Processo de pintura a óleo — parte 2 (preparando as camadas superiores) | Jill Poyerd | Skillshare
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Processo de pintura a óleo — parte 2 (preparando as camadas superiores)

teacher avatar Jill Poyerd, Professional Fine Artist & Educator

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Aulas neste curso

    • 1.

      Fazendo este curso

      3:55

    • 2.

      O desenho

      11:08

    • 3.

      Inspiração

      6:57

    • 4.

      Entendendo a pintura de óleo

      7:05

    • 5.

      Entendendo camadas

      11:01

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

467

Estudantes

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Sobre este curso

Um olhar abrangente e simplificado sobre como criar uma pintura a óleo, desde a subestrutura ao verniz.

"Super! Jill é um professor incrível cujo estilo de ensino é maravilhoso claramente claro e muito vigor. Ela não deixa pedra virada e se você fizer o curso de seu, tenha certeza de que vai entender o assunto do zero terra!"" - Nancy L.

Este é um curso de pintura online extremamente abrangente de 5 horas de duração de o tempo de a sua pintura a óleo e o processo de pintura, e o pincel Para dominar o óleo verdadeiramente Você precisa saber como construir uma subestrutura ou base sonora e aplicar as tintas de forma forma de garantir décadas de vida para a pintura.

Neste curso integral, os estudantes são abordados passo a passo em tópicos como suporte, medição, jardinagem, um impura, desenho Cada camada é explicada completa e clareira e depois acompanhando demonstrações relacionadas para que os estudantes possam seguir.

O objetivo é para:

  • Estudantes a ter um conhecimento claro sobre materiais pintura de óleo e como criar uma pintura estável;
  • Para ajudar os pessoas que se sentiram intimido pela pintura na pintura para sentir que é acessível, abordável, ;
  • Pintores experientes que têm lacunas em seu conhecimento para ganhar uma compreensão mais completa.

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Teacher Profile Image

Jill Poyerd

Professional Fine Artist & Educator

Professor


Jill Poyerd, NWS, is a contemporary realist known for her tranquil subject matter and unique painting style. Her award-winning work can be found in private collections both nationally and internationally. She has been featured in national publications, is the author of the portrait painting book Fearless Portraits, and is a signature member of several prestigious art societies, including the National Watercolor Society. Jill works in both watermedia and oil paints and has exhibited extensively throughout the Mid-Atlantic region as well as in national shows.

In addition to her work as an artist, Jill is an active member of the arts community. She has curated many multi-medium group shows, and is the founder of the Fine Art Professionals of Northern Virginia. Additionally... Visualizar o perfil completo

