Os princípios básicos do design gráfico

1. Introdução: Se você pode projetar uma coisa, você pode projetar tudo. Quando Massimo Miliano disse essas palavras, ele quis dizer que os princípios fundamentais do design como mesmo cruzavam todas as disciplinas da comunicação visual. Se você conseguir dominar esses conceitos básicos, poderá criar um design atemporal. Olá, meu nome é Tamari Chabukiani. Sou fundador e diretor de arte na Pragmatika Design. Um estúdio de design independente especializado em identidades de marca. Nos últimos sete anos, criei logotipos e identidades para empresas de investimento, mercados digitais, empresas de IA e startups de todo o mundo. Além do meu trabalho principal como designer gráfico, também dou um curso de design de marca, aqui na Bolívia, Georgia. A maior parte do meu trabalho como palestra é dedicada a ensinar os alunos a pensar criativamente e a melhor forma de traduzir seus conceitos em visuais. Eu acredito que a maestria vem de aprender e dominar o básico, e acredito que esses princípios subjacentes é o que torna o bom design ótimo. Hoje vamos para alguns dos princípios básicos que podem ser aplicados a diferentes disciplinas de design gráfico. Seja design oval, design editorial de identidade direita ou UI. Vamos explorar como usar os princípios de design contrastes laterais, equilibrado , hierarquia, repetição, escala, espaço em branco e tensão. Estas ferramentas irão ajudá-lo a comunicar melhor a sua mensagem ao espectador enquanto melhoram a aparência da peça de design. Eu acreditava que esta classe pode beneficiar todos sempre que você é um novato completo ou sempre que você bem entrincheirado em sua carreira de design e quiser refrescar sua memória. Ao aprender a usar esses princípios, você melhora a qualidade de suas palavras exponencialmente, e você será capaz de criar um design bem equilibrado, harmonioso e atemporal. Espero que goste da aula e vamos começar. 2. Contraste: O design é uma arte utilitária, o que significa que sempre serve um propósito específico. Para efetivamente cumprir seu propósito, ele precisa capturar a atenção. Uma das maneiras mais eficazes de capturar a atenção de alguém é usando contrastes. Contraste é um ímã para chamar a atenção. Em outras palavras, isso nos ajuda a definir prioridades quando se trata de percepção da informação. Há algumas razões pelas quais precisamos de contraste. Em primeiro lugar, ajuda-nos a distinguir um objecto. Em segundo lugar, ele nos ajuda a definir hierarquia visual, e em terceiro lugar, ele cria algo que é agradável aos olhos. Embora a maioria das pessoas associe contraste a uma cor negrito, ele pode ser aplicado a diferentes componentes do design gráfico, como densidade, escala, configuração de fonte e assim por diante. Vamos passar por cada componente um por um. A primeira coisa que o espectador percebe é a cor, e só depois de perceber a cor percebemos formas e textos. Desta forma, não é de admirar por que a pesquisa sugere que uma cor de assinatura pode aumentar o reconhecimento da marca em até 80%. Esta é uma roda de cores que é usada para aprender teoria de cores e fonte de cor no lado oposto do espectro criar contraste máximo. Essas combinações de cores são chamadas de complementares. As cores complementares são verde e vermelho, azul e laranja, e roxo e amarelo. Quando reunidas essas combinações de cores podem parecer muito vibrantes e às vezes até criar uma sensação de movimento e elas trarão uma combinação muito atraente. Essas cores podem parecer um pouco ásperas e ofensivas para o espectador. Se você escolher essa combinação, tente diminuí-la um pouco diminuindo o brilho das cores. Além disso, experimente limites usando imagens carnudas e concentre-se exclusivamente em outros elementos, como formas geométricas e topografia. As cores análogas são aquelas que estão próximas umas das outras na roda de cores. Esta combinação pode criar um pellet que é para misturar e observado para adicionar meios de subsistência e definição, é claro, contrastes, tente adicionar neutros, como cinza, branco e preto. Você pode obter contrastes na topografia para diferentes combinações de fontes. Como regra geral, ao combinar diferentes fontes, os opostos polares se atraem. Portanto, uma combinação de uma fonte serif