Transcrições
1. Introdução: Oi. Meu nome é Arleesha Yetzer e sou ilustradora
de aquarela e criadora de conteúdo do YouTube. Meu trabalho em aquarelas concentra-se em grande parte em retratos, e uma das minhas técnicas favoritas para empregar é o uso de uma grande variedade de tons ao pintar a pele. Isto veio a ser conhecido como “Pele do Arco-Íris” pela minha amada comunidade. Nesta aula, quero que vocês passem por todo o processo. Vamos começar por falar sobre os materiais que você vai precisar, bem
como alguns dos meus favoritos. Depois disso, vamos quebrar cada cor individual. Vou falar com vocês sobre a criação de sua própria paleta limitada, bem
como como como misturar cada cores individuais de vermelhos, amarelos, azuis, roxos e verdes. Vamos cobrir tudo isso, e depois disso, vamos entrar em alguns exemplos de projetos. Vou mostrar-lhe o meu processo para colocar em cada cor individual. Vou mostrar como essas cores se misturam e se
misturam através de técnicas molhadas sobre molhadas e molhadas sobre secas. Estou muito animado para desmistificar este processo para você. O uso de uma ampla gama de cores em tons de pele não precisa ser assustador, intimidante ou inacessível. Pessoalmente, acho que é um exercício terapêutico incrível para construir confiança. Então, se você está pronto para mergulhar com o uso de
muitos tons de pele coloridos e aquarelas. Vamos começar.
2. Materiais: Para começar, vamos falar sobre os materiais que você precisa para se preparar para esboçar e pintar. Meus suprimentos favoritos incluem o seguinte: O caderno de esboço de mídia mista
Canton XL para esboçar e preparar, e para a nossa peça final, qualquer papel aquarela que é 100% algodão vai funcionar muito bem para o seu retrato. Vou deixar links para todos os materiais da seção sobre esta aula. Para lápis, minhas preferências são um lápis mecânico para esboçar e tirar idéias, ou um lápis colorido para a pintura final. Meus dois lápis de cor favoritos ou ambos por PRISMACOLOR, e isso inclui a corrida de cólon PRISMACOLOR em vermelhão, bem
como o PRISMACOLOR VERIFIN em vermelho carmesim. Tenho aqui umas borrachas, um polímero branco e uma borracha amassada. Quando você estiver pronto para escolher cores de tinta, você é mais do que bem-vindo para obter sua paleta de aquarela favorita. Algo talvez um pouco parecido com este. Mas será crucial nesta aula que estejamos trabalhando com uma paleta limitada. Estou a falar de quatro cores, no máximo. Para mim, eu vou estar passando e escolhendo quatro cores específicas de tubos que eu vou espremer para fora em uma paleta de porcelana. As únicas regras reais quando se trata de escolher cores para o seu paladar é que você começa com as primárias. Amarelo, ciano, magenta ou vermelho, amarelo, azul. Você vai querer ter um de cada um em uma temperatura de sua escolha, e também uma cor adicional que você acha que pode complementar o esquema bem. Isso pode ser marrom ou cinza de Payne, ou para mim eu vou estar usando esta cascata verde, como é uma cor que eu realmente não posso misturar das outras cores que eu escolhi. Assim que eu tiver minhas cores escolhidas, eu vou pegar um par de frascos para água, pouco de papel toalha, e nós estamos praticamente prontos para ir. Agora que você tem todos os seus suprimentos juntos, vamos em frente e falar um pouco sobre por que a paleta limitada é tão importante e como você pode utilizá-la para misturar uma grande variedade de cores.