Level: All Levels

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Transcrições

1. Fazendo este curso: Como pintores a óleo ou potenciais pintores a óleo, uma das partes críticas da criação é saber como construir a pintura. Parece meio Fundação. Será que uma pintura limpa? E quais são as maneiras adequadas de colocar a tinta? Também queria alguns dos melhores pintores de petróleo da história fazer. Neste curso, vamos basicamente desconstruir uma pintura a óleo típica, discutindo cada camada ao longo do caminho. Algumas camadas são opcionais dependendo da sua intenção. No processo que você seleciona para uma pintura individual. As camadas discutirão incluem o suporte, o dimensionamento, o solo, a era imprimatur, sob desenhos, sob pinturas, camadas superiores de tinta e a camada de verniz. Baseio muitas das minhas aulas no que li e aprendi sobre os mestres e seus aprendizes. O fato de que eles conheciam seus materiais por dentro e por fora, porque é claro que eles tinham que criar seus materiais. Isso os ajudou a elevar seu nível de especialização e a longevidade de seu trabalho se seguirem as práticas. Eu também sinto que isso é algo que falta na sociedade de hoje. Por esta razão, minhas aulas vão em profundidade. E neste em particular, damos uma olhada séria em cada camada de uma pintura a óleo. Este não é um curso sobre mistura de cores, teoria de cores, ou mesmo pinceladas realmente específicas. Não é um curso baseado em como retratar uma cena ou um objeto com dor. Trata-se de como construir uma pintura a óleo adequada e como construir camadas do suporte até um verniz. Ao longo desta aula, tenho folhetos com informações resumidas e instruções passo a passo. A melhor maneira de fazer isso é assistir a aula em ordem cronológica. No final de cada seção, eu tenho uma atividade estudantil que você pode fazer. Alguns deles são opcionais. Você não tem que fazer cada um. Eu recomendo que você assista todas as seções porque você deve conhecer em profundidade as camadas de uma pintura. Mas, por exemplo, talvez você prefira começar com um suporte pré-preparado. Bem, então você não tem que fazer as atividades para tamanho e Jessica. Além disso, dentro de certos tópicos, há momentos em que vou demonstrar várias opções. Se você planeja fazer as atividades, você pode fazer todas as opções que eu lhe mostrar, ou você pode escolher uma que dependa de você. Eu forneço imagens de referência simples que você pode escolher ou você pode usar uma das suas próprias imagens. Você deve selecionar uma imagem para usar ao longo do curso, impressa ou usar um formulário digital e criar uma versão em preto e branco para referência de valor. Os arquivos de imagem são anexados. Agora, uma das coisas que eu fiz neste curso, que eu acho que foi muito importante, é que eu esclareci muitos termos e tópicos. O mundo da arte que costumo dizer adora complicar as coisas. E assim, enquanto eu estava pesquisando, eu muitas vezes encontrava várias definições para um termo. Encontraria informações que seriam contrariadas por uma segunda fonte confiável. E então o que eu fiz foi passar e descobri que o que eu sinto são as definições e explicações mais precisas. Sinto-me muito confiante sobre o que tenho neste curso. Se você tiver alguma dúvida durante o processo, por favor, não hesite em entrar em contato comigo. Fico sempre feliz em ajudar se puder. E então vamos começar. Na próxima palestra, começaremos com uma breve introdução aos suportes de pintura a óleo. 2. O desenho: Até este ponto do curso, os processos discutidos faziam parte de camadas preparatórias, aquelas que vêm antes da Lei não pintura formal. Estas camadas constroem a base para o resto da pintura, desempenhando um papel crítico na estabilidade e integridade da peça. Uma maneira que você pode diferenciar entre o preparatório nas camadas de tinta formais é que as camadas preparatórias, o dimensionamento do solo que em prematuro, todos cobrem completamente a superfície. É uma aplicação uniforme. As camadas formais de tinta constroem o design e desenvolvem as formas. O desenho sob é o que eu vou chamar de camada intermediária. Não faz parte da preparação geral de suporte, embora muitos considerem parte das camadas preparatórias, e não envolve a aplicação de tinta como a maioria das camadas superiores. Em vez disso, é o seu próprio palco e é opcional. Pode ser aplicado na superfície logo após o solo ou após um imprimatur. Agora, existem várias maneiras de abordar esta etapa no processo de pintura. Você pode criar um desenho preliminar, às vezes referido como um desenho animado, e depois transferi-lo para a superfície da pintura. Ou você pode desenhar diretamente na superfície da pintura. Ou você pode pular o desenho sob completamente e simplesmente desenvolver a composição em fóruns enquanto você pinta. Não importa qual opção você escolher, você sempre pode fazer alguns esboços preparatórios e rápidos para desenvolver suas idéias. Composições feias foram muitas vezes desenvolvidas lentamente através de vários estudos