PRINCÍPIOS DE DESIGN - Coisas de arte que você deve estar aprendendo sobre!

1. Apresentação: Todos nós conhecemos os fundamentos da arte. Supere a iluminação, a perspectiva e a TV em cores. Todos eles são muito comentados na comunidade artística. E se eu te dissesse há uma peça desse quebra-cabeça que muitas vezes é ignorada pela maioria de nós. Os princípios de design são o elo que falta conectar os fundamentos ao processo real de pintura. E vamos aprender sobre isso nesta aula. Olá. Sou um artista da Índia. Trabalho na indústria do entretenimento há quase uma década. Eu crio imagens para jogos e animações para viver. E eu gosto de passear por lugares que mudam de lugar. Ao longo dos anos estudando arte idealizada apenas aprender sobre os fundamentos não é suficiente para melhorar minha arte. Precisamos ser mais estruturais e cuidadosos com todo o processo. E eu sinto que os princípios de design nos dão a ferramenta para ajudar e aplicar os fundamentos às pinturas de forma construtiva. Esta aula será sobre como entender os princípios de design, como eles funcionam e como são usados em pinturas. Eu examino cada um deles um por um. Usando pinturas mestras como exemplo. Vou detalhá-los e mostrar como eles foram usados para criar essas obras-primas. Se você está familiarizado apenas com os fundamentos básicos, como iluminação, perspectiva, etc. Você deve ser bom o suficiente para começar a aula imediatamente. é a primeira classe da série fundamental que vou publicar. Haverá mais duas aulas depois disso. Estamos começando com princípios de design, esta aula. Em seguida, passamos aos fundamentos da arte. E depois disso, mostrarei como pintar uma paisagem usando tudo o que aprendemos até agora. Com tudo isso dito, espero que você esteja tão animado quanto eu para começar. Tudo bem. 2. Projeto do curso: Portanto, as tarefas para esta aula serão de natureza muito leve , porque a maioria delas tem a ver apenas com a observação em geral. O que estou fazendo é ter uma seleção de pinturas mestras que eu realmente gosto e vou compartilhar isso com você. Então, sua tarefa seria passar por eles. E onde quer que você encontre certos aspectos do princípio de design mais dominantes nessas pinturas estão os designs. Seu trabalho é descobrir por que ela é dominante e quais princípios eram usados. Então, basicamente, depois de analisar todos os princípios que mostrei aqui, você estará apenas captando essas imagens. E como eu disse, como onde quer que você encontre um dos giros do anel dominantes, você estará apenas tirando essa foto. Basta marcar como, como os princípios são usados e onde foram usados para alcançar certos aspectos da pintura. Digamos que há um personagem em certo, em uma pintura e ele realmente se destaca. Então, seu trabalho é decifrar por que é por isso que enfatiza isso na sua cara. E o que significa que as contas foram usadas e como. Esse é o seu dever de casa. E quando você faz isso, você está, você deveria publicá-las na seção de tarefas. E eu vou dar uma olhada neles. E eu vou te dizer que se você está seguindo o caminho certo, se você está realmente tomando o processo de pensamento para alcançá-los, você está apenas confundindo em algum lugar, como fazer uma curva errada em outro lugar. Eu estarei lá para guiá-lo na direção certa. Então, vamos passar para a aula. 3. Princípio I - Contraste: Você já pintou algo que lhe parece um pouco plano ou monitora doenças. Então, na minha experiência, isso provavelmente é um problema com o contraste. Então, nesta lição, vamos aprender sobre o que é contraste e como podemos usá-lo em nosso benefício. Idealmente, o contraste é a diferença que criamos entre elementos, assuntos e tudo mais. Basicamente, aqui na primeira imagem, você pode ver muito contraste nos valores, valores muito brilhantes aqui. E aqui também. Aqui temos um contraste de matiz ou cor, se você quiser dizer dessa forma. Então, na primeira imagem, você tem muitos valores obscuros e muito valor de orgulho em enfrentá-los. Então, isso cria uma sensação de contraste como essa. Indo do escuro para o claro, do claro para o escuro. Você está diferenciando as formas e