usando movimento para criar fotos de belas-artes arte

1. Apresentação: Provavelmente tirei fotos antes. Fotos nítidas, fotos limpas, fotos perfeitamente expostas. Mas você já tirou uma foto que parece viva? Bem-vindo. Esta não é uma aula técnica de fotografia. Esta é uma aula sobre transformar movimento em emoção, sobre pintar sem pincel, sobre como controlar a luz, a forma como um pintor controla a pintura e sobre a criação de imagens que não apenas mostram algo, e sobre a criação de imagens que mas dizem algo Oi Meu nome é Ib Camori Fotógrafa artística de moda e viagens. Sou embaixador da Adobe e excelente professor da Skillshare. Eu tenho o prazer de criar imagens há cerca de 11 anos, e tem sido uma jornada completamente incrível. A fotografia artística não trata de capturar a realidade. É sobre dobrá-lo. Neste curso, vamos criar imagens usando pintura em movimento, arrastamento lento do obturador, movimento leve e caos intencional Construiremos ideias do nada e criaremos conjuntos de design a partir da imaginação. Ao final desta aula, você não saberá apenas como criar essas imagens. Você sabe como pensar como um artista por trás da câmera. Então, se você está pronto para diminuir a velocidade e pintar com luz, vamos começar. 2. Orientações do curso: A maioria das pessoas aprende fotografia fazendo uma pergunta. Como faço para que isso pareça bom? Fotógrafos de belas artes fazem uma pergunta diferente. Como eu quero que isso se sinta? Porque no momento em que as emoções se tornam mais importantes do que a perfeição, você deixa de ser fotógrafo, documenta a realidade e começa a se tornar um artista, moldando-a A fotografia artística começa com a intenção, não com o assunto. O que você pretende comunicar com uma foto? É um estado de espírito ou uma emoção? E é por isso que duas pessoas podem fotografar a mesma coisa, e apenas uma cria arte por causa da intenção. Arte é interpretação, não precisão. A fotografia tradicionalmente captura o que existe. A fotografia artística cria o que ainda não existe. A imagem começa na sua mente muito antes da câmera sair. E a pergunta que você se pergunta é o que isso pode se tornar? movimento representa emoção, e isso significa que você pode falar por meio de suas imagens. O ditado de que uma imagem contém 1.000 palavras ganha vida quando o fotógrafo entende que emoções podem ser contadas e palavras incorporadas em uma imagem. O movimento é apenas uma ferramenta para amplificar essa mensagem. Aqui está algo fascinante. A câmera grava o tempo em vez de congelá-lo porque cada ponto do traçado é um segundo diferente do outro. Quase parece uma viagem no tempo porque você está olhando para diferentes pontos no tempo, tudo no mesmo quadro Neste curso, usamos pintura em movimento, não porque pareça legal, mas porque o movimento nos permite fotografar algo invencível, tempo, energia e memória Quando uma imagem é perfeitamente nítida, o cérebro a compreende instantaneamente. Mas quando existe movimento, o espectador faz uma pausa. Eles começam a sentir em vez de apenas ver, e essa pausa é onde a arte vive. As câmeras não criam arte. As decisões sim. Você pode usar qualquer ferramenta para capturar uma foto, mas a decisão que você toma é o que determina o que você chama de arte. Os erros geralmente se tornam estilo. Portanto, esteja aberto a abraçar a diversão de criar, sabendo que tudo e qualquer coisa é aceitável Controle e rendição coexistem. Assim, você pode ter o controle de certas coisas, mas esteja disposto a deixar que as coisas funcionem da mesma forma. Você notará algo durante este curso. Às vezes, as melhores imagens acontecem quando as coisas dão errado. Uma luz se move inesperadamente, um objeto muda muito cedo, um arrasto que dura mais do que o planejado Na fotografia comercial, isso é um erro. Mas na fotografia de belas artes, esse pode ser o momento. Seu trabalho não é controlar tudo. Seu trabalho é reconhecer o significado quando ele aparece. Eu quero que você anote essas coisas importantes. Número um, lembre-se de que estamos experimentando em todos os pontos, então esteja aberto à experimentação Número dois, você precisa de paciência para esse tipo de fotografia. Além disso, nem todo