e esboços preparatórios como você vê aqui. Estes estudos foram criados por Michelangelo. E você pode ver como ele usou isso para trabalhar através do processo criativo. Aqui está o desenvolvimento de uma composição que eventualmente apresentaria a Sagrada Família. Os artistas muitas vezes criavam dezenas de esboços preparatórios até ficarem satisfeitos com a imagem resultante. Depois disso, eles transfeririam o design para a superfície da pintura e, em seguida, usariam esse design como um guia através das camadas de tinta formais. Aqui, David transferiu sua imagem de desenho usando uma técnica chamada quadratura, que envolveu a criação de uma grade quadrada no desenho original, bem como uma coordenação ganha na superfície da pintura. Para fazer isso, o artista criaria linhas horizontais e verticais uniformemente espaçadas através do desenho que foi executado em papel. E, em seguida, desenhe uma grade fraca e uniformemente espaçada na superfície da pintura. Escalado como eles queriam. Enquanto os quadrados criados pelas linhas fossem pares, então eles redesenhariam a imagem uma raiz quadrada do tempo. Outra maneira de alguns mestres usarem uma grade é através do uso do que é chamado de guindaste de arrasto. Ou uma máquina de perspectiva. Estes eram populares por volta de 1500. Eles ajudam o artista a visualizar a composição e, às vezes, projetando linhas de grade diretamente sobre o assunto com uma grade de coordenação na superfície do papel. Albert Durer era na verdade um defensor de tais máquinas. Outro método usado para transferir a imagem preliminar para a superfície da pintura foi chamado de rastreamento. rastreamento envolve diminuir o lado inverso do desenho, colocar o papel na superfície da pintura e, em seguida, traçar as linhas principais. Artistas com às vezes terminou a nova imagem por incubação ou pintura de áreas de sombra para implicar forma. No entanto, outro método foi chamado de bater. Pouncing envolveu o uso de um pino para picar pequenos orifícios ao longo das linhas primárias no desenho. E, em seguida, colocando-o em cima da superfície da pintura e batendo a imagem com um saco de carvão moído para que a poeira se infiltrasse nos buracos e registrasse as linhas. O artista poderia então conectar os pontos para completar o design ou simplesmente deixá-lo como está. Esta foi, na verdade, uma técnica transportada da pintura de afresco e têmpera. E se olharmos de perto este esboço preparatório para um monumento criado no final das 14 centenas. Você ainda pode ver os furos de perfuração na superfície do esboço. Claro, existem outros mestres que escolheram não fazer esboços preliminares. Eles apenas desenhavam esboços à mão livre vagamente, diretamente na superfície da pintura. E ainda outros não produziram nenhum esboço, referindo-se ao trabalho da composição agora, como pintaram, artistas conhecidos por trabalhar dessa forma incluem casa de amigos e Karbassiyoon. Agora, uma coisa que você vai notar quando você está olhando para os desenhos dos mestres é que alguns são muito simples, mesmo a ponto de desenhar apenas as linhas de contorno. Enquanto outros podem incluir detalhes finos e sombreamento. Às vezes, o artista esboça detalhes finos onde eles têm pontos focais chave, especialmente quando é um rosto ou uma estrutura. Aqui você pode ver que Renoir detalhou as características faciais meninas enquanto apenas desenha linhas de contorno soltas para implicar as áreas menos importantes da pintura. Você também pode notar que às vezes os estudos ou esboços preliminares transmitem mais emoção e expressão artística do que a pintura final. Agora, artistas às vezes também faziam anotações em seu esboço sobre as cores a serem usadas na pintura final. Vanek é conhecido por ter confiado bastante nesses detalhes preliminares do esboço. E você pode ver neste desenho que há um fraco remanescente de suas notas coloridas. A ideia era elaborar o conceito de design antes que qualquer tinta formal tocasse na superfície, permitindo uma melhor chance de sucesso. Mesmo com este nível de preparação, quase sempre houve ajustes na composição ao longo do processo de pintura. E uma mudança feita durante a criação de sua pintura é referida como uma caneta para mentor. Esta é uma palavra italiana que significa arrependimento ou mudar seu caminho. Graças à tecnologia, podemos realmente dar uma olhada nas camadas inferiores de uma pintura. E às vezes vemos que os mestres fizeram mudanças significativas na pintura. Por exemplo, vemos aqui que Ticiano tinha originalmente a figura de um anjo no lado esquerdo da pintura na face da criança de Cristo, estava originalmente voltado para uma direção diferente. Agora, quanto ao meio que você deve usar, esboços preliminares podem realmente estar em qualquer meio porque não há preocupação em aplicar tinta sobre ele. Tudo o que estás a fazer é solidificar as tuas ideias e composição. No passado, a maioria dos artistas simplesmente usava carvão ou grafite no papel, esboços rápidos. Mas realmente qualquer coisa poderia