Psicologia de cinema: emoções direcionadas para engajar o público | Scott Baker | Skillshare
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Psicologia de cinema: emoções direcionadas para engajar o público

teacher avatar Scott Baker, Filmmaker

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução de Skillshare

      1:50

    • 2.

      Por que câmera posição importa?

      2:15

    • 3.

      Ângulos de câmera: alto, baixo ou calçados?

      1:53

    • 4.

      Movimento da câmera

      3:12

    • 5.

      Fotos de ponto de vista: há alguns tipos

      3:00

    • 6.

      Qual é a 4ª parede?

      3:52

    • 7.

      Foco: não é necessário mal

      1:42

    • 8.

      Velocidade do obturador: mais do que uma definição de exposição

      1:34

    • 9.

      Movimento lento

      2:23

    • 10.

      Luz dura e suave

      2:32

    • 11.

      Brilho

      3:34

    • 12.

      Preto e branco

      2:29

    • 13.

      Hue e saturação

      3:17

    • 14.

      Vermelho

      1:24

    • 15.

      Azul

      1:28

    • 16.

      Verde

      1:29

    • 17.

      Amarelo

      2:00

    • 18.

      Roxo

      1:22

    • 19.

      Laranja

      1:12

    • 20.

      Locação

      3:33

    • 21.

      Decoração de conjunto

      3:21

    • 22.

      Introdução de som

      0:43

    • 23.

      Definindo o clima emocional

      4:09

    • 24.

      O efeito de Kuleshov

      2:50

    • 25.

      A música está dentro ou fora?

      1:57

    • 26.

      Construa antecipação e dê cortes

      3:30

    • 27.

      Música ou nenhuma música?

      1:56

    • 28.

      O poder do silêncio

      2:22

    • 29.

      Conclusão

      0:37

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

268

Estudantes

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Sobre este curso

Este curso fornece insights para ajudar você a se aproximar de cinema de uma maneira mais qualificada estudando a psicologia envolvida no cinema. Após a conclusão, você vai entender como os aspectos a seguir podem criar uma conexão mais emocional com seu público.

  • Cor
  • Som e música
  • Técnicas de câmera
  • Localização e design de conjunto
  • Iluminação

Use a câmera (ou telefone) e equipamentos que você já tem. O que é ensinado neste curso pode ser aplicado instantaneamente aos seus filmes e sem necessidade de qualquer equipamento extra ou caro.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Scott Baker

Filmmaker

Professor

After graduating from film school in 2008 I dove straight into the Toronto film industry Directing and Producing a variety of projects such as music videos and short films that have screened at festivals such as Tribeca and Toronto International Shorts. In between projects I also work on big budget film and television such as Suicide Squad and The Boys.

When not on set I'm on the road working with bands, shooting documentaries, and creating other independent projects. Even while traveling for vacation I can't seem to put my camera down, because when you're passionate about something it becomes second nature.

 