3. Conhecendo sua paleta: Vamos começar por conhecer a sua paleta de aquarelas. Exercícios como estes são cruciais para desenvolver uma compreensão da gama de cores disponíveis para você, bem
como como como misturá-las em tons e tons harmoniosos. Como dito antes, você é bem-vindo para usar tintas em meio tintas. Eles não precisam sair do tubo como o meu. Esse é o meu método preferido para esta marca em particular. Para a última cor nesta faixa, decidi não espremer tinta fresca. Em vez disso, eu acabei de remover a parte de tinta seca de sua casa habitual na minha paleta para tintas Daniel Smith. Vamos começar com uma roda de cores simples. Vou colocar meu níquel azo amarelo, quinacridona luz vermelha, e manganês azul assim. Entre cada uma dessas amostras iniciais, eu vou estar misturando e colocando cores
secundárias referentes a laranja, roxo e verde. Estas são as cores que obtemos misturando duas de nossas cores primárias juntas. Eu também vou colocar na minha cascata verde, onde iria cair em relação a esta roda. Eu não vou entrar em cores terciárias, que seriam as cores entre laranja e amarelo, vermelho e laranja, criado e roxo, coisas assim. Vamos apenas manter as cores primárias e secundárias para esta roda inicial. entanto, a nossa gama geral de cores é muito maior do que apenas estas seis. Eu também vou passar um pouco de tempo explorando mais misturas com essas cores, adicionando um pouco mais azul, amarelo ou vermelho para criar mais variedade. Se olharmos para ambos os conjuntos de amostras lado a lado, você pode ver que as cores em nossa roda são muito mais saturadas e densas do que as de nossas explorações de mistura. Isto é crucial quando se trabalha no nosso retrato real. Se nossas cores aparecessem no retrato como fazem na roda, tudo ficaria muito saturado e muito áspero. Nossas cores simplesmente se chocariam. A maioria das minhas misturas à direita tem partes das três primárias neles. Isso permite cores
mais sutis e suaves que se misturam de uma forma muito mais harmoniosa. Nosso azul ainda parece azul, e nossos vermelhos ainda são vermelhos, mas eles têm pedaços um do outro neles. Isso unifica nossa paleta e reúne tudo. Se você está curioso, eu recomendo explorar outros conjuntos primários também. Tente usar um azul fresco e profundo em vez de um esverdeado quente, ou talvez um amarelo limão fresco para substituir a opção dourada original. Cada variação na sua seleção de cores inicial afetará as misturas que você pode fazer. As cores mais frias são mais adequadas para roxos ricos profundos. Cores mais quentes podem dar uma sensação orgânica terrosa. Agora é a hora de explorar. Encontre a combinação de cores que flui com a atmosfera e emoção que você gostaria de transmitir em seu retrato em aquarela.
4. Vermelho: Durante os próximos vídeos, vamos nos concentrar em cores específicas. Vou mostrar meus métodos preferidos para colocar e misturar essas cores e vamos começar com vermelho. Imediatamente você vai notar que eu não estou usando minha cor vermelha por conta própria. Eu uso vermelho para áreas do rosto que são mais propensas a: rubor, queimaduras solares ou fluxo sanguíneo elevado, e eu costumo adicionar um pouco de amarelo à mistura antes de começar a pintar. Isso me dá um tom mais suave e pêssego. Eu costumo colocar vermelhos ao redor dos olhos, bochechas, orelhas, boca e pescoço. Aqui está um exemplo das zonas de cor relativas do rosto em relação ao retrato. Eu achei essas diretrizes para ser muito útil quando colocado em cores. Claro, vamos simplesmente colocar blocos
retangulares de cor em nossos rostos pequenos, mas seguiremos essas regras gerais. As áreas blushy tendem a ser mais aparentes em torno dos olhos, bochechas e orelhas. Ao pintar nesses tons particulares, muitas vezes
eu os misturo com água limpa para criar bordas suaves e desbotadas. Já com esses primeiros pedaços de cor, estou começando a pensar em valor, luz e escuridão. A cor pode ser mais densa, onde há mais sombra e mais suave em áreas mais claras. Descobri que os vermelhos são uma ótima base na pintura de retratos. Este é geralmente o meu lugar favorito para começar. Observar várias imagens de referência aumentará muito sua compreensão da variação de cor dentro do rosto. Procure áreas mais densas de vermelho. Eles podem não ser os mesmos para cada retrato. Depois de passarmos por cada exemplo de cor, voltarei e acabarei com essas cabeças de treino.