ser usada. Uma ferramenta popular que os antigos mestres usavam que não é mais uma prática comum era o que é chamado de ponto de prata ou ponto de metal. Este era um tipo de caneta, ou hoje o que poderíamos pensar como um lápis mecânico. Mas em vez de grafite, haveria uma fina vara de metal, como prata, cobre, ou mesmo ouro. Usando o tipo especial de solo, eles poderiam acariciar a caneta através da superfície e deixar para trás um rastro de partículas finas de metal. O resultado foi um esboço pálido cintilante. As marcas eram permanentes, o que faz você apreciar a habilidade da mão do artista. Curiosamente, porque é tão implacável, os Velhos Mestres sentiram que era uma parte importante de se tornar um dólar disciplinado antes de aprender a pintar. Agora, mencionamos que esboços preliminares podem ser feitos em praticamente qualquer meio. Mas quando se trata do desenho sob real onde a tinta será aplicada por cima, você tem que ser mais cuidadoso. Nesse caso, você não quer usar um produto que é ceroso ou oleoso, pois isso poderia fazer com que a tinta a óleo dois resistiu à audição e possivelmente resultar em camadas futuras eliminando ou separando da superfície. Historicamente, o desenho sob foi criado usando tinta de mídia de água, tinta diluída, tinta a óleo diluída, ou um meio seco, como giz preto ou carvão vegetal. Hoje existem muitos, muitos meios secos que você pode usar para o desenho sob. Eu acho que grafite e mancha na minha tinta a óleo. Então, embora eu possa usá-lo para meus esboços preliminares, eu gosto de usar lápis de aquarela ao esboçar diretamente na superfície da pintura. Os lápis de aquarela usam goma árabe como aglutinante, tornando-os um produto mais seguro para a nossa camada base. Mas a pintura a óleo fina não é uma opção tão bem como mencionada. Na verdade, alguns dos antigos mestres que pularam para a fase formal sob Desenho optaram pelo que é chamado acima, uma palavra francesa que significa rascunho ou um primeiro rascunho. Envolve desenhar linhas de contorno soltas com uma tinta fina. E na verdade é considerado um subquadro. No entanto, ele funciona mais como um sob desenho. E artistas conhecidos por usar isso sob desenho ou sob técnica de pintura incluem Sargento corrode e muitos dos impressionistas. Agora, se o desenho sob foi desenhado com um meio seco, os artistas costumam pagar essas linhas com tinta diluída. Isso, de certo modo, veria todos os sob desenho. Ou eles podem cobri-lo com uma marca madura. Se aplicado com uma tinta magra, deve funcionar bem com as camadas de tinta restantes. Alguns especialistas hoje não recomendam selar o desenho sob. Depende dos produtos que você está usando. Eu pessoalmente evitaria verniz, fixador e até mesmo dimensionamento. Meu processo pessoal é desenhar algumas diretrizes diretamente sobre a superfície e, em seguida, esboçar algumas linhas básicas de contorno com o lápis aquarela. Vou guiá-lo através do meu processo no próximo vídeo. E então podemos passar para a próxima etapa do nosso processo de pintura, a colocação formal na tinta. 3. Inspiração: Nesta palestra, vou demonstrar a sob métodos de desenho. Vou mostrar meu método, que é um tipo de grade, um jogo fora do quadrado. E vou mostrar-lhe o rastreio para o método de rastreio. Eu também vou passar por cima das linhas de transferência com diluído Inc.. Vou usar a mesma imagem para ambos os métodos. Esta é uma das fotos disponíveis para os alunos usarem, e eu vou usá-la durante todo o resto do curso para demonstrações. Mas é claro que você deve escolher uma fotografia ou ainda vida, mesmo uma configuração viva que lhe agrada. Para começar. Gosto de trabalhar a partir de uma foto em preto e branco. E a primeira coisa que faço é identificar as formas chave em minha mente. Aqui, você pode identificar claramente algumas formas ousadas e linhas de composição. É útil pensar neles como formas em vez dos objetos que são. Com isso em mente, uso uma régua para determinar onde os objetos se alinham dentro da composição. Eu costumo começar marcando a linha de meio caminho horizontalmente. E então eu determinei o quarto, terceira ou oitava linhas, dependendo de onde os elementos caiam dentro da cena. Por exemplo, a linha do horizonte cai em torno de uma oitava linha em uma costeleta metade da pintura. E então eu vou colocar uma linha lá dentro. Então eu faço a mesma coisa verticalmente, começando pela linha de meio caminho. Uma vez que todas as linhas principais são marcadas, você pode ver que algumas das características importantes estão ao quadrado. Para mim, isso é mais fácil do que o método normal de quadrado, mas todo mundo tem que encontrar seu próprio sistema. Aqui você pode ver a impressão em preto e branco real com as mesmas linhas que acabamos de discutir. E você pode ver a superfície da pintura. Este é o imprimatur colorido, um quadro de demonstração. Escolhi essas cores especificamente para esta pintura. Agora, vou usar um rolo e estabelecer levemente as mesmas linhas de grade na minha superfície. Começo com o