e uma fonte sans-serif é considerada segura. Os dois tendem a trabalhar bem juntos, especialmente em tamanhos contrastantes. Você também pode tentar experimentar mudanças no peso, espaçamento, tampas pequenas e assim por diante. Vamos falar sobre sans serif primeiro. Muitas fontes sans serif têm anatomia muito semelhante. Portanto, combinar sans serif de aparência semelhante não terá nenhum impacto visual. Como regra geral, combinar dois sans serif é considerado seguro somente quando eles diferem visualmente, como extremamente, por exemplo, um sans serif condensado e o regular. O mesmo vale para serifas. Se você quiser combinar dois experimentos serif, você deve tentar diferentes tipos de tipos de dois dos seis conjuntos de classificações. Experimente um estilo antigo, como Bembo com transição, como Baskerville ou tipo moderno como Didone. Ao falar sobre o contraste do tamanho do tipo, uma coisa a ter em mente é que o contraste precisa ser suficiente para ser percebido como tal. Aumentar o tamanho da fonte em um ponto não cria muita diferença. Portanto, você deve apontar para pelo menos um aumento de tamanho de tipo de dois pontos. Você também pode obter contraste alterando os pesos da fonte. A regra de duas unidades aumenta relevante neste caso também. Por exemplo, se você estiver usando texto de corpo deslizante, em vez de usar regular para ênfase, faça um salto unidirecional e escolha um meio. Espaçamento entre letras e itálico são formas comuns de chamar a atenção para certas informações. Aumentar o espaçamento entre formas de letras funciona especialmente bem em combinação com pequenas tampas. Itálico foi originalmente criado para economizar espaço, mas agora eles são usados para enfatizar certas informações no texto. Use essas duas técnicas com moderação apenas quando necessário. Um dos erros mais frequentes que os designers cometem quando se trata de contraste é usar demais. Um ou dois métodos de criação de contraste geralmente são suficientes, o significa que se você usar mudança de tamanho para criar ênfase, não há necessidade de torná-lo vermelho, negrito, itálico e sublinhado. Menos é mais. Você pode obter variação na densidade justapondo imagens fotográficas em tipografia ou implementando espaço em branco contra o layout denso. O contraste e a densidade são muito importantes ao lidar com publicação de várias páginas, uma vez que a variação mantém o leitor envolvido, enquanto o espaço em branco permite que os leitores descansem os olhos. 3. Repetição: Em poucas palavras, o princípio da repetição é reutilizar e repetir elementos de design iguais ou similares em todo o experimento. Pode ser repetição de cores, certas formas, sistemas de grade ou estilos de fonte. Quando usada corretamente, a repetição cria um sentimento de unidade e consistência. A consistência é especialmente prioritária quando se trata de publicações de várias páginas e identidades de marca, porque o princípio da familiaridade diz que quanto mais estamos expostos a certas cores, formas e mensagens, mais familiares elas se tornam. Portanto, o uso consistente de linguagem gráfica como cores, símbolos, tipografia em uma identidade de marca pode criar um visual unificado para uma marca. Essa repetição fortalece a imagem da marca, que a torna mais reconhecível e mais memorável. A série de ícones de jogos olímpicos de Otl Aicher é um exemplo perfeito deste princípio. Um esqueleto unificado, que significa a grade diagonal na qual os ícones são baseados, cria uma sugestão de que estes não são apenas alguns ícones aleatórios, mas uma série de ícones para a mesma marca. O padrão é a expressão mais direta desse princípio. Um padrão basicamente é um determinado elemento ou um grupo de elementos repetidos em uma sequência particular. E, finalmente, a repetição não precisa ser tomada literalmente. Pode ser uma repetição de séries de formas semelhantes que se tornam grandes ou pequenas de forma rítmica, mostradas neste exemplo por Josef Muller-Brockmann. 