criando uma sensação de contraste na cena. E ao fazer isso, você está basicamente levando o espectador para onde você quer olhar do escuro para o claro ou do claro para o escuro. E enfatizando o que você quer que eles vejam? Nos segundos debates, você verá obviamente, muito contraste de valor, mas também muita saturação e contraste de cores. Em segundo plano, obviamente temos um valor mais sombrio. Mas não é só isso porque há muito contraste de cores e também criar um valor separado para mostrar uma linha de liderança que conduz o espectador por toda a cena. Então, como lição de casa para esta lição, você verá pinturas mestras que coloquei na caixa de exemplo. E você tentará descobrir onde o contraste foi usado, como foi usado. No entanto, fiz uma demonstração no vídeo. Então você pode seguir essa rota. É muito conveniente para suas próprias anotações e como todas essas coisas. Então, o que você pode fazer é pegá-las, tirar as imagens, olhar para elas, descobrir onde o contraste foi usado. E tente escrevê-las fazendo anotações mentais ou, melhor ainda, anote adequadamente as imagens em si. Portanto, é mais fácil para sua mente registrar todas essas coisas, assim, da próxima vez que você olhar para algo, digamos, uma boa pintura que você realmente goste. E você poderá descobrir imediatamente como o contraste foi usado nesse sentido. Então, com isso, vamos passar para a próxima lição. 4. Princípio II - Equilíbrio: Portanto, essa é uma parte muito sutil , mas muito importante nos princípios de design. Vamos até a demonstração e tentar descobrir o quão equilibrado está em ação na maioria das pinturas, na verdade, em todas as pinturas. Assim, você poderá reconhecer como as balanças são usadas na composição e poderá usá-las em suas próprias pinturas. Então, a seguir, temos paletes. Geralmente, a ideia de distribuir formas e volumes em cena. Então, criamos um senso de equilíbrio. Nessa cena. Basicamente, fazemos formas maiores aqui, uma à direita e outra à esquerda. Então ele os colocou como tal para criar um equilíbrio na cena, para criar uma sensação de estabilidade na cena. E passando para a próxima imagem, temos principalmente os objetos do lado esquerdo, você pode ver a mulher e o tigre, o Jaguar, qualquer coisa. Você tem que mandar cientistas para o laboratório e depois ir para um satélite. Há um personagem lá. Idealmente, ele deveria ser liderado com a mesma força que está na cena. Mas só para equilibrar a composição, ele estava literalmente com uma luz muito forte. E isso é criar, isso é, na verdade, equilibrar todos os assuntos que temos à esquerda com a direita. Então, vimos que é uma postagem equilibrada e bem-vinda na próxima imagem. Aqui temos o ideal para massas de robôs, não estou contando nas nuvens porque esse é um assunto diferente. Basta dar uma olhada nas casas por enquanto. Portanto, temos algumas formas médias a grandes e algumas formas pequenas dentro delas também. Então eu geralmente vou da esquerda para a direita por causa desse instrumento com a forma que temos aqui. Se você simplesmente remover a casa da extrema direita, a pequena casa, nós temos, nosso usuário, basta ir lá e sair da competição. Colocando uma forma pequena para impedir que o espectador saia. Geralmente, nós os orientamos de volta à aula de composição. dever de casa para esta lição seria simplesmente revisar as imagens do mesmo tom do último tom. Basicamente, todos esses deveres de casa seriam os mesmos. Mas eu quero que você continue fazendo e fazendo anotações separadamente, crie uma pasta com cada princípio de design e os mantenha categorizados dentro de sua cabeça. Não é como se você fizesse tudo em uma única pintura e tudo estivesse confuso em sua mente. Então, não vamos fazer isso. Vamos tentar descobrir como o equilíbrio foi usado. Como o desequilíbrio foi usado no processo de criação de imagens para transmitir melhor a emoção da história. Tudo bem, vá para a próxima lição. 