5. Amarelo: Agora vamos nos mover para os amarelos. Pode haver muita variação nesta categoria,
possivelmente a maioria de todas as categorias, pois este é o intervalo que geralmente determina
o tom de pele base para o seu assunto. Enquanto eu vou estar me referindo a esta categoria como amarelos, ele também vai incluir aqueles tons de carne e misturas marrons. Ao misturar esta cor, amarelo é claro que vai fazer a maior parte da mistura. Eu também vou incluir um pouco de vermelho para ficar um pouco mais perto de laranja. Se esta cor é muito laranja, eu posso adicionar um pouco de azul para dessaturar a mistura. Se dermos uma olhada rápida em uma roda de cores, você pode ver que laranja e azul estão opostos um ao outro, adicionando uma cor ao seu complemento, ou a cor oposta na roda de cores irá dessaturar essa cor. Enquanto a maior área em nossa categoria amarela será centralizada em torno da testa, como falamos em nosso exemplo de zonas de cores. Eu também vou estar pintando isso em vários lugares ao longo de toda a fase para reforçar a idéia de que esta é a nossa cor de pele base. Em caso de dúvida, confie na sua referência, você pode até dar uma olhada no espelho e observar onde sua pele é a mais amarela. Estas serão variações sutis, apenas saiba o que você está procurando e não tenha medo de experimentar. Se você está indo para algo um pouco mais opalescente ou perolado, você pode deixar muito mais espaço em branco em seus exemplos, permitindo que a cor apenas toque nas bordas das áreas mais
escuras e deixando mais espaço em branco.
6. Azul e roxo: Blues e roxos são algumas das minhas cores mais favoritas para adicionar aos tons de pele. Ao misturar o meu roxo, Eu prefiro algo no lado mais quente com um pouco mais vermelho do que não há azul. Ajuste suas misturas de cores de acordo com suas preferências. Como eu disse antes, você realmente não pode exagerar quando se trata de
experimentar e experimentar coisas novas com esses exercícios. Em um cenário básico de luz ambiente, estarei usando essas prefigurações de cores nas áreas naturalmente embutidas do rosto. Isso inclui abaixo do osso da testa, sob o nariz, nas áreas ao redor das bordas externas da face onde a testa, bochechas e queixo se curvam longe dos planos voltados para a frente que podem estar pegando mais luz. Purples camada lindamente com outros tons de pele especialmente, com um roxo quente como este. Veremos mais desse exemplo quando eu voltar a esse rosto a cor em todos os outros tons depois de terminarmos nossos exemplos específicos. A colocação de cores de sombra é onde você terá a maior variação em suas peças, pois ela mudará com base na direção da sua fonte de luz. Você pode conferir minha aula sobre técnicas de iluminação
dramáticas em aquarela para mais exemplos. Meus tons azuis servirão a um propósito semelhante. Ao misturar esta cor, adiciono um pouco de amarelo ao meu azul. Isso empurra a cor em torno de um pouco para um verde aquecendo-o. Não queremos chegar muito perto do verde, mas gosto de aquecer o meu azul um pouco. Uso blues para comunicar translucidez e profundidade. Isso é muitas vezes ao lado de áreas de sombra, mas serve um propósito único separado dos roxos. Olhando para trás esse exemplo de zonas de cor, os azuis são muitas vezes focados em torno do terço inferior do rosto. Isso geralmente ocorre porque essa área inferior do queixo é onde vemos que a sombra das cinco horas ou onde o rosto se curva longe da luz para que
as coisas fiquem um pouco mais frias à medida que nos movemos para baixo em direção ao pescoço. Aqui estão alguns outros exemplos do meu uso de azul em tons de pele. Eu acho que esta é a cor mais difícil de colocar para propósito
específico e raciocínio por trás do meu uso desta cor. Esperemos que esses exemplos lhe darão uma idéia do que eu estou indo para, especificamente no uso de azuis em tons de pele.