quadro funciona. E, por fim, artista é descoberta. Esta aula não é para tirar uma foto perfeita. É sobre exploração. Você pode fotografar 50 quadros e amar apenas um. fotografia artística está mais próxima de esculpir do que fotografar Você remove, refina e pesquisa até que a imagem se revele Agora que entendemos o que realmente é a fotografia artística, a próxima pergunta onde vêm as ideias? Porque antes de construirmos cenários antes das luzes, antes da velocidade do obturador, precisamos de algo mais importante, um motivo para criar Vamos falar sobre inspiração. Te vejo na próxima aula. 3. Tenha ideias e encontrando inspiração: Uma das maiores mentiras na arte é que estou esperando por inspiração. A inspiração quase nunca chega primeiro. Ideias não são como relâmpagos. Eles são conexões. E hoje, vou mostrar como criar ideias intencionalmente, em vez de esperar que a criatividade apareça As ideias vêm da emoção, de um sentimento, de uma experiência pessoal. Antes de pensar em luzes ou poses, faça uma pergunta a si mesmo. O que eu quero que alguém sinta ao ver essa imagem? Calma, caos, solidão ou até liberdade. A fotografia artística começa com emoção. O visual vem depois. Quando você começa com imagens, você copia, quando você começa com emoção, você cria inspiração pode ser obtida de pintores, filmes, moda, música, esculturas e quase tudo E então você combina essas influências para criar uma pilha de inspiração, que agora leva à originalidade Todo artista pega dinheiro emprestado, pintores, estuda pintores, cineastas O fotógrafo deve estudar tudo, exceto fotografia, às vezes. Veja pinturas em busca de emoções coloridas, filmes em busca de iluminação, modas em busca de formas e movimentos originalidade geralmente vem da combinação de coisas que nunca foram feitas para Aqui está um método que você pode seguir. Eu chamo isso de diretriz ESM. Símbolo de emoção e movimento. Primeiro, escolha uma emoção e depois pergunte qual símbolo representa a emoção, tecido esvoaçante, lanterna, fumaça, movimento E então podemos adicionar movimento porque movimento transforma simbolismo em energia Para este projeto, a pintura em movimento se torna nossa linguagem. As ideias mais fortes geralmente vêm de algo pessoal, uma lembrança, um momento, um sentimento que você não consegue explicar facilmente. Você não precisa de uma história dramática. Às vezes, as emoções silenciosas criam as imagens mais altas. Aqui está um exercício. Escreva uma emoção, uma cor, um tipo de movimento. Um exemplo seria inquietação, Bluetons, caótica. Isso se torna a semente de um conceito. Não espere por uma ideia de obra-prima. Você precisa começar aos poucos. Uma emoção, uma direção visual, um movimento. Isso é o suficiente para começar. Agora que temos uma ideia, o próximo passo é transformar a imaginação em algo real. Na próxima aula, aprenderemos como pesquisar, refinar e preparar seu conceito para que seu dia de filmagem se torne intencional em vez de Te vejo na próxima aula. 4. e execute a sua ideia: Uma ideia forte pode falhar não porque a ideia foi ruim, mas porque nunca foi traduzida em um plano. A fotografia artística parece espontânea, mas por trás de cada imagem poderosa está uma preparação intencional Hoje, tiramos sua ideia da sua cabeça e damos estrutura a ela. Pesquisar não é copiar. A pesquisa reduz a confusão criativa. A preparação dá liberdade durante a filmagem. Portanto, a pesquisa não limita sua criatividade. Isso o protege. Quando você entende sua direção visual de antemão, você para de adivinhar no dia da filmagem Você já conhece o clima, já sabe o que quer fazer, o movimento, a energia que está perseguindo E isso permite que a experimentação se torne intencional em vez de Colete texturas, cores, referências de iluminação, não apenas referências fotográficas, procure sentimentos, um sentimento que permaneça consistente O Moodboard não se trata de encontrar uma referência perfeita. Trata-se de criar uma atmosfera visual. Você pode colecionar pinturas com cores , emoções, imagens de moda, movimentos de exibição, fotos de filmes com direção de iluminação, texturas abstratas que combinem com seu sentimento Você não está copiando imagens. Você está