Movimentos de arte moderna do século 20: do impressionismo ao cubismo

1. Introdução: Olá, pessoal. E antes de mergulharmos no conteúdo do curso, por favor me diga, você já esteve em uma situação em que você vê uma pintura famosa na Internet ou em uma galeria? E parece muito familiar. Mas você sabe, nem o nome da pintura agora o pintor ou provavelmente o seu em um evento interessante, e as pessoas ao seu redor estão falando sobre a arte moderna. Eles mencionaram os nomes dos artistas que todos já ouviram falar. Mas você não pode manter a conversa porque você apenas confunde entre Impressionismo e Pós-Impressionismo. Você dificilmente pode entender a diferença entre Art Nouveau e arte que eles chamam obstrucionismo e terrorismo, para não mencionar todos os outros ISM ou do século XX. Na verdade, a sociedade de hoje obriga tem de acompanhar as modernas tecnologias da moda, cinema e, claro, a arte moderna. É por isso que criamos este curso em que vamos cobrir todos os principais movimentos e estilos da arte moderna, começando pelo Impressionismo e indo para o prêmio Arte de Cubismo visível, Dada, Expressionismo Abstrato e arte de performance óptica. Em cada palestra, vamos mostrar-lhe as pinturas mais importantes e, por vezes, até projetos arquitetônicos , que se tornaram os marcos no desenvolvimento fora da arte no século 20, você vai aprender as diferenças entre os vários nós mesmos e movimentos, e ele também vai se familiarizar com as principais personalidades que criaram essas obras-primas , incluindo Manet, Gauguin, Bongo, Gowdy, Suzanne Cleansed e muitos outros passaram uma hora fora do seu tempo para fazer este curso e tornar-se mais confiante de que você está em uma pequena conversa sobre a arte moderna. O curso será atualizado regularmente com as palestras, então certifique-se de se inscrever para ele agora e ver dentro do curso. 2. Impressionism. Plano histórico.: um dos principais movimentos artísticos que teve um tremendo impacto no desenvolvimento da arte moderna . E essa questão secular percepção clássica do Forte era o Impressionismo. Para entender as origens do Impressionismo, precisamos olhar rapidamente para o contexto histórico fora. Naquela época, a França foi a capital cultural da Europa e o Dia da Academia Bouza dominou arte francesa. Eles me mantiveram preservar padrões tradicionais de pintura em termos de conteúdo e estilo. O que era importante e valorizado durante o período clássico foi a representação realista de eventos que tinham significado histórico ou religioso. Pinturas de arte clássica mostrariam algumas cenas de batalha da história ou histórias da Ásia, Grécia e Roma. Retratos ou personalidades famosas da história também eram comuns. As pinturas neste estilo clássico pareciam realistas. Pinceladas foram cuidadosamente pousou altura do dedo do pé, a mão do artista nas cores da pintura foram atenuadas, e às vezes verniz dourado foi aplicado. No entanto, se a cena cultural da época dependesse principalmente de bases clássicas, o ambiente político, social e económico na Europa estava a mudar drasticamente. A metade do século XIX foi uma época de mudança no contexto político. Houve uma série de guerras e revoluções europeias, o que levou à instituição de algum tipo de perto democrático precoce nas monarquias europeias do ponto de vista social e econômico, não estava no mundo fora industrialização e urbanização com a ascensão da classe média nas cidades. Então era evidente que o mundo estava mudando, e os artistas e intelectuais que se reuniram em configuráveis em Paris queriam capturar os transientes deste mundo ao seu redor. Eles foram desiludidos pela escola clássica fora do Boza contínuo, que contava com histórico um eventos significativos e mitologia. E também não desejavam seguir comícios que estavam mais preocupados em descrever os milhões políticos e sociais daquela época. Em vez disso, impressão é tentar representar uma impressão visual desses momentos mutantes e fugazes , adotando uma abordagem completamente diferente para capturar a realidade. Essas novas autoridades gentis foram impressionistas precoces, começaram a violar as regras da pintura acadêmica e foram consideradas radicais por