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Retratos de aquarela — atmosfera dinâmica e tons de pele delicados

teacher avatar Arleesha Yetzer, Watercolor Illustrator & YouTube Artist

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução

      0:46

    • 2.

      Materiais

      1:49

    • 3.

      Misturando tons de pele

      3:48

    • 4.

      Criando paletas de cores

      3:32

    • 5.

      O valor dos esboços de miniaturas

      3:36

    • 6.

      EXEMPLO 1: faça o esboço e crie um ambiente

      4:34

    • 7.

      EXEMPLO 1: crie contraste

      5:13

    • 8.

      EXEMPLO 1: toques finais

      2:47

    • 9.

      EXEMPLO 2: esboço e atmosfera

      6:15

    • 10.

      EXEMPLO 2: crie contraste e estrutura

      7:16

    • 11.

      EXEMPLO 2: detalhes finais

      3:08

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

8.704

Estudantes

100

Projetos

Sobre este curso

O retrato de aquarela pode ser algo bonito e expressivo. Neste curso, vou mostrar algumas técnicas diferentes para misturar tons de pele, como criar paletas de cor coesas e vou guiar você pelos passos que gosto de seguir quando estou preparando e criando retratos de aquarela leves e coloridos. 

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Arleesha Yetzer

Watercolor Illustrator & YouTube Artist

Professor

Arleesha is a watercolor artist and YouTube creator based in the northeastern United States. Her work primarily features dynamic and whimsical representations of the human figure. Primary professional endeavors include her budding YouTube channel with a current subscriber community of over 100 thousand as well as this growing library of Skillshare classes!

Here, you'll find classes on anatomy, figure drawing, and watercolor techniques - all directed to help you improve your portrayals of the human figure. 

If you'd like to connect with me and see more of my work, you can follow me on Instagram or check out my YouTube channel, where I post videos every week. 

