Paisagens em aquarela para iniciantes: como pintar o que você vê

1. Paisagens em aquarela para iniciantes: [MÚSICA] Há uma coisa incrível que acontece quando você começa a se ver como pintor. É como se o mundo se tornasse uma grande obra de arte. Uma compilação de cores, formas, movimentos e até mesmo todos os dias sites são preenchidos com maravilhas e oportunidades. Isso porque você não é mais apenas um observador aqui, meu amigo, você é um criador, um artista, e o mundo é seu para fazer. [MÚSICA] Oi, meu nome é Kolbie Blume e sou um artista autodidata em aquarela, autor e educador online. Eu cresci em Utah, cercado por árvores, montanhas, deserto por todos os lados. Mas quando mergulhei no cativante mundo da aquarela, meus lugares favoritos de infância repente se tornaram ainda mais mágicos. Em vez de apenas ver montanhas ou árvores, vi pinceladas selvagens, gradientes suaves, camadas de cor e queria pintar todas elas. Ao longo dos anos, ensinei milhares de artistas em todo o mundo a adorar paisagens aquarelas tanto quanto eu. Parte de se abrir ao poder e à vulnerabilidade da arte é aprender a ver o mundo de uma maneira diferente. O truque é que nem sempre é tão fácil traduzir o que você vê em papel. Nesta aula, você aprenderá a abraçar completamente a perspectiva do seu artista interior e transformar belas paisagens em pinturas em aquarela únicas e únicas. Embora você possa usar esse processo enquanto estiver na natureza, estamos focando especificamente no uso fotos de referência pitorescas para que você possa pintar belas pinturas em aquarela mesmo quando estiver preso em casa. Começaremos analisando técnicas e práticas básicas de aquarela caso você precise de um pouco de atualização. Mas vamos abordá-lo uma maneira mais intencional e única, que você possa usar essas técnicas básicas para dividir suas fotos de referência em peças e camadas factíveis. Através de uma série de exercícios, você aprenderá a fazer conexões entre o que vê na foto, como uma montanha escarpada e o que você sabe sobre aquarela. Como camadas, vários valores de cores imitam sombras e rochas, para que você possa saber instantaneamente o que pegar do seu kit de ferramentas de arte para criar profundidade, movimento e emoção em suas pinturas de paisagem. Ver o mundo através dos olhos de um artista pode mudar tudo para você, meu amigo, eu sei experiência própria e quero ajudá-lo a ver esse mundo também. Você está pronto para uma aventura em aquarela? Vamos começar. [MÚSICA] 2. Seu projeto do curso: [MÚSICA] O que exatamente entra nesse processo? O que exatamente significa transformar uma foto de referência em uma bela pintura? Bem, obviamente, isso é o que esta classe vai explorar. Para o seu projeto final, qual estaremos trabalhando basicamente durante toda a aula, vamos pintar uma foto de paisagem do início ao fim. Vamos começar com a foto descobrindo o que faz uma boa foto de paisagem, descobrindo o que procurar e o que não procurar ao escolher sua foto de referência. Em seguida, vamos tirar um pouco para dividir a foto de referência, transformá-la em peças factíveis e de tamanho mordido que você pode alcançar e que ajudarão a prepará-lo para o sucesso. Em seguida, vamos pintar. Uma vez que construímos um plano, escolhemos uma foto de referência, tiramos algum tempo para nos hiper, vamos tirar essa foto de referência em três camadas: a camada de fundo, o meio do solo e a camada de primeiro plano. Através de cada camada, vou levá-lo pelo meu processo de pensamento de quando me ater ao plano, que é na maior parte do tempo, e quando eu talvez me desviar do plano com base em coisas inesperadas que acontecem. No final desta aula, você terá pintado comigo uma bela pintura de paisagem que eu baseei em uma foto de referência. Eu adoraria que você usasse a mesma foto de referência ou você pode escolher as fotos de referência que eu selecionei para você. Eles podem ser baixados onde quer que você encontre seus downloads nesta classe. De qualquer forma, eu adoraria ver o que você criou. [MÚSICA] 3. Controle da água: técnicas para profundidade: Você está aqui. Estou tão animado que você decidiu se juntar a mim para esta aula e, para começar, vamos analisar as técnicas mais básicas de aquarela. A técnica molhada e a técnica molhada em seco, mas não estamos apenas examinando isso como um simples estilo de vídeos do YouTube todos os dias. Vou mostrar a vocês não apenas quais são essas técnicas, mas também como usá-las e reconhecê-las quando você está criando profundidade em suas cenas de paisagem. Vamos direto para dentro. Vamos mergulhar diretamente. Começando com a técnica úmida em seco. A técnica úmida sobre seca, como você deve saber, se você já pintou com aquarela antes, é quando você pinta com tinta molhada, aquarela está sempre molhada porque é ativada por água em papel seco. A técnica úmida sobre seca é caracterizada por linhas definidas realmente nítidas, e é muito útil para nós lembrarmos que, à medida que estamos quebrando nossa foto de referência, porque a técnica molhada em seco é o que usaremos para pintar assuntos que são realmente claros. Se quisermos pintar um assunto que não esteja embaçado, provavelmente está no primeiro plano da nossa peça, então queremos usar a técnica úmida em seco para que possamos ter essas linhas realmente nítidas, claras e definidas. Sempre que você estiver olhando para uma foto de referência e vê um assunto que tem uma definição clara. Provavelmente será pintado com a técnica úmida em seco. Então, mais uma coisa a pensar enquanto estamos praticando perceber a técnica molhada em nossas fotos de referência. A técnica úmida sobre seca geralmente será usada quando os sujeitos estiverem de perto. Acho que já mencionei que estes, usando essa técnica provavelmente acontecerão em primeiro plano, mas essa é uma das terceira coisa que eu quero que você se lembre. Como estamos detalhando fotos de referência, se você vir um assunto claro, ele tem linhas muito definidas e parece que está de perto em primeiro plano, então esta é provavelmente a técnica que você vai querer usar. Em seguida, vamos falar sobre a técnica molhada em molhado, que é a segunda técnica de aquarela mais básica que usamos em todas as pinturas em aquarela. Em contraste com a técnica úmida sobre seca, a técnica molhada em molhado é quando você pinta em papel molhado. Com a técnica úmida sobre seca, você está usando uma tinta molhada porque a aquarela, novamente, está sempre molhada em papel seco, mas com a técnica molhada em molhado, você está pintando em papel molhado e porque a tinta é em uma superfície molhada, tem um pouco mais de liberdade para se movimentar. Observe como a tinta não está clara. Uma vez que eu coloco a tinta na superfície molhada, ela basicamente pode fazer o que quiser. Tem a liberdade de se movimentar e isso é porque a aquarela é ativada com água. Quando você adiciona água à superfície, ela ajuda a aquarela a se mover e criar texturas menos definidas e mais luminosas. No que diz respeito a esta aula e aprendendo a quebrar uma foto de referência, sempre que vemos uma parte de uma foto de referência ou uma camada que tem assuntos realmente embaçados ou texturas realmente luminosas, significado luminoso que há luz chegando. Se você está pintando um céu ou nuvens, ou se estiver pintando um assunto que talvez esteja em segundo plano, provavelmente ele usará a técnica molhada em molhado porque a técnica molhada ajuda criar texturas realmente luminosas onde, porque a tinta está se misturando com a água, mais do papel está chegando, o que faz parecer que a luz está vindo através do papel. Isso é o que é textura luminosa. Se tiver uma textura luminosa ou se for um assunto embaçado. Se talvez você vê uma árvore no fundo nebuloso, e você não consegue entender a definição, isso é algo que para obter esse efeito embaçado, precisaríamos usar a técnica molhada em molhado. Também geralmente é algo uma técnica que usamos para capturar assuntos ou camadas que estão mais adiante em segundo plano. Então, finalmente, vamos falar sobre controle de água. A regra mais importante a ser lembrada sobre o controle da água é quanto mais água você estiver usando, menos controle sobre a tinta você tem. Assim como uma demonstração disso, quando você usa a técnica molhada em molhado, você está usando mais água. Com a técnica úmida em seco, não há água em seu papel. Quando você tem mais água, a tinta tem mais controle do que você, ou pelo menos mais controle do que se você usar a técnica úmida em seco, onde a tinta só pode ir onde o pincel diz para ir e isso é porque há menos água em papel seco do que em papel molhado. Você não tem tanto controle quando usa mais água. Você pode ir ainda mais fundo do que isso, porque a técnica molhada em molhado não está apenas confinada, o papel está molhado ou não. Você pode controlar o quão molhado o papel está e o quão molhada está sua tinta, e quanta água está em seu pincel e, ao fazer isso, você pode criar ainda mais sutileza. Digamos, por exemplo, que você queira pintar uma árvore que está em segundo plano. Fizemos isso mais cedo na lição, mas vou mostrar a vocês como fazer um pouco mais de cuidado. Digamos que você queira pintar uma árvore mística ao fundo. Se você pintou aquela árvore mística, vamos fazer duas lavagens de água aqui. A primeira lavagem de água aqui é bastante aquosa. Tem muita água. É puddly e então esta água aqui, vou fazer um pouco mais. Esta lavagem aqui é mais fina. É mais como uma camada fina, uma camada de água levemente revestida no meu papel. Se eu tentar pintar uma árvore como uma árvore embaçada muito leve por aqui, a árvore vai para todos os lugares. Parece uma árvore, mas é muito difícil se eu quisesse obter detalhes mais definidos que estavam embaçados, mas ainda definidos, é complicado, mas se eu esperasse, então aqui eu pintei uma fina lavagem de água e então esperei alguns segundos enquanto estava pintando aqui para que o papel estivesse úmido. Se eu esperar até que esteja aqui, a tinta não vai tão longe. Você vê? Posso manobrar meu caminho. Posso guiar a tinta para ser uma forma específica que esteja embaçada e tenha um pouco mais de detalhes com a técnica molhada em molhado ao contrário desta versão da técnica molhada em molhado e isso porque esta poça aqui realmente tem muito mais água e, portanto a tinta tem muito mais liberdade para se movimentar em oposição a esta lavagem aqui. A tinta pára. Ele pára depois de um tempo. Ainda está embaçado. Ele ainda sangra no papel, mas não pode ir tão longe porque o papel não está tão molhado. Só para resumir isso, para controle de água, quanto mais água você tiver, menos controle sobre a tinta você tem. Então, outra maneira de olhar para isso é quanto menos água você tiver, mais controle sobre a técnica molhada em molhado e sobre a tinta que você tem. É seu trabalho determinar quanto controle você quer ter. Se você quiser criar texturas de céu luminoso onde você realmente não se importa. Se você tem muito controle sobre onde a tinta vai, provavelmente você quer usar um pouco mais de água, mas se você quiser criar assuntos um pouco mais definidos, mas ainda tem esse efeito embaçado, então você quer usar menos água. Isso resume isso para essas regras, pois vamos dividir uma foto de referência mais tarde na aula. Tenha em mente e vamos seguir em frente. [MÚSICA] 4. Valor das cores: técnicas para distância: Outra habilidade que é tão importante ao tentar pintar pinturas de paisagem é como manipular a cor para criar ainda mais mau humor e aquela vibração misteriosa que você obtém de muitas florestas montanhosas realmente legais cenas. Algo que você pode não saber ou talvez você já faça é, um traço realmente importante para dominar esse humor é o valor da cor. É disso que se trata esta lição. Para iniciar nossa discussão sobre cores e como ela se refere à distância e profundidade em nossas pinturas em aquarela medida que estamos quebrando fotos de referência, vamos primeiro falar sobre camadas e como pensar sobre colocando suas camadas e colocando particularmente a ordem em que você coloca e pinta suas cores. Quando você está pensando em onde e como colocar cores, a