavras. Existem algumas instâncias artísticas que talvez esteja tudo bem se não o fizerem, mas, na maior parte, o objetivo é que as pessoas possam ler palavras se você estiver incluindo-as em seu trabalho. Então eu tenho mais alguns exemplos para você, que são ainda melhores. Ao falar sobre legibilidade aqui, acho que é muito óbvio que ambos não são muito legíveis, não são muito claros. Esta palavra, Teimoso, parece bem. Eu posso ver isso, mas aqui diz cimento de borracha e essas linhas no fundo ou realmente distração. Não há uma tonelada de contraste e também não ajuda que a borracha e o cimento não sejam letras super grossas, por isso é difícil de ler. Então aqui, este é um exemplo diferente, mas a palavra Abundante. Não há nada realmente acontecendo em segundo plano, mas o problema aqui é que este rosa e este verde são muito semelhantes em valor e vibração. Essas cores aqui, elas estão vibrando umas contra as outras para que você possa vê-la, mas também me lembra daquelas ilusões de obstáculos que costumavam olhar quando você é criança. Do tipo que você tem que aproximar e depois puxar para trás para que você possa ver a cena, é isso que me lembra. Não, eu diria que isso não é muito legível, nem isso é. Como eu disse antes, esses são projetos de prática, então estou bem com isso, mas se eu talvez escaneasse isso e transformasse tudo isso em outra coisa, isso é algo que eu teria que consertar porque o que é o objetivo de ter a palavra lá se ninguém puder lê-la? Já falei sobre texto, mas vamos falar um pouco mais sobre o texto em si e copiar. Como mencionei no início desta aula, vamos nos mover para fora. Dessa perspectiva ampliada para aumentar o zoom. Isso se aplicará mais ao design gráfico do que talvez outros tipos de arte ou ilustração, mas definitivamente é importante. Quando estou olhando para o texto, posso começar olhando para a hierarquia. Quais são as coisas mais importantes neste convite? Olhando para isso agora, os nomes se destacam primeiro para mim, depois vejo este jantar e dança para seguir, e então vejo a data aqui. É naturalmente para onde meu olho foi. Essas palavras muito grandes, a fonte do script não é apenas script que é diferente do resto do texto, mas é negrito, tem essas linhas mais grossas, então é aí que meu olho foi primeiro. Se eu fosse redesenhar isso, não sei se talvez eu trocasse isso um pouco mais, mas jantar e dançar para seguir não parecem tão importantes quanto alguns desses outros itens aqui. Talvez haja algo que eu poderia ter feito para ajudar com a hierarquia. Se você estiver trabalhando com texto, talvez esteja criando um cartaz ou um panfleto, talvez seja uma capa de livro, isso é algo que você terá que considerar. Qual é a hierarquia? Para onde meu olho vai primeiro? Se meu olho for para algum lugar primeiro, é para a informação mais importante ou é apenas algo que talvez não seja irrelevante, mas não tão importante quanto algo como a data, digamos. Outra coisa que é realmente importante é se você está recebendo textos de outra pessoa para um projeto, se você é o designer gráfico, talvez não seja sua responsabilidade pensar sobre a gramática ou a ortografia, mas é sua responsabilidade copiar algo sobre a forma como é suposto ser copiado. Se algo precisar ser itálico porque é o título de um livro, talvez seja necessário reformatá-lo porque você transferiu algo de um documento do Word para o InDesign. Isso faz parte das listas de verificação que é realmente importante para qualquer design com texto, certificando-se de que ele corresponda exatamente ao que foi fornecido a você. Então, mesmo que não seja sua responsabilidade, também gosto de procurar erros ortográficos por precaução. Se seu cliente seu chefe ou alguém lhe enviar algum texto, provavelmente ainda é uma boa ideia olhar e ver se há algo que se destaca para você. Como eu disse, especialmente se for um cliente e tenho certeza que você teria algo em seu contrato que diz que você não é responsável por erros ortográficos se eles fornecessem textos que tivessem um erro nele, mas ainda é uma coisa boa de se fazer. Isso sempre faz parte da minha lista de verificação. Mas, por enquanto, vou passar para a próxima lição e falar sobre o que são pontos cegos e como cuidar deles. 7. Blindspots os pontos: Esta próxima lição pode ser uma das mais importantes para a autoedição. Isso envolve procurar pontos cegos em seu trabalho. Pontos cegos são basicamente coisas diferentes que você pode não ver a si mesmo. Quando você está trabalhando em um projeto, você está envolvido em cada etapa do caminho, é um projeto pessoal. Você está chegando ao seu trabalho de sua própria perspectiva única, sua própria visão de mundo, sua própria cultura, seu próprio senso de humor, sua própria compreensão do mundo. Basicamente, você faz parte do seu trabalho e, como pode ser difícil se distanciar dele, pode haver coisas que você simplesmente não vê. Mas no final do dia, é sua responsabilidade olhar para qualquer um desses pontos cegos porque você está colocando o trabalho no mundo e quando você coloca trabalho no mundo, isso significa que as pessoas podem reagir a ela e interpretarão as coisas, quer você queira dizer ou não. Meu primeiro exemplo de um ponto cego seria um significado não intencional. Eu tenho uma peça aqui na qual venho trabalhando há um tempo e eu simplesmente não cheguei a terminá-la. Eu deveria ter notado isso