Storyboarding para filmes ou animações

1. Aprenda a Storyboard para filme ou animação: Olá. Bem-vindo a este guia completo sobre como aprender a fazer storyboard. Meu nome é Siobhan, eu ensino animação e storyboard e sou uma das melhores professoras aqui no Skillshare. Tenho mais de 15 anos de experiência trabalhando na indústria de animação. [MÚSICA] Esta aula é minha melhor aula de storyboard. [MÚSICA] Eu destilei tudo o que sei e tudo o que aprendi trabalhando na indústria para esta aula. Eu o projetei especificamente para que você possa aprender o conjunto exato de habilidades que um artista profissional de storyboard usa todos os dias. Você não precisa ter nenhum conhecimento prévio de storyboard. Você também nem precisa ser muito habilidoso em desenhar, eu vou te ensinar a desenhar para storyboards. Você nem precisa ter um software sofisticado ou tablets de desenho. Você pode começar com um lápis e um pedaço de papel. Tudo o que você realmente precisa para esta aula é o interesse em cinema e animação e o desejo de contar sua história visualmente. Aqui está o que você aprenderá comigo hoje. Para começar, você aprenderá a desenhar para storyboards, de bonecos a personagens originais. Eu vou te ensinar as dicas e as técnicas para se tornar bom em desenhar. Você aprenderá a desenhar poses dinâmicas e a desenhar em perspectiva. Em seguida, você aprenderá os elementos básicos do filme. Esses são os ângulos da câmera e as fotos que todo diretor usa para fazer filmes ou animações. Em seguida, você aprenderá exatamente como detalhar o roteiro, como miniá-lo e como criar um storyboard profissional e finalizado. Você vai começar a trabalhar em scripts de uma página que eu escrevi especificamente para você, para que você mesmo possa praticar essas etapas. O storyboard é algo que você pode incluir em seu próprio portfólio se quiser mostrá-lo a um estúdio ou a um cliente e conseguir um emprego de storyboard. Finalmente, na última seção desta aula, vou expandir tudo o que ensinei e fornecer uma base adequada em linguagem visual. Esta seção abordará princípios de composição, como a regra dos terços ou simetria. Vou explicar quais são essas regras, por que elas funcionam e quando quebrá-las. Você também aprenderá sobre cenas específicas de narrativa sobre a regra de 180 graus e também sobre ângulos de câmera em movimento e como desenhá-los em um storyboard. Durante esta aula, estou aqui para ajudá-lo ao longo do caminho aconselhar e dar feedback sobre seu trabalho. Você se juntará a milhares de outros animadores, cineastas e artistas visuais que já fizeram esse curso. Muitos deles trabalharam profissionalmente como artistas de storyboard. Acho que você ficará realmente inspirado pelos projetos de aula deles e pelo conteúdo que aprenderá aqui hoje. Mal posso esperar que você comece e comece a criar um storyboard. Encontre-me na próxima aula e eu explicarei como a aula está estruturada e explicarei sobre seu projeto de aula. [MÚSICA] 2. Introdução ao Storyboard: Nesta primeira lição, vamos dar uma olhada em como essa aula está estruturada para que você saiba o que tirar dela. Também explicarei seu projeto de aula. Eu estruturei as aulas desta aula em quatro seções principais. Na primeira seção, você aprenderá tudo sobre como desenhar para storyboards. Isso vai ser muito divertido porque você poderá desenhar personagens masculinos e femininos básicos, aprender a fazer poses dinâmicas para seus personagens e também aprenderá a desenhar em perspectiva. A segunda seção da aula ensinará tudo sobre os aspectos técnicos do storyboard. Coisas como ângulos de câmera e fotos, vou mostrar como funcionam, por que funcionam e quando usá-las. Na próxima seção, você começará a trabalhar em um roteiro real, suas miniaturas desenhadas do início ao fim. Se você acessar a guia de projetos e recursos em seu desktop, poderá baixar o script que deixei para você lá, bem como os modelos nos quais você trabalhará. Na seção final, vou te ensinar tudo sobre a linguagem visual do filme e como isso afeta as histórias que você conta. Eu coloquei esse material em uma seção própria porque acho que é muito importante que você tenha a experiência de trabalhar com um storyboard e incorporá-lo primeiro, para que esses conceitos mais avançados façam muito mais sentido quando você os abordar. Eles lhe darão uma base adequada para fazer filmes daqui para frente. Esse é o esboço completo do conteúdo desta aula. Só para que você saiba como vamos progredir em tudo isso. Você pode usar isso como uma lista de verificação se quiser para seu progresso. Se você tiver alguma dúvida, coloque-a nesta guia de discussão Eu estarei lá para responder a qualquer pergunta que você tenha. Para enviar seu trabalho, novamente, volte para a guia de projetos e recursos e lá você poderá fazer o upload de suas imagens. Você também poderá ver seus colegas trabalharem, ver como eles abordaram a mesma sequência e acho que achará esse lugar realmente inspirador. Definitivamente, dê uma olhada e deixe um comentário sobre seus projetos. Antes de mergulharmos nas aulas, vou apenas dar uma breve descrição ou definição de um storyboard, para que tenhamos uma definição funcional daqui para frente. Um storyboard, como você provavelmente sabe, é uma sequência de imagens que visualiza a ação de um roteiro. Você também pode observar que ele foi feito com o único propósito de se preparar para a produção. Para que o diretor ou o produtor possam ver o fluxo de cenas e fazer grandes escolhas de direção antes que qualquer dinheiro seja gasto, além do seu salário. Outra coisa crucial e muito importante que talvez você não saiba sobre um storyboard é que, uma vez bloqueado e decidido, ele se torna o modelo para toda a produção. O que isso significa é que todos da equipe que estão trabalhando nesse projeto poderão se referir ao seu storyboard como o documento fundamental. Eles poderão ver o que vai acontecer em cada cena simplesmente olhando seu storyboard. A última coisa a saber sobre storyboards que você talvez não conheça é que nem todos os storyboards são feitos da mesma maneira. Por exemplo, um storyboard de ação ao vivo é muito diferente de um quadro de animação. Nos storyboards de ação ao vivo, há muito mais ênfase em bloquear as fotos que serão usadas ou bloquear os movimentos da câmera ou grandes sequências de ação. Já em um storyboard de animação, a ênfase é muito colocada na atuação em qualquer cena. Nesse sentido, tudo é planejado. Nesta aula, você aprenderá uma ampla visão geral do storyboard que se adequa tanto à ação ao vivo quanto à animação. Vou me inclinar um pouco mais para o lado da animação , porque essa é a abordagem mais inclusiva do storyboard e, portanto, será aplicável a projetos de ação ao vivo nos quais você talvez queira trabalhar. seguir, no próximo vídeo, vou explicar o que você precisa para começar com o storyboard e o que você precisa especificamente para esta aula. Quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. 3. O que você precisa para Storyboard: [MÚSICA] Nesta lição, vou abordar o que você precisa para fazer storyboard e o que você precisa para começar comigo hoje. Agora, como eu disse antes, você não precisa de nenhum software sofisticado ou tablets de desenho, você pode usar um lápis e um pedaço de papel. Isso é tudo que você precisa para anotar suas ideias ou suas miniaturas. Mas eu só queria ressaltar agora que, se lápis e papel são tudo o que você tem acesso hoje, tudo bem nesta aula. O próximo nível seria digitalizar esses desenhos em um computador para que você os tenha em um arquivo digital que você possa enviar por e-mail em formato PDF para um cliente ou estúdio. Você também pode digitalizar suas imagens desenhadas à mão e trabalhar com elas em um software de desenho digital como o Photoshop. Mas se você tiver acesso às ferramentas de desenho digital, poderá começar a desenhar no Photoshop. Photoshop não é o único software de desenho que existe. Você pode usar o Procreate no iPad, você pode usar o Krita, e também há um aplicativo de desenho que eu realmente gosto chamado Sketchbook Pro. Existe até um pacote de software chamado Storyboard Pro. Isso é voltado especificamente storyboard profissional e tem tudo o que você precisa em um programa. Você pode acompanhar facilmente a numeração de seus painéis e o sequenciamento. Tudo isso é totalmente automatizado. É uma maneira muito boa de trabalhar, mas pode ser um pouco complexa para um iniciante. Se você quiser me acompanhar em algo como o Photoshop , tudo bem. Agora, se você estiver trabalhando digitalmente, a outra coisa que você precisa é de um tablet de desenho. Eu pessoalmente uso um Wacom Intuos Pro. Então, minha configuração é muito simples. Não é um tablet grande, de jeito nenhum. Não é tão antigo nem nada. É apenas uma mídia Intuos Pro muito boa com uma caneta. Agora, se você não quiser usar a Wacom, existem opções mais baratas que você pode procurar, mas eu definitivamente recomendo que, se você gosta de desenhar para storyboards ou arte digital , definitivamente invista em um tablet de desenho. Vou fazer todas as minhas demonstrações no Photoshop porque é a forma mais fácil de desenhar painel por painel, e o que eu normalmente uso é um modelo de storyboard. Deixei alguns modelos para você usar, incluindo um modelo de miniatura e um modelo final de storyboard. Se você acessar a guia Projetos e Recursos, você os encontrará lá. Isso é tudo que você realmente precisa para começar. Espero que você esteja configurado e pronto para começar. Então me encontre na próxima lição e eu vou compartilhar com vocês minhas sete principais dicas para desenhar para storyboards. 4. 3: Antes de mergulharmos no mundo do storyboard, aqui estão minhas sete principais dicas sobre como desenhar quando se trata de animação em geral e storyboard em particular. Essas dicas ajudarão você a simplificar seus desenhos e a fazer esboços abreviados muito rápidos para personagens e cenas. Minha primeira dica é sempre me aquecer. Quando você se senta para começar a desenhar. Apenas alguns minutos de aquecimento ajudarão você a relaxar e a se sentir confiante desenhando muito rapidamente. Com o tempo, esses exercícios de desenho realmente melhorarão a qualidade da sua linha. No storyboard, a ideia geral é que você precisa ser capaz de desenhar suas ideias muito rapidamente. Basta dedicar alguns minutos para desenhar alguns círculos soltos ou linhas retas, mas continue e tente preencher uma página inteira com círculos ou uma página inteira com linhas. Minha segunda dica é desenhar um rascunho. Agora, essa é outra que não é imediatamente o que você imagina quando se trata de melhorar seu desenho. Mas eu sempre encorajo as pessoas a tentarem manter seus desenhos ou miniaturas iniciais o mais aproximados possível. Obviamente, isso ajudará você a desenhar de forma muito solta e rápida, mas garantirá que você não fique atolado nos detalhes e se perca. Desenhos ásperos têm uma energia dinâmica, e é isso que você quer em seu storyboard. Também gosto dessa dica porque muitas pessoas acham que não sabem desenhar. Na verdade, seus desenhos aproximados são um ótimo ponto de partida e uma ótima maneira de colocar suas ideias no papel e provar que você pode desenhar o que você imagina. Minha terceira dica é quando você estiver desenhando seus storyboards ou desbastando algumas miniaturas, use uma grade simples em seus painéis. Agora, explicarei em perspectiva com muito mais detalhes mais tarde na aula. Mas lembre-se de que, simplesmente adicionando uma linha do horizonte e algumas linhas de grade, ele pode fornecer instantaneamente a composição e o contexto da grade aos seus desenhos . Tem a vantagem adicional de ajudá-lo a praticar o desenho em perspectiva. É muito bom se acostumar a desenhar com uma grade. Minha quarta dica é manter seu rosto simples. Mesmo se você estiver trabalhando com folhas de modelo detalhadas para personagens, ao desbastar seus storyboards e miniaturas, você pode desenhar cabeças usando apenas uma forma circular ou oval simples. Você pode indicar a direção da cabeça usando essa linha cruzada no meio. Uma linha horizontal para a linha dos olhos e uma linha vertical para o nariz. Quando você coloca o pincel no meio do oval ou do círculo, ele indica instantaneamente para que lado a cabeça está girando. É muito eficaz e ajuda você a bloquear rapidamente seu personagem sem precisar entrar nos detalhes das características do rosto. Minha quinta dica é sobre olhos. Os olhos são a característica mais expressiva de qualquer personagem. Especialmente se você estiver tentando atrair emoções dinâmicas em seus personagens , concentre-se realmente nos olhos. Para essa dica, eu encorajaria você a praticar o desenho dos olhos o máximo que puder. Agora, você não precisa ter olhos detalhados e realistas. Mas eu só queria te mostrar que isso é o realismo normal quando se trata de simplesmente desenhar olhos. Mas para personagens estilizados ou de desenho animado, você quer ser capaz de levar o pincel ao extremo. Digamos que você esteja desenhando olhos surpresos. Você realmente defenderia a ideia do círculo oval ou redondo para os olhos. O que eu faria talvez fosse manter as pupilas dos olhos bem pequenas e no centro para que realmente pareça o personagem tem olhos arregalados. Para algo como olhos assustados, você pode ter as pálpebras inclinadas para cima assim e as sobrancelhas também. Para olhos raivosos, eu inclinaria as sobrancelhas para baixo e realmente empurraria esse formato de olho para que parecesse que há muita raiva por trás desses olhos. Outra abreviação para algo como um rosto alegre ou olhos sorridentes é indicar as bochechas se empurrando para cima dessa forma. Você pode ser muito criativo, este é um ótimo exercício para ver quantas emoções diferentes você pode desenhar apenas desenhando os olhos. Da mesma forma, outra dica é se concentrar em praticar formatos de boca. Agora, na animação, especialmente para diálogos, há um certo conjunto de convenções que são usadas, abreviação para formatos de boca para letras diferentes. Se você pesquisar no Google formas de boca ou gráficos de boca, poderá encontrar facilmente diferentes formas de bocas, e eu também praticaria desenhá-las. Então minha última dica é praticar o desenho à mão. Para personagens, especialmente em storyboards, as mãos serão outro grande expressor de emoção. Muitas pessoas deixam de desenhar à mão. Eles são um pouco complicados e exigentes, mas você pode realmente simplificá-los e isso torna tudo muito mais fácil. Apenas passe algum tempo praticando isso. Faça com que as mãos de desenho façam parte de seus exercícios de desenho. Uma boa dica profissional é garantir que você não tenha todos os dedos a mesma aparência. Tente variar um pouco a posição dos dedos se estiver praticando as mãos. Isso simplesmente dá muita vida e muita personalidade às mãos. Essas são minhas principais dicas para praticar desenho, animação e storyboard. Eu encorajaria você a dedicar algum tempo agora e praticar alguns desses que eu já passei Eu adoraria ver seus desenhos. Se você quiser compartilhá-los comigo, publique-os na seção do projeto ou deixe um comentário na guia de discussão. 