Padrão contínuo em aquarela: design de superfície no Adobe Photoshop para impressão sob demanda

1. vamos lá!: [MÚSICA] Ei, lá. Meu nome é Cat Coquillette, e estou aqui para ensinar a você como ilustrar belos padrões sem emenda. Padrões sem emenda são o tipo de design mais importante que você deseja ter em seu portfólio, se você quiser ter sucesso no design de superfície. Na aula de hoje, você aprenderá todo o processo, desde esboçar seus elementos até preenchê-los. Em seguida, digitalizando sua arte, seja com um telefone ou um scanner, se você tiver um. Em seguida, você aprenderá as etapas para organizar suas ilustrações em um padrão profissional e contínuo. Também vamos explorar coisas divertidas, como criar novas paletas de cores e infundir detalhes metálicos diretamente em sua arte. Se você já está totalmente sobrecarregado, ouça-me. Padrões sem emenda não precisam ser assustadores. Na verdade, o Photoshop tem uma ferramenta chamada Pattern Preview, que torna a criação de padrões contínuos mais fácil do que nunca. Toda a matemática e a colocação perfeita que costumávamos fazer agora é completamente automatizada, graças a essa ferramenta simples. Se você nunca explorou o Photoshop antes, não se preocupe. Esta é uma aula amigável para iniciantes. Vou dividir tudo em pedaços fáceis e pequenos. Você não vai se perder ou ficar para trás. Se você não tiver o Photoshop, você pode baixar uma avaliação gratuita. Eu forneci um link para isso na descrição da classe abaixo. Um dos equívocos mais comuns é que, para vender ou licenciar seus designs de superfície, eles devem ser vetoriais ou trabalhos criados no Adobe Illustrator. Adivinha o quê? A grande maioria do meu portfólio de design de superfície não é arte vetorial. É arte que eu pintei à mão com aquarelas. Na verdade, minha linha de papel de parede mais recente que acabou de ser selecionada para o Target é um padrão sem emenda de, você adivinhou, uma das minhas pinturas em aquarela. Para ser totalmente honesto, essa foi uma das minhas maiores motivações para criar essa classe. É 100% possível ter sucesso no design da superfície usando obras de arte pintadas à mão. Hoje, quero mostrar como. Na verdade, estou dando início a essa aula respondendo às perguntas mais feitas que recebo dos alunos sobre design de superfície e licenciamento de arte. Vou te dar meus melhores conselhos quando se trata de perguntas como posso vender meu design através de vários sites? Quais são as dimensões ideais para padrões? Como você marcou seu primeiro negócio de licenciamento? Como um iniciante pode ser notado no design da superfície? Essencialmente, estou tomando anos de conhecimento do setor e condensando-o nas coisas mais essenciais que você precisa saber quando se trata de crescer seu próprio portfólio de design de superfície. Esta é uma aula abrangente, e você terá toda a habilidade. Começaremos criando um conceito para qual será o seu padrão. É aqui que eu apimentei minhas melhores dicas para criar designs que têm um forte potencial para vender bem. Então você aprenderá a esboçar sua ideia no papel. A partir daí, você pode preenchê-lo usando aquarelas como demonstrarei ou qualquer outro meio que você preferir. Em seguida, você aprenderá a digitalizar ou fotografar sua arte para trazer suas ilustrações pintadas à mão Photoshop para se organizar em um padrão perfeito e perfeito. Terminaremos a aula com uma demonstração de como fazer upload de sua arte para sites impressos sob demanda para que você possa começar vender seus designs assim que terminar essa aula. Vendi mais de um milhão de produtos por meio de licenciamento artístico, e 100.000 deles foram através da Society6. Compartilharei minhas melhores dicas para ter sucesso por meio de sites de impressão sob demanda assim. Na verdade, em toda essa classe, compartilharei minhas estratégias para criar designs que sejam vendedores fortes. Você aprenderá por que eu sempre incluo minha assinatura na minha arte e como você pode fazer o mesmo, além de como escolher motivos que tendem a vender muito bem. Se isso estiver ressoando com você, você vai adorar essa classe. Assim como muitas das minhas outras aulas do Skillshare, estou empacotando esta com toneladas de brindes. Reuni 20 texturas metálicas de folhas e brilhos em um arco-íris de cores. Isso é mais metálico do que eu já compartilhei antes. Vou mostrar-lhe como infundir detalhes metálicos em sua arte para adicionar um pouco de brilho e brilho. Também estou lhe dando uma textura de papel aquarela que está preparada apenas para esta aula. Ele se encaixa perfeitamente no seu padrão. É hora de mergulhar diretamente. Mas antes de começarmos, não se esqueça de me seguir no Skillshare clicando no botão seguir na parte superior. Isso significa que você receberá um e-mail assim que eu iniciar minha próxima aula ou tiver um grande anúncio para compartilhar com meus alunos. Você também pode me seguir no Instagram @catcoq, e eu sou tudo sobre engajamentos de mídia social. Sem mais delongas, vamos começar a criar belas obras de arte para se transformar em um padrão perfeito. [MÚSICA] 2. Q&A: design de superfície: [MÚSICA] Antes de iniciarmos as coisas, vou começar respondendo às seis perguntas que recebo mais frequência quando se trata um design de superfície e padrões contínuos. Pergunta 1, para que serve um padrão de repetição? Padrões sem emenda são o tipo de padrão de design de superfície mais versátil. O que os torna tão mágicos é os blocos se alinham perfeitamente, o que significa que o padrão pode ser ampliado infinitamente. Esta é a chave para criar projetos que funcionem bem em papel de parede, tecidos, roupas de cama, você o nomeia. Se você estiver interessado em design de superfície, padrões sem emenda são uma obrigação. Bônus, isso abre a porta para você começar a fazer o upload seus projetos para imprimir sites sob demanda como Spoonflower, onde você pode começar a ganhar uma renda com sua arte. Pergunta 2, raster versus vetor. Muito rápido, se você está se perguntando qual é a diferença entre imagens rasterizadas e imagens vetoriais, eu tenho coberto. Raster significa que o trabalho artístico é composto de pixels. Quando eu digitalizar minha pintura no computador e aumentar o zoom, você verá que essa arte é composta de pequenos pixels. Se você expandir esse design e explodi-lo em proporções enormes, verá os pixels, eles ficam todos confusos. É por isso que digitalizo meu trabalho artístico em dimensões massivamente grandes. Ao capturar minhas pinturas originais com extremamente alta qualidade com meu scanner, posso ampliar esta obra de arte para ser enorme sem que ela fique embaçada. Mas há um limite, e quando eu atingir esse limite, ele ficará confuso. Com a arte vetorial, isso não é uma preocupação. Não importa quão grande você dimensione sua arte vetorial, ela sempre parecerá exatamente a mesma. Isso ocorre porque a arte vetorial é composta de linhas, pontos, curvas e formas baseadas em fórmulas matemáticas. Quando você desenha formas no Adobe Illustrator, essas ilustrações são baseadas em vetores. A arte vetorial é incrivelmente versátil porque não há limites em quão grande ou pequeno você dimensiona suas ilustrações. Na verdade, adoro arte em estilo vetorial e crio muitas ilustrações vetoriais no meu portfólio, mas também adoro a sensação de uma ilustração pintada à mão. Quero esclarecer um mito que ouvi repetidas vezes. Todos pensam que padrões profissionais devem ser feitos no Adobe Illustrator e eles devem ser vetoriais. Adivinha o quê? Noventa e nove por cento dos meus padrões não são vetorizados. Muitos deles são elementos pintados à mão que fiz em aquarela ou acrílico, que não vetorizo porque adoro as imperfeições das obras de arte criadas à mão, especialmente pinceladas visíveis, mistura dinâmica de cores e flores em aquarela, até mesmo bordas vacilantes que tornam arte criada à mão tão encantadora. A aula de hoje se concentra em elementos rasterizados desenhados à mão. Você pode acompanhar aquarela como demonstrarei, ou você pode importar obras de arte que você desenhou no Procreate, ou apenas usar um marcador e rabiscar algumas formas. Todos esses métodos funcionarão para a aula de hoje. Pergunta 3: posso vender o mesmo padrão por meio de diferentes empresas? Yap, e eu faço isso o tempo todo. Tenho a mesma obra de arte disponível através da Spoonflower, Society6, Redbubble, até mesmo os parceiros de licenciamento na loja que tenho como Urban Outfitters e ModCloth. Vamos nos aprofundar mais sobre isso mais tarde nesta aula quando eu orientar você por um processo de upload típico. Mas saiba disso por enquanto, desde que o contrato inclua que este é um contrato de licenciamento não exclusivo, você está pronto. Apenas um aviso, algumas empresas enviarão a você um documento legal para revisão, que às vezes é chamado de acordos de artistas. Outras empresas, especialmente sites de impressão sob demanda como o Society6, têm isso em seus termos de serviço. Também chamados de termos e condições em outras plataformas. Onde quer que o idioma legal esteja armazenado, você deseja encontrá-lo, lê-lo e certificar-se de que ele diz não exclusivo para a forma como você licencia seus projetos. Pergunta 4, o que é melhor, Photoshop ou Procreate? Eu uso esses dois programas e adoro os dois por diferentes motivos. Você pode criar padrões contínuos no Photoshop e no Procreate. Eu até tenho outra aula do Skillshare que ensina exatamente como fazer algumas no Procreate, mas, em última análise, você tem mais flexibilidade no Photoshop. No Photoshop, há menos restrições na dimensão da tela ou quantas camadas você usa. Procreate restringe ambos, o que significa que é complicado trabalhar em grandes tamanhos de tela com muitas camadas. Como você está prestes a descobrir nesta classe, eu adoro telas gigantes. Falando em restrições de camada, estou muito feliz que o Photoshop não seja rigoroso quanto a isso, porque quando explorar várias paletas de cores, começarmos a explorar várias paletas de cores, teremos muitas camadas. Gosto de como no Photoshop podemos manter todas as nossas explorações de cores em uma tela. Isso torna mais fácil e organizado. Além disso, é muito fácil testar seu padrão no Photoshop. Tudo é automatizado para nós, então não precisamos empilhar nossos blocos manualmente, como fazemos no Procreate. No Photoshop, também é super fácil ajustar o tamanho do seu padrão com apenas um clique usando nossa ferramenta de preenchimento de padrões. Tudo isso sendo dito, Procreate ainda é uma opção fabulosa, especialmente se você não tiver o Photoshop. Procreate também é uma boa opção se você quiser manter todo o seu processo dentro do mesmo programa, do esboço ao final ao padrão, você pode fazer tudo isso dentro do Procreate. Eu uso o Procreate para desenhar novas ilustrações do zero. Eu não faço isso no Photoshop porque é difícil para mim desenhar naturalmente com um mouse. Mas com o Procreate, posso segurar minha caneta como um lápis e criar belas ilustrações desenhadas à mão. Para mim, é assim que eu diferencio os dois. Procreate é uma ótima ferramenta para desenhar obras de arte originais, Photoshop é uma ótima ferramenta para polir sua arte e transformá-la em padrões. Pergunta 5: como você conseguiu seu primeiro acordo de licenciamento? Minha primeira grande chance foi, na verdade, Urban Outfitters. Sei que comecei com um estrondo. Vinha vendendo meus projetos através da Society6 há alguns anos e, nesse momento, toda a minha renda estava vindo por meio de impressão sob demanda, sem negócios de licenciamento ainda. Na verdade, eu estava na fila prestes a passar pela segurança no LAX e meu telefone zumbiu. Era um e-mail de um comprador da Urban Outfitters e eles estavam interessados em licenciar meu design Good Vibes. Eu me assustei completamente uma maneira boa porque esta foi minha primeira grande chance. Eles encontraram meu design no Society6, e eu tinha minha conta do Instagram vinculada na minha biografia. O comprador perseguiu meu Instagram, encontrou Good Vibes e depois me procurou diretamente. Essa é uma daquelas razões pelas quais ter presença em sites impressos sob demanda é tão estratégico. Nem sempre se trata de vendas, às vezes trata-se de obter exposição e ter um lugar onde as pessoas possam encontrá-lo, entrar em contato e talvez fazer um novo negócio. Vou me aprofundar neste mais tarde, quando chegarmos à seção de upload desta classe. Finalmente, Pergunta 6, como você percebe seu trabalho artístico? Todo artista tem sua própria história para sua primeira grande oportunidade, e eu acabei de compartilhar a minha. Mas aqui está meu melhor conselho para quem quer ser notado na indústria de design de superfície hoje. É importante ter um forte trabalho comercial amigável. O que quero dizer com isso são duas coisas. Primeiro, você está adicionando ativamente novos designs ao seu portfólio, mesmo que esse portfólio seja simplesmente sua página do Instagram. A primeira parte é fácil. Seja artista e faça novos designs. Nós amamos essa parte. A segunda parte vem com um pouco mais de estratégia. Você quer criar designs que vendem bem, não é todos? O que funcionou melhor para mim pessoalmente é ficar de olho nas tendências e criar novas obras de arte que entram no que é popular ou em breve. Passo muito tempo navegando em sites que ressoam com meu próprio público para ver o que eles estão vendendo. Se a antropologia tiver uma tonelada de impressão animal nesta temporada, é provável que a impressão animal esteja em tendência, e se os clientes de antropologia estão comprando, as chances são minhas também. Temos um público muito parecido. Eu sempre infundo minha própria voz artística única em meus designs. Não estou copiando tendências, estou simplesmente me inspirando para motivos. Por fim, se você quiser ter sucesso como designer de superfície, meu melhor conselho número um é começar antes de estar pronto. Ouvi de tantos alunos que eles estão esperando até que eles tenham X número de peças em seu portfólio antes de começarem a loja Spoonflower, ou eles não querem compartilhar arte nas mídias sociais ainda porque não está pronto. Verificação de realidade, todos começamos com zero seguidores e zero vendas, e construímos a partir daí. Se eu esperasse até me sentir pronta, ainda estaria esperando. Meu conselho é colocar-se lá fora o mais difícil possível, porque assim que você fizer isso, você terá uma base qual você pode começar a construir. É assim que crescemos como artistas, criamos, aprendemos com nossos erros, melhoramos e criamos ainda mais. É um processo que nunca pára. Assim que você se colocar lá fora e começar, mais cedo você encontrará seu próprio sucesso. [MÚSICA] Eu queria apertar uma pequena conversa animadora lá dentro. Agora que isso está coberto, vamos começar examinando os suprimentos para a aula de hoje. 3. Materiais: Essa classe é dividida em duas partes. Primeiro, pintaremos à mão com aquarela. Em seguida, trabalharemos no computador no Photoshop. Para as aquarelas, estou mantendo as coisas bem simples hoje. Eu tirei algumas panelas aqui do meu conjunto profissional de aquarelas Winsor e Newton. O conjunto completo está aqui com muitas cores diferentes. Decidi, novamente, manter o paladar bem simples e acabei de escolher esses quatro. As quatro cores que eu usei são: cobalto, turquesa clara, índigo, laranja cádmio e rosa ópera. Essas são as quatro cores que estou usando, mas eu encorajo você a acompanhar qualquer paleta de cores que fale com você. Ao escolher suas cores, eu definitivamente o encorajaria a considerar uma paleta de cores mais minimalista. Estou escolhendo apenas quatro cores aqui, mas até o laranja e o rosa combinam muito bem e o índigo e a turquesa novamente combinam muito bem. Menos é sempre melhor do que mais quando se trata de paletas de cores sofisticadas com aquarela, então talvez escolha um pequeno punhado de cores para trabalhar. Na verdade, você nem precisa usar aquarelas se estiver acompanhando. Cada passo para transformar sua ilustração desenhada à mão em sua ilustração desenhada à mão em um padrão perfeito será exatamente o mesmo, independentemente do seu meio, então você pode usar aquarelas como eu estou usando, ou você pode continuar usando lápis de cor, marcadores, acrílico, guache até mesmo procriar ilustrações, se quiser. Na verdade, desenho muitos dos meus elementos no meu iPad usando o Procreate e depois os levarei para o Photoshop mais tarde para organizá-los em um padrão perfeito. Você pode escolher seu próprio meio de arte para acompanhar hoje. Vou demonstrar com a minha favorita, que é aquarela. Vou fechar isso, pois sei que essas são as quatro cores que vou usar. Mais coisas divertidas, pincéis. Quando se trata de pincéis de aquarela, não sou elitista de forma alguma. Este é um pacote de pincéis que encontrei na Amazon. Eles custam cerca de $1 por pincel, então são bem baratos. Em vez de falar sobre marcas que procuro, vou falar sobre os atributos que procuro em um bom pincel de aquarela. Em primeiro lugar, eles devem ser rotulados como pincéis de aquarela. Um pincel de aquarela é um pincel que retém muito mais água nas cerdas do que um pincel padrão de acrílico ou pintura a óleo. Estou entregando todos os meus suprimentos hoje. Se você estiver comprando pincéis de aquarela, certifique-se de que está procurando especificamente pincéis de aquarela. Vamos falar sobre os tamanhos desses pincéis. Meu pincel menor aqui é na verdade do tamanho 1, meu pincel médio é do tamanho 5 e esse cara aqui, que é o meu pincel maior, é na verdade do tamanho 9. Se você está se perguntando o que é esse pincel gigante aqui, este é o pincel que eu uso para apagar as marcas de lápis da página quando termino de apagar. Na verdade, eu até uso isso no meu scanner para limpar a base do scanner se houver pequenos pedaços de poeira e partículas nela. Na verdade, eu não pinto com esse pincel, é apenas meu pincel arqueológico para remover imperfeições do meu papel e do scanner. Em seguida, lápis e borracha. Gosto de usar esses apagadores de cliques porque você pode se ajustar muito mais à maneira como apaga. É como apagar com um lápis, parece muito intuitivo de segurar. Se eu estiver apagando áreas de detalhes muito restritas, essas borrachas de cliques são ótimas para isso. A outra borracha que eu uso é minha borracha amassada. Isso é apenas uma borracha de goma, é como uma massa boba. A maneira como eu uso isso é para clarear meu esboço no meu papel. Quando eu terminar de esboçar minha composição, o que vou fazer é pegar minha borracha amassada e simplesmente borrá-la na página assim, o que ajudará a clarear meu esboço geral. Com a aquarela, quando tinta estiver sobre essas marcas de lápis, você não poderá mais apagá-la. Você sempre pode apagar marcas de lápis que estão apenas no papel sem tinta sobre elas, mas assim que a tinta passar por cima dessas marcas e secar, você não poderá apagá-las posteriormente. Por isso, Por isso, é muito importante garantir que seu desenho seja o mais claro possível. Quanto mais leve o esboço, menor a probabilidade de ele aparecer na pintura final. Falando nisso, é por isso que eu uso um lápis de chumbo muito duro. 3H é um lápis de chumbo bem duro, que significa que se eu mal estiver deixando uma marca na minha página, ela mal vai aparecer. O nome do jogo com aquarela, novamente, é garantir que essas marcas de lápis não apareçam com muito destaque em suas pinturas. Um pouco é sempre bom, mas se forem marcas de lápis realmente escuras, isso pode comprometer o efeito da sua aquarela. Novamente, por esse motivo, prefiro lápis de chumbo duro porque a marca mal aparece na página enquanto eu desenho. Essa ponta é muito dura e a ponta dura é indicada por H, então qualquer coisa que tenha um H nela, 3H, 5H, 1H, tudo isso significará lápis de chumbo duro. Para mim, descobri que 3H é meu ponto ideal, então é isso que vou usar hoje para realmente fazer nosso esboço. O próximo passo com a pintura é o prato de água. Eu só vou usar uma caneca. Na verdade, este é um dos meus designs que vendi na Society 6 e é um café fantástico pela manhã, bem como um prato de água quando estou pintando à tarde. Uma coisa a se pensar com pratos de água é você não quer beber a água com tinta, é muito nojento e se você tomar um chá aqui e seu prato de água aqui, pode ser muito fácil pegar a coisa errada e tomar um gole, então não faça isso. Uma maneira de me lembrar que este é um prato de água, não beba, é colocar um pequeno pedaço de fita adesiva por cima e, desde que comecei a fazer isso, reduziu enormemente o consumo de água da minha tinta, então uma pequena dica para você hoje. Por último, mas não menos importante, o material de arte final que você precisará para a parte de pintura desta aula é papel. Eu vou pintar com aquarela, então estou usando papel aquarela e isso é realmente muito importante. Com a aquarela, há muita água no pigmento enquanto você pinta com o pincel, então quanto mais grosso o papel, melhor para você. O que eu procuro no papel aquarela é que, primeiro, ele é designado como papel aquarela, isso é a coisa mais importante. Se diz que é papel aquarela, isso significa que ele aguenta ter toda aquela tinta e água em um pincel na página. Não vai dobrar nem dobrar, será durável e capaz de suportar sua aquarela. Eu prefiro usar uma série 300, que é de faixa intermediária em termos de espessura em seu papel aquarela. 100 é um papel fino muito leve. Acho que vai até 500 e esse é o papel aquarela mais pesado. 100 é um pouco mais barato, 500 ou 600 é o mais caro. Mas, novamente, 300 é meu ponto ideal, porque eu não uso uma tonelada de água na minha página, então se você é um artista de aquarela e sempre acha que seu papel está dobrando e dobrando, talvez você precise aprimorar essa série e ir para o próximo nível superior e ver se isso é melhor para você, mas para mim, 300 é o caminho a percorrer. A última coisa que vou destacar com o aquarela é que procuro papel aquarela prensado a frio. O que isso significa é que o papel é um pouco mais irregular e tem mais dentes. prensa a quente será um papel aquarela muito liso, prensa a frio é irregular. Adoro essa textura, então eu sempre prefiro a esburacada, que é a prensagem a frio. Em termos do tamanho do seu papel aquarela, costumo pintar de 11 por 15, essa é a minha zona de conforto. Conheço alguns artistas que preferem folhas de papel menores, outros que preferem muito maiores. Eu recomendo usar o que funciona melhor para você e seu estilo de pintura. Mais uma coisa que quero mencionar com a pintura, toalhas de papel serão suas melhores amigas. Eu esfrego, derrame e borro minhas tintas o tempo todo. As pessoas acham que as aquarelas são muito implacáveis , o que elas podem ser, mas ao obter os derramamentos com rapidez suficiente, você pode realmente remediar muitos desses erros assim que eles acontecerem, então eu também mostrarei como fazer isso na parte de pintura desta aula, mas, por enquanto, toalhas de papel, coloque-as nas pontas. Agora, toda a segunda parte desta aula está acontecendo na tela do seu computador. Em primeiro lugar, você precisará de algo para digitalizar suas pinturas. Na verdade, vou usar um scanner. Este é um scanner fotográfico Epson V19. Se você não tiver um scanner, também poderá usar uma câmera ou seu telefone. Para um design de superfície profissional, os scanners são os melhores porque capturam imagens de maior resolução. Mas se você está apenas curioso sobre como criar padrões e quer se divertir e explorar, não sinta que precisa gastar muito em um scanner, você sempre pode usar uma câmera ou seu telefone. As técnicas que você aprenderá mais tarde no Photoshop são universais, não importa o que você use para digitalizar sua arte, seja um telefone, um scanner ou sua câmera. Mergulhando um pouco mais nos scanners, minha marca favorita de scanners é definitivamente a Epson. Epson geralmente lança um novo modelo de seu scanner fotográfico todos os anos. meu é o V19, eu o comprei em 2020, então definitivamente haverá uma versão mais nova, melhor e mais aprimorada até agora. Se você estiver usando seu telefone, câmera ou scanner, abordaremos mais sobre essa digitalização posteriormente e abordarei todas as três bases, então, só para garantir que você tenha algum dispositivo que possa capturar nosso trabalho e digitalizá-lo para ser reproduzido posteriormente no Photoshop. Por falar em Photoshop, esse é o próximo suprimento de que você precisará. Você também quer ter uma versão atualizada do Photoshop instalada e funcionando no seu computador. Se você não tem o Photoshop, não se preocupe, você pode realmente baixar um teste gratuito online. Eu forneci um link abaixo para que você também possa pontuar isso. Agora, para as guloseimas. Só por fazer minha aula hoje, você está recebendo muitos brindes. Esses brindes são totalmente opcionais nesta aula. Pense neles como uma vantagem extra. Você pode baixar esses recursos gratuitos para usar hoje, ou você pode acompanhar e concluir seu projeto de aula usando suas próprias texturas favoritas Depende inteiramente de você. De qualquer forma, você vai acabar com um lindo projeto de aula. Você obterá uma textura de papel aquarela de alta resolução. Isso é o que eu uso em meu próprio trabalho de arte profissional, além disso, você receberá um pacote de texturas metálicas para poder infundir um pouco de brilho e brilho em seus designs. Incluí texturas metálicas como brinde para algumas das minhas outras aulas, mas é a primeira vez que incluo esses metálicos brilhantes. Na verdade, são folhas de papel brilhante que digitalizei em meu computador em uma resolução muito alta e otimizadas especificamente para a aula de hoje. Eles são de todos os tamanhos para caber perfeitamente na sua tela. Não se preocupe, na verdade, abordaremos exatamente como usar essas texturas mais tarde na aula de hoje. Eu tenho todos esses arquivos gratuitos prontos para você baixar no Dropbox. Basta acessar catcoq.com/seamless e você poderá acessar todos os brindes de bônus apenas digitando seu nome e e-mail. Isso também desbloqueará o acesso aos meus boletins informativos, onde eu compartilho, você adivinhou , ainda mais brindes, atualizações e recursos artísticos para ajudá-lo em sua jornada criativa. Por último, mas não menos importante, quero que essa aula seja o mais acessível possível. Se você quiser, estou lhe dando permissão para pular para a segunda parte desta aula, que trata de transformar suas ilustrações em aquarela em um padrão perfeito no Photoshop. Se você quiser usar suas próprias ilustrações desenhadas à mão e depois pular direto para essa parte, você é muito bem-vindo a fazer isso. Mas, é claro, eu definitivamente recomendo que você também acompanhe a parte em aquarela, porque é aí que compartilharei minhas melhores dicas para escolher motivos que vendem muito, criar nossos elementos da maneira mais ideal, especialmente para padrões perfeitos e meus conselhos profissionais para pintar de uma forma que torne essa digitalização parte desta aula é muito mais fácil. Minha recomendação é definitivamente ficar comigo do início ao fim desta aula. Vamos direto ao assunto, começando pela escolha do assunto. 