definindo uma linguagem visual, então reúne todas essas coisas e as coloca no seu quadro de humor. Cada decisão técnica deve responder a uma pergunta. Isso apóia a emoção? Se sua ideia parecer calma, o movimento pode ser lento e fluido. Se sua ideia parecer caótica, arrastar o obturador pode ser agressivo, mais abstrato e imprevisível mais abstrato e imprevisível A técnica segue seu conceito, e não o contrário. Agora, um hábito profissional muito importante é testar antes da filmagem. Faça com que seus testes de luz, seus experimentos de movimento, suas pequenas falhas salvem o resultado final. Portanto, antes do experimento de filmagem real, mova a luz, teste a velocidade do obturador, experimente configurações imperfeitas, coloque as luzes em todos os Esses testes não são como um esforço desperdiçado. Na verdade, são coisas que ajudam você a saber o que você quer e a estabelecer sua ideia ainda mais. Você começa a aprender como a imagem quer existir. A fotografia final não é apenas visual. É uma direção emocional. O ambiente que você cria afeta o movimento, a expressão e a energia. Às vezes, a atmosfera no set se torna parte da própria obra de arte Agora que sabemos o que queremos criar, é hora de construir o mundo onde ele existe. Na próxima aula, projetaremos o cenário, moldaremos a luz e criaremos um espaço onde o movimento e a imaginação possam ganhar vida. Te vejo na próxima aula. 5. Design de ambiente: A maioria das pessoas acha que boas fotografias exigem ótimas localizações. A fotografia financeira ensina algo diferente. Você não espera pelo espaço perfeito. Você constrói um. Hoje estamos transformando um espaço vazio em um ambiente emocional projetado especificamente para nossa ideia. Quando os pintores trabalham, nada parece acidental na tela. Cada cor existe para equilibrar. Cada forma guia o olho. Seu conjunto funciona da mesma maneira. Não estamos decorando. Estamos compondo espaço. Agora pergunte a si mesmo constantemente o que isso acrescenta ao sentimento? Se não acrescentar nada, remova-o. Muitos detalhes matam o movimento. Planos de fundo simples permitem que trilhas de luz respirem. Estamos projetando não apenas o que a câmera vê em um momento, mas para o que ela grava ao longo do tempo. Mas lembre-se desse papel importante, não há regras. Veja, por exemplo, essa foto que tirei da Bentley. É um fundo caótico com um carro de aço. E usei isso a meu favor e usei movimento para mostrar o caos onde a quietude está em sua Adquira agora. Essencialmente, você está decidindo como seu pincel se moverá antes do início da pintura Veja, por exemplo, essa foto que tirei enquanto acampava na Nigéria. Eu brincava com minha luz à noite e apenas pintei com ela. Foi divertido. Agora, aqui estão algumas coisas que ajudam nesta sessão. Você deseja dar zonas de movimento ao objeto e marcar sua posição suavemente, marcar sua posição suavemente pois a segurança e o conforto aumentam o desempenho Seu assunto precisa de liberdade , mas também de direção. Gosto de criar limites invencíveis, áreas onde o movimento parece Agora, aceitar as imperfeições enquanto cria significa que um leve caos cria autenticidade que um leve caos cria autenticidade Os sets finais devem parecer intencionais, mas uma vida. Se tudo parecer muito controlado, a imagem perde energia. Às vezes, uma ruga, uma sombra ou um reflexo inesperado se torna o elemento que torna a moldura real Deixe espaço para descobertas. Você nunca sabe o que pode encontrar. Agora, o mundo está pronto. As luzes são colocadas. O espaço tem intenção. Na próxima aula, tudo se encaixa. Isso é filmagem. Te vejo na próxima aula. 6. Dia da sessão: Olá. Esse é o momento em que tudo muda. Ideias deixam de ser teoria, planejamento deixa de ser preparação. E hoje, paramos de imaginar a imagem e começamos a descobri-la Bem-vindo ao Shoot ting. Antes do início da filmagem, você deve definir a energia e a atmosfera. O que eu geralmente faço é escolher uma música relacionada à minha sessão e permitir que a modelo se familiarize com ela Antes mesmo de pegar a câmera, eu me concentro na energia. A fotografia artística é emocional. Se o espaço parecer tenso, o movimento fica rígido. Se o ambiente parecer