mais cedo no meu processo. Acho que isso reforçará para você a importância de verificar seu trabalho à medida que você avança. Eu tenho esta citação aqui de um filme e é suposto que você gostaria de viver deliciosamente. Não foi até que eu realmente mostrei para outra pessoa e eles estavam confusos e eles disseram, parece que diz, seria como você viveria para deliciosamente ou gostaria de viver. Você pode ver a confusão aqui e este é um exemplo em que estou tão familiarizado com a citação. Eu tinha feito uma série de esboços. Gostei muito do layout e do design e sinto falta que ele poderia ser lido de outra maneira e acho que é só porque eu já estava tão familiarizado com a citação. Mas para alguém como eu que não é designer gráfico primeiro, sou mais artista e ilustrador, fiquei tão envolto no design. Eu perdi completamente isso. Você provavelmente verá exemplos disso na natureza. Um bom exemplo que eu vi na internet, estou filmando isso durante a temporada de Halloween é a placa em uma loja de artesanato e diz truque ou deleite ou é o que é suposto dizer. Vou inserir uma foto dela aqui. Acho que não vai demorar muito para descobrir o que parece estar dizendo. Ambos são bons exemplos de pontos cegos. Felizmente para mim, não compartilhei isso em nenhum lugar. Eu nem terminei com o design ainda. Eu peguei cedo e mesmo que não o peguei, não acho que seja um grande negócio. Isso não muda totalmente o significado. Acho que muitas pessoas ainda teriam a ideia. No entanto, o sinal provavelmente está sendo vendido em milhares de lojas em todos os EUA , então as apostas são um pouco maiores lá. Algumas outras coisas a serem observadas são nossas imagens ou símbolos. Talvez um símbolo que signifique algo que você não quer ser visto em seu design e talvez você nem tenha criado esse símbolo de propósito. Talvez seja apenas a forma como certas formas se parecem juntas. Talvez parte de um projeto acabe se assemelhando a alguma anatomia humana. Isso acontece de tempos em tempos. Se você já viu aquele documentário sobre a empresa de legging, talvez saiba do que estou falando com essas leggings de hambúrguer. Eu categorizaria todos aqueles sob significados não intencionais que provavelmente têm soluções bastante simples. Há dois pontos principais que vou acertar quando se trata de representação e inclusividade. Uma pergunta importante a ser feita enquanto você está trabalhando, como você está fazendo uma crítica é, você está reforçando involuntariamente quaisquer estereótipos ou tropos relacionados à raça, idade, gênero, sexualidade, religião, todos os itens acima. Provavelmente estou perdendo algumas coisas, mas isso é algo que você quer estar ciente. Gosto de pensar em algumas dessas coisas que viralizarão às vezes. Pode haver uma postagem nas redes sociais ou uma ilustração em um site para uma empresa realmente grande e todos olham para ela e dizem, quem aprovou isso? Como isso sobreviveu? Esses são os testes que você quer fazer com o seu trabalho. Existe algo que pode ser mal interpretado? Alguns desses exemplos virais, nada é mal interpretado. Talvez alguém tenha tomado uma decisão insípida e seja tão simples quanto isso. Mas eu vou com essa classe que você tem intenções puras e quer ter certeza de que suas intenções puras continuem assim. Porque as intenções realmente não significam nada depois que você se exercita no mundo. Então, no que diz respeito à inclusão, isso significa apenas estar ciente das pessoas que você está retratando em seu trabalho. Agora, dependendo de uma tarefa, se você estiver trabalhando para um cliente, isso pode variar. Se você está projetando um folheto para uma conta poupança de aposentadoria, provavelmente terá um público bem claro e todos provavelmente estarão na mesma faixa etária. Mas talvez haja algumas maneiras de você ter representações mais amplas ou melhores, então, em vez de mostrar, vovó e avós com cabelos brancos, chamando os netos e segurando agulhas de tricô, talvez você possa ir além desses estereótipos. Há muitas pessoas, 60-up, 70-up, que vivem estilos de vida completamente diferentes. Eu realmente encorajo você a se lembrar de pensar nas pessoas como pessoas e há maneiras diferentes de mostrar isso em seu trabalho, se você está trabalhando com ilustrações ou fotografias. O terceiro ponto cego que vou cobrir é deturpação. Eu acho que este é bastante simples e este se aplica talvez um pouco mais rigoroso ao trabalho do cliente ou a qualquer trabalho de marca. Para minha posição atual, temos diretrizes muito claras sobre como usar nosso logotipo. Também temos regras muito específicas sobre as cores que nosso logotipo pode estar ou as cores que podemos usar. Tentaríamos evitar combinações de cores que possam se assemelhar aos nossos rivais. Também tentamos evitar combinações de cores com nosso logotipo em cima de fundos coloridos específicos, então às vezes nosso logotipo pode parecer um para outra empresa porque é muito simples. diz respeito à deturpação em um sentido mais amplo, isso pode significar garantir que seu trabalho talvez não copie o trabalho de outra pessoa ou se assemelhe muito a ele. Ou talvez você esteja trabalhando em um projeto de letras e tenha uma fonte de script branca e está em um fundo vermelho e você acha que parece incrível. Você está tão feliz com a forma como suas letras acabaram e as pessoas olham para ela e acham que é suposto parecer