4. Seu conceito: [MÚSICA] Você tem duas opções para o que deseja pintar hoje. opção 1 é pintar ao meu lado e acompanhar o mesmo exemplo que estou fazendo para criar meu padrão sem emenda. Esta é uma ótima opção se você for relativamente novo aquarelas e se sentir mais confortável seguindo minha liderança, estou aqui para mostrar o caminho. Opção 2, é pintar ao meu lado, mas criar seu próprio padrão. Você ainda receberá minhas mesmas dicas para as considerações que faço quando estou pintando meus elementos à mão, como o dimensionamento de cada peça e não cortar nada da página, e pintar em um maneira que tornará a remoção desse plano de fundo muito mais fácil. Todas essas dicas suculentas e muito mais. O grande bônus aqui, se você decidir ir com a opção 2, que está pintando seu próprio padrão, é que você poderá vender esse padrão mais tarde, seja no Etsy ou Spoonflower ou Society6, ou em qualquer outro lugar, se você criar seu próprio padrão, você será dono desses direitos autorais e poderá fazer o que quiser com ele. Se você acompanhar meu exemplo exato, e você também pintar essas flores e sair exatamente do jeito que estou fazendo, isso é ótimo, e isso será apenas para prática, mas você não será capaz de rentabilizar mais tarde. Sinta-se à vontade para acompanhar meu padrão floral exato para que você possa praticar e aprender, ou acompanhar criando seu próprio padrão exclusivo, se quiser rentabilizá-lo mais tarde. Vamos falar sobre a escolha de um motivo. Quando se trata de escolher seu assunto, você literalmente tem infinitas possibilidades. Eu criei padrões sem emenda de sushi, asas de cigarra, cogumelos, unicórnios, bananas, balões de ar quente, coelhos, arco-íris, lontras, pêssegos, bolas de discoteca. Você entende a ideia. Escolha um assunto que fale com você. Hoje vou demonstrar um padrão sem emenda com o motivo que está sempre em tendência, florais. Padrões florais são a constante perene do design da superfície. Padrões florais historicamente venderam muito bem e continuarão a fazê-lo. Isso é o que quero dizer quando digo tendência perene; Simplificando, os florais nunca sairão de moda. Esta é uma ótima notícia para mim como designer de superfície, porque sei que se eu pintar um padrão floral, ele tem uma boa chance de se tornar um vendedor forte no meu portfólio agora e por anos venha. A outra razão pela qual os padrões florais tendem a vender tão bem é porque eles ficam muito bons em uma enorme variedade de produtos. No meu portfólio de licenciamentos, tenho florais disponíveis como papel de parede, revistas e planejadores, cartões fixos, edredons e conjuntos de cama, até produtos de louça e presentes. decoração da casa é definitivamente o meu ponto ideal para florais. Os padrões de flores parecem muito bons em tapetes, travesseiros , cortinas e colchas, além de flores e folhas são simplesmente divertidas de pintar. Criei uma tonelada de obras de arte de inspiração floral ao longo dos anos. Mesmo sendo exatamente o mesmo motivo, flores, tento tornar cada design um pouco diferente. Fiz formas florais arrojadas e gráficas, flores delicadas e femininas, florais de férias como poinsétias, estampas florais groovy de inspiração retrô, aquarela , guache, acrílico, vetor e procriar florais. O ponto é que há um número infinito de maneiras pelas quais você pode representar um padrão floral. Uma coisa que eu quero adicionar é essa classe vai fornecer a você uma tonelada de conteúdo realmente bom que você pode compartilhar nas mídias sociais. Qualquer bastidores que você pode compartilhar que mostre seu processo de arte sempre se sai muito bem nas redes sociais. Aqui está uma maneira rápida e eficaz de mostrar seu processo artístico para criar um padrão contínuo. Comecei com um padrão final porque essa é a imagem mais atraente, além de fazer minha grade no Instagram parecer muito boa. Em seguida, mostro meu esboço a lápis original e, em seguida, uma pintura meio completa e, finalmente, algumas maquetes para mostrar como ele se parece em produtos reais. Meus clientes, seguidores de redes sociais e clientes de licenciamento também adoram ver isso nos bastidores. Especialmente porque histórias mais próximas e pessoais por trás dos designs realmente fazem com que a arte pareça um pouco mais pessoal. Este exemplo tem apenas fotos, mas como você segue ao criar seu próprio padrão, você também pode fazer fotos ou vídeos. Os vídeos são especialmente ótimos se você quiser criar um carretel do Instagram ou montar seu próprio TikTok e mais vídeos nas redes sociais tendem a obter um engajamento um pouco melhor do que apenas fotos. À medida que você avança, se você quiser usar seu telefone para tirar alguns vídeos e fotos mostrando seu processo do início ao fim, ele lhe dará um conteúdo muito bom e suculento para mostrar mais tarde quando você estiver promovendo seu design nas mídias sociais. Isso foi um pouco segue, mas boas dicas de mídia social. De qualquer forma, sim. Você pode escolher a opção 1, que acompanha meus florais exatos. Ou você pode fazer sua própria versão de um padrão floral, seguindo junto com meu mesmo motivo, tornando-o exclusivamente seu ou outra coisa inteiramente. Depois de ter seu conceito e visões e estiver pronto para ir, é hora da parte divertida, que está esboçando no papel. 5. Esboço: [MÚSICA] Hora de esboçar. Os suprimentos que tenho à mão aqui são um pedaço de papel aquarela em branco, um lápis de esboço. Lembre-se que o meu é um 3H. Se você não tem exatamente um 3H, não é grande coisa. Lembre-se de quando você está esboçando para esboçar o mais leve possível. Se você estiver usando um lápis mecânico ou tem uma pista diferente, não se preocupe. Eu também tenho uma borracha, na verdade duas borrachas à mão. Eu tenho meu piloto de clicker aqui e lembre-se, isso é para apagar áreas muito finas. Então eu também tenho minha borracha amassada, que lembre-se é para quando terminamos esse esboço, pressionando e levantando-o da página para clareá-lo. Um pedaço de papel de sucata, então esta é na verdade a parte de trás de um pequeno estudo de cores que eu fiz, uma pequena ilustração prática. Posso usar isso para praticar alguns esboços em miniatura. Mais tarde, podemos testar algumas cores de tinta em um papel de sucata. É apenas uma coisa útil de se ter em mãos. Pro-dica. Este papel de prática também pode ser usado como um limite protetor entre palma da mão e o papel enquanto você pinta. Lembre-se, ao esboçar ou pintar, é realmente importante não ter sua pele tocando tanto o papel porque os óleos da sua mão se soltam no papel e torna-se um pouco complicado preencher aquelas áreas quando você está pintando mais tarde. Se você tem um pedaço de papel de sucata, você pode realmente usar isso para descansar a palma da mão enquanto esboça se quiser ser tão extra quanto eu. Quando se trata de padrões repetidos que parecem um ajuste muito bom e confortável, descobri que o que funciona melhor é ter três tamanhos diferentes de elementos. aqui, fui em frente e pintei o exemplo antes de pintarmos apenas para praticar. Os três tamanhos diferentes aqui são o único grande elemento herói. O elemento herói é exatamente isso. É uma grande ilustração que ocupará a maior parte do espaço no padrão. Seus elementos médios e, neste caso, eu tenho dois podem ser organizados em torno do seu elemento herói quando você está montando seu padrão. Todos os pequenos elementos de detalhe podem ser encaixados nas lacunas para ajudar a preencher o espaço. Um grande herói, um par de médium e, em seguida, um punhado de pequenos detalhes que você pode usar para preencher as lacunas do seu padrão sem emenda. O resultado será esse design muito coeso e carnudo que é realmente fácil de juntar. Confie em mim, essa técnica de três lados tornou a vida de design do meu padrão muito mais fácil. Vamos entrar nisso. Já tenho meu exemplo aqui. Só vou colocá-lo para o lado como uma referência visual à medida que avançamos. Vamos prosseguir e começar com nosso elemento herói. Lembre-se de que este é o maior elemento que você criará em seu padrão. Muito rápido, lembre-se quando você estiver usando seu lápis, desenhe muito levemente em sua página. Mas, para mim, na verdade, vou desenhar muito, porque quero que você na câmera possa realmente ver o que estou fazendo. Estarei desenhando muito escuro e pesado na minha página, mas à medida que você acompanha, mantenha-o muito leve e arejado. Vou começar com esse caule. Eu simplesmente vou desenhar isso assim. É uma pequena linha curva muito boa. Como você pode ver, eu só desenhei uma linha para representar esse caule aqui mesmo que na minha pintura eu tenha algumas áreas mais finas, algumas áreas mais grossas, não precisamos esboçar cada pequeno detalhe como a largura do caule à medida que estamos esboçando em nosso papel. Na verdade, é melhor manter o menor número possível de marcas de lápis na sua página. Eu não desenho todos os pequenos detalhes porque não quero um monte de marcas de lápis confundindo minhas aquarelas finais. Em vez disso, como poucas marcas no papel são melhores. É por isso que ter algum papel de sucata pode ser útil para você. Você pode esboçar seu motivo algumas vezes diferentes até se sentir confortável fazendo o esboço final em seu papel real. Se você quiser praticar um pouco em seu papel de sucata, tudo bem. Quando estiver pronto, você pode ir em frente e pegar esses esboços e torná-lo final em seu papel aquarela. Vou voltar ao meu artigo final e trabalhar nesses elementos heróis. Parece que eu tenho um caule primário e, em seguida, talvez um caule saindo em um ângulo como este e talvez eu faça as flores. Farei 1, 2. Lembre-se que isso é muito escuro, mas eu quero que você possa ver o que estou fazendo. Mas à medida que você acompanha esboços muito leves e gentis. Vou fazer a outra floração. Não precisa ser um esboço incrivelmente realista. A minha é uma ideia muito interpretativa de como pode ser um arranjo de flores. É muito pesado do lado direito. Vou adicionar um caule maior aqui para ajudar a equilibrar isso um pouco. Perfeito. Meu herói está concluído. É hora de passar para esses elementos médios. Uma coisa a notar é que você notará que nenhuma parte do meu elemento herói está sendo cortada da página, e isso é muito intencional. Você quer ter certeza de que todos os seus elementos estão representados na íntegra, nada está sendo cortado da página. Lembre-se, você vai cortar esses elementos e movê-los por toda a sua placa de arte digital, girar, virar, redimensionar, todas essas coisas divertidas. Um elemento completo não cortado funcionará muito melhor do que algo que é cortado abruptamente da página. Mesmo que essas hastes de flores, teoricamente, continuem até o chão e se transformem em raízes, não preciso necessariamente mostrar todos esses detalhes. Em vez disso, vou apenas afunilar essas bordas de uma maneira que parece muito agradável e será ótimo quando eu organizá-lo em um padrão sem emenda mais tarde. Se você estiver seguindo e está escolhendo um motivo diferente, talvez seja um ramo de flor de cerejeira, você não precisa mostrar esse ramo necessariamente se estendendo para a árvore, o tronco de árvore, as raízes, as folhas, tudo isso. Você pode encontrar uma maneira de afunilar seletivamente a borda desse ramo para que pareça agradável e natural. Para mim, costumo arredondar minhas bordas ou afunilá-las em um ponto fino. Vamos entrar mais nisso à medida que estamos pintando. Algo que eu quero apontar muito rápido, não me importo muito bagunçar meu esboço neste papel. Estou pintando todos esses elementos especificamente para que eu possa reorganizá-los posteriormente em um padrão de repetição no photoshop. Esta obra de arte original provavelmente nunca será pendurada em uma parede ou apresentada em uma galeria. É simplesmente uma parte de um processo mais longo. Por causa disso, este papel não é precioso para mim. Se eu estragar uma das minhas flores, vou simplesmente pintar outra ao lado dela e depois não usar essa primeira. Só vou usar as coisas boas mais tarde quando se trata de juntar esses elementos em um padrão. Posso até testar minhas panelas de tinta no mesmo papel também para ver o que está funcionando melhor. É por isso que gosto de trabalhar em papel grande assim porque me dá um pouco mais de espaço para explorar e brincar, ver o que está funcionando, ver o que não está funcionando. Além disso, não preciso me sentir estressado em fazer um absolutamente perfeito. Se não funcionar, basta pintar ao lado dele. Se eu soltar uma grande bolha de água no meu papel, não se preocupe, isso nunca aparecerá no padrão final porque vou apenas removê-lo no photoshop. Talvez você leve algumas tentativas antes pintar aquela flor perfeita mousse ou banana ou quaisquer motivos que você esteja seguindo, tudo bem. Você usará os melhores mais tarde em seu padrão no photoshop. Os pontos só vão afundar no esquecimento. Apenas tenha isso em mente enquanto você vai. Este artigo é para exploração e brincadeira, vai manter as coisas boas, jogar as coisas ruins, sem preocupações. Próximo passo, é hora dos elementos médios. Eu costumo fazer entre um e três elementos médios. Hoje vou ficar com dois; uma flor virada para a frente e depois uma foto de frente da flor. Só para tornar as coisas um pouco mais fáceis, vou usar meu prato de água, rastrear em torno dele para que eu possa obter uma boa estimativa dessa flor. Perfeito. Uma área central e, em seguida, algumas florescem. Perfeito. Agora, para o elemento médio final esta flor virada para a frente. Mais uma vez, bem simples. Um bom caule curvilíneo. Algumas folhas saem e depois o topo florescem. Finalmente, é hora dos elementos detalhados. Lembre-se, esses são os garotinhos que você usará mais tarde para preencher as lacunas do seu padrão. Quero manter meu tema floral geral realmente forte e consistente que meus elementos detalhados sejam retirados dos mesmos motivos que acabei de pintar. Em vez de uma flor cheia, serão algumas pétalas individuais e algumas folhas. Também vou incluir algumas pequenas flores e pontos de brotamento. Os pontos são sempre muito bons quando você está tentando preencher lacunas muito pequenas. Dots serão seus melhores amigos. Isso vai me dar uma variedade muito boa para usar mais tarde. Além disso, os detalhes serão formas e cores semelhantes ao herói no meio, que ajudará meu padrão a se sentir muito mais coeso. Vamos prosseguir e desenhar alguns desses elementos detalhados. Começarei com essas flores brotantes aqui. Linha curvilínea, igual de antes. Vou fazer uma folha, um caule saindo desta forma. Talvez este seja apenas um broto e este possa ser uma flor completa. Então eu farei outro aqui. Este pode ser dois botões e uma folha grande. Então as pétalas individuais, que são formas muito, muito simplificadas e algumas folhas. Vou fazer uma flor cheia do lado. Para os pontos, na verdade não tenho que desenhar esses. Eu sei como pintar um círculo, então vou colocar uma pequena estrela aqui para me lembrar de fazer esses pontos. É isso. Seu esboço deve parecer muito simples, o menor número possível de linhas e marcas de lápis muito claras. Lembre-se, se você quiser ir em frente e clarear suas marcas ainda mais para que você mal possa vê-las enquanto pinta, você pode usar sua borracha e apagar muito, muito gentilmente sua página assim até ficar muito, muito fraca e você mal consegue vê-la. Ou se você tiver uma borracha amassada como esta, você pode simplesmente usar essa borracha amassada, pressioná-la no papel e puxá-la para cima para clarear esse esboço ainda mais. Mas lembre-se, vou pular esse passo porque quero vocês possam ver meu esboço muito claramente na câmera. Pro-dica, como eu estava mencionando anteriormente com a coleta imagens como você usa para postagens nas redes sociais porque elas parecem muito boas, esse seria um ótimo lugar para começar. Se você quiser montar um carretel ou uma postagem no Instagram mostrando o processo, vá em frente e tire algumas fotos de como seu esboço se parece, ou talvez faça um bom vídeo panorâmico seu esboço e você pode usá-lo mais tarde quando você estiver mostrando o processo nos bastidores de como você criou esse belo padrão. Uma vez que você se sinta em um ótimo lugar com seu esboço, é hora da parte muito divertida, que é tirar suas tintas, lápis de cor, marcadores, o que quer que você seja seguindo junto, e vamos começar a preencher nossas formas com cores. 6. Pintura: [MÚSICA] Agora é hora da parte muito divertida, que na verdade está pintando em sua página. Os suprimentos que tenho à mão para isso são um, meu esboço final em papel aquarela, tenho três pincéis aqui. Novamente, eles estão no tamanho 1, tamanho 5 e tamanho 9, e tamanho 9, estes são meus belos pincéis de detalhes. Então eu tenho quatro panelas que fui em frente e tirei da minha paleta de aquarela Winsor & Newton. Você pode acompanhar as cores que você quiser. Mas, novamente, aqui está o meu exemplo, eu realmente gosto da maneira como essas cores estão trabalhando juntas. Isso é o que estou usando, mas sinta-se à vontade para acompanhar as cores que você gosta. Eu também tenho meu prato de água com meu não beba fita adesiva e toalhas de papel de emergência, caso eu precise delas. Vamos prosseguir e começar. Então eu também vou usar meu papel de sucata para descansar a palma da mão para que eu não receba meus óleos de mão por toda a página. Você não precisa fazer isso, é completamente opcional, mas é bom ter sua mão descansando em algo enquanto pinta. Vou começar com minhas pétalas aqui em cima e quero que elas sejam principalmente rosa e depois tenham um toque de laranja chegando com elas. Vou começar usando meu pincel médio número 9 e realmente enchendo aquela panela para que fique agradável e saturada com água. Às vezes vou fazer mistura de cores em uma paleta separada, mas por hoje, quero mantê-lo muito simples e vou puxá-lo diretamente da panela. Quando você usa cores diretamente do tubo ou da panela, seja qual for o seu meio, serão as cores mais vibrantes e brilhantes. Não vou fazer uma tonelada de mixagem, a mistura que vou fazer, novamente, está na página. Tenho um belo revestimento uniforme no meu pincel, muita água na ponta profissional com aquarela. Se você estiver sentindo como se estivesse perdendo controle ou está ficando confuso, adicione mais água porque isso facilitará muito o controle do pincel. Eu tenho uma boa panela suculenta aqui em cima. Vou seguir em frente e começar a preencher a flor principal. Estou usando meu pincel grande para obter essas seções maiores. Então, quando se trata das bordas, eu realmente vou mudar para o meu pincel de detalhes mais ínfimo. A mesma coisa, eu vou preenchê-lo naquela panela, pegá-lo agradável e revestido com água e, em pegá-lo agradável e revestido com seguida, o que eu vou fazer é usar as bordas com muito cuidado deste pincel para realmente ajustar a maneira como o pigmento é mesclagem na página. Uma coisa que quero apontar aqui é que estou usando minhas marcas de lápis para indicar onde essas áreas de espaço em branco estarão. Na verdade, não estou pintando sobre minhas marcas de lápis , é claro, às vezes vou ser um erro, sem preocupações. Mas, na maior parte, quero que essas marcas de lápis realmente indiquem onde não há tinta. Se você olhar aqui para o meu exemplo, esses espaços entre as pétalas eram originalmente marcas de lápis. Uma vez que a tinta secou, tudo o que eu tinha que fazer era apagar as marcas de lápis e, como a tinta não estava sobre elas, elas apagaram perfeitamente da página. Ao pintar, considere essas marcas de lápis como o limite entre onde a tinta deve parar e terminar. Agora vou mostrar a vocês como mesclo cores na página. Vou encher meu pincel de detalhes com um bom pouquinho dessa laranja. Honestamente, esse pigmento laranja é tão forte, então um pouco vai um longo caminho. Eu tenho um bom revestimento uniforme no meu pincel aqui e vou simplesmente mergulhar aqui no centro e deixá-lo naturalmente puxar para as outras áreas dessa pétala. Estamos recebendo esse efeito muito bom aqui, onde as áreas externas da pétala são rosa brilhante e as áreas internas têm mais um tom laranja e elas se misturam muito bem no centro. Eu vou usar meu pincel médio para isso na verdade. O pincel maior, mesmo sendo relativamente pequeno, é realmente um pouco grande demais para essas pétalas. Vou voltar ao meu número 5 e preencher as outras pétalas usando essa mesma técnica. Agora, com a área rosa preenchida, iremos em frente, pegaremos um pouco daquela laranja e apenas mergulhe, mergulhe, mergulharemos diretamente em uma área até que ela se retire suavemente para o resto. Lembre-se, você sempre pode alternar entre pincéis. Você pode usar um pincel maior para seções maiores e, em seguida mudar para um pincel de detalhes menor para realmente ajustar essas bordas, eu faço isso o tempo todo. Vamos colocar um pouco de laranja naquela área central e ver o que acontece quando começa a secar. Agora que tenho essa pétala de flor totalmente preenchida, vou seguir em frente e fazer o resto das áreas rosadas e laranjadas em toda a minha composição simplesmente porque quero manter essa água de tinta bom e fresco. Se eu fizesse meu caule azul agora, então essa água de tinta ficaria muito mais turva e , na próxima vez que eu quisesse fazer minha área rosa, ela ficará mais aborrecida e aborrecida. Eu poderia ir em frente e pintar meu caule, despejar minha água de tinta, comprar água de tinta nova, mas estou sendo um pouco preguiçoso, então vou seguir em frente e fazer todas as áreas cor-de-rosa primeiro, despeja essa água e, em seguida, faça todas as áreas azuis e verdes. Dessa forma, novamente, os pigmentos ficarão muito agradáveis e vibrantes porque a água ficará limpa o tempo todo. Lembre-se, você sempre pode descansar mão em seu papel de sucata. Vou mudar para ter sido um pouco daquela laranja. Agora, para áreas maiores como essa grande pétala frontal, vou mudar para o meu maior dos meus pincéis de detalhes, que é um tamanho 9. Lembre-se, muita água facilitará muito para você. Se você passar por cima das marcas de lápis como eu estou fazendo aqui, não é o fim do mundo. Eles estarão aparecendo assim que a tinta secar, mas algumas marcas de lápis fazem com que ela se sinta mais autenticamente aquarela. Honestamente, são aquelas imperfeições que acontecem com aquarela que o tornam um dos meus médiuns favoritos para pintar. Mergulhar naquela laranja para que naturalmente se misture com esse rosa. Às vezes eu farei algumas seções separadas como essa antes de misturar essa cor adicional, aquela laranja, então a tinta tem um pouco mais de tempo para se instalar. Começa tão molhado e goopy na página. Não há problema em fazer algumas seções de uma só vez antes de voltar e mudar para sua cor adicional e mergulhá-la. [MÚSICA] Oops, então, na verdade deixei cair um pouco de tinta no meu papel. Mas, novamente, não é o fim do mundo porque posso simplesmente removê-lo no Photoshop mais tarde. Mas vou mostrar como você pode realmente remover isso se isso aconteceu em uma área integral ou para uma pintura em aquarela onde você realmente queria apreciar o original. Estou simplesmente usando toalhas de papel e vou pressionar e levantar e praticamente desapareceu. Para minhas áreas finais, acho que vou ter essa última pétala, principalmente laranja, só para misturá-la um pouco. Esta tinta laranja é tão saturada e opaca, que você mal precisa de nenhuma para fazer a diferença em sua página. Legal, e vou fazer