5. Como desenhar personagens para Storyboards: [MÚSICA] Nesta lição, darei algumas dicas sobre como desenhar personagens masculinos e femininos básicos, além de mostrar como desenhar figuras estilizadas. Na maior parte do storyboard, só se espera que você desenhe o que eu chamaria de desenho de uma figura, não necessariamente de uma pessoa real como tal. Por esse motivo, você pode confiar em alguns guias e modelos realmente úteis para desenhar figuras. A convenção ou modelo mais comum para desenhar personagens é dividir a proporção em oito comprimentos de cabeça. Você usa a cabeça como uma unidade básica de comprimento. O que isso significa se você copiar cada um deles, terá mais ou menos proporções para toda a altura de uma figura em pé. É muito útil trabalhar com isso. Agora, ele permite que você divida a figura em pé desta forma. Você tem uma altura de cabeça, obviamente, para a cabeça, você pode ter dois comprimentos de cabeça para a parte superior do corpo, um comprimento para a pelve, dois para a parte superior da perna e dois para a parte inferior da perna. Agora que você o dividiu nessas seções, é muito mais fácil desenhar uma figura e você pode começar a desenhar cada seção. Agora, essa não é de forma alguma uma regra rígida e rápida; na verdade, nem é muito útil se você precisar desenhar um personagem em uma pose diferente. Mas, como ponto de partida, é uma maneira muito boa de aprender a proporção e a estrutura de uma figura humana genérica dessa maneira. Se você praticar isso, eventualmente poderá desenhar de forma proporcional intuitiva. Como você pode ver, eu desenhei uma espécie de esqueleto agora. Eu desenhei a parte superior do corpo como uma forma simples para indicar uma caixa torácica e desenhei a pelve em uma forma de blocos muito simplificada. Tenho certeza de que os cotovelos estão posicionados no ponto médio da parte superior do corpo. De um modo geral, o comprimento do braço desce até algo como o terço superior das pernas. Sem entrar em detalhes, você pode realmente trabalhar com esse manequim muito simplificado e criar um personagem em cima dele. Você poderia adicionar músculos e formas a essa figura, mas acho que vou seguir em frente e desenhar um personagem e uma roupa. Faça isso em vermelho na camada acima. Como você pode ver, estou simplesmente seguindo as formas que descrevi de forma muito simples. Não há necessidade de complicar demais neste estágio. Não estou tentando desenhar uma figura hiper-realista. [Risos] Isso é estilizado, é muito simplificado, e é isso que queremos. Vou apenas indicar, muito provavelmente, algumas características do rosto. Agora, se eu desligar meu esqueleto ou manequim que está embaixo, você pode ver que é um esboço ou design muito bem-sucedido para um personagem masculino básico. Agora você definitivamente poderia adicionar mais detalhes aqui, mas a ideia é apenas mostrar um método ou um modelo para criar um personagem básico. Se você quiser desenhar personagens ainda mais estilizados, dinâmicos e de desenho animado , a maneira como eu faria isso é emparelhar ainda mais as coisas, torná-las mais simplificadas e estilizadas. Pense em toda a parte superior do corpo como um bloco. Siga a borda externa desse bloco para baixo para ver as pernas com um formato simples para os pés e abaixe uma linha como esta para o braço. Agora, como isso é hipersimplificado, significa que você pode realmente exagerar nas poses. Você pode exagerar esse personagem. Experimente colocar esse personagem em formas diferentes e veja se você consegue inventar poses que talvez não fosse capaz de imaginar se tivesse desenhado um personagem mais realista ou totalmente desenvolvido como o primeiro. É muito mais fácil colocar personagens em poses porque você está trabalhando com essas formas simples. Realmente, é apenas um quarteirão e algumas linhas para as pernas e os braços. Agora vamos analisar o mesmo processo com o mesmo método para desenhar uma personagem feminina. Você pode seguir exatamente o mesmo modelo de antes com proporções de oito cabeças para todo o comprimento do corpo. As divisões separadas são exatamente as mesmas. Tudo o que você precisa fazer é garantir que os quadris e peito estejam mais largos e a cintura mais fina. O resto é o mesmo. Os braços e as pernas têm as mesmas proporções de antes. Assim como antes, farei um desenho em cima desse manequim básico. Seguindo essa estrutura, acho as roupas muito fáceis de desenhar porque elas realmente cobrem as formas dos músculos. Isso torna tudo um pouco mais simplificado. Isso parece bom, isso parece ótimo. A partir daqui, vamos extrapolar novamente e desenhar algumas personagens femininas hiperestilizadas. Do jeito que eu faço isso, em vez de usar uma forma em blocos para o corpo, você pode trabalhar com a ideia de uma parte superior do corpo mais triangular para dar aquela forma de ampulheta para a figura feminina. Depois de se sentir confortável com essas formas simplificadas, você pode colocá-las em algumas poses fortes novamente. Na próxima lição, mostrarei como realmente aprimorar suas poses e darei algumas dicas muito boas sobre exatamente como criar ações dinâmicas de personagens. Mas, por enquanto, reserve um momento para praticar o desenho uma ou duas páginas de caracteres nessas formas simples em blocos. Então, quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. [MÚSICA] 6. Como usar a linha de ação: [MÚSICA] Até agora, nesta aula, tenho enfatizado o desenho bruto e parte desse motivo é que você escreva seus desenhos e ideias o mais rápido possível. A outra razão é que quanto mais gestual for seu estilo de desenho, mais expressivo ele será. Simplificando, desenhos ásperos e soltos podem levar a um desenho de gestos dinâmico muito poderoso. Ter um desenho expressivo é realmente seu objetivo final quando você desenha personagens especialmente para animação. Em seus storyboards, você quer ser capaz de demonstrar seus personagens como poses dinâmicas expressivas para que a atuação apareça em cada painel do seu quadro. Nesta lição, mostrarei exatamente como você pode obter poses dinâmicas fortes de seus personagens de uma forma muito simples, mas muito eficaz. Essa maneira muito simples é desenhar poses usando uma linha de ação. Uma linha de ação é basicamente uma linha que vai da cabeça do personagem até os dedos dos pés ou vice-versa, dos dedos dos pés até a cabeça. É uma linha que descreve a direção da pose. Não é necessariamente uma linha que você verá no desenho final, mas é o ponto de partida básico ou a base de qualquer pose. Ele informa imediatamente se o personagem está inclinado de uma forma ou de outra. Mostra o gesto da pose que ele está fazendo e descreve basicamente toda a pose em apenas uma linha. Então, o melhor exercício é desenhar uma linha exatamente como eu estou fazendo e, além disso, começar a construir sua pose depois adicionando a cabeça e os membros. Em animação, a convenção padrão é que uma linha de ação através da figura humana será uma curva S ou uma curva C. Então, essas duas poses aqui são linhas da curva S. Mas você também pode posicionar seu personagem com uma curva C para mostrar seu personagem se curvando. A ideia é que a linha de ação passe pelo meio do corpo. Então, muitas vezes você pode ter que adicionar os braços ou até mesmo as pernas em direções totalmente diferentes , mas tudo bem, desde que você possa identificar por si mesmo a linha de ação principal ou principal por meio da pose. Como tudo o que venho dizendo até agora, quanto mais você praticar isso, melhor você ficará. Isso realmente ajuda você a criar poses divertidas e interessantes. Eu queria mostrar como você pode usar essa ideia para fazer uma pose que você já desenhou. Se você desenhou seu personagem e ele simplesmente não parece forte o suficiente, essa é uma maneira segura de melhorá-lo. Digamos que você tenha um ou dois personagens e um esteja dando um soco no outro e você tenha desenhado sua ação e ela tenha essa aparência e pareça muito chata e chata. Bem, isso é porque esses dois personagens têm uma linha de ação realmente estática passando por eles. Em cada um deles, a linha de ação é reta para cima e para baixo. Não está se movendo. O que você pode fazer é desenhar uma linha realmente dinâmica como essa para exagerar a pose ou levá-la ao extremo. Agora você tem uma ação muito mais forte e pode realmente sentir a força desse soco neste desenho simples. Não tenha medo de forçar a linha de ação mesmo que ache que é muito extrema ou muito distante, porque é provável que você realmente tenha atingido o alvo ao posar de seu personagem. Exagere suas poses o máximo que puder e você acabará desenhando poses dinâmicas muito fortes. 7. Como desenhar em perspectiva: [MÚSICA] Nesta lição, vou mostrar como você pode garantir que seus desenhos estejam sempre corretos em perspectiva. Depois de saber como trabalhar com uma grade de perspectiva, você nunca mais desenhará uma perspectiva incorreta. É muito útil para ajudar você a compor fotos interessantes e detalhadas. O conceito básico de perspectiva é que a linha do horizonte que você sempre desenha em sua composição é, na verdade, a linha do olho da câmera. O que quero dizer com isso é dizer, por exemplo, você configura uma câmera aqui e está capturando uma cena que tem duas árvores nela, então é assim que você veria essa cena na vista em perspectiva. Uma árvore está mais à frente. É maior porque está perto da câmera e a outra está um pouco mais distante. Neste exemplo, é basicamente a linha do horizonte ou a linha do olho da câmera que está no meio do quadro. Mas você também pode ter a câmera em diferentes alturas. Se eu simplesmente copiar essa cena e arrastá-la para baixo, vou te mostrar exatamente o que quero dizer. Digamos que temos a câmera que está aqui inclinada para baixo e está olhando para a cena de cima, quase como uma visão panorâmica. Nesta foto, você está olhando para as árvores e seu desenho em perspectiva ficaria um pouco assim. Essa árvore, as folhas e a folhagem seriam muito maiores e o tronco da árvore se afunilaria em direção ao solo. Obviamente, se tivermos a mesma configuração, mas com um ângulo muito baixo, o que está acontecendo aqui é que a câmera está baixa. Vamos chamar isso de visão de verme. É olhar para a cena e a foto então ficaria mais ou menos assim. Uma linha de horizonte alta significa que a câmera está em um ângulo alto olhando para a cena. Uma linha baixa do horizonte indica que a câmera está baixa olhando para a cena. Esses desenhos são muito simplificados, mas servem apenas para demonstrar ou dar uma ideia de como você pode alterar a linha do horizonte em qualquer desenho ou painel simplesmente alterando o ângulo da câmera. Isso se torna muito útil mais tarde, quando você está tentando usar ângulos de câmera e fotos para sublinhar a narrativa, mas falarei sobre isso um pouco mais quando eu começar a compor e contar histórias. Esse é o conceito geral de como você posiciona sua câmera em termos de perspectiva. Mas agora vamos ver exatamente como desenhar coisas e objetos em perspectiva. A melhor maneira de melhorar seu desenho em perspectiva é praticar o desenho de cubos e caixas. Devo avisá-lo com antecedência, isso pode ser um pouco chato ou entediante, mas é realmente a maneira mais rápida de melhorar. Eventualmente, como sempre, se você praticar esse exercício de desenho, ele se tornará natural e você poderá desenhar coisas em sua cena de forma intuitiva e instintiva em uma perspectiva perfeita. Vamos analisar primeiro a perspectiva de um ponto. Vou começar com uma grade muito simples para demonstrar como praticar o desenho dessas caixas e cubos. Vou desenhar uma linha reta no meio da minha moldura