regra mais importante com aquarela é pintar do claro ao escuro. Vou colocar tinta escura aqui em baixo. Como a aquarela é transparente, é muito mais fácil adicionar cores mais escuras se você precisar, ao contrário de se você precisar tornar uma cor mais clara, se você precisar tornar uma área mais clara, é consideravelmente mais difícil. Por exemplo, se eu quiser misturar essas duas camadas juntas, agora parece branco molhado do papel e seguida, essa cor média escura do cinza da tinta, se eu quiser criar mais de um sutil gradiente entre os dois, se eu começar com a cor escura e entrar na cor clara, todo o branco desapareceu agora. Se isso acontecer, posso pegar um pincel limpo e mover a cor para fora da área da luz, mas ela ainda será quase sempre levemente matizada com a cor escura que eu trouxe para aquela área. Eu poderia ter evitado isso se eu pintasse do claro ao escuro. Se eu tentar isso de novo, vou pintar como uma lavagem de água e colocar um pouco de tinta aqui no fundo. Se eu quiser criar um gradiente que mantenha a leveza dessa cor clara aqui, digamos que eu quero isso um pouco mais aqui em cima, então eu começaria na área da luz e pintaria da luz ao escuro. Dessa forma, posso misturar as cores sem diluir ou apenas adicionar cor a essa área de luzes. A pintura do claro ao escuro é como você pode usar a transparência da aquarela para manter os brancos, manter as partes claras do seu papel, da sua cena, o que será importante, especialmente quando pensamos em contraste, porque muitas vezes quando você está pintando uma paisagem vista, algumas das partes emocionais mais evocativas vêm quando você tem contraste. O contraste entre claro e escuro é um jogador muito importante. A maneira como você mantém o contraste com a aquarela é garantir que os brancos do seu papel permaneçam brancos. A maneira de fazer isso, novamente, me repetindo porque vale a pena repetir, é pintar do claro ao escuro. Essa regra também se aplica quando você está falando sobre camadas. Agora, existem algumas exceções, mas, na maior parte, se você estiver colocando sua peça de fundo, para meio do solo, para primeiro plano, as camadas de fundo geralmente serão mais claras em valor do que as camadas de primeiro plano. As camadas de fundo quase sempre serão as mais claras e, em seguida, o meio do solo terá um valor um pouco mais escuro, e então o primeiro plano geralmente é o valor mais escuro. Da mesma forma como você pinta em um gradiente ou ao tentar criar misturas ou contraste, você pinta da luz ao escuro, enquanto descobre como pintar suas cenas, como colocar suas cenas em camadas, geralmente essa regra também se aplica. Se houver um assunto com valor muito leve, provavelmente você vai pintar isso primeiro ou descobrir como pintar isso primeiro. Valores de luz no fundo e valores escuros em primeiro plano. Falamos sobre camadas e como montar camadas diferentes em termos de valor e valor de cor. Agora eu só quero ir um pouco mais fundo para pegar mais algumas diretrizes ou sugestões, pois vamos dividir essas fotos de referência. Vamos começar com o plano de fundo e a cor. Já falamos sobre que o plano de fundo provavelmente terá os valores mais leves. Assim como uma atualização, valor é como uma cor clara ou escura é. A maneira como você altera o valor em aquarela é adicionando água. Como a aquarela é transparente, quanto mais água você adicionar ao pigmento, soltas as partículas de pigmento estão na tinta e isso permite que mais do papel passe. O branco do papel é então misturado com a qualidade transparente da aquarela para obter um valor mais leve da cor. Mais água é igual a um valor mais leve. Isso é útil em segundo plano porque um valor mais leve também geralmente significa mais longe. Se eu quiser pintar uma árvore, eu pinto muitas árvores, é minha escolha, então você provavelmente verá muitas árvores ao longo desta classe, mas se eu quiser pintar uma árvore que está mais longe, então quase sempre pintarei o isqueiro da árvore. Vou começar apenas a mostrar o contraste disso. Eu pintei aquela árvore de valor leve, o que significa que ela tinha muita água na tinta, e vou pintar uma árvore de valor mais escura. Com uma tinta mais escura, o que significa que há menos água e mais pigmento na tinta. Você verá como, especialmente contrastada contra a árvore escura, a árvore clara definitivamente parece que está mais longe. É útil lembrar porque o fundo geralmente está mais longe do que qualquer outra coisa em primeiro plano, e se você quiser pintar algo em segundo plano ou se quiser pintar algo que deveria estar mais longe na cena, use um valor mais leve. Outra coisa sobre fundo e cor não é apenas os assuntos no fundo um valor mais leve, mas também geralmente são um pouco mais silenciados. Isso significa que nem sempre são a cor do pigmento puro. Uma maneira de obter uma cor silenciosa é adicionar água a ela para torná-la um valor leve, mas você também pode adicionar neutros a ela. Se eu adicionasse, digamos, preto a essa cor azul que eu tenho e depois tivesse um valor leve, isso seria mais como um tom silencioso dessa cor azul. Ter cores silenciadas no fundo realmente apenas adiciona uma sensação de sombra, uma sensação de névoa, uma sensação de distância e profundidade a elas. Essas são as duas coisas que eu quero que você se lembre sobre cor e o fundo ou a cor e a distância é, se você quiser pintar assuntos mais distantes, geralmente pintá-los com um valor mais leve e certifique-se de que sua cor esteja mais silenciosa, ao contrário de mais leve. Vamos falar sobre isso no próximo pouquinho. Finalmente, falamos sobre o fundo, vamos falar sobre o primeiro plano, ou seja, quando você se aproxima, quando os assuntos estão mais próximos de você. Onde os assuntos que estão em segundo plano são mais claros em valor e mais silenciados, os assuntos que estão em primeiro plano são mais escuros em valor. Já pintei uma árvore escura, mas só para te mostrar. Novamente, eles são mais escuros em valor e geralmente são mais vibrantes. Isso porque as cores em primeiro plano estão mais próximas de nós. Seus olhos podem fazê-los sair muito mais claramente. Isso não se aplica apenas à forma e à forma como as formas são definidas, que é o que falamos na lição anterior, mas se aplica à cor e ao quão vibrantes são as cores, quão claramente você pode ver as cores? Digamos que se eu pintasse uma árvore que tivesse folhas vermelhas, se aquela árvore estivesse em primeiro plano, provavelmente, eu gostaria de usar um vermelho muito vibrante. Mas se essa árvore estivesse em segundo plano, eu gostaria de usar um valor mais leve, então vou adicionar água. Então talvez eu também queira que ele fique mais silencioso, então vou adicionar apenas um pouco de preto ao meu valor de luz, vermelho, e isso só faz dele uma cor mais silenciosa. Está na distância em oposição ao primeiro plano. Agora, normalmente, a distância também implica tamanho, então eu também tornaria isso menor se estivesse à distância. Mas só para mostrar a diferença entre um vermelho silenciado, onde eu adicionei um pouco de preto a ele, e um vermelho mais vibrante. Em primeiro plano, cores vibrantes e valores mais escuros. Como acabei de mencionar, assuntos em primeiro plano também estão mais próximos, então eles são maiores. Usar esse tamanho é outra maneira de ajudar a manter a profundidade em sua pintura. Isso sobre o encerra. Vamos pegar essas regras, essas diretrizes, que aprendemos com as técnicas básicas de aquarela e aplicá-las para quebrar nossa foto de referência. Vejo você na próxima lição. 5. Como escolher uma boa foto de referência: [MÚSICA] Não pule este vídeo meu amigo. Porque por mais chato ou sem importância que pareça, qual foto de referência você escolher definitivamente irá prepará-lo para sucesso ou frustração enquanto você está tentando pintar sua pintura de paisagem. Quando estou escolhendo uma foto de referência, gosto de ter três coisas em mente. Primeiro, gosto de pensar em camadas. Gosto de pensar em quantas camadas posso ver, se as camadas se mantêm ou não alinhadas com nossas regras de aquarela sobre as quais falamos anteriormente. Gosto de pensar se as camadas são algo que eu possa facilmente alcançar. A próxima coisa que eu gosto de pensar é no assunto. Existem assuntos nesta foto de referência que posso pintar? Eu sei como descobrir, como pintar esse assunto? É algo que eu posso simplificar? Então a última coisa que gosto de pensar é a composição. Vamos falar sobre a regra dos terços, e vamos falar sobre como você pode ajustar sua foto de referência se não for exatamente o que você esperava, mas você ainda quer usá-la para inspiração em sua pintura. Sem mais delongas, vamos mergulhar. Meu favorito livre de royalties, ou seja, não precisa se preocupar com problemas de direitos autorais, site para nossas fotos de referência é Unsplash. Esta é minha página Unsplash. Tenho muitas pastas porque leio o Unsplash com frequência. Você pode acessar o Unsplash de um desktop ou este é o meu iPad. Eles não estão me pagando [RISOS] para dizer isso, eu realmente gosto disso. Aqui estão algumas fotos que eu compilei para essa classe. Há três coisas importantes para pensar quando você está procurando uma boa foto de referência. Bom significado, algo que facilmente se traduzirá em uma pintura que você pode pintar. A primeira coisa a pensar são camadas. Você consegue identificar camadas fáceis dentro da foto? Por exemplo, esta foto de montanha, posso ver que há o céu, e depois há camadas individuais de lados das montanhas. Isso é muito fácil. Como se eu pudesse analisar isso com minha mente. Posso dividi-lo e ver exatamente para onde as camadas devem ir. Essa seria uma boa foto de referência. Outro exemplo em que talvez as camadas não sejam a mesma coisa. Aqui, as camadas também são facilmente distinguíveis. O céu, e depois as camadas da montanha, e depois essa camada de árvores. Essas camadas seguem as regras sobre as quais falamos, onde vai do claro ao escuro. O céu é basicamente a parte mais clara, e então as camadas de montanha na parte de trás, que estão mais longe da nossa perspectiva, são mais claras, e elas ficam progressivamente escuras até essa camada escura de árvores. Essa seria uma boa foto de referência para usar. Eu também gosto muito desse. É muito mais simples. É basicamente apenas o céu com um pouco de rosa nele. Provavelmente usaríamos a técnica molhada sobre molhado para adicionar um pouco de rosa ao azul enquanto estamos fazendo isso. Então, finalmente, esta camada escura de montanha, e então você poderia adicionar essa lua em cima dela em cal. As camadas são importantes para pensar, e apenas para mostrar onde as camadas ficam difíceis, significa difícil. Acho que sempre que você está pintando qualquer tipo de foto de referência, as camadas são a coisa mais importante a se pensar. Se você é iniciante, às vezes as camadas são muito difíceis de ver. Por exemplo, se você quisesse pintar essa cena movimentada do rio, esta é uma bela foto. Eu acho que seria uma bela pintura, mas especialmente se você for um iniciante, pode ser complicado traduzir as camadas, parte por causa da ordem em que a luz está aparecendo na pintura. Por exemplo, quando estamos fazendo apenas paisagens básicas, tentamos manter a luz no fundo, e coisas escuras em primeiro plano, mas aqui, as árvores de fundo são lançadas na sombra, e do outro lado, as árvores em primeiro plano e este espaço em primeiro plano é mais leve. Obviamente, não é impossível, é muito possível pintar isso com aquarela, mas no estágio iniciante, é um pouco mais complicado. Se você está procurando fotos de referência para praticar esse processo, para praticar pintura como iniciante, esta é provavelmente uma que eu tentaria um pouco mais tarde porque não será tão simples como outros tipos de fotos. Vamos ver se podemos encontrar outro. Aqui está outro onde, esta é claramente uma montanha, e muitas vezes as montanhas são facilmente divididas em camadas, mas esta montanha tem tantas sombras diferentes, e tantos lugares contrastantes diferentes que é onde todos deveriam estar realmente em uma camada parece. Eu realmente não consigo dizer como dividir