muitas pessoas. No começo, 3. Edouard Manet.: provavelmente o primeiro artista que desempenhou um papel importante no desenvolvimento do Impressionismo foi Edouard Manet. Suas pinturas apresentavam sentimentos anti-acadêmicos e pareciam muito provocantes para o público. Vamos dar uma olhada na pintura dele, o almoço na grama. Por que pareceu tão provocativo? E por que enfureceu o público? Porque antes do meu nome, só era possível pintar a nova mulher se ela fosse algum tipo de mitologia. Tenho isto. Mas nesta pintura, o dinheiro obviamente representava uma mulher comum que era Newt e que estava apenas passando algum tempo com outros homens comuns. Assim, todas as pessoas não podiam ver um mito, mas a cena de uma vida comum que todos queriam esconder. Mas o dinheiro revelou-o. Outra coisa que foi provocante é que esta mulher nua estava olhando diretamente para os olhos do público. Antes que meus poucos personagens em pinturas olhassem diretamente para o público. Eles geralmente estavam olhando para o lado ou em algum lugar no espaço, então isso foi uma espécie de choque para os telespectadores. O dinheiro continuou a desafiar e quebrou a percepção tradição de quatro após três anos. Em 18 65 ele apresentou outra pintura, Olympia, que mais uma vez mostrou uma mulher comum deitada nua na cama. A pintura tem certos símbolos. Mostramos que essa mulher definitivamente não é uma deusa. É um preto ficar à direita, uma flor fora da orquídea perto da mulher aqui, que é um símbolo de desejo e visto, e o pescoço dobrado no pescoço, como se dissesse que eu sou um presente para você. O almoço na grama e Olympia abriu a nova página na história do nosso onde muitas coisas foram agora permitidas. Sem estas pinturas, todas as outras experiências não teriam sido possíveis. As pinturas de Monet, no entanto, não eram apenas provocativas, mas também focam mais na textura, tom e cor do que na tradição. Conceitos fora de perspectiva para isso, e ele é um bar no Folies Bergere. Lá ele tenta capturar o movimento da multidão de pessoas na sala de concertos e, em seguida, pendente candelabro. E ele faz isso por técnica de desfocagem, que usa pinceladas grossas e saturadas afiadas. Aqui está o fundo desta pintura é realmente o reflexo no espelho, e podemos ver o reflexo do homem que está comprando algo na cantina da sala de concertos . Talvez signifique que a pessoa que está olhando para a mulher é o próprio pintor, e ele queria capturar esta segunda-feira, uma ocasião em sua pintura. Embora muitos nunca se identificaram fora do grupo central do Impressionista, ele inspirou muito seus principais membros, enfatizando a importância da textura, piloto e manipulação artística na transmissão do significado. 4. Termo "impressionismo"".: Então, como é que o Impressionista se tornou conhecido? A primeira menção tosse este termo A curado em 18 74 durante seu primeiro show galeria independente em Paris, com pinturas de Camille Pissarro, Berthe Morisot e Edgar Degas, o show foi realizado no estúdio do fotógrafo em Boulevard. Eles mantiveram Racine, e havia 165 pinturas. Ao todo. O edifício era moderno, e as pinturas eram modernas para quadros da vida comum pintados de tal forma que muitos visitantes pensavam que estavam inacabados e, a propósito, as obras estavam em vendas. A maioria dos artistas eram desconhecidos para o público, e eles se chamam de Sociedade Anônima de Pintores, Esculturas, Gravadores, disse, experimentando um dos críticos de arte que visitaram o show escreveu um revisão satírica em seu jornal e chamou o show Exhibition Off Impressionists, inspirado na pintura de Claude Monet, que foi chamado Impression Sunrise, chamando que o crítico quer desacreditar suas obras. Mas em vez disso ele inventou sua identidade e seu nome 5. Claudia Monet.: que mais tarde se tornou um dos impressionistas mais famosos. Ele usou cores quebradas, que significa que em vez de usar tinta marrom uniforme para pintar a superfície marrom, o artista cria novas com traços de outras cores, como vermelho, azul ou amarelo. À distância, a superfície parece marrom, mas olhe mais de perto e você vai ostentar todas as variações. O resultado final pode aparecer como uma vibração de