Pintura acrílica para iniciantes: crie artes abstratas expressivas e coloridas

1. Introdução: [MÚSICA] Eu adoraria poder pintar, mas nem consigo obter uma linha reta. Já tive isso tantas vezes antes, na verdade, muitas aulas iniciantes se concentram em pintura realista e se a pintura não se parece a coisa real, você fica frustrado. A pintura abstrata silencia seu crítico interior e é muito divertido. Meu nome é Cornelia e sou artista e designer. Trabalho como diretor de arte em publicidade há cerca de 20 anos. O que muitas vezes eu perdi neste trabalho é a liberdade de criar minhas próprias regras e que estamos pintando entra. A pintura abstrata é o meu playground criativo onde posso experimentar e me divertir, depois gosto de compartilhar minhas descobertas em minhas aulas. Esta aula de pintura acrílica amigável para iniciantes tem três seções: conhecimento básico do material, teoria do design e projeto de classe. Começaremos com as propriedades básicas da tinta acrílica e da mistura de cores. Você aprenderá sobre o valor tonal e como usá-lo para guiar os olhos do espectador através de sua pintura. Vamos dar uma olhada rápida teoria das cores e montar uma paleta de cores. Então estamos prontos para iniciar o projeto da classe, uma série de quatro pequenas obras de arte abstratas. As pinturas são construídas de cinco a seis camadas e, para cada uma, você usará um tipo diferente de marca, consistência de cores ou ferramenta. Criaremos contrastes interessantes através de traços expressivos, padrões delicados, linhas gesturais e colagem. Esta aula é ótima para iniciantes que nunca pintaram com acrílicos, para estudantes avançados que querem começar com a pintura abstrata mas também para pessoas que estão apenas procurando um projeto de pintura descontraído. Nenhum conhecimento prévio é necessário e estamos usando os materiais de pintura simples. Você aprenderá a trabalhar intuitivamente e se concentrar no processo criativo. No final desta aula, você terá quatro obras de arte exclusivas que você pode pendurar, enviar como cartões ou postar nas mídias sociais. Vamos começar [MUSIC]. 2. Visão geral e projeto do curso: [MÚSICA] Bem-vindo, é bom tê-lo aqui. Esta aula é adequada para iniciantes porque começaremos com o básico. Haverá muitos exercícios práticos para que você possa praticar o trabalho com suas tintas e aplicar os princípios de design que eu ensino. O projeto da classe será então uma série de pequenas pinturas abstratas como as que você vê atrás de mim. Deixe-me dar uma visão geral. Começaremos com as propriedades básicas das tintas acrílicas e um exercício em que as usamos em diferentes consistências. Então você aprenderá a misturar todas as cores da roda de cores a partir de apenas três cores básicas. Na próxima seção, abordaremos o valor tonal, os tons de cinza de branco a preto. Como exercício, estaremos pintando uma escala de valor. Em seguida, falaremos sobre contraste e fazemos outro exercício usando diferentes proporções de valores de luz, médio e escuro. Em seguida, vamos praticar identificar a leveza ou a escuridão, esse é o valor das cores. Usaremos as amostras de cores que pintamos para o exercício da roda de cores e as classificaremos acordo com seu valor tonal de claro para escuro. Finalmente, usaremos todo esse conhecimento para criar uma paleta de cores para o seu projeto de classe e vamos experimentá-lo na planilha de prática. Em seguida, nos prepararemos para o projeto da classe. Primeiro, prepararemos nosso artigo, falaremos sobre o uso de um visor e os benefícios da pintura em série. A próxima lição é sobre como a pintura abstrata gratuita melhora sua criatividade e como a limitação e a imitação podem ajudar no processo de aprendizagem. Você também não precisa acertar tudo na primeira vez, porque as tintas acrílicas secam rapidamente e são fáceis de pintar. Finalmente, é hora do seu projeto de aula, quatro mini pinturas abstratas. Vamos trabalhar pequeno porque o tamanho pequeno torna a página em branco menos intimidante. Você só precisa de um pequeno espaço de trabalho e ele mantém os custos de material ao mínimo e isso ajuda você a ser mais ousado e se sentir menos. As pinturas são construídas a partir de 5-6 camadas. Para cada um deles, primeiro você pratica o derrame e as técnicas necessárias e, em seguida, aplicará imediatamente o que aprendeu ao seu projeto de classe. Começaremos a primeira camada com uma faca de pintura ou um cartão de plástico e experimentaremos a aplicação de tinta. Em seguida, criaremos a segunda e a terceira camada com pinceladas expressivas em negrito usando duas viscosidades de tinta diferentes. Em seguida, vamos nos concentrar em padrões delicados e quase meditativos e treinar nossas habilidades motoras finas e controle de pincéis no caminho. É hora de ficar mais animado novamente. Vamos traçar uma linha impulsiva que transmite emoção e traz movimento para a imagem. Finalmente, analisaremos nossas fotos e daremos os retoques finais em nossa composição. A colagem é uma ótima opção para isso, pois você pode trabalhar com tentativa e erro. Como o projeto consiste em várias camadas e algumas delas precisam de tempo de secagem. Seria ideal se você pudesse preparar um pouco de espaço para você, onde você poderia deixar seus materiais de pintura. Dessa forma, você não precisa superar essa barreira de preparar as coisas e guardá-las todas as vezes, e você pode começar a pintar sempre que tiver algum tempo livre. Para o projeto de classe , documente seu progresso tirando uma foto de cada camada e enviando-a. Para criar um projeto de classe, selecione o menu “Projetos e recursos” e clique no botão verde. Você pode fazer upload de uma imagem de capa e inserir o título do projeto. Em seguida, você pode adicionar mais imagens e a descrição do seu trabalho ou pedir feedback na janela abaixo. Finalmente, você clica em “Publicar”. Você pode editar e adicionar ao seu projeto a qualquer momento no futuro. Cabe a você decidir o quão abrangente você quer tornar seu projeto de classe. O requisito mínimo, porém, é tirar uma foto das obras de arte finalizadas e enviá-las. No entanto, seria incrível se você documentasse o processo de criá-los tirando uma foto de cada camada. Por último, mas não menos importante, ficaria feliz em ver algumas das suas folhas de exercícios. Na próxima lição, darei uma visão geral dos materiais que você precisará. Depois disso, você já pode tirar suas tintas para alguns exercícios práticos. Vejo você lá. [MÚSICA] 3. Os materiais que você precisa: [MUSIC] Oi e bem-vindo de volta. Agora, vamos dar uma olhada nos materiais que você precisará para essa aula. A maioria deles é definitivamente materiais artísticos como essas tintas, por exemplo. Algumas coisas podem ser substituídas por objetos do dia-a-dia. Por exemplo, você pode usar um cartão de plástico em vez de uma faca de paleta. Embora vamos começar com tintas acrílicas. [MÚSICA] As tintas acrílicas são extremamente versáteis, prontamente disponíveis, e a maioria das marcas tem uma linha acessível de tintas com uma qualidade decente. Você pode usá-los grossos como tinta a óleo ou finos como aquarela. Eles são ótimos para trabalhar em camadas porque secam rapidamente e são resistentes à água quando secos. Isso significa que você não reativará a camada anterior ao pintar sobre ela, isso acontecerá com aquarela ou guache. Se você já tem algumas tintas acrílicas em casa, perfeito, use-as, mas se você tiver que comprá-las, aqui estão duas dicas. Para começar, você só precisa das três cores primárias e branco. Gosto de trabalhar com ciano, magenta, amarelo e titânio branco, que é um branco brilhante opaco. Com cores primárias, você é muito flexível porque você pode basicamente misturar todas as cores da roda de cores, iluminá-las adicionando branco. Todas as cores primárias se misturam, criam um cinza muito escuro. O preto real é, claro, muito mais escuro, e se você quiser usá-lo como uma cor pura em sua imagem, ou misturar com outras cores para criar cores mais escuras e silenciosas, é claro, é útil ter um tubo disso também. Vou usar preto para nosso exercício prático sobre valor tonal, mas se você não tiver preto, você pode usar qualquer cor escura. Se você tem uma cor favorita que gostaria de usar o tempo todo, ou se quiser trabalhar com cores neon ou metálicas, definitivamente vale a pena investir em um tubo extra dessas cores também. As tintas acrílicas estão disponíveis em duas qualidades diferentes, grau de artista e grau de estúdio. Muitas vezes, essas tintas mais baratas também estão sob os nomes grau do aluno, padrão ou básico. A diferença é que as tintas de grau artístico contêm mais pigmentos e , portanto, são mais caras. Para nossos propósitos, recomendo usar tintas de grau de estúdio de uma marca bem conhecida ou o rótulo privado da sua loja de arte. Eles são menos caros e eu não gosto de ter esse fator de custo em mente quando uso muita tinta. [MÚSICA] Há papel especial disponível para pintura acrílica, é muito pesado e tem cerca de 400 GSM. aquarela ou papel de mídia mista também funciona, apenas certifique-se de usar pelo menos 250 GSM, melhor obter 300 ou mais. Para os exercícios e amostras de cores, uso papel aquarela barato de 200 gramas dos rótulos privados de duas lojas de arte diferentes. Os tipos de papel que uso para pintura são papéis de pintura acrílica de 400 gramas de Canson e Fabriano. O papel de pintura acrílica Fabriano Pittura é branco puro e tem uma textura ligeiramente rasgada. Comprei este papel em lençóis grandes, mas também está disponível em almofadas de papel. O papel acrílico Canson é branco natural e seus grãos me lembra de papel aquarela. [MÚSICA] Para pintura acrílica, é melhor usar pincéis sintéticos ou de cerdas porque são bastante baratos, têm uma boa firmeza e são fáceis de cuidar. Eu não usaria escovas de cabelo naturais expansivas como escovas de aquarela, porque a tinta acrílica tende a secar perto do feral e começa a afastar as cerdas, e mais cedo ou mais tarde o pincel será arruinado. Para esta aula, uso três tipos de pincéis, um pincel plano número 10 para as amostras de cores e os exercícios, um pincel redondo número 2 menor para os padrões e o pincel de cerdas redondo grande para o traços em negrito. Se você não tiver um pincel como este, também pode usar uma escova plana maior, uma escova de cerdas grossas e redondas ou um pincel de pintor da loja de ferragens. Também uso uma faca de pintura para misturar minhas tintas e criar marcas expressivas. Se você não tiver um cartão de crédito antigo ou qualquer cartão de plástico servirá. [MÚSICA] Para as marcas texturais, você pode usar uma variedade de canetas e ferramentas de desenho. Recentemente descobri esses tubos de aperto muito legais de tinta acrílica de corpo pesado da Sennelier. Comprei dois custos para experimentá-los e adoro o efeito. Eles têm uma dica muito fina e você pode usá-los para fazer linhas tridimensionais delicadas como eu fiz nesta peça. Outras opções são marcadores acrílicos ou pastéis, lápis ou lápis de cera. Tenha em mente que materiais solúveis em água podem manchar se você aplicar outra camada úmida sobre eles. [MÚSICA] Eu uso todas as coisas como uma paleta, às vezes uso placas de plástico como esta, e também tenho uma paleta de rasgo, que é feita de folhas de papel