Website: www.scott-baker.ca 

Email: 21.bakers.creative@gmail.com

Instagram: https://www.instag... Visualizar o perfil completo

Level: All Levels

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Transcrições

1. Introdução a Skillshare: Pessoal, meu nome é Scott Baker e estou na indústria cinematográfica desde 2009. Trabalhei em grandes programas de TV e filmes. E por outro lado, também dirigi meus próprios curtas-metragens, videoclipes, documentários. E a única coisa que notei na minha carreira é que todo mundo está focado no material técnico, você sabe, câmeras, luzes, software de edição. Mas o que raramente é discutido é por que fazemos as escolhas que fazemos. A psicologia por trás do cinema ao assistir filmes, se você está sentindo certas emoções, não é por acidente. Os cineastas escolheram técnicas específicas e criaram suas fotos de certas maneiras para fazer você se sentir assim. Os melhores filmes são aqueles que nos fazem sentir algo. E os melhores cineastas são os que sabem fazer isso. É por isso que neste curso, vamos aprender como cor, embarque, cenografia, fotos de câmera, som e música afetam as emoções do público. Saber como esses elementos funcionam lhe dará a base para criar filmes mais significativos. Para entender esses conceitos estudaremos e analisaremos clipes de filmes. As discussões serão encorajadas, e se você é novo no cinema ou já experiente no lado técnico, este curso é para você, é para todos os níveis de habilidade. Se você é novo, então entender esses conceitos só facilitará a compreensão dos aspectos técnicos do cinema. E se você já tiver experiência neste curso, vamos pegar as habilidades que você já tem e ensiná-lo a usá-las para tornar seus filmes muito melhores e muito mais envolventes. 2. Por que encontrar a posição da câmera?: A principal coisa a lembrar sobre a posição da câmera é que quanto mais perto o público do assunto ou da ação, mais conectados e envolvidos nos sentimos. E o oposto é verdade. Quanto mais distantes estamos do assunto ou da ação, mais desconectados nos sentimos. Quando estamos mais longe, naturalmente nos sentimos separados da ação. É como se estivéssemos do lado de fora olhando para dentro e sentirmos como se não pudéssemos ser afetados pelo que está acontecendo na cena. Imagine ser um membro do júri assistindo a um julgamento. O vértice não te coloca na cadeia ou te liberta, mas você ainda está lá para testemunhar. Vamos nos aproximar. Agora, tudo se torna um pouco mais íntimo. Podemos ver as emoções das pessoas e sentir-nos como se estivéssemos ao lado delas. Estamos agora envolvidos no que está acontecendo e experimentar o que está acontecendo junto com eles neste caso é outra coisa. Eu vou saber, este lugar perto do Irã. Não importa o quão perto ou longe colocamos nosso público para a ação, depende da colocação de nossa câmera e das lentes que usamos. Um lugar de câmera longe com uma distância focal baixa, também conhecido como uma lente larga, irá distanciar o público. Mas podemos facilmente mover a câmera fechada usando a mesma lente para aproximar nosso público da ação. Se estamos usando uma distância focal alta, também conhecida como lente estreita, então a câmera pode ser colocada à distância, mas o público ainda se sente próximo da ação. 3. Ângulos da câmera: High, Lower ou calçados?: Além de filmar com a câmera perfeitamente nivelada, há três outras opções que podemos escolher. Há um ângulo alto, um ângulo baixo, e o que é chamado de tornozelo holandês. Tiro de ângulo alto é quando a câmera é colocada alta e olhando para baixo sobre um assunto, isso faz com que o assunto pareça menor e dá a sensação de que eles são inferiores ou fracos. Um tiro de ângulo baixo e faz os ângulos opostos para cima no assunto. E ao inclinar a câmera para cima, faz com que eles pareçam maiores e dá ao sentimento seu superior, forte ou intimidante. Usando tiro de ângulo baixo também é uma ótima técnica em edifícios. Ele permite que você mostre que o edifício pode ser grandioso ou sinistro. Pessoalmente, eu não acho que um tiro de ângulo alto tem o efeito oposto em edifícios. Em vez disso, ele funciona muito bem como um tiro mestre para dar ao público e compreensão da cena e é cenário. O terceiro ângulo é chamado de ângulo holandês, e é feito inclinando a câmera ligeiramente para um lado. Esta é outra maneira eficaz de dar ao público uma sensação de desorientação. Transmite a mensagem de que as coisas estão desequilibradas e que algo não está certo. E o tiro não tem nada a ver com os holandeses. Em vez disso, foi uma técnica que usamos muito no cinema alemão. E foi chamado de ângulo Deutsche. Doidge é a palavra alemã para alemão. E então, com o tempo, falantes de inglês meio que o transformaram no ângulo holandês. 4. Movimento da câmera: Junto com a posição da câmera e o ângulo da câmera, o movimento da câmera também é importante. E se suas câmeras vão estar se movendo para o tiro, você precisa decidir se ele é portátil ou será estabilizado com bonecas e acampamentos fixos? Ir de mão com um pouco de vibração da câmera pode criar um campo mais natural e orgânico. Isso é porque está mais perto da forma como vemos as coisas enquanto em movimento. Enquanto isso, muita vibração da câmera pode ter um campo caótico e ansioso para ele. Se estamos usando bonecas e acampamentos estáveis e outros tipos de estabilizadores, ele pode parecer menos orgânico, mas é muito mais suave e parece mais polido. E como os estabilizadores fornecem muito mais possibilidades, podemos alcançar tiros mais complexos e em larga escala, que pode dar a um filme ou a um visto uma sensação mais épica. Seja seu portátil ou usando um estabilizador. Movendo-se entre tiros largos e closeups é uma maneira muito eficaz de enfatizar a emoção. E mudanças. Sair de um tiro apertado para um tiro largo pode revelar coisas para o público que o personagem já estava ciente. E ajuda a enfatizar uma mudança. Essa mudança pode ser um personagem que perde o controle à medida que eles se tornam pequenos e um grande mundo. Ou pode representar uma sensação de se tornar livre. Movendo-se para o outro lado. Empurrar de um tiro mais largo para um tiro mais apertado pode destacar as emoções de um personagem ou até mesmo revelar a emoção. No início, o público pode se sentir removido e a uma distância segura. Mas à medida que a câmera se aproxima, as emoções desse personagem se tornam mais visíveis e mais intensas à medida que o personagem se sente cada vez mais na tela. Como isso acontece, o público não tem mais para onde olhar. Portanto, eles são forçados a reconhecer e empatizar com as emoções do personagem. Por último, temos um zoom de boneca, e esta é uma técnica poderosa para destacar momentos intensos. Funciona bem quando um personagem está tendo uma realização importante. Ele também pode trabalhar para mostrar um mundo fechando em torno de um personagem, criando um sentimento de claustrofobia. Então essas são algumas técnicas que você pode usar para afetar as emoções do público. Mas a parte realmente importante desta lição é a decisão sobre se deve ir handheld ou usar estabilizadores ou qual combinação dos dois que você deseja usar. E isso porque é uma escolha estilística que pode afetar a sensação de todo o seu filme. 