isso em camadas de uma maneira boa e sistemática. Mais uma vez, isso não significa que seja impossível pintar isso, seria uma pintura muito bonita, só vai ser complicado para você agora. Outra coisa a pensar em termos de como escolher uma boa foto de referência são assuntos. Você quer tentar pintar assuntos que você já sabe pintar. Se você sabe pintar árvores e sabe pintar montanhas, essas áreas de montanha serão incríveis para você. Uma coisa a notar sobre isso. Às vezes, se você sabe pintar um tipo de árvore, como digamos, você sabe pintar pinheiros, e então você se depara árvores decíduas folhas em nossa foto de referência, pode ficar assustador. Mas se você não sabe como pintar um assunto exatamente, isso não significa que você não pode pintá-lo, significa apenas que talvez você precise simplificar. Talvez você precise simplificar a composição ou precisar simplificar o assunto. Nesta pintura, há alguns pinheiros depois do lado aqui, mas abaixo estão algumas árvores decíduas. Se você está pensando, bem, eu sei como fazer essa forma de pinheiro, mas como traduzo isso nessas árvores mais frondosas, cheias, robustas e decíduas lá embaixo? Minha resposta para você seria não ficar muito na sua cabeça, e simplificá-lo. Em vez de pensar consigo mesmo, vou pintar árvores decíduas, pensar consigo mesmo, há algum verde aqui embaixo. Aqui está um pouco verde claro e verde escuro, e eu vou simplificar. Em vez de pensar, vou pintar algumas árvores, pense, vou pintar textura blobby com diferentes valores variados. Isso é algo para se pensar. Se, obviamente, você quer procurar fotos de referência onde você já sabe pintar, principalmente o que está lá, mas se há algo que é complicado ou que você não tem certeza se sabe como para pintar lá, depois simplificar ou simplesmente removê-lo. Outro exemplo, se você vir esta casa aqui, ela é colocada em um local muito legal. Eu gosto do que a casa como esta foto de referência, mas se você não estiver confortável pintando casas, você pode simplesmente removê-la. Você não precisa pintar a cena com a casa, e isso é uma coisa linda sobre a escolha de fotos de referência, é você decidir o que quer pintar. Então a terceira coisa a pensar se alinha muito bem com esta pintura porque queremos falar sobre composição. Pensando na composição, quero ter em mente a regra dos terços, que significa basicamente que se você dividir uma cena em terços, vertical e horizontalmente, onde quer que essas linhas se encontrem, esses quatro cantos como no meio aqui, é aí que vai ser muito agradável aos olhos colocar um assunto. Esta casa aqui está bem naquele canto inferior esquerdo, e parece ótimo nesta cena. Também é bom ter esses cantos em mente quando você está colocando vários assuntos para criar fluxo. Você notará que esse lote de árvores está terminando aqui onde essas linhas se encontrariam, e então ele vai direto para a casa, e então o pico da montanha fica por este topo. Está criando esse fluxo triangular. Então, quando você tem em mente as nuvens, ela não parece plana. Esta peça não parece plana ou estática, parece que tem algum movimento. Isso é outra coisa importante a ter em mente quando você está escolhendo uma foto de referência. Acho que a composição também é algo que você pode mudar. Se você encontrar uma foto de referência, como por exemplo, as casas e esta estão no meio. Se você decidiu que quer pintar isso, mas queria manter a regra dos terços em mente, então você poderia simplesmente mover as casas um pouco em sua pintura, e isso é uma coisa totalmente aceitável de se fazer. Sabendo todas essas coisas então, queremos um conjunto claro de camadas, queremos assuntos que saibamos pintar e queremos ter técnicas de composição em mente. Então acho que estou com você, vou pintar. Eu realmente gosto dessa cena de montanha, e aqui está o porquê. Parece muito complicado. [RISOS] Há muitos crags, muitas sombras, muitas pequenas árvores e detalhes. Embora eu possa passar muito tempo pintando todos esses detalhes intrincados, quero pintar essa cena com você porque quero mostrar como você pode escolher o que você quer pintar. Mas só para falar sobre as outras coisas, existem camadas claras. Há essa camada de céu, há essa camada de montanha, como na montanha à distância com a neve, e depois há essa camada de uma encosta gramada com diferentes áreas de estrada e árvores. É apenas uma paisagem muito bonita onde todas as camadas também são de cores diferentes. A única coisa que é ligeiramente diferente de nossas regras em termos de luz a escura é você poderia dizer que este verde claro, é mais claro que este azul, mas também precisamos ter em mente a vibração. Este verde claro pode ser mais leve, mas definitivamente é muito mais vibrante. A cor é muito mais pura oposição ao azul aqui está mais silenciado. Ele se mantém em linha com nossas regras gerais. Eu acho que este é um que podemos simplificar e pintar e transformar em uma bela pintura. Vamos seguir em frente usando isso como nossa referência. [MÚSICA] 6. Como analisar sua foto de referência: [MÚSICA] Temos nossa foto de referência, acho que será uma boa. Agora, vamos falar sobre como analisar essa foto de referência. É aqui que as habilidades que aprendemos nas aulas de aquarela apenas alguns vídeos antes serão úteis porque vamos ver essa foto de referência e descobrir exatamente quais técnicas e quais habilidades precisamos para pintá-lo. Vamos dar uma olhada nesta foto de referência. Eu o baixei no meu iPad o que é muito fácil de fazer com o unsplash. Eles têm um botão de download e eu o abri no meu aplicativo de fotos. Se você tem um Android ou não está usando um tablet, não tenho certeza de como fazê-lo mas é assim que faço isso com um iPad. Está no aplicativo de fotos, vou pressionar “Editar” aqui em cima e vou ter certeza de que você pode ver. Deixe-me fazer isso de novo. Vou pressionar “Editar” aqui e depois há esses três pontos no topo e vou pressionar “Marcação” depois de abrir a guia Opções. Agora posso usar um lápis para desenhar diretamente na foto. Isso é exatamente o que vou fazer para analisar essa foto e apenas ver o que está nela. Nesta lição, vamos descobrir com o que estamos lidando e, na próxima lição, vamos criar um esboço para nossa pintura. Número 1, temos essas camadas, temos três camadas bem distintas. Temos um céu nublado que, se eu for pintar um céu nublado, isso significa que vou usar muito espaço em branco. Isso porque com aquarela porque é transparente normalmente você usa espaço em branco quando faz assuntos brancos, como nuvens. Há também alguns azuis como o azul celeste, então talvez como um valor leve azul prussiano aqui em cima. Isso parece bem possível para mim. Isso será isso primeiro. Essa é a camada do céu e a camada da montanha, temos muita coisa acontecendo, então temos neve branca. Isso significa que provavelmente tentaremos utilizar algum espaço em branco ou pelo menos algum espaço negativo à medida que pintamos isso. Então também temos alguns valores diferentes de cor. Temos alguns como verde mais escuro e verde mais claro e estes parecem cinza ou quase azul aqui em cima. Como mencionei na lição anterior, provavelmente não tentarei pintar todos os detalhes muito bonitos e específicos desta montanha. Mas eu quero capturar parte da textura. Por exemplo, vejo aqui em cima que a montanha tem como uma textura de rede onde você pode ver as camadas de rocha e isso pode ser algo em que eu pensaria. Eu definitivamente quero manter um pouco do espaço branco nevado. Ao fazer o pico aqui em cima e talvez ao longo do lado, vou manter um pouco desse espaço em branco em mente. Eu quero ter algum contraste. Parece quase até que há duas camadas de montanha aqui. Este é o plano de fundo ou até três. Como se fosse a camada de montanha mais distante, esta é a camada de montanha do meio, e então esta é a camada de montanha mais próxima. Posso pensar em pintar agora. Vou ter isso em mente quando passar para o meu esboço. Mas geralmente porque esta também é a camada intermediária de toda a pintura, quero que as cores fiquem bem silenciadas, quero que o valor seja como um valor médio, o que significa que é aquoso, mas não tão aquoso que é transparente. Quero que seja visível, mas também muito obviamente silenciado para indicar distância aos nossos olhos. Então as coisas que provavelmente vou simplificar é, duvido que vou tentar capturar estas são todas árvores, como pontos muito pequenos, nem sei se você pode vê-las muito bem. [RISOS] Mas há apenas como pequenos cumes e minúsculos pontos de árvores. Acho que não vou entrar em tantos detalhes. Provavelmente vou tentar capturar uma camada muito luminosa com talvez um pouco de textura em alguns lugares. Vamos apenas fazer isso à medida que chegarmos lá. Agora vamos falar sobre essa camada de primeiro plano. À medida que estamos quebrando essas camadas, olhamos para as camadas e, em seguida, dentro de cada camada, olhamos para assuntos e cores e como vamos pintá-los. Nesta camada de primeiro plano há árvores, há essa estrada, às vezes há árvores em aglomerados, às vezes há árvores apenas individualmente. Outra coisa a notar é que todas essas árvores estão longe. Parece que provavelmente é um tiro de drone ou alguém está em pé em uma ponte muito alta ou algo olhando para este vale. De qualquer forma, não vamos pintar assuntos muito detalhados porque eles estão tão longe. Quando os assuntos estão longe, isso é mais fácil para você como pintor de aquarela porque isso significa que mesmo se você estivesse lá na vida real, você realmente não seria capaz de entender todos esses detalhes. Isso simplifica o suficiente para você que você não precise pintar as coisas imediatamente. Então esta estrada é branca. Por ser uma grande estrada branca no meio de toda essa cor, eu poderia usar um pouco de cal em cima dela em vez de tentar manter esse espaço branco branco. Isso é algo para pensar, mesmo para nuvens e neve na montanha, você não precisa utilizar o espaço em branco. Você poderia usar guache branco se quiser, algo que eu faço com bastante frequência. Eu poderia fazer isso por um pouco da neve, vamos ter que esperar e ver [RISOS] enquanto avançamos. Outra coisa, há essa pequena mancha cinza aqui provavelmente com pedras ou sujeira, algo desse tipo. Não vou pintar isso só porque prefiro que minhas camadas sejam individuais. Embora o contraste e o uso de assuntos variados muitas vezes melhorem as pinturas, como as torna mais interessantes, isso parece intrusivo. Isso é algo que vou tirar e eliminar. Outra coisa para pensar em termos de como vamos pintar cada camada individual sobre a qual falaremos mais extensivamente no próximo vídeo é que essa camada de primeiro plano tem um verde brilhante. Quero dizer, não o suficiente, mas é verde brilhante, muito vibrante, embora como uma área gramada verde vibrante com muitos pequenos bolsos de árvores. Eu provavelmente vou pintar essa camada de primeiro plano em várias camadas, como começar com este verde vibrante e então talvez eu faça como um molhado em verde vibrante molhado com algumas manchas escuras e depois pintar mais alguns detalhes como apertar alguns dos detalhes nas próximas camadas. Estamos dividindo isso em camadas de fundo [RISOS] , meio do solo , meio do solo e primeiro plano, mas você também pode dividir cada camada individual em mais camadas. Eu sei que são muitas camadas [RISOS], mas é exatamente assim que você consegue isso. É exatamente assim que você tira uma foto de referência aparentemente complicada como esta e a transforma em algo totalmente viável, especialmente com as ferramentas e as habilidades que você tem como artista de aquarela conhecendo todas as regras sobre aquarela que você faz. Uma coisa sobre a qual falamos que não está realmente nesta pintura é muitas vezes o céu ou as montanhas têm um gradiente para eles. Isso não está realmente presente aqui, mas tudo bem. Realmente o que vamos usar é muitas combinações diferentes de molhado em molhado e molhado em seco. Posso usar um pouco de textura luminosa provavelmente para o céu e para as primeiras camadas das camadas do meio do solo e do primeiro plano. Porque o significado luminoso, usando