seguro e criativo, o assunto começa a ser explorado naturalmente. S. G agora no set, você quer dar direção emocional, não instruções mecânicas. Forneça palavras como fluir, resistir ou liberar. Eu raramente digo mova seu braço aqui ou faça isso ou aquilo. Em vez disso, descrevo sentimentos. Então eu digo que se mova como se estivesse atravessando a água ou mova-se lentamente como se o tempo estivesse pesado e deixe, tipo, a luz te seguir Quando o sujeito compreende emoção, o movimento se torna natural. Então, você está tentando não forçar e direcionar demais, mas quer que eles o obtenham naturalmente. Agora, observe isso. Você precisa revisar suas molduras com frequência, ajustar os movimentos da luz e mudar as coisas de tempos em tempos. Além disso, altere a velocidade do obturador de tempos em tempos e teste outras configurações Os artistas sentem quando a imagem aparece. Meu conselho para você é parar de perseguir depois de tê-lo. Você quer qualidade em vez de quantidade. Então, uma vez que você tem esse, é isso. Geralmente, há um momento durante uma filmagem em que algo clica. O movimento se alinha, a luz se comporta de maneira diferente. A emoção parece real. Você sente isso instantaneamente. E quando isso acontece, você quer diminuir a velocidade. Refine em vez de seguir em frente. Geralmente é aí que fica a imagem final. Criamos centenas de momentos hoje, mas a fotografia não termina quando a filmagem termina. Agora chega o estágio em que a imagem realmente se torna arte. Na próxima aula, entramos na edição, onde moldamos nossa atmosfera, refinamos o movimento e transformamos imagens brutas na expressão final Te vejo na próxima aula. 7. Edição: Olá. Bem-vindo à aula que fala sobre edição. Hoje vamos editar no Adobe ltrm, que pode ser usado no seu PC e no seu telefone Eu uso esse software para editar todas as minhas imagens e adoro a simplicidade de uso e as ferramentas que ele oferece quando se trata de criar. Vamos pegar. Em primeiro lugar, eu importo todas as minhas imagens para o tron e passo para a próxima fase, que é selecionar quais funcionam para o nosso projeto. A vantagem desse software é que você pode selecionar apenas tocando Avançar e clicando de uma a cinco para marcar suas imagens com estrelas e saber qual delas funciona melhor Então, eu só uso de um a cinco. Então, se não for cinco estrelas, não funciona para mim. Sim. Então, vamos fazer isso agora com o processo de seleção, e você verá como eu seleciono e por que seleciono algumas imagens específicas. Então, não estou selecionando isso porque não mostra nada particularmente para mim. Isso não mostra nada para mim. Isso não é tão bom. Isso é bom, então vou colocar cinco. Isso é incrível. Vou colocar cinco. Não, não. Essa multa. Então, agora vamos editar aqueles que gostam de mim. Então, primeiro de tudo, vou verificar todas as minhas predefinições para ver se estou de bom humor Então, as predefinições basicamente me ajudam a editar mais rápido, e eu dedico meu tempo para criar predefinições Algumas das predefinições que eu tenho foram criadas há cerca de nove anos, e eu continuo ajustando e trabalhando nelas nove anos, e eu continuo ajustando e trabalhando ao longo dos anos para se adequar ao meu estilo à medida que ele Eu disponibilizei algumas dessas predefinições em meus produtos, e você pode comprá-las acessando meu link e verificando meus produtos Então, vou usar minha predefinição aqui, e você pode ver o que ela fez Então, basicamente, isso é um negro esmagado, e, hum, sim. Então, estou apenas tentando fazer que o laranja se destaque um pouco mais, trazer de volta o azul ao fundo e adicionar alguns contrastes, mas apenas alguns blocos Então, a próxima coisa que vou fazer é, claro, aumentar a saturação lumina do blues saturação lumina do Então, aparece um pouco mais. E então aqui, vamos me deixar ver o que isso faz. Então, sim, lembre-se do meu papel. Meu papel é esclarecer as palavras. Funciona e depois você descobre mais em seu estilo. Então eu gosto disso, e acho que vou deixar isso aí. Em seguida, quero adicionar um pouco de verde porque isso é específico para mim e para o meu estilo. Então, vou adicionar um pouco de verde lá. A seguir, sim, vou