assim. Essa é a linha do horizonte. No meio, vou colocar pontos aqui para indicar onde estará o ponto de fuga. Agora, a partir daqui, vou desenhar linhas radiantes, linhas diagonais saindo desse ponto. Para criar uma linha reta no Photoshop, se for diagonal, o que você quer fazer é garantir que está usando o pincel certo. Vou clicar com o botão direito do mouse no meu Canvas para abrir o painel de pincéis. O que eu quero escolher é o pincel redondo duro, porque se eu usasse o pincel cônico, a linha não seria lida como uma linha singular, a linha não seria lida como uma linha singular, ela diminuiria. O que eu quero te mostrar é como desenhar uma linha reta muito inoperante. Certifique-se de escolher esse pincel redondo e torná-lo bem pequeno, talvez cinco ou oito pixels ou algo parecido. Em seguida, para fazer uma linha reta, toque em um ponto, mantenha pressionada a tecla Shift no teclado e toque no ponto final. Isso lhe dará uma linda linha diagonal reta como esta. Eu desenhei todas as minhas linhas radiantes, agora vou desenhar linhas paralelas à linha do horizonte. Para isso, basta manter pressionada a tecla Shift e simplesmente desenhar em linha reta. Essa é minha grade, então vou reduzir a opacidade dessa grade, criar uma nova camada na parte superior e escolher outra cor. Agora vou seguir as linhas da grade e começar a desenhar cubos, caixas. Se eu seguir a grade da melhor maneira possível, as caixas estarão em uma perspectiva de um ponto. A ideia é praticar isso tanto quanto você puder desenhar o máximo de caixas e cubos. Não se preocupe muito. Você não precisa ser completamente rígido em seguir a grade. Desde que você se acostume e se sinta confortável em seguir uma linha de perspectiva geral em seu desenho, esse é o objetivo deste exercício. Tentando preencher uma página inteira com caixas e cubos. Agora, você pode ter uma perspectiva de um ponto de vista que está em [RISOS] alturas diferentes, como expliquei no exemplo anterior. Isso é bem fácil. Você pode simplesmente desenhar uma linha do horizonte. Digamos que até o topo. Vamos colocar nosso ponto de fuga para o lado para que fique um pouco fora do centro. Em seguida, siga o mesmo procedimento novamente para criar a grade com linhas diagonais irradiando de um ponto. Lembre-se de que essa é uma perspectiva de um ponto. Então, se eu diminuir a opacidade, posso desenhar cubos em cima disso. Você notará que está recebendo caixas de formatos ligeiramente diferentes, mas essa ainda é uma perspectiva de um ponto. Então, para um ângulo baixo, vamos desenhar uma linha do horizonte bem baixa com nosso ponto de fuga voltado para a esquerda desta vez. Junte-se à nossa rede. Reduza a opacidade da grade e crie algumas caixas. Às vezes, eu não sigo exatamente as linhas e, na verdade, acho que essa também é uma prática muito boa, então você se sente confortável para desenhar com o Azure Grid. Mas você sempre pode colocar essa grade em seus desenhos e excluí-la depois de desbastar sua composição. Mas, definitivamente, certifique-se de que isso faça parte de seus exercícios regulares de desenho. A última coisa que quero mostrar nesta lição é a perspectiva de dois pontos. Vou começar com outro Canvas em branco. O que eu quero salientar sobre perspectiva de dois pontos é que obviamente, como o nome indica, você tem dois pontos de fuga em uma linha do horizonte. Mas é importante notar que você quase sempre precisa ter seus pontos de fuga fora da moldura da foto. O motivo é que, se você tiver os dois pontos de fuga dentro da moldura, seu desenho ficará muito comprimido e parecerá um pouco distorcido. Se você estiver configurando uma cena ou se quiser desenhar um plano de fundo ou algo parecido, eu apenas cortaria a tela mais larga e colocaria seus pontos de fuga um pouco fora da moldura. De um ponto de fuga, vou fazer linhas radiantes mais uma vez. Depois, a partir da outra, farei as mesmas linhas mas em uma cor diferente, para que você possa ver o que está acontecendo. Uma vez que eu tenha tudo isso completo, essa é a grade porque eles se cruzam, eles formam a grade. Você não precisa desenhar linhas paralelas à linha do horizonte em perspectiva de dois pontos. Agora deixe-me desenhar um cubo só para mostrar como ele funciona. Novamente, estou apenas seguindo as linhas da grade e combinando minhas verticais com as diagonais conforme elas vêm de cada lado. Mas você notará que todas as diagonais à esquerda viajam em direção ao ponto de fuga esquerdo. As diagonais no lado direito do cubo descem em direção ao lado direito do ponto de fuga. Se eu apenas colorir esse lado esquerdo da caixa, ele vai para o lado esquerdo e o lado rosa da caixa vai para o lado direito. Novamente, use isso como uma broca de aquecimento ou desenho. Desenhe o máximo de caixas que puder. Prometo que, se você fizer isso por algumas semanas como prática regular de desenho, verá grandes melhorias em seu desenho em geral. Bem feito. [RISOS] Provavelmente passamos por uma das partes mais técnicas e desafiadoras de aprender a desenhar, que é a perspectiva. Eu lhe dei apenas uma visão geral simples ou básica, mas, na verdade, isso é tudo que você precisa. Muitas pessoas perguntam sobre desenhar dinâmicos em perspectiva de três pontos ou gráficos extremos. O que eu diria a você é tente dominar uma perspectiva simples de um ponto ou um desenho de dois pontos antes de abordar coisas como uma visão negativa extrema ou uma perspectiva complexa de três ou quatro pontos Você realmente precisa se sentir muito confortável e confiante desenhando primeiro em uma perspectiva de um ou dois pontos. Se você conseguir chegar a esse estágio , na verdade não precisará aprender a fazer três pontos, porque será instintivo e natural. Isso realmente estabelece a base e a base para ser capaz de desenhar uma perspectiva complexa. Eu encorajo você a fazer disso parte de sua prática sempre que puder. 8. Painéis, fotos, cenas e sequências: [MÚSICA] Nesta lição, vou detalhar um pouco mais a terminologia de tomadas, cenas, sequências e painéis, porque isso pode ficar um pouco confuso. Quero explicar esses termos no contexto das principais diferenças entre ação ao vivo e storyboards de animação. Estou ciente de que isso pode estar ficando um pouco técnico muito cedo. Na verdade, nesta aula, quero focar e enfatizar que você se sente mais confortável com o desenho antes se envolver em aspectos técnicos. Mas é bom falar sobre essas coisas no início para que não haja confusão e para que você esteja pelo menos ciente das principais diferenças. Quando se trata de falar sobre cenas e cenas em modelos de storyboard, você precisa saber que há uma grande diferença entre quadros de ação ao vivo e quadros de animação. Se você está trabalhando em ação ao vivo e com isso quero dizer um longa-metragem ou um curta-metragem com atores, não uma produção de animação, então você está lidando com cenas e cenas. Uma cena é onde a ação ocorrerá durante um período específico de tempo e em um local específico. Quando você vai para outro local, essa é uma cena nova. Dentro dessa cena, você terá todas as suas diferentes cenas que descrevem a ação que ocorre nessa cena. Se dermos uma olhada nessa cena, tudo isso é uma cena, mas cada um desses painéis representa uma foto diferente ou um ângulo de câmera diferente. Em filmes de ação ao vivo, eles seriam chamados de cenas dentro da cena. Agora vamos dar uma olhada rápida em um storyboard de animação. Este é um que eu vou usar para esta aula e você vai me ver trabalhando nisso um pouco mais tarde. Mas, essencialmente, na animação, você tem uma sequência que é composta de cenas. Na animação, os termos são usados de forma um pouco diferente. Em vez de ter uma cena feita de cenas, você tem uma sequência que é feita de cenas. Como animadores, gostamos de usar a palavra cena para significar um ângulo de câmera, uma foto ou uma configuração. Mas, por exemplo, essa sequência aqui, é aqui que o personagem sai do buraco no chão que ele estava cavando. Ele sai, está muito zangado. Bem, isso é composto por duas cenas separadas. Essa cena tem dois painéis, mostrando-o parado ao lado do buraco no chão e coçando a cabeça, ficando muito bravo. Em seguida, você vai para uma cena diferente, que é essencialmente um ângulo de câmera diferente. É um close-up e essa é uma cena nova porque é um ângulo totalmente diferente ou novo. Resumindo, um painel contém seu desenho, esse é o seu painel de storyboard. Na animação, uma cena se refere ao ângulo da câmera ou ao tipo de foto, e uma sequência se refere à duração do tempo ou ao local em que a ação está ocorrendo. Em um filme de ação ao vivo, uma cena se refere ao ângulo da câmera e a cena se refere à localização ou à duração do tempo. 9. 9: Fotografias e ângulos de câmera são a linguagem do filme e, como artista de storyboard, são seus alicerces. Você decide exatamente como o filme será vivenciado. Cada painel que você desenha descreve essencialmente o ângulo da câmera. Nesta lição, vou familiarizá-lo com todos os principais ângulos de câmera que você encontrará. Você provavelmente já conhece a maioria deles , se estiver interessado em filmes, então será algo que deveria ser natural para você. Os ângulos da câmera geralmente são descritos como sendo o nível dos olhos, ângulo alto, ângulo baixo ou o que é chamado de ângulo holandês, que basicamente significa que a câmera está inclinada. Uma foto de câmera se refere ao tamanho da visão da câmera. Agora, os seis tiros mais comuns são o tiro inicial, o tiro largo, o tiro longo, o médio, o close-up e o extremo close-up. Não há muitas outras fotos além dessas e quaisquer outras que você encontre geralmente são apenas uma variação de uma delas. Alguns outros termos que você pode encontrar são duas fotos ou por cima do ombro, mas descrevem onde os personagens estão, não se referem necessariamente ao tamanho da câmera em si. Essas seis cenas representam as principais cenas da narrativa em toda a linguagem cinematográfica. Vou dar uma olhada em cada um. A cena decisiva é o que diz, ela estabelece a cena. É um ângulo muito amplo. Geralmente mostra ao público onde a ação está acontecendo e é frequentemente usada como uma introdução à história, então é uma cena que você pode ver no início de um filme ou mesmo no início de uma nova sequência se a ação for repentinamente em um novo local. Depois de estabelecer a foto, você pode usar a foto ampla. Essa não é tão abrangente ou tão profunda quanto a foto inicial, mas ainda é muito ampla para nos dar uma boa impressão da localização, e é uma foto que você pode recortar e usar se tiver feito uma série de close-ups ou fotos médias e quiser reorientar o espectador novamente, lembrando-o de onde a ação está ocorrendo. Sem precisar ir para uma foto muito ampla e estabelecida, você pode simplesmente cortar para uma foto ampla. Agora, nas próximas quatro cenas, você pode pensar que elas realmente mais orientadas para personagem do que a anterior ou a foto ampla. Você pode considerar esses dois como aplicáveis à paisagem ou ao meio ambiente e os próximos quatro como aplicáveis a um personagem. Essa não é uma regra rígida, você certamente pode ter uma visão aproximada extrema de um objeto, por exemplo, mas é uma boa maneira lembrar a ordem dessas fotos. Depois da largada, você tem o tiro no escuro. É chamado de tiro no escuro porque se houver um personagem nele, você verá a cabeça e os pés desse personagem. Então você verá toda a extensão do personagem. Isso é usado sempre que você quiser mostrar personagens se movendo. É muito útil para isso porque fornece um pouco de contexto, mas ainda nos mostra o personagem com muita clareza. Depois do tiro no escuro está o tiro médio, e é aqui que você começa a se aproximar um pouco mais do personagem. É da cintura até a cabeça. Essa foto geralmente é usada quando você quer mostrar o personagem usando suas mãos. Portanto, é uma boa chance de usar porque ainda está perto o suficiente para que possamos ver qualquer emoção ou ação no rosto do personagem, mas está mais longe o suficiente para que o personagem possa usar as mãos e pegar coisas, se necessário, ou coisas do tipo. Depois da foto média, você tem o close-up. O close-up é provavelmente uma das cenas mais importantes de todo o filme, porque é a única cena que você pode usar que realmente se concentrará no personagem e ajudará na identificação do público, sobre a qual falarei um pouco mais tarde neste curso. Mas, por enquanto, pense no close-up como sendo simplesmente a cabeça e os ombros de um personagem e é a foto que você escolherá quando o personagem estiver falando ou se quiser mostrar emoção no rosto do personagem. Depois do close-up, você tem o close-up extremo, que, como indica, geralmente se concentra em apenas uma área, como os olhos ou as características do rosto. Mas, como eu disse anteriormente, você pode ter um close-up extremo da mão de alguém ou de um objeto, algo que você realmente queira mostrar para seu público. O close-up extremo, lembre-se de que pode ser um pouco claustrofóbico e um pouco intenso. Geralmente é usado para realmente aumentar a atenção e o drama de qualquer cena. Mais tarde nesta aula, falarei um pouco mais a fundo sobre coisas como a identificação do público. Você também aprenderá tudo sobre outras combinações de fotos, como a foto por cima do ombro ou a foto do ponto de vista. Mas, por enquanto, conheça essas seis fotos principais e, claro os ângulos principais da câmera e você rapidamente começará a vê-las e reconhecê-las nos filmes e filmes que assiste. Você começará a escolhê-los. Você poderá ver como eles são usados em qualquer cena. É muito interessante tentar identificar esses tipos de fotos quando você está assistindo a um filme ou programa. 