codificadas. Eu realmente gosto de usar apenas papel de plástico como essas mangas de documentos que estão abertas nos dois lados ou esses bolsos de fichário. Para ter um fundo branco, acabei de colocar uma folha de papel dentro e, em seguida, posso misturar as cores diretamente sobre elas. Aqui tenho uma manga que cortei e usei muitas vezes e, portanto, está coberta com alguns resíduos de tinta. Se eu tiver alguma tinta sobrando nesta paleta, acabei de colocar uma folha de papel de seda sobre ela e faço uma impressão monótipo. Para isso, a dor ainda deve estar molhada. Quando o papel estiver completamente seco, você pode retirá-lo para revelar seu papel de colagem impresso à mão. Para adicionar elementos de papel às suas imagens, você obviamente precisa de alguma cola. Eu uso meio fosco ou meio brilhante e, como os nomes sugerem, eles secam com uma superfície mate ou brilhante. Alternativamente, você pode usar uma cola artesanal ou cola branca, é relativamente espessa, mas pode ser diluída com água e aplicada com uma escova, seca clara e brilhante. A vantagem de fazer seu próprio papel de colagem é que você pode combiná-lo exatamente com sua paleta de cores, e você só precisa de papel de seda regular para ele. Claro, você também pode usar qualquer outro papel colorido ou texturizado e às vezes eu até uso a sujeira da pelota, ou seja, pedaços de tinta acrílica seca. [MÚSICA] Para cortar o papel, você precisará de um tapete de corte ou um pedaço de cartão resistente como base, também uma régua, idealmente uma que seja feita de metal, uma faca e um lápis. Para colar minhas peças de papel no papelão ondulado, minha esteira de corte ou na mesa, gosto de usar fita adesiva ou fita de pintor. Tente encontrar uma fita que não fique muito. Como alternativa, você também pode experimentar a fita washi. Isso foi muita informação, mas não se preocupe, você pode baixar a lista de materiais na seção de projetos e recursos. Na próxima lição, vamos dar uma olhada em nossos tubos de pintura. Com a maioria das marcas, você pode encontrar informações sobre a opacidade, a solidez da luz e o pigmento na embalagem, e saber disso pode ajudar a evitar frustrações mais tarde ao usar as tintas. Vejo você na próxima lição. [MÚSICA] 4. Tintas acrílicas: conceitos básicos: [MÚSICA] Vamos dar uma olhada nas propriedades das tintas acrílicas e descobrir sobre resistência à luz, opacidade e pigmentos. As tintas acrílicas são feitas de pigmento, água e aglutinante. O aglutinante é basicamente a cola que mantém os pigmentos juntos e também os faz grudar na superfície. É feito de resinas acrílicas e água, e é branco, desde que esteja molhado. As tintas acrílicas são solúveis em água e, portanto, podem ser diluídas com água. Você também pode limpar seus pincéis com água e sabão. Há sabonetes de limpeza de escova para isso, mas reconhecidamente, uso sabonete regular na maioria das vezes. Depois de ter retirado a maior parte da tinta e lavado o pincel, eu a ensaboo uma ou duas vezes e movo as cerdas para frente e para trás para retirar os resíduos de tinta que geralmente se instalam neutrófilos. As tintas acrílicas secam rapidamente. Enquanto camadas grossas de tinta levam algumas horas para secar, camadas finas secam em apenas alguns minutos. Aqui eu defini meu temporizador por cinco minutos e meu palpite acabou sendo bem preciso. Uma vez que a água evapora, as partículas de resina no aglutinante se fundem e a tinta torna-se resistente à água. tinta acrílica se mantém especialmente bem no tecido, por isso é melhor se você não usar sua camisa favorita. O aglutinante também é responsável por uma das qualidades específicas das tintas. As tintas acrílico são relativamente elásticas. Você pode até tirar a tinta seca da sua paleta como um papel alumínio ou dobrar seu papel ou tela sem rachar a tinta. Também é bom saber que as tintas acrílicas secam um pouco mais escuras, isso tem a ver com o aglutinante com uma cor esbranquiçada quando está molhado, fazendo com que as cores pareçam mais claras. No entanto, quando está seco, fica claro e translúcido e as cores parecem um pouco mais escuras. Agora, se eu pedisse para você pintar uma área de cor uniformemente opaca sem pinceladas visíveis, e você acabar com isso, o que aconteceu? Vamos dar uma olhada em nossos tubos de tinta. Você já notou esses pequenos símbolos quadrados nos tubos de tinta, eles indicam se a tinta é opaca, semi-opaca ou transparente. As tintas que têm um quadrado preto completamente preenchido são opacas e é fácil pintar uma área plana e uniforme de cor. Se houver apenas um quadrado de contorno, as cores são transparentes, o que você notará ao pintar. As tintas com um quadrado meio cheio ficam em algum lugar no meio quando se trata de opacidade. As tintas baratas costumam ter uma má opacidade também, mas alguns pigmentos, como o azul ultramarino, por exemplo, são mais transparentes por natureza. Como você pode tornar essas cores mais opacas? Primeiro, você pode aplicar uma segunda camada de tinta, às vezes isso não é uma opção, por exemplo, com esses traçados de pincel, porque uma segunda camada mudaria muito a aparência do traçado. Se você sabe que sua cor é muito transparente e você não quer que seja, você pode adicionar um pouco de branco, isso mudará ligeiramente o valor tonal, ou seja, a cor será mais clara, mas também o tornará mais opaco. resistência à luz indica a resistência da cor ao desbotamento quando exposta à luz. Muitas vezes, é indicado por símbolos de mais ou asteriscos. Quanto mais sinais de mais, mais a cor dura. As cores neon sempre têm pouca resistência à luz, portanto, nem mesmo um sinal de mais. Isso significa que eles desaparecem com o tempo. Com outras cores, ele varia. Nos tubos, às vezes você pode encontrar abreviaturas para os pigmentos que foram usados. Se uma cor é mono-pigmentada como esta, ela contém apenas um pigmento. Outras cores como este azul real são misturas de vários pigmentos. Por exemplo, esse azul contém PW6, que é branco de titânio, e PB15, azul companheiro. Da próxima vez, provavelmente não vou comprar este tubo, mas o puro companheiro azul, porque misturar algo com branco é muito fácil. Até agora, você provavelmente sabe mais sobre tintas acrílicas do que a maioria das pessoas. Especialmente o conhecimento sobre opacidade é extremamente importante. Quando você está ciente de que nem todos os pigmentos são igualmente opacos, você pode economizar muita frustração mais tarde. Na próxima lição, vamos dar uma olhada na viscosidade da tinta. Vejo você lá. [MÚSICA] 5. Como diluir tintas acrílicas: [MÚSICA] As tintas acrílicas à base de água só foram desenvolvidas na década de 1950, por isso são relativamente jovens. Mas há muitos produtos no mercado e a principal diferença é muitas vezes a viscosidade. Só usaremos tintas acrílicas básicas porque usaremos água para alterar a viscosidade. Mas é bom saber o que todos esses termos significam de qualquer maneira. Há uma breve visão geral. [MÚSICA] As tintas acrílicas de corpo pesado têm uma alta viscosidade que é uma consistência rígida e amanteigada que retém os pinceladas muito bem. Tintas básicas ou tintas de qualidade de estúdio têm uma viscosidade média e estão em algum lugar entre corpo pesado e tinta corporal macia. Corpo macio são tintas com baixa viscosidade e consistência cremosa. Eles criam uma superfície de tinta plana onde você dificilmente pode ver pinceladas. As tintas acrílicas fluidas têm consistência como creme pesado. Eles podem ser pintados, derramados ou pulverizados. Tintas acrílicas de alto fluxo são, por exemplo, tintas acrílicas. Eles têm consistência aquosa e alta pigmentação. Para tornar suas tintas mais espessas, você teria que adicionar um pouco de gel pesado médio. Mas para torná-los mais finos, você poderia simplesmente adicionar água. Mas por que há tantas tintas líquidas no mercado então? Esses são os motivos. Para criar uma camada opaca sem muita textura, é conveniente se a tinta tiver a consistência certa fora do tubo. Tintas corporais macias são fáceis espalhar e dificilmente você vê marcas de pincel. Ao diluir a tinta, você reduz a concentração de pigmento. As cores ficam mais claras, menos intensas e menos opacas. As tintas acrílicas líquidas têm uma consistência mais fina e uma alta concentração de pigmento. Se você afinar sua tinta com muita água, o aglutinante, que é a cola que mantém os pigmentos juntos e também na superfície não pode funcionar corretamente. Isso pode supostamente resultar em alguns problemas como descamação ou rachaduras e é chamado de sub-vinculação. Portanto, os fabricantes de tintas recomendam diluir tintas acrílicas com 30% de água no máximo, ou seja, duas partes de tinta para aquecer a parte de água. [MÚSICA] Eu tentei causar sub-vinculação de propósito. Dizia acontecer apenas em superfícies primárias. Para o meu experimento, pintei uma folha de papel aquarela com primer. No lado direito, tenho o papel aquarela não preparado, onde os pigmentos são adicionalmente mantidos pelas fibras do papel. Comecei com cor pura e depois adicionei repetidamente uma porção de água até passar de uma proporção de uma para uma água colorida para uma proporção aproximada de um para seis. Para cada mistura, apliquei muita tinta na parte superior e uma camada fina por baixo. No final eu também adicionei um pouco de aerógrafo à mistura de um a seis para ver se isso fez a diferença. Então eu fiz o mesmo no papel aquarela não preparado. [MÚSICA] O resultado foi uma abrasão de cor muito mínima com uma borracha, independentemente da taxa de desbaste ou da adição de meio no papel preparado e não preparado. Só usando meu dedo, não consegui tirar nenhuma tinta. Fora isso, notei que o aglutinante deixava manchas brilhantes onde a tinta havia puxado. A questão das intensidades de cores e outras coisas. Se esta é minha tinta normal e eu a diluir, ela fica mais leve e menos vibrante. Onde havia uma poça de tinta, ainda há mais pigmento, mas na camada fina, você pode ver uma forte diferença. Em comparação, aqui usei tinta aquarela e, embora fosse tão aquosa quanto a minha tinta diluída, ela tem a mesma intensidade de cor a tinta acrílica pura não diluída. A linha inferior é que você não precisa se preocupar com a subligação para esta classe porque as tintas acrílicas mais baratas parecem conter tanto aglutinante em relação aos pigmentos, que a diluição não é tão um grande problema. No entanto, se você já encontrou acrílicos de descamação ou rachadura antes, eu adoraria ouvir sobre isso. Basta me deixar um comentário na seção de discussão ou em seu projeto de classe e me diga que tipo de produtos você usa. Agora usaremos nossas tintas acrílicas em três viscosidades diferentes. Primeiro, diretamente de um tubo. Aqui geralmente temos uma viscosidade média para tintas de estúdio. Em segundo lugar, diluído com um pouco de água, como uma tinta acrílica macia. Em terceiro lugar, diluído com muita água como esmalte. [MÚSICA] Para este exercício, usarei uma cor opaca, semitransparente e transparente em três consistências diferentes. Eu mascarei nove campos em uma folha de papel aquarela. Para o primeiro segmento, sempre usarei um pincel seco. Você pode notar que, com o papel aquarela áspero, você pode ver pontos brilhantes porque a cor não se depara com as cavidades. Mas quando você escova