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Level: Intermediate

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Transcrições

1. Introdução: Oi, meu nome é Alisha Yates e sou ilustradora de aquarela e artista do YouTube. Retratos em aquarela são minha paixão, então estou muito animado para compartilhar essa aula com vocês. Retratos em aquarela, atmosfera dinâmica e tons de pele caprichosos. Vamos falar brevemente sobre os materiais que você precisará antes de entrarmos diretamente na mistura de tons de pele e criar paletas de cores vibrantes e únicas. Passaremos algum tempo falando sobre a construção de valores efetivos com esboços em miniatura antes de mergulharmos em nosso projeto de aula, onde dividirei meu processo de pintura de retratos em etapas e explicarei cada um deles. Então, se você está pronto para experimentar retratos de aquarela soltos e bonitos, vamos começar. 2. Materiais: Vamos começar falando sobre materiais, o que eu recomendo, e algumas coisas que eu realmente gosto. Começando com dois recipientes de água. A razão pela qual eu recomendo dois em vez de apenas um, é que um vai agir como nossa água suja para enxaguamentos iniciais, eo outro vai ficar mais limpo para nos permitir misturar novas cores sem contaminá-los; e dá-te um pouco mais de tempo antes de teres de arranjar água fresca. Claro, vamos querer ter um caderno de esboços e alguns lápis para tirar ideias. Tenho um conjunto de lápis de desenho de Staedtler ou Staedtler com vários arneses. Eles vão permitir que você obtenha uma maior variedade de tons escuros a claros. Mas se tudo o que você tem é um lápis HB número 2 padrão, isso vai fazer o trabalho, se é tudo o que você tem à mão. Eu também tenho um pouco de papel aquarela barato aqui, bem como meu pincel favorito. Agora, não é segredo que os pincéis vêm em uma tonelada de tamanhos, formas e estilos diferentes. Enquanto colecionar diferentes tipos pode ser divertido, tudo o que você realmente precisa é de um bom pincel redondo de tamanho médio. Realmente, você ficará surpreso com o que um pincel redondo de boa qualidade pode fazer por você. Eu tenho esta pequena lata aqui de cores primárias de várias marcas. Também é muito útil para armazenar um pequeno pincel de viagem e eu posso levá-lo comigo onde quer que eu vá. Vamos falar sobre mistura das primárias, primeiro. Também usarei meu conjunto maior de aquarelas Sennelier e algumas toalhas de papel e estamos prontos para começar. Se você quiser ver mais sobre qualquer um desses materiais, eu vou ter links para o máximo possível na seção sobre esta classe. Tudo bem, vamos começar. 3. Misturando tons de pele: Vamos falar sobre misturar tons de pele. Começaremos com vermelho, amarelo e azul. Depois disso, vou compartilhar com vocês algumas das minhas cores premixadas ou pré-fabricadas favoritas para a pele. A maioria dos tons de pele tendem a se ramificar de uma área alaranjada, então vamos começar por aí. Sua pele provavelmente irá variar em direção a um rosa ou marrom. Como chegamos lá? Vamos começar com esta base alaranjada. Dependendo de como você está planejando estilizar seu retrato, isso poderia funcionar, mas se quiséssemos algo mais dessaturado, como chegamos lá? Se você olhar para uma roda de cores, você percebe que diretamente oposto de laranja é azul, então, adicionando o complemento ou cor oposta a qualquer cor você dessaturar essa cor. Agora que atenuamos isso um pouco, isso está parecendo muito mais com a pele. Hora de experimentar. Talvez você queira uma cor base que seja um pouco mais quente, um pouco mais marrom. Isso parece legal. Ao adicionar um toque de vermelho a esta cor específica, teríamos um blush que poderíamos usar dentro desta paleta particular para aquelas áreas de maior fluxo sanguíneo como as bochechas ou o nariz ou as orelhas e coisas assim. Tenha cuidado ao adicionar vermelho, pois ele pode facilmente dominar suas outras cores. Adicionar um pouquinho de azul a esta mistura nos dará uma bela cor roxa que podemos usar para sombras e áreas mais escuras dentro desta mesma paleta. Continue brincando, preencha uma página com diferentes combinações dessas cores e veja o que você pode fazer. Fica mais escuro, mais leve, mais quente, mais frio. As possibilidades são quase infinitas. Comece com o tom base que você gosta e adicione um pouco de vermelho e um pouco de azul a essa cor para obter variações dentro dessa paleta. Este experimento, vai aprofundar muito sua compreensão da mistura de cores. Depois disso, podemos dar uma olhada em alguns tons pré-misturados. Mas como você pode ver, apenas as primárias em si podem nos dar uma gama muito ampla de tons de pele diferentes e não precisa necessariamente estar dentro de um tipo específico de etnia ou algo assim. Com apenas vermelho, amarelo e azul, sem dúvida nossas cores primárias, podemos fazer praticamente qualquer coisa. Quanto aos tons de pré-mistura, eu tenho alguns favoritos. Começando com este aqui, este é Naples Yellow Deep. É uma cor quente e agradável. É uma boa base amarelada para a pele. Eu também gosto muito de sienna crua. É um castanho transparente muito agradável que funciona muito bem para misturar com outras cores. Este é marrom transparente: um bom valor marrom mais escuro para obter tons de pele mais escuros. Este lindo roxo chama-se Caput Mortum. Mesmo que pareça algo que morreu, é um lindo roxo para sombras. Como um vermelho, eu realmente gosto de alizarin carmesim. É uma cor clara, rápida e transparente que já tem um pouco de dessaturação e funciona muito bem adicionando a outras paletas. Você pode ver aqui que, adicionando uma segunda camada da mesma cor nesta marca em particular, podemos realmente aumentar a vibração, mas qualquer boa aquarela transparente vai se comportar da mesma maneira. Estes são alguns tons que eu misturei dos meus tons de pré-mistura como Naples Yellow, cru Sienna, Caput mortum. Todas estas cores diferentes foram misturadas a partir de cores como estas. A seguir, vamos falar sobre pegar essas cores e criar paletas de cores harmoniosas baseadas na atmosfera e no assunto. 