paródia do logotipo da Coca-Cola, talvez o branco no vermelho. Alguns dos seus pequenos detalhes de estrelas acabam fazendo com que pareça ser um cartão de Natal. Este é apenas um exemplo simples de como uma combinação de coisas pode se parecer com algo que você não está tentando criar. É por isso que esses pontos cegos são tão importantes de se procurar porque isso é algo que você pode facilmente perder, mas conserte facilmente com alguns pequenos ajustes. Então, o ponto cego final em que vou tocar são tendências. Todos sabemos que as tendências vêm e vão. Existem tendências em escolhas coloridas, há tendências em estilos de ilustração. Existem tendências em logotipos. Nós os vemos o tempo todo e eles são fáceis de serem sugados. Às vezes, sem sequer perceber isso. Especialmente se você ainda estiver trabalhando para um estilo estabelecido, pode ser mais fácil entrar e sair das tendências também. Vamos dizer que essas ilustrações seguem uma tendência um pouco. Acho que com as linhas curvilíneas, isso é muito comum em muitos espaços digitais. Sinto que eles têm muitas ilustrações como essa que são divertidas, mas as pessoas são um pouco instáveis. Eles não devem parecer super realistas. Não há muitos trabalhos de linha, são muitas formas. Vou dizer que tenho alguma textura aqui, que agora ainda estamos nessa tendência de design muito plana agora. Eu me misturei um pouco adicionando um pouco mais de textura. Mas estou meio que caindo em uma tendência aqui. E tudo bem, desde que você esteja ciente disso. Para isso, esta é uma obra de arte temporária. Este é um cartão de felicitações que fiz por um ano para um local e hora específicos. Estou bem em seguir a tendência. No entanto, se você estiver trabalhando em um logotipo e criando um guia de estilo para uma empresa, digamos que seja um banco que existe há 100 anos e eles planejam ficar por mais 100. É quando você se afasta das tendências e está tentando encontrar algo um pouco mais atemporal. Então, muito disso depende do trabalho em questão. Mesmo se você estiver criando para si mesmo, você quer se destacar e desenvolver seu próprio estilo mais? Ou você está tentando jogar em uma tendência? Parte do meu trabalho é executar contas de mídia social, se eu criar um gráfico para postar lá, faz sentido entrar em uma tendência para obter visibilidade e sei que é passageiro, é temporário. Coisas que estou postando nessas contas de mídia social, elas podem ficar lá em cima por um tempo, mas ninguém está olhando para trás e criticando o design e dizendo que isso está desatualizado, a menos que eu esteja postando cinco anos tarde demais. Agora, se você estiver começando com design gráfico ou ilustração, eu teria cuidado em confiar muito nas tendências também ou deixar que elas se infiltrem em seu trabalho. Algo que eu vi muito são esses logotipos pré-formatados. Eles têm talvez as iniciais de alguém e depois cercadas por um círculo com flores. Neste ponto, é tão usado em excesso que parece genérico. Isso não significa nada. Se tudo o que você precisa é de um logotipo porque você vai vender trabalho em uma feira de artesanato e você só quer algo bem simples. Está tudo bem. No entanto, se você estiver tentando se ramificar ou iniciar um negócio, se seu logotipo se parecer com o de todos os outros, ele pode não se destacar. Não há nada de errado em seguir uma tendência, desde que você esteja ciente de como a está usando e como ela pode se deparar dependendo do contexto e por quanto tempo você deseja ser relevante. Eu cobri quatro áreas diferentes de pontos cegos aqui, mas provavelmente há outras que eu não mencionei que não vieram à mente quando eu estava planejando este curso. Se você tiver algum adicional, sinta-se à vontade para deixar anotações nas discussões de outras áreas onde as pessoas podem ignorar as coisas ou perder coisas em seu trabalho. Na próxima lição, abordaremos alguns dos princípios básicos do design e da arte. 8. Princípios de arte e design: parte 1: [MÚSICA] Para esta lição, vou examinar os princípios da arte e os princípios do design. Agora, isso é algo com o qual eu poderia ter começado essa aula, no entanto, eu queria configurar isso da maneira que eu trabalho. Mencionei no início como gosto de diminuir o zoom e me mover para dentro. Isso faz parte desse processo para mim. Todos esses princípios da arte e os princípios do design dos quais estou falando, estou trabalhando enquanto crio meu trabalho. Eles são apenas parte de mim e do meu processo até agora. Eles provavelmente são para você, quer você saiba ou não. Se você é novo na arte, design, ou qualquer coisa assim, talvez não saiba que eles existem, mas provavelmente os está usando enquanto já trabalha. Gosto de usar isso como o último passo meu processo porque provavelmente não há grandes mudanças que eu preciso fazer, mas talvez haja pequenos ajustes aqui e ali que eu possa usar para melhorar meu trabalho. Para esta lição, vou usar o cartão de saudação e alguns outros exemplos. Primeiras coisas primeiro, quais são esses princípios? Como mencionei, estou analisando os princípios do design e os princípios da arte. Há um pouco de sobreposição aqui, mas há algumas variações entre os dois. Vou começar com o que ambos têm em comum. Ambos os conjuntos de princípios incluem equilíbrio e alinhamento, contraste, movimento e repetição. Em seguida, ênfase, proporção e espaço em branco