suavemente para frente e para trás algumas vezes, você terá uma cobertura uniforme. Para o meu segundo segmento, molhei o pincel antes de pegar tinta nova e misturá-la com uma consistência cremosa. Agora, o pincel colide sobre o papel muito melhor e a tinta é fácil de espalhar. Mas você já pode ver alguns pinceladas e transparências de slides em alguns lugares. Estou suavizando a tinta deixando o pincel deslizar suavemente para frente e para trás. Para o meu terceiro patch de cor, usarei meu pincel para adicionar água até ter uma pequena poça com cor líquida e agora, você pode ver os pinceladas com bastante força. A tinta é muito rápida e fácil de aplicar e você tem um efeito semelhante a aquarela. Em seguida, farei o mesmo com minha tinta semitransparente e transparente. Vamos avançar rapidamente, então não demora tanto. Agora você pode ver que no primeiro campo, não há marcas de pincel. No segundo, vemos alguns, e no terceiro já temos esse efeito aquarela com muitas marcas de pincel visíveis. Aqui, as marcas de transparência e pincel já são semelhantes a esse campo. Ele fica mais transparente à medida que avançamos e temos marcas de pincel em todos os campos. Aqui novamente, somos mais transparentes para começar. Parece quase esta área aqui e, consequentemente, temos marcas de pincel em todos os campos. [MÚSICA] Como você pode ver, não há fórmula mágica quando se trata de adicionar água. A viscosidade das tintas difere de marca para marca e às vezes até de cor para cor. A melhor opção é experimentar suas tintas e conhecer suas propriedades. Agora, que já praticamos pintura com cores únicas, na próxima lição, usaremos várias cores e aprenderemos sobre os conceitos básicos da mistura de cores usando cores primárias. Vejo você lá. [MÚSICA] 6. Como misturar tintas acrílicas: [MÚSICA] Agora que analisamos de perto nossas pontas de caneta e tentamos diferentes viscosidades. Vamos passar para misturar cores. Para o projeto da classe, você não precisa saber como misturar cores, mas isso o tornará mais flexível e também economizará muito dinheiro. [MÚSICA] Você pode misturar todas as cores da roda de cores das três cores primárias, ciano, magenta e amarelo. Você economizará dinheiro porque não precisa comprar tantas cores. É fascinante ver como as cores se misturam e uma nova é criada. Ao experimentar, você encontrará novas combinações de cores, e um grande benefício é que cores misturadas baseadas nas mesmas três cores se harmonizam muito bem. [MÚSICA] A roda de cores é uma ferramenta da teoria das cores. Ele mostra quais cores precisam ser misturadas para criar outra cor e também ajuda você a encontrar combinações de cores harmoniosas correspondentes. Para pintar uma roda de cores, você precisa das três cores primárias. As cores primárias geralmente são descritas como as cores que podem misturar todas as outras cores. Esta é uma definição muito simplificada porque é definitivamente impossível misturar todas as cores que você pode ver com apenas três pigmentos de cor primários. Originalmente, vermelho, amarelo e azul, eram percebidos como as cores primárias perfeitas. Mas essa teoria foi baseada na luz e não em pigmentos. Com a invenção de pigmentos sintéticos, fotografia colorida e impressão em cores, essas três cores foram substituídas por amarelo, magenta e ciano. Com ciano, magenta e amarelo, você pode cobrir uma gama de cores mais ampla e misturar cores mais brilhantes como este verde aqui. Se você não tem ciano, magenta e amarelo, você ainda pode fazer a roda de cores com qualquer outra dessas cores. Porque ciano é apenas um azul e magenta específicos que tem um certo vermelho. [MÚSICA] Em vez de fazer uma roda de cores clássica com a bússola, vamos pintar amostras de cores, que também podemos organizar em círculo. A vantagem é que podemos usar as amostras de cores mais tarde quando criamos nossa paleta de cores. Também faremos um exercício em que classificamos as cores pelo valor tonal do claro ao escuro. Isso é o que os cartões coloridos também são úteis. Para minha roda de cores, uso amarelo verdadeiro, vinho tinto e azul cobalto de uma marca muito econômica chamada Goya Cretan. As cores realmente se parecem muito magenta e ciano de outras marcas. Por uma questão de simplicidade, agora vou chamá-los de ciano e magenta. Você precisará de pelo menos 12 cartões em branco para sua roda de cores, no entanto, eu sempre corto um pouco mais para que eu tenha o suficiente no caso de querer repintar um cartão ou criar amostras adicionais. Papel aquarela barato funciona muito bem para isso. Minhas cartas, são oito vezes 10 centímetros. O tamanho exato realmente não importa, mas ter uma dimensão decente é útil, pois é mais fácil julgar uma cor se você vir mais dela. Eu sempre deixo três centímetros de espaço vazio por baixo, onde escrevo as cores, nomes e às vezes até faço pequenos toques de tinta das cores que usei. Vamos começar com a transição de amarelo para magenta. Eu sempre começo com a cor mais clara porque é mais fácil escurecer uma cor clara do que clarear uma escura, você não precisaria de muita cor mais clara para isso. Eu adiciono uma pequena quantidade de magenta ao meu amarelo. Quero pegar um amarelo-laranja primeiro, depois uma laranja e, finalmente, um vermelho-laranja. Talvez seja mais fácil para você misturar a cor secundária, a laranja primeiro e depois as cores terciárias, laranja amarelo e vermelho-laranja. Ao pintar os cartões coloridos, certifique-se de que a tinta seja aplicada forma mais uniforme e opaca possível. Isso facilita a visualização do valor tonal da cor mais tarde. Se você sempre limpar o pincel completamente antes de enxaguá-lo, sua água permanecerá limpa por mais tempo. enxágüe será mais rápido e melhor para o meio ambiente e para os esgotos. Às vezes também uso um segundo recipiente de água para limpar as escovas muito bem. Isso é muito importante agora porque não podemos ter magenta em nossa mistura ciano amarelo. Ao fazer a transição de amarelo para ciano, extremamente importante começar com a cor mais clara que é amarela e adicionar apenas uma mancha de azul. O azul tem uma força de coloração tão alta. Desta vez, pinto minha amostra de cores imediatamente. Mas enquanto continuo misturando, percebo rapidamente que meu amarelo-verde é muito amarelo. Então vem uma bela grama verde. Para o azul-verde, limpo o pincel primeiro porque quero muito pouco amarelo nesta mistura. A propósito, tome cuidado para misturar cores suficientes porque é muito irritante se você tiver muito pouco. Aqui, quase fiquei curto. Gosto muito da gradação do azul para o verde, mas não bati o amarelo-verde tão bem. Essa é a beleza das amostras de cores. Eu posso apenas pintar um novo e trocá-los. Para a transição de ciano e magenta, estou tomando um pincel fresco porque minha água já está muito suja para limpar completamente o pincel de uso. Comecei com minha magenta e adicionei lentamente azul. Primeiro, misturo vermelho-violeta, depois violeta e, finalmente, azul escuro. Com o azul escuro, você tem que experimentar o quanto roxo você pode misturar sem que ele se torne roxo, mas o mais azul escuro possível. Eu sempre pinto minhas amostras de cores logo sobre a borda por não ter uma borda branca. Mais tarde, posso verificar melhor como as cores combinam, porque posso tê-las um ao lado do outro. Aqui temos a roda de cores. Agora posso tentar misturar cor preta. Isso é realmente uma questão de prática porque você precisa obter a proporção certa entre as três cores primárias. Desta vez, levei muito tempo para acertar. Eu faço amostras adicionais com a tinta restante e agora estou misturando todas as três cores primárias entre si e com branco para obter cores suaves e pastel. Se você tem outros tubos de tinta, agora é um bom momento para fazer cartões coloridos deles também. É muito importante anotar os nomes das cores que você usa na amostra de cores para que você possa remixá-los novamente mais tarde, especialmente se você usar três pigmentos ou outras cores que não o causa principal será muito difícil se você não se lembrar. Às vezes também gosto de fazer manchas das cores que usei como lembrete visual. A mistura de cores é um ótimo exercício para aquecer e se soltar. É brincalhão e divertido e sempre há algo novo para descobrir. Estou ansioso para ver sua roda de cores. Por favor, tire uma foto e faça o upload para o projeto da sua classe. Na próxima lição, falaremos sobre um elemento extremamente importante de design, valor tonal. Você precisará de suas amostras de cores novamente, na lição depois disso, onde falaremos sobre o valor tonal das cores. Vejo você lá. [MÚSICA] 7. Do preto ao branco: valor tonal: [MÚSICA] Bem-vindo à segunda parte desta classe. Nas próximas três lições, você aprenderá sobre alguns princípios úteis. Primeiro, vamos ignorar completamente a cor e apenas olhar para preto e branco para aprender sobre o valor tonal. Em seguida, na próxima lição, descobriremos como o valor e a cor se relacionam e, depois disso, usaremos esse conhecimento para criar uma paleta de cores para o nosso projeto de classe. Então, antes de tudo, o que é valor? Valor define a luminosidade ou a escuridão de um elemento ou área de uma imagem em uma escala de branco a preto. Branco representa o valor mais leve e preto o valor mais escuro. [MÚSICA] O valor é responsável pelo contraste, forma e profundidade. Nossos olhos são atraídos pelas áreas de maior contraste de valor. Estas são as áreas onde a luz e a escuridão estão bem próximas umas das outras. É aí que olhamos e podemos aproveitar isso para guiar os olhos do espectador para pontos focais. Assim, podemos nos certificar incluir deliberadamente o contraste de alto valor em vários lugares da imagem para criar pontos focais e guiar o espectador pela arte. Na escuridão completa, não podemos entender nenhuma forma. Assim que a luz entra em jogo, os valores aparecem, criando uma impressão tridimensional e nos informando sobre a textura do objeto. O valor é importante para a percepção da profundidade espacial. As coisas à distância têm menos contraste e valores mais semelhantes porque já há muita atmosfera no meio. Ou seja, valores semelhantes fazem com que as coisas pareçam mais distantes. O forte contraste, por outro lado, faz com que as coisas pareçam mais próximas. [MÚSICA] Sim. Embora não possamos nos concentrar em uma reprodução exata de uma forma ou em uma impressão realista de profundidade espacial, como por exemplo, em uma pintura de paisagem, o valor tem seu próprio direito e importância. Ele dá à imagem abstrata tanta estrutura e profundidade e direciona o caso do espectador através da imagem com a ajuda do contraste de valor. [MÚSICA] Agora vamos pintar uma escala de valor de branco para preto em 10 incrementos. Não é tão fácil obter gradação uniforme, pois as tintas acrílicas secam um pouco mais escuras, por isso é um excelente exercício na mistura de tintas. Como guia, vou configurar minha primeira tentativa na minha frente, e para você, preparei um modelo para imprimir. Eu gravei duas tiras de 10 quadrados cada porque quero experimentar duas vezes. Primeiro começo com a cor branca pura e adiciono apenas um pouco de preto. O preto tem uma força de coloração muito alta, então você tem que ter muito cuidado para não ficar muito escuro imediatamente. Quando