4. Criando paletas de cores: Agora que sabemos como fazer tons de pele, vamos pegar esse conhecimento e aplicá-lo à criação paletas de cores exclusivas para nossos retratos. Eu pessoalmente gosto de trabalhar com essas formas de círculo aqui ao testar cores. Você é bem-vindo para desenhar seus próprios círculos em um papel aquarela e seguir junto. Essas muitas paletes serão divididas em três cores diferentes. Um tom de base, um blush e um tom de sombra. Neste específico, estou começando com o tom de blush. O conceito geral aqui é ter suas três cores dispostas umas às outras para ver como as cores realmente parecem juntas. Lembre-se de aplicar todas as coisas que aprendemos no último segmento. Baseie suas cores umas nas outras. Para criar meu tom de base, eu misturei um pouco do meu tom de blush, e para criar meu tom de sombra, eu fiz o mesmo. Isso ajuda a manter nossas cores mais coesas quando eles têm pedaços uns dos outros neles. Eu também gosto de ter pequenas amostras ao lado do meu círculo. Se as cores misturam tudo dentro do círculo, eu tenho os individuais juntos, separadamente, então eu sei o que eu coloquei lá. Este segundo é uma paleta baseada em refrigerador. Eu realmente gostei deste tom roxo e decidi que em vez de usá-lo como uma sombra, eu ia usá-lo como meu tom de blush. Aqui está outra técnica, se você molhar todo o círculo, suas cores se misturarão um pouco melhor, e você terá um pouco mais de uma idéia de como as cores serão quando eles se tocarem, quando eles se misturam e quando eles começam a se misturar no papel. Eu recomendo experimentar muitas combinações de cores diferentes. Às vezes, como esta, suas cores podem ser baseadas na temperatura. Talvez eu queira algo muito legal com muitos azuis e roxos. Não se preocupe muito com realismo aqui. Isto é tudo sobre experimentos. Ou se eu quiser algo muito mais quente, eu poderia escolher uma cor base como Quinacridone, Ouro ou sienna crua. Não sinta que você tem que seguir um layout específico ao colocar suas cores juntas. O importante é ter um pequeno espaço onde as cores podem interagir umas com as outras, e você pode ter uma visão antecipada sobre como essas serão. Também não sintas que as sombras têm sempre de ter a mesma temperatura. Nos anteriores, minhas sombras foram tons roxos mais frios. Aqui aqueci-me aquela sombra com um pouco de umber queimado e gosto muito da forma como ela se parece quando interage com aquela cor avermelhada. Encha quantos círculos quiser. Agora é a hora de ver como suas cores realmente parecem completamente. Você pode escolher cores com base no humor, temperatura, ou apenas começar com uma cor que você realmente gosta e construir a partir daí. Sua cor base muitas vezes será um pouco mais quente ou mais animada, algo que representa a cor natural da pele. Enquanto suas sombras podem ser mais quentes como um vermelho ou rosa, ou mais frias como um azul ou roxo. Não há regras quando se trata desses experimentos. Basta colocar as cores juntas e ver como você gosta da forma como elas interagem umas com as outras. Eu só estou fazendo seis exemplos diferentes aqui, mas quanto mais você fizer, melhor. Se você fizer seus círculos um pouco menores, você pode caber mais de seis em uma única página. Aproveite o processo. Saiba mais sobre suas tintas em aquarela e saiba mais sobre como as cores interagem umas com as outras. Sinta-se livre para tomar o seu tempo com este passo, pois este é realmente um bom processo de brainstorming para fazer uma paleta de cores que é coesa, harmoniosa e muito agradável sílica. 5. O valor dos esboços de miniaturas: Estamos quase prontos para saltar para os nossos retratos. Mas antes disso, vamos colocar nossas tintas de lado e trabalhar em alguns esboços de miniaturas de valor. Este é o lugar onde esses lápis de desenho definitivamente serão úteis. Vou fazer referência aos meus quadros do Pinterest para estes pequenos estudos. Você pode encontrar um link para aqueles na seção Sobre. Para o propósito deste exercício, vou focar em imagens em preto e branco. Isso tornará a quebra das áreas claras e escuras do nosso assunto muito mais fácil. Usar referências como esta é ótimo para estudos. Mas lembre-se que essas fotos pertencem às pessoas que as tiraram. Então é só para praticar. Como você pode ver, outra parte importante deste exercício é manter seus esboços pequenos. Este livro de esboços tem cerca de 7 por 10 polegadas. Então este tem apenas uns centímetros de altura. É por isso que se chamam miniaturas. Nós vamos fazer um par destes e todos eles vão ser muito pequenos. O que eu realmente quero focar aqui são os blocos maiores de áreas claras e escuras. Não estou pensando em desenhar uma garota na frente de uma parede. Estou focando em formas geométricas de sombra e luz, esculpindo os tons médios e os destaques da minha sombra. Você pode ver que a primeira camada de sombra se mistura com o cabelo, a camisa e o lado do rosto que está na sombra. Isso nos ajuda a lembrar nossa fonte de luz e nossos valores. Então tente não pensar em desenhar um olho, cabelo e etc Pense nisso mais como esculpir luz e sombra em grandes pedaços e, em seguida, esculpir mais fundo para as áreas que são ainda mais escuras. Não se preocupe muito com proporções e fazer tudo parecer perfeito. Isto é realmente apenas sobre entender como o equilíbrio de valores pode ajudar a afetar o tom da peça geral. No segundo, eu queria muito cedo cobrir toda a área em um tom médio claro e depois apagar alguns pontos mais leves com a minha borracha amassada. O foco aqui, obviamente, não está tentando obter proporções super precisas. Nós só queremos entender melhor como o valor e composição funcionam juntos para criar humor e atmosfera. Como você pode ver no segundo, há uma grande parte do topo da cabeça e do rosto que é praticamente tudo na sombra, bem como a parte inferior da roupa. Ao alternar entre diferentes dureza de lápis de esboço, eu sou capaz de obter uma maior variedade de tons para essas pequenas miniaturas. O terceiro que estou me referindo aqui é, na verdade, um pouco mais de um