o inverso do que eu estava fazendo antes. Vou usar apenas um pouquinho de rosa para misturar com aquela laranja. Essa estrela está me lembrando que preciso fazer dois círculos. Vou fazer um rosa laranja-rosa, vou fazer um rosa brilhante, e depois um laranja puro. Perfeito. É isso para as seções larangey mindinho da minha aquarela. Agora vou ir em frente, despejar minha água de tinta, começar com água de tinta fresca e depois seguir em frente e abordar as áreas de caule azul-verde. Legal, agora que temos essa primeira camada concluída, são todos esses tons rosa, laranja, eu fui em frente, limpei minha água de tinta, é novinho em folha. Vou seguir em frente e começar no segundo tom, que será, novamente, aquelas folhas verdes azuis. Assim como antes, vou trabalhar da esquerda para a direita porque não quero manchar minha tinta enquanto vou desde que sou destro. Vou começar por encher novamente aquela paleta turquesa e torná-la agradável e cheia de pigmento e um revestimento uniforme no meu pincel. Para isso, vou variar um pouco a pressão do meu pincel. Aqui, vou te mostrar no jornal de treino. Em vez de apenas ter um golpe de monolina como esse, na verdade vou variar a pressão onde ele vai leve, pesado, leve para obter uma boa variedade em contraste na minha forma. Sinta-se à vontade para fazer alguns traços práticos em seu papel de prática ou em seu papel real aqui, porque novamente, estaremos cortando as coisas que não usamos. Vou começar leve, pesado e leve. Perfeito. [RUÍDO] Vou mudar para o meu pincel de tamanho médio e enquanto essa tinta ainda estiver molhada, vou mergulhar naquele azul índigo muito bom e profundo só para ter algumas coisas divertidas acontecendo no papel. Legal, e assim como aquela laranja, o índigo é realmente pigmentado, então um pouco de tinta vai um longo caminho. Vou mudar para o meu pincel médio, voltar para minha turquesa e começar a preencher essas folhas. Lembre-se quando estiver em dúvida, sempre adicione mais água. Como você vê aqui, mudei para um pincel de detalhes menor para deixar essas bordas agradáveis e nítidas. Então eu vou fazer esse mergulho com o índigo com minha tinta ainda molhada para obter algumas pequenas misturas de cores que acontecem aqui. Mais uma vez, mais água o ajudará com essa mistura. Hora da próxima haste e a mesma coisa, vou mudar para esse índigo, e apenas fazer alguns pequenos mergulhos diretamente na linha lá. Perfeito. Voltarei para minha turquesa e terminarei com essas hastes. Há algumas coisas muito divertidas acontecendo à medida que essas cores começam a se misturar. A mesma coisa, basta mergulhar nesse índigo para trazer mais água para as áreas para realmente incentivar essa mistura. A mesma coisa aqui, leve, pesada e leve pressão. Vou mudar para a cor índigo e apenas fazer algumas pequenas gotas divertidas aqui para incentivar essa mistura. Ele está constantemente alternando entre canetas, entre tamanhos de pincel. Se nunca estiver se misturando muito bem, basta adicionar mais água nessas seções e isso realmente ajudará a mistura a ocorrer. Tenho que ter cuidado para não descansar minha palma nas áreas molhadas do papel. Talvez essa segunda folha seja predominantemente índigo. Uma coisa que quero apontar aqui enquanto estou pintando, é que não vou deixar muitas áreas brancas dentro da pintura. É tudo muito profundo , saturado e opaco e a razão pela qual estou fazendo isso, é realmente intencional, é porque quando eu digitalizo isso mais tarde, quando você tem muitas áreas brancas mais claras dentro do seu pintura, torna-se um pouco mais complicado remover esse fundo de textura de papel branco. Então, como padrão, quando pinto, tento torná-lo um pouco mais opaco e preenchê-lo com mais cores. Para mim, quanto mais profundo e saturado o pigmento melhor simplesmente porque torna a melhor simplesmente porque torna remoção desse fundo um pouco mais fácil. Não se esqueça de ir em frente e pintar seus pontos com sua cor alternativa. Neste ponto, fui em frente e concluí minha pintura. O próximo passo é que quero esperar isso seque na íntegra, aqui está, minha borracha antes de usar minha borracha para apagar essas marcas de lápis errantes. Secará muito mais rápido se você colocar seu papel sob o sol ou se quiser ir ainda mais rápido, você pode usar um secador de cabelo para soprar suavemente ar quente no papel, o que o fará secar muito rapidamente. Uma coisa que quero fazer antes de esquecer é novamente, usando meu lápis, vou fazer algumas assinaturas de prática na minha página que eu tenha uma assinatura que possa infundir em algum lugar na minha página padrão. Novamente, esta página não precisa ser perfeita. Talvez experimente alguns. Minha assinatura é CatCoq. Na verdade, esse parece muito bom. Eu poderia apenas ir com isso. Mas sinta-se livre se quiser, experimentar alguns estilos diferentes, alguns tipos diferentes de assinaturas, e realmente encontrar um que funcione melhor para você. A coisa mais importante em uma assinatura, na minha opinião, é que ela é legível. Então, se alguém acabar comprando esse padrão ou uma impressão artística, poderá facilmente ver minha assinatura naquela peça, no Google meu nome e, em seguida, encontrar mais exemplos do meu trabalho. Quando você encontrar uma assinatura que está funcionando para você, basta ir em frente e colocar uma pequena estrela e esse será seu lembrete de usar essa assinatura mais tarde, quando estivermos digitalizando. Estou usando um lápis, mas você também pode fazer sua assinatura com caneta, marcador, sharpie, vale tudo. Vou deixar isso secar na íntegra e depois apagarei as marcas de lápis e digitalizarei. 7. Digitalização: [MÚSICA] É hora da parte digitalizadora da aula de hoje. Vamos pegar nossa arte desenhada à mão e digitalizá-la em um arquivo de computador. Lembre-se, você tem duas opções de como digitaliza seu arquivo. A opção 1 é digitalizá-lo com um scanner e a opção 2 é fotografá-lo. Primeiras coisas primeiro, antes de entrarmos em nada disso, sua pintura deve estar totalmente seca, e a primeira coisa que você quer fazer é usar uma borracha e vamos apagar todas essas marcas de lápis. Lembre-se, se você pintou sobre uma marca de lápis como eu fiz aqui, você não será capaz de apagar isso já que a tinta está sobre ela, mas você ainda pode apagar as marcas de lápis que estão no papel sem tinta sobre eles. É aqui que uso meu pincel arqueólogo para escovar as marcas de lápis da página em vez de usar minhas mãos. Depois de ter suas marcas de lápis totalmente apagadas da página, exceto pela sua assinatura, é hora de ir em frente e digitalizar nossa arte. Vou demonstrar primeiro com a digitalização. A primeira coisa que você quer fazer para o scanner é garantir que a cama de digitalização esteja totalmente limpa. Eu costumo mantê-lo bem simples, uso meus óculos mais limpos e, em seguida, um pano de microfibra, é a mesma coisa que eu limpo meus óculos de tela do computador com tudo. Eu spritz o pano e limpo toda a minha cama do scanner. É sempre surpreendente a quantidade de poeira e grão presos na cama do scanner entre as varreduras. Se houver apenas algumas partículas de poeira, vou retirar minha mesma escova de borracha e usarei isso apenas para mover esses pedaços de poeira da cama do scanner também. Quando digitalizo meu trabalho artístico, como você pode dizer, o papel é realmente maior do que a própria cama do scanner. Normalmente acabo digitalizando em algumas peças separadas e depois as fundo no Photoshop. Mas para a aula de hoje, ainda estaremos digitalizando em pedaços separados porque meu papel é enorme, mas não vamos necessariamente fundi-los da maneira que eu faço com meu pinturas autônomas que precisam ser mantidas como uma imagem inteira. Para este projeto, não preciso necessariamente ter certeza de que essa digitalização seja fundida perfeitamente porque a ideia de pintar os elementos separados é que estaremos puxando eles separados, reorganizando-os de qualquer maneira. Novamente, esse fusível não é realmente necessário. Mas se você quiser aprender a mesclar perfeitamente duas ou mais digitalizações no Photoshop, confira minha outra aula do Skillshare. Digitalize sua arte para vender online, prepara suas pinturas para impressão sob demanda. A maneira como vou digitalizá-los é que quero ter certeza de que todos os meus elementos estão perfeitamente encapsulados em cada varredura. Isso provavelmente significará uma varredura desses elementos mais minha assinatura, uma varredura dos elementos médios e, em seguida, uma varredura dos elementos detalhados. Há uma chance de eu ser capaz de encaixar ambos em uma varredura, só veremos o que acontece. Mas o importante é que eu não quero cortar nenhum elemento da minha pele e ter que fundi-los juntos. É apenas um trabalho extra, prefiro capturá-los perfeitamente na varredura para salvar um passo mais tarde. No meu caso, vou começar colocando meu papel na cama do scanner assim, fecharei minha cama do scanner, [RUÍDO] fazer uma digitalização e dica profissional, se você estiver digitalizando em várias seções do seu papel, certifique-se de mantê-lo na mesma orientação para cada escaneamento. Não vire-o assim, mantenha-o consistente para todas as suas varreduras. A razão pela qual isso é importante é porque quando a luz de digitalização escaneia sobre o papel, ela lançará uma sombra muito sutil sobre a irregularidade e a veracidade do seu papel. Então, se você fosse virar e usar os dois escaneamentos, a sombra, a textura do papel seria um pouco diferente e seria apenas minoramente inconsistente. Uma solução rápida para isso é apenas garantir que você esteja digitalizando no mesmo ângulo para ambas as varreduras. digitalização geralmente leva alguns minutos. Então, o que vou fazer é segurar minhas mãos suavemente sobre a tampa para que o papel fique muito nivelado na cama de digitalização. Não pressione com muita força ou então essa varredura ficará comprometida e você terá essas faixas estranhas em seu arquivo digital. Quando se trata de salvar seu arquivo, você geralmente tem algumas opções aqui. TIFFs lhe dará melhor qualidade do que JPEGs, mas geralmente salvei minhas varreduras como JPEGs de qualquer maneira, porque o tamanho do arquivo é muito menor e mesmo que os TIFFs tenham qualidade um pouco melhor, Estou digitalizando essas resoluções massivas para que uma pequena diferença qualidade não faça uma grande diferença para mim. Apenas uma nota lateral aqui, sua caixa de diálogo de configuração de digitalização provavelmente não se parece exatamente com a minha. Cada scanner tem uma caixa de diálogo ligeiramente diferente. Então, basta procurar configurações comparáveis às que estou inserindo aqui. Eu quero que minhas configurações de digitalização estejam na fotografia, o modo deve ser foto, nunca documento e digitalizo em uma resolução bastante alta. Vou usar 1200 DPI para a varredura e usarei minha caixa de miniaturas para estabelecer cada parte da varredura que estou fazendo. Parece que posso pegar meu herói e meu meio tudo em uma varredura, vou em frente e pressionarei “Digitalizar”, capturar isso e depois fazer a mesma coisa com meus elementos de detalhe. Agora que você tem o básico da digitalização, vou dar minhas melhores dicas para fotografar sua arte. Lembre-se, fotografar sua arte é a opção 2 se você não tiver um scanner. A digitalização é o meu método preferido, mas fotografar pode ser um segundo próximo. Se você está planejando digitalizar, isso não se aplica a você, você pode simplesmente ir em frente e pular para a próxima lição. Dicas de fotografar; para fotografar seus elementos, você pode usar uma câmera ou seu telefone. Eu quero tornar esta classe o mais acessível possível para você, portanto, se você não tiver uma câmera DSLR chique, você sempre pode usar seu telefone. Se você está digitalizando em seu trabalho ou fotografando com uma câmera ou um telefone, digitalizando, digitalizando, limpando, tudo o que você faz no Photoshop será exatamente o mesmo. Se você estiver usando seu telefone para digitalizar sua arte, e talvez mais tarde você decidiu atualizar para um scanner, todas as etapas que você aprende nesta aula serão exatamente as mesmas. Não importa como suas coisas sejam digitalizadas, o que fazemos no Photoshop é universal de qualquer maneira. Veja o que você precisa saber para criar uma fotografia de qualidade. Primeiro, a iluminação é a coisa mais importante aqui. luz natural lhe dará os melhores resultados, não use flash. Dias nublados são melhores do que dias ensolarados, o que soa contra-intuitivo, mas quando a luz solar é filtrada pelas nuvens, ela dará uma aparência mais uniforme à sua obra de arte. luz solar direta pode causar essas sombras e destaques realmente difíceis. Quando se trata de iluminação, o que você quer evitar a todo custo é ter sua obra de arte iluminada, que significa que o sol está atrás do papel. Se for esse o caso, sua arte ficará super escura na fotografia e as cores não serão precisas. Aqui está um exemplo de uma fotografia retroiluminada, e aqui está um exemplo de uma fotografia perfeitamente iluminada. Dois, posicionamento, você quer capturar uma foto perfeitamente direta de sua arte. Certifique-se de que a lente esteja inclinada no centro exato da sua arte. Você não quer estar em um ângulo como aqui ou aqui, perfeitamente acima está o caminho a percorrer. A melhor maneira de fazer isso é colocar sua pintura em uma mesa e depois filmar de cima assim. Não se esqueça de tocar no centro da sua arte para definir o foco. Três, nunca use o zoom da câmera. Para obter resultados mais nítidos, segure sua câmera o mais próximo possível sem que sua arte seja cortada do quadro. Quatro, verifique seu telefone ou câmera para se certificar de que a foto que está capturando terá o tamanho de arquivo da mais alta qualidade. Esses são todos os conceitos básicos para fotografar sua arte. Como você pode ver, fotografar é um pouco mais complicado do que simplesmente digitalizar, mas fotografar é definitivamente uma opção viável se você precisar. Depois de ter suas digitalizações ou fotos salvas no computador, o próximo passo é abrir o Photoshop. 8. Removendo o fundo: [MÚSICA] Agora é hora de remover o fundo da textura do papel. Esse passo é crucial, pois vamos mover cada elemento por conta própria e juntá-los em um padrão contínuo. Se a textura do papel estivesse no lugar para isso, simplesmente não funcionaria. Você vê o que quero dizer aqui? É por isso que é super importante remover o fundo original da textura do papel. Mais tarde, colocaremos um novo plano de fundo em seu lugar. Essa nova textura de papel estará em sua própria camada individual, então poderemos mover nossos elementos sem que a textura do papel se mova também. Ele permanecerá no lugar o tempo todo. Gosto de ter esses fundos de textura de papel aquarela atrás das minhas pinturas em aquarela. Isso ajuda as aquarelas a se sentirem um pouco mais aterradas, além de ser um bom aceno de volta ao seu meio original, que estava pintando esses elementos à mão. Abri o Photoshop e está assim. Fui em frente e redefini todos os meus itens essenciais para que você veja exatamente a mesma coisa que estou vendo. Se em algum momento suas preferências estiverem um pouco diferentes das minhas e você estiver se perdendo, mostrarei como redefinir seus itens essenciais para que estejamos todos na mesma página. Aqui em cima no menu principal, você pode tocar em Photoshop, Preferências, Geral. Em seguida, vá até esta opção, onde diz redefinir preferências ao sair. Clique nele, pressione “Ok” e “Ok”, e agora o que você pode fazer é sair do Photoshop, reabri-lo e então você verá exatamente a mesma coisa que estou vendo na minha tela porque nós dois iremos estar nessa página inicial. A primeira coisa que vou fazer é vir aqui para minha área de trabalho e você pode ver essas duas capas que fiz das minhas pinturas. Vou começar uma nova pasta na minha área de trabalho e chamá-la de título desta obra de arte. Tenho muitos desenhos florais diferentes e quero ter certeza de que estou mantendo-os distintamente diferentes dos outros. Vou chamar isso de florais doces. Vou nomear esse nome de pasta doce florais. Sempre quero ter certeza de que minhas pastas correspondam ao nome do design. Agora podemos ir em frente, clicar e arrastar minhas digitalizações e colocá-las na minha pasta de florais doces. Agora tudo estará contido no mesmo lugar. Primeiro, vou seguir em frente, selecionar as duas digitalizações e abri-las no Photoshop. Agora você pode ver que ambas as varreduras estão em duas guias separadas aqui no Photoshop. A primeira coisa que vou fazer é combiná-los no mesmo documento. Quando eu removo o fundo do papel, ele está removendo de ambas as varreduras de uma só vez. Para fazer isso, vou apenas ir até aqui, selecionar uma das minhas guias, clicar e separá-la e agora tenho este documento separado daquele abaixo dele. Então usarei minha ferramenta Ponteiro, que é V no meu teclado. Você também pode ir até o menu e selecionar V como sua ferramenta Mover. Com isso selecionado, vou clicar em qualquer lugar meu Canvas e arrastá-lo para o outro documento. Agora posso voltar para a primeira guia, clicar para fechá-la, pois não preciso mais dela. Agora eu só tenho uma guia aberta e ela tem duas camadas aqui. Você sempre pode ativar e desativar esses globos oculares para alterar a visibilidade de suas camadas. A camada que eu arrastei para cima está aqui em cima, é chamada de camada 1 e essa camada original é chamada de fundo. Vou ativar a camada 1. Novamente, pressione “V” para garantir que minha ferramenta Mover esteja selecionada. Só vou clicar e arrastar isso para o lado. Em seguida, pressione “C” para acessar minha ferramenta Cortar. Você também pode chegar aqui na barra de menus, clicar e segurar e garantir que esta ferramenta Cortar esteja selecionada. Se você der uma olhada aqui no menu superior, verá que não há proporção selecionada. Isso é ótimo. É exatamente assim que eu quero mantê-lo. Agora eu posso simplesmente clicar no lado, puxar essa colheita e me certificar de que estou pegando o resto dessa varredura. Agora você pode pressionar “Enter” no teclado para definir esse corte. Como não gosto de olhar para coisas de cabeça para baixo na minha tela, vou seguir em frente e girar essa outra varredura para que tudo esteja na mesma orientação. Novamente, essa camada é selecionada. Vou até a minha ferramenta Transformar, que é o Command T no seu teclado. Você também pode chegar lá indo para Editar, Transformar, Girar. Agora você verá que seu ponteiro mudou para essa seta curva de duas cabeças. Só vou clicar e arrastar isso para girá-lo. Se você segurar Shift no teclado, a rotação se encaixará nesses incrementos perfeitos de 15 graus, o que o torna um pouco mais fácil. Uma vez posicionado na orientação correta, pressionarei “Enter” para definir essa transformação. Neste ponto, tenho as duas varreduras juntas na mesma placa de arte. Posso simplesmente clicar nessa primeira camada, manter pressionada a tecla Shift no meu teclado, clicar na camada de fundo e clicar “Comando E” para mesclar ambas as camadas juntas e agora tudo está ligado uma única camada para que, quando removemos o plano de fundo, está acontecendo com ambas as varreduras em vez de ter que fazê-lo duas vezes. Uma coisa muito rápida, quero apontar aqui no painel de camadas, as camadas fundo ficam bloqueadas por padrões, o que significa que você não pode fazer ajustes tão facilmente. Se sua camada estiver bloqueada, basta ir em frente e clicar nela uma vez para quebrar esse bloqueio e tornar essa camada editável. Antes de fazer qualquer outra coisa, quero ir em frente e salvar meu progresso. File, Save As, eu não preciso mostrar isso novamente, pois sempre salvo no meu computador e já estamos naquela pasta floral doce, o que é incrível. Vou apenas ir em frente e mudar o nome do arquivo para florais doces. Certifique-se de que seja um formato Photoshop, que significa que a extensão termina em PSD e pressione “Salvar”. Não preciso mostrar isso novamente porque sempre quero compatibilidade máxima. Agora você pode ver aqui na guia superior, o nome desse arquivo mudou de qualquer que a digitalização original fosse para florals.PSD doce ou o para florals.PSD doce ou que quer que você esteja intitulando sua arte. Se, por algum motivo, você não estiver vendo esse nome mudar aqui na guia, vá em frente e feche-o clicando nesse X. Volte para sua pasta, encontre esse arquivo novamente e abra-o novamente no Photoshop. Você quer ter certeza de que seu nome de arquivo seja alterado aqui nessa guia. Quando se trata de remover o fundo da textura do papel no Photoshop, o primeiro passo será definir os pontos brancos. Isso só se aplica a propósito, se o papel que você pintou originalmente for branco, se você fez pintura acrílica em artesanato ou alguma tela mais escura, você não precisa fazer isso. Mas como eu pinto quase tudo em papel aquarela branco, começo definindo os pontos brancos porque às vezes minhas digitalizações ficam um pouco mais escuras que as originais, então eu quero para trazê-lo de volta à vibração natural da minha pintura original. Vou te mostrar como fazer isso. Novamente, vou clicar nessa camada, certificar-me de que ela está selecionada e vou entrar em meus níveis, que é o Comando L no seu teclado. Você também pode chegar lá indo para imagem, ajustes, níveis. Aqui em seus níveis, você tem esses três conta-gotas. O que queremos está aqui na extrema direita, vá em frente e clique nisso e é assim que experimentamos nossos pontos brancos. Vou ampliar minha aquarela, Command, plus, plus, plus, plus, plus, plus. Encontre uma área branca nesse papel e simplesmente clique uma vez. Muito, muito pequena diferença, mas o que isso fez foi iluminar a composição geral e conseguiu que as áreas mais amplas fossem brancas, que é mais natural para a forma como o original era pintado. Eu vou em frente e pressionarei “Ok” e depois encaixo minha composição na tela, que é o Comando 0 no seu teclado. Vou te mostrar o antes e depois aqui na minha história. Antes de definir o ponto branco, parecia assim. Depois de definir o ponto branco, ficou assim. Mudanças muito pequenas. A próxima coisa que quero fazer é selecionar essa textura de papel para que possamos isolá-la do plano de fundo. Mais uma vez, quero ter certeza de que minha camada está selecionada. Vou duplicar essa camada pressionando Command J no meu teclado e, em seguida, clicando e ocultando a visibilidade dessa camada original. Vamos voltar para essa camada original um pouco mais tarde. Mas, por enquanto, posso simplesmente ir em frente e escondê-lo e podemos nos concentrar nessa camada duplicada. Para selecionar o plano de fundo, vou usar uma ferramenta chamada varinha mágica. Para chegar lá, você pode pressionar “W” no seu teclado ou indo até a barra de ferramentas, clicando e segurando e certificando-se de que a ferramenta Varinha Mágica está selecionada. A última coisa que vou fazer é clicar onde diz contíguo, para desligar isso. Com contíguo ligado, se eu fosse selecionar, digamos que esta área rosa, ela só vai pegar os rosa que estão se tocando dentro de uma tolerância de 32. Se eu desligar contíguo e fizer a mesma coisa, ele selecionará todos os rosa em toda a tela, mesmo que eles não estejam se tocando diretamente dentro da mesma tolerância de 32. Se eu fosse trazer essa tolerância até 99 e selecionar os rosa, você pode ver muito mais selecionado, até mesmo as coisas que eu não quero necessariamente pegar. Vamos clicar em “Comando D” para voltar para onde eu estava. Coloque essa tolerância de volta em 32. É um bom ponto ideal. Certifique-se de que o contíguo esteja desligado. Com minha varinha mágica selecionada, vou clicar em qualquer lugar da área branca para selecionar essa textura de papel. Posso pressionar “Z” no meu teclado e aumentar o zoom. O que estou procurando é garantir que toda essa textura de papel branco seja selecionada. Não me importo muito que haja alguns estranhos aqui porque eles não estão tocando a pintura em si. Desde que essa textura de papel seja selecionada, estou pronto para ir. Se você precisar adicionar à sua seleção, novamente, pressionando “W” no teclado para alternar para a ferramenta Varinha Mágica, você pode pressionar e segurar Shift no teclado, clicar e adicionar à sua seleção. Vou mostrar-lhe muito rápido, aqui, ele pegou um pouco do branco das áreas mais claras daquela pétala. É por isso que eu realmente gosto de pintar um pouco mais escuro e não ter esse show branco. Porque quando coisas assim acontecem, isso só adiciona um passo extra para mim. Se você tem muitas áreas brancas em sua ilustração, mostrarei como você pode remover o fundo da textura do papel sem cortar sua ilustração, então provavelmente é uma coisa boa isso acontece. Comando 0 para caber na tela. A primeira coisa que vou fazer é inverter minha seleção. Você pode chegar lá indo para selecionar, inverso. O que isso fez é que, em vez de ter o fundo branco selecionado, ele é invertido a seleção para que agora seja minha ilustração selecionada. Agora vou para Selecionar, Modificar, Expandir em um pixel. Vou ampliar e mostrar o que isso se parece. Antes de eu expandir por um pixel, parecia assim, e depois disso adicionou um pouco mais de espaço para respirar em torno nossa ilustração, então