você se aproxima do preto, talvez seja necessário limpar o pincel um pouco para que não haja tanto branco nele e você possa obter cores mais escuras. Então eu tento novamente, mas desta vez indo de preto para branco. Você notará que é preciso mais cor clara para clarear uma cor escura do que o contrário. Agora é hora de outra troca de pincéis porque o meu já está tão cheio de cores que é difícil acertar os valores de luz. Se um patch não sair do jeito que deveria, basta pintá-lo novamente. Agora você pode dividir os valores em três grupos. luz, valores médios e valores escuros. [MÚSICA] Se você acha que sua imagem não tem esse certo algo, muitas vezes tem a ver com a distribuição de valor. Você pode ver que temos uma área grande aqui com tons médios muito semelhantes. Agora, estruturei a área de tom médio usando colagem, escurece ainda mais a cor mais escura e adicionei elementos contrastantes em outros lugares. Agora vamos ver a cor resultante. Você pode ver que o contraste de valor é mais importante que a cor. Porque mesmo tendo um forte contraste de cores entre as cores complementares, laranja e azul na primeira imagem, a imagem era bastante chata. [MÚSICA] Além do contraste de valor, também existem muitos outros tipos de contraste. O contraste, afinal, é, por definição, uma forte diferença. Ele cria variação em nossa imagem e torna mais complexa e interessante. Também podemos manter a atenção do espectador por mais tempo porque há apenas mais a descobrir. [MÚSICA] Agora estamos falando de um contraste de quantidade. Sessenta a 30-10 é o princípio de design que é, por exemplo, usado em design de interiores quando se trata de cor. Mas também podemos aplicar esse princípio para ajustar as proporções de nossos três grupos de valor para tornar o design mais emocionante. Observe que as porcentagens não estão definindo pedra, mas sim uma diretriz para criar diferenças fortes. Por exemplo, podemos usar principalmente valores de luz, alguns valores escuros e muito poucos valores médios. Para ter uma sensação pelo princípio da proporção de valor, agora criaremos três pequenas imagens. Em cada peça, usaremos um valor muito leve, um valor médio e um valor escuro. Fiz alguns esboços para isso, e vou transferir um deles três vezes no meu papel aquarela. O papel é colado no meu tapete de corte e eu o dividi em quadrados de tamanho igual. A composição deve ser relativamente simples, pois isso não é um desafio de desenho. Você pode trabalhar com círculos, listras ou outras formas geométricas. No entanto, é útil se você usar formas semelhantes para que não estejamos distraídos com o contraste da forma. No que diz respeito à distribuição das áreas, tentei manter o princípio de mais a alguns a muito pouco. Eu uso branco como o valor mais leve, preto como meu valor mais escuro e um valor médio, cinza. Como se vê mais tarde, é melhor usar um cinza muito claro para o valor mais leve e não branco puro. Já me certifiquei nos desenhos que as áreas têm tamanhos diferentes, e agora distribuirei os valores tonais de forma diferente em cada imagem. Por exemplo, começarei fazendo a maior área cinza médio na primeira imagem. Então, no segundo, usarei a cor cinza para a área de tamanho médio, e na terceira imagem, vou usá-la para a área mais pequena, depois faço a mesma coisa com as outras duas cores. Não se trata de pintar as áreas da forma mais exata possível, mas também não queremos gradientes nas bordas. Eu tive que recortar minhas fotos porque uso branco puro para o valor mais leve, e sem a fita, você não conseguia ver nenhuma diferença para o resto do papel. Agora, você pode observar onde você olha primeiro. Existe um único ponto de foco? Ou seu olho se move na imagem? Em geral, pode-se dizer que você primeiro olha para a área com o maior valor de contraste e, em seguida, para as áreas menos contrastadas. Você também pode ter uma sensação de profundidade, como nesta imagem aqui, que me lembra o espaço sideral com planetas que estão mais próximos e mais distantes aparecendo iluminados ou não, e você pode notar como o humor básico da imagem muda devido à distribuição do valor tonal diferente. [MÚSICA] Espero que esses exercícios tenham mostrado a importância do valor e como você pode usá-lo para mudar o humor da imagem e direcionar o olho do espectador. Na próxima lição, descobriremos como o valor e a cor se relacionam. Vejo você daqui a pouco. [MÚSICA] 8. Como o valor e a cor se relacionam: [MÚSICA] Na última lição, falamos sobre valor tonal. Quando você está apenas olhando para diferentes tons de cinza, fica relativamente claro o que é uma luz e que valor mais escuro. Mas quando se trata de cor, não é mais tão fácil. Basicamente, cada cor tem um valor tonal. A maioria das pessoas reconheceria esse azul como uma cor com um valor escuro e esse amarelo como uma cor com um valor de luz. Mas com outras cores, não é mais tão claro. Ver o valor de uma cor é algo que você aprende com o tempo e a prática. Mas, por enquanto, vamos começar definindo alguns termos que precisamos quando falamos sobre cor. Matiz, saturação e brilho. Matiz refere-se à cor pura em sua maior saturação. É o que queremos dizer quando dizemos cor, por exemplo, vermelho, amarelo ou verde. A saturação refere-se à intensidade de uma cor. Uma cor completamente dessaturada parece cinza. Nós dessaturamos uma cor misturando-a com uma cor complementar ou uma cor neutra, como branco, cinza ou preto. Isso torna a cor mais silenciosa ou sem brilho. O valor se refere à leveza ou escuridão de uma cor. Você pode alterar o valor de uma cor criando tons, tons e tons. Uma tonalidade é uma cor que foi misturada com branco. Os tons têm um valor mais leve que a cor pura. Um tom é uma cor que foi misturada com preto. As sombras têm um valor mais escuro que a cor pura. Um tom é uma cor que foi misturada com branco e preto, ou seja, com cinza. Dependendo das proporções de tons de branco, preto e cor original podem ter um valor mais claro ou mais escuro do que a cor original. Os tons são dessaturados, cores mais sutis que podem ser facilmente combinadas com outras cores. Agora, vamos dar outra olhada na roda de cores. Desta vez em escala de cinza. Você pode ver que as cores têm valores diferentes, mas também pode ver que cores diferentes podem ter o mesmo valor. Aqui, por exemplo, verde e laranja. [MÚSICA] De fato, primeiro olhamos para a área de maior valor de contraste. Independentemente da cor ou do assunto, cor é menos forte que o valor. Embora essas cores pareçam bem diferentes aqui, os valores tonais de beta e verde são idênticos e o néon, vermelho e cinza também são muito semelhantes. Esta área é, à primeira vista, na verdade, apenas percebida como um golpe espesso. Vamos dar outra olhada no contraste, forma e profundidade, agora em termos de cor. vermelho neon e o rosa neon têm um valor semelhante e são quase percebidos como um golpe. Essas combinações têm seu próprio apelo, é claro. Mas se tudo for o mesmo, fica chato. Em preto e branco, ele definitivamente não viu muito. O que realmente se destaca é esse derrame. É aqui que olhamos primeiro, essas bordas aqui. É aqui que passeamos. No início, não vamos olhar aqui, essas tiras aqui, essas tiras aqui, elas também são interessantes porque há contraste de valor para elas, o contraste de forma e tamanho. [MÚSICA] Na última lição, já estabelecemos os valores tonais importantes para perceber a forma. Se usarmos o mesmo valor para todos os lados de um cubo de três cores em um fundo colorido, o cubo se misturará diretamente no plano de fundo quando removermos a cor. No entanto, se ajustarmos os valores tonais usando tons e tons, a forma ainda estará visível em preto e branco. [MÚSICA] As gradações tonais são importantes quando se trata de profundidade espacial. Ao atribuir diferentes faixas tonais, leves, médias ou escuras ao primeiro plano, meio termo e fundo, você cria uma sensação de profundidade em sua superfície bidimensional. Preste atenção ao valor tonal da sua cor. [MÚSICA] É hora de um pequeno exercício. Para isso, precisaremos das amostras de cores que fizemos para a roda de cores. Usarei cores misturadas adicionais das cores primárias e do branco também. Você também pode usar a escala de cinza que fizemos na lição 7 para ajudar a determinar os valores tonais das cores. Para fazer isso, basta segurá-lo ao lado sua cor e comparar o brilho. Agora, você precisa de um local não ensolarado uniformemente brilhante e um fundo branco que não distraia dos cartões. As amostras de cores devem estar secas porque você se lembra, as tintas acrílicas secam um pouco mais escuras. Agora, organize as cartas do claro ao escuro acordo com seu valor tonal presumido. Quando terminar, tire uma foto, converta a foto em preto e branco em seu telefone ou computador. Dessa forma, você pode ver os valores das cores e verificar se você adivinhou corretamente. O menu provavelmente parece um pouco diferente no seu dispositivo. Eu seleciono a “Imagem”, vou para Editar e toque neste pequeno ícone com três círculos que representam cor. Então eu tenho que rolar para cima para chegar à opção, médio preto e branco. Certifique-se de usar uma conversão de cores tão normal quanto possível e não ilumine áreas claras ou escurece áreas escuras. Agora troque as amostras e tire uma foto novamente. Verifique os valores em preto e branco até encontrar a ordem correta do valor mais claro para o mais escuro. Você pode manter a última foto para referência futura. Agora, divida as amostras de cores em três grupos, valores claros, médios e escuros. Novamente, você pode tirar outra foto de referência para uso posterior. [MÚSICA] Eu uso esse método com bastante frequência quando estou montando uma paleta de cores. Quero ter certeza de que escolho cores com valores claros, médios e escuros. Mas também durante a pintura ao decidir qual cor usar em seguida, e quero ter certeza de que a próxima cor tenha um valor diferente. [MÚSICA] Na próxima lição, vamos escolher cores de cada um dos três intervalos de valor, luzes, médiuns e escuros, para criar uma paleta de cores para o seu projeto de classe. Não se preocupe, se você tiver muitas amostras com valores médios e escuros. Existem muito poucas cores puras que têm um valor de luz logo fora do tubo. Mas, como você sabe, você pode clarear o valor da cor adicionando branco, ou seja, misturando tons. Vejo você na próxima lição. [MÚSICA] 9. Crie uma paleta de cores: Olá novamente. Até agora, você pode determinar o valor de uma cor, você sabe sobre a importância do contraste de valor. Vamos falar um pouco sobre a teoria das cores e como harmonizar as cores. Em seguida, vamos montar uma paleta de cores. Não existem regras universais. Nossa formação cultural e pessoal influencia a forma como percebemos a cor. Uma cor que desencadeia certos sentimentos ou evoca memórias para você, pode ter um efeito completamente diferente em outra pessoa. O que percebemos como antiquado, retro ou moderno, é simplesmente baseado em nossa experiência visual, isso é o que vemos na vida cotidiana. Por exemplo, quando eu era criança, era impensável usar rosa e vermelho juntos. Isso definitivamente mudou. Em suma, não há certo ou errado quando se trata de combinações de cores. Mesmo que não exista um certo ou errado, você pode usar a teoria das cores em harmonias de cores