completam a lista de design. Ritmo, harmonia ou unidade e variedade completam os princípios da arte. Algo importante que eu quero enfatizar é que essas regras não são necessariamente rígidas que você precisa seguir, elas são mais como diretrizes e linguagem para usar ao falar sobre seu trabalho. Primeiro, vou começar com o que esses dois têm em comum. O primeiro é equilíbrio e alinhamento. Isso significa que tudo em seu trabalho tem um peso e queremos manter as coisas em equilíbrio. Isso pode significar texto se for um documento ou design intenso de texto, cores, texturas, coisas assim. Em seguida, o alinhamento também pode afetar o equilíbrio deslocando o peso ao redor. Aqui temos, não direi um alinhamento central, mas são divisões nesta peça. Há quase uma linha correndo aqui e aqui no cartão, há esses quatro retângulos diferentes. Já brinquei com a colocação nas cenas. Este casal aqui, eles estão no centro desta cena. Aqui, eles estão espaçados. É um pouco assimétrico. Mas eu tenho algum alinhamento aqui. Há uma linha invisível com o topo da cabeça dela. Ele tem a espátula e depois o topo dessas palmeiras. Já estamos olhando para isso um pouco diferente do que estávamos antes. Você pode ver isso, eu acho que isso tem uma boa distribuição do que eu chamaria de peso. Algumas coisas que representam que seriam essa cor amarela. É muito brilhante, então chama sua atenção. Você pode apertar os olhos até mesmo para ver isso um pouco melhor. Embora algo que estou percebendo agora é, isso tem um alinhamento. Há quase uma linha reta indo desse espaço entre essas janelas até a cortina aqui. Se eu fosse editar isso ou refazer isso, essa poderia ser uma área que eu mudaria. Talvez eu adicionasse outra parte da cortina ou algo para separar isso porque não era isso que eu estava procurando. Quero que as coisas pareçam naturais. Isso quase parece que eu fiz isso de propósito, e definitivamente não fiz. Vou te mostrar outro exemplo muito rápido. [RUÍDO] Eles fazem parte dos 100 dias de contêineres sobre os quais falei anteriormente. Aqui eu tenho pouca lata de pêssegos. Gosto desse exemplo porque ele é equilibrado de uma maneira diferente. Mesmo que essa área ocupe muito mais espaço em comparação com essa pequena faixa na parte inferior, isso é pesado. Simplesmente ter esse fundo verde escuro carrega muito peso. Este fundo branco e essas cores laranja mais claras, eles somam uma certa quantidade de peso por causa do espaço que ocupam. Mas, na verdade, é bastante equilibrado na minha opinião. Então, por cima, repeti o verde com esta pequena aba aqui. Então mesmo este exemplo aqui, se estamos falando de equilíbrio, acho que isso é como a pequena bomba, este é o frasco de perfume. Acho que isso equilibra o peso superior do frasco de perfume. Todo o peso está no topo aqui. Simplesmente por ter essa corda ou tubo, acho que você diria, e ter a bomba aqui em baixo, isso só adiciona um pouco de equilíbrio. Parece que não vai derrubar. Nosso próximo princípio é o contraste. Sinto que este é provavelmente o mais autoexplicativo, mas basicamente baixo ou alto contraste pode mudar completamente o design. Você sempre precisará de alguma quantidade de contraste para diferenciar elementos uns dos outros e texto do plano de fundo. Quanto mais contraste entre os elementos, mais eles se destacarão. É importante lembrar que o contraste pode se referir a mais do que apenas cor. Ele pode se referir a texturas, padrões, fontes, assim por diante e assim por diante. Acho que esses são dois exemplos interessantes para olhar juntos. Aqui temos um contraste bastante alto entre as palavras aqui e , em seguida, esse fundo muito claro. Temos essa cor de carvão preto escuro e um fundo creme. Então temos um contraste muito mais sutil entre isso, eu acho, talvez um adesivo, este é um rótulo em uma embalagem, e então essa seria a garrafa. Não se destaca tanto. Ainda há diferença suficiente para deduzir que este é um rótulo em um pacote. Então isso é um pouco mais um experimento em baixo contraste. Se você é alguém que usa maquiagem, esse pincel ou bronzer às vezes virá em uma combinação de cores muito próxima uma da outra e você a mistura com seu pincel. Isso é o que eu queria replicar aqui. À distância, você não vai ver isso, mas esse é um exemplo de baixo contraste intencional. Então um pouco menos intencional é essa palavra, corada, aqui. Usei uma tinta metálica e é difícil de ver. Não tenho certeza se você poderá ver isso no vídeo ou não. Você só pode vê-lo se capturar a luz de uma certa maneira. Em seguida, temos movimento. Movimento refere-se a como seu olho se move sobre a peça. O que você vê primeiro e, em seguida, para onde seu olho vai a seguir? Em algo mais ilustrativo, também pode se referir a como a ação é demonstrada. Olhando para esta peça, não há necessariamente uma tonelada de movimento até algo que se destaca para mim imediatamente porque as coisas são equilibradas, as cores, o contraste. É uma cena bem organizada. Não há uma tonelada de movimento, eu diria, em torno de toda a peça. Mas dentro dessas cenas individuais, há movimento. Há muito claramente movimento com todos. Eles têm as mãos levantadas como se estivessem acenando. Também temos algum movimento aqui na cena nevada em segundo plano. Isso indica algum movimento. Parece que está nevando ativamente. Este pode ser um pouco mais estático porque além da mão dele, que está