5. Princípio III - Ênfase: Tenho certeza de que você já viu tudo o que ouviu falar de A Última Ceia Leonardo da Vinci pelo menos uma vez na vida. Então, entre todos os personagens diferentes, seus olhos geralmente se dirigem diretamente para Jesus. Isso é ênfase, ênfase e assunto ou objeto em sua composição. Então você orienta seus espectadores em direção a isso. E isso, na minha opinião, é um dos princípios mais importantes do design, como enfatizar objetos. Vamos mergulhar na lição e ver como os mestres a conseguem e como podemos anotar isso e alcançá-la nós mesmos. Então, a seguir, temos ênfase. É muito semelhante ao contraste na natureza. Porque veja aqui, o personagem obviamente está se destacando porque foi colocado contra o pano de fundo, um cenário muito saturado. Você pode ver realmente as taxas de bits apenas diminuindo todo o personagem. Novamente, valores ou cores ou iluminação contrastantes, ou geralmente com muita ênfase. Então, como você os usa, depende de você. Aqui também. Podemos ver o mais curto, muito brilhante. E então temos uma sombra que leva ao rosto. Porque o rosto tem um contraste muito alto, realça lá. E isso cria uma sensação de contraste e ênfase. Na próxima imagem. Temos um contraste automático de cores e valores no personagem principal. Porque foi enfatizado dessa forma. Devemos examinar primeiro o personagem, ver a postagem atual. Veja quanta saturação em seu vestido. E também um C com bordas afiadas. Isso guia nossos olhos. Nossos olhos se voltam primeiro para o vestido em si por causa do alto contraste. Então, temos uma mudança de valor. E, idealmente, liderar essa forma está nos levando aos personagens secundários e terciários depois de examinar o assunto principal. Portanto, a forma como você enfatiza seus assuntos em uma pintura também determinará como o espectador vê a imagem. Quanto ao dever de casa desta lição, quero que você encontre três obras de arte mestras que você realmente goste e que sinta que a ênfase é realmente fundamental nelas. E eu quero que você mergulhe neles e descubra como e por que isso funciona e tente anotá-los. E só para que você possa aplicá-las em suas próprias pinturas. Vamos passar para a próxima lição. 6. Princípio IV - Padrão: O padrão pode ser qualquer coisa, desde padrões técnicos, botões físicos ou texturas. Então, é usado em todos os lugares, digamos, por exemplo você usa textura para suas roupas, você usa textura para essas pedras. Portanto, há um certo padrão em todas elas. Alguns deles são muito irregulares, outros são muito repetitivos. Então, podem ser texturas, pode ser como você organiza seus objetos. Até mesmo esses têm padrões. Então, vamos nos aprofundar neles e ver como eles funcionam. A próxima etapa é o padrão. O padrão é basicamente uma interpretação unificada ou gordurosa de quaisquer objetos ou formas. Então você pode simplesmente repetir objetos. Isso também é um padrão e também pode ser uma repetição. Portanto, a repetição também faz parte do padrão. Pelo menos eu gostaria de pensar assim. Também pode liderar personagens, repetir texturas. Então, tudo isso faz parte do padrão. Aqui nesta imagem você pode ver muita textura, muitos padrões na imagem e no chão. Isso nos dá uma sensação de material, bem como uma sensação de escala. À medida que desaparece, o padrão desaparece e fica menor. E eu quero que você dê uma olhada nas tabelas, nas elipses que temos. Então, isso também está criando uma repetição. E está nos dando uma sensação de escala, à medida que se afasta da vista, fica menor. Então, isso é perspectiva e objetos como se fossem combinados. Então, temos uma sensação de profundidade na cena. Também temos os personagens lá. E eles também fazem parte do padrão. Eu gostaria de me sentar porque eles geralmente também nos dão uma sensação de escala. Aqui nesta imagem você tem muitos objetos repetidos, como as cadeiras. E aqui, aqui também. Muitos padrões, como através do objeto, estamos criando um movimento e basicamente estamos apenas guiando o espectador. Então, nesta imagem, o padrão pode não ser tão aparente. Mas isso tem a ver principalmente com texturas. Você pode ver os lábios na parte inferior. É um certo fluxo para eles, mas eles também têm um padrão. Eles adquirem textura. Está fluindo assim e cria uma sensação de textura e detalhes sobre o mesmo aqui. Padrões fluidos, texturas e muita repetição de formas. Então, isso geralmente nos dá uma sensação de movimento. Portanto, o dever de casa para o ouvinte deve ser o mesmo que o último, como eu disse anteriormente. Todos esses são trabalhos de casa baseados em observação, então você só precisa continuar observando o que está aprendendo nesta lição. Você precisará apenas descobri-las nas imagens de exemplo e analisar os nós mentais e físicos. Então, da próxima vez que você ver algo que possa se acomodar melhor para usar esses recursos, use esses princípios a seu favor. Com isso, vamos passar para a próxima lição também. 