close-up e há um monte de sombra neste. O que você vai ser capaz de ver imediatamente é como a quantidade de escuridão dá um efeito muito dramático. Escuridão cobre todo o fundo, bem como cerca de metade do rosto. O lado sombreado do rosto realmente se mistura diretamente no fundo. O que você vai ver no geral é, fazer esses pequenos exercícios vai ajudá-lo a estabelecer melhor humor e atmosfera e realmente obter um melhor controle sobre os valores antes de saltar para coisas como esta com cores. Então faça quantos esboços quiser. Tal como acontece com todos os outros exercícios que temos praticado durante esta aula, é definitivamente uma ótima ideia começar a juntar as coisas e fazer um projeto de aula. Tenho certeza que eu, assim como outros alunos da turma adoraria ver como você está juntando todas essas coisas. Portanto, não tenha medo de compartilhar seu progresso e deixe-nos ver o que você estava trabalhando, além de compartilhar quaisquer perguntas que você possa ter. 6. EXEMPLO 1: faça o esboço e crie um ambiente: Agora estamos prontos para começar o nosso projeto de aula e falar sobre esboçar e criar humor para o nosso retrato em aquarela. A primeira coisa que vou fazer aqui é me preparar para começar a pintar. Eu tenho meu papel aquarela aqui e minha fita adesiva, e eu vou ir em frente e gravá-lo em uma prancheta. Clipboards são muito úteis porque você pode usá-los uma e outra vez e movê-los ao redor como você pintar. O que eu estou mostrando aqui são algumas páginas do meu caderno de esboços que eu apenas rabisco em torno de preparação para esta pintura. Eu fiz um monte de diferentes pequenos esboços em miniatura, coisas por valor e diferentes elementos que eu pensei que eu queria incluir na peça, bem como testar um par de cores diferentes. Para o nosso esboço aqui você pode ver que eu estou usando outra das minhas referências preto e branco do Pinterest. Novamente, meu foco enquanto estou desenhando aqui não é necessariamente apenas desenhar o que eu vejo, uma garota de pé, inclinada para um lado com uma sombra em seu rosto. Claro, sim, esse é o meu objetivo. Essas são as coisas que tenho em mente. Mas enquanto estou desenhando, estou pensando nas formas. Eu estou pensando sobre a forma de seu olho, a forma das sombras, a forma da luz, e certificando-se de que essas coisas são representadas com precisão, bem como tentar manter as proporções do rosto como o mais preciso possível. Não estou necessariamente tentando criar uma peça final no meu esboço. Isso seria redundante porque eu quero refinar um monte de meus valores e as formas e humor composicional e coisas assim enquanto eu estou pintando. Desenho e pintura podem ser coisas muito diferentes. Se você está criando e desenhando, você provavelmente vai se concentrar mais tempo na renderização com seu lápis, acertando tudo, imediatamente, e quando eu estiver pintando, o propósito do lápis é criar uma estrutura para mim. Seu objetivo é estabelecer diretrizes porque o trabalho vai acontecer quando começarmos a pintar. Para começar a nossa pintura, vou em frente e começar com o nosso passado. Isso vai realmente ajudar a estabelecer o clima um pouco mais, bem como me dar um melhor juiz para nossos valores avançando. Por ter algo diferente do branco da página quando eu começar a trabalhar, especialmente na pele, vai ser muito útil para que meus tons de pele não acabem muito leves porque a única coisa que eu tenho para compará-los, é o branco da página. Estou usando um pincel de caligrafia maior aqui porque contém mais água e é realmente útil para me ajudar a cobrir áreas maiores. O que eu vou estar fazendo é que eu estou colocando neste fundo cor verde, e em seguida, misturando essas bordas com água para criar um efeito de luz suave. Eu estou usando um par de diferentes tons de verde também. O que isso vai me permitir fazer é criar piscinas mais escuras de cor nas áreas mais escuras das sombras para que não tenham todos o mesmo valor. Ele adiciona um pouco mais de contraste e apenas um pouco mais de interesse para a peça em geral. Com aquarelas geralmente, especialmente nessas camadas iniciais, você pode entrar um pouco mais pesado, especialmente quando você está trabalhando com uma tinta molhada porque a cor vai se dispersar e também vai secar, apenas um pouco mais leve. À medida que nos movemos para a pele, molhei a maior parte da área com água antes de começar a aplicar a tinta. Além disso, novamente, a mesma coisa, algumas dessas cores quando elas se deitam pela primeira vez, podem parecer muito brilhantes e muito fora do lugar, mas uma vez que as arrastamos em seus lugares e deixamos a tinta secar, você vai para notar que eles realmente se espalham muito bem, e de repente eles parecem super leves e você pode dizer que vamos precisar de mais camadas para construir nosso contraste. Esta cor que estou usando é uma laranja agradável e quente. Eu acredito que a cor específica é chamada de laranja chinesa, e é realmente bom para colocar em algumas cores agradáveis e quentes blush. Eu entrei com um tom ligeiramente mais frio, quase roxo para começar a trabalhar nas minhas sombras. A mesma coisa que faríamos com o nosso lápis de desenho. Você pode usar um lápis mais leve e sombrear uma área inteira que estava na sombra, eu estou usando este valor mais leve e colocando-o sobre todas as áreas que eu quero ser mais na sombra. Vamos entrar e definir tons mais específicos e pequenas mudanças de valor um pouco mais tarde, mas por enquanto, eu realmente quero me concentrar em apenas estabelecer o humor da nossa peça. Com essa grande sombra e essa área de sombra sob seu cabelo, eu realmente queria estabelecer essas coisas primeiro e seguir em frente com elas no futuro. Eu tenho um pouco de variância em minhas cores quentes e frias neste momento, mas não realmente uma tonelada. 