7. Verde: É hora de colocar nossos verdes. Os verdes são uma cor fascinante para mim, especialmente no reino dos tons de pele. Ao misturá-los, começo com uma base amarela e adiciono azul para conseguir um verde quente. Muitas vezes dessaturar esta mistura com o seu complemento apenas uma pitada de vermelho. Eu gosto de manter esta mistura relativamente quente, mas como eu disse antes, quando estávamos falando sobre a pintura da nossa roda de cores inicial, é importante que nossas cores tenham um pouco do outro nelas para manter as coisas harmoniosas. Eu vou adicionar um pouco de vermelho para dessaturar a cor, bem
como para ajudá-lo a misturar mais com esses tons quando adicioná-los mais tarde. Nem sempre uso todas as cores que cobrimos até agora em cada pintura. Quando eu decido escolher verde, geralmente
é no lugar do meu roxo e age como um tom de sombra. Quando usaria verde em vez de roxo? Isso depende do que você deseja alcançar através de sua pintura. Verde é terroso e muito mais sutil quando em camadas com outras cores como os elogios são vermelhos, essas duas cores vão jogar fora um do outro, fazendo com que o outro pareça pop mais quando colocado ao lado do outro. Com qualquer um desses exemplos, a maneira mais eficaz de ver como cada tom contribui para o efeito geral, é experimentando com as cores completamente. Agora que cobrimos um pouco sobre cada um, vamos voltar e terminar cada rosto.
8. Juntando tudo: É hora de colocar tudo junto. Este método de colocar em uma cor todo o rosto e, em seguida, passar para uma cor diferente, não
é algo que eu fiz simplesmente para o propósito desta classe. Este é, na verdade, o meu método preferido quando se trata de pintar retratos em aquarela. Com este primeiro,
um tom amarelo é um pouco mais próximo do marrom. Observe como a cor se aprofunda e fica mais saturada onde a sombra amarela e o vermelho se sobrepõem. Estou constantemente tomando decisões sobre quando suavizar as bordas devido a curvas suaves do rosto e quando deixar bordas nítidas e
ásperas, denotando luz, sombra ou forma. A experimentação é a chave. Depois que os amarelos eu decidir colocar em alguns blues, ver como nós imediatamente arredondado para fora e acrescentou profundidade para o rosto. O azul dá uma sensação de transparência e dimensão à pele. Vou acabar com este com um pouco de roxo, isto vai aprofundar as nossas áreas de sombra mais escuras. Trabalhar em camadas transparentes é absolutamente essencial para permitir que essas cores esmaltem e se misturem umas com as outras. Queremos que a cor por baixo seja mostrada, isso manterá a aparência geral muito mais harmoniosa. Vamos adicionar um pouco de vermelho à segunda face. Para fluir com a angularidade geral desses recursos, eu posso optar por adicionar mais formas triangulares e bordas ásperas ao colocar minhas cores. Eu decidi variar a iluminação apenas ligeiramente com a adição do meu azul. Essa cor não desempenha um papel especialmente forte neste exemplo específico. Finalmente, um roxo dessaturado vai reforçar a iluminação total. Tenha em mente que nem todas as cores querem trabalhar juntas. Como complementa um ao outro, a mistura ou sobreposição de roxo e amarelo, resulta em uma cor ligeiramente enlameada e bastante maçante. Tenha isso em mente e lembre-se o que você está procurando. Se eu, por exemplo, quisesse que isto parecesse mais cinzento no geral, diria definitivamente que esta é uma boa maneira de chegar lá. Nesta terceira fase, nosso tom amarelo é muito mais próximo do vermelho do que qualquer um dos outros que pintamos até agora. Você verá que uma vez que o vermelho é adicionado, este exemplo parece muito mais frio no geral, sem um tom amarelo forte para puxar o intervalo de cores para um mais de um meio termo. Apenas como um teste, estou deixando a maioria das minhas bordas afiadas sem misturá-las. Estou curioso em como isso vai parecer quando comparado com todos os outros rostos. Este último exemplo com a base verde, acabou sendo o meu favorito dos quatro. Comecei adicionando vermelho às minhas áreas de blush. O tom amarelo neste exemplo era muito próximo na cor vermelha e também foi aplicado enquanto
o vermelho ainda estava molhado, fazendo com que as cores se misturassem umas com as outras e se tornassem mais difíceis de diferenciar. A adição de um pouco de azul ajudou a restabelecer profundidade e forma, mas meus vermelhos ainda estavam perdidos. Adicionei uma nova camada vermelha. Em pinturas completas, quase sempre volto às cores com as quais
já trabalhei para reforçar a saturação e a profundidade. Você definitivamente não deve se sentir como se você só tem uma chance em cada uma dessas cores. Aguarelas em sua natureza transparente gostam de ser camadas. Uma camada final de azul acrescentou uma boa frieza e reuniu tudo e com isso, nossos quatro exemplos estão completos. Eles são todos coloridos e estilizados, mas com uma quantidade relacionada de substituição de cor resultando em rostos que não parecem totalmente antinaturais. Pinte alguns rostinhos de vocês. Sinta-se livre para experimentar tezes mais escuras ou pálidas ajustando seu tom de base amarelo ou usando uma sombra roxa mais fria. Como mencionado anteriormente, você também pode deixar mais do branco da página para tornar o apelo da pele mais pálido. Mal posso esperar para ver o que você inventou.