cor à medida que seus olhos saltam entre todas as cores diferentes, criando assim uma mistura óptica de cores. Quando seus olhos são particulares, misture duas cores distintas e veja vários anos. Se você olhar de perto para menos pilha de grãos, você pode ver todas as cores diferentes utilizados roxos, amarelos , vermelhos, laranjas e azuis. E ele é outra marcha de pintura para o oeste de Trata quando eles usaram amarelos, laranjas, azuis e cremes para pintar a textura do arco. Ele também retratou o reflexo do sol sobre as ondas de uma forma muito volátil e inconsistente da água do mar pintando azuis, verdes, amarelos e mania. Esta técnica de cor quebrada, permitiu mostrar a essência transitória e volátil da vida. Este é o conselho que outro Impressionista vindo, Pissarro, dá sobre como pagar no trabalho paisagístico ao mesmo tempo em ramos de água do céu terra , mantendo tudo acontecendo em uma base igual. Não tenha medo de colocar a dor de cor generosa e sem hesitação, pois é melhor não perder a primeira impressão. 6. Manet ou Monet.: você pode perguntar, como é possível diferenciar entre as autoridades e os operários e o tribunal? Por agora? Bem, é dinheiro bastante simples com um focado mais em pessoas onde seu dinheiro com velho concentrado em luz e cor e as pessoas na maioria de suas pinturas são como no fundo como uma adição à paisagem lá. Nós quase nunca usamos a cor preta como outros impressionistas, enquanto muitos com um não se consideram um impressionista, e então ele usou a cor preta. 7. Japonisme Arela em de prego de parte.: é bastante provável que impressionista e um, especialmente onde de alguma forma inspirado pela arte japonesa, que se tornou bastante popular na Europa na segunda metade do século XIX, sabe-se que o dinheiro coletou grandes números de madeira japonesa blocos em sua casa em Giverny. Como muitos outros artistas, o dinheiro considera que a cultura japonesa é muito artística. Prefiro paisagens japonesas, vistas. Podemos ver como o assunto que orienta as pinturas do Impressionista parece refletir a dos blocos de madeira japoneses, embora a técnica de pintura seja completamente diferente, claro. Claude Monet também introduziu a técnica, chamada Tio e Ar, que é traduzida como ao ar livre e o que significa que ele gostava de pintar ao ar livre usando dores de tubo, que acabaram de ser inventadas. A pintura ao ar livre permitiu que a manhã e outros impressionistas capturassem os movimentos na natureza com mais precisão, e era completamente diferente dos alunos e artificialidade fora. O sindicato de artistas até comprou um mundo pequeno, que ele costumava usar como seu estúdio de pintura. Outra impressão é começou a usar o rápido desenvolvimento sistema de maneira louca para viajar para o campo com as tintas de tubo e telas na busca de inspiração, Um dos exemplos mais brilhantes fora da técnica clínica zona. Os minutos dele. O que são realmente sérios, que contêm cerca de 250 pinturas a óleo? 8. Pierre-Auguste Reno.: Certo, então o que devemos mencionar também é que nem todos os impressionistas preferem pintar a natureza, embora pura. August Reynard, por exemplo, que foi outro pioneiro do Impressionismo, é famoso por descrever a vida da cidade parisiense, bem como personagens femininos. Uma de suas pinturas mais renomadas é a dança. Ele mostra uma multidão de pessoas dançando e cantando com a bela marca que ele usa definir quaisquer pinceladas e cores vivas para dar um senso energético do pátio e utiliza alguns fotografar, desfocar e cortar. 9. Corte e foco no impressionismo.: antes da composição impressionista em pinturas era bastante tradicional e previsível. Os vários elementos das pinturas levariam seu olho para o ponto focal. A impressão é, entanto, colocar pontos focais em lugares mais inesperados e começou a cortar pinturas sobre a influência do site , muito provavelmente pelo que fotógrafos fora Esse tempo que estamos fazendo, você pode ver o técnicas de corte em Las Vegas pistas, por exemplo, onde ele elimina completamente partes dos escritores ou cavalos. 