7. Princípio V - Proporção: Sabe, aquelas pinturas em que não sabemos se algo está errado, nem tudo está combinando. O personagem parece um pouco grande ou muito pequeno em relação ao ambiente. Então, esse é principalmente o problema com a proporção. A proporção é muito importante para se ajoelhar. Se você quiser tornar suas imagens, sua concorrência será mais credível. As proporções podem desempenhar um papel importante. Você pode usar proporções em praticamente qualquer lugar como se houvesse proporção na textura. Essa proporção é como se você pudesse usar o oceano para mostrar a perspectiva. Então, vamos nos aprofundar no tópico e ver como os mestres o usaram e como algumas das maneiras comuns de usá-lo para aprimorar nossa composição e torná-la mais crível e fantástica. Vamos embora. Proporção. Nossa escala é a relação entre os assuntos ou objetos que colocamos na cena ou composição. É basicamente diferenciar ou identificar os objetos na cena e dar aos nossos espectadores uma noção da escala da imagem. Qual é o tamanho da semente? Quão pequena é a cena? Aqui nesta imagem você pode ver que temos um planeta aqui. Parece que Saturno tem anéis. Assim, podemos nos relacionar instantaneamente com o objeto ali, e instintivamente sabemos o tamanho do objeto. Comparado a isso. Também temos a nave espacial para o espectador. Qual é o tamanho da nave espacial na cena? Porque temos um planeta gigante. E temos a nave espacial e temos outros elementos que nos dão a sensação da vastidão do mar. Então, acenda lá também. Falsey é muito rápido, só porque introduzimos o planeta em cena. Simplesmente nos atrasa instantaneamente. E sempre podemos dizer quão grandes são os outros assuntos ou objetos na cidade em comparação com o que reconhecemos. Como você pode ver aqui, isso é repetição e forma, e geralmente mostra a perspectiva que existe para nos dar uma sensação de escala. Ok, veja a segunda imagem ou as duas primeiras cabeças, certo? Agora. Eu quero que você dê uma olhada nas texturas. Na passagem da montanha, temos. E então você pode dar uma olhada nos personagens. Como estamos familiarizados com o personagem e sabemos o quão grandes geralmente são os humanos e os cavalos. Então, podemos relacionar isso com o resto da cena. E podemos avaliar instantaneamente uma ideia de quão grande é a cena, quão grandes são essas texturas, quão grandes são essas rochas, e assim por diante. Então, essa é uma maneira de alcançar a escala. Você coloca objetos familiares na cena e ajuda o espectador basicamente a reconhecer o tamanho dos CNAs. E geralmente podemos partir daí. Como se eu colocasse um humano, vamos adicionar um humano lá. Então, ao colocar alguns objetos familiares, você ajuda o espectador a perceber o que você está tentando mostrar o tamanho dos objetos em comparação com as coisas familiares. Então, podemos tirar isso da cena e passar para a próxima. 8. Princípio VI - Movimento: Então, seria pensar em movimento em uma imagem estática. Como isso funciona? Bem, vamos começar a ouvir e descobrir como isso funciona. Movimento ou fluxo são muito importantes em uma composição. Geralmente, é uma ideia dar uma impressão da ação ou do que está acontecendo. A cena está estável? Instável, para onde você quer que o espectador olhe e tudo mais? Assim, podemos alcançar o movimento de várias maneiras. Novamente, analise as cores. Podemos introduzir formas ativas. Mas, idealmente, em uma composição, você quer ter muitas linhas principais. As linhas principais são geradas. Linhas que são assim. Os pontos