não estamos cortando nenhum elemento vital. Por último, mas não menos importante, vou para Selecionar, Modificar, Pena por um pixel e pressionar “Ok”. Você realmente não pode dizer que algo significativo aconteceu, mas o que a pena faz é que ela adiciona um leve desfoque à borda da sua seleção. Sem a pena, se eu cortasse a textura do papel, seria uma linha muito dura, mas ao empolgá-la por um pixel, apenas adiciona um belo borrão suave para que não pareça tão cortado bruscamente. Dessa forma, quando colocamos em uma textura de papel mais tarde, ela se sentirá um pouco mais natural e se misturará um pouco melhor. Vou escrever Command zero para caber na tela. Vou voltar aqui novamente certificando-se de que a camada esteja selecionada e volte para a parte inferior do painel Camadas e clique neste ícone onde diz “Adicionar máscara de camada”. Legal. Esse plano de fundo quadriculado é maneira do Photoshop de indicar que isso é uma transparência. Sempre que você vê essa caixa de verificação cinza e branca, isso significa que não há nada lá. Não há brancura, não há fundo de papel, é simplesmente completamente transparente, o que é exatamente o que queremos. Mas, lembre-se, aqui, temos essa área que foi selecionada e se eu ampliar muito perto, você pode ver que parte da nossa ilustração realmente foi cortada. Você pode ver essas áreas de fundo quadriculadas. Não quero que isso aconteça. Quero manter a integridade da minha obra de arte original então quero pintar isso de volta é por isso que usamos a máscara. Novamente Comande zero para caber na tela. O que vou fazer é aqui no meu painel de camadas, quero ter certeza de que essa camada está selecionada. Vou descer aqui para meus efeitos, que é o ícone fx, clique nele e selecione Color Overlay. Não importa a cor que você tenha aqui, desde que você possa ver muito contraste entre seus elementos e o plano de fundo. Isso não acabou de deixar todos os meus elementos pretos. Estou apenas usando temporariamente para que eu possa ver claramente o que foi cortado e o que ainda está lá. Deixe-me mostrar o que quero dizer. Vou tocar em Z no meu teclado e aumentar o zoom, e agora posso ver claramente as áreas que foram cortadas quando removemos o fundo da textura do papel. Para ilustrar o que quero dizer, você pode alternar e ativar a visibilidade dessa máscara de camada e ver exatamente do que ela está falando. É muito difícil ver que essas áreas foram cortadas aqui, mas quando você liga a sobreposição de cores, ela se torna muito mais evidente. Eu uso sobreposições de cores como uma maneira temporária ver rapidamente o que foi cortado, o que ainda está lá, e quando terminar de finalizar, posso ir em frente e simplesmente remover isso sobreposição de cores. É apenas uma ferramenta temporária para mim, para que eu possa ver um pouco melhor o que está acontecendo no meu computador. O que eu quero fazer é escovar de volta nas áreas que foram removidas quando cortei o fundo da textura do papel. Para fazer isso, vou usar minha ferramenta de pincel, que é B no meu teclado. Você também pode chegar aqui na sua barra de ferramentas, clicando e segurando e certificando-se de que sua ferramenta de pincel esteja selecionada. Em seguida, vou clicar nesta pequena seta ao lado do tamanho do meu pincel, transformar a dureza até 100%, aumentar o tamanho um pouco e voltar aqui para o meu camadas. Quero ter certeza de que não a miniatura da camada, mas a máscara é o que está selecionado. Agora posso pressionar Z no meu teclado, clicar, arrastar e procurar áreas que acidentalmente foram removidas como essa área aqui. Então B no meu teclado me dá meu pincel. Aqui está um pequeno truque prático. Você pode usar o colchete direito e o colchete esquerdo no teclado para alterar o tamanho do pincel sem ter que passar aqui toda vez e fazê-lo manualmente aqui no scroller. É apenas uma pequena maneira útil de mudar rapidamente tamanho do pincel sem ter que voltar sempre para a barra de ferramentas. O que eu quero fazer é pintar de volta nas áreas que foram cortadas. Para fazer isso, quero ter certeza de que minhas cores aqui são brancas em primeiro plano e pretas no fundo. Se eles não forem assim, vá em frente e pressione D no teclado e isso será redefinido para as cores padrão. Se você pressionar X no teclado, ele trocará qualquer que seja a cor do primeiro plano e do plano de fundo. Se você pressionar X novamente, ele voltará ao jeito que era antes. Mas pressionando D, ele vai direto para seus padrões e você pode clicar e usar seu pincel para preencher as áreas que foram cortadas. Só estou procurando aquelas áreas brancas dentro das minhas pétalas e é isso que vou pintar de volta. Se eu trocasse minhas cores de primeiro plano e de fundo, que novamente é X no seu teclado, e eu pintá-lo, eu realmente estaria apagando parte da ilustração. Se eu desligar minha sobreposição de cores, é assim que parece. Definitivamente não quero fazer isso. Vou pressionar o Comando Z no meu teclado algumas vezes para voltar para onde eu estava antes. Lembre-se, você sempre pode ativar e desativar a visibilidade dessa sobreposição de cores, está apenas nos ajudando a ver o que foi cortado e o que não está. A sobreposição de cores está ativada. Vou clicar em Command Minus Minus algumas vezes, e basta percorrer meu quadro de arte e garantir que não haja áreas integrais dentro da ilustração que estejam sendo cortadas. Eu pintei muito escuro nesse original, por isso está parecendo muito bom. Aqui está um aqui. Mais uma vez, D no meu teclado para garantir que sejam as cores padrão do primeiro plano e do plano de fundo. Quero ter certeza de que minha máscara esteja selecionada, não a camada em si, mas a máscara. Pressionarei B no meu teclado para chegar ao meu pincel e vou preencher essa área. Eu definitivamente perdi muito mais neste floral frontal. Mais uma vez, estou apenas preenchendo com meu pincel. Vou aumentar o zoom mais apertado neste, então Z e puxe. Agora você pode ver quando eu desligo a sobreposição de cores, essa área que foi cortada antes está agora de volta à ilustração. Não há grade transparente mostrando através minha pétala de flores, o que é perfeito. Sobreposição de cores novamente, Command Minus Minus e B para chegar ao meu pincel e terminarei de preencher essas áreas. Lembre-se, você pode usar o colchete direito para aumentar o tamanho do pincel e o colchete esquerdo para reduzi-lo. Este é um daqueles momentos em que é realmente importante ter uma tela de computador limpa. Caso contrário, você está tentando apagar essa parte da ilustração e acontece que é apenas um pedaço de poeira na tela. Estou passando e estou procurando áreas dentro da ilustração que foram cortadas que eu quero preencher novamente. Na maior parte, ele está realmente muito bom. Tenho certeza que esta área aqui são as marcas de lápis. Vamos ver, sim, então essas são as marcas de lápis chegando porque eu não as apaguei todo o caminho, é por isso que economiza muito trabalho digital se você for frente e apagar muito completamente em seu papel real, mas vou te mostrar como se livrar desses. Novamente, minha máscara está selecionada, minha sobreposição de cores está realmente desativada para que eu possa ver as marcas de lápis. Vou pressionar B para chegar ao meu pincel, colchete esquerdo algumas vezes para encolhê-lo. Agora vou pressionar X no meu teclado para alternar minhas cores padrão e agora posso simplesmente clicar e apagar essas marcas de lápis com muita delicadeza. Se você estiver removendo essas marcas de lápis e acidentalmente vai um pouco longe demais, esse não é o fim do mundo e é por isso que usamos a máscara em vez de apenas apagar diretamente da camada em si. Quando temos uma máscara no lugar, podemos pintar de volta em qualquer área que removemos acidentalmente. Nesse caso, eu só quero mudar minhas cores de primeiro plano e de fundo aqui, o que novamente é pressionando X no teclado. Então eu posso usar meu pincel e, literalmente, pintar volta na área que foi removida em primeiro lugar. Novamente, pressionando X e trocando minhas cores de primeiro plano e fundo, posso muito delicadamente agora, pintar as áreas onde esse papel está. Máscaras aqui, apenas lhe dão mais flexibilidade. Vou ir em frente e ligar a sobreposição de cores novamente. Então Comando menos, menos, menos, menos para diminuir o zoom algumas vezes e certifique-se de que preenchi o resto das áreas dentro da minha ilustração que foram cortadas. Parece que eu comprei todos eles, o que é fantástico. Mas se você está se perguntando o que vamos fazer sobre todos esses pequenos pedaços e stragglers aqui que definitivamente não queremos em nossa final, é assim que você os remove também. Eu poderia com meu pincel selecionado, passar e me livrar manualmente de tudo isso. Mas quando você está olhando para toda a tela, isso seria muito trabalho, então eu tenho um atalho para você. Aqui na minha camada com minha sobreposição de cores ativada, então minha camada inteira é preta ou qualquer cor que você esteja escolhendo. Vou controlar o clique no nome da minha camada. Novamente, não vou clicar com a tecla Control pressionada na máscara ou clicar de controle na miniatura da camada. Quero ter certeza de que estou passando o mouse sobre nome da minha camada e, em seguida, controle o clique, e vou até aqui para rasterizar o estilo da camada. O que isso fez foi achatar a camada inteira. Agora, não podemos mais ativar e desativar a visibilidade dessa máscara, já que tudo foi achatado. É exatamente por isso que temos nossa camada original salva embaixo com a visibilidade desativada porque acessaremos isso em um segundo. Minha camada está completamente achatada. Ele está selecionado, não a camada original, não conhece a camada, mas essa camada está selecionada. Vou voltar para minhas varinhas mágicas, que lembram que é W no seu teclado ou aqui na sua barra de ferramentas, a ferramenta de varinha mágica. Agora, vou voltar a ligar contíguo, clicar em uma das minhas pétalas para que ela seja selecionada, e lembre-se, com continuidade, só está selecionando as áreas que estão se tocando. O que eu quero fazer é manter pressionada a tecla Shift no meu teclado e clicar e selecionar todas as outras áreas da minha ilustração. Uma boa maneira de testar para ver se todas as suas áreas foram selecionadas é pressionar o Comando X no teclado, o que corta tudo exceto que esqueci totalmente a assinatura, então Command Z para desfazer. Então eu pressionarei Z no meu teclado. Clique e arraste para ficar um pouco mais apertado para que eu possa ver o que estou fazendo. Então eu pressionarei W no meu teclado para voltar às minhas varinhas mágicas. Pressione e segure Shift e clique e pegue todos os pedaços da minha assinatura. Cool Command 0 para caber na tela. Agora, se eu recortar de novo, Comando X, posso ver que todas as áreas importantes dessa ilustração já se foram, e deixei todos aqueles pequenos pedaços e pedaços mais estranhos para trás, que é exatamente o que eu quero fazer. Comando Z para colocá-lo de volta no lugar, Comando 0 para caber de volta à tela para que eu possa ver o que estou fazendo. Agora, com tudo selecionado, vou até aqui para o meu painel de camadas, desligar a visibilidade dessa camada preta. Ative a visibilidade do meu clique original e certifique-se de que minha camada original esteja selecionada. Vá para Selecionar, Modificar, Pena, um pixel. Pressione “Ok” e vá para Editar, Cortar. Agora vamos para Editar, Colar Especial, Colar no Lugar, e você pode ver que sua ilustração foi colada exatamente onde foi cortada. A razão pela qual isso é tão importante é agora, se você for até o painel de camadas, você pode ir em frente e pressionar Excluir nessa camada de fundo e selecionar essa camada preta. Pressione Excluir também e agora você tem sua ilustração com o plano de fundo perfeitamente removido. É exatamente assim que eu removo o plano de fundo cada papel aquarela que digitalizo no meu computador. Parece que há muitos passos, mas se você continuar praticando, chegará a um ponto em que parece muito intuitivo e você passará por todos esses passos de forma muito perfeita. Para mim, demora cerca de cinco minutos para excluir esse fundo de textura de papel porque eu vou tão rápido agora. É apenas o passo 1, passo 2, passo 3. Quanto mais você praticar, melhor você terá e você se sentirá muito mais confortável com o processo. Agora que nossos elementos foram isolados do plano de fundo, vamos em frente e salve. O Comando S salvará esse arquivo. Essas são as etapas para remover o fundo da textura do papel. Quero salientar aqui que existem muitas maneiras diferentes de remover o fundo da textura do papel no Photoshop. Esta é apenas a maneira que funciona melhor para mim. Se você não pode dizer que sou muito preciso sobre a forma como eu removi esse plano de fundo. Eu queria me sentir o mais suave e natural possível, é por isso que passo todo esse tempo emplumando apenas um pixel, repintando nessa máscara manualmente, ajustando o ponto branco. Tudo isso muito minuciosamente detalhado. No final do dia, estou ganhando a vida licenciando minha obra de arte em nível profissional, modo que atenção extra aos detalhes realmente importa. Provavelmente levará algumas tentativas antes de você realmente entrar no balanço da remoção desse fundo de textura de papel, e isso é totalmente normal. Você pode rebobinar este vídeo o quanto precisar até se sentir confortável com o processo. Definitivamente marquei muitos vídeos quando eu estava começando Photoshop e aprendendo o básico. Agora que seus elementos foram completamente removidos do plano de fundo, é hora de prepará-los em um padrão contínuo. 9. Prepare seus elementos: [MÚSICA] Agora é hora preparar e polir seus elementos para que possamos organizá-los em um padrão perfeito. Antes de fazer isso, vá em frente e salve seu progresso. É sempre uma boa ideia economizar à medida que você vai. Para mim, isso é apenas um simples Command S. Primeiras coisas primeiro o que vamos fazer é ajustar essa vibração de cor. Como mencionei com a digitalização, às vezes a vibração original e a saturação de suas cores podem se perder um pouco nesse processo de digitalização, o que não é grande coisa, podemos ir em o que não é grande coisa, frente e trazer isso de volta no Photoshop. Vou te mostrar como. Primeiro de tudo, quero ter certeza de que essa camada está selecionada. Se não estiver selecionado, basta ir em frente e tocar nele uma vez e certifique-se de ver a caixa delimitadora ao redor dela. Comando 0 para caber na tela. A primeira coisa que vou fazer é abrir a tonalidade e a saturação. Você pode chegar lá pressionando Command U no teclado ou subindo para ajustes de imagem, matiz e saturação. Mais uma vez, o que vejo aqui no meu papel é realmente exuberante, vibrante e saturado. Na tela. Está um pouco perdido. Vamos trazer isso de volta. Com meu menu de matiz e saturação aberto, vou clicar no botão ao lado da saturação e trazê-lo um pouco. Quando você tiver essa caixa de visualização marcada aqui, você poderá ver em tempo real as alterações que está fazendo. Todo o caminho para a esquerda, desatura completamente sua arte. Todo o caminho para a direita, torna muito, muito vibrante. Não precisamos de nada tão louco. Vou voltar para o centro e apenas trazê-lo um pouco. Acho que 22 é um bom ponto ideal lá. Eu vou em frente e pressionarei “Ok”. Mais uma vez, você pode ir até aqui para sua história para ver o antes e o depois. Mudanças muito sutis, mas isso é ótimo. Em seguida, quando olho para trás aqui para o meu original, vejo que os tons são bem profundos e escuros em algumas áreas, e quero ir em frente e trazer isso volta para a minha versão digitalizada. Para isso, vamos usar nossos níveis. Novamente, certificando-se de que sua camada esteja selecionada, você pode obter dois níveis pressionando o Comando L no teclado ou subindo aqui para imagem, ajustes e níveis. Agora esta é a mesma ferramenta que usamos anteriormente quando estávamos definindo esse ponto branco aqui. Não vamos fazer isso desta vez. Em vez disso, vou me concentrar aqui nos níveis de entrada. Se você arrastar este botão para a esquerda até a direita, sua ilustração fica muito, muito profunda e escura, e se você fosse trazer esse botão para a direita até a esquerda, fica muito, muito leve. Essa alternância no meio é para definir esses tons médios. Geralmente, eu realmente não uso essa alternância do meio com muita frequência. Em vez disso, gosto de brincar com as alternâncias direita e esquerda. A primeira coisa que vou fazer é ir até aqui para o meu botão esquerdo e ver o que acontece se eu apenas levá-lo um pouco para a direita. Gosto de como isso está realmente aprofundando a escuridão aqui, mas não quero ficar muito escuro aqui na minha folha, então acho que vou parar aqui às 23. Da mesma forma, vamos ver o que acontece se eu trouxer meu botão direito para dentro apenas um pouco. Acho que vou trazê-lo um pouco. Se eu trazê-lo muito mais longe, então essas áreas mais leves ficam um pouco brancas demais. Esta não é uma ciência exata. Isso é realmente apenas se resumindo à preferência pessoal. Este sou eu olhando para minha ilustração determinando o quão escuro eu quero que ela fique, quão leve eu quero que ela fique, quão saturada, etc. Para você, basta inclinar-se em quais são suas preferências pessoais e divirta-se com ele e brinque um pouco. Depois de encontrar um ponto ideal aqui, você pode ir em frente e pressionar “Ok”. Mais uma vez, mostrarei antes de fazermos todos esses ajustes e depois. Então, mudanças muito pequenas, mas acho que isso faz uma grande diferença no geral. Entraremos em ambas as ferramentas um pouco mais tarde, quando estivermos jogando com esses ajustes de cor, mas por enquanto, vamos continuar e terminar preparar nossos elementos para o padrão contínuo. Se você der uma olhada aqui, todos os nossos elementos estão em uma única camada. É indicado aqui no painel de camadas. O que eu quero fazer é separar esses elementos para que eu possa mover apenas uma folha sem que tudo o resto se mova. Lembre-se, vamos juntar esses elementos como um quebra-cabeça, então é importante poder mover um de cada vez. Para fazer isso, vou usar minha Ferramenta Laço, que lembre-se de que é L no seu teclado. Ou você pode ir até a barra de menus, selecionar e segurar, e você tem suas opções de Laço. O Laço regular significa que você pode simplesmente desenhar exatamente o que você quer que sua seleção seja. Isso é ótimo porque lhe dá muita flexibilidade. O laço magnético, Lassos em torno de formas. Então este não sou eu desenhando perfeitamente, este é o Laço determinando onde estão os limites. Eu uso este de vez em quando também, mas não agora. A Ferramenta Laço que eu realmente vou usar para isso é o Laço poligonal. Este é o Laço que desenha essas linhas perfeitamente retas e para mim é um pouco mais rápido usar este quando estou isolando formas. Literalmente, a maneira como funciona é você apenas clicar em seus pontos de ancoragem para selecionar em torno de toda a sua peça. Você não precisa conectá-lo perfeitamente ao início. Você pode clicar duas vezes e ele terminará a seleção. Como mencionei, quero ter cada um desses elementos separados em sua própria camada. Com minha primeira seleção concluída, vou cortá-la pressionando o Command X no meu teclado e, em seguida, cole-o de volta no lugar, que é o Command V shift, tudo de uma só vez. Você também pode colar no lugar acessando Editar, Colar Colar especial no local. Apenas uma dica profissional aqui, se você esquecer um comando chave, eles estão listados aqui à direita como um pequeno lembrete, se você quiser usá-los mais tarde. Então Colar no Lugar é literalmente Shift Command V e lá o temos. Agora, se você der uma olhada aqui no painel de camadas, você pode ver que os Elementos de Herói estão em sua própria camada. Isso significa que você pode vir aqui e clicar, puxar seus elementos, girá-lo se quiser. O importante é que ele está em sua própria camada, então temos mais flexibilidade. Queremos ir em frente e fazer isso para todos os outros elementos do nosso Canvas. Dica profissional aqui. Neste momento, essa camada está selecionada. Se eu fosse, vamos apenas ir em frente e mergulhar nele. Laço ao redor desta flor, então L para chegar ao meu laço, lembre-se que estou usando meu laço poligonal. Se eu fosse cortar essa flor e ir para Editar Corte, vou receber esse erro e a razão que isso está acontecendo é porque dê uma olhada aqui, eu não estou na camada correta. Tudo o que você precisa fazer é ter certeza de que você está na camada original do elemento que você está tentando lasso e tente isso novamente. Edite, corte, perfeito. Lembre-se de Shift Command V colá-lo no lugar. Agora temos essa flor virada para a frente inteiramente em sua própria camada. Vou acelerar um pouco isso e terminar de isolar esses elementos, certificando-se que a camada de elementos principais esteja selecionada. Pressionarei L para chegar ao meu Laço, Comando X para cortar, Shift Command V para colar, enxaguar e repetir. Volte para minha camada. Não se esqueça de sua assinatura aqui. Corta o Shift Command V para colar. Vamos seguir em frente e pegar o resto desses elementos usando esse mesmo processo. Vou pressionar Z e puxar esses elementos, pois eles são pequenos e, em esses elementos, pois eles são pequenos e seguida, pressione L para voltar ao meu Lasso e Command 0 para caber na tela. Vou ativar e desativar a visibilidade dessa camada original. Legal, só para garantir que esse ponto laranja seja o último bit. Você pode verificar novamente tendo essa camada original selecionada e pressionando o Comando T para abrir a transformação e você deve ver que essa caixa de limite está apenas na última forma, que é. Fuja para sair da transformação. Agora temos todos os nossos elementos em suas próprias camadas individuais aqui, que é exatamente onde queremos estar. O último passo que precisamos fazer para terminar de preparar nossos elementos antes de começarmos a organizar um padrão contínuo é transformar cada uma dessas camadas em um objeto inteligente. No próximo vídeo, quando começarmos a organizar esse bloco de padrões, usaremos uma ferramenta no Photoshop chamada Pré-visualização de padrões. Esta é uma ferramenta realmente poderosa no Photoshop. É essencialmente o que nos permite criar esses padrões contínuos com muita facilidade. Mas a chave para fazer isso funcionar é cada uma de nossas camadas aqui, cada elemento precisa ser um objeto inteligente. Neste momento, eles não são. Vamos mergulhar um pouco mais fundo em objetos inteligentes em nosso próximo vídeo. Mas, por enquanto, vamos continuar e terminar a preparação ou os elementos, então vou começar com o topo da pilha aqui, selecionar essa camada e subir aqui até a minha barra de menus superior e clicar em “Camada”, Objetos inteligentes Converter em objeto inteligente. Se você olhar para o seu Canvas, você não pode realmente ver que algo aconteceu. Mas aqui, no painel de camadas, você verá esse indicador no canto inferior direito da miniatura da camada e essa é a maneira do Photoshop de mostrar que este é um objeto inteligente, não uma camada rasterizada normal. Queremos ir em frente e fazer exatamente a mesma coisa para todos os outros elementos em nosso painel de camadas. Então, há muitas camadas aqui. Acho que conto 17 ou 18. Vou mostrar como agilizar esse processo criando seu próprio atalho personalizado. Aqui em cima, na barra de menus superior, vá em frente e clique em “Editar” até os atalhos de teclado inferiores. Alterne o quilate ao lado de Camada. E você quer rolar para baixo até ver um objeto inteligente, que se eu me lembrar corretamente, ele deve estar na parte inferior. Perfeito, aqui estão objetos inteligentes. Vá em frente e clique onde diz Convert to Smart Object e é aqui que você pode inserir seus próprios comandos de chave personalizados. Vou pensar em um comando chave que eu realmente não uso para mais nada, que é o Comando Y. Vou digitar essa ação como se estivesse fazendo o comando de chave de verdade. Então, o Command Y e o Photoshop estão me dizendo que esse comando de chave já é usado para cores de prova. Mas nunca uso essas cores à prova de comando. Na verdade, eu nem uso essas cores à prova de ferramentas no Photoshop. Vou ir em frente e substituí-lo e fazer disso meus próprios comandos de chave personalizados. Vou simplesmente clicar em “Aceitar”. Perfeito. Agora posso pressionar “Ok”. Agora posso passar por todas as minhas camadas e clicar em Comando Y no meu teclado e ele será convertido automaticamente em um objeto inteligente. Esta é apenas uma maneira de eu economizar tempo. Em vez de sempre ir até aqui para Layer Smart Object Convert to Smart Object, posso simplesmente passar por minhas camadas e pressionar rapidamente o comando chave, Command Y, [NOISE] e fazer com que todas elas sejam feitas muito rapidamente . Perfeito. Neste ponto terminamos de preparar nossos elementos. Vamos continuar e salvar, então Command S. O próximo passo será organizar todos esses elementos em um padrão contínuo. 