ponto de meio caminho e observo que estou usando um lápis aquarela como isso não manchar ou criar uma resistência quando eu aplicar tinta a óleo. Reparem como as linhas são fracas, apenas o suficiente para eu ver, mas não dominantes. Não os quero em um show. Uma vez que as linhas estejam no lugar, usarei meu lápis para esboçar de forma leve e grosseira as formas gerais dos objetos chave em linhas. Novamente, pensando em termos de formas, não o que os objetos realmente são. Agora essas linhas não precisam ser precisas. Ainda assim. Uma aproximação próxima. Com tinta a óleo, você sempre pode fazer ajustes ao longo do caminho. Na verdade, muitos dos mestres fizeram. Uma vez que sinto que os principais recursos estão delineados, estou pronto para a próxima fase. Então agora deixe-me mostrar-lhe como transferir a mesma imagem, mas usando o método de rastreamento tradicional. A primeira coisa que você precisa fazer é preparar um pedaço de papel de raspadinha do mesmo tamanho que sua superfície de pintura. Este esboço acabará por ser colocado diretamente sobre a superfície. Desta vez, o esboço será um desenho à mão livre das principais linhas de composição e características. Eu cortei meu papel de esboço para o tamanho e vamos colocar minha imagem de referência bem ao lado disso. Sei que isso não será tão preciso quanto a versão da grade. Isso é bom. Como eu mencionei, as coisas podem ser ajustadas à medida que você pinta. O objetivo é obter uma aproximação aproximada. Agora reparem que estou a trabalhar linhas muito soltas e ásperas. Estes não são precisos, Marx. Claro, você poderia tomar o seu tempo e realmente pregar os elementos se você quisesse. Todos têm um processo de trabalho diferente. E não tenha medo de passar por cima de partes. Novamente. Ajuste as formas à medida que avança. Às vezes você vai pensar que está tudo bem até você construir outra seção e então você percebe que algo está um pouco estranho. Mas isto é um papel de esboço. Você pode correr tanto quanto necessário. Uma vez que você tem as coisas praticamente como você quer, então é hora de preparar o papel para transferência. Se você estivesse batendo, que até este ponto é iniciado da mesma maneira. Agora você iria perfurar os pequenos buracos nas linhas primárias. Já que estamos usando o método de rastreamento, precisamos cobrir a parte de trás do esboço com carvão ou grafite. Aqui estou eu usando um pedaço de carvão de salgueiro. E você quer se certificar de cobrir a parte de trás do jornal. Mas não tem que ser uma cobertura completamente sólida. Tenha em mente que a grafite e o carvão, especialmente o carvão, são fáceis de manchar. Uma vez que os backups cobertos, coloque o esboço na superfície da pintura assim. Centro. A segurá-lo com uma mão e, em seguida, traçar as linhas primárias com um lápis duro. Eu gosto do número quatro, H, H, que significa difícil. Então você rastreia todas as linhas principais. E quando terminar, levanto a borda antes de remover o papel e certificar-me de que todas as linhas principais estão na superfície da pintura. Tire o papel com cuidado, e parece que estamos prontos para ir. Os velhos mestres, nós suavemente limpar seus esboços, mas tenha cuidado. Como você vê aqui, você pode facilmente limpar todo o seu esboço. Você pode querer pular esse passo para ser muito gentil. Porque o meio seco esfrega tão facilmente e vai manchar na tinta. Vou selar as linhas na superfície com tinta diluída. Artistas têm usado isso por gerações. Também ajuda a restabelecer as linhas que são muito fracas. Agora isso está bastante diluído, mas é o que eu prefiro. Você sempre pode torná-lo menos diluído e, ou usar um pincel menor. Uma vez que eu tenha coberto todas as linhas principais, eu simplesmente deixá-lo secar e, em seguida, passar para o próximo passo no processo de pintura. tinta não vai demorar muito para secar, então eu provavelmente poderia começar em várias horas. No próximo vídeo, começaremos nossa discussão sobre as características da tinta e algumas das regras para camadas adequadas. 4. Entendendo a pintura de óleo: Antes do desenvolvimento de tubos de tinta preparados e materiais em meados 18 centenas, artistas e seus assistentes tiveram que fazer as próprias tintas, moendo os pigmentos e preparando que tintas dias. Isto permitiu-lhes saber que são tintas por dentro e por fora. Eles conheciam as características dos vários pigmentos e como diferentes crimes impactariam os resultados. Eles sabiam quais pigmentos sugavam o óleo e que dificilmente absorviam. E, portanto, eles sabiam o posicionamento e uso adequados. Aqueles artistas que não conheciam ou talvez ignoraram esse conhecimento pagaram o preço com pinturas que não suportavam o teste do tempo, rachadas, enrugadas e até desbotadas. Infelizmente, um exemplo disso foi Joshua Reynolds. Ele era um talento incrível. Mas alguns de seus retratos antes de meados de 17 centenas têm uma aparência fantasmagórica. Isso ocorre porque ele usou certos pigmentos conhecidos para desaparecer mesmo na época. Mas em