coberta um pouco, não há uma tonelada de movimento aqui. Talvez isso seja algo que eu consideraria se eu fosse redesenhar isso. Mas eu diria, no geral, há pequenas dicas de movimento nessas diferentes cenas. Só para mostrar um exemplo, eu não tenho muitos exemplos que são muito pesados em texto, mas acho que seria útil mostrar, esta é apenas a lista de verificação desta classe. Mesmo que isso não seja muito projetado, ainda há uma sensação de movimento. Parte disso é que, se você é um leitor inglês, você lê da esquerda para a direita, então tendemos a sempre olhar primeiro neste canto superior esquerdo e depois descemos de lá. Como eles estão em negrito, eles se destacarão. Mas há movimento aqui porque meu olho salta imediatamente para este título e depois para todas essas legendas. Em seguida, eu pulo isso porque isso está agrupado, então eu realmente vejo esse segundo. Então eu pulo aqui, e depois pulo um pouco mais. Não é um grande movimento. Esta não é uma peça altamente projetada, mas ainda há alguma direção e hierarquia aqui. Em seguida, temos padrão ou repetição. Elementos repetidos em seu design criam consistência e uma linguagem visual. Isso pode incluir fontes consistentes, formas repetidas, linhas e símbolos, cores repetidas e a lista continua e continua. repetição pode ajudar a estabilizar o design. Esta é uma peça equilibrada aqui, quando eu estava falando sobre movimento, e parte disso é por causa da repetição. A repetição das mãos, esse é um tema por toda parte, e depois os repetidos toques de cor com este amarelo, e então, mesmo sendo bloqueado, o logotipo também foi repetido por toda parte. Sem ter um logotipo esbofeteado no meio disso, temos o logotipo salpicado por toda parte para que você nunca perca a noção do que é o tema. Outra forma de repetição é simplesmente ter esses quatro retângulos. Isso cria uma sensação de equilíbrio e estabilidade. Eu acho que este pode ser um dos meus princípios favoritos só porque se esconde em você. Eu não estava necessariamente pensando quando estava criando isso: “Oh, vou repetir esses retângulos, ou vou repetir a mão acenando”. Fazia sentido lógico para o design. repetição não significa que tudo o que você faz tem que ter listras ou bolinhas nele. Isso pode significar muitas coisas diferentes. Esses são todos esses princípios compartilhados. Vou continuar com o resto dos princípios de design, e depois seguiremos para os últimos três princípios artísticos. 9. Princípios de arte e design: parte 2: O próximo princípio de design é a ênfase. Isso é basicamente perguntar, qual é a hierarquia do seu design? O que você vê primeiro, segundo, terceiro, etc. Então, um acompanhamento disso seria, é a primeira coisa que você vê a mais importante? Analisamos esse exemplo de convite mais cedo quando estávamos falando de legibilidade, legibilidade no texto. Esta é outra oportunidade de olhar para a hierarquia, ver o que está sendo enfatizado em um design. Uma das coisas que pode enfatizar algo seria o contraste. Outra área também seria a repetição. Para este design, eu diria que o logotipo realmente se destaca um pouco, mesmo que você não possa vê-lo aqui. Mas isso é algo que eu acho é obviamente enfatizado, talvez de uma forma um pouco mais sutil, mas se destaca muito rapidamente quando você olha para o cartão. Acho que este é outro bom exemplo de ênfase, mesmo que haja apenas três palavras sobre isso. Mas primeiro você vê a coragem, então você vê o slogan, Seja Bold. Agora, se eu adicionasse o nome do produto, café azul frio em algum lugar aqui, eu gostaria que isso se destacasse, talvez mesmo antes desse pequeno slogan Be Bold. Isso é algo em que eu pensaria. Acho que a razão pela qual a ênfase está incluída nos princípios do design é porque o design é um pouco mais sobre resolução de problemas, do que talvez arte pelo bem da arte. Em seguida, temos proporção. Proporção refere-se à relação entre o tamanho e o peso de diferentes elementos. Voltando ao meu cartão, você vai ficar cansado de olhar para isso, mas eu tenho essa aula, aposto. Mas temos muitos exemplos de proporção aqui. Temos que as pessoas são o foco principal. A proporção é usada para mostrar onde eles estão no espaço. Podemos dizer que os edifícios em segundo plano aqui estão mais longe. Pela colocação dos edifícios, podemos dizer que eles estão na verdade, talvez mais altos no próprio prédio. Se eles estivessem mais baixos, talvez só veríamos talvez só veríamos edifícios indo até o fundo aqui, mas podemos realmente ver os topos deles. Tenho variação na proporção aqui. Podemos dizer que ela está mais perto da câmera. Ele está mais atrás, grelina longe. Então temos o pôr do sol e essas palmeiras à distância. Para uma ilustração, nossa proporção pode basicamente criar ilusões ópticas. Tudo isso está em seu único pedaço de papel, mas ainda temos uma noção da cena e onde as coisas estão por causa da proporção e escala. Também nos ajuda a focar no ponto principal. Mesmo que haja muita coisa acontecendo em segundo plano aqui, por causa das proporções, sabemos que essas pessoas são mais importantes do que o que está aqui. Outra área onde podemos olhar para a proporção seria a proporção do amarelo brilhante para o azul. No geral, este é um green card azul. Na verdade, não há tantos pedaços de amarelo aqui do que há tons de azul. Digamos que esta moldura da janela fosse amarela e talvez esse