10. O processo de Storyboard Explicou: Nesta lição, a última lição antes de começarmos a criar um storyboard de verdade, quero explicar rapidamente onde o storyboard se encaixa no processo geral de produção. Isso é essencial para você entender porque, de forma muito simples, seu trabalho é usado literalmente por todos na equipe de produção depois de terminar o storyboard. Você precisa ter certeza de que seu trabalho, uma vez concluído, possa ser retomado por outra pessoa e entendido com clareza. Vou tentar explicar todo o pipeline fazendo um roteiro. [Risos] O primeiro passo é que sempre haja um roteiro. Se não houver um roteiro, há pelo menos uma ideia ou um conceito. Mas de qualquer forma, você começará toda a produção com uma ideia em formato escrito. Seu trabalho como artista de storyboard é desenhar a ação do roteiro ou do conceito. O que você vai fazer é sentar, fazer uma miniatura, desenhar os painéis sob a direção do diretor ou do produtor. Mas, em última análise, é o seu trabalho que determinará a aparência do filme. Nesse ponto, talvez você precise fazer algumas revisões, algumas idas e vindas entre você e o produtor ou o diretor para realmente esclarecer a aparência e esclarecer todas as cenas. Mas uma vez que o trabalho é concluído, uma vez que o storyboard é bloqueado, ele é dividido painéis individuais e colocado em um software de edição, onde é combinado com uma gravação do diálogo do filme. Isso é feito para criar o que é chamado de animado. Agora, uma animação é uma versão cinematográfica do storyboard que você acabou de desenhar, que cada painel é editado em uma sequência em movimento. Muitas vezes, se você trabalha software profissional como o Storyboard Pro , uma animação é algo que você pode fazer diretamente do aplicativo. Muitas vezes, espera-se que você produza uma animação e um storyboard. No entanto, é muito importante observar que a razão pela qual existe uma animação é porque é aqui que o diretor calcula o tempo cada cena, especialmente na animação. Isso realmente não é necessariamente seu trabalho. O diretor é quem toma essas decisões de direção nesta fase enquanto assiste à animação. Agora, a razão pela qual o momento é tão crítico é porque na animação, uma vez que as coisas atingem o tempo limite, essas cenas são enviadas para os animadores. Os animadores começam a trabalhar neles. Você realmente não pode voltar atrás e mudar as coisas ou tornar uma cena mais longa, porque quando você faz isso, isso mudaria o tempo em todas as outras cenas. Em uma produção de animação, a animação bloqueada é a versão final e final do storyboard. Mas, como eu disse, uma vez que isso tenha sido alcançado, a equipe de produção divide a animação em cenas e as distribui aos animadores. Os animadores pegam a cena, que é essencialmente seus painéis de tabuleiro, e animarão os personagens dessa cena de acordo com a forma como você desenhou a ação. O mesmo vale para construtores de adereços e artistas de fundo. Cada departamento em produção receberá uma animação recortada, e cada departamento é responsável por criar a arte final, os ativos finais de cada cena. Quando tudo isso é feito, todo esse trabalho é devolvido ao software de edição ou composição. O diretor e o editor se sentam juntos novamente e literalmente combinarão a animação completa, os planos de fundo, os adereços com a animação original, garantindo que não falte nada. É assim que eles chegam à versão final do filme. Como você pode ver, seu pequeno e humilde storyboard ganha muita vida depois de deixar você. Ele vai para cada pessoa na produção e é literalmente a base e a base de todo o projeto. Com isso em mente, vamos mergulhar em nosso próprio projeto. seguir, na próxima lição, explicarei como detalhar seu roteiro e, em seguida, começaremos a miniatura e a desenhar os painéis. vejo na próxima aula. 11. Como quebrar um script para Storyboard: O processo de bloquear ou dividir um script em sequências e cenas permite que você aborde seu trabalho em partes pequenas gerenciáveis para que você possa ler todo o roteiro com facilidade e eficiência. É isso que eu quero demonstrar nesta lição. Nas próximas aulas, usaremos o exemplo de script que eu escrevi. Agora, isso é apenas um exemplo. São algumas páginas de um roteiro completamente inventado que escrevi para você. Mas vamos usá-lo para explorar o processo de desenhar um storyboard para que você possa ver por si mesmo como ele é muito simples e gerenciável. A melhor maneira de detalhar um script é primeiro identificar essas sequências e depois identificar as batidas dentro dessas sequências. Ao ler o roteiro, você deve começar a marcar cada parte do roteiro que parece um momento da história e que é uma batida. Por exemplo, vamos dar uma olhada no roteiro. Diz que, no dia exterior, o sol está se pondo sobre a terra queimada. Isso é uma batida. A próxima seção do roteiro diz que vemos um lagarto que corre de baixo de uma rocha e joga dardos sob uma rocha. Essa é outra batida. Então a câmera gira, é uma terceira batida. Então vemos nosso personagem cavando. Essa é a quarta batida. Agora podemos marcar ou anotar algumas ideias iniciais para ângulos de câmera e fotos. Obviamente, queremos começar com uma grande foto de estabelecimento, porque este é um faroeste e precisamos mostrar aquela vista panorâmica deslumbrante da paisagem. Queremos mostrar ao público onde a ação está acontecendo. Está no deserto. Você sabe, o sol está ao meio-dia, coisas assim. A próxima batida no roteiro é o lagarto. Obviamente, será um close-up de um lagarto saindo de debaixo da rocha porque você não seria capaz ver um lagarto de longe ou de longe. Na próxima batida, o roteiro indica que a câmera gira no chão. Talvez seja uma foto de baixo ângulo que começa de onde vimos o lagarto indo para a rocha e se espalhando pelos desertos. Neste ponto, possivelmente você poderia cortar mais. De repente, vemos que é nosso personagem Reinhold cavando um buraco no chão. Obviamente, isso será pelo menos um tiro médio, se não for um tiro no escuro, queremos ver o personagem, mas também precisamos de espaço para vê-lo movendo os braços e mostrando-o cavando. Então eu acho que o que você poderia fazer é reduzir para o escuro, porque ele precisa sair do buraco no chão jogar a pá no chão e dizer sua linha. Então, talvez, para finalizar, você possa terminar toda a sequência com um close-up dramático de seu rosto raivoso, ele sacudindo o punho. O que eu fiz aqui foi basicamente bloquear a cena em termos de quais cenas eu acho que funcionariam para contar a história. Essas fotos não são de forma alguma as únicas escolhas que você pode fazer em termos de ângulos de câmera. Existem inúmeras combinações que você pode usar. No entanto, por causa dessa aula, é assim que eu abordaria em uma primeira passagem. Eu sugeriria manter as coisas simples se você estiver bloqueando isso por si mesmo. Vamos continuar. A próxima cena é o exterior da cidade durante o dia. Novamente, você pode começar com uma boa foto ampla para restabelecer para o público onde estamos. Agora estamos em um novo local. Estamos na cidade ou na rua principal. É aqui que encontramos o xerife que, digamos, está saindo da prisão. Isso é chamado de choque do xerife. O xerife vai atravessar a rua e entrar no salão. Talvez isso possa ser outra foto panorâmica do outro lado da rua. Então, obviamente, vamos cortar para o interior do salão, então é um novo local. Você tem algumas opções aqui. Você pode seguir o xerife por trás enquanto ele passa pelas portas, quase como entrar com ele, entrando pelas portas. Eu diria que uma foto média ou longa rastreando ele entrando, ou você poderia estabelecer a câmera já dentro do salão do ponto de vista de talvez pessoas dentro do bar e vê-lo entrando caminhando em direção à câmera. Gosto dessa ideia porque é quase como se o público que já dentro do salão estivesse assistindo à ação de dentro. Funciona para mim nesse sentido. Então, podemos simplesmente fazer uma foto panorâmica ou algo parecido. Veja-o simplesmente andando pelo chão até o bar. A próxima sequência é uma sequência de diálogo entre o xerife e o barman. Agora, em filmes e animações, existem configurações padrão e sequências de cenas padrão que você pode usar para dialogar. Um é chamado de tiro reverso, e o outro é o tiro por cima do ombro e o tiro do ponto de vista. Na próxima seção de vídeos, vou me aprofundar muito mais em cenas de contar histórias, como a foto por cima do ombro. Mas vamos dar uma primeira olhada nisso. Eu provavelmente começaria com o que é chamado de duas cenas, que mostra os dois personagens no quadro. Quando o diálogo começar , acho que daria a cada personagem uma única chance. Em outras palavras, a câmera estaria em apenas uma pessoa enquanto ele dissesse sua frase. Em seguida, você usa uma foto reversa mostrando o segundo personagem dizendo sua frase. Vamos colocar algumas fotos exageradas porque, em uma sequência de fotos exageradas porque, em diálogo, é sempre muito importante fazer essa conexão entre os dois personagens. Você sempre quer ter pelo menos uma foto por cima do ombro que mostre o personagem falando sua frase apenas com o canto da cabeça e os ombros do segundo personagem. Vou explicar isso na seção de miniaturas. Então, ficará muito mais claro. Essas fotos, aliás, são todas médiuns ou close-ups. Podemos descobrir os detalhes das fotos por cima do ombro quando desenhamos o storyboard. Mas essa última linha aqui é a dica para o terceiro caractere entrar. Eu reduziria para uma imagem média desses dois personagens e faria com que eles parecessem fora da tela. Essa pode ser a dica para a terceira personagem de Gretta entrar em cena. Para a entrada dela, eu definitivamente escolheria uma chance remota. Acho que deveria ser uma entrada muito dramática. Vamos vê-la na parte inferior da escada ou algo parecido. Ela aparecerá e caminhará até o xerife e jogará este saco de diamantes para ele. Esse é o fim do nosso exemplo de script. Acho que temos praticamente todas as ideias para ideias de fotos e ângulos de câmera. Na próxima fase do nosso projeto, vamos começar a miniaturas de muito aproximada, quase como bonecos, desenhos. Em seguida, vamos levá-los ao storyboard finalizado. Quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. 12. Como desenhar miniaturas: Agora que detalhamos o roteiro, é hora de começar a fazer miniaturas e extrair nossas ideias. Normalmente, suas miniaturas serão desenhadas em um conjunto simples de painéis como esse. Você não precisa usar um modelo de storyboard para suas ideias em miniatura porque se trata de ser muito experimental e você pode mudar suas ideias muito mais facilidade se usar apenas um conjunto simples de painéis como esse e não se preocupar muito com o tamanho dos painéis. Desde que sejam retângulos, não há necessidade de se preocupar com as dimensões neste estágio. Isso é, como eu disse, apenas para esboçar. A outra coisa com que não quero que você se preocupe agora é com seu desenho. Mantenha-o muito, muito simples e tão rude quanto quiser. Agora, de acordo com meu detalhamento, o primeiro tiro que identifiquei foi aquele tiro estabelecido. Vamos fazer isso. Precisamos de uma boa foto ampla de luxação apenas para definir o cenário, apenas para mostrar ao público exatamente onde estamos. Vou fazer com que pareça um deserto essencialmente ocidental. Aqui terei aquelas montanhas icônicas ao fundo. Talvez um cacto ou dois em primeiro plano, e talvez até alguns ossos de um animal só para mostrar que é um ambiente muito hostil , algo assim. Você pode ser realmente criativo neste momento. Em seguida, a próxima foto é aquele close-up dos lagartos que queremos ver correndo de uma rocha para a outra. O que vou fazer aqui é mostrar essa ação em dois painéis separados. Basicamente, preciso desenhar esse painel primeiro mostrando onde o lagarto está saindo de uma rocha. Então, uma vez que eu tenha desenhado isso, em vez de redesenhá-lo novamente no próximo painel, vou simplesmente copiá-lo e colá-lo, e então eu vou apagar a pose do lagarto e desenhá-lo em sua segunda posição. Agora, mostra claramente a ação dessa pequena cena, e há duas posições que queremos ver esse lagarto atingir, e isso está muito claro para os animadores. Então, eles saberão, quando chegarem à cena, que há duas poses principais eles estão indo de uma pedra para a outra. A próxima é aquela panela grande. Vou usar dois painéis para a panela e desenhar diretamente sobre eles assim. Neste segundo painel, é aí que a câmera vai parar e veremos o personagem Reinhold cavando no chão. Quando desenharmos isso no roteiro adequado posteriormente, mostrarei exatamente como indicar movimentos da câmera, mas, por enquanto, vou apenas desenhar uma seta para me lembrar de que isso é uma panorâmica da esquerda para a direita. Isso será seguido por nossas fotos médias, porque agora queremos realmente nos aproximar do personagem. Nós estabelecemos sua pesquisa, então agora queremos saber um pouco mais sobre quem é esse cara. Vamos nos aproximar um pouco mais tentando ver um pouco mais deles, mas as fotos médias ainda nos permitem voltar o suficiente para que possamos ver suas mãos e ver sua ação de