basicamente apenas apontam o puro para um objeto ou assunto que queremos que eles vejam. Aqui nesta cena. Temos muitas linhas principais em primeiro plano, como aqui. Aqui. E aqui. Tudo o que leva ao assunto. E o assunto é muito centralizado. E todas as linhas, todas as formas estão basicamente nos levando até Ele. E as cervejas. Até as montanhas são basicamente feias que nos dizem que devemos olhar para cá, para cá. E temos uma superfície inclinada. Então, isso também nos dá uma sensação de desequilíbrio. Aqui, a cena é equilibrada. E ao amassar a tela estamos revelando a superfície, podemos criar uma sensação de desequilíbrio na cena e dar a ela uma sensação de movimento ou ação. Muitas formas internas apontando para o personagem, e muitos seis ovos também. Você sempre pode introduzir algumas formas em ziguezague em primeiro plano. E basicamente para criar uma sensação de movimento. E as crianças, quando conseguem ver as formas , estão basicamente levando ao assunto. E até mesmo a mudança deles para a próxima imagem. Você já pode ver. A superfície está levemente inclinada, embora tenhamos uma sensação de equilíbrio no horizonte. Ainda temos uma superfície inclinada que nos dá uma sensação de desequilíbrio e ajuda ação ou movimento na cena. Obviamente, você pode ver o personagem e as redes de pesca aqui. Eles são ideais para se equilibrar. Mas você pode ver que o personagem está um pouco desequilibrado. Então, isso cria um senso de luta e nos dá um senso de ação. Você também pode dizer que Seal não está calma só por causa da maneira como ela disse que insiste e com a superfície está apontando. Isso também nos dá uma ideia da luta deles na cena. Então, eu quero que você considere tudo isso quando o planejamento é C, adicione muito movimento na cena para cobrir as formas e ver. Você precisa planejar como deseja que o espectador veja para ver mais. Mas é uma ótima maneira de conseguir isso. 9. Princípio VII - Variedade: Tenho certeza de que você pode adivinhar qual variedade e cauda. É bastante óbvio pela noção disso. Mas estou aqui para mostrar como você pode incorporar design e composição em suas obras de arte. Acho que algumas delas podem até te surpreender. Então, vamos mergulhar. Então, em seguida, passaremos para a variedade. A variedade pode ser uma instância diferente de elementos visuais. A variedade pode ser com cores, pode ser com valores. Como aqui, você pode ver vans escuras contra valores brilhantes e muito brilhantes. O mesmo aqui. E o mesmo aqui. As formas são lidas umas contra as outras, criando ênfase e contraste. E o mesmo aqui. Você pode ver a variedade de assuntos. Como se você tivesse muitos personagens aqui. Você tem personagens adultos e também tem filhos aqui. Bom. Então, essa também é uma forma de trazer variedade a uma cena. Aqui você tem muita variedade de tons e valores. Então aqui você tem um tom mais quente, o geral deles, depois o pano de fundo está de acordo com o que joga um contra o outro e o cérebro se diverte no mar. Você também pode ver aqui as sombras se sobrepõem a serviços mais claros. Mesmo na cesta, você pode ver a variedade entre os assuntos. Nem todas as maçãs são iguais. Eles têm texturas diferentes. E isso também traz coisas relacionadas. Eu também quero dar uma olhada nos livros. Eles não são todos iguais. Eles têm variedade entre eles. Alguns deles têm texturas diferentes. O mesmo em todos os lugares. Até mesmo seus alinhamentos, como se não estivessem alinhados da mesma maneira. Você tem uma textura separada lá, lá também. Você pode ver o fluxo do arranjo. Se você visse uma perspectiva diferente, ângulos diferentes. Então, eles estão indo assim. Eles também estão indo assim. E nem todos os livros estão alinhados da mesma forma. Então, isso também cria uma variedade. Então, nesta imagem, você tem muitos arbustos quentes ou lesões ao redor. Mas para contrastar isso e trazer alguma variedade. Você geralmente tenta trazer alguns tons mais frios aqui. Como aqui, você pode ver variedades de impulsos mais escuros e frios para criar uma sensação de diferenciação, se quiser. 