exagerar um pouco, e vamos fazer uma pausa. Então, se você quiser fazer ódio, vá para as curvas de curva, vá para vermelhos e, em seguida, arraste isso Como se estivesse esmagando os brancos. E vemos o que isso faz. Eu só dou, tipo um sim salgado. OK. Então, a próxima coisa que vamos fazer é ir até minha calibração e reduzir os tons do meu blues para cerca de -43, e depois a e depois a Então, sim, eu o uso para ajustar, tipo, meu tom de pele de vez em quando em pessoas negras, como nossa pele e tudo mais, para que ele se destaque. Embora nenhuma cor de pele seja particularmente mostrada nesta imagem, ela apenas faz a laranja se destacar um pouco mais, como você pode ver aqui. Incrível. Agora, vou apenas copiar esses suportes e adicionar calibração a eles aqui Copie esses cetanos e depois colamos e nos divertimos com o resto Então, tudo mantém a mesma consistência. Agora, aqui, podemos ver há algumas luzes atrás da cabeça dele. Eu quero brincar com isso. Vou apenas adicionar uma máscara atrás da cabeça dele aqui e luzes de amplificador apenas neste qv Eu não quero não querer mudar para rústico. Exatamente o que ele é, na verdade , tanto quanto nós gostamos. Eu gosto disso. E então vamos ajustar a exposição novamente. E vamos brincar com as sementes. Ok, isso é gelo, veja o que isso faz. OK. Incrível. Então, eu gosto do que isso está fazendo. Então, essa imagem. Bom. Agora queremos brincar um pouco. Pressione os empurrões um pouco. Sim, acho que isso é bom. Essa. Então, basta colar nossa picada você já pode ver o que está feito. Você pode ajustar e ver como fica quando está completamente azul ou quando algo diferente Como a bota faz com a imagem de hoje e nos dá uma terapia sensorial diferente, então vou usá-la para removê-la tão rápido. Acabei de receber um pouco de phi. Sim. Estou tentando dar, tipo, para manter a composição. A próxima coisa que eu quero fazer é talvez diminuir. Sabe, eu diminuiria, na verdade, nossos destaques, porque assim isso eliminaria todas as outras distrações Eu gosto disso, talvez. Sim, aumentamos nossos brancos porque é só esperar um pouco assim. Está tudo bem. Sim, eu realmente gosto disso. O próximo que eu quero fazer é jogar sob a tinta. Então você pode ver que já estamos obtendo um clima muito legal com isso Embora eu goste, vou me aposentar , só vou me aposentar de volta porque eu gosto disso vou aprimorar o revestimento Agora vou aprimorar o revestimento, basta ajustar algumas coisas só para testar o que estamos fazendo e o que gostamos ainda mais. Eu gosto das sombras, fico com uma bunda bonita Sim, eu gosto desse jeito. Nós apenas brincamos e vemos do que gostamos assim. O próximo é o verde. Acho que para isso, ainda vamos adicionar um pouco de verde, reduzir um pouco a rugosidade Hum, estamos prontos para ir. Essa é essa imagem. Adoro essa imagem. Este agora, este tem um tom mais quente, é por isso que quando o tornamos vermelho, essas coisas continuam aparecendo Então, queremos nos livrar disso. Nós apenas o tornamos caseiro. Nós gostamos disso. Isso é bom. Então, alguns tons de pele aparecem. E então aumentamos nossos destaques e criamos algumas sombras Só deveria ter feito isso. Sim, eu deveria, sem correção. Hum. Aqui está a saturação. Aí está a saturação. Aí está a cera. Cria o contraste. Exposição. Ooh. Eu amo isso. Então é aqui eu também repito isso na experimentação, porque agora eu apenas experimentei e descobri que a exposição sendo escura funciona perfeitamente bem, essa imagem é linda Então, basta recortar isso livrar-se dos detalhes extras e focar no que temos aqui. Isso é incrível. O que eu quero fazer agora é apenas aprimorar o que fizemos, vou pegar meu pincel e pincelar aqui. O ponto de destaque do fragmento de tempo. Eu só vou aumentar em s. Então esse é o último cara. Eu amo muito essa imagem. Um, sol tentando ver o que funciona. Isso é bom, ou isso também é muito bom. Vamos esclarecer. Vamos ver o que eu ganho. Engraçado, na verdade eu gosto muito desse verde porque nunca brinquei com verde antes nas minhas imagens Então, quero dizer, é um pouco conflituoso sobre o que fazer. Ok, então acho que vou usar, vou usar verde. Sim. Vou usar verde. Bom. Bom. Sobre nossas