meados dos anos 17, ele fez a transição para mais pigmentos arquivísticos para músicas de pele, resultando em cores mais duradouras. Um pigmento que desaparece ao longo do tempo e não é muito arquivístico, é conhecido como um pigmento fugitivo. Até hoje. Uma compreensão completa de suas tintas e como elas funcionam é uma parte importante de ser um pintor a óleo. Então vamos começar falando sobre o que é tinta. - Tudo. A tinta a óleo é composta de pigmento, o que dá à tinta a cor. E um aglutinante, neste caso, óleo. Pigmento, é feito de planta moída, animal, mineral, material sintético. E o divisor é simplesmente uma substância líquida que mantém o pigmento unido em uma forma viável e, em seguida, sela o pigmento na superfície. Quando seco. tinta a óleo usa um tipo especial de óleo chamado sala de secagem. É diferente de outras formas de óleo, pois quando exposto ao ar, o óleo reage quimicamente com o oxigênio, fazendo com que o óleo se transforme de um líquido para um sólido, endurece. Então, mesmo que seja chamado de óleo de secagem, ele realmente não seca da maneira que estamos familiarizados. Em vez disso, ele muda quimicamente de forma. A adição de óleo aplana a tinta. Pensa nisto desta forma. óleo é o que dá à pintura sua forma. Então, adicionar óleo adicional tornará a tinta mais gorda. Então, como você acha que o petróleo? Vamos dar uma olhada. Em condições normais, o óleo não é solúvel em água, que significa que não pode ser diluído ou reativado com água. A única maneira de diluir o óleo é quebrá-lo com o que é chamado de solvente. Um solvente dissolve outra substância. Então, quando um toque de solvente é adicionado a uma gota de óleo. tensão superficial quebra e o óleo flui mais facilmente na superfície. Observe a partir deste ponto de vista que a água permanece isolada do óleo enquanto o solvente está quebrando. Porque a tinta a óleo é feita retirando o óleo, a mesma coisa acontece. Torna-se mais fluido. Eventualmente, o sólido evapora, deixando uma camada de óleo e pigmento. Agora você tem que ter cuidado, no entanto, porque se você usar muito solvente, risco de enfraquecer a camada de tinta. Vou falar sobre isso um pouco mais na próxima palestra. Existem diferentes teorias sobre quanto solvente e quanto óleo você deve usar. Alguns especialistas dizem que você pode ir tão longe quanto uma proporção um-para-um, o que significa a mesma quantidade de tinta para a quantidade de solvente. Mas se eu levar isso tão longe, eu gosto de adicionar um pouco de óleo adicional, apenas um pouquinho para engordá-lo um pouco. Passamos algum tempo discutindo o aglutinante em tinta a óleo. Agora vamos discutir o pigmento. Cada pigmento é único e tem propriedades únicas. Alguns exigem moagem fina para transmitir a cor adequada. Outros precisam permanecer mais granulares. Verão transparente, e alguns são opacos. Alguns absorvem o óleo rapidamente, e outros muito lentamente. Tintas usando pigmentos que não absorvem óleo com muita facilidade acabarão sendo oleosas, mais lentas para secar e produzirão um acabamento mais brilhante. Por exemplo, esta quinacridona vermelha. Aquelas tintas que o óleo facilmente absorvido podem parecer mais rígidas. Eles dirigem mais rápido e eles conduzem através de um acabamento mais fosco. Exemplos seriam os números e muitos dos outros pigmentos naturais da terra. Se um paciente se sente oleoso ou seco, e como ele se comporta na superfície depende de muitos fatores. Processo de fabricação, óleo, usado, tipo de pigmento, etc. O que é útil saber é que cada tinta a óleo tubada hoje é definida para o que é chamado de PVC C, ou a concentração crítica de volume de pigmento. Esta é a quantidade de óleo necessária para cercar cada partícula de pigmento. Basicamente, ele está definido para sua saturação de óleo adequada. Isso significa que quando você adicionar óleo ou meio adicional, ele vai jogar essa tinta para ser muito gordo. Ou se você adicionar solvente adicional, ele puxará a tinta para ser muito fina. Por esta razão, é sempre melhor usar o mínimo de líquido adicional possível na sua mistura. Mas isso também significa que você pode adicionar óleo solvente são médias para suas tintas se você quiser alterar seu desempenho natural. Por exemplo, você pode ter um toque de solvente ou alquídico a uma tinta de secagem lenta, ou um toque de óleo adicional para uma que seca rapidamente e seja atendida. Pode ficar um pouco complicado. Então, o que eu recomendo e a melhor maneira de descobrir o tempo de secagem de suas tintas individuais é trabalhar com elas. Eu sugiro que você crie uma amostra para cada cor e não adicione nada à sua dor. Apenas trabalhe com dor de tubo reto. Observe a data em que você pintou na amostra. Em seguida, monitorize-o uma vez que esteja seco ao toque, note em quantos dias se passaram. E tente manter a espessura da camada igual entre as cores. Quando estiver familiarizado com o tempo de secagem de suas tintas individuais, você pode entender melhor sua colocação. Agora, uma coisa que não expandimos nesta palestra foi o conceito de transparência e opacidade. Discutiremos isso na próxima palestra, onde falaremos sobre colocar sua tinta em camadas. 