5. Fotos em Point of View: Existem alguns tipos: Ponto de vista em primeira pessoa. Também é conhecida como Câmara Subjetiva, ou simplesmente uma fotografia de POV. E o que isso significa é que agora somos realmente o personagem e estamos vendo o mundo através de seus olhos. Em termos de distância da câmera. Isto é o mais perto que podemos chegar. Ele mergulha o espectador no filme e o personagem de uma forma muito íntima. Levando o público para dentro da cabeça do personagem. Ele ajuda o público a sentir o que o personagem campos e a entender melhor o mundo da maneira que ele vê. Essencialmente, existem quatro tipos de PDV é que podemos usar PDV incomum. Isso é frequentemente usado em ficção científica para ajudar o público a entender algo que não faz parte da nossa vida cotidiana. É algo que nunca vimos antes. Um exemplo comum, estar no espaço. POV distorcido, usado frequentemente para estados alterados da mente, seja drogas ou algum tipo de trauma. Perseguindo PDV. Esse tipo de POD cria suspense para o público porque, como cineasta, não estamos permitindo que eles vejam quem ou o que está seguindo. É muito comum em filmes de terror e pode fazer o público se sentir muito desconfortável porque agora eles estão sendo forçados a identificar com algo ou alguém que eles não querem, como um assassino ou um monstro. Voe na parede. Pov, filmando a partir da perspectiva de coisas ou pessoas que são impotentes para fazer qualquer coisa. Nestas circunstâncias. A câmera é como uma testemunha silenciosa de coisas personagens não fariam se soubessem que estavam sendo vigiados. Assim como espiões. Este PDV permite que o público entre em secreções. Outros personagens não têm conhecimento de. As fotos de Pov são mais eficazes quando se sentem naturais e dificilmente são notadas quando são cortadas com os looks dos personagens durante os momentos-chave ou no meio de cenas de diálogo. São exemplos perfeitos. Uma palavra de cautela, usando apenas fotos de POV para um filme inteiro pode se tornar irritante. E em alguns casos, até mesmo nauseante para o público, causando enjoo de movimento. 6. O que é a 4ª parede?: Se você não ouviu falar de uma quarta parede, então aqui está uma rápida explicação antes de discutirmos o efeito de quebrar a quarta parede. Se estamos assistindo a uma peça de teatro, temos 123 paredes. E a quarta parede é invisível que separa os personagens e o público. E esta é a parede que o público assiste. Mas os personagens não sabem disso e não conseguem ver através dele. Se você está no teatro ou assistindo TV do que a tela, é aquela quarta parede. Quebrar a quarta parede acontece quando os personagens do filme se tornam conscientes do público. Isso pode ser feito fazendo com que o personagem fale com o público ou algo tão sutil como fazer contato visual olhando diretamente para a lente. Esta técnica chama a atenção do público porque, de repente eles estão agora envolvidos no filme e eles estão sendo interagidos pelos personagens. As pessoas diziam que você tem uma mãe nervosa. Amor quarta parede cria uma barreira segura para o público assistir o filme anonimamente. Então, quando essa barreira é quebrada, ela pega o público desprevenido. E pode ser surpreendente desde agora que eles foram reconhecidos. E eles se sentem como se eles mesmos estivessem sendo vigiados. Ao lado de uma enorme tigela fumegante de prenúncio. Quando um personagem se dirige ao público. É como uma conversa secreta em que o resto do filme não está incluído. E o que isso faz é levar o público mais fundo dentro da mente do personagem. Deixa-os saber o que estão pensando, como estão se sentindo. E o que isso faz é criar um vínculo muito mais forte entre o público e esse personagem específico. Você nunca pode entrar em um incêndio se eu for preso. Não vai ser por uma arma dessas. E nem sempre tem que ser através do diálogo. Como eu mencionei, quando um personagem olha diretamente para a câmera, essa é outra maneira de quebrar a quarta parede. Vamos fazer uma pequena experiência. Quero que se levante e ande pela sala. E enquanto está fazendo isso, fique de olho na tela para ver onde estou olhando. Então note que não importa onde você andou em seu quarto, parecia que meus olhos estavam seguindo você e eu estava observando onde quer que você fosse. Esta técnica de olhar diretamente para a câmera é frequentemente usada quando há um narrador nesta história. Portanto, quebrar a quarta parede pode ter muitos efeitos, incluindo fazer com que o público saiba que está assistindo um filme pode fazer com que o público se sinta desconfortável, força-o a prestar mais atenção, cria empatia com um personagem. E faz com que o público se sinta parte do filme. Então essa é a quarta parede e como quebrá-la. É uma técnica brilhante de contar histórias e que eu definitivamente encorajo você a tentar com um de seus filmes. Vejo você na próxima lição. 