4. Tensão: >Tensão, suspense, desconforto, nervosismo, é um momento antes de um evento culminante, algum tipo de liberação. Imagine um filme de Quentin Tarantino em qualquer cena onde várias pessoas apontam armas uma para a outra ou um filme de terror, onde algo ruim está prestes a acontecer e a música está ficando cada vez mais tensa ou uma música de David Bowie, como Cat People. Você entendeu o ponto. No design, você pode usar tensão para adicionar interesse visual a uma composição. Se for usado corretamente, tensão pode cativar a atenção do espectador, fazendo-os sentir que algo está prestes a acontecer. Existem diferentes maneiras de criar tensão. Por exemplo, colocando um objeto em um ângulo, colocando objetos mais próximos, mas trazendo objetos para a borda da página, dimensionando imagens e textos até o ponto em que eles sangram da página ou recortando elementos de design de uma forma inesperada. Tension é uma ferramenta muito poderosa em sua caixa de ferramentas. É por isso que eu tentei limitar seu uso porque ele pode se tornar muito cansativo para um espectador. 5. Hierarquia: Hierarquia é o arranjo de elementos gráficos em ordem de sua importância. Para criar hierarquia visual, você precisa ter certeza de que determinados elementos de design e determinados conteúdos se destacam mais do que quaisquer outros elementos de design ou qualquer outro conteúdo. É por isso que o princípio da hierarquia tende a se sobrepor a dois outros princípios de design, como contraste e escala. Porque as manipulações que você usa para destacar determinados elementos são as mesmas manipulações que você usa para definir a hierarquia visual. Uma forte hierarquia leva os usuários através do design e os ajuda a absorver informações em uma ordem cronológica. Para criar ordem visual, precisamos estar familiarizados com o conteúdo, é por isso que é tão importante ler o conteúdo primeiro antes de começarmos a projetá-lo. Existem muitas maneiras diferentes de estabelecer hierarquia, mas só vamos passar por aqueles que discutimos na seção de contraste. Na cultura ocidental, lemos da esquerda para a direita. De acordo com estudos, existem dois padrões de leitura dominantes, o padrão F e o padrão Z. Isso significa que, após a digitalização inicial de um projeto, o olho tende a pousar no canto superior esquerdo. Se o que vemos no canto superior esquerdo é o que percebemos é lógico para agradar o elemento de design mais importante lá. É por isso que você costuma ver logotipos no lado esquerdo de uma página web ou o nome de uma pessoa no lado esquerdo de um cartão de visita. Este princípio, embora importante, pode ser prejudicado por outro princípio, que é o alargamento da dimensão. liderança são linhas, formas, setas, dedos apontados, manipulações fotográficas que direcionam você através do layout para um ponto focal. Usando linhas de destaque, você pode controlar para onde os visitantes olham quando vêem seu design. Você pode facilmente manipular a cronologia das informações que o espectador irá absorver. Essa manipulação pode ser algo tão óbvio quanto apontar dedos ou pode ser algo para ver [inaudível] em um nível mais subconsciente. O corte original ou formas incomuns são dinâmicas que servem como navegadores para o olho e o levam em uma direção particular. No design, o que é invisível é tão importante para o que é visível. O espaço é essencial para separar e organizar os elementos do seu design e ajudá-lo a parecer ordenado e equilibrado. Espaços podem servir como divisórias invisíveis. Podemos usá-los em vez de uma barra e outros elementos de design. Na verdade, quanto mais amplo espaço você deixar em torno de um elemento de design, mais ele se destacará. O alinhamento cria um senso de ordem agrupando objetos relacionados em um experimento unificado. Quando determinado elemento de design está fora da grade e não alinhado com o grupo, ele se destaca e se torna mais perceptível. A regra dos terços é basicamente dividir seu quadro em nove retângulos iguais e colocar o objeto mais importante em qualquer uma das quatro interseções. O ponto onde essas linhas se cruzam é conhecido como ponto de interesse. Usando o ponto de interesse como um ponto focal para sua composição, irá criar uma composição mais dinâmica e envolvente do que colocar o objeto no centro morto de um formato. Porque os estudos mostraram que os olhos das pessoas naturalmente tendem a gravitar em direção a um desses pontos de interesse em vez do centro. A regra é amplamente utilizada na fotografia e muitas câmeras digitais têm um grão embutido com dois divisórias verticais e horizontais. Você pode aplicar esse princípio a qualquer formato, seja paisagem, retrato ou quadrado. Obviamente as pessoas lêem e prestam atenção a objetos maiores porque são difíceis de ignorar. Quanto maior o objeto, mais importante ele parece. É por isso que o uso de imagens em grande escala e textos chamativos atrairá a atenção dos espectadores para o conteúdo que você gostaria de enfatizar. 