9. Projeto do curso: exemplo #1: Agora, é hora do projeto da classe. [ MÚSICA] Tenho dois exemplos específicos de pintura para compartilhar com vocês hoje. Vamos começar com um exemplo muito solto no meu caderno de esboços, e então passar para algo um pouco mais refinado em nosso papel aquarela de algodão. Com este primeiro, eu queria realmente mostrar a vocês o meu processo de desenho também, pois eu acho que sem um bom esboço, você vai lutar para obter algo que você está feliz com na fase final de pintura. Estou trabalhando com meu lápis vermelho Prismacolor Verithin aqui, e quando estou me aproximando do meu esboço inicial, eu realmente penso nisso mais como escultura do que desenho. Eu costumo começar com o contorno externo da cabeça para obter a forma geral do rosto correta antes de começar a colocar os recursos em. Às vezes adiciono alguns componentes externos de mentira para que eu possa reduzir a composição antes de ficar muito preso nos detalhes e então perceber que algo fundamental precisa mudar. Como você pode ver neste ponto, eu coloquei em algumas formas básicas para os olhos, nariz e boca,
e continuo a se mover,
pulando para frente e para trás, refinando diferentes partes do esboço à medida que tudo começa a se juntar. Isso às vezes resulta em ajustes, como você pode ter notado com o olho, que eu pensei que estava um pouco longe demais, então eu mudei um pouco. Mais tarde eu vou entrar e mover meu nariz para baixo enquanto eu acabei pensando que estava muito alto no rosto. Eu estava trabalhando a partir de algumas fotos de referência diferentes para este retrato em particular, e se você gostaria de trabalhar a partir de uma referência, sinta-se livre para fazê-lo, especialmente quando se trata de praticar e aprender o layouts para as diferentes cores quando entramos em nossa fase de pintura. À medida que você cresce e se desenvolve, você será capaz de fazer mais com a imaginação e ser
capaz de confiar menos na referência se essa é a sua escolha. Tudo depende de seus objetivos finais quando se trata de sua arte. Você pode notar que eu estou escurecendo minhas linhas apenas para apagá-las novamente em alguns casos. Às vezes acabo pressionando um pouco demais ao refinar meus detalhes, mas não quero que minhas linhas sejam especialmente escuras quando vou pintar sobre elas. Cores como este vermelho tendem a se misturar muito bem em tons de pele, então eu não estou excessivamente preocupado com isso, e eu às vezes gosto de como ele parece quando essas linhas de esboço mostrar através, mas eu não quero que as linhas para dominar o pintar quando chega a hora de realmente entrar em nossa cor de água. À medida que terminamos nosso esboço, direi que uma das minhas maiores recomendações é começar em um sentido mais amplo. Então, coloque em grandes formas, grandes formas, resolva sua composição antes de entrar nos detalhes. Dessa forma, você não terá que recuar mais tarde se algo não estiver bem colocado. À medida que nos movemos para a nossa cor, vou começar com o fundo, e vou usar o verde Cascade que escolhemos. Vou dizer que fiz um pequeno ajuste na minha paleta inicial antes de iniciar esta cor. Eu troquei o meu níquel Azo Amarelo, então a sombra amarela, e substituí-lo em vez disso com um óxido amarelo transparente, que é o mesmo pigmento que é usado para ocre amarelo, que é um amarelo muito mais dessaturado. Decidi que queria algo um pouco mais suave para o meu projeto final. Sinta-se livre para ajustar suas cores como quiser. À medida que começamos com a pintura, vou em frente e começar com o meu lugar favorito no que diz respeito aos tons de pele, que já mencionei, são os vermelhos. Eu costumo colocar vermelho em áreas muito grandes, escolhendo onde misturar essas bordas e onde deixá-las um pouco mais duras. Pode parecer que estou adicionando muito vermelho neste ponto,