cartaz aqui fosse amarelo. Talvez suas paredes estejam pintadas de amarelo. Isso seria completamente diferente, mas a proporção de amarelo para azul aqui é bastante significativa. Esse é outro exemplo de proporção, mesmo que eu não esteja falando de tamanho, isso pode se relacionar mais com o peso do amarelo brilhante. Ele carrega muito peso aqui. Então nosso último princípio de design é espaço em branco. Agora isso não é tão aplicável aqui. Espaço em branco ou espaço negativo cria uma sensação de equilíbrio. Ele pode ser usado para cercar um objeto ou elemento para dar ao olho algum espaço para respirar e é necessário, especialmente quando se trabalha com textos. Grandes quantidades de espaços em branco também podem ajudar a equilibrar textos ou designs pesados. Este não é o melhor exemplo. Tecnicamente não há espaços em branco aqui, mas há algum espaço negativo. Negativo refere-se ao espaço de fundo , exceto que você o está tratando como uma forma. Por exemplo, aqui vemos o horizonte, mas essa é sua própria forma tecnicamente. Este é azul escuro céu noturno é uma forma. É disso que estamos falando. Aqui eu não tenho uma tonelada de espaços vazios, mas eles são polvilhados por toda parte. Aqui não há realmente nada na terra. O céu está bem aberto e vazio. Em vez de desenhar um sol e um pôr do sol completo, estou apenas aludindo aqui porque eu queria que houvesse algum lugar onde os olhos pudessem descansar. Eu não queria deixar isso super ocupado ou diminuir demais a cena. Isso é o que eu tentei fazer em todos esses. Realmente este é o que tem mais detalhes porque há um pequeno plano no peitoril da janela aqui. Isso ajuda a criar uma sensação de espaço. Mas eu tentei estar muito consciente de não deixar isso excessivamente confuso. Quero que as pessoas entendam o que a cena é simplesmente sem entrar em muitos detalhes. Mas eu tenho um exemplo melhor de algum espaço em branco para você. Trazendo de volta este convite, você pode ver que temos muito espaço em branco por aqui. Parte disso é compensar esse texto muito grosso, tendo esse espaço, temos espaço para respirar. Não estamos sobrecarregados com o texto. Há até muitos espaços em branco em torno desse texto aqui porque eu uso uma fonte tão leve. Se eu usasse algo mais pesado e mais escuro, estaria reduzindo o espaço em branco e isso pareceria muito mais ocupado. Mas eu reduzi alguns espaços em branco ao mesmo tempo por ter tudo em todas as maiúsculas. Se este fosse texto normal com letras maiúsculas e minúsculas, na verdade haveria um pouco mais de espaço aqui. Aqui tudo está em todas as maiúsculas. Eu acho que isso faz com que seja um pouco complicado de ler. Deixamos este exemplo aqui à medida que avançamos para nossos três princípios finais de arte. O primeiro deles será ritmo. Ritmo é a relação entre diferentes elementos trabalhando juntos, apesar das diferenças de tamanho, forma, cor, etc. Semelhante ao movimento. Mas você pode ter movimento em uma peça sem ritmo. É aí que o ritmo é um pouco diferente. É quase como movimento mais um pouco de julgamento lá, você está julgando se há ritmo ou não. Acho que a maneira que vejo isso nesta peça é porque temos este chapéu aqui com o mesmo padrão que o casaco, mas é quebrado pelo rosto dela. Há uma sensação de movimento e ritmo aqui. Mas por ter o rosto dela aqui para quebrar a combinação de chapéu e casaco. Há pouco mais interesse aqui do que haveria se isso fosse apenas um desenho de um casaco ou mesmo se você se livrasse do rosto dela, digamos que este era apenas um chapéu flutuante e o casaco. Ainda haveria uma sensação de ritmo por causa do espaço em branco para haver como essa lacuna estranha. Então, de repente, o casaco, seria intrigante e talvez um pouco misterioso. Mas acho que definitivamente há um senso de ritmo aqui. Não só o rosto dela é mostrado, mas seu rosto tem um pouco mais de detalhes também, então há meio que algum sombreamento e esse tipo de contrasta contra esse tipo de branco plano com um padrão. Não há detalhes de sombreamento aqui, é bem simples. Deixe-me ver se consigo encontrar outro bom exemplo de ritmo. Eu acho que isso realmente tem um bom senso de ritmo também. Temos um movimento muito claro aqui. Eu olho para esta peça e sigo esta linha aqui. Essa curva meio que imita um pouco dessa curva. Não exatamente, mas definitivamente se move para baixo nessa direção do canto superior direito para o canto inferior esquerdo. Então o ritmo vem da repetição dos guarda-chuvas e dessas ondas do oceano. Vou dizer que este é um dos mais difíceis de colocar em palavras para mim, e não acho que sou o único que é difícil porque é tão subjetivo. Mas eu sinto um forte senso de ritmo com isso. Em seguida, vamos falar sobre harmonia ou unidade. Isso se referiria à repetição de formas, linhas, formas, cores, etc., pois criam um senso de unidade em uma peça. Acho que podemos olhar para esse mesmo exemplo aqui. Pense que há um forte senso de unidade e harmonia, e isso é reforçado pelos elementos repetitivos. Falamos sobre repetição e padrões antes. Aqueles andam de mãos dadas com a unidade. Há um olhar unificado aqui. Eu também o descreveria como talvez como uma sensação de paz ou plenitude. Não que toda arte precise ser pacífica, mas pode ser uma maneira de entendê-la. Você poderia ter harmonia em uma peça muito escura simplesmente pela repetição de certas formas. Só de olhar para outro exemplo