a técnica molhada em molhado para criar luz e um efeito de brilho, isso ajudará cada camada individual a ser infinitamente mais interessante. Isso está apenas parecendo um pouco mais profundo em toda essa primeira vista, eu continuo pensando mais uma coisa, mas é assim que minha mente funciona [RISOS] enquanto eu faço referência a fotos. Também vejo pequenas casas aqui. Posso ou não adicioná-los. Ainda não decidi. Eles são uma coisa interessante, como um assunto interessante de se ter, mas eles são tão pequenos, eu não sei se eles fariam a diferença. Vou colocar isso no fundo da minha mente, preenchê-lo enquanto estou pintando. Isso é algo que muitas vezes faço. Começo com uma ideia geral depois de dividir uma foto de referência e depois decido um pouco mais tarde como quero colocar tudo. Então a última coisa é a composição. Falamos sobre a regra dos terços. Nós dividimos uma cena em terços indo horizontal e verticalmente. Parece que esse pico da montanha já está nessa interseção entre essas duas linhas, então esse é um ótimo local que eu quero manter lá. As camadas também se alinham porque se você tiver camadas individuais que estão indo horizontal ou verticalmente, é bom colocá-las ao longo dessas linhas paralelas. Parece que esta camada verde e esta camada azul estão alinhadas assim. Mas como estamos tendo isso em mente, não queremos que o céu, a montanha e o verde tenham o mesmo tamanho. Queremos manter o contraste. Talvez eu tenha como se o céu fosse um pouco, eu não sei. Basicamente, quero que o céu ocupe a maior parte da cena ou quero que as camadas das montanhas ocupem a maior parte da cena e apenas forneçam contraste contra esses dois sujeitos opostos. Acho que vou decidir isso na próxima lição ao descrevermos essa pintura. Mas acho que essa é a última coisa que quero ter em mente ao analisar essa foto de referência. Só para resumir, à medida que dividimos essa foto, vamos delinear ou basicamente fazer um plano para pintar isso na próxima lição. Mas, à medida que estou quebrando esta foto, quero ter em mente todas as regras de aquarela sobre as quais falamos para camadas assuntos e técnicas de aquarela. Comecei dividindo a foto em camadas individuais, então o fundo, o meio do solo, o primeiro plano, e depois olhei para cada camada individual e identifiquei técnicas. Vou usar a técnica molhada em molhado para pintar o céu e provavelmente posso fazer isso apenas em uma camada. Para a camada intermediária das montanhas, isso provavelmente terá várias camadas. Não tenho certeza de quantas camadas de montanhas vou fazer, mas para pintar todos os detalhes contrastantes de cada montanha vou ter que pintar cada montanha em camadas individuais como bem usando a técnica molhada em molhado e, em seguida, deixando-a secar e pintar em cima dela, que é vidros. Então, para a camada de primeiro plano, posso ver que há muitos assuntos diferentes também. Definitivamente vou dividir isso em várias camadas também. Espero que essa recapitulação tenha sido útil para você e agora vamos seguir em frente e fazer um plano na próxima lição. [MÚSICA] 7. Crie um plano de pintura: [MÚSICA] Agora é hora de fazer um plano. Escolhemos uma foto de referência que realmente amamos. Nós dividimos isso para descobrir quais peças estão dentro e o que podemos fazer com elas. Agora vamos construir um esboço sólido para que, quando começarmos a pintar, não ficaremos confusos e tenhamos que pensar no local. Vamos fazer isso meu amigo. Na lição anterior, analisamos a foto de referência para que pudéssemos ter uma ideia clara do que estamos trabalhando. Agora que temos todas essas técnicas e camadas em mente, vamos fazer um plano. Para fazer um plano para uma pintura, basicamente você identifica as camadas e, em seguida, identifica a ordem em que vai pintar as coisas dentro das camadas. Muito simples. Temos a camada 1, que é a camada de fundo, camada 2, que é a camada intermediária do solo, e a camada 3, que é a camada de primeiro plano. Começamos com o fundo, depois pintamos o meio do solo e depois pintamos o primeiro plano. Por esse sistema, vamos começar com o céu. A primeira coisa que vamos pintar é o céu. Falamos um pouco sobre isso na lição anterior, mas vamos rever isso novamente. Para pintar este céu azul nublado, vamos usar a técnica molhada onde vou, então vou colocar isso molhado sobre molhado com azul, e para obter o branco das nuvens, vamos para usar o ritmo branco. Posso acabar usando uma toalha para levantar algumas das nuvens também para obter esse efeito mais nublado, e falaremos sobre isso quando começarmos a pintar. O céu pode acontecer basicamente em uma camada, então isso será muito fácil. Para nos prepararmos para o resto da pintura abaixo do céu, queremos manter o céu bem perto também, como se quiséssemos manter as cores do céu na área do céu, o significa que não queremos o azul para ocupar a página inteira. Nós só queremos que o azul esteja principalmente onde o céu está e falaremos sobre isso novamente quando começarmos a pintar. Algo que discutimos a última lição que devemos resolver agora é queremos que o céu ocupe apenas um pouco da pintura ou queremos que o céu ocupe muito da pintura? Se quisermos manter um contraste de forma e manter um contraste para que não tenhamos apenas partes iguais. Porque, como falamos, quando você tem partes iguais, como todas as camadas parecem exatamente iguais ou são do mesmo tamanho, isso não é super interessante para seus olhos olharem. Você quer sempre ter algum contraste. Esta pintura realmente se presta bem. Acho que antes pensei que estes eram bem iguais, mas agora estou vendo que sim, parece que eles estão quebrados em terços, mas também a encosta da montanha corta na linha. Quando você não pode ter contraste no espaço para determinar quanto espaço cada camada vai ocupar, também é bom ter um contraste entre linhas e curvas. A curva da montanha desta camada é ligeiramente diferente da curva dessa camada e corta nas linhas que podemos ver também. Só de pensar em todas essas coisas, para esta aula, eu não queria te dar um corte muito seco como isso é exatamente o que você faz, porque nem sempre é esse o processo que eu passo quando eu quebro um foto de referência. Na verdade, na maioria das vezes, quando eu quebro uma foto de referência e crio um plano, estou pensando em muitas coisas diferentes ao mesmo tempo e tomo decisões de última hora, e é exatamente isso que eu quero ensinar você está bem. Tudo bem se você entrar na pintura tendo uma ideia geral, mas depois tomar decisões de última hora e pensar em muitas coisas diferentes, mesmo que você não acabe mudando nada. De volta ao céu. Acho que vou mantê-lo da maneira que é onde o céu não é todo o terceiro topo da página, é apenas uma parte deste topo da página. A montanha e a encosta vão ocupar a maior parte do resto da página. Legal. Essa é a camada 1. Depois disso secar, vamos para o meio do solo, que é a camada 2, e antes de falarmos sobre como parece que há três montanhas. Pode até haver quatro, mas acho que vamos chamá-lo de três. Parece que há uma camada de montanha aqui e uma aqui e outra muito na parte de trás. Ao pensar em como quero pintar e se quero manter todas as três camadas, gosto de considerar a peça como um todo. Falamos sobre a regra dos terços. Também gosto de lembrar a regra das probabilidades, ou seja, em geral, se você tem um número ímpar de coisas, é mais agradável aos olhos. Vamos ter em mente essa regra de probabilidades. Se tivermos uma grande encosta e um grande céu, então se somarmos o resto dessas camadas de montanha, quero que seja um número ímpar. Ou então eu gostaria uma grande camada de montanha ou gostaria das três camadas. Eu realmente não quero duas, apenas duas camadas de montanha com o céu e a encosta porque isso faz quatro, isso faz quatro camadas realmente aparentes, e eu prefiro ter um número ímpar. Acho que a coisa fácil de fazer seria fazer uma grande camada de montanha. Mas vou te desafiar um pouco, e vamos pintar esta montanha em três camadas, e digo desafio, mas na verdade é um pouco mais fácil do que você pensa. Esse é o meu plano para o meio do solo, são três camadas de montanha. Para fazer as três camadas de montanha, queremos ter em mente que a distância significa que as cores serão mais claras. A camada de montanha mais distante será a menor e também a mais leve, e então as camadas das montanhas ficarão progressivamente mais escuras, o que esta pintura mostra claramente. Temos um plano para o céu, que está usando principalmente a técnica molhada sobre molhado. Para a camada 2, vamos reduzir isso em três camadas de montanha individuais, e cada camada de montanha será bem semelhante. Bem, a primeira camada de montanha provavelmente usará apenas provavelmente usará apenas uma pequena camada luminosa e leve para obter aquele pequeno blip ali. Então, para as outras camadas de montanha, haverá bastante semelhante onde vamos colocar uma camada da técnica molhada sobre molhado para obter alguma textura luminosa, e então usaremos a técnica úmida sobre seca para textura em cima dela e deixe para trás o ritmo dos brancos. Vamos fazer uma combinação de molhado sobre molhado e molhado sobre seco para obter a textura que queremos. Tenha em mente que não vou ter todos esses pequenos detalhes aqui. Eu poderia ter um pouco dessa textura de grade de rede aqui em cima e um pouco da neve. Mas, além disso, quero mantê-lo simples porque quero que seja bastante fácil de pintar. Eu não quero me sobrecarregar, e simplificar é o caminho a seguir nesse caso. Aqui está nosso plano, o céu, as três camadas de montanha, e finalmente, é claro, a encosta e a encosta, vamos começar com uma camada de luz para este verde claro aqui, e depois vamos fazer outra camada de detalhes escuros. Alguns dos detalhes podem ser como esta estrada leve aqui e podemos colocar algumas das casas lá. Falei sobre isso, ainda não tenho certeza se vou manter as casas ou não, mas esse é geralmente o plano. Número 1, o céu, número 2, as três camadas de montanha, número 3, a encosta começando com esta camada verde clara, e então eu possivelmente estou mantendo algumas das áreas escuras naquela primeira camada clara, e, em seguida, a segunda camada em primeiro plano será cores mais escuras e adicionando um pouco mais de detalhes. Isso parece ser um plano sólido para mim. Acho que vai correr muito bem. Antes de passarmos para a pintura, apenas mais um vídeo de planejamento, vamos ver as cores e ver se podemos misturá-las usando algumas tintas bem simples. Vejo você então. [MÚSICA] 8. Como misturar sua paleta de cores: [MÚSICA] Último vídeo antes de começarmos a pintar. Nesta lição, vamos falar sobre mistura de cores, especificamente, como misturar as cores que precisamos para pintar nossa foto de paisagem. Vou usar uma paleta limitada neste vídeo, o que significa que estou usando as cores primárias mais o cinza de Payne e vou falar tudo sobre minhas escolhas de cores, por que estou usando as cores de tinta que estou especificamente, e por que é uma ideia inteligente para você praticar pintura com uma paleta limitada também. Vamos em frente. Apenas para referência, as quatro cores que vou usar para misturar as cores desta peça de paisagem, que não há muitas cores, mas de qualquer forma, estou usando o cinza Payne da Winsor & Newton. Eu comprei um grande tubo disso porque provavelmente é minha cor mais usada, Winsor & Newton, amarelo limão profundo, Daniel Smith, azul prussiano e Daniel Smith carmim para vermelho. Vamos usar essas cores para misturar o que precisamos para nossa pintura. Eu tenho esse papel de sucata, tenho minha paleta de cerâmica. Você não precisa de uma paleta de cerâmica, você poderia usar apenas uma de plástico, mas eu prefiro usar paletas de cerâmica porque acho que elas misturam cores um pouco melhor. Eu tenho este pincel redondo número 10. Na verdade, vou pegar um pincel redondo número 6 porque acho que os 6s funcionam um pouco melhor. Os tamanhos de pincel menores são melhores para testar cores diferentes. Primeiro, vou levar algumas dessas cores primárias que estão na minha paleta principal para o lado e colocá-las nessa paleta para mostrar