7. Focus: Não o foco não é necessariamente ruim: Naturalmente, nossos olhos se fixarão em qualquer pessoa ou objeto no tiro que estiver em foco. Quando um objeto ou uma pessoa está em foco, nós subconscientemente pensamos, Preste atenção a isso. É importante. E seguimos isso até que o foco mude, nos dizendo para prestar atenção a outra coisa. Mas e quando nada está em foco? Quando tudo está embaçado, nossos olhos não sabem para onde olhar e nós realmente não sabemos o que está acontecendo, que pode criar uma sensação de desorientação sem nada para nos guiar. Nossos cérebros estão procurando pistas para descobrir o que está acontecendo ou o que é importante. Esta é uma técnica que pode ser usada para sonhos. flashbacks tinham ferimentos, cansados ou bêbados. Essencialmente, qualquer estado de espírito alterado. Quando tudo está em foco, é fácil ver e reconhecer o que está acontecendo. Podemos entender, o que nos dá uma sensação de clareza e permite que o público relaxe e simplesmente veja o que está acontecendo ao introduzir um novo local. Ter tudo em foco é uma ótima maneira de dar ao público o máximo de informação possível. Dessa forma, eles podem entender rapidamente o novo ambiente e o que está acontecendo. É por isso que nos esportes, quase tudo está sempre em foco porque queremos ver o que está acontecendo em todos os momentos. Então é assim que o foco pode ter um efeito no nosso público. A outra configuração que podemos mudar e nossa câmera é a velocidade do obturador, sobre a qual falaremos na próxima lição. 8. Velocidade do obturador: mais do que uma configuração de exposição: A maioria das pessoas pensa na velocidade do obturador apenas como um componente da exposição e como controlar o desfoque de movimento. Mas o que eles não percebem é que também é outra maneira muito interessante de afetar como nosso público se sente. Lembre-se, definir a velocidade do obturador para dobrar nossa taxa de quadros produzirá imagens mais parecidas com a forma como percebemos o movimento irregular. Não deve ser confundido com a regra de 180 graus, que lida com o posicionamento da câmera e a continuidade. Se baixarmos a velocidade do obturador, resultará em mais desfoque de movimento. E assim como filmar com foco suave, usar mais desfoque de movimento também pode criar uma sensação de desorientação, como em sequências de sonhos, flashbacks ou cenários de outro mundo. Se aumentarmos a velocidade do obturador, há menos desfoque de movimento, o que faz com que tudo pareça muito nítido e suave. Mas se empurrarmos a velocidade do obturador muito alta, pode fazer nossas filmagens parecerem mais staccato. Isso é frequentemente usado durante cenas de ação onde tudo está acontecendo muito rápido. Ele aumenta a ação e até dá nossas filmagens ou uma sensação mais caótica. E este é um exemplo brilhante de ambas as técnicas. E a transição entre os dois. A velocidade do obturador também é uma maneira de acelerar ou diminuir a sensação de nossas filmagens sem precisar aumentar a velocidade e editar ou filmar em câmera lenta. E câmera lenta é sobre o que vamos falar na próxima lição. 9. Movimento lento: Slow motion é uma técnica que tenho certeza que todos aqui experimentaram simplesmente por causa de como catapora. Mas além da sensação estética para ele, também é uma ótima maneira de dizer ao seu público, Ei, preste muita atenção a isso. Como cineastas, usar o Slow Motion é uma técnica fantástica para exagerar algo importante e garantir que nosso público aprenda detalhes específicos que queremos que eles vejam. Outro uso eficaz é dar ao espectador um momento para acompanhar e construir antecipação pouco antes de mergulhar de volta na ação acelerada. Da mesma forma que um DJ vai abrandar uma música e, em seguida, construir lentamente a antecipação da multidão antes de trazer volta a música inteira e todos ficam loucos. Bem, Slow Motion é uma maneira de os cineastas fazerem isso de forma visual. Finalmente, também pode ser uma ferramenta muito útil para transmitir os pensamentos internos de uma pessoa. Abençoada Os ramos são mexidos, pitada de sal. E, claro, ele só parece realmente bom cinematicamente, exemplos sendo concertos ou esportes. Mas ao usá-lo para fins de contar histórias, use-o seletivamente e pelas razões certas. Porque quanto mais você usá-lo, menos impacto ele tem cada vez. 10. Luz de luz difícil e suave: Ao decidir como iluminar uma cena, há dois espectros de luz que estamos trabalhando com eles. Temos a nossa luz dura e somos leves suaves. E essencialmente o que é isso é a manipulação de sombras. Primeiro, vamos dar uma olhada na iluminação rígida. iluminação rígida cria sombras severas com linhas distintas e geralmente com grande contraste. Cria uma sensação de oposição, dificuldade e tensão. É frequentemente usado para vilões e é um grampo no gênero do filme noir. Cria uma sensação de poder. Pode intensificar uma cena. E também pode colocar o foco em um caractere ou objeto específico. Na outra extremidade do espectro, temos iluminação suave. É melhor usado para comunicar um sentimento de felicidade e calma. É frequentemente usado para cenas românticas e finais felizes. Para este videoclipe, queríamos ir para os extremos extremos da luz dura e suave para demonstrar o conflito interior e o desejo da mensagem das músicas. Para criar a Hard Light, apagamos uma garagem e usamos um único holofote acima para o artista entrar e sair. Observe como isso cria linhas sólidas entre luz e sombra. E em certos ângulos, partes dele desaparecem completamente na escuridão. Isso ajuda a exagerar a ansiedade e a pressão que ele está sentindo. Aqui. A sombra do queixo faz com que não possamos nem ver como pescoço. Para justapor suas cenas. Filmamos a fêmea lá fora usando a luz solar. E se houvesse alguma sombra dura lançada, honra, nós suavizamos essas usando refletores. Observe como as sombras nela são muito leves e não escondem suas feições. Isso complementa sua atitude descontraída e feliz enquanto passeia pela praia de uma forma de sonho. Para igualar a luz dura extrema que foram usadas nele. Decidimos estourar algumas das cenas suaves da LET sobre ela. E para misturar os dois extremos, usamos vazamentos de luz como uma forma de transição entre os dois. 11. Brilho: A segunda escolha que temos é o quão brilhante ou escuro para fazer nossas cenas. Agora isso pode ser afetado por uma série de coisas, como a hora do dia que você está filmando, seja de noite, meio do dia ou hora mágica. E também pode ser afetado por se você está filmando em ambientes fechados ou ao ar livre. Mas para esta lição, vamos apenas nos concentrar em como o nível de brilho pode afetar o humor e a sensação de nossos filmes. Quando tudo está bem iluminado, nos permite ver tudo, o que, por sua vez, dá clareza e compreensão ao que está acontecendo. Daí o ditado, claro como o dia. E quando não entendemos o que está acontecendo, naturalmente nos dá uma sensação de calma. Isso, por