10. Organize o bloco: Agora que terminamos todo esse trabalho de preparação, concebemos, esboçamos, pintamos, removemos o plano de fundo, preparamos esses elementos. Tudo vem se acumulando até este momento, o que está organizando esses elementos em um padrão perfeito sem emenda. Vamos prosseguir e começar. Lembrete rápido para seguir em frente e salvar seu progresso, então “Command S”. Agora queremos iniciar uma nova tela. “Command N” no teclado abrirá um novo documento. Quero ir até aqui para onde diz polegadas e alterá-lo para pixels e ter meus pixels de 12.000 por 12.000. resolução deve ser de 300 PPI e o modo de cor deve ser RGB. O resto de suas configurações deve corresponder ao que eu tenho aqui. Doze mil pixels é o equivalente aqui mostrarei se mudarmos para polegadas, são 40. Doze mil pixels é a mesma coisa que 40 por 40 polegadas. O que estamos fazendo aqui é o bloco, que é aquela parte do padrão que se repete infinitamente. Um bloco de 40 por 40 polegadas é realmente bastante enorme. Para ser totalmente honesto, qualquer coisa de 5.000 pixels ou mais funcionará aqui como um bloco. Eu só prefiro trabalhar em arquivos realmente grandes caso eu precise usar esse bloco completo de 40 polegadas mais tarde. É por isso que prefiro usar tipos de arquivos maiores. Mais uma vez, qualquer coisa de 5.000 pixels ou mais funcionará aqui. Eu só prefiro trabalhar em telas gigantescas. Escolha um tamanho de pixel que funcione melhor para você. Mas vou seguir em frente e trazer o meu de volta para 12.000 por 12.000. Mais uma coisa que quero salientar é que você quer ter certeza de que a prancheta está desligada. Se você vir uma marca de seleção aqui, vá em frente e clique nela uma vez para desabilitá-la. Porque a ferramenta que usaremos posteriormente chamada Padrão Preview não funciona se a prancheta estiver ativada. Certifique-se de que está desligado. Novamente, todas essas outras configurações permanecem as mesmas, vou em frente e pressionarei “Criar”. A primeira coisa que vou fazer agora que tenho essa nova tela criada é salvá-la. File Save As, vou salvar no meu computador, na minha área de trabalho nesta pasta chamada Sweet Florals. Vou clicar aqui em baixo, onde diz SweetFlorals.psd para preencher automaticamente meu nome de arquivo. Vou adicionar um bloco ao final disso. Neste momento, é um PSD, que é um formato Photoshop. Na verdade, vou mudar isso para um formato de documento grande, que mudará a extensão aqui para PSB. Um arquivo do Photoshop e um arquivo de formato de documento grande são essencialmente exatamente a mesma coisa. A única diferença é que Arquivo de Formato de Documento Grande permitirá que você salve seu arquivo para ter mais de dois gigabytes. Arquivos Photoshop padrão, que novamente nosso PSD, eles só permitem que você vá até dois shows ou menos. Mas como estou usando um tamanho de tela tão grande e vou ter muitas camadas aqui quando começarmos a entrar em ajustes de cores, meu arquivo pode muito bem ter mais de dois gigabytes. Para ir em frente e me preparar para isso agora, quero seguir em frente e me certificar de que Arquivo de Formato de Documento Grande está selecionado e verificar se minha extensão aqui é PSB. Novamente, a única diferença aqui é que isso vai me permitir salvar arquivos em dois gigabytes, o que este pode ser. Sweetflorals-block.psb está pronto para entrar na minha pasta de florais doces. Vou em frente e pressionarei “Salvar”. Novamente, você quer vir aqui e olhar sua guia e garantir que esse nome de arquivo tenha mudado. Se ainda disser sem nome, vá em frente e feche-o pressionando esse X. Em seguida, volte para sua pasta, encontre esse arquivo de bloco e clique duas vezes nele para abrir no Photoshop. Em seguida, dê uma olhada aqui em suas guias para garantir que o nome do arquivo correto esteja lá. Às vezes, o Photoshop pode ficar um pouco de buggy com esse comando Salvar como, então eu sempre quero verificar minhas guias e me certificar de que estou no nome do arquivo certo. A regra de ouro dos padrões sem emenda é o que for cortado em um lado do seu bloco deve ser repetido perfeitamente nesse outro lado. Dessa forma, quando esse padrão é repetido e empilhado, ele se alinhará perfeitamente todas as vezes. Eu costumava fazer isso manualmente no Photoshop. Mas agora, com essa ferramenta de visualização de padrões, torna muito mais simples para mim criar meus padrões porque ela vai fazer essa parte por mim. Vou te mostrar como. Assim como antes de termos nossas duas abas aqui. Temos a guia florais doces com todos os nossos elementos nele e, em seguida, temos o arquivo de bloco aqui. O que eu quero fazer é ir em frente, selecionar minha guia de florais doces, separá-la das outras. Em seguida, passe, clique na minha camada inferior, role até a parte superior e selecione todas as minhas camadas pressionando Shift e clicando. Isso foi adiante e pegou todos eles. Agora posso clicar em minhas camadas e arrastá-las para esta nova tela aqui. Eles estão todos sendo cortados da página, mas tudo bem porque você os vê aqui no painel de camadas. A primeira coisa que quero fazer é trazê-los todos para o centro da tela. Quero que minha ferramenta de movimentação seja selecionada, que novamente é V no seu teclado. Então, aqui, neste menu superior, posso clicar neste ícone para centralizar tudo em um eixo vertical e este ícone aqui para centralizar tudo perfeitamente. O Comando T selecionará tudo. Eu posso apenas trazê-lo aqui até o fundo da minha tela, fora do caminho e pressionar “Enter” para definir essa transformação. Vá em frente e clique em qualquer lugar tela para cancelar a seleção de todas essas camadas. Novamente, com essa ferramenta de movimentação selecionada, que é V, quero ir até aqui e verificar novamente e garantir que a seleção automática esteja ativada. O que isso significa é que posso ir até aqui, clicar e arrastar minha camada. Se a seleção automática não ativada e eu tentasse pegar uma dessas camadas, ela só moveria a camada selecionada aqui no meu painel de camadas. Se eu tentar pegar essas coisas, ainda é aquela camada selecionada porque você só pode fazer seleções no painel da camada. Eu não quero isso, então vou passar por aqui, ativar a seleção automática, ativar a seleção automática, e agora posso pegar esses elementos à medida que eles vierem. Lembre-se, o que for cortado em uma parte da tela deve ser repetido perfeitamente aqui na parte inferior. Eu costumava fazer isso manualmente, e vou mostrar um exemplo rápido de como você não precisa acompanhar essa parte. A maneira que eu uso para garantir que sempre que fosse cortado duplicado perfeitamente na parte inferior era eu me certificar de que essa camada foi selecionada. Pressione “Command J” no meu teclado para duplicar a camada, “Comando T” para abrir a transformação. Como eu gostaria que isso fosse perfeitamente duplicado no eixo vertical, eu iria até aqui para meus números e atingiria mais 12.000. Porque, novamente, é o tamanho das minhas telas quadradas e , em seguida, pressione “Enter” duas vezes para definir a transformação. Agora você vê que o que está sendo cortado na parte superior é perfeitamente repetido na parte inferior. Se eu tivesse essa flor sendo cortada aqui, eu faria a mesma coisa. Com essa camada selecionada, eu pressionaria “Command J”, “Command T” para abrir a transformação, e aqui no eixo x, eu pressionaria mais 12.000, Enter duas vezes e seria perfeitamente cortado para que a outra parte se repita aqui. Novamente, essa é a maneira antiga de fazer as coisas, mas agora com o Pattern Preview, isso torna muito mais simples e eu não preciso mais fazer isso manualmente. Vou te mostrar como. Primeiro, vou excluir essas peças extras, pois não preciso mais delas. Vou mover tudo de volta para onde estava para que possamos começar com uma ardósia limpa. Vou subir para a visualização do padrão de visualização. Você verá aqui que o Padrão Preview funciona melhor com objetos inteligentes, é por isso que fomos em frente e fizemos todas essas camadas objetos inteligentes na lição anterior para que ela funcione com essa ferramenta. Vou em frente e pressionarei “OK”. Agora, se você diminuir o zoom, então “Comando menos”, menos, você verá que ele já está duplicando esse padrão. Está fazendo dele um padrão perfeito para nós. É difícil dizer agora porque todos os nossos elementos estão espremidos aqui para baixo neste canto inferior. Mas quando começarmos a movê-los, você verá a verdadeira magia dessa ferramenta. Vou pressionar “V” no meu teclado para voltar à minha ferramenta de movimento. Agora, se eu clicar em um desses elementos e movê-lo, você poderá ver que ele se move para todo o padrão. Aqui com este quadrado azul, esta é a nossa tela real. Esse quadrado azul tem na verdade 40 por 40 polegadas. Você pode ver aqui quando a ponta daquela flor está sendo cortada daquele quadrado azul, ela está aparecendo aqui embaixo na parte inferior. Essencialmente, esta ferramenta de visualização de padrões nos permite ver exatamente como esse padrão se parece como uma repetição em tempo real. Não precisamos fazer nenhuma das contas. Não precisamos cortar perfeitamente nossos elementos e repeti-los do outro lado manualmente. Está fazendo tudo por nós. Vou clicar em “Command plus”, mais algumas vezes apenas para chegar um pouco mais perto. A maneira que eu gosto de construir meus padrões de repetição é começando com os maiores elementos e depois movendo-se para baixo, então o maior, o segundo maior. Então eu uso esses enchimentos detalhados para preencher as lacunas. Vou te mostrar como eu construo. Tenho meus maiores elementos aqui. Vou trazer minha floração completa ao lado dela. O que eu quero fazer é encontrar áreas onde pareça um bom ajuste confortável. Talvez eu gire esse elemento Herói um pouco. Clicando nele para selecioná-lo, pressionarei “Command T” no meu teclado para abrir a transformação. Posso girar um pouco assim, então parece um pouco mais gracioso. Perfeito. Novamente, você pode ver quando eu movo esse elemento, todas as outras replicações do mesmo elemento herói também estão se movendo, o que é bem legal. Entre para definir a transformação e novamente com minha ferramenta de movimento selecionada, que é V no meu teclado e novamente, procure oportunidades para colocar esses elementos onde eles se sintam agradáveis e naturais e suave. Aqui está a coisa legal. você não precisa apenas usar elementos de um herói. Podemos duplicá-lo e usá-lo algumas vezes diferentes em nosso bloco. Vou seguir em frente e fazer isso agora antes de começar a me movimentar por todos esses elementos médios e detalhados. Porque, novamente, estou trabalhando de grande a pequeno. Isso me dará a melhor oportunidade de encaixar as coisas de uma forma agradável e natural. Com minha ferramenta de movimento selecionada, que é V, vou em frente e clique em “Uma vez “em nossos elementos heróis. Você pode ver que isso significa que ele é selecionado aqui em nosso painel de camadas e , em seguida, pressionarei “Command J” para duplicar essa camada. Agora, aqui no nosso painel Camadas, você pode ver que na verdade há dois aqui. É difícil dizer na prancheta porque a camada superior está cobrindo perfeitamente a camada inferior. Mas podemos usar nossa ferramenta de movimentação, separá-la um pouco e encontrar outro lugar no Canvas para ela. Uma coisa com padrões contínuos é que você não quer necessariamente ver onde esse bloco começa e pára. A ideia é que todo o padrão deve parecer uma imagem muito fluida. Para fazer isso, eu não quero que meus elementos pareçam muito repetitivos, então um truque que eu tenho é usar a ferramenta de transformação, vou virar. Com meu segundo elemento herói aqui, já está selecionado. Vou pressionar “Command T” no meu teclado e , em seguida, clique com a tecla Control e escolha “virar horizontal”, perfeito. Com a ferramenta de transformação ainda selecionada, vou até aqui até ver aquela seta curva de duas cabeças e vou reposicionar isso um pouco. Talvez isso esteja aqui na parte inferior dos elementos. Pressione “Enter”, novamente, vamos chegar a todos esses caras em um pouco, não enfatize que eles estão lá. Vamos seguir em frente e duplicar esse elemento herói também, então eu vou clicar nele uma vez para garantir que ele esteja selecionado aqui no painel Camadas. Em seguida, pressionarei “Command J” para duplicar essa camada, “Comando T” para abrir a transformação. Mais uma vez, vou clicar com a tecla Control pressionada e virá-lo horizontalmente. Talvez eu coloque este aqui em cima. Novamente com uma transformação selecionada, vou redimensioná-la um pouco para que ela se encaixe muito bem nessa área e depois pressionarei “Enter”. Legal. Agora é hora de começar a passar para os elementos médios. Agora temos nosso outro herói bloqueando o caminho. O que vou fazer é clicar nesse herói uma vez para selecioná-lo no painel de camadas e movê-lo para baixo para a parte inferior do painel Camadas. Você pode fazer isso manualmente clicando e arrastando sua camada para baixo ou você pode fazer o que eu faço, que são os comandos principais, que são “Shift Command Left Bracket” e que o move todo o caminho para na parte inferior do painel Camadas para que agora todos esses elementos médios e detalhados fiquem acima dele, para que sejam fáceis de clicar e se mover. Neste ponto, vou usar as ferramentas que acabei explicar e organizar esse bloco que ele se sinta agradável e confortável, V para obter minha ferramenta de movimentação e vou apenas procurar oportunidades para caber esses elementos em, de uma forma que parece realmente natural. Pode ajudar a começar com um canto da tela e lentamente chegar aos outros quadrantes. Uma coisa que eu quero experimentar é ter esses elementos se sobreponham. Afinal, o original foi pintado em aquarela , então ter diferentes seções se sobrepõem poderia parecer muito legal. Se eu aumentar o zoom aqui, que novamente é Z, e depois puxando, se eu tiver essas duas folhas sobrepostas, uma fica claramente em cima da outra e não parece muito natural como aquarela. O que vou fazer é aplicar um modo de mesclagem a todas as camadas. Vou rolar até o topo do painel de minhas camadas, selecionar essa camada superior, rolar até a parte inferior, pressionar e segurar “Shift” no meu teclado e selecionar nossa camada final para que todas as nossas camadas são selecionados. Então eu vou chegar aqui para onde diz normal e mudar o modo de mesclagem para multiplicar. Legal. Vá em frente e clique em qualquer lugar do seu Canvas para desmarcar suas camadas e agora, quando você mover camadas umas sobre as outras assim, você verá como essas duas cores se misturam de uma maneira realmente bonita. Porque é assim que as aquarelas funcionam, há um meio transparente. Usar um modo de mesclagem como multiplicar pode ajudá-lo a se sentir muito mais natural. “Comando zero” para caber na tela e como apliquei esse modo de mesclagem de multiplicação a todas as camadas, você verá isso com tudo. Qualquer parte que nos sobrepomos, você verá que o modo de mistura de transparência vem, o que é muito legal. Vou continuar organizando meus elementos no quadro “Command Minus” para ver meu quadro em sua totalidade novamente e vou terminar essa seleção. Uma coisa que vou fazer é duplicar esse elemento herói mais uma vez. Novamente, clicando nessa camada para selecioná-la, pressionarei “Command J”, “Command T” para abrir a transformação e, na verdade, vou diminuir esta clicando um canto e arrastando caiu um pouco. Agora eu só tenho que encontrar um lugar para isso. É por isso que é realmente útil trabalhar de grande a pequeno caso contrário você fica sem pontos para seus elementos. Essa área está muito boa. Pressionarei “Enter” para definir a transformação e começar a reorganizar. Lembre-se de clicar para selecionar a camada “Command J” para duplicá-la, "Command T” para abrir a transformação e você pode mexê-la e encontrar um bom local para ela. Se uma área estiver parecendo um pouco homogênea demais em uma cor, vou trazer outra cor apenas para separá-la um pouco. Porque lembre-se, eu quero que esse padrão se sinta bem e mesmo quando ele se repete, pego minha outra folha para que V pegue minha ferramenta de movimentação, clique e selecione “Comando J” para duplicar essa camada, “Comando T “para abrir a transformação e agora vou encontrar alguns pontos para isso. Pode fazer uma boa sobreposição aqui também, eu tenho esses pontos aqui. Posso começar a colocá-los em áreas um pouco mais refinadas. Não se esqueça que você tem sua assinatura aqui também. Vou esperar até que meu bloco esteja completamente organizado antes de lidar com isso. Neste ponto, estou procurando lacunas no meu padrão que devem ser preenchidas. Você pode diminuir o zoom a qualquer momento e ver como isso está se unindo, e ter um bom vislumbre geral para garantir que ele seja realmente agradável, fluido e uniforme. Mas agora estou vendo essas lacunas aqui, que está bem aqui no meu quarteirão. Quero ir em frente e preencher isso. Command plus, plus, plus, plus. Eu vou em frente e preenchê-lo com esta flor aqui embaixo. Vou selecioná-lo, clicar em “Command J” para copiá-lo, “Command T” para abrir a transformação e quero encontrar um bom lugar confortável para ele. Agora, se eu diminuir o zoom novamente, você pode ver que a lacuna foi preenchida e parece muito melhor. Neste ponto, vou apenas passar, começar a duplicar meus pontos e realmente preencher essas lacunas extras para que pareçam muito cheias. “Command 0" para caber na tela, e vamos começar a ajustar. O que eu quero fazer aqui é colocar os pontos coloridos quentes em áreas que tenham cores frias ao lado dele, e colocar esses pontos legais em áreas onde há muitos tons quentes. Isso ajudará a quebrar um pouco o padrão e sentir muito mais tons uniformes. Uma coisa que eu quero notar aqui é esses pontos azuis sendo perfeitamente horizontais do outro vai ser um pouco distrativo no padrão para ter uma linha tão forte. Em vez disso, eu poderia trazer esse ponto aqui um pouco para quebrar a monotonia. Você vai notar que estou girando esses pontos quando os coloco no lugar, e isso só os ajuda a se sentirem um pouco mais variados, especialmente com esse ponto onde ele tem esse forte contraste entre o índigo e a turquesa. Basta girá-lo em ângulos diferentes ajuda a se sentir um pouco mais variado nesse padrão geral. À medida que chegamos a áreas mais apertadas, você pode querer diminuir o tamanho de alguns desses elementos de enchimento. Acho que é hora de outro teste de globo ocular, então vou diminuir o zoom. Comande menos, menos, menos e veja como esse padrão está parecendo. Honestamente, acho que isso está muito incrível. Parece muito tonificado. Não há lacunas óbvias ou aglomerados de uma cor que não sejam divididos uniformemente com outra cor. Mesmo nessas áreas onde há muito rosa acontecendo, tenho algumas dessas folhas turquesa e índigo que ajudam a separar um pouco. Se você continuar ampliando, então “Comando menos”, menos, menos, menos, você verá o quão apertado esse padrão realmente fica, o que é um pouco louco. “Command 0" para encaixar de volta à minha tela e caber na tela. A última coisa que eu quero fazer é encontrar um bom lugar para ficar na minha assinatura. Vou clicar na minha assinatura. É difícil pegar, na verdade, então eu vou pressionar “Z” e puxar, V para chegar à minha ferramenta de movimento e agora vou clicar nela, perfeito. “Command 0" para caber de volta à tela e “Command T” para abrir a transformação. A chave para adicionar sua assinatura ao seu bloco de padrões é encontrar uma maneira de colocar sua assinatura, onde ela não é muito óbvia ou distrativa, mas flui muito bem com o ilustração. Se sua assinatura fosse gigante e enorme e esse bloco for repetido a cada 10, 20, 30 polegadas, pode parecer um pouco distrativo. Dentro deste bloco, quero encontrar um lugar para essa assinatura onde eu possa simplesmente colocá-la e ela não se destaque demais. Acho que o local para isso vai estar aqui nesta folha escura. Novamente, vou girá-lo, diminuí-lo um pouco para caber e pressionar “Enter” para definir essa transformação. Se você está olhando para isso e acha que sou louco porque eu apenas escondi minha assinatura, ouça-me. Com essa camada de assinatura selecionada, vou subir aqui para o meu modo de mesclagem e alterá-lo para Tela. Agora fica muito mais evidente. Vou ampliar ainda mais apertado, então Z e puxar. A única coisa que eu não gosto é que ele tem esse efeito halo. Isso é realmente uma solução muito rápida. Só vou inverter essa assinatura. “Comando I” no meu teclado; ou subindo aqui para Imagem, Ajustes, Inverter. Está um pouco fraco agora, então eu quero trazer essa brancura. Vou clicar em “Command L” no meu teclado para abrir meus níveis e pegar esse botão à direita e trazê-lo em palavras para que minha assinatura fique branca brilhante. Vou pressionar “OK”. “Command 0" para caber na tela. Vou diminuir o zoom algumas vezes e ver como isso parece. Acho que vou encolher e torná-lo um pouco menor, porque mesmo isso é um pouco intenso demais para mim. Novamente, quero que minha assinatura nesse bloco realmente reforce minha marca, mas não quero que seja tão óbvio onde será uma monstruosidade. Z, e eu vou puxar, novamente essa camada de assinatura está selecionada, então eu vou pressionar “Command T”. Vá em frente e pressione “OK”, isso não me incomoda. Vou encolhê-lo, apenas torná-lo um pouco menor naquela folha. Pressione “OK” e agora volte para tela cheia, “Command 0". Vamos ver como isso parece. Perfeito. A assinatura está definitivamente lá, mas não está muito na sua cara. É exatamente assim que eu quero. Nota rápida aqui sobre ter sua assinatura dentro do seu bloco. Isso significa que toda vez que seu bloco for repetido, essa assinatura também será repetida. Conheço alguns artistas que nunca incluem sua assinatura para padrões destinados especialmente a tecidos ou papel de parede, porque eles não querem ser muito intrusivos por ter essa assinatura repete de novo, cinco polegadas, 10 polegadas, 15, quaisquer que sejam seus parâmetros. Eu definitivamente entendo de onde esses artistas estão vindo. É realmente apenas uma preferência pessoal. Para mim, ter minha assinatura em todos os meus produtos quando faz sentido, é realmente importante. Eu absolutamente quero reforçar esse reconhecimento de marca. Se alguém pedir uma impressão de arte minha ou uma caneca de café ou um travesseiro em algum lugar desse produto, muito pequeno, espero, minha assinatura está lá para que eles sempre possam ver o artista original por trás o design. Novamente, essa é uma preferência pessoal para mim e a maneira como priorizo o reconhecimento da minha marca, nem todos os artistas se importam tanto ter sua assinatura em tudo, mas eu definitivamente faço. Se você está tendo dificuldade em encontrar um lugar para colocar sua assinatura dentro desse bloco padrão. Não se preocupe, você ainda pode ter sua assinatura incluída no próximo arquivo que criaremos hoje, que será o completo no arquivo padrão. Mas antes de chegarmos lá, não se esqueça de ir em frente e salvar “Command S”. Sempre maximize a compatibilidade. Não mostre novamente e confira aqui para se certificar de que esse é o nome de arquivo correto que está economizando blocos florais doces. Eu quero mostrar a vocês muito rápido se formos aqui para e desativar o Padrão Preview, você pode ver que estamos perdendo alguns dos elementos que foram cortados da borda aqui em cima. Eles não estão se repetindo automaticamente aqui. Isso porque essa repetição só está acontecendo na Visualização de padrões. Voltarei para View; Pattern Preview, não preciso ver isso novamente. Agora você verá que ele foi em frente e preencheu o resto desse bloco. Onde os elementos são cortados de um lado, eles são repetidos do outro. Se você for elementos desaparecer completamente e está se perguntando o que aconteceu, você quer seguir em frente e garantir que a Visualização; Padrão Preview esteja habilitada. Agora vou mostrar como você pode salvar esse padrão e preenchê-lo inteiramente em uma tela separada. 