aqui, acho que definitivamente há um senso de unidade com este exemplo de blush novamente, por causa do motivo repetido do plad. Temos o círculo aqui, este círculo, depois o círculo do rubor. Apenas esse tipo de coisas sutis que se unem para fazer um pedacinho harmonioso. Então, voltando para o cartão bem rápido, vou tocar no ritmo. Acho que definitivamente há um senso de ritmo aqui. Já mencionei isso antes, mas acho que parte disso é uma espécie de repetição da onda de mão repetida emparelhada com as variações das diferentes cenas. Nenhum deles é o mesmo, as pessoas não estão todas posadas da mesma maneira. Não são quatro casais diferentes emparelhados. Temos um emparelhado, ambos levantando as mãos. Primeiro, ele só tem o braço em volta dela e ele está sorrindo. Eles têm seus chapéus de festa e equipamentos, então há repetição e variação suficientes aqui para criar uma sensação de ritmo. Então, no que diz respeito à unidade, sinto que não preciso mais bater na cabeça com este projeto. Mas definitivamente há unidade aqui. Basicamente, tudo o que eu disse antes sobre repetição nesta peça realmente cria um senso de unidade. Nada se destaca como estar completamente fora de lugar. Eu diria que a única coisa que faz um pouco para mim é a textura desta árvore aqui, só porque não há um contraste tão forte entre texturas em nenhum outro lugar. Na verdade, haveria a única área que poderia estar um pouco fora de linha com a unidade. Mas, além disso, acho que esta é uma peça muito agradável, unificada e harmoniosa. Então, finalmente, nosso último princípio de arte é a variedade. Variedade espelha a seção de proporção sobre a qual falamos nos princípios do design. A variação é o que torna qualidades como ênfase, proporção possíveis qualidades como ênfase, proporção ou contraste misturando tamanhos, formas, texturas, cores e muito mais. Como falamos anteriormente com proporção, a variedade vai funcionar de forma muito semelhante, uma variedade de cenas, uma variedade de alinhamento e configuração. Isso seria incrivelmente chato se tudo parecesse o mesmo. A variedade é realmente crucial para esta peça, assim como muitas outras. Vou te mostrar outro exemplo. Voltando à nossa pequena lata de pêssego aqui, eu poderia ter todos esses pêssegos voltados para uma direção e sendo muito estáticos e ainda. Na verdade, não haveria nada de errado com isso que pudesse parecer muito agradável. Mas aqui eu misturo a variedade, tendo eles virados e virados por toda parte. As folhas são colocadas em diferentes pontos. Nem todos são pêssegos verticais. Eles não estão em linhas super retas. É um pouco ao acaso. Para mim, isso cria uma vibração divertida e caprichosa. Se eu os tivesse em linhas diagonais rígidas como esta, todas as folhas estão apontando para a direita e para cima, acho que ficaria muito fofo. Eu ficaria feliz com isso ainda, mas teria um sentimento diferente, um humor diferente. Voltando ao nosso convite, variedade é realmente importante aqui porque isso faz parte do que está criando ênfase e esse senso de hierarquia sobre o qual falei anteriormente. Se fosse a mesma fonte, do mesmo tamanho, não se destacaria. Não pareceria realmente uma peça projetada. Vou deixar você com uma nota final antes de encerrar esta lição, e isso é que essas são diretrizes. Estes são destinados a ajudá-lo a criar um bom trabalho. Estes são métodos testados e verdadeiros para criar peças de arte e design. Mas você definitivamente pode quebrar essas regras e diretrizes. Esta foi uma visão geral bem rápida. Há aulas sobre o Skillshare sobre isso. Se você quiser aprimorar essas habilidades, eu recomendo ver o que mais está lá fora no Skillshare. Meu objetivo é armá-lo com essas ferramentas para editar seu próprio trabalho. Mas há muito mais no seu trabalho do que seguir os princípios da arte e do design. Vamos entrar na próxima lição em que vou abordar como pedir feedback a amigos e familiares, especialmente quando eles não são criativos. 10. Feedback: [MÚSICA] Até essa aula é sobre autoedição, criticando seu trabalho por conta própria. Eu seria negligente se não lhe desse algumas dicas sobre como pedir feedback de outras pessoas. Por mais que possamos tentar sair de nossas próprias cabeças, você ainda não pode substituir feedback de pessoas que são diferentes de você, que têm perspectivas diferentes, experiências de vida diferentes, isso é tudo muito importante. Mesmo que você não tenha um monte de criativos em sua vida, ainda pode pedir ajuda à família e aos amigos, desde que você esteja dando instruções muito específicas e seguindo seus conselhos com um grão de sal. Primeiro, eu pensaria quem você vai pedir feedback. Por exemplo, talvez sua mãe ame tudo o que você cria e tudo o que você faz. Ela pode não ser a melhor pessoa para ir para obter feedback crítico. Ou talvez você conheça alguém que é super julgador e odeia tudo. Eles encontrarão algo errado com tudo o que são mostrados. Eles também podem não ser a melhor pessoa para receber feedback. Essas são todas as coisas a considerar quando você está pedindo ajuda a alguém. A seguir, certifique-se de que você está pedindo feedback muito específico. Quando você está compartilhando seu trabalho, você não quer apenas apresentá-lo a alguém e perguntar se eles gostam ou não, ou muitas perguntas de sim ou não. Às vezes, alguém pode realmente gostar de algo, mas não consegue articular