como elas se parecem. Isso é carmim, que é a nossa cor vermelha, e isso é azul prussiano, que é nosso azul , e amarelo limão profundo, que será nosso amarelo. Vou usar o cinza de Payne também porque acho que o cinza de Payne é super útil. Às vezes, o cinza de Payne pode atuar como um substituto para o preto quando você quer ter uma cor muito mais escura ou quiser deixar uma cor mais silenciosa. Ele pode substituir o preto sem realmente ter que usar preto. Lá vai você. Vamos começar com cada camada individual. A primeira camada, o céu, posso ver um valor bastante leve, seja, azul aquoso, e então vou testar para ver se esse cinza de Payne funcionará. Tenha em mente, eu não estou tentando misturar cores para que elas sejam exatas, estou apenas tentando misturar cores para que elas sejam adequadas basicamente elas fiquem bem juntas e tenham a essência do que eu sou tentando fazer. Este valor de luz azul prussiano parece que combina muito bem. Geralmente, quando você está pintando o céu, azul prussiano é um bom caminho a percorrer. Às vezes, o céu tem apenas um pouco de vermelho nele. Isso faz com que seja um pouco mais azul-violeta. Esse pode ser um pouco mais azul celeste com azul prussiano com apenas um toque muito, muito minúsculo de vermelho que o torna muito, muito sutil cor azul-violeta. Vou deixar com você se você quiser fazer apenas azul prussiano ou adicionar essa cor também, e isso foi muito fácil. Vamos passar para a segunda camada. Na maioria das vezes vou usar um valor leve cinza de Payne. Estou adicionando água ao cinza de Payne aqui. O cinza de Payne é como um azul marinho caso você nunca tenha pintado com ele. Isso combina muito bem com a rocha. Se eu usar a técnica molhada em molhado com o cinza de Payne para obter muitos valores diferentes, ela funcionará muito bem. Há um pouco de verduras sutis aqui e precisamos misturar verde para a próxima camada. Então, vamos dar uma facada ao misturar um pouco de verde. Para misturar verde, em primeiro lugar, você precisa de azul prussiano e amarelo limão. Assim como uma dica, se você vai misturar azul com qualquer coisa, azul quase sempre será mais forte do que qualquer outra cor que você vai usar, então você não precisa de tanto azul quanto tudo outro, só para o registro. Estou usando muito mais amarelo limão que o azul para obter este verde, e esse verde é bem brilhante. Eu não acho que nenhum dos verdes minha pintura vai ser tão brilhante, então eu quero tonificá-lo um pouco. Quero torná-lo um pouco mais silenciado. Para fazer isso, para adicionar um pouco marrom ou apenas mais desse tom cinza lavado, vou misturar a cor complementar do verde com ele. Isso geralmente é o que você usa para fazer marrom, quando você mistura cores complementares juntas, usando a roda de cores como guia, e a cor complementar do verde é vermelha. Se eu adicionar um pouco de carmim a este verde, observe como ficou cinza, esse cinza-verde, e isso é realmente uma cor bem legal e quase perto que eu quero estar nesta montanha. Eu quero apenas um pouco mais verde e então vou adicionar um pouco mais azul e também um pouco mais amarelo para mais azul e também que eu receba um pouco mais de um verde silenciado que ainda parece relativamente verde em oposição a este que parece verde-marrom. Isso parece muito bom. Vou chamar isso muito bom para a montanha e isso me leva a criar o verde para a encosta. Eu quero um verde claro, que neste caso, não é tanto um valor leve verde, o que significa que não é tanto que a cor seja lavada ou tenha mais branco nela que a torna muito leve, delicada, cor sutil. Parece verde claro, o que significa que tem muito amarelo, e por isso , porque esse verde já tem esse vermelho, não é um verde limão brilhante, não é um verde-amarelo brilhante. Vou continuar adicionando a essa mistura que tinha o vermelho nele e adicionei um monte de amarelo. Isso é bem próximo. Talvez seja um pouco mais amarelo-verde do que eu queria. Há um pouco mais azul, que é um pouco mais brilhante do que eu queria, então talvez um pouco mais vermelho para tonificá-lo um pouco. É por isso que papéis de sucata como esse são bastante úteis e, na verdade, isso parece muito bom. Eu acho que essa é a combinação que vou para adicionar azul e amarelo com apenas um pouco de vermelho, que com mais amarelo do que azul para torná-lo amarelo-verde, foi apenas um pouco de vermelho para deixá-lo silenciado amarelo-verde. Agora, a cor verde escura final, vou usar o cinza de Payne com esse verde que já misturei. O cinza de Payne, como mencionei antes, é uma ótima maneira de escurecer em qualquer cor sem torná-lo aborrecido. Quando você adiciona pigmento preto puro à cor, às vezes eles podem enlameá-los ou simplesmente aborrecer a vibração e isso não é realmente o que queremos. Eu adicionei o cinza de Payne a este verde, mas ainda é bastante azul, então vou adicionar mais amarelo a ele e ver o que isso faz com ele. Na verdade, isso é muito próximo, então talvez um pouco mais amarelo para ver o quão escuro isso é. Isso é muito bom. Não é tão escuro quanto as árvores olham aqui, mas posso continuar adicionando mais cinza de Payne e mais amarelo e azul. O problema com a mistura de cores como esta, especialmente com aquarelas é para misturar cores, você precisa adicionar muita água e, quando você adiciona muita água, ela automaticamente ilumina o valor. Para tornar essa mistura um pouco mais pigmentada, para ficar mais escuro, pigmentado, verde escuro, então o que vou fazer é misturá-lo o máximo possível com a cor. Quando estou pegando a aquarela, quero usar o mínimo de água possível. Vou tentar fazer isso agora. Estou misturando este verde e estou tentando não colocar toneladas de água nele. Agora vou pegar um pouco cinza de Payne e misturá-lo aqui, e isso o deixou um pouco mais escuro. Acho que isso funcionou muito bem. É bem brilhante, então eu também vou adicionar um pouco de vermelho para, novamente, neutralizar esse verde, para adicionar um pouco de marrom a ele. Sinto que isso parece muito bom. Isso resume o esquema de cores que vou usar para esta peça, e espero que este pequeno tutorial de mixagem sido útil para você. Esta aula não se concentra tanto na mistura de cores, mas uma coisa importante a saber é que os artistas profissionais costumam usar uma paleta limitada como essa. Eles usam as cores primárias ou apenas algumas cores e, em seguida, algumas misturas de cores inteligentes para obter os resultados desejados. Porque quando você usa todas as mesmas cores para obter os tons desejados, muitas vezes sua paleta é um pouco mais coesa. Então, ao contrário de tentar juntar pigmentos de tubos inteiramente diferentes, ter a mesma base e usar as mesmas misturas de cores apenas faz com que tudo se aperte e se encaixe de uma maneira realmente bonita. Esta peça pousou muito bem nisso porque há apenas algumas cores aqui que são muito fáceis de misturar. Espero que você tenha pensado assim também, e espero que isso seja útil. Agora que temos algumas dessas cores para baixo, vamos começar a pintar. Vejo você na próxima lição. [MÚSICA] 9. Projeto: a camada de fundo: [MÚSICA] [RUÍDO] Terminamos o planejamento, hora de começar a pintar. Esta é a camada 1, onde vamos principalmente pintar o céu em camadas transparentes realmente delicadas que farão uma grande camada contrastante quando finalmente trouxermos os outros elementos. Os materiais que estou usando para esta pintura são um pincel redondo número 10, este é um Princeton Neptune, um número redondo 6, esta é a série Utrecht Synthetic Sablette, e um número redondo 0. Esses três pincéis são o que vou usar para pintar esta pintura. Também estou usando essas quatro cores, as que misturamos na lição anterior: cinza de Payne, azul prussiano, carmim e amarelo limão profundo. Estou usando papel aquarela 100% algodão Arches. Eu o coloquei, como você pode ver, na minha mesa. É melhor manter o papel esticado porque o papel aquarela ainda é papel e, portanto, a água ainda o danificará. Gravá-lo apenas ajudará a minimizar a deformação em sua pintura. Então eu tenho uma paleta de mistura para misturar minhas cores. Também vou usar o branco à prova de sangramento do Dr. Ph. Martin para o meu guache branco pois adiciono apenas alguns pequenos destaques na pintura. Acho que é tudo o que precisamos para começar. Vamos prosseguir com a camada 1. Vou usar meu pincel redondo número 10 para colocar uma lavagem de água limpa. Se você se lembra, camada 1 está enfrentando o céu da peça, e queremos que o céu fique principalmente neste canto aqui em cima. Mas ainda vamos molhar a maior parte da página. Você não precisa molhar a página inteira, mas pelo menos como dois terços do caminho para baixo. Isso é só porque não queremos nenhuma linha de pintura seca. Se você não ficar o suficiente da página molhada e parte da tinta encontrar a borda da área úmida, você terá uma linha de tinta seca de azul ou qualquer cor que estamos usando. Estamos tentando evitar isso, e por isso estamos ficando mais do papel molhado do que precisamos. Tudo bem se parte do azul do céu sobrepõe em onde vamos pintar a área da montanha. Como estamos usando camadas e valor um pouco mais escuro para as montanhas, ficará bem, então isso não será um grande negócio. Eu continuo tropeçando nas minhas palavras. Obrigado por ouvir. em frente e começar com a cor do céu. Se me lembro, queríamos um valor muito leve, azul prussiano, então eu tenho um pouco azul prussiano aqui e estou fazendo isso muito aquoso. Então, para torná-lo apenas um violeta azul muito leve, estou adicionando um pouco de carmim, quantidade muito pequena, para obter esse visual azul celeste realmente sutil. Quero lembrar que esse céu deveria estar nublado, então vou pintar algum espaço em branco. Não preciso pintá-lo, então parece exatamente com a foto de referência. Isso é algo a ter em mente durante esse processo como você está pintando, a foto de referência neste momento realmente é um guia. Já temos um plano, sabemos basicamente o que temos em mente, e se você passar todo o seu tempo olhando freneticamente para frente e para trás entre a foto de referência e sua pintura, você vai o processo mágico que é aquarela. O objetivo do planejamento era para que possamos ter todas as peças em geral em mente e, em seguida, ter a liberdade e a flexibilidade para fazer esta peça o que quisermos, sabendo que temos o peças fundacionais já no lugar. Vou sair definitivamente, porque estou usando a técnica molhada em molhado, ver como as cores se desfocam e estou intencionalmente deixando para trás espaço em branco porque quero que essas nuvens estejam lá. Agora, às vezes eu estou usando esse valor de luz muito aquoso, azul prussiano, e às vezes eu estou lavando meu pincel e usando água para espalhar isso. Ao incentivar a tinta a misturar com a água e misturar com o papel, é isso que vai criar uma textura luminosa muito legal. Outra coisa que poderíamos fazer, poderíamos parar aqui honestamente e deixar essas nuvens para serem o que são, mas uma outra coisa que podemos fazer é usar uma toalha. Converti a usar toalhas laváveis em vez de toalhas de papel. Podemos usar uma toalha para limpar um pouco do branco apenas para que a nuvem fique um pouco mais visível. Nesse caso, não quero que a nuvem seja super branca. Eu acho que está na foto de referência, mas ainda quero que ela fique sutilmente lá com bolsos de céu. Acho que isso ficará ótimo. Acho que é onde vou pousar com o céu. O céu não é o principal evento desta pintura independentemente, então eu realmente quero esse efeito apenas sutil. Talvez depois de ter limpado um pouco desse branco, vou adicionar um pouco mais azul em algumas áreas e depois misturá-lo um pouco mais para que a nuvem fique um pouco mais definida. Honestamente, neste momento, estou apenas brincando, que é a diversão de pintar. Mergulhar e experimentar é o que acho ser algumas das partes mais satisfatórias e divertidas da pintura de paisagens. Não tenha medo de tentar algo e depois tentar outra coisa porque realmente o objetivo da pintura não é acertar essa pintura, é ter uma experiência incrível para você. Como você pode ver, esse resultado final é muito