11. Preenche o padrão: [MÚSICA] Muito rápido, eu só quero dar um grande parabéns por chegar a esse nível com seu padrão perfeito. Padrões sem emenda são definitivamente o tipo mais complicado de criar, então chegar a este ponto é uma conquista massiva, então [aplausos] parabéns. Vamos avançar e otimizar isso um pouco mais. Agora que seu bloco está totalmente preenchido e com uma aparência perfeita, é hora de ir em frente, copiar esse padrão e preenchê-lo em uma tela separada. Neste ponto, temos alguns arquivos separados em nossa pasta. Temos essas duas varreduras originais, temos esses elementos digitalizados, limpos e todos em seus próprios elementos individuais, e então temos nosso arquivo de bloco que é o que acabamos de concluir. Lembre-se, o bloco é essencialmente a espinha dorsal de todo o nosso padrão sem emenda. Agora que temos esse arquivo de bloco totalmente organizado e salvo, é hora de criar nosso arquivo de trabalho final para a classe de hoje, que é onde começamos a cair nesse padrão. Se você ainda não salvou seu bloco, vá em frente e faça isso, Comando S no teclado. Vamos criar nosso arquivo de trabalho final, então Comando N para iniciar um novo documento. Vou manter todas as configurações aqui, exatamente as mesmas, exatamente as mesmas, 12.000 pixels por 12.000 pixels, 300 PPI e modo de cores RGB. Agora vamos aqui e pressionaremos “Criar”. Antes de prosseguirmos, quero ir em frente e salvar esta nova tela, então Shift Command S para salvar como. Vou tocar em “SweetFlorals-block” e mudar Bloco para Padrão. Novamente, quero ter certeza de que sou um formato de documento grande, então ele termina no psb. Estamos economizando na mesma pasta SweetFlorals. Vamos em frente e pressionaremos “Salvar”. Novamente, você quer dar uma olhada aqui em sua guia e certificar-se de que o nome do arquivo foi alterado. Caso contrário, vá em frente e feche-o, Comando W. Volte para sua pasta e abra-a novamente no Photoshop. Por que fizemos um arquivo de 12.000 por 12.000 pixels que, lembre-se, é a mesma coisa que 40 polegadas por 40 polegadas? Este é o ponto ideal para mim quando se trata de tamanhos de arquivos para dois dos principais sites de impressão sob demanda que uso, que são Redbubble e Society6. Se eu for mais alto que 40 por 40 polegadas no Redbubble, é difícil fazer o upload e às vezes não funciona e se eu for menor que 40 por 40 polegadas, então ele não habilitará todos os produtos na Society6, especialmente os grandes como móveis e roupas de cama, então 12.000 pixels por 12.000 pixels, que é a mesma coisa que 40 polegadas por 40 polegadas, é perfeito para mim. O que eu quero fazer neste arquivo padrão é literalmente preencher o padrão do meu bloco aqui. A razão pela qual isso é importante é porque aqui no nosso arquivo de bloco, é só isso, é apenas o bloco. Você pode ver nossa tela indicada aqui com esta caixa azul. Tudo passado que não faz parte da nossa tela. Se tentássemos salvar isso, a única coisa que seria salva é o bloco em si, nada aqui. É por isso que crio um arquivo separado para preencher o padrão na íntegra. Isso é para o bloco, é perfeito, ele permanece como está. Esse arquivo separado terá esse padrão inundado completo nele. Vou te mostrar como faço isso. Novamente, esse arquivo de bloco é final, pronto para uso. Vou até aqui para Editar, Definir Padrão. Eu realmente não me importo com o nome , então vou pressionar “Ok”. Agora, se eu alternar de volta para minha próxima guia, que é meu arquivo Padrão, então vou para Camada, Nova Camada de Preenchimento, Padrão. Vá em frente e pressione “Ok”. Nós não queremos essa hera verde, então vá em frente e encontre esse cursor ao lado dessa miniatura, eu tenho muitos padrões aqui no Photoshop, então role para baixo até o fundo e seu último padrão estará em na parte inferior dessa pilha. Vá em frente e toque nele uma vez, e ele preencherá automaticamente esse novo padrão. Vou mostrar meu truque favorito no preenchimento de padrões. Está aqui sob a escala. Você pode realmente ajustar o tamanho desse padrão clicando no cursor ao lado da escala e baixando o controle deslizante para tornar o padrão menor e, em seguida, para torná-lo um pouco maior. Mas para mim, eu quero preencher esse padrão que fique bem e cheio no bloco. Quarenta e cinco estão realmente muito bem. Acho que vamos com isso. Novamente, esta é uma preferência pessoal, então o que você ajustar aqui como a escala depende apenas de você e do tamanho que você deseja ver seu padrão nos produtos. Mas acho que para mim, 45 está muito bem. Vou em frente e pressionarei “Ok”. Aqui está a coisa legal com preenchimento de padrões, você pode ir em frente, clicar duas vezes na miniatura “Camada”, novamente, não estamos clicando na “Máscara”, estamos clicando na miniatura “Camada” e você pode ajustar o tamanho a qualquer momento. Nunca é permanente. Você tem muita flexibilidade aqui, o que é incrível. Vou em frente e pressionarei “Ok”. Uma pergunta que recebo muito dos alunos é qual é a diferença entre o arquivo de bloco e o arquivo padrão? Qual é o sentido de ter dois arquivos separados aqui? Esta é uma ótima pergunta e, na verdade, há alguns motivos diferentes para separar os arquivos como este. O primeiro e mais importante motivo é que o arquivo de bloco tem todas essas camadas editáveis. Se eu voltar aqui, volte para minha guia de arquivo de bloco, você verá todas essas camadas individuais listadas. Se eu precisar passar em algum momento e fazer um ajuste e me livrar de algo ou movê-lo, sempre tenho essa flexibilidade aqui no meu arquivo de trabalho porque todas essas camadas são intacto. Aqui no meu arquivo padrão, tudo está achatado. Se eu precisar mudar um elemento individual, ele se torna muito mais complicado porque não está separado em camadas individuais. Se você precisar voltar e fazer uma alteração, é muito fácil fazer aqui no arquivo de bloco porque você tem todos esses elementos individualmente em sua própria camada. Seu arquivo de bloco é seu arquivo editável e seu arquivo padrão é uma versão nivelada desse padrão. A segunda razão pela qual eu gosto ter meu arquivo de bloco separado do meu arquivo padrão é que me ajuda a manter todos os meus arquivos muito mais organizados. Isso é bom para mim e para minha própria sanidade mental, e também é ótimo para meus clientes de licenciamento que querem ter acesso fácil aos meus arquivos. Se eu tivesse tudo, esses elementos, o arquivo de bloco, o padrão, todos contidos em um único arquivo, seria super caótico. Em vez disso, é muito melhor para eles serem seus próprios arquivos distintos. Isso é ainda mais importante quando começamos criar todas essas boas e suculentas alterações da paleta de cores mais tarde. Você notará que seu painel de camadas ficará cada vez mais cheio de camadas. Neste momento, por exemplo, em nosso arquivo padrão, só temos essa camada. Na verdade, podemos ir em frente e excluir essa camada de fundo. Mas depois de criarmos todas as nossas paletas de cores adicionais, você verá que o painel de camadas realmente começa a se encher. Por uma questão de organização, é bom ter todos os padrões é bom ter todos os padrões preenchidos nesse arquivo e todos os elementos individuais que compõem o bloco em um arquivo separado. O terceiro motivo pelo qual eu mantenho o arquivo de bloco separado do arquivo padrão é devido à finalidade pretendida de cada um desses tipos de arquivo. Algumas empresas de impressão sob demanda exigem que você faça o upload do bloco apenas, e outras exigem esse padrão completo então é por isso que eu gosto de ter os dois à mão. Vamos dar uma olhada no bloco primeiro. Lembre-se, quando salvamos esse arquivo de bloco, você não verá todas essas coisas para o lado. Você só vai ver o que está contido nesta caixa azul. Mais tarde nesta classe, vamos salvar esse arquivo de bloco como um JPEG achatado. Faremos isso para essa paleta de cores e todas as paletas de cores adicionais que criamos nesta classe. Uma vez que eu tenha um JPEG achatado salvo de todas essas alterações de cor individuais, vou fazer o upload desse arquivo de bloco diretamente no Spoonflower e eles o empilharão automaticamente e repetirão em seus produtos, que são tecido e papel de parede. Mais tarde nesta classe, vamos mergulhar profundamente nos uploads de arquivos como este. Mas, por enquanto, só quero mostrar um exemplo rápido da diferença entre esse arquivo de bloco e padrão quando ele está em um aplicativo do mundo real, como aqui no Spoonflower. Lembre-se, tudo o que fiz no Spoonflower foi carregar esse bloco original e Spoonflower está empilhando e repetindo automaticamente aqui. Você pode ver que é uma repetição básica. Se fosse apenas aquele bloco original, ficaria assim, mas estamos fazendo Spoonflower repetir por nós. Spoonflower exige que você carregue um JPEG do bloco, enquanto outros sites de impressão sob demanda exigem o padrão completo. Aqui, mostrarei um exemplo com a Society6. Aqui, vou mergulhar em um produto em particular. Vamos dar uma olhada no tapete. Aqui, o arquivo que eu carreguei não é o arquivo de bloco, é esse padrão completo porque dentro do Society6, eles não têm a capacidade repetir o bloco para você. Você tem que fazer isso sozinho antes de fazer o upload. Em vez disso, você carregará um JPEG nivelado desse arquivo de padrão completo e, em seguida, o dimensionará para se adequar a cada produto individual. Não é um bloco que é empilhado automaticamente no back-end, como o Spoonflower faz isso. Em vez disso, você já tem esse arquivo padrão salvo, nivelado e carregado como JPEG. É por isso que quero ter as duas opções de arquivo salvas, o bloco e o padrão. Vou fazer o upload do bloco para Spoonflower porque ele será automaticamente empilhado e repetido em seus produtos porque é assim que o site deles funciona e então eu vou fazer o upload disso padrão para Society6 e, em seguida, dimensione para cima e para baixo esse padrão para se adequar a cada produto individual, porque lembre-se, Society6 não vai repetir e empilhar esse bloco automaticamente como o Spoonflower faz, e é por isso que eu tenho que carregar o arquivo padrão lá. Lembre-se da regra de ouro dos padrões sem emenda, que for cortado da tela de um lado deve ser repetido perfeitamente na borda oposta. Mas quando se trata do meu arquivo padrão, isso não precisa necessariamente ser o caso. Você pode ver esse floral sendo cortado dessa borda e ele não se repete perfeitamente deste lado, mas isso é totalmente bom porque o arquivo padrão não deve ser uma repetição empilhada perfeita. É para isso que serve o bloco. Essa é a diferença entre o arquivo de bloco e o arquivo padrão. Use o bloco quando ele se destina a ser empilhado e repetido infinitamente como nos produtos Spoonflower. Use o padrão como uma ilustração plana para produtos que não permitem o empilhamento como o Spoonflower faz. Esta é a maioria dos produtos no Society6, é por isso que eu carrego o arquivo padrão. Agora que todas as coisas técnicas estão fora do caminho, vá em frente e salve seu progresso. Economizar já deve ser uma segunda natureza para você. Em seguida, é uma das minhas partes favoritas absolutas de ser um designer de superfície, está explorando várias paletas de cores. Vamos mergulhar. 12. Uso de cores: [MÚSICA] Quando se trata de projetar padrões, cor é de mãos para baixo minhas partes favoritas absolutas. Com apenas alguns ajustes no Photoshop, você pode criar tantas paletas de cores bonitas apenas uma peça de arte. Pessoalmente, faço isso para praticamente todos os projetos do meu portfólio. Além de ser uma coisa divertida de se fazer, criar alterações de cor é realmente uma estratégia realmente inteligente se você quiser otimizar e aumentar seu potencial para ganhar vendas. Esta paleta de cores rosa e azul original é realmente adorável, mas e se um cliente ou um cliente estiver procurando especificamente algo como amarelo ou cerceta? Em vez de perder uma possível oferta de licenciamento ou venda, você pode ajustar facilmente a cor dentro de sua arte para criar várias versões com o mesmo design. Às vezes, eles até acabam gostando uma determinada cor alt mais do que o design original. Além disso, explorar cores é uma maneira fabulosa de expandir seu portfólio. Se você está planejando enviar seu padrão para imprimir sites sob demanda como Spoonflower ou Society6, criar cinco ou 10 paletas de cores lhe dará cinco ou 10 mais designs para carregar. Isso é tudo sobre trabalhar de forma mais inteligente, não mais difícil. Vamos entrar nisso. A maneira como vamos criar nossos alts de cores hoje está aqui neste arquivo de bloco. Em seguida, faremos o mesmo passo que fizemos antes de definir o padrão e depois preenchê-lo no arquivo padrão, mas, por enquanto, vá em frente e abra seu bloco aqui, e é aqui que vamos comece. A primeira coisa que vou fazer é aqui no meu painel Layers, é muito caótico. Há muita coisa acontecendo aqui. O que vou fazer é rolar até a parte superior do painel Camadas, selecionar esta primeira camada, rolar até a parte inferior, selecionar esta última camada. Não me importo com o fundo. Vou pressionar Command G para agrupar todas essas camadas juntas dentro do mesmo grupo. Vou clicar duas vezes no nome da camada [NOISE] e alterá-lo para Trabalhando. Trabalhar simplesmente indica que isso tem todas as peças editáveis dentro da mesma pasta. Vamos achatar isso mais tarde quando fizermos nossas cores alts, então é sempre bom ter uma pasta que tenha todos esses elementos individuais nela. Dessa forma, se você quiser voltar mais tarde e fazer alguns ajustes, você ainda o terá aqui dentro desse arquivo de trabalho. Vou em frente e tocarei naquele quilate ao lado do ícone da pasta para consolidá-lo no meu painel Camadas. Lembre-se de que o plano de fundo não está na pasta de trabalho, está aqui embaixo dela. O que queremos fazer é clicar em sua pasta de trabalho para selecioná-la e faremos uma cópia dessa pasta. Com essa camada selecionada, o Command J no teclado a duplicará. Isso pode levar um minuto ou dois porque há tantas camadas dentro dessa pasta, então essa é a primeira coisa com a qual vamos lidar. Na verdade, vamos consolidar todas essas camadas e achatá-las. É por isso que é realmente importante que esse plano de fundo não esteja nessa pasta. Se você alternar esse cursor e rolar até a parte inferior da pasta, verá que não há plano de fundo lá. Está aqui fora de nossas pastas na parte inferior do painel Camadas. A razão pela qual isso é importante é porque vamos nivelar essa pasta inteira. Rolando de volta até o topo do painel Camadas, posso ir em frente e clicar neste quilate ao lado de Cópia de trabalho para consolidá-la, e agora com essa camada selecionada, vou pressionar o Comando E no meu teclado. Agora, o que isso fez é que ele pegou todos os elementos dentro dessa pasta e os achatou em uma camada. Agora, se você quiser mover uma peça individual, a camada inteira estará se movendo porque não temos mais esses elementos individuais, todos eles foram mesclados em uma camada. Mas tudo bem porque eu tenho esse arquivo de trabalho logo embaixo, então isso sempre estará lá para mim se eu precisar dele. Vá em frente e clique nessa camada superior para selecioná-la, e a primeira coisa que vamos fazer é brincar com a tonalidade e a saturação. Vou subir aqui para Camada, Nova Camada de Ajuste, Matiz e Saturação. Vá em frente e pressione “OK”. Agora, aqui no nosso painel Propriedades, podemos ajustar a saturação como fizemos antes com muito brilhante, saturado e muito dessaturado. Você pode trazer isso de volta a zero para redefinir, mas o que eu quero fazer aqui é brincar com esse espectro de matiz. Se você clicar no botão de alternância em Matiz, poderá trazê-lo ao longo do espectro e ver em tempo real como essas cores podem se ajustar. No extremo esquerdo do espectro, estamos recebendo este belo verde brilhante e azul, e se o trouxermos de volta ao centro, e trazê-lo para a direita, obteremos algumas outras variações de cores legais como bem. Seja qual for a extrema-direita, será exatamente o mesmo que a extrema esquerda parece. De qualquer forma, é uma diferença de cor 180. Quando estou brincando com tonalidade e saturação como esta, uma das minhas maneiras favoritas de posicionar o botão é trazê-lo aqui até o 180. Na minha opinião, ter essas cores polares opostas geralmente resulta em resultados bastante interessantes. Neste caso, eu realmente gosto do que está acontecendo aqui com esta paleta de lavanda e sálvia. Eu acho que é realmente interessante, então acho que este será o primeiro com o qual eu vou. Parece que está em menos 112 aqui no meu painel Hue. Acho que isso parece muito bom. Vou seguir em frente e garantir que a camada de Matiz e Saturação esteja selecionada, mantenha pressionada a tecla Shift e clique na minha “Cópia de trabalho” e, em seguida, pressione Comando G no meu teclado para agrupar esses dois juntos. Agora vou clicar duas vezes no nome do grupo e nomeá-lo como o nome da minha paleta de cores. Neste caso, [NOISE] Lavendar Sage. Assim, temos nossa primeira paleta de cores concluída. Uma coisa que eu quero abordar rapidamente é por isso que fui com essa camada de ajuste em vez de apenas ir para Imagem, Ajustes, Matiz e Saturação como fizemos antes, e depois brincando com a tonalidade aqui. O que fizemos foi ir para Camada, Nova Camada de Ajuste, Matiz e Saturação. É exatamente a mesma ferramenta, matiz e saturação. A única diferença é, tornando-se uma camada de ajuste, temos um pouco mais de flexibilidade. Isso é o que eu quero dizer. Essa camada de ajuste realmente fica em cima dessa paleta original. Isso significa que, a qualquer momento, sempre podemos voltar para essa camada de ajuste e torná-las minhas novas alterações, se quisermos. A maneira como ajustamos cor não estava na própria camada, modo que sempre permanece perfeitamente preservada. Em vez disso, é uma camada logo acima dela. Dessa forma, se mais tarde eu estiver tentando lembrar como consegui essa cor exata, sempre posso abrir meu arquivo aqui, alternar para as camadas e dar uma olhada exata para ver as alterações que fiz. Novamente, isso é apenas uma preferência pessoal porque gosto de ter um pouco mais de controle com meus arquivos. Vou seguir em frente e tocar este quilate ao lado Lavendar e Sage para consolidar essa camada. Incrível. Agora que temos uma alteração de cor criada, vamos seguir em frente e fazer outra. Para este próximo, será uma técnica chamada cor de edição pontual. É aí que você ajusta a cor de uma parte da ilustração, mas depois deixa a cor nas outras partes da ilustração consistente. Nesse caso, vou mudar apenas as pétalas da minha ilustração, aquelas áreas cor-de-rosa e laranja, e vou deixar as folhas exatamente as mesmas. Vou te mostrar como. A primeira coisa que vamos fazer é garantir que a camada Lavendar Sage esteja selecionada e, em seguida, pressionar Command J no teclado para duplicar essa camada. Enquanto eu estiver aqui, vou apenas ir em frente e alternar a visibilidade dessas outras camadas porque eu realmente não preciso ver o que está acontecendo lá embaixo agora. Vou clicar no cursor para alternar minha camada e selecionar a miniatura da camada para Matiz e Saturação. Vou trazer isso de volta para zero. Agora estamos de volta à nossa paleta de cores original. Neste ponto, vou tirar essa varinha mágica novamente. Vou vir aqui, clicar na minha camada para selecionar todas essas ilustrações. Então eu vou pressionar W no meu teclado. Você também pode chegar lá vindo até a barra de menus e certificando-se de que sua Ferramenta Varinha Mágica esteja selecionada. Aqui em cima, nesta barra de menu superior, vou trazer essa tolerância até 50. Isso significa que ele vai selecionar muito mais rosa do que, de outra forma, se ainda estivesse em 32. Quero ter certeza de que o contíguo está desligado. Lembre-se, isso significa que, se eu selecionar uma área rosa agora, todas as áreas cor-de-rosa dentro da nossa prancheta serão selecionadas. É um pouco confuso agora porque estamos nessa pré-visualização do padrão, mas lembre-se, tudo o que está do lado de fora desta caixa azul é apenas o Photoshop nos mostrando o que o padrão sem emenda parece. Vou avançar e ampliar, Command Plus, Plus, e vou selecionar todos os tons quentes dentro da minha ilustração. Vou manter pressionada a tecla Shift no meu teclado e clicar nas outras áreas que são laranja e rosa. Mantendo pressionado Shift, vou clicar aqui. Ainda mantendo pressionado Shift, vou continuar clicando e selecionando até obter todos esses tons quentes selecionados pela minha varinha mágica. Se você quiser verificar e ver se você selecionou tudo, você pode ir em frente e cortá-lo pressionando o Command X, e ainda parece que temos algumas áreas cor-de-rosa restantes, então eu pressionarei Z meu teclado e zoom em algumas dessas áreas e, em seguida, Command Z, para desfazer esse corte. Agora vou pressionar W para voltar à minha varinha, pressionar e segurar Shift no meu teclado e clicar e selecionar essas áreas restantes. Parece que há alguns pedaços aqui e talvez aqui. Incrível. Acho que consegui tudo. Eu vou em frente e verificarei. Comando X. Sim. Quase. Comando Z, pressione W para chegar às minhas varinhas, mantenha pressionada a tecla Shift, e vamos clicar e pegar essas áreas também. Comando Zero, para caber na tela e Command X para cortar tudo. Incrível, acho que temos quase todos esses tons quentes. Comando Z, irá desfazer esse corte, e agora tenho todos esses tons quentes selecionados para os quais gostaria de editar a cor e a maneira que vou fazer isso é criando uma máscara aqui na minha camada de ajuste. Já existe uma máscara no lugar. É essa caixa branca aqui. Vá em frente e clique nessa caixa para selecioná-la, clique em Controlar e pressione Excluir máscara de camada. Agora, com a seleção em vigor, vamos adicionar a nossa própria. Novamente, essa camada de matiz e saturação é selecionada. Vou até aqui para esse pequeno ícone que diz: Adicionar máscara de camada, e vou clicar nele. Incrível. Não parece que muita coisa aconteceu na tela. Você verá que essa máscara de camada tem muitas formas lá. Todas as áreas pretas desta caixa indicam essa camada abaixo dela aparecendo. Mas porque aqui em nossa tonalidade e saturação, estamos de volta em zero, você não consegue ver nenhuma alteração. Vamos em frente e mudar isso. Novamente com essa miniatura de tonalidade e saturação selecionada, não a máscara, mas a tonalidade e a saturação, vou vir aqui para minha tonalidade e começar a brincar com ela no espectro. Isso é muito legal. Agora estamos vendo a cor dessas pétalas mudar, mas essas folhas permanecem exatamente as mesmas, e isso é porque essa é a camada de folhas aqui em baixo aparecendo. Mais uma vez, vou clicar, garantir que a miniatura de tonalidade e saturação esteja destacada, e vou brincar por aqui no meu espectro de matiz até encontrar algo legal. Eu realmente gosto do que está acontecendo aqui com essas pétalas azuis realmente vibrantes, acho que é uma paleta de cores monótona muito boa com todos esses azuis chegando. Uma coisa que eu quero ver, é e se eu tiver todas as folhas completamente dessaturadas para que as pétalas de flores realmente estourem. Vou te mostrar como fazer isso. A primeira coisa que vou fazer é vir aqui para o meu painel Camadas, certifique-se de que essa camada de matiz e saturação esteja selecionada e, em seguida, pressione, Comando J no meu teclado, [NOISE] que duplica a camada. Isso duplicou a ação, então estamos recebendo algumas cores muito loucas aqui com as pétalas de flores, mas vamos consertar isso rapidamente. Novamente, quero ter certeza de que essa máscara esteja selecionada, não a miniatura de matiz e saturação, mas a máscara em si, e vou inverter essa máscara, então Comando vou inverter. Agora posso vir aqui, selecionar minha miniatura de tonalidade e saturação e trazer essa saturação até o fim de dessaturar completamente essas folhas. Agora Comando Menos, Menos, Menos. Isso é muito legal, tendo essas flores e pétalas azuis muito vibrantes e, em seguida, essas folhas pretas e cinzentas completamente dessaturadas, eu acho muito bom. Vou seguir em frente e chamar isso de paleta de cores finalizada. Eu virei aqui para o nome da minha pasta, clique duas vezes nele e alterarei para [NOISE] azul-cinza e, em seguida, posso clicar nesse cursor para consolidar as camadas. Legal, então essa é a nossa segunda cor alt completada. Vou mostrar como fazer outro usando cores complementares. Faço isso o tempo todo dentro das minhas ilustrações. Acho que os tons complementares ficam muito bons em um design, e quando digo complementares, quero dizer cores que estão entre si na roda de cores. Vermelho e verde, azul e laranja, roxo e amarelo. Você tem a ideia, então vamos seguir em frente e experimentar uma paleta de cores complementar aqui em nosso arquivo. A primeira coisa que vou fazer, aqui com minha camada azul-cinza selecionada, é pressionar Command J, para duplicá-la no meu painel Camadas. Posso ir em frente e desligar a visibilidade dessa camada original e, em seguida, alternar para baixo nesta cenoura para abrir nossas camadas. Vou ir em frente e ocultar a visibilidade de ambas as camadas de ajuste e começar do zero. Vou clicar na minha cópia de trabalho. Vá para a camada, nova camada de ajuste e, desta vez, vou buscar o equilíbrio de cores. Vá em frente e pressione, OK. Desta vez, vamos ter um menu um pouco diferente aqui no nosso painel de propriedades. Vamos brincar com eles em um pouco, mas primeiro vamos aqui e ajustar nossas máscaras. Lembre-se de que fizemos essas máscaras usando a Varinha Mágica e selecionando todos os rosa e laranja dentro da nossa composição. Eu não quero ter que fazer isso tudo de novo, então eu quero usar essa máscara existente. Aqui no meu painel de camadas. Vou clicar na minha máscara de camada ao lado do equilíbrio de cores, Control clique nela e clique em Excluir máscara de camada. Agora, posso pegar essa máscara aqui em cima da minha tonalidade e saturação, arrastá-la para cima do equilíbrio de cores, e agora poderei ajustar as cores apenas para determinadas partes da ilustração. Eu não preciso mais desses dois, então eu posso ir em frente e selecionar essa camada e clicar em “Excluir” no meu teclado, mesmo com esta aqui em cima excluir duas vezes. Incrível. Agora vamos analisar e começar a editar o ponto dessa cor para criar uma paleta de cores complementar. Porque essa máscara representa a cor das pétalas, é o que vamos mudar primeiro. Eu virei aqui para o meu ícone de equilíbrio de cores e primeiro, apenas brincar, o que acontece se eu levar o ciano todo o caminho para a esquerda ou vermelho todo o caminho para a direita? A mesma coisa com magenta ou verde, estamos recebendo algumas coisas muito legais aqui. O amarelo todo o caminho