mas à medida que formos a camada de nossas cores, você vai notar que esse vermelho se mistura e meio que desaparece nos outros tons. Ao trabalhar com o nosso azul, eu tentei mantê-lo um pouco mais quente do que o nosso fundo para que ele não se misturasse muito para que fundo cor Cascade Verde. Como você pode ver neste exemplo, eu estou mantendo as coisas relativamente soltas e apenas me divertindo colocando em cores e valores. Isso é uma coisa que eu realmente gosto sobre fazer peças como esta no meu caderno de esboços é que eu não estou super preocupado em criar algo super refinado ou super acabado. Eu posso apenas soltar e se divertir, e eu realmente acho que é uma boa idéia para equilibrar peças como este ao lado das peças acabadas mais refinadas que você pode fazer em papel aquarela real. Porque isto não é papel de algodão. Eu descobri, em alguns casos, que minhas cores estavam levantando e misturando mais do que em um papel aquarela real. Isto é apenas um papel de mídia mista. Mas chegou a uma experiência muito agradável,
solta e despreocupada que foi muito agradável. Meu plano era voltar e adicionar mais aos tons de pele, mas eu precisava ter um melhor julgamento
dos valores gerais antes de entrar e escurecer as coisas no rosto. Então decidi entrar e trabalhar um pouco no meu cabelo. Saltar em torno de sua peça é realmente uma ótima idéia para estabelecer valor e criar uma peça que é mais coesa em geral. Uma vez que eu tinha aquele tom de base para o cabelo, eu poderia então voltar para a pele e vice-versa. Depois que eu fiz isso, eu voltei para a pele,
em seguida, fiz mais ajustes para os elementos de mentira externos. É tudo uma questão de trabalhar na peça pouco a pouco. Você é mais do que bem-vindo para começar com um olho e continuar pintando até que esse olho esteja acabado. Acho que é muito mais fácil julgar a aparência geral da peça e como ela está indo quando eu espalho as coisas e pulo por aí. Eu também decidi entrar depois que eu tinha colocado o valor do meu cabelo e adicionar um pouco de roxo no rosto. Eu sinto que esta cor funciona muito bem como uma cor de sombra clara. Esta peça, eu mantive muito leve em geral e dei-lhe um pouco mais de um brilho, olhar etéreo. A cor da sombra que estou colocando agora no cabelo também tem um pouco de roxo nele. Isso ajuda a misturar mais com o roxo na pele. Você deve notar que eu tenho usado o mesmo pincel para quase toda a peça. Eu realmente gosto deste pequeno pincel de pena. É um tamanho 1, feito de cabelo natural. Chega a um ponto muito bom que me permite trabalhar em áreas menores, mas também contém muita água e pode ser pressionado plano para cobrir áreas maiores, então eu acho que é uma opção muito versátil para coisas como esta. Eu mantive meus elementos de mentira exteriores como essas flores muito soltos porque eu queria que o rosto fosse o foco, então essa era a área onde eu passei mais tempo refinando o contraste e os detalhes. Passei pouco menos de uma hora na totalidade desta peça e senti que era um bom exercício de aquecimento para colocar minhas mãos e minha mente pensando em cores, tons de pele
e composição. Agora que completamos este primeiro, vamos passar para um segundo exemplo.