6. Equilíbrio: Equilíbrio e design é a distribuição de elementos no formato. Você pode obter equilíbrio para o posicionamento, correlação e espaçamento do objeto. Hoje, vamos falar sobre dois tipos de equilíbrio, simétrico e assimétrico. equilíbrio simétrico ocorre quando o peso é distribuído igualmente em todos os lados de uma composição. É mais prevalente em composições clássicas, e embora agradável aos olhos, o equilíbrio simétrico é muito estático. Portanto, às vezes pode parecer chato. Por outro lado, o equilíbrio assimétrico parece menos plano do que simétrico. Também parece mais dinâmico e imprevisível. Em uma composição assimétrica, divertido, elemento visualmente pesado de um lado pode ser equilibrado por um punhado de peso de vôo do outro. Geralmente, é fácil até mesmo para um não-profissional observar a composição de equilíbrio [inaudível]. Um design bem equilibrado parece certo, enquanto a composição desequilibrada apenas parece um pouco fora. A noção de equilíbrio pode ser aplicada ao equilíbrio de espaços positivos e negativos no design de logótipos e na tipografia também. 7. Espaço branco: Espaço em branco é o espaço que envolve elementos de design. Mesmo que seja chamado de espaço em branco, não precisa ser necessariamente branco. Pode ser qualquer textura ou qualquer cor. O espaço em branco é basicamente qualquer área que está livre de textos, fotos ou quaisquer outros gráficos. Por que precisamos dele? espaço em branco atua como um divisor entre elementos de design e nos ajuda a encontrar informações relevantes. design desordenado pode ser altamente distrativo e confuso para o espectador. Assim como é difícil encontrar um objeto em uma sala desordenada, em um design desordenado, é difícil encontrar a informação que você está procurando. Portanto, quanto mais espaço em branco você tiver, mais conteúdo que rodeia aparecerá. Em publicações de várias páginas, como livros, por exemplo, margens, uma forma de espaço em branco são importantes porque dão espaço aos olhos para descansar. Os livros são publicados com orçamento limitado tendem a ter margens menores, pois é uma maneira de economizar dinheiro em papel. Isso, é claro, afeta a legibilidade do livro. Imagine entrar em uma loja Zara. Agora, contrasta, entramos em uma loja Chanel. A primeira coisa que você notará nas lojas do mercado de massa é que eles estão desordenados e cheios de roupas em todos os tamanhos. No entanto, loja de mão seccional tem muito poucas roupas penduradas no interior. Isso cria uma sensação de luxo e exclusividade. O mesmo princípio se aplica ao design gráfico. Para menos confuso o design é, o mais exclusivo e mais expressivo parece para o espectador. Em outras palavras, menos é mais. 8. Escala: A escala não é a mesma coisa que o tamanho, a escala é relativa. É a relação entre dois elementos de design, ou uma relação entre elementos de design e o formato. Quando todos os elementos de design, como topografia ou outros gráficos são do mesmo tamanho, design parece plano, a hierarquia é fraca e clique em etapas. A escala ajuda você a enfatizar certos objetos mostrando sua importância. Ele também pode ajudar a estabelecer hierarquia e definir um ponto focal. Ao jogar com escala, você pode aproximar alguns objetos do visualizador enquanto afasta outros objetos. Esses contrastes em tamanhos podem criar a sensação de dimensionalidade e movimento. Também aplicar um tamanho inesperado a um elemento é uma maneira divertida de misturar seu design. 9. Considerações finais: Muito obrigado por assistirem. Espero que tenha gostado desta aula. Haverá mais no futuro, por isso certifique-se de ficar atento. Eu criei uma folha de minutos [inaudível] que você pode baixar a partir da caixa de descrição abaixo e se você estiver interessado no que eu faço, meu identificador Instagram é tamari.chabukiani. Tenha um ótimo dia.