específicas para encontrar combinações de cores visualmente atraentes que tenham um bom contraste. Essas harmonias de cores são especialmente úteis ao montar uma paleta de cores, mas também podem ajudá-lo quando você faz um balanço das cores que você já usa em sua peça e você está procurando uma cor que corresponda bem. O esquema de cores monocromático usa apenas uma cor e é misturado com branco, cinza e preto. No esquema de cores complementar, você usa cores que são opostas umas às outras. As cores complementares são as cores mais diferentes e, portanto, têm um alto contraste. Eles se neutralizam. Você pode usá-los para misturar cores suaves ou até cinza. O esquema de cores complementar dividido é uma variação do esquema de cores complementar. Aqui, você usa uma cor e em seguida, as duas cores que estão ao lado da cor oposta. Por exemplo, amarelo, azul escuro e vermelho-violeta. No esquema de cores análogo, você usa 3-5 cores que estão bem próximas umas das outras. O esquema de cores triádico usa três cores que são igualmente espaçadas na roda de cores. Por exemplo, ciano, magenta e amarelo. O esquema de cores tetrádico usa dois pares complementares. Por exemplo, amarelo, verde e vermelho, violeta e laranja e ciano. Gosto de abordar a cor forma intuitiva e divertida por meio de tentativa e erro. Isso me permite encontrar combinações de cores que eu poderia não ter inventado necessariamente se eu tivesse acabado usar os esquemas de cores mencionados. As cores que vão bem juntas estão relacionadas de alguma forma, assim como, por exemplo, cores análogas. No entanto, há um truque que transforma qualquer combinação de cores em uma paleta de cores correspondente, harmonizando as cores. Existem duas maneiras de harmonizar as cores. Primeiro, com uma cor mãe. Para conectar visualmente qualquer cor, você pode misturar uma pequena parte de uma cor, neste caso, rosa, em todas as outras cores que você usa. Em segundo lugar, com uma cor de lama ou um preto cromático. Para este método, você mistura todas as cores da sua paleta para criar uma cor enlameada marrom-acinzentada escura. Em seguida, você adiciona essa cor a todas as outras cores. Não importa qual dos dois métodos você escolher, você obtém cores que têm algo em comum e que as torna muito harmoniosas. Aqui estão algumas dicas para escolher cores. Usar cores que você gosta no momento nunca é um erro. Algumas cores são mais fáceis de manusear do que um grande número. Cores neutras ou suaves combinam bem com as saturadas e fazem com que as cores ousadas apareçam ainda mais. Você pode, por exemplo, pintar 60% da sua imagem em tons semelhantes, usar cores neutras para outros 30% e excelentes cores, como uma cor complementar para os últimos 10%. Muitas vezes encontro minhas combinações de cores por acaso em uma mesa desarrumada, na natureza ou na roupa dobrável. Basta manter os olhos abertos e tirar uma foto quando você ver uma combinação de cores emocionante. [MÚSICA] Para sua paleta de cores escolha 4-6 cores de suas amostras de cores. Olhe para eles em preto e branco com a ajuda de um dispositivo digital para garantir que você tenha valores claros, médios e escuros. Tenho duas luzes aqui, três tons médios que são praticamente idênticos, e esse é o meu valor mais sombrio. Minhas amostras de cores são misturadas de uma variedade de cores diferentes. Para que eles combinem melhor, vou misturar novamente as cores, mas agora estou usando o menor número possível de tubos de tinta diferentes. As novas cores, é claro, parecerão um pouco diferentes das das amostras de cores originais porque estou usando cores de base diferentes, mas remisturá-las exatamente não é o ponto. É importante que eles combinem bem. Para ver como as cores funcionam juntas em uma pintura, eu pinto amostras de cor em uma folha de papel e me certifico de que todas as cores se levantem umas contra as outras. Acho que às vezes gosto muito das minhas amostras de cores selecionadas, mas depois não funciona na pintura. Eu realmente gosto dessa combinação de cores agora. Não tenho tanta certeza sobre a laranja. O amarelo-verde ainda não toca no azul ultramarino. Eu quero ver como isso vai com isso também. Estou usando meu pincel sujo e o azul para harmonizá-lo com as outras cores. Gosto disso ainda mais agora. Agora estou fazendo novas amostras de cores mistas. Como meu verde é a única cor pura, adiciono um pouco de magenta e amarelo para harmonizá-lo com as outras cores também. Agora minha paleta de cores está pronta. Acima, você pode ver as cores originais e abaixo das harmonizadas. Eu não segui exatamente um dos métodos mencionados para harmonização de cores, mas o importante é que todas as cores também tinham algumas das outras cores nelas. Você não precisa tornar a cor harmonizando uma ciência, e você não precisa fazer isso. É bom notar o método para que você possa usá-lo sempre que precisar. Muitas vezes abordo a cor de forma muito intuitiva e não me importo com nenhum conceito. Às vezes eu gosto do resultado e às vezes não gosto. De qualquer forma, aprendi algo. Também com pintura acrílica, há sempre a opção de pintar sobre ela e começar de novo. Na próxima lição, discutiremos o tamanho do papel, as vantagens de trabalhar em série e prepararemos nosso artigo. Vejo você. [MÚSICA] 10. Preparações: [MÚSICA] Bem-vindo à terceira parte desta classe. Primeiro, prepararemos nosso artigo. Então mostrarei o que é um visor e como você pode usá-lo. Finalmente, falaremos sobre por que trabalhar em teorias é tão útil. A propósito, o ponto de partida para esta classe, somos restos de papel de 10 centímetros de largura que quase terminaram em um papel residual. Mas isso teria sido uma vergonha. Comecei a fazer pequenas pinturas. Como se viu, a combinação do tamanho pequeno e a sensação de não usar material valioso, somos essenciais para o sucesso das peças. Espero que isso funcione para você também. [MÚSICA]. Aqui tenho o formato com o qual gosto de trabalhar 10 vezes 10 centímetros. Claro que você pode trabalhar um pouco maior, mas dobrar o comprimento lateral de 10 vezes 10 para 20 vezes 20 centímetros significa quadruplicar a área da superfície. Fiz algumas peças com uma área pintada de 13 vezes 13 centímetros e funcionou com os mesmos pincéis, mas já estava um pouco no limite superior para esse estilo. Escovas maiores não teriam doido. [MÚSICA] Como mencionei anteriormente, gosto de levar o papel para um pedaço de papelão ondulado. Dessa forma, tenho bordas limpas, que por um lado parecem bonitas, mas também reduz a flambagem quando o papel mais fino fica molhado. Como estamos usando papel mais grosso, é mais importante evitar que o papel deslize ao redor quando você pinta, dependendo da margem branca que eu quero ter. Eu sobreponho a fita entre 1 centímetro e 5 milímetros. Você acaba com uma área pintada de 8 a 9 centímetros de comprimento lateral. Agora, coloque as peças em um grupo de quatro em um pedaço de papelão e prenda-as. Certifique-se de que a sobreposição de papel e fita seja quase a mesma em todos os lados. Escove suavemente a fita com o dedo para evitar que a tinta fique por baixo o máximo possível. [MÚSICA] Depois de conhecer seu formato final, você pode criar um visor. Para isso, você precisará de uma folha de papel em uma cor neutra. Durante a pintura, você pode usá-lo para cobrir a área circundante e os traços que passam pela borda e olhar para sua pintura como se estivesse em um quadro. Isso ajuda você a determinar onde você pode adicionar alguns elementos. Vou fazer outro visor de white paper. Eu uso uma régua triangular para desenhar um quadrado no meio do papel tornando-o um pouco menor que o formato gravado para que eu não veja nenhuma fita no meu recorte. Se eu tiver nove centímetros de fita para fita, faço o corte com 8,5 centímetros de comprimento lateral feito. Vamos tentar isso agora. Se encaixa perfeitamente. [MÚSICA] Uma vantagem de trabalhar em série é que você fica solto porque você não está tão focado em obter a única imagem perfeita. Afinal, você tem várias tentativas. Trabalhar em série acelera seu processo de aprendizado porque você recebe feedback visual após cada acidente vascular cerebral. Por exemplo, se o traçado for muito largo, você pode torná-lo menos largo na próxima pintura. série também faz sentido da perspectiva do espectador. As imagens estão conectadas entre si e nossas variações em um tema semelhante à música. Dessa forma, o espectador não precisa se envolver constantemente com algo totalmente novo e pode descobrir o que ele ou ela gosta mais facilmente. São as formas ou as cores, ou o arranjo dos elementos? Eu costumo trabalhar em 3-4 dessas séries ao mesmo tempo. Porque, por um lado, estou bastante impaciente e gosto de usar o tempo de secagem e trabalhar em outra coisa. Mas, por outro lado, a série também se influenciam e eu recebo novas ideias. Por fim, gostaria de acrescentar que a quantidade leva à qualidade. É simplesmente irrealista acreditar que você faz uma pintura e imediatamente acaba com uma obra-prima. Mas as chances de você acabar com uma peça que você realmente gosta são muito maiores se você pintar quatro simultaneamente. Na próxima lição, falaremos sobre os benefícios de trabalhar em camadas acima das limitações e imitação. [MUSIC] Vejo você lá 11. Como pintar em camadas: [MÚSICA] Pintar em camadas é emocionante porque há transparência e sobreposições e você pode criar profundidade visual e brincar com mostrar e ocultar coisas. Também reduz a pressão de torná-lo perfeito e aumentar sua criatividade. O que é tão bonito sobre a pintura acrílica é que você pode ter quantas camadas quiser. Você não precisa acertar tudo na primeira vez. Se não der certo , você pode encobri-lo e começar tudo de novo como eu fiz aqui. A textura que já se acumulou não faz mal, em vez disso, torna a pintura ainda mais interessante. Ao não ter um resultado final específico em mente, você pode aumentar sua criatividade a cada pincelada, a cada nova camada, você cria um novo ponto de partida. Você precisa constantemente decidir como deseja continuar e onde deseja colocar sua próxima marca. Às vezes, as coisas simplesmente não funcionam como pretendido. O golpe não está solto o suficiente, não está bem colocado. Todas as cores, como neste caso, muito transparentes. Aqui está essa cor esverdeada criada pela sobreposição de amarelo e azul e eu não gosto nada disso. No começo você pode pensar, agora eu estraguei tudo. Mas então você continua porque esses são os momentos em que você pode realmente praticar a solução criativa de problemas porque agora você não tem nada a perder. Você pode sair da sua zona de conforto e tentar algo novo. [MÚSICA] O processo que mostrarei nas próximas lições envolve uma sequência específica de etapas em termos de aplicação de tinta e ferramentas. Existem inúmeras outras combinações possíveis, mas vale a pena manter essas diretrizes pelo menos uma vez. As restrições não só reduzem a sensação de sobrecarga, mas podem acontecer quando você é confrontado com uma abundância de possibilidades. As limitações também estimulam sua criatividade porque você precisa explorar as possibilidades dentro desses limites. No começo, quando você está aprendendo algo novo, é muito útil imitar o processo de outra pessoa, seguir os passos de outra pessoa para progredir mais