sombras. Abaixe o branco para porque eles estão fazendo os destaques se destacarem e depois reduza os blocos Em seguida, quero brincar com isso, só para ver o que isso nos dá. Eu gosto disso. Brinque com isso também. Eu não gosto disso. Eu só vou voltar. Esse que eu amo já está fazendo. Então, eu vou deixar isso aí em cima. Bom. Esse grão é um pouco verde. Sim. Lá vamos nós. Bem, coloque o prato para ver qualquer coisa. Isso é bom. Eu amo essa imagem. Linda. Perfeito. Então, vamos lá. Temos todas as nossas imagens aqui e como as editamos para parecerem arte e coisas que podemos realmente pendurar na parede. Então, eu amo muito essas imagens. E como você pode ver, acabei de fazer um meu plano de fundo, meu papel de parede. E parece incrível. Mal posso esperar para experimentar o restante e ver como eles também ficam. Sim, então aí está. Você tem essas imagens. Como você pode ver, eles estão lindos, aparência artística. É assim que você faz. É assim que você também faz com que imagens como essa apareçam. E é assim que você cria um portfólio em fotografia artística quando se trata de movimento e desfoque de suas Espero que você tenha se divertido editando comigo, e mal posso esperar para ver você experimentar essas edições sozinho Eu encorajo você a publicar suas edições na guia do projeto. Eu adoraria ver o que você faz e também gostaria de lhe dar um feedback positivo sobre o que você está fazendo e saber até onde você chegou quando se trata de criar com movimento. Portanto, sua tarefa é criar uma ideia, fotografar com movimento, se divertir com ela também e publicá-la como um projeto Eu adoraria ver o que você cria. Te vejo na próxima aula. 8. Conclusão: Neste ponto, você sabe como criar a imagem, mas criar arte e entender a arte são dois fins diferentes. Porque a verdadeira questão não é mais: como eu fiz isso? Torna-se, o que isso diz sobre mim? Quero que você se afaste do pensamento técnico e veja sua imagem como um mundo estranho A primeira reação emocional é a que mais importa. Ao ver as fotos finalizadas, tente esquecer o quão difícil foi criá-las. O espectador não conhece suas configurações e não sabe quantas tentativas você fez. Eles só sentem o que a imagem lhes dá nos primeiros segundos. As imagens parecem mais arte quando há um padrão consistente, que é principalmente resultado de escolhas intencionais trabalhando juntas Você também precisa abrir espaço para interpretação. Uma coisa importante a ser observada ao descobrir sua voz é parar de perseguir amigos Sua voz artística não é algo que você inventa da noite para o dia Aparece muito lentamente. Reveja seu trabalho e observe seus padrões. Você se inclina para a suavidade, o caos, minimalismo, o movimento, pode ser qualquer E essas escolhas repetidas não são acidentes. Eles são pistas. Sua voz já existe. Seu trabalho é apenas perceber e confiar nisso. Agora, ao apresentar seu trabalho como fotógrafo de artes plásticas, você precisa saber que séries importam mais do que imagens individuais, e aqui está o porquê. O motivo é que ele cria cores e ambientes consistentes, cores e ambientes consistentes, que podem ser facilmente associados à arte, à razão e aos roxos A fotografia artística fica mais forte quando as imagens convivem juntas. Veja, por exemplo, essa seleção de grade da minha página. Há roxos na classificação, o que permite que os espectadores se identifiquem com ela Isso transparece e é evidente na forma como os espectadores se sentem quando os veem todos juntos. Uma coleção conta uma história mais profunda do que uma foto sozinha. Você não está mais apenas criando fotos , você está criando experiências. Portanto, lembre-se sempre disso. Quando começamos este curso, falamos sobre transformar movimento em emoção. Você aprendeu a criar ideias, moldar a luz e pintar com Mas o objetivo real não era a pintura em movimento. Estava aprendendo a ver de forma diferente. Ser fotógrafo artístico não significa dominar uma técnica É sobre como você interpreta o mundo. E quando você vê isso claramente, cada foto que você criar a partir de agora carrega um pedaço de você. Se você adora esse curso, não deixe de conferir meus outros cursos sobre fotografia. Obrigado por criar comigo.