7. EXEMPLO 1: crie contraste: Muito bem, temos as nossas camadas iniciais. Vamos em frente e trabalhar na construção de contraste. Esta é a parte da pintura onde você realmente quer começar a pensar como um escultor. O que eu quero dizer com isso é que você quer começar a esculpir os planos do rosto. Então agora eu quero começar a pensar com mais detalhes sobre lugares que estarão em sombras mais profundas, como as narinas, sob os olhos, o topo do pescoço onde o queixo lança ainda mais sombra, e eu quero começar a realmente começar a pensar sobre as diferenças em minha sombra geral e áreas de luz porque eles não vão ser todos exatamente o mesmo. Uma coisa que eu quero tentar manter em mente enquanto eu estou trabalhando nesta área de sombra, e você vai me ver lutar um pouco através dela, é que áreas que estão na sombra tendem a ser menos focadas em geral. Enquanto eu estiver colocando em muitos valores de sombra, eu não quero que haja uma tonelada de linhas duras dentro da minha sombra geral. Por exemplo, agora, e você vai me ver trabalhando nisso algumas vezes ao longo da peça, há uma sombra dura onde seu rosto termina e seu cabelo começa. Eu realmente não quero que essa sombra dura esteja lá, no fim das contas. O avião que está na sombra, tudo se confunde. É toda essa ideia de quando está escuro, você não pode ver tão bem. Não quero que essas áreas sejam definidas, mesmo estando todas lá. Claro, seu rosto sim, e seu cabelo começa, e isso é uma diferença muito definida. Mas eu quero mantê-lo suave, mantê-lo sutil porque estamos pintando. Não estamos apenas criando algo realista, estamos tentando dar a atmosfera de luz e sombra. Eu também quero ter em mente meus objetivos para o humor geral desta peça. Eu coloquei um monte de cores quentes até este ponto e eu realmente gostaria de mantê-lo desta maneira. Eu gostaria de manter isso como algo quente e verão, talvez seja porque está no meio do inverno agora. Há toneladas de neve lá fora e estou sonhando com dias mais quentes. Mas de qualquer maneira, eu realmente quero manter meus objetivos gerais para esta peça em mente enquanto eu trabalho. Uma das melhores maneiras de manter sua sombra suave é manter toda a área molhada enquanto você está trabalhando. Isso pode ser realmente útil para ajudar suas cores a se misturarem um pouco, mantendo os diferentes valores separados um do outro. Você vai me ver pegar minha ferramenta de calor de vez em quando. Isso é algo que eu realmente gosto de usar para acelerar meu tempo de secagem, então eu não tenho que esperar tanto para que as camadas individuais sequem. É uma ferramenta de gravação em relevo e, claro, será tão bem como todos os outros materiais que eu uso, listados na seção sobre para a classe. À medida que eu construo camada após camada, eu quero ter em mente quais cores eu estou colocando em camadas em cima de quais. Se eu mudar demais e as cores ficam muito separadas umas das outras na roda de cores, então quanto mais perto eu chegar de cores complementares. Lembre-se de que misturar uma cor com seu complemento dessaturará a cor, acabando por fazer marrom. Se eu colocar duas cores que são muito diferentes um em cima do outro, ele vai realmente enlamear meus valores e não vai parecer tão agradável no geral. Eu vou perder esse calor e eu vou acabar com algo que apenas parece lamacento e sujo e muito sobrecarregado. Nesta fase da pintura, este é sempre o estágio preocupado para mim onde você está começando a adicionar contraste, mas não está se juntando. Mas não se preocupe, a maioria das pinturas tem palcos como este. Continue trabalhando, construindo, esculpindo, e você chegará lá. Uma vez que cheguei ao ponto em que eu estava começando a adicionar um pouco mais de meus valores vermelhos para reforçar as áreas blushy e eu estava realmente ficando em meus escuros mais escuros para as sombras, eu comecei a me sentir muito melhor sobre a pintura em geral. Nesta fase, lembre-se, o foco é construir contraste. Esculpir suas características, pensar na maneira como as diferentes partes do rosto estão enfrentando. Por exemplo, mesmo que o lado de seu rosto não seja sombra, podemos ver que há um pouco de luz pegando seus olhos porque esse arredondamento do olho está realmente voltado para a luz e é levantado um pouco. Eu tentei manter um pouco mais de destaque. Quando trabalho com aquarelas, gosto de trabalhar suavemente no início. Então, ter muita umidade e ter as cores misturadas. Quanto mais eu coloco, mais eu gosto de deixar essas bordas duras um pouco mais, para definir os planos um pouco mais, e isso dá um olhar mais abstrato. É totalmente com você. Você vai ter algo mais realista se você misturar suas bordas mais e manter tudo realmente macio porque obviamente não há linhas realmente duras entre as diferentes colorações em um retrato realista. Mas eu realmente gosto de incluir linhas mais duras porque me permite apreciar a textura aquarela um pouco mais e cria alguns efeitos realmente interessantes que são agradáveis de olhar. Mas ainda temos essas diferenças nos planos e as diferenças de cor, e você ainda pode ver todas essas coisas claramente. Depois de entrarmos e construirmos nosso contraste, vamos trabalhar em alguns retoques finais e fazer as últimas coisas que precisamos trabalhar para juntar a peça. 8. EXEMPLO 1: toques finais: Chegou à última etapa, ao empurrão final. Está na hora dos nossos retoques finais. Estas são as últimas coisas que vamos fazer para reunir a nossa peça e garantir que tudo esteja do jeito que queremos. Para mim, isso significava começar adicionando um pouco dessa folhagem que eu tinha em mente que você se lembra de ter visto no meu caderno de esboços. Agora, eu não incluí isso no meu esboço inicial para este quadro porque eu queria que eles fossem espontâneos. Eu queria que eles fossem pinceladas orgânicas que realmente não precisavam retratar folhagem específica, tipos específicos de plantas ou flores ou qualquer coisa assim. Eu queria ser capaz de ser solto com eles sem me sentir muito constrangido. Eu realmente tinha tentado esculpir e construir quando se tratava das planícies do rosto. Eu queria que isso fosse um pouco mais frouxo parte da pintura em geral. Estou muito feliz por ter trabalhado assim. Eu queria incorporar mais verde ao redor do rosto dela também. Tínhamos no fundo, mas eu não tinha