sutil. É só um pouco azul, um pouco de branco. Acho que isso vai parecer realmente incrível. Vamos deixar essa camada secar e passar para a camada do meio do solo. [MÚSICA] 10. Projeto: a camada intermediária: O céu está pronto. Está seco. Agora é hora da parte mais difícil. Vamos pintar a camada intermediária agora, que é aquela camada muito legal de montanhas que está no meio dessa foto de referência. Essa camada realmente vai se concentrar muito no valor da cor. Também vamos falar sobre vidros e texturas e quando simplificar versus quando não simplificar, muitas coisas assim. Vamos mergulhar diretamente. Meu amigo, completamos a primeira camada, o céu. É tão sutil. Mal conseguimos vê-lo. Mas, honestamente, acho que isso é totalmente bom para esta peça, especialmente porque, como já mencionei antes as montanhas e a encosta são realmente a estrela desta pintura. Vamos deixar este céu nublado azul muito sutil ser o que é e passar para a Camada 2, que é a camada de montanhas. Vamos fazer uma montanha, muito pequena e distante montanha na parte de trás aqui. O valor mais leve que queremos que esteja aqui porque esta é a interseção usando a regra dos terços. A interseção desses dois pontos aqui. Este será o ponto de partida da cordilheira inclinada para cima à medida que colocamos camadas em 1, 2, 3 camadas desta camada intermediária. Foram muitas camadas em pouco tempo. De qualquer forma. Vamos começar com essa camada e depois passaremos para as outras montanhas em breve. Todas as camadas de montanha, a base de cada montanha será apenas esse valor muito leve, o cinza de Payne. Vamos começar. Para esta primeira camada será muito fácil. A maior parte, honestamente, será coberta pelas camadas subseqüentes. Eu só vou começar aqui e quero que este pico da montanha esteja atingindo o pico ali mesmo. Então, vou me certificar de que essa parte da montanha é visível e o resto provavelmente estará coberto pelas próximas camadas. Isso foi muito fácil. Vamos manter essa camada muito leve, não muito textura porque esta será a montanha que está mais distante. Temos essa camada de fundo de montanha. Agora vamos pintar a camada intermediária da montanha nesta camada. Para obter essa cor, quero que ela tenha um valor um pouco mais escuro do que a primeira camada, então vou adicionar um pouco mais cinza de Payne, está nesta paleta para o lado aqui. Isso foi muito. Eu ainda quero isso muito aquoso. Às vezes, quando eu misturo cores, é o que acontece. Eu adiciono um pouco mais de pigmento e depois adiciono um pouco mais de água. É exatamente por isso que ainda tenho esse papel raspadinha aqui, para que eu possa testá-lo. Eu diria que é mais escuro do que essa camada de fundo. Talvez eu só adicione um pouco mais. Acho que isso é muito bom. Vou começar com apenas pintar o contorno de onde eu quero que esta montanha vá. A montanha que vai subir na cena assim é a montanha de primeiro plano, ou seja, nesta camada intermediária que estamos pintando nesta lição, é a montanha que vamos pintar por último. A montanha que estamos fazendo agora é a camada média do solo e seu pico será por aqui. Tem uma borda plana, retangular. Eu não sei. É diferente. Não precisamos pintá-lo exatamente como está na foto de referência, que é algo que eu disse várias vezes ao longo desta aula. Mas o ponto, a razão pela qual eu mencionei isso é porque queremos ter certeza de ter alguma variação no meio aqui. Então sabemos que qualquer parte da montanha que se trilha deste lado, provavelmente ficará coberta com a montanha em primeiro plano. Não precisamos prestar muita atenção a todas as partes desta montanha. Observe, porém, que mesmo a montanha de fundo e o meio do solo e o primeiro plano, todos eles têm cumes bem claros definidos. Isso significa que quando definimos qualquer coisa clara, isso significa que estamos usando a técnica úmida em seco. É por isso que esta primeira camada de montanha está seca. Agora estou pintando em um papel seco para a outra camada de montanha também tenha aquele cume claro definido. Sempre que estou pintando montanhas, lembro que quero que haja bordas e não quero linhas muito retas. Quero que haja essas bordas divertidas. Mas não estou tentando torná-lo perfeito. As pinturas da natureza são mais realistas quando são imperfeitas. É por isso que quando pinto montanhas, movo minha mão para cima e para baixo, para frente e para trás. Quero que minha mão fique um pouco instável enquanto estou pintando isso. Aqui está aquela camada de montanha honestamente, é um pouco mais escura do que eu acho que eu queria. Eu vou pegar minha toalha aqui e vou limpar um pouco do pigmento, que eu tenha um pouco mais do espaço em branco por baixo porque eu não quero que isso fique muito escuro. Agora que eu limpei um pouco desse pigmento, vou tomar um pouco de água, peguei o pincel seis em vez do meu 10, o que está bom. Mas vou tomar um pouco de água, misturar o que resta desse pigmento juntos. Isso é muito bom. Eu quero que isso fique molhado parcialmente porque nesta camada, eu não quero terminar apenas com o cinza do Payne. Eu também quero adicionar um pouco de verde. Mas quero um verde mais silencioso como praticamos em uma lição anterior. Vou pegar um pouco desse verde para adicionar muita água a ele, adicionar um pouco de amarelo e depois adicionar um pouco de vermelho para torná-lo mais silenciado. Isso é mais marrom. A mistura de cores é sempre uma aventura. Isso é muito bom. Enquanto isso ainda estiver molhado, vou adicionar um pouco desse verde aqui. É tão sutil que você mal consegue vê-lo. Isso é totalmente bom porque com essa camada, tecnicamente ainda é uma das camadas de fundo. Não precisamos desse verde que estamos adicionando aqui para ser super proeminente. Só queremos adicionar um efeito sutil para mostrar que há alguma variação dentro dessa camada. Eu queria colocar o verde enquanto esta camada ainda estiver molhada apenas para colocar essa camada base enquanto terminamos de pintar o resto dela. Agora que essa camada base secou, estou percebendo que eu fiz isso um pouco escuro demais. Idealmente, teria sido mais leve, para que eu pudesse usar o espaço branco do papel para criar neve. Eu acho que a camada de montanha de fundo é leve o suficiente, mas essa camada de montanha do meio, eu gostaria de ser um pouco mais leve, mas porque não é, eu vou usar guache branco para a neve em vez disso do espaço em branco do papel que honestamente está bem também. Acho que vai dar certo. Para criar os crags e as sombras nesta montanha, vou levá-lo em várias camadas com basicamente todo o resto nesta peça. Vamos construir contraste lentamente. Para as sombras e os crags, vou usar valores variados do cinza de Payne. Eu adicionei um pouco de carmim para tornar o cinza do Payne ligeiramente roxo, o que o fará parecer um pouco mais cinza. Mas, honestamente, com valores dessa luz, não importa realmente o cinza do Payne como base a parte mais importante. Vou misturar um valor bastante leve cinza de Payne e começar a pintar linhas envidraçadas por toda a montanha. Honestamente, não estou realmente tendo muita rima ou razão aqui. Quero que eles pareçam bastante naturais. Para fazê-los parecer um pouco mais naturais como sombras em uma montanha, estou pintando de lado. Estou pintando muito torto em traços pares. Estou mantendo o ziguezague em mente. Ziguezague e diamantes são as duas formas que tenho em mente quando pinto sombras em uma montanha. Mas, além disso, não estou tentando criar um padrão específico. Só estou deixando minha mão ficar louca basicamente. Estou usando esse valor de luz, Payne é cinza e lentamente atravessando a montanha. Observe que estou variando a pressão do meu pincel também, modo que às vezes as linhas são muito finas, às vezes as linhas são muito grossas. Queremos criar a ilusão de que talvez haja rachaduras na montanha e também talvez cavernas. Acho que sombras maiores talvez indiquem há alguns recuos ou partes irregulares da montanha. Isso é realmente o que estamos buscando. Em algum momento, decidi que acabei. Agora vou criar um valor um pouco mais escuro, cinza de Payne, apenas adicionando um pouco mais. Vou continuar fazendo exatamente o que estava fazendo. Você pode esperar que a camada anterior seque ou você pode continuar enquanto ela ainda está molhada. Eu apostaria que neste momento eu possa ver que algumas das linhas estão secas e algumas delas ainda estão molhadas. Se eu pintar mais escuro nas linhas ainda molhadas, obviamente elas vão florescer nas sombras e isso também ficaria bem. Porque na verdade estamos apenas procurando texturas e cores contrastantes. Eu adicionei apenas alguns pequenos destaques, acho que talvez as luzes baixas sejam um termo melhor do cinza do Payne mais escuro. Agora, vou tentar capturar a textura de algumas árvores, ao longo da base daquela montanha com um verde muito claro. Este é o mesmo tipo de verde que misturamos na lição de mistura de cores para a encosta, onde é um verde com um pouco de carmim adicionado a ele, então está ligeiramente silenciado. Estou adicionando alguns traços de verde apenas, novamente, para criar a ilusão de que há pequenos bolsos de árvores ao longo da base e no lado daquela montanha. Agora que criei a maioria dos crags e das sombras, estou tomando minha cal, adicionando um pouco de água a ela porque cal, até mesmo a prova de sangramento do Dr. Ph. Martin branca, que é o que estou usando vem em uma forma de pasta, e então você precisa adicionar um pouco de água para torná-lo um pouco mais maleável, não muito, caso contrário, ele se tornará translúcido, mas apenas um pouco, então é um pouco liquidy. Então, usando os mesmos traços, ou seja, lateralmente, diagonalmente, críquete, muito áspero, vários graus de pressão, estou apenas pintando manchas de neve, basicamente, sem saber exatamente onde eu quero pintá-los, exceto, eu sei que o lado esquerdo da montanha é lançado na sombra, porque eu coloquei muitas sombras lá. Então, apenas para manter as regras da luz, que não é algo sobre o qual falamos muito nesta classe, mas apenas como um fato divertido, se você pode ver a neve brilhando em um lado da montanha, às vezes o outro lado é mais lançando sombra, às vezes. Estou mantendo isso em mente, mas não fazendo disso uma regra muito específica. Por essa razão, eu só queria colocar mais manchas de neve no lado direito daquele pico da montanha. Observe como não estou pintando o lado direito da montanha como a encosta daquela montanha. Isso porque a terceira camada de montanha está indo além disso. Não preciso pintar nada, caso contrário, ele simplesmente brilhará. Para a parte final desta camada de montanha média, estou adicionando um pouco mais cinza de Payne ao verde, e usando meu pequeno pincel de detalhes para adicionar basicamente como pegadas do meu pincel para imitar árvores, para imitar árvores, para imitar a textura realmente de como as árvores se parecem à distância, que eu acho que elas estão salpicadas pela montanha. Não estou tentando pintar árvores individuais. Só estou tentando pintar pequenas manchas à distância. Isso vai ao longo das linhas com quando você pinta o que vê, você realmente não pinta o que sabe. Você não pinta o que sabe, você pinta o que vê. Não estou pensando em pintar árvores, estou pensando em pintar a textura de como as árvores se parecem. Vamos falar sobre isso também nas próximas camadas. Quando você pinta o que vê, você não pinta o que sabe. Você só se concentra na cor, textura, forma e tenta imitar isso sem deixar o conhecimento de, estou pintando uma árvore atrapalhar. Agora deixamos essa camada intermediária secar, e então vou repetir o processo com essa camada de montanha mais próxima. Não vou chamá-lo de primeiro plano porque ainda está nesta camada intermediária. Esse é o que estamos pintando agora. Comecei a camada de montanha pintando com um valor muito, muito leve, cinza de Payne, e depois adicionei o valor mais escuro do cinza de Payne enquanto a camada de montanha ainda estava molhada. Estou tentando tornar essa camada luminosa. O que significa que existem bolsos de espaço em branco. Se você achar que talvez tenha adicionado muita tinta nesta camada, você