sua vez, também pode fornecer ao público uma sensação de segurança. Embarque mais brilhante. Ele também se sente mais positivo e edificante, é por isso que a maioria das comédias para a maioria de um filme ou bem iluminado. Quando escolhemos deixar os nossos filmes mais escuros, naturalmente tem o efeito oposto. iluminação mais escura pode indicar drama ou perigo. E porque não podemos ver no escuro, ele também representa o desconhecido. Daí o ditado, deixado no escuro. Para os humanos, o desconhecido pode ser inquietante porque nós não sentimos mais que temos controle da situação. Os melhores exemplos são filmes de terror. Quando você estiver assistindo a um filme de terror, observe como os momentos assustadores serão à noite ou em lugares escuros nos fazendo ficar tensos. Mais alerta. Talvez para alguns de nós, até o nosso ritmo cardíaco aumente. Mas quando a parte assustadora acabar, há uma transição rápida para o dia ou para algum lugar bem iluminado. De repente, sentimos uma sensação de alívio. E como o público, temos uma pequena pausa da tensão antes que o diretor mergulhe de volta e nos leve a quem aquela montanha-russa novamente. Na cena de abertura deste curta-metragem, filmamos à noite para criar essa sensação de perigo. Mas ainda fomos capazes de jogar luz e escuridão um contra o outro , tornando todos os tiros femininos mais brilhantes para mostrar sua inocência, entrar em bondade. Considerando que o personagem ruim, nós mantemos tee shots mais escuros. E o mais importante, mantemos o rosto dele nas sombras para fazê-los parecer mais perigosos. E, ao contrário, na luz e no escuro dos personagens, isso ajuda a criar mais tensão à medida que se aproximam e se aproximam até que eventualmente se cruzem. Luz versus escuridão é algo com o qual estamos familiarizados em um nível subconsciente desde que éramos crianças. Estamos todos muito familiarizados com o bem contra o mal. E provavelmente já ouvimos o ditado, a diferença é noite e dia. Quando se trata de cinema, brincar com esses dois opostos pode ser muito divertido e extremamente poderoso. 12. Preto e branco: Então, preto e branco é muito semelhante ao claro e escuro. Mas tem uma diferença muito importante. E isso é que ao usar preto e branco, dependendo de como o usamos, ele pode jogar em ambos os lados de nossas emoções. O preto é muitas vezes associado ao mal e à morte. Pense em funerais e bruxas, por exemplo. E é por isso que imagens pretas e escuras são sempre tão prevalentes em filmes de terror. Pense nas associações que lhe demos ao longo do tempo. Há a Terça-feira Negra, a peste da Peste Negra, gatos pretos. Mas também representa poder, sensualidade e mistério. Considere faixa preta no karatê, festas chiques de black tie, ou o misterioso mercado negro. Não é surpreendente. Branco tem muitos dos significados opostos do preto, como peça inocente e novos começos. Está associado a anjos, pombas e casamentos. Mas também pode ser percebido como vazio, frio, estéril. Pense em hospitais, inverno. E para escritores que sempre assusta uma página branca em branco. Ao usar apenas preto e branco. Tem a qualidade única de se sentir velho. E isso é por causa da nossa associação com a fotografia antes do filme colorido ser inventado. Então agora que olhamos para preto e branco e como isso pode jogar com nossas emoções. Nas próximas lições, faremos o mesmo com as outras cores. Te vejo lá. 13. Hue e saturação: cor é tão prevalente em nossas vidas cotidianas e em tudo o que fazemos. É muito fácil ignorar ou subestimar o impacto que tem nos EUA. Estudos mostraram que a cor de uma sala pode afetar a forma como nos sentimos. A cor do nosso próximo afeta a maneira como as outras pessoas se sentem em relação a nós. Pode até mudar a forma como interpretamos o sabor da comida. Se você já ouviu o ditado, sentindo-se azul ou verde de inveja. Isso é porque todas as cores têm um efeito emocionalmente honesto. E não é diferente quando se vê um filme. Existem dois componentes que entram em cores. Primeiro é a tonalidade, que é a cor real. E em segundo lugar é a saturação, que é o quão vibrante ou pálida a cor é. Quanto menos saturadas as cores, mais desbotadas elas parecem. E isso dá a impressão de cansaço, estar desgastado ou ser velho. E é frequentemente usado para flashbacks ou maneiras de nos lembrar do tempo antes de usarmos a fotografia colorida. Se as cores são altamente saturadas, isso nos leva a lugares de imaginação e vivacidade. A cor pode primeiro ser dividida em duas áreas na roda de cores. Quente e frio. Cores quentes sendo vermelho, laranja e amarelo. As cores frias são azul, roxo e verde. As cores quentes são conhecidas por serem estimulantes e apenas uma pequena quantidade pode criar uma energia. Mas se vemos muito de cores quentes, eles podem realmente tendem a se sentir um pouco irritante e esmagador. Do outro lado da roda. As cores frias são conhecidas por aliviar o estresse, é por isso que eles são mais populares para criar um ambiente calmo e relaxante dentro de casa. Pense no oceano ou na floresta. Neste curta-metragem, optamos por usar cores mais legais e depois dessaturá-las , a fim de dar ao filme uma atmosfera corajosa e sombria. Para este pequeno documentário, foi o oposto. Íamos para um tom mais otimista. E então tentamos filmar em lugares com cores mais quentes. E às vezes aumentamos a saturação para dar a essa filmagem mais pop e nos sentirmos mais felizes e positivos. Mas as cores são designadas como um significado ou uma emoção. Então, nas lições a seguir, vejamos cada cor com mais detalhes. 