o porquê. O mesmo acontece se alguém realmente não gostar de algo. Isso pode acontecer quando você está pedindo feedback de parentes e amigos, ou mesmo às vezes um chefe ou cliente. É por isso que é sempre importante pedir feedback específico. Um exemplo é que você pode dizer: “Ei, por favor, olhe para este cartaz que eu desenhei. Quero saber, a mensagem está clara? Você pode me dizer quais as partes mais importantes deste cartaz e existem erros de digitação?” Ao fazer essas perguntas, você não está realmente pedindo feedback sobre o visual ou a paleta de cores, mas eles estão traçando perguntas às quais as pessoas poderão responder. Outras perguntas a serem evitadas, como você gosta disso, o que você acha desse design? Como você gosta disso? Isso é bom? Coisas assim são muito baseadas em opinião. Se você está pedindo feedback dessas pessoas, você pode pedir suas opiniões, mas saiba que você receberá um tipo diferente de feedback que pode ser muito subjetivo. Algumas perguntas melhores a fazer seriam quais emoções isso faz você se sentir? Como isso faz você se sentir? Você vê uma mensagem por trás desta peça, caso afirmativo, qual é essa mensagem? Esse estilo lembra você de um determinado lugar e hora? caso afirmativo, quando e onde? Algo que é importante como parte desse processo é lembrar, especialmente se você está pedindo ajuda a amigos e familiares, é que eles estão te fazendo um favor. Você está pedindo que eles olhem para algo e olhem para ele com um olho crítico. Você não quer ficar defensiva se eles disserem algo com o qual você discorda ou talvez machuque seus sentimentos. Como artista e designer ou qualquer tipo de criativo, você terá que esperar uma certa quantidade de feedback negativo. Mesmo que o feedback pareça negativo, tente olhá-lo objetivamente e diminuir o zoom mais uma vez. Eles não estão tentando machucá-lo ou atacar seu trabalho. É importante tentar não levar as coisas muito para o lado pessoal. Agora, alguém pode ser um idiota total para você. Isso sempre é possível. Mas é provável que eles realmente estejam tentando ajudá-lo. Algo pode ser difícil de ouvir, mas pode ser o feedback que você precisa ouvir. Finalmente, como eu disse antes, leve tudo com um grão de sal. Este é o seu projeto. Você é o responsável. Você pode pegar e deixar certos comentários e decidir o quão cruciais ou benéficos eles são. Sei que estou dizendo duas coisas aqui. Mantenha a mente aberta, ouça os outros, mas o ponto principal é apenas manter a cabeça fria. Pegue o feedback e siga em frente como achar melhor. Se você ainda não tem certeza sobre como pedir feedback, eu tenho alguns exemplos de linguagem nos recursos da classe, então não deixe de conferir esses dados. Uma nota final sobre como pedir feedback é que você sempre pode procurar grupos de artistas no Facebook ou no Reddit, ou pode estar mesmo em sua comunidade, grupos que se encontram pessoalmente. Se você quiser feedback de outros criativos, definitivamente há recursos por aí. [MÚSICA] 11. Projeto do curso: Agora é sua vez de aplicar todos esses princípios, e as ferramentas e truques que compartilhei com você ao seu próprio projeto. Primeiro, escolha um projeto para criticar. Pode ser um trabalho em andamento, ou algo que você fez há alguns anos. O objetivo é olhar para ele com novos olhos usando o que você aprendeu nesta aula. Em seguida, passe pelo processo na aula para avaliar seu trabalho. Para adicionar ao seu projeto de classe aqui no Skillshare, acesse a guia Projetos de classe e carregue uma imagem do seu trabalho e indique claramente qual era sua missão, meta ou resumo do projeto. Em seguida, compartilhe algumas descobertas e conclusões que você fez, o que está funcionando bem e o que poderia ser melhorado. Não se esqueça de que os primeiros cinco alunos a postar um projeto de aula receberão uma crítica completa de mim que compartilharei com você em particular. 12. Conclusão: É isso para a aula de hoje. Espero que você se sinta mais confiante criticando seu próprio trabalho e auto-edição. Não se esqueça de conferir a guia Recursos de classe desta classe. É aí que você encontrará uma lista de verificação crítica que você pode usar para fazer esse processo por conta própria. Você também encontrará links para os princípios da arte e os princípios do design. Eu também quero deixar você com um lembrete de que é assim que eu trabalho. Este é o processo que uso para criticar meu próprio trabalho. À medida que você se torna um artista ou designer mais desenvolvido, você criará suas próprias formas de editar você mesmo. Sinta-se à vontade para adicionar e remover desta lista. Eu recomendo que você faça anotações e seja observador enquanto trabalha. Talvez você encontre algumas coisas que deseja adicionar e remover desse processo que funcionam melhor para você. Muito obrigado por serem críticos comigo hoje. Por favor, reserve um momento para deixar um comentário. Ao fazer esta aula, tenho certeza que não é preciso dizer que seu feedback é muito importante para mim e para todos os professores aqui no Skillshare, que possamos ter certeza de que estamos sempre melhorando nossas aulas. Você pode me seguir aqui no Skillshare para novas aulas e visitar minha página para conferir todos os meus cursos anteriores. Você também pode me seguir no Instagram @ShaynaSellArt para obter as atualizações mais recentes. Vejo você na próxima aula. [MÚSICA]