para a esquerda, todo o caminho para a direita. Isso é divertido. Mas lembre-se, o que estamos indo para aqui é uma paleta de cores complementar. Neste caso, quero ver o que parece com flores de laranja brilhante e depois folhas azuis, porque lembre-se, laranja e azul estão em frente um do outro na roda de cores, o que significa que é um paleta complementar perfeita. Mais uma vez, certificando-se de que sua miniatura da camada de equilíbrio de cores está selecionada, vamos voltar aqui, e vou trazer esses amarelos até e vou trazer esses amarelos menos 100 porque o que eu sou ir para aqui é uma paleta de cores laranja para essas pétalas e flores. Mas isso não me deixou todo o caminho, ainda há muito rosa e blush chegando, acho que o que precisamos fazer é clicar aqui onde diz “Midtones” e vamos mudá-lo para sombras. Assim como mudamos os valores do tom médio anteriormente, podemos fazer a mesma coisa com sombras e trazê-lo todo o caminho para a direita ou para a esquerda para todos esses espectros, coisas muito divertidas. Mas lembre-se que estou indo para uma laranja, então vou trazer esse vermelho um pouco para cima, trazer esse verde todo o caminho para a direita e estamos chegando muito perto aqui, e acho que isso pode fazer o truque. Vou trazer o amarelo todo o caminho para a esquerda. Perfeito. Isso nos deu um tom laranja muito bom para essas pétalas e flores. Lá nós o temos. Nossa paleta de cores complementar perfeita. Isso é, na verdade a cor interrompe três das paradas de cores que vamos explorar hoje. Vou seguir em frente e mudar o nome dessa camada para azul laranja. Em seguida, vou mostrar como você pode definir cores juntas para que elas se sintam mais harmoniosas como uma paleta. Voltarei ao painel de camadas, tocarei nesse cursor para consolidar a camada azul laranja e, com essa camada selecionada, pressionarei “Command J” para duplicar. Vá em frente e desative a visibilidade dessa camada abaixo, e vamos derrubar esse cursor. Vou seguir em frente e clicar em toda essa camada de equilíbrio de cores [NOISE] e excluí-la do meu painel de camadas, e vamos começar de volta aqui onde começamos. Para cores chave, o que isso significa é que vou escolher uma cor para sobrepor em todas essas camadas e realmente afundar essas cores juntas. Vou te mostrar o que quero dizer. Com essa camada de cópia de trabalho selecionada, vou até a parte inferior do painel de camadas e clicar em “Criar uma nova camada” e agora tenho uma camada em branco logo acima dela. O que eu quero fazer é preencher essa camada com uma cor sólida. Eu vou até aqui até a minha barra de menu esquerda, clique neste quadrado preto e vou mudar minha cor de primeiro plano, vamos tentar roxo, e então eu pressionarei “Ok” e Quero preencher este quadrado com roxo. Pressionarei “G” no meu teclado para acessar minha ferramenta de balde de preenchimento, você também pode chegar aqui na barra de menus e descer para selecionar a ferramenta de balde de tinta, e agora basta clicar em qualquer lugar dentro sua prancha de arte. Lembre-se, isso está dentro desta praça bem aqui. Agora meu padrão inteiro ficou roxo. Vou te mostrar como consertar isso, e é aqui que a verdadeira magia acontece. Se você clicar aqui no seu modo de transparência, onde diz “Normal ”, você pode explorar tantos modos de transparência diferentes. Vamos alternar e encontrar um que esteja funcionando muito bem. A queima de cores é realmente muito boa, essa inundação de roxo realmente afunda nas cores existentes. Eu acho que isso é muito bom, então esse é um candidato forte. Vamos ver alguns outros. Lighten é realmente muito bom também. São alguns pastéis muito bonitos chegando. tela e o clareamento são muito semelhantes, mas sim, são bons. Esquiva de cores, também gosto de cores mais claras. Todos esses modos de mistura de transparência dão a você algumas oportunidades muito legais para inserir cores e torná-lo um pouco mais harmonioso, mas o que eu estou mais inclinado é a queima de cores aqui. Vou seguir em frente e clicar em “Desmarcar”. Incrível. Adoro o quão profunda e vibrante essa paleta ficou apenas por ter essa camada sobre ela. Você pode ativar e desativar a visibilidade para ver como ela parece sem e com. Muito legal. Vou seguir em frente e nomear esta paleta magenta índigo. [RUÍDO] Na verdade, há outro modo de transparência eu realmente gostei para isso, então vou seguir em frente e criar isso muito rapidamente, já que eu já sei que funciona. Vou seguir em frente e consolidar o cursor, pressionar “Command J” para duplicar a camada, desligar a visibilidade da camada abaixo dela, alternar esse cursor para baixo, voltar para minha camada roxa. Vou mudar isso para aliviar porque eu realmente amei aquele pastel se ficar muito bonito, especialmente com esse emparelhamento de hortelã contra os rosa e roxos, lindo. Vou seguir em frente e nomear esta pasta pervinca, e essa é uma maneira muito simples criar uma paleta de cores adicional, que levou dois segundos. Um lembrete rápido para seguir em frente e salvar seu progresso, então “Command S.” Isso é um envoltório para alterações de cor. Vou parar aqui antes arrastá-lo para mais uma dúzia. Acredite, é muito fácil descer aquele buraco de coelho. Mencionei anteriormente, para cada design que crio, geralmente farei cerca de cinco ou 10 alterações de cor. Você pode continuar explorando o seu para o conteúdo do seu coração. Se você quiser mergulhar ainda mais fundo na exploração de cores e jogar no Photoshop, tenho outra classe do Skillshare chamada cultivar cores. Varie as paletas na arte original e aumente seu portfólio. Nessa aula, você aprenderá a criar ainda mais alterações de cor no Photoshop. Você pode assisti-lo clicando no meu nome para cima e rolando para baixo meu perfil até ver todas as minhas aulas. Isso é um envoltório para cores. Vamos passar para o próximo passo, que é infundir detalhes metálicos diretamente em sua arte. 13. Toques metálicos: [MÚSICA] Agora que você tem uma variedade de paletas de cores fabulosas projetadas, vou mostrar mais uma técnica legal, animando sua arte com detalhes metálicos. Como parte do bônus por se inscrever nesta classe, estou fornecendo 20 texturas metálicas de alta resolução para você baixar e infundir diretamente em seus projetos. Então, primeiro, lembre-se de que você pode encontrar todos esses brindes indo para catcoq.com/seamless. Também coloquei um link para isso abaixo na descrição da classe. Quando estiver lá, você poderá baixar todos os arquivos metálicos diretamente do Dropbox. Para mim, uma vez que eles são baixados, eles aparecem aqui na minha pasta Downloads. Vou seguir em frente e abrir minha pasta Metallic Textures. É aqui que tenho todas as 20 texturas metálicas prontas para você. Eu juntei essas texturas especificamente para a aula de hoje, então elas são todas dimensionadas para se encaixarem perfeitamente na sua prancheta. Eles estão todos a 40 polegadas por 40 polegadas. Então, vou seguir em frente e pegar um desses para usar como exemplo. Acho que vou com o Gold Glitter. Com esse arquivo selecionado, vou clicar nele e arrastá-lo diretamente para o meu arquivo de bloco. Parece supermassivo. Se eu diminuir o zoom, o ouro cobre tudo e isso porque, novamente, temos essa visualização de padrão ativada. Como eu disse, esse arquivo de ouro, tem exatamente 40 polegadas por 40 polegadas, que significa que ele se encaixa perfeitamente na minha prancheta. Pressionaremos “Enter” para definir a transformação. Primeiras coisas primeiro, não consigo ver nada, então vamos em frente e desligar a visibilidade desse ouro, voltaremos a ele em um segundo. Então eu acho que o que vou fazer é infundir esse ouro diretamente na minha paleta de cores pervinca. Não quero que a coisa toda seja ouro. Eu acho que com texturas metálicas, elas funcionam melhor como acentos pontuais onde você vê algumas delas chegando, então é exatamente isso que eu vou fazer aqui. Para esta ilustração, acho que terei todos os pontos mesmo ouro e depois terei essa paleta pervinca chegando. Vou te mostrar como você pode detectar metais infundidos assim. Então, primeiro as coisas, vou seguir em frente e alternar o cursor da paleta pervinca. Clique em minha camada de arte para selecioná-la. Agora vou usar minha Ferramenta Laço para pegar todos esses pontos. Lembre-se, só precisamos pegar os pontos que estão dentro da nossa tela, então tudo o que está contido neste quadrado azul. Lembre-se que minha Ferramenta Laço é L no teclado. Você também pode vir até sua barra de ferramentas e selecionar seu Laço de escolha. Para isso, vou ficar com a Ferramenta Laço Poligonal. Agora, vou ampliar um pouco, Command Plus Plus. Vou começar a selecionar todos os pontos dentro da minha tela. Então, como você pode ver aqui, eu tentei pegar esse ponto inteiro assim, mas a Ferramenta Laço está me restringindo apenas ao que está na minha tela, tudo bem. Eu só tenho que me lembrar de ir frente e pegar esse ponto inferior também, o que é feito por mim porque sabe o que eu estava tentando fazer. Lembre-se de que se você deseja obter várias seleções com sua Ferramenta Laço, você deseja pressionar e segurar Shift no teclado e, em seguida, clicar. Se você não tiver Shift selecionado e tentar pegar outro elemento, ele removerá sua outra seleção. Portanto, lembre-se de manter pressionada a tecla Shift no primeiro clique e, em seguida, você pode soltar Shift, e ele será adicionado à seleção de qualquer maneira. Eu posso realmente pegar três em um lado com este. Novamente, mantendo pressionada a tecla Shift para o primeiro clique, agora posso liberar Shift e terminar de selecionar este ponto. Vou pegar todos os pontos novamente, não para todo o padrão, mas apenas dentro dessa tela. Acho que comprei todos eles. Para ir em frente e verificar, pressionarei o Comando X para cortá-los. Não vejo nenhuma esquerda, então é isso. Vou colocá-los de volta pressionando o Command Z. Agora, o que eu quero fazer é garantir que apenas os pontos estejam selecionados. Eu não preciso de toda essa sala ao redor dos pontos, então o que vou fazer é pressionar “V” no meu teclado para mudar para minha Ferramenta Move. Agora vou usar as teclas de seta do meu teclado, e basta tocar na seta para a direita uma vez, para movê-las todas em uma direção e depois a seta para a esquerda uma vez, para movê-las de volta para onde estavam. Então o que isso fez agora é que ele realmente agarrou os pontos em si, não aquele espaço extra ao redor dos pontos. Só um pequeno truque rápido lá. Agora que tenho os pontos selecionados, vou subir para Selecionar, Modificar, Expandir, por 1 pixel. Agora selecione Modificar, Pena, 1 pixel. Agora, vou até aqui para minha textura dourada, virar o globo ocular para mostrar a visibilidade dessa camada novamente. Minha seleção ainda está em vigor, então vou até o meu ícone Adicionar máscara de camada e tocar nele uma vez para jogar uma máscara lá. Perfeito. Enquanto estamos aqui no nosso painel de camadas, vou pegar essa camada dourada e colocá-la dentro dessa pasta pervinca na parte superior da pilha de camadas. Se eu colocá-lo debaixo desse tom roxo, os pontos ficam roxos, o que realmente parece bem legal, mas não é o que eu quero agora. Então vou colocá-lo de volta no topo da pilha. Incrível. Agora, se eu diminuir o zoom, você pode ver todos esses enfeites de ouro realmente legais chegando em cima dessa cor pervinca. Vou ampliar para que possamos ver toda a glória dessa textura. Isso é realmente adorável, na verdade. Sim, isso parece incrível. A razão pela qual eu expandi essa seleção mais cedo é porque eu não queria que o ponto original chegasse. Então, quando eu expandi essa seleção apenas por um pixel, aqui, vou ampliar ainda mais apertado, o que isso significa é que o ouro vai cobrir totalmente essa camada por baixo. Eu irei em frente e voltarei a ativar a visibilidade desse ouro, o Comando 0 para caber na tela, e lá você o tem. Portanto, é realmente muito fácil infundir esses metais diretamente em sua arte. Outra coisa que eu quero mostrar rapidamente, já que já temos essa máscara no lugar bem aqui, podemos colocar outras texturas metálicas e ver como elas podem parecer como os acentos de pontos também. Vou te mostrar muito rápido. Se eu voltar ao meu arquivo Metallic Textures, vamos tentar esse brilho turquesa em vez disso. Vou arrastar isso para a minha tela. Novamente, ele é dimensionado perfeitamente para caber a 40 polegadas por 40 polegadas. Então, vou pressionar “Enter”. Agora, se eu clicar com a tecla Command na minha máscara, não na miniatura da camada, mas na máscara. Então, clique com a tecla Command, você pode ver que ele é replicado exatamente na mesma seleção. Agora, com minha camada de glitter turquesa selecionada, se eu vir aqui e clicar no ícone para adicionar uma máscara de camada, posso ver como a turquesa também se parece. Isso é realmente muito legal. Vou ampliar. Alguns bons efeitos de glitter acontecendo aqui. Comando 0 para caber na tela. Então, isso só mostra que, uma vez que você tenha uma máscara criada, você não precisa isolar esses pontos todas as vezes. Basta clicar com a tecla Command pressionada na máscara de camada para replicar a seleção e colocá-la no lugar para uma nova. Isso é apenas um truque rápido para trabalhar um pouco mais inteligente, não mais difícil. Acho que prefiro essa camada de ouro por baixo, então vou seguir em frente e com essa camada turquesa selecionada, basta pressionar Delete no meu teclado. Agora, vou mudar o nome para Periwinkle Golds para me lembrar que esta é a opção de ouro metálico. Vou clicar nesse cursor para consolidá-lo. Agora eu tenho uma variedade de paletas de cores realmente adoráveis aqui nas minhas camadas, além da cor original em si. Como sempre, você pode continuar explorando acentos metálicos por conta própria. Normalmente tenho pelo menos algumas opções de cores metálicas infundidas para cada design que crio. Isso é um envoltório para metálicos, vamos seguir em frente e passar para o próximo vídeo, que é tudo sobre salvar seus arquivos na configuração mais otimizada possível. 14. Salvando: Agora que concluímos todas essas etapas e criamos alguns designs verdadeiramente impressionantes no Photoshop, é hora da etapa final. Vamos preencher o resto de nossos padrões e, em seguida, vamos salvar esses arquivos, o arquivo de bloco e, em seguida, o arquivo padrão com as configurações de salvamento mais ideais necessárias para sites de impressão sob demanda, como Spoonflower, Society6 e Redbubble. Vamos começar. minha pasta de florais doces aberta aqui. Quero ir em frente e abrir o arquivo de bloco e o arquivo padrão no Photoshop. Dica profissional, vá em frente e salve os dois se você ainda não o fez. Command S, perfeito. Se eu for ao meu arquivo padrão primeiro, verei que já tenho um desses padrões completamente preenchido. Não fiz nenhuma alteração nesse padrão desde que o preenchi pela primeira vez, então o primeiro já está concluído. O que vou fazer é vir aqui ao painel de minhas camadas, clicar duas vezes no nome da camada e alterá-lo para o nome da minha paleta de cores. Para isso, vou chamá-lo de azul rosa. Perfeito. O primeiro já está concluído. Agora vou voltar ao meu arquivo de bloco. Mais uma vez, estamos alternando entre essas duas guias. Antes de avançarmos, quero clicar duas vezes onde diz trabalhar e digitar mesmo nome da paleta de cores, então rosa azul. Mais uma vez, minha paleta de cores é indicada em ambos. Lembre-se de que este é chamado de arquivo de trabalho porque temos todas as camadas individuais dentro desse arquivo. Em seguida, desligo a visibilidade do trabalho, ativarei a visibilidade da lavanda e da sálvia e, em seguida, farei o mesmo passo que fizemos anteriormente, onde eu vou editar, Definir Padrão. Mais uma vez, não me importo com o nome. Então voltarei ao meu arquivo PSB Pattern. Venha aqui para minhas camadas, certifique-se de que rosa e azul estão selecionados e, em seguida, pressione Command J no meu teclado para duplicar essa camada. Agora posso clicar duas vezes na miniatura Padrão e clicar na Cenoura e alternar para baixo para a criação mais recente do padrão, que é aquele palato de sálvia de lavanda. Lembre-se que é aqui que você pode brincar com escala e ter seus elementos muito pequenos ou muito grandes. Mas descobri anteriormente que 45% realmente funcionaram muito bem para esse padrão, então vou mantê-lo consistente. Vou pressionar “Ok” e depois clicar duas vezes no nome da camada e alterá-lo para sálvia de lavanda. Neste ponto, vou enxaguar e repetir esse processo e fazer com que todos os meus arquivos de bloco sejam replicados no meu arquivo padrão também, para que todas as paletas de cores sejam representado em ambos os arquivos. Vou escrever alternando de volta para o meu arquivo de bloco. Desligue a visibilidade da sálvia de lavanda. Ative a visibilidade de azul-cinza, edite, Definir padrão. De volta ao meu arquivo padrão. Novamente com o sábio de lavanda selecionado, pressionarei o Command J, clique duas vezes na miniatura da camada, alterno para baixo na cenoura e seleciono meu padrão mais recente. Em seguida, pressione “Ok”, não se esqueça de atualizar o nome da camada azul-cinza e repetir. Esse foi o último. Agora eu tenho todas as minhas paletas de cores aqui no meu arquivo de bloco, preenchidas como padrão e replicadas aqui no meu arquivo de padrão. Quero ir em frente e salvar meu arquivo padrão Command S, para que eu não perca nenhum progresso. Este é o ponto se você não colocou sua assinatura no bloco porque não quer que ela se repita com tanta frequência. Aqui vou ampliar e mostrar como é o meu. Minha assinatura é repetida aqui, aqui, aqui e aqui. Se você não gosta desse olhar, então tudo bem. Você pode colocar sua assinatura não no arquivo de bloco, mas no próprio arquivo padrão. Vou te mostrar como. Voltarei ao meu bloco, ativarei a visibilidade do meu arquivo de trabalho e quero encontrar minha assinatura. Vou apenas ampliar, pressionar “V” para acessar minha ferramenta Mover e clicar com o botão direito na minha assinatura, o que destacará essa camada. Agora, se eu quebrar essa guia apenas puxando-a para o lado, posso pegar essa camada, clicar e arrastá-la diretamente para o meu arquivo de padrão. É branco, então desapareceu, então eu só vou o Comando T, pressione “Ok”. Aí está. Está se escondendo aqui. Este é o ponto em que eu poderia colocá-lo em algum lugar no meu arquivo padrão se ele ainda não estiver no bloco. Se você não tem assinatura repetitiva agora, esta é a hora de ir em frente e colocá-la em algum lugar no design. Eu costumo gostar dele no canto inferior direito, então talvez eu coloque-o dentro desta pétala aqui, então “Enter”. É por isso que não consigo vê-lo. Está por baixo dessa camada de ouro pervinca. Vá em frente e clique nele e arraste-o para cima. Lá está, Z e puxe, Command T para abrir a transformação e você pode dimensioná-la para caber. Comando 0 para caber na tela. Esta é a hora de conectar sua assinatura se ela ainda não estiver repetindo, mas como a minha já está se repetindo, vou apagar o que acabei de fazer. Isso foi apenas um exemplo para mostrar a você. A última coisa que eu quero fazer neste arquivo padrão é soltar essa textura de papel. Já o baixei do Dropbox, então está aqui na minha pasta Downloads. Vou apenas clicar e arrastá-lo diretamente para dentro, porque lembre-se que já está dimensionado a 40 polegadas por 40 polegadas. Vá em frente e pressione “Ok”. Se você está se perguntando por que acabamos bloquear nossa ilustração inteira, o que precisamos fazer é ir até aqui para o nosso modo de mesclagem e alterá-la para multiplicar. Também garante que a textura do papel esteja na parte superior da pilha de camadas. Não está escondido em algum lugar no meio, mas está no topo da ponta. Agora, se eu pressionar “Z” e puxar, você poderá ver a textura do papel chegando com a arte. Essa textura de papel é multiplicada por absolutamente tudo , então você está vendo isso de uma forma realmente sutil através da própria arte em aquarela. Aqui vou mostrar o que parece sem a textura do papel, onde é muito limpo, mas também muito gritante e depois com a textura do papel. Como minha pintura original era aquarela, prefiro muito isso. Ter esse fundo de textura de papel aquarela nesse arquivo padrão, faz uma grande diferença e ajuda essa pintura a se sentir muito mais natural. Mais uma vez, mostrarei sem essa textura e largura do papel. Adorável. Comando 0 para caber na tela. Neste ponto, terminei de otimizar meu arquivo padrão e meu arquivo de bloco. Vou seguir em frente e salvar meu arquivo padrão, Command S. Agora que temos ambos os arquivos de trabalho concluídos, temos o arquivo de bloco e o arquivo padrão, 100% prontos para uso. É hora de salvá-los como JPEGs individuais para que eles estejam prontos para serem enviados para imprimir sites sob demanda como Spoonflower, Society6, Redbubble, Etsy ou o que você estiver usando. Vou te mostrar como eu os exporto. A primeira coisa que vou fazer é juntar essas abas novamente, então é fácil alternar entre as duas. Vamos ver. Tenho meu arquivo de bloco aqui. Vou apenas clicar nele e colocá-lo aqui. Tenho minhas duas guias facilmente acessíveis entre as duas. Neste ponto, vou apenas ir entre esses dois arquivos e salvar cada uma das formas de cores como seu próprio JPEG individual. Começarei com um bloco aqui e, primeiro, vou até o meu painel de camadas, consolidar esse arquivo de trabalho novamente e vou começar de baixo para cima aqui. Vou começar com minha paleta original. Escondi a visibilidade de todas as minhas outras camadas. Vou para Arquivo, Salvar Como, e isso é um bloco. Então vou começar aqui, exceto que vou iniciar o nome do arquivo com a opção de paleta de cores. Eu chamei esse de PinkBlue. O nome completo será a opção de paleta de cores PinkBlue, Sweet Florals, que é o nome do design que eu dei, e então Bloquear porque é isso que é isso. Estamos no arquivo de bloco aqui. A única coisa que eu quero mudar agora é o formato. Não quero salvá-lo como nenhuma dessas opções. Na verdade, quero salvá-lo como uma cópia para que eu possa salvá-lo como JPEG. Agora você notará aqui na parte superior, a extensão mudou para JPG, o que indica JPEG. Um JPEG é um arquivo achatado, então ele vai pegar todas as camadas que temos aqui em nosso painel de camadas e as achatará em uma camada. Uma vez que minha arte esteja completamente finalizada, este é o momento dos JPEGs. Não preciso ter nenhuma camada no meu JPEG, o que eu não tenho de qualquer maneira porque ainda tenho as camadas nos meus arquivos PSB em funcionamento. Portanto, o JPEG é apenas um tamanho de arquivo muito menor do que nossos arquivos de trabalho massivos, mas tem todo o nosso design lá em alta resolução, pronto para uso. Vamos em frente e pressionaremos “Salvar”. Eu sempre quero salvá-los com a máxima qualidade. Vou pressionar “Ok”, e temos um salvo. Vou voltar para a nossa pasta SweetFlorals muito rápido, e mostrarei como esse JPEG se parece. Está bem aqui. Ele é salvo como JPEG. Vou abri-lo no Photoshop, e é isso, então é nosso arquivo de bloco exato. Não temos esse padrão de extensão saindo porque não estamos na pré-visualização do padrão com isso. Este é apenas o nosso JPEG. Se você der uma olhada aqui no nosso painel de camadas, verá que é apenas uma camada. Ele não tem todas essas camadas individuais como temos em nosso arquivo de trabalho, que é ótimo porque o JPEG é apenas aquela imagem achatada. É tudo o que eu preciso disso para. Se você der uma olhada aqui, o tamanho da imagem do nosso JPEG é exatamente o mesmo que o tamanho da imagem do nosso arquivo de trabalho. Então ainda tem 40 polegadas por 40 polegadas. Que se mudarmos isso para pixels, é que 12.000 por 12.000, a resolução é 300. Tudo parece incrível. Aqui no nosso modo de cores, ainda estamos na cor RGB, o que é perfeito. Eu uso cores RGB para cada um dos meus designs porque cada site de impressão sob demanda que eu vendo requer um modo de cor RGB, não CMYK. Eu fico com RGB para tudo. Posso ir em frente e fechar este JPEG. Acabei de abri-lo como exemplo. Agora vou entrar na minha pasta de padrões, e vou fazer exatamente a mesma coisa. Vou desligar a visibilidade de todas as camadas que não são minha PinkBlue, e agora vou salvar esta como um JPEG achatado também. Arquivo, você pode pular uma etapa aqui apenas indo para Salvar como cópia. Vou clicar onde ele diz PinkBlue, e mudar bloco para padrão. Quero ter certeza de que estou salvando isso como JPEG e que a extensão aqui está mudando para JPEG e pressionarei “Salvar”. Novamente, com qualidade máxima, que é 12, e pressione “Ok”. Legal. Agora vou repetir exatamente essas mesmas etapas e salvar todas as minhas paletas de cores individuais como seus próprios arquivos JPEG. Voltarei ao meu bloco. Desligue a visibilidade do PinkBlue, ative a visibilidade da sálvia de lavanda e faça a mesma coisa. Arquivo, Salvar como uma cópia. Vou clicar onde diz PinkBlue. Mude-o para LavenderSage e certifique-se de que estou salvando como JPEG e que a extensão esteja mudando para JPG. Pressionarei em “Salvar”, e virei aqui para o meu arquivo padrão e farei a mesma coisa. Desative a visibilidade do PinkBlue. Ative a visibilidade do LavenderSage. Arquivo. Salve uma cópia. Clique em “LavenderSage”, altere o bloco para padrão e salve como JPEG. Agora vou acelerar um pouco o processo. Legal. Terminei de salvar todos os meus JPEGs. Vou mostrar a você como minha pasta se parece. Agora, de repente, essa pasta ficou muito mais preenchida. Temos todas as nossas paletas de cores individuais salvas como JPEGs, bem como nossos três arquivos de trabalho. Temos os elementos originais, temos o padrão, o bloco e, em seguida, todas essas variações de nossos arquivos JPEG tanto em bloco quanto em padrão. Agora que você aprendeu a salvar todos os seus arquivos nos tipos de arquivos ideais, mostrarei como faço o upload deles para imprimir sites sob demanda. Isso vai ser um pequeno bônus nos bastidores espreitar meu processo de upload. 