10. Princípio VIII - Harmonia: Aprendemos sobre variedade, mas variedade sem harmonia ou unidade é tão insignificante quanto qualquer outra coisa. Portanto, existem basicamente dois lados da mesma moeda. Um sem o outro não pode existir. Então, vamos começar esta lição e descobrir como podemos combiná-las para entender mais sobre harmonia e como podemos combinar isso com variedade para criar algo mais atraente. Harmonia ou unidade é basicamente o oposto da variedade. É o ato de reunir diferentes elementos da arte. Ou também pode ser a repetição de objetos. Então, a harmonia poderia ser alcançada de várias maneiras. Harmonia, lago, unificando cores, formas e padrões. E essa imagem aqui, temos muita harmonia e cores. Tons de cores semelhantes, reunindo toda a composição de cores da imagem, como aqui, aqui. E aqui, o mesmo tom de laranja ou vermelho. E então você tem cores mais ousadas. Além disso, temos muitos amarelos, e o pano de fundo é mais frio. Isso também atua como um elemento unificador natural. Na maioria das imagens. Aqui você tem um tom mais frio de azul. E aqui também. Então, é basicamente um cenário para todos os assuntos. E ao fazer isso, também está unificando toda a cena. Então, essa é uma maneira de fazer isso. Aqui nesta imagem, temos harmonia de estilo ou mais traços ou eficiência de pincéis, quem o fará? Isso geralmente é o que você pode ver aqui. A reprodução das gramíneas é muito semelhante aqui e aqui. Então, idealmente, você quer que a imagem tenha um fator unificador de estilo. Como você renderiza elementos, como descreve essas coisas. Então, outra forma de trazer harmonia à UC é usar um conjunto de cores análogas. Você pode ver aqui todas essas cores residem muito próximas umas das outras na roda de cores. Aqui você pode ver olá e tons de verde e até o céu. Eu quero que você preste atenção específica ao céu porque o céu aqui também está muito dessaturado. E isso complementa as cores que usamos na cena. E essa cena. A harmonia é alcançada por meio da repetição de assuntos. Muita característica aqui, muita pessoa, muita gente. Então, esses assuntos estão reunindo tudo. Mas veja o topo aqui e separe o tom de azul que foi usado aqui. Então, entre todas as vacas que estão acontecendo na cena, como aqui, pessoa aqui. Você pode o fator diferenciador e o que os está unindo, até mesmo as cruzes aqui. Eles também estão trazendo harmonia no mar, formas semelhantes. E então há apenas um assunto que é separado do resto do assunto que temos aqui. E também observe a cor arminiana aqui. Ok, vamos passar para o próximo. Nessa cena, temos harmonia e valores. No geral, o CDS realmente está exposto a valores muito altos. E essa é a ação alvo. E veja, você pode ver como tudo, exceto isso, é muito brilhante. Então, usando um conjunto de valores, mude sua cena e defina-os. É uma alta exposição, baixa exposição, coisas assim também podem trazer harmonia à sua cena. 11. Princípio IX - Rythm: O ritmo é um padrão organizado de certas maneiras que cria movimento na cena. Então, o que eu realmente quero dizer com isso? Então, vamos dar uma olhada nos exemplos e vou tentar explicar como ele funciona e como ele pode ser usado na compilação. Então, vamos entrar nisso. O ritmo pode ser descrito como uma combinação de movimento e melhor. Então, você vê que o datum está basicamente criando um fluxo dentro da imagem que é agradável aos olhos, como este. Neste van Gogh, os gametas podem ver muitos padrões, mas estão seguindo adiante, seguindo em frente com emoção. Você pode sentir o movimento. Então, também nesta imagem, muitas formas fluidas basicamente promovem movimento. Aqui. Aqui é onde você tem a ideia geral de criar, idealmente uma variação não uniforme de padrões que nos dê uma sensação de movimento na imagem. É um assunto um pouco difícil de definir corretamente. Mas você sabe, uma vez que você a vê aqui, você também pode ver todas as formas que seguem por aqui. É uma reputação de assuntos como esse, seguindo uma perspectiva que cria uma sensação de movimento. Também é uma forma de ritmo. Uma peça não uniforme é muito importante. Porque assim como uma dica musical, mas em um padrão não uniforme na imagem. Assim. Para criar uma