14. Vermelho: Vamos começar com vermelho. E isso porque é a mais intensiva de todas as cores. Portanto, não é surpresa que ele também traz as emoções mais fortes nos EUA. Vermelho representa Amor, Poder e sensualidade. Mas também pode representar bash, plenitude, raiva e perigo. É uma das 3 cores prime do RGB. Então faça sentido que é um dos mais versáteis. Nesta cena, Read ajuda a intensificar a raiva que os personagens estão sentindo. Neste vídeo musical, nós lhe demos um tema de cabaré e mantemos a paleta de cores para vermelho e preto para enfatizar a sensualidade do barman e seu poder sobre os caras da banda. Não só a vestimos de vermelho e preto, mas contrastamos isso fazendo com que os caras usem branco para mostrar ainda mais sua inocência em comparação com ela. 15. Azul: Azul é a terceira das 3 cores prime, e indiscutivelmente é a segunda cor mais forte ao lado de ler. Isso também pode explicar por que sempre vemos azul e vermelho sendo usados por partidos políticos em diferentes países. Azul é visto como confiável, careca, e oferece uma sensação de calma e estabilidade. Não admira que seja a cor mais popular que os homens usam no nosso primeiro encontro. Embora eu tenha certeza que as escolhas ainda subconscientes. Somos um céu azul invocado paz e felicidade. Azul escuro pode se sentir triste e representar depressão. E como está no lado frio da roda de cores, quando usado de certas maneiras, também pode sentir frio e isolante. O tema por trás deste vídeo musical foi para o artista ser conectado à tecnologia e alheio ao mundo ao seu redor para ajudar a alcançar isso. Sempre que mostrávamos a ele sozinhos, davamos a filmagem do tom azul para fazer sentir frio e como se ele estivesse isolado do resto do mundo. E quando mostramos a outras pessoas, essa filmagem tem um tom mais quente e mais âmbar, a fim de separá-lo ainda mais daquele mundo. O valor esperado. 16. Verde: Verde é a segunda cor do RGB, e cai no lado frio da roda de cores. Representa coisas como crescimento, bloqueio, fertilidade e, mais recentemente, tecnologia. Por outro lado, também pode indicar ganância, inveja e doença. Quando o verde é visto na natureza, ele se sente saudável, mas nos hospitais, transmite um sentimento de doença. Este curta-metragem que editei tinha um enredo muito desconfortável no assunto. O diretor queria um sentimento doentio. Então, quando se tratava de colorir o filme, demos a certas cenas um verde dessaturado pálido, a fim de conseguir isso. Nesta cena de abertura, verde exemplifica a natureza e a saúde. Então, no final do filme, ele pode ser visto como representando novos começos e crescimento. Os filmes Clube da Luta e a Matrix. Outros grandes exemplos de como a cor verde pode ser usada na produção de filmes. 17. Amarelo: Muitas vezes é visto como palavras calorosas, alegres e enérgicas que você poderia facilmente usar para descrever o sol. O intelecto é outra característica associada ao amarelo, bem como às idéias. E em alguns cenários muito raros, pode representar covardia e com um pouco de manipulação como dessaturação, e talvez durante um pouco. É semelhante ao verde no sentido de que também pode se sentir doente. O filme zodíaco também usa amarelo como uma das cores principais, mas não da maneira brilhante e alegre. A história é sobre um serial killer e ocorre no final dos anos sessenta e início dos anos setenta. Usando tons desbotados e sujos de amarelo, ele ajuda a dar ao filme e olhar mais velho e uma sensação ligeiramente doente para combinar com o período de tempo e o assunto. Um contraste interessante é que o protagonista, interpretado por Jake John Hall, é principalmente acompanhado pela cor azul. Nesta cena de escritório, ele cercado de amarelo e marrom e ele se destaca por usar azul brilhante. E mesmo nesta cena de bar, ele está bebendo um coquetel azul brilhante. Estes não são, de modo algum, acidentes. São maneiras sutis que diretores e designers de produção afetam a maneira o público se sente e como eles conectam as coisas ao assistir filmes. Neste breve documentário, a abundância de amarelo joga aos seus pontos fortes e ajuda a criar um campo feliz e edificante para o filme. Amarelo também foi usado para chamar a atenção das pessoas. E é por isso que é usado em muitas placas de trânsito que alertam de cautela. Então, se você quiser realmente chamar a atenção de alguém ou fazer algo se destacar, considere torná-lo amarelo, especialmente em um ambiente mais escuro. 18. Roxo: Embora o roxo seja uma cor popular, não é uma que vemos muito em nossas vidas cotidianas para quando vemos, ele realmente se destaca. E a escassez remonta a séculos, há muito tempo. Era um processo tão caro e difícil produzir a cor que apenas os mais ricos podiam pagar. É por isso que hoje, ainda associamos a cor roxa com riqueza, poder e luxo. Também não é visto na natureza tanto quanto as outras cores, e, portanto, é visto como exótico e sensual. Roxo é uma combinação de vermelho e azul. Portanto, não é surpreendente que compartilhe algumas das mesmas características, como ousadia e poder. Willy Wonka é um filme cheio de cores brilhantes. Mas curiosamente, ao longo da maioria do filme, o único sinal de roxo é a jaqueta dele, que definitivamente o faz se destacar neste mundo de doces exóticos que ele criou. A única outra vez que o roxo é visto em abundância, isso é visto aqui onde a menina rica é o foco? Talvez seja uma coincidência. Mas duvido que uma cena tão significativa tenha sido desenhada desta forma por acidente. 19. Laranja: Muito parecido com amarelo, laranja é usado para chamar a atenção das pessoas. E também é visto como a mais enérgica das cores. É muito estimulante, é por isso que se associa a coisas como criatividade e entusiasmo, bem como alegria e até mesmo justiça. Mas, como mencionado anteriormente, muito de uma cor quente como laranja, pode virar de estimulante, muito distrativo e, em algumas circunstâncias, até irritante. No filme, uma Laranja Mecânica. Não é surpresa que vemos laranja com bastante frequência, mesmo que pareça alegre por causa dos filmes assunto preocupante, o uso de laranja muitas vezes se sente mais cauteloso, irritante. Por outro lado, neste videoclipe, usamos laranja para complementar o campo energético da música e do vídeo. 