5. Entendendo camadas: Um dos aspectos mais importantes da aplicação de tinta a óleo é o conhecimento do tempo de secagem e como ele se relaciona com camadas. Precisamos passar um pouco de tempo entendendo isso, uma vez que se relaciona diretamente com a longevidade do seu trabalho. Basicamente, quanto tempo durará o seu trabalho. Enquanto pesquisava mestres do petróleo e seu trabalho ao longo dos séculos. Uma coisa que notei foi quando uma peça desenvolveu rachaduras severas ou outros problemas de integridade. Muitas vezes não foi porque o artista, mesmo alguns dos cumprimentos, tinha aplicado a tinta de tal forma que as camadas individuais não podiam secar adequadamente. Acredite ou não. Isso inclui Ticiano, que quando ele pintou no painel, muitas vezes pintou sobre camadas com um tempo de secagem mais lento, resultando no rachamento da tinta seca, como podemos ver neste exemplo. Assim, aprender a estabelecer adequadamente cada camada de tinta é fundamental para ser um pintor de óleo bem sucedido. E o sucesso neste sentido refere-se a ser capaz criar uma obra de arte que pode durar séculos. Agora, uma das primeiras coisas que você normalmente aprende quando você está aprendendo a pintar a óleo é a regra de sobreposição de gordura. Mas os especialistas estão começando a se afastar dessa formulação. O que parece ser mais preciso e engloba a regra de gordura magra de qualquer maneira, é o conceito de tom de secagem e flexível sobre camadas menos flexíveis. Está tudo inter-relacionado. Para começar. Quando você trabalha com tintas a óleo, você pode usar tinta diretamente do tubo. Você pode adicionar solvente para diluir sua tinta, ou você pode adicionar óleo ou meio adicional. solventes incluiriam produtos como terebintina, serra de gam ou terpenóides. E exemplos de óleos de secagem seriam óleo de linhaça, Noz ou cártamo. Adicionar solvente à sua tinta torna-o mais magro. E adicionar óleo torna mais gordo. solvente acelera, o tempo de secagem em óleo, o retarda. Quanto mais você tem de cada um, mais magro são mais gordos sua tinta será, e quanto mais flexível ou menos flexível será a camada. Vamos ver de outra maneira. Se você imaginar seu suporte com suas camadas preparatórias já estabelecidas, a primeira camada de tinta a óleo deve ser magra, que significa que tem o mais solvente de todas as suas camadas. A próxima camada precisa secar um pouco mais devagar. Então deve ter um pouco menos solvente na mistura. A terceira camada seria pintada diretamente do tubo. Nada acrescentou a ele. E em cima disso seria uma camada que teria um pouco de óleo extra ou meio adicionado à mistura. Esta é apenas uma maneira de configurar suas camadas. Outra maneira é simplesmente adicionar um pouco mais médio medida que você adicionar cada camada média funções como fato. Assim, sua camada superior teria o mais médio e a base teria o mínimo. Agora, outra coisa a ter em mente é que quanto mais óleo você tem na mistura. Quanto mais flexível será a camada. E assim as camadas inferiores que têm mais solvente, serão mais frágeis. E cada camada, como você diminuir o solvente e aumentar o óleo será marcado flexível. Último o quarto flexível sobre menos flexível. Parte do tempo de secagem também se relaciona com a espessura de suas camadas, suas camadas de base devem ser mais finas. Menos tinta significa menos seco mestre. Assim, à medida que você adiciona camadas, cada uma pode ser um pouco mais espessa até que a camada superior seja impasto. A espessura, bem como a forma como você misturou sua tinta, determinará o tempo de secagem de cada camada. E como você pode ver, você quer que ele seque mais lentamente à medida que suas camadas são construídas. Lembre-se, é sobre tempo de secagem e flexibilidade. Deixe-me explicar o porquê. Uma camada de tinta a óleo contém moléculas de óleo. À medida que a camada seca, essas moléculas de óleo se oxidam, que significa que reagem com o oxigênio no ar, fazendo com que a tinta endureça ao longo do tempo. À medida que este processo ocorre, a pintura se contrai. E se houver uma camada de tinta sobre o topo que dirige mais lentamente, essa camada simplesmente se ajustará ao movimento das camadas inferiores. Ainda é muito flexível porque a camada superior ainda está molhada. Mas se uma camada superior seca antes de uma camada inferior, essa camada superior se tornará quebradiça, de modo que quando a camada inferior se contrai, esse movimento pode causar a quebra da camada superior. Mais uma vez, é por isso que queremos que as camadas superiores contenham mais óleo, tornando-as mais flexíveis e mais lentas para secar. Agora há uma condição para estar ciente. Se você não misturar seu solvente, óleo ou meio em sua tinta completamente, isso pode resultar em secagem desigual. Isso pode resultar em possíveis problemas com suas camadas. Acredite ou não, JMW Turner é um mestre conhecido por correr através