rapidamente. Então você pode adaptar o processo às suas necessidades e à sua estrela. Porque muitas vezes sabemos melhor o que não queremos em vez do que realmente queremos. Você pode, por exemplo, alterar a ordem das camadas, usar ferramentas de pintura diferentes ou tentar outro tamanho. É isso no que diz respeito a camadas, imitação e limitação. Na próxima lição, vamos iniciar o projeto da aula. Estamos usando uma faca de pintura ou um cartão de plástico para criar a primeira camada de marcas expressivas. Estou ansioso por isso. Vamos. [MÚSICA] 12. Marcas expressivas: pintando a faca: Você está pronto para o seu projeto de classe? Finalmente, estamos começando. Para a primeira camada, vamos usar uma faca de paleta ou um cartão de plástico para criar marcas expressivas fortes. Mas antes de fazermos isso em nossas obras de arte finais, vamos fazer um pequeno exercício de aquecimento para ter uma sensação pelas ferramentas e pelas marcas que elas podem fazer. [MÚSICA] Usaremos tinta não diluída diretamente do tubo e precisamos de uma boa quantidade, papel aquarela de 200 gramas funciona muito bem como base, mas você também pode usar sacos de papel antigos, por exemplo. Vamos começar com a faca de pintura e testar como diferentes pressões afetam as marcas. Você pode pressionar a espátula com força e puxá-la para baixo. Isso lhe dará áreas transparentes, mas também as mais grossas nas bordas. Você também pode deixá-lo deslizar suavemente sobre o papel para uma camada de tinta grossa, isso funciona especialmente bem se você inclinar a faca da paleta em direção ao papel para que você possa espalhar a tinta com a superfície da faca da paleta. Você pode alternar entre um e outro. Isso é pressionar com força, reduzir a pressão e, em seguida, construí-la novamente. Dessa forma, você pode variar a transparência de suas marcas. Você pode mover a espátula muito devagar ou rápido e impulsivamente, você pode fazer linhas retas ou curvas. Posso começar em linha reta, fazer uma curva, mudar de direção, voltar para o outro lado e depois virar até ter uma marca que eu gosto. Também posso voltar e adicionar um pouco de tinta. Sim, agora tenho uma marca bem complexa. Como você pode ver, eu também posso construir uma crista de dor empurrando a espátula do que apertar a tinta. Agora isso terá que secar durante a noite. Vamos fazer uma segunda página, desta vez com o cartão de plástico. O lado estreito do meu cartão tem aproximadamente o mesmo comprimento lateral da minha faca de pintura. Vou usar esse. Pegue um pouco de tinta e faça o mesmo exercício de antes. Pressione fortemente para baixo, deslize-o levemente. Obviamente, meu cartão está um pouco dobrado para que as aplicações de tinta e até variam a pressão, movam-se rapidamente com muita tinta, fazem curvas e combinações aleatórias. Quando se trata de manuseio e marcas, o cartão é muito parecido com a faca de pintura, e você também pode cortá-lo ao meio para fazer marcas menores. Vamos recapitular. [MÚSICA] Você pode experimentar pressões, velocidade e direção. [MÚSICA] Para a primeira camada do seu projeto de classe, escolha uma cor da paleta de cores que você criou na Lição 9. Não importa se sua primeira cor tem valor claro, médio ou escuro. Já misturei minha cor e agora faço minhas marcas rapidamente. Isso já é isso. Aqui está outro exemplo. Com essa camada, é importante misturar muita tinta para que você tenha o suficiente para fazer camadas mais grossas. Antes de colocar a faca da paleta para baixo, às vezes visualizo o traço e deixo minha mão pairar sobre o papel. Eu também tentei obter uma pequena variação nele. Se eu não gostar de uma marca, tentei fazer isso de forma diferente na próxima vez. Como este é um formato maior, uso um cartão de plástico em vez da minha pequena faca de pintura. Aqui vamos nós. Uma dica rápida sobre a composição. Não coloque sua marca sem querer exatamente no centro ou simetricamente em toda a página, isso chamaria muita atenção. Você dificilmente poderia procurar em outro lugar. Você pode, é claro, passar por cima da marca novamente, adicionar um pouco de tinta e mudá-la. Mas eu tenho que dizer , pela minha experiência, geralmente não melhora. Aqui eu realmente sinto como se tivesse trabalhado nisso. É melhor deixar isso sozinho por enquanto. Dependendo da espessura que você aplica a tinta, ela pode levar até algumas horas até que a tinta esteja completamente seca. Fazer a primeira marca em uma página em branco é realmente incrível porque tudo ainda está cheio de possibilidades. Misturar as tintas geralmente leva mais tempo nesta fase porque fazer as marcas é tão rápido. Meu conselho é não mudar demais as marcas no começo porque então você perde essa espontaneidade e você só recebe uma grande mancha de cor. Também não importa se você gosta das marcas ou não. Trata-se principalmente de começar e ter algo com o que trabalhar ou trabalhar contra. Isso é o que faremos na próxima lição. Antes de continuar, tire uma foto dessa camada e faça o upload para o projeto da sua classe. Vejo você em breve. [MÚSICA] 13. Pinceladas ousadas: Nesta lição, vamos criar duas camadas usando um pincel grande. Para o exercício de aquecimento, você pode usar qualquer papel como papel de embalagem ou papel aquarela. Começaremos com tinta pura e um pincel relativamente seco para criar pinceladas opacas com bordas ásperas. Como contraste, usará tinta aquosa altamente diluída na próxima camada. Para este exercício, você precisará de um pincel grande como este pincel plano ou o pincel pintores da loja de ferragens, ou um pincel de cerdas como este, você pode mergulhar o pincel na água antes de usar para evitar que a tinta seque perto do feral, use um pouco de pano ou papel de cozinha para obter a maior parte da água porque precisamos do pincel relativamente seco. Se sua tinta tiver uma consistência cremosa como esta, você pode usá-la diretamente do tubo. Se for muito grosso ou pegajoso, você pode adicionar um pouco de água do que deixar sua marca. Estamos visando um golpe bastante opaco com bordas ásperas, dependendo de quanta dor você tem em seu pincel, você terá um golpe sólido ou áspero. Você pode variar a maneira como você está segurando seu pincel para fazer com que seus traços pareçam diferentes. Se você segurá-lo muito perto das cerdas, você tem muito controle. Se você segurá-lo ainda mais, você tem menos controle. E dessa forma você pode criar traços descontroladamente de propósito. Você pode segurar o pincel como um lápis ou de cima para que a alça da escova fique debaixo da palma da mão. Além disso, você pode girar o pincel e fazer todos os tipos de movimentos para criar marcas interessantes. A propósito, estou fazendo esse aplicativo em pé porque ele me permite mover meu braço mais livremente. E também posso ver melhor o que estou fazendo. Você pode arrastar o pincel lentamente para fazer traços sólidos, ou você pode movê-lo rapidamente. Ótimas marcas Rafa. Vamos tentar outro pincel. É sempre bom usar um pincel muito barato, porque então você pode fazer todas as coisas que normalmente não faria com um pincel. Você pode, por exemplo, pressionar fortemente para que o peito de um se espalhe e depois torça e gire. Você pode criar linhas muito energéticas ou definir o pincel com força e apenas manchar a tinta. Se eu tiver sobras de tinta, espalho-a na minha paleta e coloco papel de seda com o lado brilhante na tinta enquanto ainda está molhada, a tinta pode mergulhar através da base de papel. Então, se você quiser evitar sujar a ponta dos dedos, você pode colocar uma folha de papel sobressalente no topo enquanto a suaviza. E é isso que eles excitam parece quando está seco, você pode simplesmente descascá-lo para revelar seu próprio papel de colagem feito à mão. Para resumir isso, você pode experimentar a velocidade, o movimento e o punho do pincel. Depois de ter uma boa sensação para suas pinceladas, você pode lidar com a segunda camada do seu projeto de classe. Estou usando essa cor verde aqui porque ela contrasta bem com o azul escuro. E estou tentando usar drogas que mudam de direção para proteger o meio ambiente e manter sua água mais limpa por mais tempo. Primeiro, limpe bem o pincel, depois mergulhe-o na água e limpe-o novamente antes de lavá-lo corretamente. Aqui, seleciono novamente um carro que forneça um bom contraste de valor com o abaixo. Como esse rosa seria muito semelhante em valor, usarei o rosa muito claro em comparação com a minha amostra de cores, a tinta mista parece um pouco mais clara, mas como as tintas acrílicas secam mais escuras, é perfeita. Então eu carrego o pincel com muita tinta. Eu tomo cuidado para não repetir a mesma curva ou a direção do traçado anterior. Então eu tentei começar de um lado diferente e seguir uma direção diferente. Se duas pequenas tintas entrarem no papel, você pode passar por cima dela novamente. Minha tinta é um pouco pegajosa demais e eu definitivamente preciso adicionar um pouco de água para evitar pinceladas hesitantes. Eu pratiquei o movimento segurando minha mão um pouco sobre o papel antes de deixá-los bem. E só então eu coloco o pincel para baixo e realmente o faço. Infelizmente, minha tinta ainda é muito grossa, então eu passo isso várias vezes aqui, mas geralmente não fica melhor quando você faz isso, mas às vezes eu simplesmente não consigo evitar. Certifique-se de não cobrir completamente a camada anterior. Todas as camadas devem estar parcialmente visíveis até você terminar. Dessa forma, você mantém todos os valores tonais que você escolheu em sua paleta de cores e cria profundidade espacial para nossa próxima camada, queremos torná-la esmaltada, que é uma camada transparente de tinta aquosa. Começo adicionando água ao meu recipiente com minha ferramenta conta-gotas e depois uso a tinta que ainda está no meu pincel no início, é melhor usar muito pouca água para que você obtenha uma mistura suave sem pedaços de tinta. E então você pode adicionar água e pouco a pouco até que a mistura escorra do pincel, carregue o pincel com o máximo de dor possível. O objetivo é obter transparências diferentes. Isso é perfeito. Há uma área transparente no meio e nas bordas a tinta corre juntas e é mais opaca. Você pode desenhar suas linhas como quiser. E como você pode ver, ao contrário da última camada, desta vez as bordas são suaves. Você não precisa pintar linhas perfeitamente curvas, é claro. Você também pode fazer pontos como este ou qualquer linha. E também posso adicionar mais tinta, desde que esteja molhada para criar áreas mais escuras. Outra opção é deixar a tinta pingar no papel. Você pode espalhar parte dele e depois adicionar mais gotejamentos. Claro, você também pode fazer movimentos rápidos novamente. Experimente com o punho do pincel e crie bolhas de cor divertidas. Tenha cuidado ao levantar o papel porque a tinta está muito escorrendo e vai direto sobre as bordas. Também tenha em mente que uma cor altamente diluída naturalmente se torna deslizante e mais transparente. Isso não é tão perceptível onde a tinta se junta, mas quando é aplicada em uma camada fina, você pode ver o fundo do papel ou as camadas de cor que estão embaixo muito bem. Você pode, claro, adicionar mais tinta em determinadas áreas para obter mais cobertura. Mas basicamente a transparência é a característica dessa camada. Para resumir isso, você pode experimentar a quantidade de gotas de tinta e velocidade. Já misturei minha próxima cor e agora estou adicionando água com um pincel, já que esta é uma cor clara que já tem uma consistência mais fina, uma carga de escova de água é suficiente. Certifique-se de sobrepor deliberadamente traços e evite marcas que quase tocam nessas áreas onde Marx quase toque atraem muita atenção. Se você trabalha solto, como fazemos, isso pode acontecer sem querer, mas não se preocupe, já que trabalhamos em camadas, podemos depois corrigi-lo, se necessário. Nesse caso, ainda não harmonizei minha magenta com as outras cores. Então eu adiciono um pequeno toque de vermelho e também pinto uma nova amostra de cores. Aqui estou colocando algumas gotas e não deixando minha marca em um só golpe. Aqui, deixei o derrame acabar um pouco mais fino. Eu me pego traçando a linha rosa claro just-in-time e mudo rapidamente a direção. Afinal, quero ver partes do Egito minhas camadas até o fim, então é melhor não cobrir tudo. Finalmente, adiciono mais dor em alguns lugares, tenho mais variação na transparência. Eu adoro essas pinceladas impulsivas. Eles adicionam muita diversão e você obtém um resultado que parece legal muito rapidamente. Não se esqueça de tirar uma foto de cada camada e enviá-la para o projeto da sua classe. Acho tão interessante documentar o processo de criação de uma arte, e estou ansioso para ver seu progresso. Na próxima lição, vamos pegar um pouco mais fácil e adicionar um padrão delicado. Vejo você daqui a pouco. 