10. Projeto do curso: exemplo #2: Agora que estamos todos aquecidos, é hora de seguir em frente para o segundo exemplo. Para esta peça, eu usei meu mesmo lápis Prismacolor, [inaudível], mas desta vez em nosso papel aguarela 100% algodão. Semelhante à nossa última peça, vou começar com os meus vermelhos, e como mencionei quando revisamos os detalhes para esta cor em particular, já
estou começando a pensar em valor. Eu camada sobre mais cor nas áreas que eu quero ser um pouco mais escuro e eu suavizo e mesclo as bordas para fora para áreas que eu quero ficar mais claro, permitindo que o branco da página para mostrar através de mais. Direi que eu desejava ter seguido meu próprio conselho na fase de esboço. Eu sinto que a boca para este retrato em particular poderia ter sido colocada um pouco mais precisamente. Acho que o controle da água é essencial quando se trata de colocar cores, pois me ajuda a saber quando suavizar minhas bordas e
me permite aplicá-lo efeitos mais soltos e mais fluidos para minhas cores. Decidi que queria tentar algo um pouco diferente com este. Então eu entrei com uma espécie de efeito de algodão doce para o fundo, colocando em pedaços de nosso vermelho puro, amarelo e azul no fundo. Eu acabei cobrindo a maior parte desta cor até com a nossa cascata verde quando eu adicionei no fundo, mas eu absolutamente amei para o efeito que este deu para a pintura. Depois dos meus vermelhos, entrei com o blues. Acho que é útil pensar que azul é um
pouco diferente do que ser apenas uma cor de sombra. Eu os usei para aplicar profundidade no rosto também. Ele diminui o calor do vermelho,
e, portanto, mais na forma tridimensional da cabeça, pescoço e ombros. Layering é uma
das ferramentas mais essenciais quando se trata de usar esta técnica específica. Eu coloco minha cor amarela sobre o meu vermelho nas áreas que eu quero ser muito rico e quente. Ao colocar o amarelo sobre as minhas áreas azuis, a cor fica mais dessaturada e inclina-se um pouco mais para um cinza esverdeado. Assim como no nosso último retrato, uma vez que eu tinha um pouco de cor básica para a pele, eu sou afastado e movido para o meu cabelo. Eu gosto de adicionar marcas gesturais soltas quando deitado na forma do cabelo. Acho que isso ajuda a reforçar o fluxo geral da peça uma vez terminada. Tenha em mente que cada cor que estou misturando é toda a partir desta mesma paleta, e fora do fundo, eu não usei muito a cascata verde. As cores que você está vendo foram misturadas do nosso vermelho, amarelo e azul. Introduzindo uma tonelada de cores diferentes é realmente o que impede paletes de cores de serem harmoniosas em muitos casos. Mantendo meu paladar limitado, eu estava permitindo que essas cores trabalhassem juntas de forma muito mais coesa. Embora todos eles leiam muito separadamente, nossos azuis parecem azuis, nossos vermelhos parecem vermelhos, e nossos tons de carne amarela lidos como deveriam, eles não são tão diferentes um do outro em saturação. Muitas vezes gosto de adicionar uma pitada de vermelho dentro dos olhos dos meus personagens. Quase faz parecer que a figura tem chorado recentemente, que soa um pouco triste, mas eu amo a intenção emocional que
acrescenta à paz com uma pequena sugestão sutil de cor. Ao trabalhar em um retrato, eu geralmente descobri que as áreas que ficam mais escuras são as
pupilas, as narinas e os cantos da boca. Concentrando-se em uma dessas áreas para ser a mais escura, para mim especificamente são as pupilas. Ele chama a atenção para essa área quando você olha para
o retrato e permite que ele seja o foco da peça, fazendo você se sentir como se estivesse realmente fazendo contato visual com o sujeito. Cada vez mais pinceladas orgânicas soltas ao longo de muitas camadas transparentes acrescenta muita forma tridimensional à peça. Normalmente gosto de contrastar a tridimensionalidade do rosto com um fundo mais plano, fuzzier, mais abstrato, reforçando novamente o foco da peça. Uma vez que eu coloquei minha cascata verde sobre o fundo, maioria dessas cores iniciais foram cobertas, mas eles mostraram através em pequenos pedaços. Estou muito ansioso para experimentar mais com este método específico no futuro. Com isso, ambos os exemplos estão completos. Muito obrigado por se juntar a mim nesta aula. A seção de projetos de classe é um ótimo lugar para compartilhar sua arte não só comigo, mas também com seus outros alunos para que todos possamos trabalhar para inspirar uns aos outros. Espero que gostem de explorar as técnicas que abordamos nesta aula, e mal posso esperar para ver o que vocês criam. Pintura feliz.
Arleesha Yetzer, Watercolor Illustrator & YouTube Artist