de seu processo de mistura, deixando áreas de suas pinturas menos estáveis. Por esta mesma razão. tinta diluente com um solvente é um tópico importante para se expandir. O papel de um solvente é quebrar ou dissolver outra substância. Ao quebrar o óleo na tinta, reduz a viscosidade, significando basicamente que aumenta o fluxo. A dor torna-se mais fluida. Vejamos isso visualmente. Vamos fingir que este retângulo dourado é a sua tinta a óleo. À medida que você adiciona solvente, o óleo se dissolverá, relaxando a consistência das tintas e tornando-o mais transparente. Vai ficar mais fino e mais fino quanto mais solvente você misturar. Até que finalmente alcança uma consistência muito fina. O problema é que quando é tão fino, pode resultar em uma camada de tinta de semana porque não há óleo suficiente para selar adequadamente o pigmento. Para contrariar isso, eu gosto de adicionar uma gota ou duas de óleo para engordar a camada que fornece mais moléculas de óleo para cobrir o pigmento. Você só adiciona um pouquinho para que você não mude o tempo de secagem em uma camada muito. Uma maneira de dizer se suas camadas de tinta duas semanas é tomar um cotonete úmido e esfregar suavemente a superfície. Quanto mais pigmento esfrega fora, mais fraco o laço em que este imprimatur não é tão ruim. Se você pegar mais do que isso, isso seria considerado um pouco fraco. Adicionar a gota de óleo nas minhas camadas muito finas ajuda a ligação. E você pode ver aqui que o mais espesso e ligeiramente mais brilhante e prematuro mal se levanta. Outra influência no tempo de secagem é o tipo de óleo que está sendo usado. óleo de noz tem sido usado desde o início da pintura a óleo em sua um óleo de secagem mais lenta é o óleo, embora seja menos provável a amarelo ao longo do tempo e cria uma película de pintura muito forte. A linhaça é outro óleo histórico, um dos óleos mais comuns nos EUA. Tem um tempo de secagem mais rápido, mas é um pouco mais provável amarelo ao longo do tempo. óleo de papoula dirige um pouco mais devagar também, tendendo a não amarelar tanto, mas cria uma película de pintura de semana que pode ser suscetível a rachaduras. Na verdade, não é recomendado usá-lo sozinho. óleo de cártamo e girassol pareciam ter tido tempos médios de secagem. Mas, caso contrário, eles são muito parecidos com o Papi. Se você entender a importância do tempo de secagem e como todos os vários fatores jogam nele. Você estará mais confiante na aplicação das camadas de tinta. Agora, antes de seguirmos em frente, há mais uma coisa que precisamos tocar, que é a transparência da camada de tinta. Como mencionado, o pigmento pode ser transparente ou opaco ou qualquer coisa entre eles. E isso influencia a camada visualmente. Para entender a transparência, pense em capas de janelas. Uma janela de vidro sem cobertura, permite que toda a luz do sol passe e entre na sala. Se você tem um cisalhamento em cobre sua janela, ele permite um pouco da luz, mas não é como um painel de vidro puro que seria semitransparente ou semi-opaco. Agora, se você pensar em persianas de madeira que podem fechar em suas janelas, essas seriam completamente opacas. Quando baleado. Eles não permitem que nenhuma luz passe pela sala. Se você entender isso e se você aprender onde suas tintas se enquadram nesta categoria, você pode usar esse efeito para impactar sua pintura. Eis o que quero dizer. Dê uma olhada nessas duas cores sólidas. Se fossem cores de tinta opacas, significa que nenhuma luz poderia passar por elas. Então, quando uma cor é colocada sobre outra cor, essa cor inferior não seria mostrada. O azul neste caso estaria completamente coberto. Agora, se essa cor rosa fosse realmente transparente, como uma janela de vidro, permitiria que a luz brilhasse. E quando é colocado sobre o azul, permitiria que o azul brilhasse através do vermelho e criasse uma cor violeta. Azul mais vermelho é igual a violeta. Se fosse semitransparente ou semi-opaco, como a cortina pura, permitiria a luz solar brilhar e resultaria em mais uma melodia de cor. Neste caso, mais rosa estaria presente, e assim a violeta se inclinaria para o vermelho. Assim, suas tintas, dependendo do pigmento e quão fina você pinta a camada podem ser opacas, semi-opacas ou transparentes. Então, o que aconteceria se adicionássemos uma terceira cor? Se eu colocasse um verde opaco em cima do primeiro par, essa cor opaca dominaria e cobriria completamente as camadas inferiores. Se fosse transparente, mudaria o tom das cores anteriores, resultando em mais uma cor, neste caso, um verde neutro, e mudar para essas cores. E você pode ver como a transparência pode abrir uma ampla gama de opções de cores. Cobertura completa, cobertura parcial e transparência podem ser usadas pelo artista para manipular cores ao pintar em camadas. Então, agora que entendemos o impacto do tempo de secagem e flexibilidade e como a transparência afeta as camadas, podemos começar nossa discussão sobre as camadas de tinta reais. E vamos começar por falar sobre debaixo de pinturas.