10. A atitude pública em relação: o público era no início hostil e desaprovava. Fora do Impressionismo parece desligado. As pessoas não gostaram das novas pinturas como elas pareciam bastante bagunçadas e apenas inacabadas, as pessoas pensavam, ou deveriam ser mais arrumadas. E o assunto na arte deve ser mais importante do que apenas cenas cotidianas. Gradualmente, o público em geral começou a apreciar a impressão é uma visão fresca e original, que refletia o mundo que estava mudando tão rapidamente. final do século, entanto, era principalmente para o público em geral. Mas a maioria dos críticos de arte e do estabelecimento de arte continuam a desaprovar o novo estilo por muitas décadas a seguir. No último quarto do século XIX, Impressionista realizou uma série de suas próprias exposições, sua final venceu. A sede foi realizada em 18 86 e ficou evidente que os artistas estavam começando a desenvolver seus próprios estilos e técnicas, como o ponto de George Seurat para a razão. Essas novas abordagens seriam mais tarde conhecido como Movimento Pós-Impressionismo, que discutirá em nossa próxima palestra 11. Resumo do impressionismo.: Então, para resumir, Impressionista preparou o mundo da arte para futuras partidas das representações tradicionais e começou a inclinar-se para a abstração, que se tornaria proeminente no próximo século. As principais características do Impressionismo foram o seguinte distanciamento da pintura acadêmica que se concentrou em eventos importantes, em vez disso focando os transientes fora da vida, momentos fugazes e coisas comuns. Pessoas em lugares A inclusão fora do movimento é um elemento crucial da percepção e experiência humana . Ângulos visuais incomuns. Yusof Novas e diferentes técnicas de pintura quebrado pincéis fora, misturado e puro na mistura de cor não misturado suavemente ou sombreado. Foi cliente naquela época para alcançar um efeito de pintura intensa vibração de cor muito grossa e rapidamente Uso de efeitos fotográficos como recorte pode desfocar, que torna a imagem menos realista e mais como um reflexo de como o artista campos. As imagens são geralmente com menos detalhes, como um vislumbre do que eles tão atenção para a luz, e está mudando qualidades, textura e cor. As cores são geralmente brilhantes e vibrantes. A impressão é muito raramente usada coleiras pretas. Se muitas fotos foram tiradas, nossas portas estavam impuras lá com o uso de poucas dores recém-inventadas, e aqui estão o artista principal fora da impressão é o movimento. Este não é todo o Oriente, claro, influenciar o desenvolvimento do Impressionismo. Ele pintou objetos cotidianos Community Cero e Alfred seriamente pintou o campo francês , e três outras cenas apreciaram pintar dançarinos do ventre e corridas de cavalos. Há mulheres pintadas mais facilmente fazendo coisas cotidianas que Auguste Renoir adoram mostrar o efeito da luz solar nas flores e figuras e na corte. Mona estava interessada em mudanças sutis na atmosfera e na luz. Houve um grande número de impressionistas, e muitos deles terão numerosas pinturas que estão agora dispersas pelo mundo. Então eu sugiro que você cheque em dar. Há alguma impressão de galerias em sua cidade ou área e, entretanto, ver a próxima palestra. 12. Pós-impressionismo. Georges Seurat. Pontilhismo.: nos palestrantes anteriores que aprenderam como Impressionista mudou a percepção de como eles desafiam as escolas clássicas, uma representação realista fora de eventos religiosos e históricos e, em vez propostas cenas da vida comum com comum pessoas e lugares. Eles também utilizaram novas técnicas, como cor quebrada, desfocagem de latas, e podemos dizer que eles parecem ser mais criativos em propor diferentes idéias sobre como a pintura poderia ser semelhante. Então, para encurtar, Impressionista preparou o mundo artístico para mais experimentos na pintura. Nesta palestra, vamos nos familiarizar com novas personalidades que trouxeram os limites da arte ainda mais longe e disseram o palco para os movimentos revolucionários da arte moderna do século 20. Nos anos 18, o Impressionismo começou a chegar ao impasse, e jovens artistas tentam repensar o estilo popular, desenvolvê-lo e criar novas técnicas. Não foi a última exposição de Impressionista em 18 86 que o movimento pós-impressionista estabeleceu essas bases. Um dos