14. Padrões delicados e controle de pincéis: [MÚSICA] Depois de toda essa marca expressiva, vamos diminuir um pouco. Estamos fazendo padrões delicados para criar contraste com os traços ousados. Esse contraste realmente acrescenta muito ao apelo das pinturas. Ao mesmo tempo, desenhar esses padrões gráficos com um pincel fino é um ótimo exercício para suas habilidades motoras finas e seu controle de pincel. Você pode até ser capaz de relaxar e entrar no estado de fluxo durante a pintura. [MÚSICA] Como isso pode demorar um pouco, e estamos trabalhando com uma pequena quantidade de tinta, ajuda a pulverizar a paleta com água, vez em quando para que a tinta não seque. consistência adequada da tinta é muito importante para isso. Eu adiciono um pouco de água à minha tinta. Deve ser fino o suficiente para sair muito bem do pincel, mas ainda não muito transparente. Se for muito grosso ou houver um glob de tinta em seu pincel, você não pode desenhar linhas finas e uniformes. [MÚSICA] Para linhas finas, você precisa de uma ponta de pincel fina. Isso ajuda a rolar o pincel na sua paleta assim para remover o excesso de tinta que foi empurrado de volta para o feral. Agora, você pode pegar uma pequena quantidade de tinta com a ponta do pincel e desenhar outra linha tênue. Você precisará repetir esse processo com muita frequência. Existem todos os tipos de padrões. Você pode tentar pequenas linhas que estão diretamente embaixo umas das outras, ou pode compensá-las um pouco. Você pode fazer pontos e, para isso, você toca o papel muito levemente, mas também pode pressionar o pincel para baixo e fazer essas marcas. Para linhas curtas, você pode fazer o movimento apenas do pulso, mas isso só funciona até um certo comprimento. É muito melhor mover todo o braço e manter a mão e o pulso firmes. Você também pode tentar qual direção é mais fácil para você. Talvez seja mais confortável para você deslizar o braço para o lado. Mas seja para o lado ou para o seu corpo, de qualquer forma, você pode desenhar linhas mais retas do que se você apenas usar a mão e o pulso. Lave o pincel com frequência, para que a tinta não seque perto do feral. Lá, ele afastaria as cerdas e arruinaria o pincel mais rápido do que o necessário. Além de linhas paralelas, linhas ou ondas em ziguezague também são boas práticas para suas habilidades motoras finas. Se as linhas ficarem muito grossas, você está empurrando o pincel com muita força ou você tem muita tinta sobre ele. Neste caso, enxágue bem e limpe o excesso de água. Se você quiser desenhar linhas mais longas, é melhor segurar o pincel mais para trás. Dessa forma, é mais inclinado para o papel, você pode fazer um movimento mais fluido, e você também pode ver melhor o que está fazendo. No entanto, quando estou pintando pequenos círculos, por exemplo, é mais fácil para mim fazer linhas finas quando o pincel está mais ereto e, para isso, eu o mantenho mais perto do feral novamente. Para ter uma sensação melhor pela transparência de suas cores, você pode pintar sobre outras cores, por exemplo, em sua folha de prática de paleta de cores. Se a cor for um pouco transparente, você pode aplicar uma segunda camada de tinta sobre a tinta seca, mas talvez esteja tudo bem se for transparente. Eles estão nas regras. [MÚSICA] O estado de fluxo, também conhecido como estar nesta zona, é um estado mental onde você está completamente imerso em uma atividade, em mostrar o processo e às vezes até perder seu senso do tempo. Os padrões de pintura são uma ótima maneira de entrar no estado de fluxo porque oferece a quantidade certa de desafio. Você precisa se concentrar na tarefa em questão , mas não é esmagadoramente difícil. É esse equilíbrio entre estar subpressionado e sobrecarregado que é importante para alcançar o estado de fluxo. Vá em frente e faça alguns padrões. Estou ansioso para ver sua ficha de treino. [MÚSICA] Você pode experimentar viscosidade e opacidade da tinta, punho do pincel e movimento do braço, padrões e linhas paralelas. Quanto aos padrões, você tem algumas opções. Você pode usar apenas um padrão e deixar áreas brancas em branco, ou usar vários padrões em cores diferentes e preencher todas as áreas brancas. Os padrões podem parecer que estão atrás ou na frente dos pinceladas. Como não tenho nenhum pastel de óleo nesta turquesa, usarei essa cor para o padrão, e esse creme branco para o peito alinhar. Estou usando um novo pincel aqui que nunca foi usado, e é bastante rígido. Você tem que primeiro mergulhá-lo em água e, em seguida, a camada protetora sai, e as cerdas ficam macias e flexíveis. Vou começar com algumas listras aqui. Eu gosto quando as listras parecem estar por trás da pincelada. Estou desenhando-os como se fossem feitos de uma linha contínua. Essas linhas ainda são curtas o suficiente para sair do pulso e também ajuda a manter longe do café de antemão. Para a próxima seção, mudo a direção das minhas linhas em 90 graus, e depois uso a tinta um pouco mais grossa para fazer pequenos pontos. Estou começando a pensar que a turquesa pode estar muito escura, então eu misturo uma versão mais clara. Nas outras duas fotos, usei o padrão de listras assim. Como eu não gosto tanto dos pontos claros e escuros no primeiro, eu aplico o novo padrão a essa imagem também conectando dois pontos de cada vez para fazer linhas curtas. Este é um ótimo exemplo de como as obras de arte em série podem influenciar e empurrar mutuamente para a frente. Você não precisa fazer uma grande área padronizada, às vezes apenas três marcas de pincel como essa podem ser totalmente suficientes. Aqui, já trabalhei com dois padrões amarelos diferentes, mas acho que essa peça poderia usar outra cor. Como não quero adicionar uma cor completamente diferente, misturo um rosa que está entre meu rosa claro e minha magenta. Acontece que está muito escuro, então eu tento molhar um pouco da cor enquanto ela ainda está molhada adicionando um pouco de água. Não funciona tão bem, mas gostei muito do efeito. Continuei a usar essa solução de emergência de propósito e profundidade ou padrões após a pintura. Aqui, ainda estou perdendo um pouco de contraste, então continuo adicionando marcas escuras até ficar satisfeito com a quantidade e a forma delas. Em seguida, adiciono pinceladas mais claras em áreas de valores escuros semelhantes, para criar pontos focais interessantes aqui também. Concluído. Eu adoro as três primeiras camadas, porque elas são tão impulsivas e eu sempre preciso de algum tempo para começar a pintar os padrões, mas uma vez que estou imerso, tempo simplesmente voa. É realmente esse contraste entre os traços espontâneos rápidos e os padrões lentos e pensativos que você pode sentir nas pinturas que aumentam seu charme. O que se sentiu para você? Você prefere os traços impulsivos, ou você está mais em casa com os padrões de controle? Você pode escrever sobre sua experiência em seu projeto de classe e não se esqueça de adicionar uma imagem dessa camada. Na próxima lição, vamos adotar uma abordagem mais solta novamente e adicionar linhas gesturais. [MÚSICA] Vejo você lá. 15. Emoções de ignição: linhas Gestural: [MÚSICA] Veja o que você realizou até agora suas pinturas já têm quatro camadas. Agora vamos adicionar uma linha gestual, essa é uma linha onde você pode ver o movimento que os artistas fizeram. Eles são muito espontâneos e cinza para transmitir emoção. No entanto, é um pouco arriscado e se eu já gosto muito da pintura, muitas vezes tenho medo de arruiná-la e acontece que não estou feliz com o resultado. Mas, por outro lado, essas linhas podem se tornar um elemento muito importante da imagem e adicionar tantos interesses que realmente vale a pena o risco. Além disso, ainda temos a colagem no bolso traseiro e podemos consertar muitas coisas, então vamos ser corajosos. Nossas pinturas vivem do contraste. Não há apenas contraste de valor, mas também o contraste entre os diferentes traços bem, fomos lentos e deliberados com os padrões, agora podemos colocar força e emoção em nossas linhas. A linha pode criar um forte contraste com o fundo ou pode ser mais sutil. Às vezes, o efeito não é tão forte quanto o esperado. Aqui, por exemplo, eu queria um pouco de cor amarela na imagem, mas a linha ficou bastante sutil, então a colagem é uma ótima opção para adicionar mais elementos da mesma cor. Uma coisa a considerar ao escolher uma ferramenta de desenho é seu esquema de cores. Às vezes, adiciono deliberadamente uma cor ao meu esquema de cores porque quero usar um material específico como o forro 3D aqui afinal, sou um pouco mais limitado com minhas ferramentas de desenho porque eu pode misturar cores. Se eu não planejei, e restam apenas duas cores para o meu esquema de cores, a primeira coisa que faço é dar uma olhada nas minhas ferramentas de desenho para ver quais cores tenho disponíveis e escolher a cor do meu peito linha e a cor para o meu padrão de acordo, para este exercício, pegue alguns materiais de desenho e papel de cópia regular ou uma folha de papel aquarela e tente fazer diferentes tipos de linhas. Por exemplo, eu tenho esses marcadores acrílicos, posso fazer grandes movimentos de varredura ou pequenos, posso desenhar rabiscos ou linhas em ziguezague. Se você quiser fazer marcas rápidas bastante ousadas, é melhor não usar forros finos. Eles podem não sobreviver passando pela superfície texturizada da sua pintura em alta velocidade ao usar canetas pincel, você também precisa ter mais cuidado com a ponta. Também garante que as cores sejam leves e rápidas, caso contrário, elas desaparecerão após um curto período de tempo na luz. Lápis coloridos são ótimos para brincar, você pode aplicar diferentes pressões para criar linhas claras ou escuras. Os lápis também são excelentes. Eu uso um relativamente macio em seis B, você