cavar. O próximo tiro é aquele tiro no escuro que vai sair do buraco, e o que eu vou fazer é trabalhar de trás para frente, em certo sentido. Quero dividir essa ação da Brigada em dois painéis. Primeiro, mostre a ele saindo. Mas o que vou fazer é primeiro desenhar o segundo painel para saber por mim mesmo qual é a aparência da foto no escuro. Eu preciso ter toda a extensão do personagem. Depois de estabelecer isso nesse painel, vou simplesmente copiá-lo, movê-lo de volta para cá e agora posso desenhar com muito mais facilidade a proporção do personagem quando ele sai do chão. Às vezes, é mais fácil para mim descobrir o tamanho do personagem para vê-lo em primeiro lugar e acertar a foto. Em seguida, faça o desenho que é um pouco mais complicado. Isso é bom. Isso parece bom. Novamente, vou simplesmente copiar esse desenho para este painel. Agora eu quero fazer com que ele fique com raiva. A ação aqui é que ele está frustrado, então ele vai jogar a pá no chão, mas para fazer isso, você precisa ter duas poses separadas para que ela realmente pareça uma ação dinâmica. Ele vai balançá-lo primeiro desse jeito, e depois neste painel ele o destruirá desse jeito. A propósito, espero que você esteja vendo as linhas de ação que estou colocando em prática aqui. Minhas curvas C me ajudam a tornar essas poses muito, muito fortes. Brilhante. Esses painéis funcionam. tudo isso é uma cena Basicamente, tudo isso é uma cena, mas agora os animadores verão exatamente qual ação é necessária para essa cena, então eles saberão como animá-lo, porque todas as poses principais são mostradas com muita clareza. Na próxima foto, ele fica com raiva e eu vou cortar em um ângulo alto olhando para ele. Isso vai enfatizar sua alienação e ele está sozinho no mundo e dar aquela vibração quando fica com raiva. Mas então, na cena final da sequência, vamos cortar em um close-up extremo mostrando seu rosto e esta é a primeira vez que realmente vemos as características de seu rosto , então isso vai ser muito dramático. Acho que é hora de uma pequena pausa. Vá fazer uma xícara de chá ou café ou pegue um pouco de água e, quando você voltar, vamos fazer uma miniatura da segunda metade do nosso roteiro. Quando estiver pronto, nos vemos na próxima aula. 13. Como desenhar miniaturas para seu script Parte 2: [MÚSICA] Ótimo, bem-vindo de volta. A próxima sequência a ser miniatura é a sequência de barras. Começamos a sequência com outra foto ampla da cidade. Novamente, vou pegar dois desses painéis poder combiná-los para essas fotos panorâmicas. Pode parecer uma cena complicada de desenhar , mas, na verdade, estou apenas bloqueando as coisas neste estágio. Eu sei que quero que o xerife caminhe da esquerda para a direita e atravesse, indo para o outro lado, onde ficará o salão. Pode ser tão simples quanto isso e podemos preencher os detalhes posteriormente. Vou apenas indicar um cowboy aleatório onde algum outro personagem vagueia este canto só para emoldurar a cena, dar um pouco de interesse. Também tive a ideia de que talvez quando a câmera gira da esquerda para a direita, tenhamos um cavalo aleatório trotando pela moldura. Novamente, isso interromperá a ação, acrescentará um pouco de interesse à cena de abertura e dará um pouco de vida a esta cidade. O xerife atravessa e nós vamos vê-lo subindo as escadas e entrando no salão. A próxima foto então será dentro do salão, então eu quero bloqueá-la de forma muito difícil. Essas são aquelas portas giratórias pelas quais ele entrará. Mas acho que quero mostrar a ele mais como se já estivesse na metade das portas. É bom mostrar a ação que já está acontecendo quando ele entra. Agora, normalmente, a convenção para animação é que, se você precisar mostrar uma ação em detalhes, assim como fizemos na última seção com o lagarto ou com o personagem dos rinocerontes, você desenharia essa ação em alguns painéis. Mas às vezes, se for tão simples quanto ele simplesmente atravessar a moldura, você pode usar uma seta para indicar a direção. Agora, aqui está um exemplo de como ser um pouco criativo em seus storyboards e se desviar um pouco do roteiro. Eu quero mostrar o xerife atravessando o bar, mas eu quero fazer isso do ponto de vista do andar de cima, porque eu estava pensando que, se eu fizer isso, essa é uma maneira inteligente de apresentar a personagem de Greta, mesmo que não esteja no roteiro. É aqui que o uso cuidadoso de fotos pode realmente contar mais sobre uma história do que as palavras reais do roteiro. Se apresentarmos Greta aqui nas fotos acima dos ombros, como se não a víssemos exatamente, você só vê as costas dela. Isso vai imediatamente lhe dar um pouco de mistério. Queremos saber quem é essa pessoa, que está menosprezando o xerife. Essa é uma foto de ponto de vista em que mostra o ponto de vista de um personagem. No próximo painel, vou desenhá-la saindo da moldura. Como eu disse, esses dois painéis fazem duas coisas. Primeiro, eles mostram o xerife andando por essa cena um pouco perigosa. Não sabemos o que vai acontecer. Definitivamente, há pessoas olhando para ele. Ele está de olho em si mesmo. Em segundo lugar, vemos tudo do ponto de vista desse outro personagem. Agora queremos saber quem é essa personagem e como ela está envolvida na história. Os próximos painéis, então, são relativamente fáceis. Essa é a sequência de diálogo. Como é apenas um diálogo entre dois personagens, é muito fácil simplesmente bloqueá-lo. Você pode usar cada painel para mostrar a linha de diálogo dos caracteres tão simples quanto isso. Mas o que vou dizer é sempre tentar estabelecer uma conexão entre dois personagens se eles estiverem falando usando uma foto exagerada como essa. você quer poder mostrar os dois no mesmo quadro Às vezes, você quer poder mostrar os dois no mesmo quadro para fazer essa conexão com o público. Então, quando você quiser enfatizar a linha de um caractere, você pode desenhar esse personagem em uma única foto. Então, os dois olham em volta quando estão aqui, Greta fora da tela ou quando ouvem Greta entrar. Eu diria que definitivamente deveríamos vê-la de uma forma remota. Digamos que ela acabou de descer as escadas e está na parte inferior da escada. Em seguida, vou cortar de perto, neste painel ela dirá algo como É isso que você está procurando e segurar a bolsa ou a bolsa na mão dela. Então, os tiros finais podem ser, ou a última chance é que ela jogue os diamantes pela barra. Essa é uma parte muito difícil do nosso roteiro. Fizemos todas as principais miniaturas. Na próxima fase, começaremos a desenhar nosso storyboard corretamente. É aí que você pode começar a realmente refinar as coisas, não apenas no desenho, mas talvez também nas opções de foto. Talvez decidamos adicionar mais alguns painéis no final disso, apenas para detalhar essa última sequência aqui. Se você tiver uma chance, agora, pause os vídeos e comece suas próprias miniaturas para a história. Vamos ver se você consegue criar alguns ângulos de câmera ou sequências de fotos novos ou alternativos . Quando estiver pronto, me encontre na próxima lição e veremos como limpar essas miniaturas e criar um roteiro final. 14. Storyboard the Desert Sequence: [MÚSICA] Agora vamos começar o processo de desenhar nosso storyboard final. Na animação, esse processo é chamado de fase de limpeza porque estamos literalmente pegando desenhos grosseiros e os redesenhando para ficarem mais limpos e precisos. Você quer ter como objetivo uma linha clara e precisa, enquanto no estágio de miniatura você desenha com muito mais linhas ásperas e soltas. Eu tenho meu modelo de storyboard aqui, vou até minha página de miniatura. Novamente, vou seguir isso passo a passo. Em primeiro lugar, vou selecionar os primeiros quadros, copiá-los e, em seguida, novamente no meu modelo, colá-los neste documento. Vou ter que escalá-los para que se ajustem da melhor maneira possível, mas tudo bem. Estou os redesenhando, então isso realmente não importa. O que vou fazer é diminuir a opacidade dessa camada e adicionar uma nova camada na parte superior. É aqui que vou começar o processo de desenhar com muito mais cuidado. Como eu disse, quero definir meus desenhos da melhor maneira possível, e isso significa que vou repassar as linhas que estão no meu desenho, mas não preciso segui-las exatamente. Posso desenhar coisas em posições diferentes, se necessário, ou movê-las; tudo bem, mas geralmente sigo o desenho na camada abaixo e o uso como guia. Agora, neste estágio, você pode estar se perguntando por que você faria o dobro do trabalho? Por que você simplesmente desenharia algo e depois redesenharia? Por que não desenhá-lo primeiro? [RISOS] É uma boa pergunta, então vou aproveitar esta oportunidade agora para explicar esse processo um pouco melhor. A razão pela qual desenhamos miniaturas primeiro e depois nos damos ao trabalho de redesenhá-las é porque, em primeiro lugar as miniaturas não são desenhos realmente adequados, são simplesmente ideias. Eles são os conceitos que você cria, e você os escreve, se quiser, de uma forma visual. Você sempre precisará esboçar sua ideia primeiro e ver se ela funciona antes de desenhar uma versão final. Em segundo lugar, as miniaturas podem ser alteradas, e esse é um grande ponto a ser lembrado. A placa final, quando você começa a trabalhar nela, é realmente a placa final. As decisões foram tomadas, as escolhas de foto, os ângulos da câmera foram todos decididos. Se precisássemos alterar qualquer um dos painéis ou ângulos da câmera ou fazer escolhas diferentes, queremos fazer isso em miniatura. O processo que eu demonstrei aqui é como eu abordaria as coisas, mas se eu estivesse trabalhando em um estúdio teria que realmente mostrar minhas miniaturas para o diretor. Eu gostaria de receber revisões e alterações, talvez várias vezes, antes os desenhos preliminares fossem assinados e antes que eu pudesse seguir em frente e desenhar um storyboard finalizado, como estou fazendo agora. Aqui estou trabalhando em minhas próprias máquinas e não fiz nenhuma revisão. Essa é a beleza de ser seu próprio artista de storyboard e também seu próprio diretor. Estou brincando, mas obviamente é bom saber que se você quer trabalhar em um estúdio ou para um cliente, você precisa estar pronto e disposto a fazer revisões e mudanças. Você precisa ser capaz de mudar seu trabalho e seguir as instruções. Pessoalmente , trabalhei com ótimos supervisores e também tive supervisores que me fizeram muitas revisões, algumas que não faziam nenhum sentido na época, mas você precisa aprender a não se apegar ao seu trabalho ou ao seu processo e aprender a mudar as coisas, e aprender a mudar se for necessário. Mas, como eu disse na fase do processo, as coisas já deveriam estar realmente acordadas. Nesse ponto, você se concentra em desenhar os painéis com cuidado e adicionar todos os detalhes que farão com que seus desenhos pareçam realmente bons. Nesta fase, fiz todos os meus três primeiros painéis. Estou muito feliz com eles. Vou me dedicar muito ao trabalho e continuar na próxima seção. Essa bandeja vai ficar exatamente como eu a miniaturei. Como você pode ver, estou apenas desenhando sobre os dois painéis. Estou combinando-os em um painel longo para indicar a visão se movendo da esquerda para a direita. Quando se trata de desenhar [inaudível] no buraco no chão, vou manter isso muito vago neste momento porque, na verdade, nesta fase não o vemos tão de perto. Ele ainda é um personagem misterioso muito estranho, então eu não quero colocá-lo em muitos detalhes ainda. O foco nesta foto ainda está muito na paisagem circundante. Ainda estamos enfatizando o fato de que ele está sozinho no deserto. Para esta foto, é por isso que quero manter a câmera um pouco longe dele até chegar o momento em que precisemos nos aproximar. Agora, quando terminar de desenhar esse padrão, vou pegar a cor vermelha e, em vermelho, vou desenhar meu retângulo ao redor dos dois painéis. É assim que você indicaria que os dois painéis são apenas um painel grande e, para mostrar a panela, basta desenhar uma linha abaixo deles indicando a direção para que qualquer pessoa que leia isso saiba que a câmera está girando da esquerda para a direita. Você está mostrando o início e o fim e também pode escrever os movimentos da câmera no seu storyboard, se quiser. Este é o último painel desta página , são as fotos médias. Vamos cortá-lo um pouco mais de perto. Ainda não vemos a face completa de seu personagem misterioso, ele ainda está curvado. Nós o vemos trabalhando sob a zona quente neste buraco no chão. Isso é bom. Mas também acho que eu poderia acrescentar mais alguns detalhes aqui que dariam mais interesse à foto. Pensei em talvez adicionar um balde e uma foto ou um machado, talvez até mesmo um mapa para mostrar que ele está usando um mapa para encontrar o que está procurando. Pequenos detalhes como esses são muito bons de adicionar visualmente à história, então, se você pensar sobre eles, se eles ocorrerem a você, então definitivamente os coloque em seu storyboard. A próxima página do nosso storyboard completará toda essa sequência, então o processo é o mesmo. Estamos desenhando os painéis pouco a pouco com mais detalhes, com um pouco mais de cuidado. Aqui, estamos indo direto ao escuro, então estamos mostrando o personagem primeiro saindo do buraco, depois ele se vira e coça a cabeça. Está ficando um pouco mais claro agora que ele não encontrou o que estava procurando. Agora sabemos que esse cara talvez seja um personagem