primeiros artistas que apresentou seu próprio estilo único de pintura, que era diferente do do impressionista, foi George Sarah, foi George Sarah, que introduziu sua técnica pontilhista em uma de suas maiores obras, chamada Domingo à tarde na ilha perto do Grand Doctor em ponto. Artistas de turismo usam cores e assuntos semelhantes ao Impressionismo, mas são pinceladas são diferentes. Esta é a principal diferença entre o pointillismo e o Impressionismo. Sarah, em sua morte La Granja, colocou pontos muito pequenos de cores puras lado a lado para criar uma imagem maior. É muito semelhante ao que chamamos de células de porco em nossas telas hoje a partir de um para a pintura mostra cena bastante típica, assim como quaisquer outras pinturas impressões. No entanto, se você se aproximar da tela, você pode ver pequenos pontos separados fora de cores individuais, que resulta em um efeito cintilante, como quando você experimenta em um dia quente e ensolarado. Estas vibrações coloridas criadas por estes pontos de cor foram descritas por Sarah is neo Impressionismo, e suas idéias inspiraram uma série de artistas contemporâneos que constituiriam o movimento pós-impressionista , mesmo comunidade. Vários que foi um dos fundadores do Impressionismo, apoiou George Sarah no turismo ponto e continuar a pintar usando essas técnicas por cinco anos no turismo ponto. Os pontos na pintura podem ser grandes, como nos espinhos Paul Signac no topo. Somos muito pequenos, quase invisíveis, como nos modelos George Cerise. Uma das obras mais caras de ponto mínimo é A Pintura de George Legrand, que foi vendida em 1999 por US $32 milhões. 13. Paul Cezanne.: outro representante da pesquisa Post Impressionism. Suzanne era amigável com citação sempre que vinha Pissarro nos pintores impressionistas e até costumava mostrar suas pinturas nas exposições impressionistas. Mas depois de algum tempo, ele ainda se tornou bastante diferente dos deles, pulsos e decidiu se concentrar em formas geométricas e contornos ousados. Ele continuou a pintar da natureza, mas ele terminou algum tipo de figura em suas obras. Ele tentou ordenar estruturalmente o que viu, e simplificou as formas dos objetos em formas simples. Por exemplo, ele estaria na árvore como uma coluna. Ao contrário de muitos artistas que se concentraram em um ou talvez dois, assunto diz sem pintura. Ainda assim, paisagens de vida retratadas e cenas nuas em sua grande temporada de melhoramentos apresenta uma interpretação moderna fora de uma figura nua. Temos corpos inacabados em algum tipo de obstrução. Estes estilo único de cisma mais tarde daria origem ao cubismo e inferência são os artistas como público porque assim vê ao contrário do trabalho em isolamento em sua cidade natal, na Provença. E embora suas pinturas fossem reprovadas pelo público em geral, ele era respeitado por jovens artistas que muitas vezes o procuravam. Foi mais tarde que Suzanne se tornaria um dos pintores mais renomados de todos os tempos. Ele está pintando o cartão. Os jogadores foram vendidos em um leilão em 2012 por mais de US $250 milhões.1 dos preços mais altos já pagos no mundo para a pintura. Ele é outro quadro. LaMontagne enviou Victoire bruschetta tiro. Anwar foi resolvido no ano seguinte, em 2013, por um surpreendente $100 milhões. A influência pulsa na cabeça. A arte moderna pode ser descrita pelo pior de publicamente Castelo e 100 Mateas, que tanto estação fria o pai fora de nós todos porque em muitos aspectos temporada foi o primeiro artista ocidental a liderar o caminho para o que conhecemos hoje como pintura abstrata. 