15. Como enviar o link POD: Antes de mergulharmos em um pouco nos bastidores em que mostro como faço upload de meus padrões para sites de impressão sob demanda, quero tirar um segundo e dar a você minha parte interna em sites de impressão sob demanda respondendo esta é uma grande questão. É possível ganhar dinheiro com impressão sob demanda? Afinal, há tanta competição. Responda, absolutamente. Aqui estão minhas melhores dicas para ter sucesso na impressão sob demanda com base nos meus oito anos de ser um dos melhores vendedores na Society6. Dica 1, sua loja pessoal em um site de impressão sob demanda cria um portfólio fabuloso. Na verdade, foi assim que muitos dos meus licenciadores realmente me encontraram. Eles encontraram muitos dos meus designs no Society6 primeiro, e depois clicaram na minha biografia e encontraram um link para meu endereço de e-mail, meu site ou minhas mídias sociais lidam com tudo na minha biografia. É por isso que é tão importante ter suas informações de contato listadas em sua biografia, seja seu e-mail, link para redes sociais ou sites, ou todos os itens acima. Isso torna muito fácil para os clientes encontrá-lo e estender a mão. Dica 2, você pode e deve vender seus projetos por meio de vários sites de impressão sob demanda. Desde que as plataformas pelas quais você está vendendo estipulem que todos os designs que você carrega não são exclusivos, você estará pronto. Leia sempre os termos e condições para garantir que o contrato de licenciamento não seja exclusivo e que você sempre retenha todos os direitos autorais de seus projetos. Dica 3, procure novas empresas de impressão sob demanda para que você seja o primeiro na porta se elas forem grandes. Society6 é um fabuloso site de impressão sob demanda, mas eles existem desde 2009 e eles têm muitos criadores de conteúdo, assim como eu, vendendo através de sua plataforma. Isso é bom e ruim. É bom porque eles são uma empresa bem reconhecida e, como eu mencionei, muitos dos meus clientes inicialmente me encontraram porque encontraram meu trabalho na Society6 primeiro. Mas pode ser difícil ser notado quando você está competindo com milhares ou centenas de milhares de outros artistas. Uma estratégia é procurar novos sites de impressão sob demanda para que você possa crescer com eles. Mixtiles é um com o qual me envolvi no final de 2019, e no ano seguinte, 2020, eles foram, na verdade, meu terceiro site de impressão sob demanda mais lucrativo. Pode pagar muito tempo para ser o primeiro na porta. Novos sites de impressão sob demanda estão se abrindo o tempo todo. Eu recomendo fazer algumas pesquisas on-line para encontrar novas antes que elas se tornem massivamente populares. Dica 4, carregue sua arte de forma consistente. Meu objetivo é fazer upload de um novo design todos os dias para sites impressos sob demanda e, claro, criando dez paletas de cores diferentes de um design, que me dá dez dias inteiros de envios, o que é incrível. Eu não carrego todas as minhas paletas de cores de uma só vez. Em vez disso, tento espalhá-los ao longo de algumas semanas ou meses para que meu feed inteiro não seja apenas um design em várias cores. Chegou a hora do exemplo de bônus mostrar como simplifico o processo upload de meus designs para os três principais sites de impressão sob demanda mostrarei hoje, Society6, Spoonflower, e Redbubble. Ouvi de muitas pessoas que carregar seus arquivos para sites de impressão sob demanda pode ser um grande problema, e confie em mim, eu definitivamente estive lá. Vou mostrar meu método mostrarei como otimizo para palavras-chave e títulos para tirar o máximo proveito da minha arte. Vou começar sob a suposição de que você já tem contas configuradas nesses sites. Caso contrário, é muito simples configurar sua loja. Vou começar carregando meu doce padrão floral nas paletas de cores originais. Além disso, um lembrete rápido de que, se você seguiu usando minha mesma ilustração floral, você não pode enviá-la para vender on-line, já que fui eu quem a projetou. No entanto, se você tiver seu próprio padrão digitalizado nesta classe, isso não é meu, vá em frente. Começarei abrindo a Society6. Vou começar aqui com a Society6. Vou bater em vender. Em seguida, vá aqui para adicionar uma nova arte, selecionar o arquivo e, na minha pasta doce florais, vou começar de novo com a paleta de cores azul rosa original como o arquivo padrão, não o bloco, mas o padrão para Society6. Eu vou em frente e pressionarei “Abrir”, e é chamado de florais doces rosa e azul. Perfeito. Vou seguir em frente e o Comando A para selecionar isso, Comando C para copiar. Então vá até aqui para Redbubble. Vou até minha conta, adicionarei nova arte, enviarei novos trabalhos e pegarei exatamente o mesmo padrão. Pressione “Abrir” e clique em Título Comando V para colar. O próximo é Spoonflower. Vou para o meu painel. Clique onde diz “Adicionar desenhos”, e agora algo que eu quero apontar, seus arquivos para Spoonflower precisam ter menos de 40 megabytes. Se eu for aqui para minha pasta, meu arquivo de bloco é realmente um pouco maior. Vou ir em frente e redimensionar isso apenas para Spoonflower, mas não bem sobre o meu original. Abrirei esse bloco no Photoshop e vou para Imagem, Tamanho da Imagem, e vamos reduzir isso para 20 por 20 polegadas. Metade do tamanho original. Pressione “OK”, Arquivo, Salvar como. Lembre-se, não queremos escrever sobre o bloco original porque isso é resolução muito maior, portanto, se um cliente ou parceiro de licenciamento precisar disso mais tarde, ainda temos o bloco de alta resolução para enviá-los. Faremos uma resolução menor para Spoonflower já que ultrapassamos esse limite de arquivos. Depois do bloco, vou fazer Spoonflower, e esse é o meu lembrete para mim mesmo de que esse bloco é realmente uma imagem de baixa resolução. Mais uma vez, é um JPEG. Vou em frente e pressionarei “Salvar”. Agora vamos dar uma olhada aqui em nossos arquivos. Perfeito, agora estamos abaixo desse limite de 40 meg, que é exatamente o que queremos. Agora posso voltar ao Spoonflower, clicar em “Escolher arquivos”, pegar essa opção Spoonflower e pressionar “Abrir”. Confirmei meus direitos autorais e quero fazer o upload. Enquanto aguardamos esses envios, vou mostrar um pequeno truque que uso em minhas pastas. Estamos de volta aqui na minha pasta de florais doces, e há muitas coisas acontecendo aqui. O que acabei de fazer é carregar essa paleta de cores para todos os três sites de impressão sob demanda. Quero criar um pequeno lembrete para não fazer o upload novamente daqui a algumas semanas, meses ou anos. Vou usar uma ferramenta chamada tag de cor, que é algo que você pode fazer com MacBooks. O que vou fazer é selecionar todos os meus arquivos, Comando A, pressione Comando e clicar para desmarcar essas varreduras originais, e vou Controlar clique e colocar uma tag vermelha para me lembrar de carregue estes para o Redbubble, clique pressionando a tecla Control novamente. Coloque uma tag roxa lá para me lembrar de carregá-los para a Society6 e colocar uma tag verde lá para me lembrar de fazer o upload deles para Spoonflower. Agora, como já fiz o upload da versão azul rosa, posso ir em frente e desligar essas tags , já que já fiz essa ação. Mais uma vez, clique pressionando a tecla Control, vá para minhas tags e exclua todas as três. Agora, se eu abrir essa pasta daqui a alguns dias, meses ou anos, saberei que tudo o que tem uma tag de cor nela é um arquivo que ainda precisa ser carregado nesses sites de impressão sob demanda. Como tenho milhares de designs no meu portfólio, essa é uma boa maneira de me dar um lembrete rápido do que foi carregado e que ainda não foi carregado. Voltando para a Society6, ele terminou de fazer o upload. Vou em frente e pressionarei “Continuar”. Sim, este é o meu trabalho. Não, não está maduro. Continue. A categoria para isso é pintura. Antes de adicionar minhas tags, na verdade vou seguir em frente e fazer isso aqui no Redbubble. Tags de palavra-chave são palavras relacionadas ao que seu trabalho artístico pode ser. Eles são realmente valiosos para incluir quando você carrega seu design, porque muitos usuários encontrarão seu trabalho porque eles pesquisaram talvez uma dessas palavras de tag. Para isso, vou usar etiquetas como flores, flores, florais, florais, padrão, flor, primavera, verão, natureza, folha, folhas, aquarela, jardim, férias, colorido, e minha marca, catcoq. Eu acho que esse é um bom número de tags, e agora que elas estão listadas, farei o Comando A para selecionar todas, Comando C para copiar e depois voltar aqui para a Society6 e cole-as aqui. Perfeito, e a razão pela qual eu faço dessa maneira é então eu só tenho que escrever as tags uma vez e então eu posso simplesmente copiar e colar em Society6 e Spoonflower, falando nisso, vamos aqui para Colher e cole essas tags em. Também vou prosseguir e revisar o título, os florais da suíte. Rosa e azul. Eu mantenho meus títulos consistentes em todos os sites Print On Demand. Vamos voltar para a Society6. Por padrões, muitos dos produtos começam a ser desativados , então eu quero encontrar os que estão desligados e ligá-los novamente. Agora, para alguns produtos como este cartaz, acho que esse design é muito pequeno para esse produto exato. Quero ir em frente e ampliá-lo neste cartaz, então vou para Editar. Não se esqueça de salvar suas alterações. É aqui que posso trazer essa escala um pouco para que pareça um pouco mais natural em um cartaz. Uma coisa que quero ter em mente é que minha assinatura é sempre visível. Nesse caso, está aqui duas vezes. Acho que está tudo bem. Quero salientar aqui com a escala, isso é 100% do que eu sou capaz de dimensionar essa arte como neste produto. Society6 não me deixa escalar além do que é capaz de ainda imprimir com uma resolução de alta qualidade. Porque esses arquivos são novamente tão grandes, eu posso realmente ficar muito grande. Eu não preciso disso tão grande, mas só quero apontar para mas só quero apontar para que você possa ver um exemplo. Society6 nunca permitirá que você dimensione seu produto além do que ele é capaz de imprimir ainda com uma resolução de alta qualidade, o que é incrível. Vamos derrubar isso de volta. Acho que esse posicionamento parece muito bom e há minha assinatura ali, então iremos em frente e salve e habilite. Essa é uma das coisas legais. Society6 permite que você ative seus produtos em lote, que significa que não precisamos fazer exatamente o mesmo aumento e redimensionamento para cada produto. Para produtos que têm dimensões comparáveis, podemos seguir em frente e marcar mais de um. Bandeja de servir, pendurar na parede e bandeja de acrílico, vamos em frente e fazê-los parecer exatamente assim. Ativar. Legal. Agora você pode ver como isso se parece com um design maior. Acho que parece muito melhor. O que eu vou fazer é apenas passar, alternar aqueles que são bons para ir e talvez editar e ajustar os que precisam ter esse padrão, ser um pouco maior. Por exemplo, esse travesseiro, eu realmente não gostei do jeito que parecia com um padrão muito intrincado e fino. Acho que os padrões parecem um pouco melhores quando são modernos e ampliados, então vou explodir este um pouco também. Novamente, minha assinatura está sendo cortada aqui e aqui, então vou ajustá-la para garantir que minha assinatura ainda esteja visível. Perfeito. Você sempre pode gerar uma visualização para ver a aparência dessa escala no produto. Esta é apenas uma ferramenta útil para ver seu design em tempo real em um produto. Isso parece incrível para mim. Há minha assinatura agradável e evidente, mas não muito avassaladora. Vou em frente e pressionarei “Salvar e Ativar”. Eu quero essa mesma dimensão para a sacola, para as artes de madeira de parede, e praticamente todas essas, exceto papel de parede. Vamos chegar lá em um segundo. Legal. Agora eu posso ver como meu design ampliado parece como arte de parede de madeira. Porque lembre-se que ativamos isso quando editamos o travesseiro. Também vejo como parece maior em coisas como relógios de parede e aquele travesseiro de chão. Mas o que eu quero abordar em seguida é o papel de parede porque isso requer um padrão de repetição. Vou para Editar e lembrar que esse arquivo padrão não é uma repetição perfeita. Você pode ver que a flor que é cortada no lado esquerdo não se repete perfeitamente no lado direito. É aqui que o bloco é útil para a Society6. Vou carregar um novo arquivo, ir em frente e pegar esse bloco e pressionar “Abrir”. O papel de parede é o único produto na Society6 que realmente requer um padrão contínuo. Este é o único produto para o qual eu realmente carrego esse bloco. Na Society6, tudo o resto é esse arquivo padrão, que lembra não é uma repetição perfeita. Eu salvei esse bloco apenas para papel de parede na Society6. Enquanto isso estiver sendo carregado, vou até aqui para a Redbubble e começar a habilitar alguns produtos. Geralmente desligo padrões em camisetas como essa. Eu não acho que eles parecem muito bons. Eles funcionam muito melhor como uma estampa completa, como nessas camisas aqui. Adesivos. Por que não? Alguém pode estar interessado nisso. Vou continuar rolando para baixo. A mesma coisa, quero ir em frente e aumentar o padrão no travesseiro, que você pode ver em tempo real, o que é realmente útil e levá-lo para um lugar agradável aqui. Onde está minha assinatura? Lá está lá em baixo. Legal. Vou seguir em frente e aplicar as alterações. Você não pode ativar produtos em lote no Redbubble como você pode com o Society6, então é um pouco mais de manutenção. Descemos aqui, habilitaremos as saias e praticamente iremos em frente e ligaremos tudo. Para algumas coisas, talvez eu queira redimensioná-las e tornar o padrão um pouco maior. Vou apenas passar e habilitar produtos que são bons para usar e redimensionar aqueles que precisam de um pouco mais de trabalho. Vou te mostrar algo aqui em baixo. Usarei a mochila como exemplo. Acho que esse padrão parece muito grande nesse produto e eu realmente quero que ele fique muito menor e ajustado. Mesmo que esse arquivo padrão seja carregado, ainda podemos chegar lá com o Redbubble. Vou para Editar, e não posso deixar meu padrão menor porque é literalmente onde ele termina. Se eu quiser que meu padrão seja menor no produto, o que faço? O bloco. Vou para Substituir Imagem, vou pegar esse bloco e enviá-lo. Uma das coisas legais com o Redbubble é que eles realmente permitem que você carregue seu bloco e depois controle como ele é empilhado e repetido e quão grande e pequeno ele fica. Você não pode fazer isso com o Society6 , então o Redbubble é bem legal dessa maneira. Preciso esperar que isso faça o upload antes de mostrar como. Enquanto isso ainda está sendo carregado, vou aqui para Spoonflower. Meu design já foi carregado. Eu tenho meu título, todas as minhas tags e o que eu quero fazer é posicionar isso para que fique bem em um produto. Lembre-se de que o bloco era muito grande, então nosso padrão é enorme em tecido. É difícil ter uma ideia para escala aqui no Redbubble mesmo com a régua. Sou uma pessoa visual, então preciso ver o que parece em um produto real. Você pode fazer isso escolhendo Exibir todos os produtos. Vou clicar com o botão direito do mouse e abrir isso em uma nova guia para que isso permaneça aqui e eu possa ir até minha nova guia e ver como é em um produto real. Papel de parede, interessante. Aqui vamos nós. O padrão parece muito legal nos produtos, na verdade, mas é muito grande. Mesmo aqui neste travesseiro, isso é muito grande de um padrão. Eu definitivamente quero reduzir um pouco, talvez um pouco. Para tornar o padrão um pouco mais apertado e menor, posso ir até aqui e clicar em “Menor 21". Isso é literalmente metade do tamanho de onde estávamos antes com 40. Vamos ficar ainda menores e ver o que acontece. 10.5, este está muito bom. Vou em frente e salvo o layout. Enquanto isso estiver economizando, vou voltar e verificar meu progresso na Society6. Legal. O bloco foi totalmente carregado aqui para nossos produtos de papel de parede. Vamos seguir em frente e clicar em Gerar visualizações para ver como ela se parece. Incrível. Isso parece muito bom como papel de parede na verdade. Você pode ver que esse padrão sem emenda fez um trabalho perfeito de repetir, empilhar e ladrilhos absolutamente perfeitamente sem bordas desalinhadas. Isso parece incrível. Vou seguir em frente e clicar em “Salvar e ativar”. Não preciso disso em nenhum outro produto , então vou clicar em “Ignorar esta etapa”. Legal. Neste ponto, vou passar pela Society6, habilitar produtos com boa aparência e seguir em frente e editar produtos onde eu quero ajustar essa escala um pouco. Como este tapete, posso trazer isso um pouco e garantir que minha assinatura ainda esteja incluída em algum lugar nesse design. Pressione “Salvar” e habilite isso para os outros tipos de produto também. Society6 tem muitos produtos diferentes. Depois de terminar de passar e ativar todos eles, você pode vir aqui e publicar sua arte. Quando for publicado, o status aqui mudará para indicar isso e você poderá vê-lo ao vivo em sua loja Society6 em todos os produtos que você ativou, que é bonito legal. Society6 está terminada. Vamos aqui para Redbubble e verificar nosso progresso. O bloco terminou o upload para nossos sacos de duffle. Como você pode ver, os elementos ficaram ainda maiores nessas mochilas, o que não queremos, mas, em vez disso, enviamos esse bloco para que possamos escalá-lo. Você tem a opção de grelhar seu padrão e, dessa forma, você pode torná-lo tão pequeno e detalhado quanto quiser ou tão grande quanto isso, você pode torná-lo tão pequeno e detalhado quanto quiser ou tão grande quanto isso, o que, novamente, não queremos para a mochila. Novamente, posso ver isso em tempo real à medida que o dimensiono e posso encontrar um bom tamanho que funcione muito bem. Na verdade, gosto muito disso, então pressionaremos “Aplicar alterações”. Com o Redbubble, você tem as duas opções. Você pode carregar seu arquivo padrão ou carregar seu bloco e empilhá-lo e repeti-lo em produtos. Quando seus produtos Redbubble terminarem, você pode continuar e salvar seu trabalho. Uma vez totalmente processado, você poderá vê-lo ao vivo no site da Redbubble. Tanto para a Society6 quanto para a Redbubble, às vezes pode levar até 15, 20 minutos antes de vê-lo ao vivo em sua loja. É apenas processando nos back-ends. Por último, mas não menos importante, vamos voltar aqui para Spoonflower. Agora que esse novo tamanho é salvo, vamos ver como ele fica nos produtos. Incrível. Esse tamanho menor está realmente parecendo muito melhor em produtos do que o maior, então acho que isso vai ser bom. É exatamente aqui que vou mantê-lo. Voltarei para Spoonflower, e quero ir em frente e habilitá-lo para todos os produtos. Spoonflower é um pouco diferente da Society6 ou Redbubble. Para Spoonflower, você realmente precisa comprar uma amostra de amostra do seu design antes de poder ativá-lo para venda. A razão pela qual eles fazem isso é novamente, porque esses padrões de repetição são tão complicados de fazer. Eles querem ter certeza de que ele realmente vai se alinhar e ficar bem quando você aprova essa amostra antes que outras pessoas possam comprar sua arte. Se você quiser ter um design específico à venda no Spoonflower, você precisa comprar uma amostra primeiro. Mas para os outros dois, Society6 e Redbubble, uma vez que seu design é publicado, qualquer um pode comprá-lo. Isso é um envoltório para os bastidores com Print On Demand. Espero que você tenha gostado disso nos bastidores espreitar meu processo de upload. Em seguida, tenho alguns pensamentos finais para compartilhar com vocês em nosso último vídeo da aula de hoje. 16. Considerações finais: [MÚSICA] Primeiro de tudo, eu só quero dizer o quanto você é impressionante por chegar ao final desta aula. design padrão sem emenda é o tipo de padrão mais desafiador e levei anos para dominar completamente o processo. Você já está à frente da curva quando se trata de design de superfície. Você pode aproveitar as habilidades que aprenderá hoje e criar tantos designs legais que têm aplicações do mundo real na indústria de design de superfície. Mal posso esperar para ver como seu padrão se uniu. Por favor, sinta-se à vontade para compartilhar sua arte na galeria do projeto do aluno abaixo. Você pode encontrar a galeria na guia Projetos e Recursos. À direita, você verá um botão verde que diz Criar projeto. Clique nele e, quando estiver lá, você terá a opção de fazer upload de uma foto de capa, adicionar um título e escrever uma pequena descrição. Você pode incluir texto e imagens aqui. Se você tirasse algumas fotos do processo ao longo do caminho, eu adoraria vê-las também. Por favor, considere compartilhar uma foto do seu esboço ou pintura, em seguida, como o padrão final se juntou no Photoshop. Como os arquivos do Photoshop que criamos hoje são enormes, funcionará melhor se você fizer uma captura de tela do seu arquivo do Photoshop. Em seguida, carregue essas capturas de tela na galeria do projeto. As capturas de tela serão carregadas muito mais rápido para o Skillshare do que nossos arquivos massivamente gigantes do Photoshop. Depois que o projeto for carregado, ele aparecerá na galeria do projeto do aluno. Você pode ver outros projetos aqui e eu encorajo você a gostar e comentar sobre o trabalho um do outro. Se você quiser compartilhar seu projeto no Instagram, por favor, marque me, @catcoq e Skillshare @skillshare para que possamos curtir e comentar lá também. Bônus, de tempos em tempos, eu decido destacar o trabalho dos alunos em meus e-mails, então sempre há uma chance de você conseguir seu trabalho artístico futuro lá, também. Falando em e-mails, se você quiser receber um aviso assim que eu iniciar minha próxima aula, clique no botão de acompanhamento acima para me seguir no Skillshare. Você não só será o primeiro a saber assim que minha próxima aula sair, mas também enviar mensagens para meus seguidores e eles estão repletos de dicas úteis, brindes e recursos para artistas, e a oferta ocasional gratuita de associação Skillshare. Adoro dar aos meus alunos essas vantagens divertidas. Você também pode me seguir no Instagram para ver novas obras de arte que estou criando e onde no mundo estou vivendo no momento. Neste momento, estou no meu Airbnb no México, onde tenho vivido dentro e fora no último ano. Meu próximo destino é a Espanha, onde vou hospedar um retiro de artistas durante o verão e depois disso, quem sabe? Tenho vivido de uma mala nos últimos seis anos, então a vida é uma aventura completa. Por último, eu quero recomendar algumas aulas para você desde que você fez minha aula de padrões sem emenda hoje. Se você gostou desta e quer conferir mais das minhas aulas ao longo da mesma coisa, recomendo assistir, cultivar cores, variar paletas em arte original e crescer seu portfólio. Nessa aula, você mergulhará profundamente na exploração de cores no Photoshop. Além disso, eu solto muitas bombas de valor em termos de criação de paletas de cores que vendem especialmente bem termos de criação de paletas de cores que vendem especialmente bem e como rastrear as tendências de cores sua arte possa chegar ao creme do globo. Você pode encontrar essa classe clicando em meu nome acima deste vídeo e rolando meu perfil para ver todas as minhas outras aulas. Outro que você pode estar interessado é um Guia Passo a Passo para Licenciamento Artístico. Venda sua primeira obra de arte online. Nessa aula, você basicamente terá uma vantagem na venda de sua arte on-line, concentrando-se em sites impressos sob demanda como o Society6. Desde que vendi mais de 100.000 produtos na Society6, essa classe é essencialmente eu dizendo tudo o que funcionou muito bem para mim. Por último, mas não menos importante, se você quiser aprender a criar um padrão de repetição no seu iPad usando o aplicativo de desenho Procreate, checkout, minha classe, desenhando padrões perfeitos no Procreate plus professional dicas de design de superfície. Essa é outra aula amigável para iniciantes. Então, mesmo que você nunca tenha usado o Procreate antes, você poderá acompanhar muito bem. Se você gostou da minha aula hoje, por favor, deixe um comentário. Essas resenhas significam muito para mim e adoro ler sobre o que você pensou da minha aula. Tenho ensinado sobre o Skillshare há mais de cinco anos. No cumprimento que eu saio de ser professor é o que me mantém motivado a continuar inspirando meus alunos. Vocês são incríveis. Bem, muito obrigado por se juntar a mim hoje, mal posso esperar para ver seus padrões perfeitos. Cuide-se e te vejo da próxima vez. [MÚSICA]