desagradável ou não esteja tramando nada de bom. Ele foi frustrado em sua tentativa de encontrar o que está procurando. Os próximos painéis realmente ressaltarão essa natureza desagradável, porque é aí que o veremos perdendo a paciência e prometendo vingar alguém. Nós o vemos jogando sua pá no chão, fica furioso , sacudindo os punhos, e essa é a nossa foto de alto ângulo. Isso vai funcionar muito bem, eu acho, e depois um corte muito dramático no close-up. Essa é a cena que realmente mostra o personagem por tudo o que ele é. Está mostrando que ele está muito zangado e vingativo, e é a primeira chance clara que temos desse cara. Acho que essa é uma ótima maneira de terminar a sequência como um todo. Na próxima lição , vamos seguir em frente e abordar a segunda metade do nosso roteiro e levá-la a um roteiro final e limpo. Quando estiver pronto, junte-se a mim na próxima aula. 15. Storyboard the Saloon Sequence: [MÚSICA] Nesta lição, estou avançando na fase de limpeza e passo para a próxima seção do storyboard. Aqui, copiei o desenho aproximado e vou refiná-lo e torná-lo mais detalhado. Agora, depende totalmente de você o quão detalhados você deseja criar seus painéis. Se você tiver outras ideias para personagens ou cenas, definitivamente poderá criar seu próprio trabalho para o projeto da turma. Você não precisa simplesmente seguir o meu exemplo. Mas eu queria te mostrar como as coisas progridem, como eu resolvo as coisas por mim mesma. Como você pode ver, especialmente na última lição, o processo é muito simples. Não há nada complicado nesta fase. Estamos literalmente copiando nossos desenhos preliminares e apenas tornando-os um pouco mais definidos. É preciso um pouco de tempo e paciência, porque há muito trabalho pela frente. Mas é uma daquelas situações em que você pode realmente se concentrar, se perder no desenho e aproveitar todo o processo. Se você seguir isso passo a passo, se não ficar muito impressionado com a coisa toda , acho que você realmente descobrirá que tudo passa muito rápido. Sempre que você se deparar com uma montanha de trabalho, basta pegar uma peça de cada vez. Acho que a maior lição de aprender todo o processo de criação de storyboard é que você pode dividir as coisas em pedaços pequenos e gerenciáveis e trabalhar eles no seu próprio ritmo. Eu desenhei uma panela grande do outro lado da rua da cidade e acho que está funcionando muito bem. Gosto muito da ideia de que há um cavalo galopando pela cidade sem um cavaleiro. É um pouco peculiar e dá um pouco de interesse e um pouco de ação interromper aquela foto que, de outra forma, seria muito chata. Isso é muito bom. Também gosto do personagem à esquerda observando o xerife enquanto ele atravessa a rua. que essa é outra pista de que esse xerife está sendo vigiado Parece que essa é outra pista de que esse xerife está sendo vigiado o tempo todo. Ele sobe os degraus e está entrando no salão agora. Este gráfico também é um plano. Novamente, assim como fiz antes na sequência anterior, vou pegar um pincel vermelho e desenhar um retângulo ao redor desses dois painéis dessa maneira. Em seguida, desenharei minha seta indo do meio do primeiro painel até o meio do segundo painel, que indica o início e a parada. Eu posso escrever um plano embaixo. Perfeito. Agora o vemos de dentro entrando pelas portas. Vou adicionar alguns detalhes aqui nas janelas e talvez eu adicione algumas luzes ou luminárias nas paredes. Então eu vou esboçar ele andando. Então, esses caras aqui na esquina, não vou entrar em detalhes. Não vou desenhar seus rostos nem nada. Eu só quero dar a impressão de que eles estão no canto tomando uísque, fumando, e estão vendo ele entrando. É dar aquela impressão ou aquela vibração do típico faroeste onde talvez haja música tocando no bar ou algo parecido. Todo mundo está falando e, no minuto em que o xerife entra, fica como um silêncio mortal e todos olham para ele. Eu quero dar essa impressão. Isso é ótimo. Esse é o painel pronto. Agora, vou desenhar esses três painéis que mostram Greta observando o xerife atravessando o chão. Ela está acima. Ela está na varanda olhando para a cena. Isso também dará uma reviravolta narrativa muito boa à sequência. É a ideia de que o xerife está sendo vigiado de perto por muitas pessoas diferentes e isso definitivamente está aumentando a tensão. Não sabemos o que está acontecendo. Sabemos que algo aconteceu com esse cara que está cavando um buraco no chão e agora vemos o xerife. Obviamente, há alguma história aqui que precisa ser desvendada de alguma forma e eu gostei termos apresentado Greta nesta fase , porque isso mostra que ela é uma personagem muito importante ou fundamental em toda a história. Ela é quase como um elo entre o xerife e o cara anterior que vimos, Reynold, que estava cavando no deserto. Estamos começando a nos perguntar: o que é isso tudo? Ela sai da tela à direita. Ela sai de lá e misteriosamente entra em uma sala e fecha a porta. Na próxima lição, vou limpar a seção final do storyboard, que é a sequência de diálogo e a entrada de Greta. Em seguida, teremos um storyboard totalmente finalizado, concluído e limpo . Quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. 16. Storyboard the Saloon Sequence Parte 2: [MÚSICA] Nesta lição, vou fazer a seção final do storyboard. Essa será a sequência de diálogo entre o xerife e o barman, e teremos a entrada de Greta na história. Como antes, copiei todas as miniaturas em meus modelos de storyboard e vou redesenhar meus personagens. Esta é a cena em que o xerife se aproxima do bar. Agora eu quero manter o barman de costas para o xerife. Porque eu quero dar a impressão de que o barman realmente já sabe que algo está acontecendo, e ele vai ser o personagem que vai encobrir Greta. Ele está definitivamente envolvido na história de alguma forma, mas fica de costas para o xerife, quase como se soubesse que o xerife está lá. xerife Tucker se aproxima do bar e, ao fundo, esses dois personagens estão olho no xerife e observando o que acontece. No segundo painel da cena, o xerife está no bar, então vou copiar o painel inteiro. Vou me aproximar agora e o que vou fazer é que o barman abra levemente os olhos. Ele pode ouvir o xerife atrás dele. Agora, o xerife está no bar se inclinando e exigindo ver Greta. Agora, o que é importante observar aqui é que essa configuração estabelece mais ou menos a dinâmica entre esses dois personagens. Também estabelece suas posições dentro do quadro. O que eu quero fazer é manter essa direção da tela ou manter esses dois personagens onde estão. Quero que o xerife fique à esquerda e o barman à direita. Em outras palavras, quando eu corto fotos do xerife por cima do ombro e vemos Abe, o barman se virando e dizendo sua frase, estou me certificando de manter o xerife no lado esquerdo da tela. Dessa forma, é bom que o público assista ao fluxo de fotos. Eles não vão se confundir sobre onde qualquer um dos personagens está se você mantiver a direção da tela dessa forma. Essa é apenas a convenção padrão em termos de direção da tela. Mesmo que você tenha seu personagem em uma única cena em que o outro personagem não esteja lá, é só o xerife. Você não será capaz de favorecê-lo à esquerda. Em outras palavras, aqui ele está praticamente no centro, mas sua linha de visão está voltada para a direita, o que significa que, na tela à direita, estará o barman Abe, o que mantém tudo limpo e consistente e podemos acompanhar exatamente o que está acontecendo. Não nos confundimos sobre onde cada um desses personagens está. A razão pela qual estou fazendo uma observação tão importante sobre isso é que, em uma sequência de diálogo, quando você está lidando com uma cena e depois com outra cena, você tenta o máximo que puder manter os dois personagens conectados para o bem do público, que eles possam entender e acompanhar o fluxo das cenas. Na verdade, Abe está apenas afastando o xerife, diz que eu não sei onde Greta está. Estamos vendo essa frase ser entregue, é uma foto exagerada do ponto de vista do xerife. Mas então ouvimos algo fora da tela e os dois viram a cabeça e olharam. O que queremos fazer é cortar para Greta na próxima tentativa. Ter esses dois personagens virando a cabeça primeiro neste painel motiva esse corte. Em outras palavras, em termos de storyboard, porque os dois já deram uma olhada. Nós, o público, queremos ver o que eles estão vendo, e isso é conhecido como motivador do corte. Há algo acontecendo fora da tela e é isso que mostraremos ao público a seguir. Com certeza, aqui está Greta parada na parte inferior da escada. Ela tem a atenção deles e ela tem a nossa atenção do público. Ela está lá, segura essa sacola ou essa bolsa e a joga do outro lado do bar assim. O que podemos fazer aqui é cortar em close-up da mão dela, jogar o saco de diamantes no ar e ele derrapar pela barra. Depois, podemos cortar em um ângulo diferente e mostrar a mão do xerife entrando na moldura para pegá-la, sem mais nem menos. Ela diz sua frase. Então eu acho que a última imagem é que ele vai esvaziar os diamantes em sua mão e essa é a grande revelação, se você quiser, de toda essa sequência. Nós praticamente percorremos todo o nosso storyboard. Esses são todos os desenhos feitos, e isso dá muito trabalho, e se você chegou até aqui comigo, parabéns. Você passou por uma grande quantidade de trabalho, isso é uma conquista enorme. seguir, quero mostrar as revisões finais que eu faria no storyboard. Os retoques finais e também quero mostrar como adicionar todos os textos e a direção da tela ao storyboard, bem como numerar e sequenciar seus painéis. Quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. 17. Como refinar seu Storyboard e adicionar numeração: [MÚSICA] Agora que temos um roteiro totalmente completo do nosso roteiro de amostra, está quase pronto para ser enviado para análise final ao produtor ou ao cliente. Agora, há algumas limpezas finais que eu quero fazer. Também quero mostrar como numerar e sequenciar seu quadro antes de entregá-lo a qualquer outra pessoa. Primeiro, quero apenas ressaltar que agrupei todas as páginas em grupos aqui, minha pilha de camadas. Agora, isso significa que todas as minhas páginas dessa sequência estão, na verdade, neste único documento. Isso torna muito fácil para mim manter tudo organizado e acessível. Além disso, quando se trata de exportar como PDF, isso tornará esse processo um pouco mais simples. Agora, obviamente, esse é apenas meu fluxo de trabalho e estou mostrando isso para você como um exemplo. Se você estiver trabalhando em um software diferente, você pode configurar seu documento de forma diferente. Certamente, você também pode ter cada uma de suas páginas em documentos individuais. Vamos dar uma olhada na numeração. Eu numerei cada painel, por exemplo, esta é a foto de abertura, como expliquei antes. Estou chamando isso de é apenas uma cena. É a cena 1, painel 1. A próxima cena tem dois painéis. Então eu numerei Cena 2 Painel 1 e Cena 2, Painel 2, e assim por diante. Você tem sua panela. Este é essencialmente um painel e a cena aqui é apenas um painel. Tudo isso é simples. Nesta página, porém, podemos ver que a cena tem alguns painéis. Como queremos que os animadores façam cada uma dessas poses, dividimos a ação em quatro poses diferentes, essencialmente, Painel 1, Painel 2, 3 e 4. Então vamos para uma nova cena e essa também é uma cena nova. Isso continua. Isso é muito simples. Além da numeração, também adicionei os textos relevantes do roteiro. Eu simplesmente copiei e colei o roteiro, colei embaixo de cada painel. Agora você não precisa incluir todo o roteiro. Basta incluir qualquer linha do roteiro que seja relevante para esse desenho. Antes da aprovação final, há alguns ajustes que eu quero mudar, pequenos ajustes que eu quero fazer neste quadro. Um está no início e o outro está no final do storyboard. No início desta primeira foto de estabelecimento, eu realmente sinto que precisamos ter algum movimento de câmera. No momento, não gosto do fato de ser apenas uma foto estática. Vou adicionar apenas um zoom ou rastreamento muito pequeno. O que eu vou fazer é desenhar um retângulo ao redor do painel como ele está. Faça isso em vermelho. Então este é o início do movimento da câmera. Depois vou desenhar um segundo retângulo onde quero que a câmera pare. Essencialmente, isso é apenas um pequeno empurrão na cena em si. O que vou fazer é desenhar as setas e depois ir de cada canto para dentro para indicar o movimento. Também observarei que o Azure retangular posição A ou a primeira posição da câmera. O retângulo interno é a segunda posição. Agora, a última alteração que eu faço está na última página e na sequência final. Acho que a sequência não está funcionando muito bem. Pode ser muito mais apertado ou muito mais forte, especialmente porque é como o ponto alto ou a grande revelação. O que eu pensei em fazer é cortar isso [inaudível]. Esses dois painéis são essencialmente uma cena, mas parece que há dois ângulos diferentes. O que faremos é realmente juntá-los assim. Combine-os para que possamos fazer uma pequena câmera se mover ou uma pequena panela. Esse é um bom exemplo de uma situação em que talvez seja necessário mover da direita para a esquerda. Porque esse painel aqui à direita é na verdade o ponto de partida da panela. Vamos voltar para este painel. Para deixar esse ponto bem claro, vou até mesmo rotular as posições como A e B. Isso é muito melhor agora, é muito mais claro e muito mais conciso. Por fim, como esse painel está vazio, o que você faria no seu storyboard se tivesse painel vazio como esse, é simplesmente colocar um x nele para que eles saibam que não está sendo usado. 