realmente nenhum verde em primeiro plano ou em torno da própria personagem. Ao incluir essa cor com o personagem, ajuda a tornar o palete mais coeso. Ao adicionar cores a diferentes partes da pintura, você pode realmente ajudar a reunir tudo e reforçar o fato de que essas diferentes peças pertencem juntas. Tudo o que eu tinha que fazer era entrar e adicionar um pouco mais de contraste e um pouco mais de definição para essas áreas também. Podemos usar essa mesma ferramenta de mistura de cores para nossa vantagem adicionando um pouco de amarelo à sua pele, bem como ao seu rosto. Isto vai ajudar o fundo e o assunto a tornarem-se mais coesos. Como se estivessem juntos, como se as diferentes cores desta pintura fossem feitas para realmente acontecer juntas. Manter suas cores muito separadas às vezes pode fazer parecer que ela não pertence a este ambiente. Ou como se as coisas não se misturassem. Com isso, temos um retrato em aquarela acabado. Espero que tenha gostado de assistir esta aula. O último passo, claro, é sempre remover a fita e assinar a pintura. Espero que tenha gostado de passar por este processo comigo também. Tem sido muito divertido compartilhar isso com você. Mal posso esperar para dar uma olhada em seus projetos também, para ver quais pinturas você vai fazer. Por favor, compartilhe com a gente. Gostaríamos de ver quais pinturas você vai montar. Porque o que quer que você vai fazer será único e será realmente interessante ver como os projetos de todos variam um do outro. Muito obrigado por dedicar um tempo para conferir esta aula, e eu vou te ver na próxima. Pintura feliz. 9. EXEMPLO 2: esboço e atmosfera: Com todas as nossas ferramentas fundamentais implementadas, estamos prontos para começar o nosso projeto de aula. Eu tenho a minha imagem de referência de escolha aqui. Você está vendo isso em cores, mas em um momento vamos ficar vermelho, preto e branco, assim como fizemos ao criar nossos esboços em miniatura. Eu também fiz um pequeno esboço em miniatura. Este é um pouco mais detalhado do que costumo ir com meus esboços em miniatura. Eu sei que se apenas falar sobre isso, mas também foi um pouco de exercício de aquecimento para mim. Eu fiz algumas anotações sobre o que eu queria mudar desta miniatura para a peça final. Quando eu estiver trabalhando nos meus esboços, você vai notar algumas coisas. Eu tenho um bloco de aquarela aqui, então ele está gelado na lateral, então eu não tenho que me preocupar com meu papel deformação e flexão. Eu estou segurando-o em um pouco de um ângulo para que eu não estou vendo em um ângulo distorcido como eu faria se fosse plana sobre a mesa e eu estivesse desenhando. Você também vai notar que eu comecei com a forma geral da cabeça primeiro, antes de entrar no lugar qualquer um dos meus recursos. Você quer pensar nisso um pouco como esculpir. Se você tivesse um pedaço de argila gigante e quisesse esculpir uma cabeça, você não começaria mergulhando em um ponto específico e esculpindo um olho, então você teria que apenas trabalhar para trás para obter a forma geral da cabeça, então é aí que eu começo . Começo com a forma maior do cabelo e da cabeça, e uma vez que estou feliz com isso, começo a esculpir naquela peça maior para criar as características, começando com as características que tendem a sobressair e se destacar mais, ou seja, as orelhas e o nariz. Uma vez que eles são colocados, eu tenho alguns bons pontos de referência para obter os outros recursos nos lugares que eles pertencem. Eu faço a boca a seguir e geralmente tendem a deixar os olhos para o último. Nos retratos, os olhos geralmente tendem a ser os pontos focais. Eu quero ter certeza que eu tenho uma boa base forte para colocá-los em, certificando-se de que todos os meus outros recursos são colocados corretamente, e então eu estou feliz com o ângulo da cabeça, é realmente importante. Eu não quero desenhar um par de olhos que eu amo em uma base pobre ou uma cabeça mal desenhada. Você vai notar com este esboço em particular que eu realmente apaguei e redesenhei os olhos várias vezes. Eu estava tendo alguns problemas para colocá-los no lugar certo, com meu pequeno esboço em miniatura. Eu tinha colocado muito baixo e eles eram um pouco grandes demais, então meu personagem parecia uma criança. Isso é muito divertido, mas não era o que eu queria para esta peça em particular. Ao trabalhar neste esboço final, os olhos eram um pouco pequenos demais, e um pouco alto demais no início, então o personagem parecia um pouco velho demais. Eu estava tentando encontrar um equilíbrio de algum lugar bem no meio. Chegei a um ponto em que tive de parar de tentar fazer com que o meu retrato parecesse exactamente com a minha referência. Uma vez que percebi que, isso era o que estava me estressando, era muito mais fácil fazer backup, e permitir que fosse seu próprio retrato único, e explorar o que estava acontecendo organicamente na página. Quando eu estiver feliz com o meu esboço, eu vou iluminá-lo com uma borracha amassada. Eu não quero esfregar com uma borracha normal no meu papel de aquarela, pois isso iria danificar o papel. Eu costumo usar um lápis colorido em vez de grafite para isso, mas eu queria que fosse mais visível para vocês, para o propósito desta aula. Com o nosso esboço aqui em baixo, vou mudar para definir o tom geral da peça. Isso vai ter muito a ver com a distribuição dos nossos valores. Vou exagerar o que vejo na nossa foto de referência aqui. Obviamente temos cabelo muito escuro, camisa de tom médio, e então um monte de valores variados dentro do rosto que, essa combinação de diferentes níveis de contraste é o que torna o rosto o ponto focal, e é enquadrado por esses valores mais escuros do cabelo, e do suéter. O que eu vou estar fazendo é, eu vou ter a maior gama de valores, aqui, e eu também vou fazer isso tonificando o fundo, então eu poderia colocar uma leve lavagem de cor, para que não haja branco puro em o fundo, que vai permitir que a estrutura do nosso rosto, para se destacar mais. Só queria falar sobre isso antes de começar a pintar, para que tivesses uma ideia de