20. Locação: Escolher o local certo é um primeiro passo importante para garantir que seu filme ou as cenas dentro do filme tenham o rakefile. E se você escolher o ArrayLocation, tudo depois, é um pouco mais fácil. Sem mencionar mais barato, especialmente quando se trata de definir decoração. O que sente quando vê casas abandonadas e becos? Pessoalmente, tenho a impressão de perigo. Enquanto isso, sentar-se em casa no sofá parece muito seguro. As salas de aula são chatas, enquanto os playgrounds são divertidos. As prisões são ordenadas e os conteúdos são caóticos. Quartos ou escritórios pessoais ou formal. Praias e florestas são pacíficas e lentas. Enquanto isso, as cidades se sentem ocupadas e apressadas. Se nossa história deve ter um senso de liberdade e aventura, então não faz muito sentido filmar dentro de casa ou em salas minúsculas. Queremos filmar ao ar livre para podermos ver o mundo inteiro. Agora, se estamos filmando um filme de fuga de prisioneiros, então filmar dentro de casa e em espaços minúsculos é o que queremos fazer porque queremos aquela sensação de estar presos e claustrofobia. Para este curta-metragem, queríamos que tivesse uma sensação suja, desconfortável e ligeiramente perigosa. Então, para que os locais se encaixem nisso, escolhemos estacionamentos vazios, becos traseiros com graffiti e outros cantos negligenciados da cidade. Até o carro era uma espécie de local. Então escolhemos todos os carros batidos com manchas e densas e arranhões. E para este videoclipe, queríamos que ele tivesse uma energia ocupada. Então, para conseguir isso, filmamos em ruas movimentadas e cruzamentos da cidade durante a noite, quando sabíamos que haveria muito trânsito e pessoas ao redor. Se você não tem o local certo, então talvez você tenha que alterar o projeto em torno dele para que ele se encaixe. Ou talvez você encontre um local que você absolutamente ama e construa um conceito em torno desse local. Para este videoclipe, discutimos muitas ideias. E no final decidimos que a banda deveria tocar para a multidão. E que os membros da banda deveriam estar tentando impressionar uma garota. Quando encontramos um local que nos deixaria filmar, acabou por ser um bar estilo cabaré e parecia incrível. Então, em vez de tentar mudá-lo e torná-lo mais rock and roll, nós adaptamos nossa idéia para caber no bar e aproveitá-lo já. Olho brilhante. Essencialmente, foi design de produção livre. Para se adaptar ao local. Trocamos as roupas de todos e em vez de a garota ser fã, fizemos dela a garçonete. E também mudamos a cor e o design da iluminação de preto e branco para principalmente vermelho, mas com detalhes em preto e branco. No final, o local deu um vídeo de aparência muito mais original e uma atmosfera que se encaixam na música muito melhor em nossa idéia original. Muitas vezes, o que vai acontecer é que você vai ter uma boa localização, mas não é completamente perfeito. E é aí que entra a decoração do set. E é isso que vamos ver na próxima lição. 21. Decoração de conjunto: Este cenário dentro de nossos filmes deve ser decorado com tanto cuidado e detalhe como qualquer outro aspecto criativo do filme. Fazer um grande conjunto não só torna seu filme mais crível, mas se feito bem, também pode atuar como um tipo silencioso de personagem. Agora, mesmo que tela verde e CGI está se tornando cada vez mais popular e mais e mais avançado. Alguns dos melhores cineastas ainda preferem a construir seus sets e tê-los na vida real. Porque oferece uma sensação de autenticidade que o CGI ainda não consegue combinar. Como estão definidos para decorar. Ele pode dizer rapidamente ao público o período de tempo. Se a história está ocorrendo em uma cidade ou fora do país em terras agrícolas. Ele também fala muito sobre o personagem ou os ricos ou pobres. Eles são um estudante ou um profissional. Eles são organizados ou são desleixados? Ou coleção de discos mostrará que há amante da música, eletrônicos extravagantes e carros, riqueza Michelle e memorabilia esportiva. Bem, eles são obviamente um fã de esportes. Agora vamos imaginar que estamos filmando uma entrevista em um escritório com uma grande mesa de carvalho e centenas de livros. Será que este espaço poderia muito facilmente trabalhar para um professor ou um escritor. Mas dependendo de quem esse personagem ou quem é essa pessoa, vai mudar a forma como vestimos esse conjunto. Se for para um professor, podemos imaginar que a sala estaria bem organizada. A mesa seria mais clara, exceto por uma pilha de papel, talvez uma lâmpada e talvez um livro ou dois. Mas o escritor vai, eles provavelmente teria um páginas soltas e notas espalhadas por todo o lado. Várias xícaras de café ou sanduíche meio comido e uma dúzia de livros abertos. Se os conjuntos estão lotados, pode dar uma sensação claustrofóbica ou talvez um aconchego, enquanto um espaço vazio pode parecer ordenado. Mas também isolado. Identificou meu amigo. Então você realmente gosta de dizer que um bom exercício é olhar em volta do seu quarto ou da sua casa. Veja o que diz sobre quem você é como pessoa. Suas coleções, suas decorações, suas fotos, seus móveis. Esse mesmo exercício pode ser feito quando você está decorando um conjunto. Porque tudo no set diz algo sobre o personagem, o lugar e a hora. E todos os três podem ir para a criação da taxa sentir uma atmosfera para os seus filmes. 22. Introdução ao som: Até agora, neste curso, focamos tudo em visuais, que faz sentido porque é a coisa mais fácil com a qual podemos nos identificar. Quando assistimos a um filme e contamos a alguém sobre isso, contamos a eles sobre o que vimos no que aconteceu no filme, que é tudo visual. Mas muitas vezes negligenciamos o áudio. E o áudio é o verdadeiro mestre de marionetes que está controlando nossas emoções. Tente assistir a um filme que não tem música. E então veja o quão rápido você fica entediado ou desengatado do filme. É por isso que, como cineastas não podemos ignorar isso e precisamos ter tanta atenção quanto temos. Os visuais. 23. Definindo o clima emocional: No início de um filme, música pode definir o humor em segundos, e é muito mais fácil fazê-lo com música e visuais. Então, que tipo de informação nos é dada com estes dois clipes? Bem, na primeira, tudo o que sabemos é que estamos debaixo d'água. E no segundo há algum tipo de feijão que está sendo processado. Realmente. Não fazemos ideia do tipo de filme que vamos assistir. Já sabemos o modo do filme. No primeiro exemplo, é assustador, um sinistro, e no segundo exemplo, é alegre e emocionante. A música sempre foi usada para expressar o bem contra o mal, ou feliz e triste, ou define o ritmo seja rápido ou lento. Esses são apenas alguns exemplos dos diferentes tipos de emoções e atmosferas que a música pode ajudar a criar para o seu filme. Então, seja qual for o tom que você quiser que seu filme tenha, você precisa encontrar a música que se encaixa nisso, que ajudará a envolver o público. 