18. Introdução à linguagem visual para filme: [MÚSICA] Bem, agora que você sabe exatamente como desenhar storyboards, quais abreviações e truques de desenho são melhores para usar. Agora que você sabe desenhar miniaturas, como desenhar painéis de storyboard finalizados, quero que comece a aprender um pouco mais sobre a teoria do cinema e os conceitos por trás de seu trabalho como artista de storyboard. Isso ocorre porque, na verdade, a arte do storyboard é muito complexa. Existem habilidades técnicas, habilidades artísticas e também ideias conceituais sobre as quais pensar. Acho importante que você tenha a experiência de ver o processo de criação de storyboard em ação primeiro, se sinta confortável desenhando, se sinta confortável trabalhando com um storyboard e, com esse conhecimento, aprenda mais sobre a linguagem visual. É por isso que nos mantive prontos até o final do curso. Do jeito que eu penso sobre isso, como eu disse, vejo que o storyboard é verdade, composto por três componentes. O primeiro componente que você precisa são as habilidades de desenho. Como mostrei, você realmente não precisa ser desenhista altamente qualificado de forma alguma. Os bonecos estão perfeitamente bem. Se você pudesse desenhar até bonecos, isso significa que você pode comunicar suas ideias visualmente. O segundo componente que você precisa é o conhecimento técnico. O processo de storyboard é considerado um aspecto muito técnico ou uma parte técnica de todo o processo de produção do filme. Quando você está lidando com fotos, ângulos de câmera, numeração e sequenciamento, tudo isso é muito técnico. O terceiro componente, então, é entender a linguagem visual. Para mim, essa é a parte que realmente reúne os dois primeiros aspectos e é o que torna todo o conjunto de habilidades de um artista de tabuleiro totalmente completo e completo. Agora, a linguagem visual em si é um escopo completo de conhecimento. Eu realmente não consegui entrar em grandes detalhes neste curso. É um material que pode compor toda uma série de cursos. Mas posso apresentar a você alguns dos conceitos. Acho que esses conceitos e ideias ajudarão muito você a decidir como escolher suas fotos. Neste vídeo, quero apresentar a vocês dois conceitos. Uma é o sequenciamento e a outra é como você usa o close-up para intensidade emocional. linguagem visual, como a entendemos hoje, realmente começou a ser formulada como um conceito por si só já na década 1920. Isso foi há 100 anos. Há um século, as pessoas descobriram ou formularam essa ideia de linguagem visual. Foi muito inovador. Nos primeiros dias do cinema, eles descobriram que certas técnicas de sequenciamento realmente funcionavam para contar uma história visual e que o público podia rapidamente fazer conexões entre cenas e sequências sem precisar de mais explicações diálogos ou narração. Este é um exemplo famoso, é chamado de efeito Kuleshov. É baseado em um cineasta russo que teve essa ideia na década de 1920. O que ele fez foi mostrar ao público uma foto do rosto de um homem, seguida pela foto de uma tigela de sopa. Quando ele tocou essas duas cenas e a sequência juntos, o público, sem mais informações ou diálogos, presumiu que o que estava assistindo era a história de um homem faminto. Além disso, eles até viram ou leram que seu rosto estava registrando fome. Por si só, é interessante que eles façam essa conexão. Mas o que é mais interessante é que ele então mostrou outra sequência usando exatamente a mesma foto do rosto do homem. Desta vez, seguido por uma foto de um pequeno caixão. Nesse caso, o público sentiu uma resposta muito emocional ao que considerou uma história trágica. Na verdade, eles viram que o homem está sofrendo , embora a injeção usada sido exatamente a mesma que eles haviam usado antes e o homem não tenha realmente movido o rosto. O efeito Kuleshov também é conhecido como justaposição ou montagem. É quando você usa uma ou mais fotos para evocar uma ideia ou um estado de espírito quando elas são combinadas. Você simplesmente obtém mais informações de uma sequência de fotos do que de apenas uma foto e pode realmente obter camadas de significado. Esse efeito, esse conceito ou ideia forma a base de toda a nossa linguagem visual do cinema. Usar essa ideia de sequenciamento, junto com a edição, é como criamos histórias convincentes. Quando você adiciona ângulos de câmera a isso , essas histórias podem se tornar poderosas. Um dos ângulos de câmera mais poderosos que você pode usar é o close-up. Digamos, por exemplo, que você queira transmitir a ideia de medo em seu filme, você poderia mostrar um personagem em uma posição de medo como essa. Mas um uso muito mais eficaz da linguagem visual seria cortar ao extremo, digamos , os olhos do personagem. Isso é muito mais eficaz porque você está aproximando o público do personagem. Se você apenas mostrar a ação ou a emoção de longe, o público se sentiria objetivo. Eles realmente não se sentiriam engajados. Mas, ao se aproximar, de repente, o público sente que faz parte da ação. Um dos aspectos mais convincentes do cinema ou do cinema em geral é que podemos nos identificar com os personagens na tela. Fazer parte da ação realmente ajuda na identificação do público. Além disso, um close-up muito extremo pode criar um efeito desconfortável ou intenso. Portanto, pode aumentar a intensidade de qualquer cena que você esteja filmando. Você pode pensar naquela foto icônica de alienígenas em que o personagem Ripley tem um encontro com o alienígena. Isso é um close-up extremo e realmente funciona. A primeira vez que você vê isso, é assustador. Nos próximos vídeos, vou levar essa ideia um pouco mais longe. Eu quero falar sobre composição e a regra dos terços, e como isso é usado em seus storyboards. Depois, também falarei sobre algumas das cenas narrativas que estão disponíveis para você, como artista de tabuleiro, que você deve conhecer e usar em seu trabalho. Então, quando estiver pronto, nos vemos na próxima aula. 19. Os princípios de composição para Storyboards: [MÚSICA] A composição em um filme é muito mais do que apenas a forma como você cria uma imagem forte ou bem composta. Nós realmente tendemos a pensar uma boa composição como sendo a ordem agradável dos elementos dentro de uma moldura. Mas, como artista de storyboard, você terá que levar essa ideia de composição muito mais longe e usá-la para contar a história de uma forma mais convincente, em vez de simplesmente ilustrar as palavras do diálogo. Aqui está o que eu estou falando. Vamos analisar a regra dos terços. Você definitivamente já se deparou com essa ideia antes. As pessoas estão sempre falando sobre a regra dos terços, e você a vê em todos os lugares. Dizem que nunca coloque um assunto no centro da moldura. Você deve sempre usar a regra dos terços e colocar o assunto de lado. Mas o fato é que as pessoas raramente explicam por que isso é tão importante. é por isso que acho que é importante ou De qualquer forma, é por isso que acho que é importante ou relevante para nós como artistas de storyboard. A estrutura do filme e da narrativa cinematográfica como a conhecemos, certamente no contexto do cinema de Hollywood, é uma forma de contar histórias que foi desenvolvida desde os antigos gregos. Na verdade, isso é só para dizer que agora está bastante enraizado em nós a forma como lemos, entendemos e apreciamos uma boa história. Uma das coisas mais importantes que caracterizam essa maneira de contar histórias é que uma boa história precisa ter conflitos. Agora, se você pensar bem, todo filme que você já viu em nossa tradição ocidental, de qualquer forma, tem um conflito evidente entre os personagens ou tem um conflito interno dentro do personagem principal. É simplesmente o que impulsiona a história ou a narrativa. Está no centro de cada história e é o que move história rumo à resolução. É por isso que assistimos filmes. Estamos interessados em ver como esse conflito será resolvido. Agora, essa ideia que está no cerne da narrativa, eu acho que está relacionada à regra dos terços, porque em uma imagem ou em uma foto, você tem a oportunidade de contar uma história, vamos chamá-la de uma história medida. Se você tiver uma foto equilíbrio e uniformidade completos, digamos , em um sentido binário , isso transmitirá estabilidade, uma ordem mundial natural, transmitirá normalidade e até convenção. Já em uma moldura com uma composição um pouco desequilibrada, vai transmitir inquietação, uma qualidade dinâmica. Pode até transmitir aventura e, especialmente , conflitos, e um enquadramento ou composição visualmente desequilibrada é, na verdade, uma divisão de terços. Portanto, nesse caso, dividir seu quadro em três se torna muito mais interessante do que se você o dividisse em dois. Agora, é claro, você pode definitivamente pensar em exemplos que vão contra essa noção. Há muitos filmes que se concentram em composições com enquadramento central. Estou pensando imediatamente nos filmes de Wes Anderson. Ele colocará seus objetos muito no centro da moldura. Ele usa muito configurações binárias. Mas, na maioria das vezes, só para concordar com essa ideia, em quase todos os filmes que você possa imaginar, a regra dos terços desempenha um papel importante porque, visualmente, essa regra perturba o status quo e tornará a composição muito mais interessante, ressaltar ou sublinhar o arco narrativo ou o conflito que está no centro de qualquer narrativa. Agora, para trabalhar com essa ideia em seus storyboards, aqui está um exemplo de como você pode fazer isso. Você pode ter dois personagens conversando e pode apresentar a cena do diálogo desta forma. , aqui, você está essencialmente transmitindo De qualquer forma, aqui, você está essencialmente transmitindo, em um nível subconsciente, que esses dois personagens são totalmente iguais em sua dinâmica. [Risos] Há uma distribuição igual de poder. Mas se você apresentar exatamente a mesma cena como essa, de repente, você está mostrando ao público que esse personagem aqui é mais dominante, mais poderoso e provavelmente tem poder sobre esse outro personagem. Agora, há muitas maneiras de jogar com isso. Você pode até mesmo apresentar uma cena como essa, ou você pode mostrá-la assim. Mas, essencialmente, a maneira como você enquadra suas fotos dará uma ideia subconsciente ou outra camada de significado narrativo. Toda vez que você desenha uma foto, você realmente precisa se perguntar: qual é o ponto da história nessa cena? Qual é a dinâmica subjacente entre os dois personagens com os quais estou trabalhando ou que estou tentando desenhar? Então, quando você descobrir isso, use a regra dos terços para jogar com essa tensão ou para aumentá-la ainda mais e ressaltar esse ponto da história. Se você trabalhar dessa maneira, estará usando a composição como uma ferramenta poderosa para contar histórias. 20. O que são storytelling Shots: [MÚSICA] Sempre que você está escrevendo um roteiro, há algumas cenas padrão que você usa, e abordamos algumas delas em nosso storyboard quando estávamos construindo a sequência de diálogo no salão. Nesta lição, vamos nos aprofundar um pouco mais sobre por que essas fotos são tão úteis. Há o que eu chamo de cenas de contar histórias, ou você pode pensar nelas como cenas dirigidas por personagens. Se você se lembra, usamos o ponto de vista fotografado, que é quando a câmera está nos mostrando algo que um personagem está olhando. Isso pode ser uma foto direta do objeto ou da coisa que ele está olhando, ou pode ser uma foto por cima do ombro que mantém o personagem parado na moldura, mas um pouco para o lado, a fim de enfatizar que o personagem está olhando para alguma coisa. Agora, veja por que a foto com o ponto de vista ou a foto por cima do ombro é tão poderosa. Na última lição, falei sobre a regra dos terços e mencionei que uma das principais construções na narrativa é a ideia de conflito. Expliquei minhas ideias sobre como a regra dos terços pode ressaltar a ideia de conflito em qualquer história. Todas as nossas histórias precisam ter o elemento de conflito que impulsiona a história. Agora, o conflito sempre precisa de um herói e um vilão. Sempre há um elemento bom versus mal em conflito. Essa é a natureza do conflito. Um lado acredita que eles estão certos e, por isso, em cada história, há um herói com o qual nos identificamos. Isso é conhecido como identificação do herói, geralmente é apenas o personagem principal do filme. Para que uma história funcione ou seja atraente de alguma forma para nós como público, precisamos ser capazes de nos relacionar ou nos identificar com o personagem principal, mesmo que esse personagem principal tenha algum defeito. Ou não é abertamente um herói, como no sentido do super-homem. Mesmo com um personagem principal defeituoso, ainda temos uma pessoa identificável passando por uma história ou situação identificável. As duas cenas do cinema que são usadas para garantir que a identificação seja direcionada para o público, ou o close-up sobre o qual falei antes, e o ponto de vista filmado. O ponto de vista nos permite quase ver as coisas do próprio ponto de vista ou através dos olhos do personagem. Isso nos leva a nos identificar com ele ou ela, ou pelo menos a ver as coisas do ponto de vista deles. Agora, estou afirmando isso como algo