onde venho e do que estou a fazer. Queremos que tudo o resto desapareça, e que se estruture e construa , e chame a atenção para esta área central, especialmente para os olhos. Nos olhos você pode ver que temos nossos valores mais profundos, muita escuridão nos olhos, mas também temos valores muito claros no branco dos olhos. Eu realmente quero enfatizar os olhos como o ponto focal do retrato. Vamos começar a usar nossas aquarelas e vamos em frente e trabalhar estabelecer o clima geral e a atmosfera de nossa pintura. Algo importante que eu quero que você note é que, se você olhar para a minha bandeja de mistura lá, você pode ver que todas as cores que eu estarei misturando, pois esta parte da pintura todos virão exatamente do mesmo lugar. Eu vou estar fazendo para a maior parte apenas variações sutis na cor, para criar algo que é solto, leve. Todas as cores são bastante molhadas e fluirão um para o outro muito, mas todas essas cores vão muito bem ter pequenos pedaços um do outro neles. Vamos usar um círculo como exemplo. Imagine uma forma de círculo na sua cabeça. Vá em frente. Imagine que toda a forma do círculo é toda a pintura. Como você pode ver aqui nós já cobrimos a maior parte do branco da nossa pintura em apenas alguns minutos. Isso é acelerado cerca de cinco vezes a velocidade normal e toda a pintura me levou cerca de uma hora. Mas cobrir a maior parte da minha pintura na primeira lavagem inicial só levou um minuto ou dois. Você quer começar com o círculo inteiro, preencha o máximo que puder. À medida que você trabalha em cada vez menor e menor em direção a ambos os lados em direção ao centro do seu círculo, se pensarmos que é mais como um alvo, perto chegarmos do centro, mais vamos abrandar, focar nos detalhes, e tomar o nosso tempo. Algumas dessas áreas, como o fundo em particular, podem ficar exatamente como estão agora. As primeiras lavagens iniciais são apenas obter um pouco de humor em com a cor, então colocando em alguns pedaços básicos de cor, e começando solto e, em seguida, apertando lentamente os detalhes em áreas focais específicas, nós vamos ter um muito mais pintura dramática e atmosférica até o final. 10. EXEMPLO 2: crie contraste e estrutura: Agora que temos nosso esboço básico sólido no lugar, bem como as primeiras lavagens atmosféricas mais soltas, agora vamos começar a nos concentrar no alvo do círculo metafórico para começar a focar um pouco mais na estrutura. Neste ponto, não vamos entrar com detalhes finais específicos ainda, mas vamos esculpir mais o rosto. Como afirmado anteriormente, construir contraste e estabelecer valores fortes será a chave número um mais importante para ter um retrato que funcione. Eu tenho verde no fundo do queixo, roxo nos lábios, azul e preto, marrom e vermelho, toneladas de cores diferentes por todo o lado. Mas realmente não importa, ou melhor, devo dizer que posso me divertir muito mais com as cores quando sei que meus valores são sólidos, quando todos trabalham juntos. Outra coisa que realmente vai ajudar nossas cores a trabalhar juntas é manter uma paleta de cores relativamente limitada. Como quando trabalhamos em nossas paletas de cores circulares antes. Para esta peça, eu principalmente comecei com uma paleta limitada de azul cerúleo, luz vermelha cádmio, e ocre amarelo. Essas cores criam uma variedade realmente interessante de combinações que eu era capaz de usar para minhas lavagens mais leves. Como o azul cerúleo não é uma cor muito escura em tom de massa, eu também queria adicionar um azul que eu poderia usar para misturar cores mais escuras. Então eu adicionei este índigo ou cor cinza de Payne também. Quando chegar à parte do cabelo, incluirei um castanho também. Eu acredito que usei algo mais quente, mas ainda relativamente profundo em tom como um vermelho indiano. Você notará à medida que nos movemos mais em detalhes que eu estou agarrando meu pincel um pouco mais perto da ponta do pincel, ao contrário dos traços mais soltos onde eu seguraria a extremidade do meu pincel para o início do pedaço. Eu tenho um pouco mais de um aperto mais apertado agora e isso é porque estamos trabalhando em mais detalhes. Você será capaz de ver muito claramente que eu estou passando mais tempo em cada área porque em vez de esculpir os pedaços maiores, eu estou realizando os mesmos exercícios de escultura em áreas menores. Em vez de esculpir toda a cabeça, agora eu estou apenas considerando apenas um olho por si só e trabalhando para fora essas partes mais profundas, os valores de tom médio e deixando algumas áreas mais leves para destaques. Eu vou fazer isso para cada olho e então me mover para outras áreas como o nariz, a boca, e tratar cada seção do rosto como sua própria pequena escultura. Há algumas bordas que vou deixar um pouco mais difícil. A forma da íris e os vincos profundos nos olhos, gosto de ter bordas mais afiadas lá. Em contraste, onde o osso da sobrancelha se curva para baixo nas bordas externas da face, essas transições podem ser um pouco mais suaves, pois é mais uma curvatura do crânio do que uma sombra profunda real. Ter uma combinação de arestas rígidas e bordas suaves vai criar muito mais interesse na sua peça, e você estará estabelecendo muito mais áreas para os espectadores se estabelecerem e dando mais coisas para ver. Se a sua peça é composta de bordas quase inteiramente macias, que significa que você está misturando tudo e tudo é super, super macio, pode quase parecer que a coisa toda foi apenas aerografada. Se você tem apenas bordas duras, então a peça quase pode se sentir muito abrasiva. Se você nunca suaviza nada ou permite que sua tinta fique muito molhada e se misture em outras áreas, pode ser muito dura e um pouco difícil discernir o que realmente está acontecendo na peça. Uma combinação de curvas suaves onde a estrutura facial está apenas fazendo a transição para dentro e para fora da luz e bordas mais duras, molde sombras ou formas definidas como as sobrancelhas e os olhos, essa combinação vai ser realmente útil. Falamos sobre essa ideia geral de esculpir como se aplica a fazer arte, mas eu