pode fazer linhas delicadas e ousadas ou algo que pareça uma assinatura. Também gosto de usar esses revestimentos 3D. Primeiro, você os aperta até que a cor saia e então você pode fazer linhas incríveis apertando constantemente. Finalmente, há lápis de cera ou pastéis de óleo. Sinto-me muito confortável com estes, gosto da textura das linhas e elas vêm em qualidades diferentes. Por exemplo, este é um pastel de óleo muito macio chamado novo pastel e faz linhas muito ricas e grossas e você também pode borrá-las se quiser. Você nem sempre precisa fazer grandes linhas em sua pintura, talvez você queira apenas adicionar pequenos rabiscos como esse, ou você está recebendo pacientes rapidamente e vai assim. Estou muito animado em ver suas linhas de rolo de peito porque acho que é como caligrafia. Todos parecem um pouco diferentes, então, por favor, publique sua folha de prática no projeto de aula, você pode experimentar espessura e forma, densidade e pressão, textura e velocidade. [MÚSICA] Só tenho duas cores para escolher que restam da minha paleta de cores. Eu não adorava a laranja na minha folha de exercícios de paleta de cores, mas tiro uma foto e olho para os valores de qualquer maneira. Mas como já notei em menos de nove, a laranja tem um valor muito semelhante ao verde e ao turquesa, por isso não faz sentido usá-lo para as linhas texturais sobre exatamente essas cores, portanto, decidi usar baige. Antes de colocar as linhas no papel, eu as visualizo e pratico algumas vezes no ar, depois respiro fundo e faço isso. Tentei percorrer principalmente as áreas escuras da imagem onde você pode ver o baige muito bem para encontrar o melhor lugar para minhas linhas, primeiro tiro uma foto e mudo para preto e branco. Eu já tenho uma distribuição de valor muito boa mas especialmente no meio da primeira foto, tudo é praticamente o mesmo cinza médio. É aí que uma linha de luz ficaria bem. Originalmente eu estava planejando usar preto na minha linha, mas não conseguiria um contraste muito bom em muitos lugares, então, em vez disso, usarei branco para adicionar uma linha interessante na área rosa vermelha e salvar o preto para a colagem. Eu visualizo e pratico a linha no ar novamente e depois coloco a marca no papel e, se a direção não parecer tão boa, eu apenas giro meu papel para que eu possa fazer um movimento fluido. Embora essa linha seja muito sutil, eu gosto muito disso. Tudo correu bem? Essas linhas geralmente são boas para surpresas. Estou ansioso para ver seu resultado de qualquer maneira, então tire uma foto dessa camada e faça o upload para o seu projeto de classe. Na próxima lição, vamos analisar nossas pinturas em termos de contraste de valor e ver se podemos melhorá-las. [MÚSICA] 16. Colagem e composição: Nós criamos muitos interesses visuais até agora, e isso vem principalmente de brincar com contraste. Contraste entre impulsivo e controlado, entre bordas ásperas e bordas claras, grandes e pequenas, muitas e poucas, transparentes e opacas. Adicionar elementos de colagem é completamente opcional. Você também pode adicionar um padrão ou mais tinta com sua faca de paleta. Talvez suas pinturas já estejam terminadas e então você pode pular esta etapa completamente. Também é bom saber quando parar. [MÚSICA] Quando já gosto de pintar um pouco, fico mais cauteloso com cada camada. Às vezes, surge uma súbita insegurança. O medo de tomar uma decisão errada que não consigo desfazer. A colagem é uma ótima maneira de combater esse medo de cometer um erro, porque desde que você não tenha colado, não é final, e você pode mover elementos e tentar o que parece bom e o que não [MÚSICA]. Agora vamos dar um passo para trás e olhar para cada uma das peças. Eu uso meu visor para ter uma área calma ao redor deles e meu telefone ou tablet para tirar uma foto e ver os valores em preto e branco [MÚSICA]. Agora presto atenção para onde meu olho vai e como ele se move pela imagem. Essas são as áreas de maior valor de contraste. Posso adicionar elementos mais claros ou mais escuros onde meus olhos não vão tanto. Se eu vou colocar este pequeno arco aqui, o olho será atraído para este lugar [MÚSICA]. Agora, antes de mostrar como continuo no meu projeto, quero compartilhar com vocês três perguntas para ajudá-lo a analisar suas obras de arte. Você tem várias áreas com bom contraste de valor? Você quer adicionar ou melhor cobrir alguma coisa? Qual tamanho ou forma você ainda não está usando? Ainda não desisti da laranja, e então estou tentando alguns pequenos pedaços de papel aqui. É bastante subjetivo, mas eu simplesmente não gosto disso. Acho que a imagem precisa de algo escuro em relação ao forte contraste de valor, e este papel de colagem azul escuro pode fazê-lo. Às vezes, você precisa mudar seu plano porque ele não funciona como esperado. Sim, eu gosto muito melhor dessa forma. Você também pode usar os elementos de colagem para cobrir áreas como essa área altamente texturizada aqui. Para determinar onde eu poderia adicionar outra coisa, estou procurando por áreas de alto contraste primeiro. Meus olhos vão aqui, aqui, aqui e aqui, então realmente em todos os lugares, exceto talvez aqui. Acho que algo ficaria bem nessa área. Estou colocando meu papel de colagem aqui e movendo-o até eu gostar da posição. Agora, é hora de colar tudo. Se o pincel estiver na água, você deve secá-lo primeiro para não regar o meio. Gosto de segurar o pedaço de papel para baixo com um dedo de um lado, levantar, espalhar um meio fosco embaixo dele, deixá-lo cair para trás e cobri-lo com meio fosco na superfície também. Então eu faço o mesmo com a outra metade. Claro, você pode fazer isso com peças menores. Então você tem que tentar colocar o papel de colagem exatamente onde você quer, porque é difícil movê-lo depois de tocar o meio fosco ou brilhante. Eu também uso o meio fosco como acabamento sobre meus pastéis de óleo para que eles não manchem mais. Tenha cuidado, porém, ao usar lápis de cera solúveis em água. Então você tem que tocar o meio com muito cuidado e rapidez, porque a umidade nele ativará a dor e esfregará [MÚSICA]. Quando você terminar, é hora de retirar as fitas. É melhor fazer isso muito devagar. Mas mesmo se você for cuidadoso, muitas vezes, você levantará parte da superfície do papel. Se o papel de colagem passar sobre a fita, você precisa ter muito cuidado. Quando estiver fino o suficiente, você pode rasgá-lo muito lentamente. Mas também não faz mal usar uma régua e pressionar firmemente enquanto você tira a fita. Dessa forma, você pode evitar rasgar a imagem. Se a tinta for um pouco mais grossa, eu não tentaria rasgá-la. Isso simplesmente não funciona muito bem com tintas elásticas. Em tais áreas, é melhor trabalhar com uma régua e uma faca e cortar cuidadosamente um pouco na tinta. Aqui funciona muito bem. Se a fita rasgar ou o papel começar a rasgar, eu começo de novo do outro lado. Isso geralmente ajuda a evitar danos maiores [MUSIC]. É difícil evitar lágrimas completamente, mas há uma coisa que ajuda esse meio. Ele faz um excelente papel aqui. Basta escová-lo sob a lágrima e depois com uma leve pressão sobre ele para que a camada de papel fique unida novamente. Você também pode pressioná-lo sobre qualquer outra área onde as fibras de papel foram levemente levantadas. Tente descobrir em qual direção você precisa mover o pincel para mover melhor as fibras. Quando estiver seco, você não verá quase nada. Parabéns, você fez isso. Espero que você esteja feliz com suas obras de arte e estou ansioso para vê-las tanto. Por favor, compartilhe uma foto comigo e com os outros alunos. Se você ainda não criou um projeto de classe, é um ótimo momento para fazê-lo agora. Você também pode fazer perguntas lá ou comentar sobre o trabalho de outro aluno. Na próxima lição, vou dar-lhe um breve resumo, algumas ideias sobre o que você pode fazer com suas obras de arte e como continuar aprendendo. Vejo você lá [MUSIC]. 17. Considerações finais: [MÚSICA] Espero que você tenha gostado desta aula e aprendeu muito com ela. Nós cobrimos muito terreno desde o primeiro passo até a obra de arte finalizada. Vamos recapitular. A primeira parte da aula era sobre o básico. Analisamos profundamente nosso material de trabalho, tintas acrílicas, estudamos suas propriedades, as usamos em diferentes viscosidades e aprendemos os conceitos básicos da mistura de cores. Na segunda parte, nos concentramos no conceito de valor. Você aprendeu o que é o valor tonal, como reconhecê-lo em cores e como os contrastes de valor são importantes para uma imagem bem-sucedida. Finalmente, você usou esse conhecimento para criar uma paleta de cores para seu projeto de classe. A terceira parte da classe foi dedicada ao projeto da classe. No começo, preparamos nosso artigo, falamos sobre trabalhar em série e pintar em camadas. Em seguida, analisamos a variedade de marcas que podemos fazer com diferentes ferramentas de pintura. Você praticou cada uma dessas marcas e trabalhou em seu projeto de classe camada por camada. No processo, você trouxe muito contraste com as pinturas, um lado pelo uso do valor tonal, outro lado, através das marcas e das ferramentas que você usou. Finalmente, analisamos nossas obras de arte em termos de contraste de valor e terminamos o projeto com elementos de colagem. [MÚSICA] Nesta aula, você adquiriu muitos conhecimentos básicos. O que eu mostrei é um bom ponto de partida para novos experimentos. Você pode experimentar traços e gradientes multicoloridos, fundos coloridos, papéis de colagem diferentes ou mesmo objetos do dia a dia, ou mesmo objetos do dia como esponjas, materiais de embalagem ou ferramentas de cozinha para fazer marcas e padrões como mostro em outra das minhas aulas. Se você gosta desta aula, você também pode curtir essas aulas. Sinta-se à vontade para clicar no meu nome, e este é o meu perfil. Além disso, não se esqueça de clicar no botão “Seguir” para que você seja notificado quando eu publicar uma nova aula. Se você tiver alguma dúvida, você pode publicá-las na seção Discussão, farei o meu melhor para respondê-las. O que faço com minhas obras de arte? As pinturas ficam especialmente boas quando recebem um passaporte também e o quadro. Seja na estante, na parede ou no local de trabalho, essas pequenas obras de arte sempre são ótimos olhos. Você também pode adicionar citações inspiradoras a eles ou usá-las como cartões de felicitações, talvez eles até o inspirem a fazer muita obra de arte, ou você realmente se aprofunda e faz dele um projeto de 100 dias que você compartilhe nas mídias sociais como eu fiz. A coisa mais importante que você deve tirar desta aula é a alegria da pintura e da experimentação lúdica. Jogar é tão importante para a criatividade. Quando você está jogando, você não tem um resultado em mente, você não se pressiona e está aberto para a abundância de possibilidades. Espero que você tenha gostado desta aula e isso fez você querer criar suas próprias obras de arte abstratas. Se você gostou, eu adoraria que você deixasse um comentário e também não se esqueça de fazer o upload de seus projetos de classe que todos possamos admirar seu trabalho. Se você compartilhar seu projeto nas mídias sociais, você poderia me marcar em cornelia_zb_design. Estou feliz que você se juntou a mim. Obrigado por assistir e participar. Vejo você na próxima vez. [MÚSICA]