muito óbvio agora, mas na verdade é muito mais sutil e às vezes até subconsciente, mas é uma das técnicas visuais mais poderosas de contar histórias, então eu realmente quero que você esteja ciente disso e a use em seus storyboards. Toda essa sequência de diálogo entre o xerife e o barman poderia ser reproduzida usando fotos de ponto de vista entre cada um desses personagens. Poderíamos usar uma foto por cima do ombro em quase todos os painéis. Se você estiver usando o ponto de vista fotografado para mostrar um objeto que o personagem está olhando , o que você quer fazer ao embarcar é sempre garantir que você o configure primeiro, motive o corte e, assim, como fiz no storyboard, faça com que os dois personagens olhem para fora é sempre garantir que você o configure primeiro, motive o corte e, assim, como fiz no storyboard, faça com que os da tela antes de cortar para ver qual é a ação fora da tela. 21. Como usar e quebrar a regra de 180 graus: [MÚSICA] A regra de 180 graus é, na verdade uma convenção essencial para você entender como artista de storyboard. Vou explicar sua aplicação em todo o processo de storyboard. Nesta lição, mostrarei exatamente o que é essa regra e também como você pode quebrá-la. Essencialmente, a regra de 180 graus afirma que uma câmera deve ficar em um lado da ação durante qualquer cena. Vejamos um exemplo do que isso realmente significa. Se você tem duas pessoas conversando e está apenas tendo uma ideia de como configurar essa cena, comece desenhando uma linha imaginária entre os dois personagens. Agora, para manter a continuidade e garantir que todos os seus cortes fluam suavemente pela cena , de fluam suavemente pela cena , forma coerente e façam sentido para o público, você pode usar qualquer configuração de câmera que desejar ou qualquer combinação de fotos de sua preferência, desde que fique desse lado da linha. Toda essa área é sua zona segura. Outra forma de dizer isso, ou um termo que você pode ouvir com frequência, é que isso garantirá que seus personagens mantenham o lado da tela. O caractere vermelho aqui sempre estará no lado direito da tela. Não importa qual seja a foto, se você cortar em close-up ou por cima do ombro, esse personagem sempre estará à direita e o personagem azul aqui sempre estará à esquerda de qualquer foto que você escolher dentro de sua zona segura. Da mesma forma, no tiro por cima do ombro ou do tiro duplo, você sempre terá esse personagem azul à esquerda. Se você inseriu uma cena diferente nessa cena de diálogo de um ângulo diferente, digamos daqui, de repente, os personagens serão trocados no quadro e esse efeito será chocante para o espectador. De repente, o público vai começar a se perguntar: o que acabou de acontecer? Esses dois personagens trocaram de lugar? Ou está em um local diferente? Agora, esse é um exemplo muito simples, mas se torna ainda mais importante quando você tem uma sequência de ação ocorrendo. Imagine que você está perseguindo um carro e o carro está se movendo em alta velocidade. Bem, se você mudar a direção da tela, repente o carro, que estava se movendo da esquerda para a direita, de repente parecerá que agora está indo da direita para a esquerda, que é a direção oposta. Às vezes, esse é realmente o efeito que você deseja, especialmente se você tem uma sequência de ação altamente dramática em andamento e quer torná-la ainda mais caótica, então você pode quebrar essa regra de 180 graus e ela funcionará. Mas lembre-se de que, para um fluxo eficaz e coeso de fotos, tente seguir a regra de 180 graus. Vamos voltar à sequência de diálogo. Porque em algo assim, você pode realmente querer mover a câmera por um motivo específico e mostrar os personagens falando de um ângulo diferente, há duas coisas muito simples que você pode fazer. Uma delas é que você simplesmente inclui uma foto que conduza os olhos do espectador a uma transição suave. Por exemplo, basta cortar para uma foto ampla e mostrar um dos personagens , caminhando pela tela até uma nova posição e depois voltar para os close-ups. Isso vai funcionar perfeitamente bem para o público. A outra maneira de fazer isso é simplesmente deslocar a câmera, mostrando ao público exatamente a direção da tela que você está mudando, então mova-a de um lado da sala para o outro. Em termos da regra dos 180 graus, é sempre uma boa ideia esboçar um diagrama aproximado para ajudá-lo a traçar sua ação e movimentos da câmera antes de começar a criar o storyboard. Então, você pode entrar no processo de embarcar suas fotos e não se perderá ou se confundirá sobre onde está sua linha. Isso realmente ajudará você a evitar erros básicos que realmente aparecerão em seu storyboard. É claro que, como qualquer regra ou convenção, ela existe para ser quebrada ou totalmente ignorada, mas sempre seja claro sobre o que você está fazendo e o porquê e lembre-se sempre de qual é o ponto da história da sua cena. 22. Como desenhar câmera se move no seu Storyboard: [MÚSICA] A última coisa que eu quero te mostrar nesta aula são os movimentos da câmera. Isso pode ser um aspecto bastante complicado e bastante técnico do processo de storyboard. Até agora, nos concentramos apenas em usar panorâmicas e zooms simples, mas quero mostrar como fazer alguns movimentos mais complexos e como eles ficariam no contexto de um storyboard. Primeiro, vamos abordar os movimentos de câmera mais comuns que você tem no cinema, como ângulos de câmera e fotos de câmeras. Cada movimento dessas câmeras deve ser usado para ressaltar os pontos da história a qualquer momento. Novamente, pergunte a si mesmo: qual é o ponto da história da cena e como posso visualizá-la ou mostrá-la de uma forma interessante? O primeiro movimento de câmera mais comum é o pan, e usamos muito esse movimento em nosso storyboard. Você o desenha sobre dois painéis como este e indica a direção em que a câmera está girando. Mas observe que uma panorâmica é onde a câmera fica estática e ela simplesmente se move no tripé de um lado para o outro para captar a cena. Você poderia tirar exatamente a mesma foto , mas onde a própria câmera realmente se move de uma posição para outra, isso é chamado de captura de rastreamento. Você pode usar isso, digamos, quando estiver rastreando ao lado de um personagem no quadro, por exemplo. Ambas são a mesma foto de forma eficaz em termos de como você as desenharia em seu storyboard, mas na ação ao vivo, há uma pequena diferença quanto à localização física da câmera quando está gravando a foto. Outra panorâmica comum é a panorâmica diagonal e é aí que você move a câmera em um ângulo. Para criar um roteiro ou desenhá-lo, o que você faz é colocar seus quadros ao redor da área da cena em que você deseja que a panorâmica comece novamente e pare de forma simples, mas neste caso, coloque apenas as linhas vermelhas nos cantos externos. Essa é apenas a convenção de como fazer uma panorâmica diagonal. Depois da panela, você tem a inclinação e novamente, a desenha sobre dois painéis como este, mesmo se quiser ir de cima para baixo ou se quiser começar pela parte inferior e subir para cima. Uma inclinação é onde a câmera está estática. Ele se move para cima e para baixo para tirar a foto, mas permanece em um ponto. Aqui, indiquei as posições de início e parada com A e B. Mas se você quiser que uma câmera se mova que a câmera realmente se mova fisicamente para cima ou para baixo , isso geralmente é chamado de lança ou de boom shot. Novamente, é a mesma foto em termos de como você a desenharia. Esteja ciente de que, tecnicamente, ele tem um nome diferente, dependendo se a câmera se move ou não. Por fim, vamos dar uma olhada no zoom. É aqui que você começa de longe e se aproxima do assunto, ou, alternativamente, começa com um close-up e sai. As setas que você desenha indicarão a direção em que o movimento está indo e você também pode indicar seus quadros inicial e final. Um zoom ocorre quando a câmera se aproxima apenas com a lente, e um rastreamento é quando a câmera realmente começa em uma posição e se aproxima fisicamente do objeto ou do último quadro. Novamente, as duas fotos parecem exatamente iguais em um storyboard. Vamos dar uma olhada rápida em um exemplo de usar todos esses movimentos em uma sequência. A primeira coisa que quero fazer é planejar isso em forma de miniatura. Digamos que você tenha uma paisagem urbana como essa. Você pode ter uma panorâmica ao longo da rua da esquerda para a direita seguida por uma inclinação ou uma lança até este ponto, seguida diretamente por um zoom ou um rastreamento. Tudo isso é uma foto basicamente sem cortes, mas eu usei três movimentos de câmera e quatro posições de câmera: A a B, até C e depois o zoom em D. Agora, o que você faz se precisar desenhar isso em um modelo de storyboard real? Porque o modelo de storyboard não parece ter esse tipo de opção para cortes criativos ou movimentos criativos de câmera. Bem, você pode simplesmente mover esses painéis conforme necessário. O que eu vou fazer é simplesmente excluir essas linhas, então eu vou selecionar e pegar esse painel, arrastá-lo para baixo e agora eu posso desenhar a miniatura exata sobre esses três painéis e funciona perfeitamente para aquela configuração e sequência que acabei de miniar. Só para dar uma ideia de como isso pode parecer no contexto, para que você saiba do que estou falando, digamos que isso fosse parte de um roteiro maior. Pode ser algo tão simples quanto isso. Você tem uma foto de um personagem andando pela rua, talvez um close-up em que ele para repentinamente e percebe que subir as escadas para seu apartamento e então você pode voltar para a panela com que eles andem. Talvez se ele entrar no prédio, você possa ter sua câmera se movendo para cima, e quando ele entrar em seu apartamento, você possa usar o zoom na janela. É um exemplo muito simples, mas eu queria mostrar como você usaria isso no contexto de um storyboard. 23. Seus próximos passos como artista de Storyboard: [MÚSICA] Eu mencionei anteriormente que todo o conjunto de habilidades de um artista de storyboard pode ser dividido em três áreas principais: habilidades de desenho, habilidades técnicas e linguagem visual. Agora, se você se concentrar nessas três áreas de sua arte e trabalhar para melhorar cada uma delas , com certeza desenvolverá um conjunto de habilidades completo e completo para o storyboard. Sua habilidade e competência como contadora visual de histórias só crescerão e se tornarão mais sofisticadas. Acho que é assim que você desenvolve talentos. Quais são os próximos passos para você daqui para frente? Aqui está o que eu quero que você pense nos próximos meses; estabeleça a meta de criar um portfólio com suas ideias para histórias. Agora você pode trabalhar em sua própria ideia de história ou usar um roteiro existente para desenvolver visualmente. Seu portfólio não precisa incluir um roteiro completo. Eu gostaria de ter de 3 a 5 sequências que realmente mostrassem sua capacidade de desenhar ações, personagens, diálogos e apresentações interessantes de fotos e ângulos de câmera. Além disso, em seu portfólio, junto com essas sequências, inclua seus desenhos em miniatura, bem como sua fase de ideação ou sua fase de brainstorming. Além disso, passe algum tempo toda semana desenhando personagens e cenas como peças independentes ao lado suas sequências de tabuleiro finalizadas. Eu também encorajo você a passar um tempo examinando trabalhos de outros artistas e a se inspirar neles o máximo possível. Confira sites como o ArtStation, se você ainda não conhece este. Existem muitos sites de portfólio por aí, mas este é muito bom, tem um nível muito alto de padrão profissional. Claro, siga artistas no Instagram, isso também é muito importante. Por fim, se você está muito interessado em se tornar um artista de storyboard, eu realmente o encorajaria a estudar filmes o máximo que puder. Um ótimo exercício é assistir a um filme e tirar as fotos enquanto você o assiste. Talvez seja necessário pausar o filme, esboçar suas fotos e depois voltar a assisti-lo. Mas essa é a melhor maneira de aprender como diretores consagrados criam suas cenas e sequências. É uma ótima maneira de você ter boas ideias para seu próprio trabalho. Se você estiver interessado em trabalhar para um estúdio, meu conselho é pesquisar os estúdios nos quais deseja trabalhar segui-los em todas as suas plataformas sociais. Mantenha-se atualizado sobre quando eles estão contratando, mesmo que seja apenas para estágios. Mantenha-se atualizado com eles o máximo possível. Se você quiser tentar trabalhar como artista freelancer de storyboard em projetos independentes menores, considere criar um perfil em sites como Fiverr ou Upwork. Tudo o que você realmente precisa é do primeiro emprego e, depois de conseguir isso, todo o resto fluirá a partir daí. Acima de tudo, meu principal conselho é: seja paciente, mantenha-se envolvido com seu trabalho e seu processo e concentre-se em desenhar o máximo que puder. Eu prometo que o resto se encaixará. Tudo o que me resta dizer agora é muito obrigado por assistir a esta aula. Obrigado por estar comigo aqui hoje. Eu realmente espero que você tenha aprendido alguma coisa, que esteja inspirado a pegar esse conhecimento e usá-lo para promover sua carreira e seus objetivos criativos. Avise-me se você tiver alguma dúvida ou se quiser feedback ou conselhos sobre seu trabalho. Vou cuidar de você na seção de projetos e, esperançosamente, na próxima aula que faremos juntos. [MÚSICA]