queria ser um pouco mais específico também e falar sobre nossas aquarelas. Porque sim, estou construindo, esculpindo e pintando, mas também estou trabalhando com uma mídia molhada transparente. Adoro camadas e aquarelas. É um processo tão fascinante criar essas flores suaves de cor e depois colocá-las sobre bordas mais duras ou vice-versa. Lembre-se do seu meio, trabalhar em camadas expressivas lentas pode ser tão gratificante quando se trata de aquarelas. Você pode adicionar tanto caráter a uma cor quando a cor que alguém vê em uma área específica é na verdade uma combinação de várias camadas. O cabelo vai estar em contraste com essa ideia. Queremos ter muita variedade, muito valor, e muito interesse no rosto, pois este vai ser o ponto focal da peça. O que significa que queremos que todos os outros lugares sejam capazes de sentar-se à beira do caminho e não importa tanto. Quando chegarmos ao cabelo, notarão que vou usar traços muito soltos. Eu vou estar apoiando minha mão naquele pincel, segurando um pouco mais perto do final porque eu não quero apertar meu pincel e focar muito em detalhes. Estou focando mais no cabelo, estou criando formas interessantes e mantendo-o relativamente solto. Em nossa próxima seção, quando entrarmos em detalhes finais, eu vou fazer um pouco de sombreamento no cabelo apenas para dar-lhe um pouco mais de profundidade, então não é tanto de uma forma plana, mas não vai ser quase tão detalhada e eu não vou quase tanto tempo lá quanto eu vou na cara real. A mesma coisa vale para a área da camisa deste personagem. Eu principalmente apenas colocar em uma grande lavagem sólida de vermelho, que eu quero agir como uma cor de acento. Mas, novamente, não vai ser tão detalhado. Eu quero pensar sobre como minhas cores estão trabalhando juntas em geral para criar uma atmosfera específica. Ao escolher o vermelho como uma cor de acento, acrescenta essa sensação de tensão e urgência à peça em geral. Vermelho pode ser uma cor que faz com que o espectador pense sobre raiva ou dor ou algum tipo de desconforto. Para mim, esta peça e a combinação de cores faz-me pensar na calma antes da tempestade. Um momento de calma muito intensa, quase estagnação antes que as coisas explodam em raiva ou raiva ou até tristeza. É um pouco de uma peça sombria, mas pensar sobre essas decisões atmosféricas enquanto você está pintando, vai realmente ajudá-lo a aprimorar o que você quer que a peça seja, em vez de apenas jogar tudo nela e ter algo que realmente não funciona. Como outra pequena nota lateral sobre o tema do papel, estou usando um papel aquarela prensagem a frio aqui. Você pode notar, especialmente neste ponto no cabelo, que o cabelo está olhando muito mais leve do que era quando pintamos originalmente. Isso tem acontecido ao longo do processo desta pintura com todas as nossas camadas. Quando você está usando papel de imprensa fria, a tinta tende a se instalar naqueles sulcos e cumes e depressões do papel um pouco mais, e a cor pode secar um pouco menos vívida enquanto é mais indulgente quando Você está falando de bordas duras versus bordas suaves. Papel de imprensa a frio pode ser muito bom para ter bordas que fluem um no outro. Ele ilumina nossa cor, pois seca um pouco mais do que um papel quente também. Mas é por isso que colocamos camadas, é por isso que construímos nossos valores ao longo do tempo. 11. EXEMPLO 2: detalhes finais: Agora é hora de detalhes finais e retoques finais. Neste ponto, é muito importante que você, como artista, decida quando terminar. Estes detalhes finais podem parecer um pouco finicky e é muito fácil sobrecarregar a sua pintura e ficar muito empolgado nesta fase. Embora você nem sempre possa ter uma idéia clara do que você quer de uma pintura acabada, é importante ter alguns objetivos em mente para que nesta fase, você está pintando não fique arruinado ou como eu disse, completamente sobrecarregado. Por exemplo, nesta peça, meus objetivos finais eram garantir que meu ponto focal fosse claro, nítido e intenso, e que tudo o resto fosse uma espécie de complemento desse ponto focal. Então, como eu disse, eu entrei e adicionei um pouco mais de contraste ao cabelo, não muito, apenas um pouco mais e eu também entrei e adicionei mais algumas camadas à área ao redor dos olhos como eu quero que seja a área que desenha mais atenção. Então ele vai ter o maior contraste, a maior variedade de valor e o maior detalhe e tudo o resto vai apenas contrastar e ancorar essa área central. Como nossas cores secam em um papel de imprensa frio, como mencionado anteriormente, essas cores podem suavizar e clarear e tornar-se um pouco mais maçantes. Então eu posso adicionar outra camada ou duas para trazer de volta pequenas quantidades de saturação. Quando estou relativamente feliz com a gama de valores que eu gosto de ir em algumas vezes com guache branco para limpar qualquer área. Então especificamente para este, eu fui em torno do olho de um lado onde a íris tinha ficado um pouco grande demais e fez isso um pouco menor com meu guache branco e eu também adicionei meus destaques brancos para as pupilas. É um pouco de um ato de equilíbrio neste ponto e como você adiciona valores realmente escuros, você pode achar que você precisa de mais alguns tons médios e as áreas ao redor, apenas para ter certeza de que tudo está equilibrado. Tudo bem ficar um pouco irritado, mas faça pausas regulares para se perguntar se as mudanças que você está fazendo são completamente necessárias ou se você está apenas brincando. Tenha objetivos claros em mente e saiba quando sua peça está pronta. Espero que tenham gostado deste projecto adicional de segunda classe. Gostei muito de montar isso para você, e mal posso esperar para ver seu projeto de aula, então, por favor, compartilhe o que está trabalhando. Obrigado de novo por se juntar a mim nesta aula e te vejo na próxima vez. Olhe em frente, o mar está chegando. Sei que passamos por muita coisa, mas espere. Esperar por dias melhores para vir e nos levar como vento em nossas velas. Segure firme, posso sentir o cheiro da costa bem na minha frente.