24. O efeito Kuleshov: Para provar ainda mais como a música pode afetar e até mudar completamente uma cena. Primeiro precisamos nos referir ao nível do artefato piolento. Lei Coolesa era o nosso cineasta russo. E 19-21, ele montou um experimento onde ele filmou um homem com uma expressão neutra. Ele então editou a mesma foto ao lado de uma garota em um caixão, uma tigela de sopa, e uma mulher em um sofá. Quando essas edições foram mostradas a um público, o público aplaudiu suas habilidades de atuação, pensando, ele fez um ótimo trabalho de mostrar emoções diferentes, Tristeza, fome e luxúria. O que o público não sabia era que era a mesma foto em todas as edições. O experimento provou que um único tiro nos diz muito pouco. Mas quando dois tiros são colocados juntos, essa é a chave para criar emoções. Ou estas lágrimas de alegria ou tristeza. Bem, isso depende. Se eles estão em um casamento, é a alegria. Se eles estão em um funeral e é tristeza. Mas simplesmente olhando para uma pessoa chorando, não sabemos qual é. Não é até vermos seus arredores ou uma segunda foto que entendemos o significado de suas lágrimas. Podemos aplicar o artefato frio à música, bem como adicionando músicas diferentes para a mesma foto ou a mesma cena. Outra técnica poderosa que você pode usar é justappor a música com a cena. Por exemplo, ter música alegre durante uma luta, mesmo. E o que isso faz é criar um sentimento desconfortável para o público porque você está fazendo com que eles sintam emoções opostas. O ponto que eu estou enfatizando é que você nunca pode subestimar o quão importante suas escolhas musicais são. A escolha de música certa pode levar o seu filme a outro nível. E a escolha errada pode levar seu público na direção completamente errada. 25. A música é dentro ou fora?: Este é um conceito interessante que todos nós vimos os filmes, mas não necessariamente tomou conhecimento. Levei anos para estar ciente disso e entender o significado disso. Essencialmente, se a música está dentro do filme, isso significa que os personagens podem ouvi-la e, por sua vez, eles podem interagir com ela. Quando a música está fora do filme, como uma partitura. Isso significa que só o público pode ouvi-lo. Essencialmente, a partitura é para o público e a música dentro do filme é para o público e o personagem. E se feito corretamente, uma ótima técnica é a transição de um para o outro. Então, ao adicionar música ao seu filme, não escolha apenas qualquer música aleatória e jogue-a lá com o vídeo e pense que isso é bom o suficiente. Você precisa considerar, como você quer que essa música seja incluída no filme? E mais importante, você quer pensar sobre como essa música afetará os personagens e seu público. 26. Crie a antecipação e dê cortes: A combinação de som e música é fundamental para criar antecipação e dar pistas ao seu público. E apenas a partir da cena de abertura, a música e os efeitos sonoros já nos dizem que este filme vai ser uma adrenalina emocionante. Outro exemplo brilhante é o filme Tubarão. Toda vez que ouvimos essa pontuação, o público é colocado no limite sentindo tensão e medo em antecipação ao próximo ataque de tubarões. E no próximo exemplo, ou a música tem o efeito oposto. Parada repentina para a música também pode ser usado para aumentar o suspense os campos do público. Mas neste exemplo particular, com o canto alegre junto com o desvanecimento do escuro para a luz. Significa um fim para o perigo. O uso de efeitos sonoros também pode dizer ao público o que está acontecendo fora da tela. Pense em um chão rangendo. E o público ouve que sabe que alguém está na sala ao lado ou andando no chão acima. E à medida que esses riachos ficam cada vez mais altos, o público sabe que essa pessoa está cada vez mais perto. Ao tomar decisões visuais, como cineastas estavam se concentrando no que está na tela. Mas ao tomar decisões criativas para música e som, precisamos expandir nosso pensamento para o que está fora da tela. Como cineasta, coloque-se nesse mundo. Que tipo de coisas você faria aqui, que tipo de coisas você sentiria? 27. Música ou sem música?: Sempre vale a pena considerar se uma cena precisa ou não de música. Como vimos, a música pode ajudar o público a entender o tom e a atmosfera do filme. Mas há cenas em que não precisamos da música porque pode distrair. Então apenas conversa parece que é quando queremos que o público esteja prestando atenção ao diálogo. Para que eles possam entender os próximos passos no enredo e pegar informações importantes para o instituto. Arranhar. Então o que eu vou precisar de você é olhar essas fotos para mim. Viemos e eles precisam saber se algum desses homens se encaixa na descrição do lado do menu do parque. E depois há aquelas cenas onde a música pode funcionar, mas também ter apenas efeitos sonoros pode funcionar para criar a emoção que queremos para o público. Os melhores exemplos disso são cenas de ação. Então, se você achar que uma cena funciona bem com música ou com apenas defeitos para baixo, ou talvez uma combinação de ambos. Então é uma escolha criativa que você como cineasta tem que decidir. O que você quer que o público sinta e como você quer que eles experimentem isso? 28. O poder do silêncio: Nunca subestime o poder do silêncio. Muitas vezes, os novos cineastas sempre sentem a necessidade de ter diálogo, música ou algum tipo de áudio. Mas quando usado corretamente, silencioso é uma das ferramentas mais poderosas que temos à nossa disposição. Dependendo do contexto, ele pode transmitir desorientação ou foco extremo e um personagem e destacar momentos importantes. O silêncio entre personagens pode criar tensão e emoção aumentada. Onde você está me levando? E cortá-lo com cenas altas ou música também pode ajudar a enfatizar o silêncio e a importância. silagem é uma ótima maneira de chamar a atenção do público. Porque o que você fez como cineasta foi tirar um dos dois principais sentidos que o público usa ao assistir a um filme. Portanto, agora você os forçou a se concentrar e prestar atenção a todos os detalhes visuais, a fim de tentar juntar as peças do que está acontecendo. Obrigado por assistir. Verei todos na próxima lição. 29. CONCLUSÃO: Parabéns a todos. Você chegou ao fim do curso. E como você pode ver, há muito mais que vai para cinema além de apenas configurar algum equipamento, chamar ação e fazer um pouco de edição. Espero que você pegue os conceitos que aprendeu neste curso e os use para engajar melhor seu público. Lembre-se de que dedique um tempo para planejar adequadamente seus filmes e use esses conceitos para elevar seus filmes ao próximo nível. Mais uma vez, muito obrigado por fazer o curso e feliz filmagem.