pode usar o que é chamado de pincel sedento, que é um pincel limpo que você carregou em sua toalha para remover todo o excesso de água, por isso está mais úmido. Você pode usar um pincel sedento para levantar parte da tinta dessa camada e ajudar a revelar um pouco do espaço em branco para que realmente possa ser essa textura luminosa. Essa é apenas a camada base da montanha. Deixei secar e agora estou molhando novamente e adicionando ainda mais tinta, basicamente apenas repetindo esse processo. Agora, enquanto isso estiver molhado, lembre-se daquela treliça que observamos quando começamos a delinear e quebrar essa foto de referência. Latticework, o que significa que havia texturas na montanha que pareciam cruzamentos. Esta é apenas a camada base, não é super importante se esta treliça aparecer, mas isso foi um experimento para mim, onde esperei um pouco enquanto a montanha ainda estava molhada, mas não tão molhada que minha tinta floresceria em todos os lugares, o que é algo sobre o qual falamos na porção de controle de água da lição de técnicas de aquarela. Onde se eu deixar o papel secar um pouco para que fique úmido, mas ainda molhado, espero que eu possa adicionar um pouco dessa treliça na camada base, e não tenho certeza se ele vai aparecer porque às vezes pintura seca muito mais leve do que quando você realmente começa a pintar com ela. Não é grande coisa se não aparecer depois que essa camada estiver seca. Vou me divertir e experimentar pintar esses cruzamentos aqui sabendo que na próxima camada, quando eu começar a pintar molhado em seco, vou me certificar de incluí-lo. A camada está seca, não consigo ver mais a treliça, o que é bom. Agora vou começar com a camada molhada na seca. Semelhante à anterior, começamos com a camada base, e agora vamos adicionar os crags e as sombras com um cinza de Payne um pouco mais escuro, o valor mais escuro cinza de Payne. Embora ainda seja muito aquoso, não queremos que fique tão escuro que seja opaco. O cinza de Payne pode facilmente, se você usar pinceladas muito pigmentadas do cinza de Payne pode começar a parecer opaco. Não queremos isso, então ainda queremos ficar muito aquosos. Vamos apenas pintar crags e sombras aleatórias. Desta vez eu estou mantendo linhas diretas, eu acho. Em vez de ir para baixo, lateralmente ou diagonalmente sempre, ainda estou tentando fazer essa forma de diamante em ziguezague, mas eu quero fazer isso nessa textura de treliça, então fiz algumas listras horizontais, e então eu fiz alguns verticais. Mas observe como nunca estou usando linhas retas. Estou sempre deixando-os tortos. Quero tentar imitar essa textura cruzada o máximo possível , mantendo-a de forma justa, “realista”, o que para nossa montanha significa usar traços realmente ásperos, ziguezagues, esse tipo de textura. Agora vou adicionar um pouco de neve semelhante à camada anterior e apenas indo de lado usando diferentes graus de pressão. Quero lembrá-lo novamente que não tenho rima ou razão aqui. Na verdade, como estou pintando isso, não estou olhando para a foto de referência. Só estou deixando minhas mãos vagarem, e se você tentar isso e achar difícil deixar suas mãos vagarem, você não está sozinho. É difícil deixar suas mãos vagarem, porque sua mente está basicamente conectada para procurar padrões. É preciso prática para ser capaz de pintar aleatoriamente assim. Eu pintei apenas um pouco de neve na base. Isto é como um dia no início da primavera, imagino, então não há toneladas de neve na montanha, e agora vou adicionar um pouco de verde escuro, mais escuro definitivamente do que a camada de montanha anterior que fizemos porque essa camada está mais próximo. Apenas alguns pedaços de verde e agora eu acabei. Ao olhar para isso, acho que deixei camadas das montanhas um pouco escuras demais. Eu acho que se eu tivesse que fazer isso de novo, eu os teria aliviado um pouco para torná-los um pouco mais no meio do solo ao contrário de que eles pareçam muito claros. Mas, em suma, me sinto muito bem com isso. Obrigado por pintar esta camada intermediária comigo e vamos passar para o primeiro plano, onde vamos pintar a encosta. 11. Projeto: a camada de primeiro plano: No final, estamos chegando à camada final, onde vamos usar nossas cores mais brilhantes e vibrantes, também nossas cores mais escuras, e tentar unir tudo, mesmo que isso signifique incluir elementos que não existia na foto original. Estou muito animado para começar com este. Tudo bem, meu amigo, esta é a última camada que vamos pintar nesta pintura, com base na foto de referência, e acho que vai ser muito divertido. Vamos mergulhar com a primeira lavagem. Se você se lembra, nosso plano geral era pintar uma leve lavagem de verde com algumas áreas escuras onde as árvores vão estar, e depois deixar secar e pintar detalhes molhados sobre secos para realmente reúna tudo. Uma coisa que eu estava um pouco nervoso antes era eu estava com a intenção de trazer essa camada de montanha para baixo todo o caminho, mas acho que realmente vai dar certo apenas para pintar o verde até ele. É uma linha mais dura do que eu realmente queria, mas vamos acompanhá-la, especialmente porque as árvores verde-escuras provavelmente vão ao longo da linha do cume da montanha ali mesmo. Acho que vai dar certo. A primeira coisa primeiro é que queremos uma camada amarelo-verde. Vou misturar um pouco amarelo-verde silenciado, e eu já tinha essa mistura basicamente aqui. Se alguma vez você estiver misturando esse verde-amarelo, você quer que ele seja um pouco mais marrom. Apenas certifique-se de adicionar um pouco de vermelho a ele e isso o tornará um pouco mais marrom. Eu tenho esse verde-amarelo e vou pintar com meu pincel grande, este verde-amarelo aquoso em toda a minha pintura aqui. Vou deixar alguns pontos abertos onde provavelmente vou colocar árvores. Acho que vou colocar algumas árvores aqui e aqui , como o fundo aqui, bem aqui , e provavelmente ao longo do topo. Uma coisa a ter em mente é nossa regra de probabilidades. Se houver grandes aglomerados de árvores, quero que haja um número ímpar delas. Eu vou ter provavelmente algumas árvores aqui, e depois por aqui, apenas olhando para ela atualmente. Embora esse verde-amarelo ainda esteja relativamente molhado, quero adicionar um pouco de verde mais escuro nessas áreas, apenas para atuar como uma camada base para as árvores que estou planejando pintar. Também quero ter em mente que não quero que isso seja uma lavagem plana, quero muito luminoso, então isso significa que quero que um pouco do branco do papel esteja brilhando. Como esta é a camada base, não precisa ser perfeita. Isso é muito confuso, e isso vai ficar bem. Fiz outra camada para adicionar um pouco mais amarelo-verde e para adicionar um pouco mais verde escuro e o verde escuro ultrapassou o amarelo-verde, que não é como é nesta foto de referência, mas estou cavando. Acho que vai ficar tudo bem. Este é outro exemplo em que entrei nesta pintura pensando que ia ir de um jeito e na verdade foi um caminho diferente e isso vai ficar tudo bem, eu vou correr com ela. O mais importante é o contraste. Em vez de ter bolsos de verde escuro para as árvores, vou fazer com que as árvores verde-escuras sejam o principal evento basicamente e, em vez disso, haja bolsos desta grama verde-clara indo para a cena. Outra coisa que é diferente é, na cena fotográfica de referência, a encosta sobe para a montanha assim e nós fizemos isso mais plano. Eu realmente não fiz isso intencionalmente, é algo que eu acho que acabei de pintar e depois não percebi que era diferente até depois, mas tudo bem. Foi uma maneira de simplificar as coisas e tornar essa cena algo divertido para eu pintar. Se isso aconteceu com você, se você está percebendo que fez as coisas um pouco diferente, apenas saiba que é normal, está tudo bem. Isso não significa que você arruinou essa pintura e vamos continuar. Agora vou adicionar alguns detalhes. Aqui está meu verde escuro, eu quero que este seja o mais escuro. Porque eu quero que isso seja bem escuro, quero um uso bastante diluído do cinza de Payne. Aqui está meu papel raspadinha. Parece que Payne é cinza. Vou adicionar um pouco mais amarelo para torná-lo mais verde. Isso parece um pouco mais verde. Talvez um pouco de vermelho para torná-lo um pouco mais marrom. Isso parece muito bom. Vou usar esse verde escuro para fazer basicamente a mesma coisa que fizemos na montanha. Só as árvores vão ser um pouco maiores, e por árvores, quero dizer, estou usando a pegada do pincel, ou seja, quando acabo de colocar as cerdas, isso é o resultado. Estou pontilhando muitas pegadas deste pequeno pincel de tamanho zero para obter apenas a vibração. Só estou tentando ter o humor ou a sensação por trás de ter muitas árvores juntas aqui. Eu não quero que eles fiquem todos em uma linha. Eu quero que haja pequenos bolsos de verde claro por baixo, mas ainda quero que eles pareçam bastante agrupados. Honestamente, isso é o que vou fazer por um tempo. Acabei de apimentar essas árvores por toda essa extensão verde. Se eu puder deixar esse verde um pouco mais escuro adicionando algumas tintas cinza e adicionando algumas árvores contrastantes mesmo em cima dessas camadas. Sinceramente, estou praticamente acabado com as árvores. Percebo como há três tons diferentes de árvores aqui. Há alguns que são um pouco mais amarelos verdes, alguns daquele verde escuro básico que usamos. Então, algumas que são pouco mais pinturas cinza, e ter todas essas camadas construídas umas sobre outras fornecem profundidade nesta cena. Mesmo que nem sequer pintássemos nenhuma árvore realmente, apenas pintamos pequenas pegadas desse pincel de tamanho zero e pequenos pontos em todos os lugares, ainda parece que são árvores expansivas que fluem neste gramado área. Uma coisa que realmente vai reunir porque também pode parecer se você estiver olhando para reunir porque também pode parecer se você estiver ela da perspectiva de como se você não estiver olhando para a foto de referência e você está apenas olhando para ela, poderia parecer apenas uma grama muito próxima. Uma maneira de apertar essa perspectiva é adicionando essa estrada que está na foto de referência. Vou usar um pouco de cal e misturá-lo com um pouco do que está na minha paleta para fazer isso fora da estrada branca. Eu misturo um pouco de guache. Eu tinha um pouco de laranja misturado aqui. Isso foi muito leve, apenas algumas cores. Misturei o guache era apenas um pouco daquele amarelo e um pouquinho de vermelho e isso fez o guache parecer um bronzeado quase. Usei esse guache bronzeado para pintar esta estrada. Obviamente, eu não tenho bem a colina e as camadas que estão na foto de referência. Tento replicar o máximo possível. Notei esse garfo na estrada, acho que na foto de referência está um pouco mais no meio. Tentei colocar pelo menos perto desta regra de terços cruzamento aqui. Só assim era um ponto de interesse onde essa bifurcação na estrada aconteceu. Então, mais uma vez, não era como copiar a estrada exatamente. Eu estava apenas percebendo que parte dele está indo por esse caminho, ele e então ele garfos e essas reviravoltas e reviravoltas. Eu apenas criei intuitivamente a estrada dessa forma. Eu também adicionei uma pequena seção da estrada aqui apenas para alguma variação na cena. Geralmente, ter assuntos entrando e saindo do quadro pode ser bem interessante, dependendo de como você o usa, isso é algo que eu fiz. Acho que uma última coisa vou fazer por esta peça, não está na foto de referência, mas eu gosto de adicioná-las a grandes paisagens como esta é, vou adicionar alguns pássaros usando um muito pequeno, meu pincel de tamanho zero e usando a regra das probabilidades e a regra dos terços como meu guia. Estou pintando alguns. Geralmente, quando pinto pássaros, faço um V com uma pequena cabeça e uma cauda, ou faço um V de cabeça para baixo com a cabeça para baixo assim e uma cauda assim. Então eu vou ter alguns deles como desligados à distância, então eles são mais como pontos aqui. Isso é 1, 2, 3, 4, 5, 6. Agora, se eu quiser um número ímpar, vou ter um pouco B aqui. Estou mudando de ideia. Agora, eles parecem ser como três clusters e eu quero que eles tenham um pouco mais de fluxo para eles. Estou adicionando mais pássaros e talvez nós vamos tê-los como essa linha de pássaros de todos juntos. Vamos contar agora 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13. Talvez apenas mais dois aqui. Mais uma vez, não quero que eles sejam colocados uniformemente separados. Eu quero que eles tenham alguma assimetria de variação, mas eles ainda têm um pouco de fluxo para eles. Agora, existem 15 pássaros de tamanhos variados, formas variadas e essa é uma ótima maneira de terminar esta pintura. Vou fazer a parte mais satisfatória agora, tirar a fita. Enquanto eu fizer isso, falarei sobre o que sobrou para esta aula. Obviamente, as coisas não correram exatamente como planejado. Nesta foto de referência, não combinamos exatamente com a foto de referência, mas é exatamente para isso que serve a próxima lição. Na próxima lição, basicamente vou comparar, analisar o que aconteceu, descobrir se há algo que aconteceu inesperadamente que eu gostei. Se houvesse coisas inesperadas que acontecem que eu não gostei. Porque, em última análise, isso é uma prática. Estamos apenas estudando como pintar paisagens. Essa é uma grande parte das minhas fotos de referência são úteis. Em vez de ficar em cima de mim mesmo pelas maneiras que isso não correu exatamente como eu queria, vou apenas chegar a ele com um objetivo muito objetivo, moralmente neutro. Isso é o que aconteceu. Isso é o que eu gostei. Isso é o que eu não gostei e aqui está como vou avançar na abordagem. Vamos falar sobre isso na próxima lição. Antes disso, vou assinar aqui. Você sempre deve assinar seu trabalho. Isso faz você se sentir como um artista de verdade e eu acabei. Vejo você na próxima lição meu amigo. 