sensação de movimento, flua dentro da composição. Também posso ver aqui. As formas que fluem , em última análise, levam a menos ao assunto principal que estamos tentando enfatizar. Aqui estão muitos turnos para dentro. E aqui também terminando nos personagens. Então, é basicamente outra forma de ativar o movimento da inosina. Então, isso nos leva ao fim de todos os princípios de design que mencionei aqui. Há mais, como duas ou três, que você pode encontrar se pesquisar no Google sobre elas. Mas o fato é que todos os princípios de design estão correlacionados e são apenas uma variante um do outro ou são a mesma coisa, como em embalagens diferentes. Então, apenas entenda isso. Eles estão todos relacionados. Todos eles interagem uns com os outros. E à medida que você mergulha mais fundo, continue se aprofundando nesses tópicos. Você entenderá que um não pode realmente existir sem o outro. Então, com isso, vamos passar para o final da aula e nos vemos lá. 12. Conclusão: Tudo bem, então isso conclui tudo o que você precisa saber sobre os princípios de design. Tente não pensar nos princípios como algo para elevá-los. Na verdade, é exatamente o contrário. Os princípios, na minha opinião, são de natureza muito flexível. Eles estão muito interconectados uns com os outros. E muitos dos princípios podem ou não influenciar uns aos outros de uma forma que é muito coesa por natureza. Então, quanto mais você tenta seguir isso, tente perceber, tente observar esse tipo de coisa. O que, n, o que vai acabar acontecendo é que você tentará perceber. Se tentar, você começará a notar muito mais nuances em seus relacionamentos do que isso acontece o tempo todo. Então, quanto mais você notar essas coisas, mais você poderá aplicá-las em sua pintura. Então, meu objetivo aqui é apenas apresentar a você o conceito dos princípios. E ao apresentá-los a você, você, espero que seja capaz de pensar sobre eles ativamente. E ao notar algo, observar algo ou apenas tentar criar uma solução de design, você estará pensando ativamente neles. E isso, por sua vez, ajudará muito no processo de tomada de decisão e na no processo de tomada de decisão e elaboração e criação de designs melhores por toda parte. Ao usar princípios de design, você seria capaz de analisar e extrair muito mais das pinturas os designs que você realmente aprecia e os implica ativamente. Implemente-os em suas próprias pinturas. Então, com isso, agora você está pronto para passar para a próxima aula, que será sobre fundamentos. A razão pela qual escolhi apresentar os princípios de design antes dos fundamentos é que existe uma razão. O principal motivo pelo qual escolhi fazer isso é basicamente o princípio do design que apresenta muitas novas nuances que são aplicadas aos fundamentos. Então, esses são os parâmetros que vamos usar para aplicar os fundamentos às nossas obras de arte. É por isso que achei muito melhor conhecê-los, conhecer os princípios antemão antes de entrar nos fundamentos. E na minha aula de Fundamentos, que será lançada em breve, você usará muitos deles para analisar como os fundamentos funcionam. Assim como a ênfase, a ênfase, o contraste, etc., podem ser usados na iluminação, podem ser usados junto com a iluminação. Como a iluminação pode ser usada para enfatizar certas coisas. Como as cores podem ser usadas para enfatizar certas coisas ou algo assim. Em outras palavras, como todos os fundamentos, use ativamente os princípios de design de uma forma que seja védica, coesa e realmente unida. Digamos que. Se você não tiver certeza sobre alguma coisa, tente passar pela aula mais uma vez. Eu sei que para alguns de vocês esse seria um território completamente novo. E levará algum tempo para ser absorvido, levará algum tempo para pensar ativamente sobre essas coisas. Então, se você não tiver certeza sobre as coisas, basta passar pela aula mais uma vez. E mesmo assim, algo não faz sentido. Você é sempre bem-vindo para me enviar uma mensagem e eu farei o melhor de minhas habilidades para respondê-las também. Então, com isso, vou pegar minha folha e vemos em breve na próxima aula. Pintura feliz. E espero que você cuide bem de si mesma.