12. Auto-avaliação e auto-compaixão: [MÚSICA] Meu amigo, acabamos. Você terminou a pintura. Você fez todas as camadas e executou todo o seu planejamento, e adivinha? Provavelmente não foi exatamente do jeito que você pensava. Você pode estar sentindo muitas coisas diferentes agora. Sei que geralmente estou sentindo uma infinidade de emoções, especialmente depois de terminar uma pintura com a qual realmente me importo. A primeira coisa que eu quero que você faça é convidá-lo a sentar-se com seus sentimentos e deixar-se senti-los. Mesmo que seus sentimentos sejam, você realmente odeia o que fez, ou está realmente frustrado com sua falta de habilidade ou qualquer sentimento negativo, não há problema em se deixar sentir isso. O que não está bem é transformar esses sentimentos negativos em vergonha, é transformar esses sentimentos negativos em histórias sobre você e seu valor como artista. Porque estou aqui para lhe dizer, meu amigo, seu valor como artista é infinito e não tem nada a ver com a forma como esta pintura acabou ou como qualquer pintura acaba. Isso porque a criatividade nem é sobre a pintura. Nem se trata do resultado final. A criatividade é sobre o processo. É sobre como criar faz você se sentir, como faz você se sentir vivo e como ela pode retardar sua mente e ajudá-lo a lembrar, sim, isso é o que é estar no fluxo. É assim que é ser artista e criar algo que não existia antes. Esse sentimento pode surgir mesmo que você tenha pintado a pior pintura da história da humanidade. Você ainda pode capturar esse sentimento mágico que vem quando você traz algo à existência que não estava lá antes. Não importa o que você sinta, parabéns, espero que você esteja orgulhoso de si mesmo porque você fez isso. Você fez algo que não existia antes, e isso é incrível. Agora que essa pequena palestra animadora está fora do caminho, você pode, se quiser, olhar para sua pintura e tentar descobrir onde você quer ir em seguida. Porque, embora seja importante saber que você tem permissão para aproveitar o tempo que pintou, independentemente de como sua pintura acabou, isso é chamado de auto-compaixão, a propósito, quando você dê a si mesmo permissão para ser humano e encontrar o poder de ser humano e sempre crescer, não há problema em se inclinar para a curiosidade. É aqui que começamos a olhar para nossa pintura com um olho crítico, não um olho crítico negativo, mas um olho crítico construtivo, que possamos descobrir o que queremos fazer a seguir. Vou fazer isso com minha pintura e convido você a se juntar a mim. Vamos pegar essa análise objetiva camada por camada. Como lembrete, esta análise a princípio, vamos olhar para as diferenças reais moralmente neutras, não há certo ou errado. Estamos apenas tentando ver onde minha pintura é diferente da foto de referência. Em termos de camada por camada, parece que, obviamente, eu adicionei pássaros. Esse é um elemento que não existe na foto de referência. Eu fiz isso porque gosto de adicionar pássaros a pinturas. Acho que outra grande diferença com o céu é que as nuvens são bem definidas na foto de referência, e na minha pintura as nuvens e o céu são muito sutis, muito leves. Você mal consegue ver a diferença entre o azul e o branco aqui. Se eu quisesse tornar as nuvens um pouco mais gritantes, eu poderia ter adicionado as nuvens em guache branco em vez de fazer o que eu fiz, que foi deixar para trás o espaço em branco, ou eu poderia ter feito o céu um pouco mais escuro e então, mais intencionalmente, levante-o com minha toalha para criar bordas mais nítidas ou levantar mais do pigmento. Essas são algumas coisas que eu poderia ter feito se quisesse alcançar essa diferença gritante entre as nuvens e o céu. Isso é uma coisa para se pensar. Vamos para a próxima camada de montanhas. Acho que a maior diferença entre a foto de referência e as montanhas é o valor da cor. Os valores de cor aqui são mais claros que os valores de cor aqui. Isso é algo que eu notei quando estava pintando. Lembro-me de ter dito “Eu deixei esta montanha um pouco escura demais para a camada base.” É por isso que ficou um pouco mais escuro do que eu pretendia. A maneira que eu iria fazer isso de forma diferente se eu quisesse tornar isso mais leve é apenas adicionar mais água ao pigmento, talvez ter menos medo de tornar essa camada o mesmo valor de cor que esta camada em primeiro. Porque, lembre-se, quando você pinta claro para escuro, então quando você pinta a primeira camada e depois se move para cima, tudo bem se a primeira camada for muito leve, se for mais leve do que você pretendia, porque você pode sempre pinte mais escuro, se você precisar. Acho que isso é algo em que acabei de esquecer ou não pensei. Essa é a principal diferença, eu acho, é quão escuro o valor da cor na minha pintura é versus o valor da cor nesta pintura. Além disso, obviamente, há um pouco mais de detalhes na montanha. Os meus não são tão precisos, estão um pouco soltos. Mas, na verdade, acho que fui mais detalhes do que pretendia com algumas dessas árvores aqui. É interessante pensar nisso. Acho que isso vai para a próxima camada, então vamos seguir em frente e fazer isso. Na camada final de primeiro plano, o lado da colina sobe para a montanha porque esta montanha está longe. Na foto, o primeiro plano da frente da colina em comparação com a parte de trás da colina, há um pouco de diferença. No valor da cor também, você pode ver que aqui a colina é muito mais brilhante, enquanto aqui está mais silenciada e isso indica distância. Isso não é algo que eu levei em conta. Eu acidentalmente fiz a montanha em frente. Essa é uma daquelas coisas quando você está pintando que simplesmente acontece e então você percebe e segue o fluxo. Essa é uma das diferenças. Outra diferença é que acho que essas árvores estão agrupadas um pouco mais concisamente, e o verde mais claro ocupa mais do seu espaço ocular na foto do que na pintura. Isso é algo sobre o qual falamos enquanto eu estava pintando. Eu fiz isso sem querer, mas depois corri com ele como fiz com a maioria das coisas. Acho que essas são as maiores diferenças objetivas entre a foto de referência e minha pintura. Algumas delas são diferenças que eu planejei, algumas delas são diferenças que eu não planejei. Agora vamos voltar para que você possa ver meu rosto e falaremos sobre mergulhar ainda mais nessa autoavaliação e entrar mais ainda em mentalidade para que você queira praticar isso ainda mais sem se sentir preso. Tenho uma última coisa a compartilhar com vocês nesta aula de autoavaliação antes de irmos. Antes de seguir em frente, antes de deixar de lado a pintura e virar sua visão para outra coisa, eu quero que você pense em duas coisas importantes. Primeiro, eu quero que você pense sobre o que você amou nesta pintura. Lembre-se, a criatividade é sobre a experiência. A criatividade é sobre o processo. Um fator realmente importante determinar se você vai ou não continuar esse processo é se você se lembra de todos os sentimentos maravilhosos, felizes e mágicos que você teve. Quando você pensa sobre o que amou, você definitivamente pode pensar nos resultados. Você pode pensar em algo em sua pintura que acabou lindamente, talvez algo que você esperava que acontecesse, aconteceu ou talvez mesmo algo que você não sabia que iria acontecer, fez, e foi realmente incrível. Os resultados são importantes para se pensar. Quero que você se lembre dos resultados com os quais ficou muito feliz, porque tenho certeza que você pode encontrar pelo menos uma coisa. Mas eu não quero que você se concentre apenas nos resultados. Eu quero que você também pense sobre sua experiência, que momentos enquanto você estava pintando você vai valorizar? Quais foram seus destaques durante o processo criativo que você pode manter enquanto continua em sua jornada criativa? Essas são as coisas que eu quero que você se lembre. Pense no que você amou e depois pense no que aprendeu. Eu acho que a crítica construtiva é uma frase que é usada o tempo todo de uma forma para ajudá-lo a receber feedback negativo de uma forma um pouco mais palatável. Honestamente, eu só quero acabar com toda a ideia de crítica em geral e transformá-la em uma experiência de aprendizado. Em vez de olhar para todas as falhas em sua pintura, no clipe anterior, observamos todas as diferenças que eu poderia encontrar na minha pintura, mas você verá que eu nunca nomeei nenhum deles erros realmente. Eu acho que toda vez que você faz algo que não está de acordo com o plano é uma oportunidade aprender algo e explorar ainda mais. Quero que pense em todas as coisas que aprendeu durante esse processo. Pode ser algo que você aprendeu que foi emocionante, e poderia ser algo que você aprendeu que foi um pouco desanimador. Talvez você tenha aprendido que não vai levar uma peça específica o próximo projeto com você, e tudo bem. Independentemente disso, todo esse exercício é apenas reformular a ideia de crítica em uma oportunidade de aprendizado. Espero que encontrar algo que você amou e encontrar algo que você aprendeu seja uma prática que você possa incorporar e isso ajudará seu processo criativo. Eu realmente aprecio você estar aqui comigo. [MÚSICA] 13. Considerações finais: [MÚSICA] Bem, muito obrigado por assistir esta aula comigo. Muito obrigado por pintar comigo e por seguir esta jornada comigo. Honestamente, criatividade e aquarela e paisagens aquarela, esse mundo inteiro não é algo que eu esperava entregar para minha carreira. Mas sou muito grato por ter feito, não só pelo impacto que a criatividade tem na minha vida, mas porque me conecta a pessoas como você. Muito obrigado por estarem aqui. Se você quiser compartilhar seu trabalho comigo, eu adoraria vê-lo. Sinta-se à vontade para publicá-lo na galeria do projeto, e definitivamente compartilharei meus comentários e comentários com você. Além disso, sinta-se à vontade para postar no Instagram e me marcar. Minha alça é esta escrivaninha. Eu realmente adorava passar pelas pessoas que fizeram minha aula e dar-lhes um trabalho bem merecido bem feito, um milhão de emojis de coração, você pintou algo bonito. Se você acha que só precisa de um pouco de validação que o que você fez realmente aconteceu, estou aqui por você, meu amigo. De qualquer forma, do fundo do meu coração, estou tão feliz por estares aqui. Espero que você continue pintando. Eu adoraria vê-lo em mais classes minhas. Até lá, vejo você na próxima vez. [MÚSICA]