14. Vincent van Gog.: provavelmente um dos mais renomados artistas pós-impressionistas e um dos artistas mais influentes na história da arte moderna, estava dizendo que Mango Bangkok morreu quando ele tinha 37 anos. Mas neste curto período de sua vida, ele criou um enorme número de obras de cartas fascinantes, que hoje são vendidas por somas recordes nos leilões em todo o mundo. Desta vez, um livro era muito diferente de qualquer outro artista. Ele usou cores ousadas e pinceladas genéticas, impulsivas e expressivas. Bangkok sofria de doença mental, diz a maior parte de sua vida, e acredita-se que seu estilo foi afetado por sua doença. Ele tentou muitos desfilar diferentes elementos da pintura como um meio de expressar seu eu interior. Em sua uma das pinturas mais famosas Story Night, que ele pintou enquanto em um asilo insano em 18 89 ele faz um turbilhão clientes de nuvens e contornos com cores vibrantes de estrelas e diminuir fim. Esta combinação oferece uma interferência interna, psique caótica, que era toda uma abordagem Marco Van Brooks. Muitos artistas foram influenciados pelo estilo Van Goch. Ele mostrou que você poderia ser livre para expressar seus sentimentos nas pinturas em vez de tentar ser apresentado. Ycl e. Isso levou aos direitos do líder do movimento expressionista. Embora ele sofreu minha de sua instabilidade mental, ele muitas vezes não se importava com sua saúde e costumava beber pesadamente sua amizade com outro artista pós-impressionista ousado novamente e que em uma discussão severa durante a qual ele supostamente pegou parte de seu próprio ano esquerdo com uma navalha, parecia que o tratamento em hospitais psiquiátricos não o ajudou como ele continuou a lutar com fortes depressões. E em 18 90 aos 37 anos ele se mostrou no peito com um revólver e morreu dois dias depois dos ferimentos. Durante seu curta Live and Go criou mais de 2100 obras de arte, incluindo 860 pinturas a óleo, a maioria delas nos últimos dois anos de sua vida. Seja como for, Bangkok vendeu apenas uma pintura. Ele era um pouco pobre, e seu irmão, Taylor costumava apoiá-lo financeiramente, e muitas pessoas consideram Dongguk um louco e um recepcionador. Mas sua arte tornou-se um autor surpreendentemente popular. Sua morte, e especialmente no final do século XX, quando ele começou a ser considerado como um gênio incompreendido, e todo museu honrado tem orgulho de mostrar suas pinturas enquanto algumas de suas obras são vendidas para registro somas em leilões em todo o mundo. 15. Paul Gauguin.: outro famoso pós impressionista e amigo próximo de Van Gogh, puxado novamente, afastou-se do Impressionismo usando contornos fortes, cores muito brilhantes, padrões fugiram e figuras infantis. Ele ficou desapontado com o Impressionismo como ele sentiu que elege em profundidade de boliche. É por isso que ele gostou da arte. Se todos não podem Ásia, que estava cheia de símbolos e vigor, Gogan queria escapar do ambiente urbano e industrial da civilização ocidental e procurar um paraíso tropical onde ele pudesse expressar suas idéias e pinturas. Gergen mudou-se para transformá-lo na Polinésia Francesa por alguns anos. Lá ele se concentrou no que ele descreveu como primitivo quarto e cinco estilo. Sua pintura Dia dos Deuses, apresenta uma cena de praia colorida e mostra país exótico e corneano. O que mais cativa nesta peça são as provas detons saturados e coloridos, tons saturados e coloridos, que adicionam intensidade à pintura suave. A figura central de um dia. T representa o ciclo de nascimento e morte e a estabilidade da ed para esta pintura emocionante. Uma das obras-primas começa é definitivamente sua pintura. De onde viemos? O que somos nós? Onde é que vamos? Que também foi pintado em 18? Pode ser considerado como a combinação de suas idéias. As três figuras principais da pintura representam as perguntas livres de seu título. As figuras são organizadas desde os estágios iniciais da vida, de figuras jovens com a criança para a figura de meia idade no meio e depois para o dedo mais velho à esquerda da pintura. O ídolo na ronda do banco, situado atrás da figura mais velha, representa o além. Além de ser um artista, Grogan também foi escultura, gravador, ceramista e tentador. Gergen deixa sua vida mais tarde na pobreza. Sua arte não se tornou famosa até depois de sua morte. Algumas de suas pinturas foram vendidas no início do século 21 por preços tremendos como ele é quando você vai casar, que foi vendido em 2014 por mais de US $200 milhões foram Otaki 430 milhões no valor de longe por quase US $100 milhões. Suas idéias sobre cor e padrão influenciaram outras autoridades, como Andre Matty para pintar quadros coloridos em um estilo chamado Busan. Ele também abriu o caminho para a apreciação do primitivismo, já que suas pinturas empregavam muitas das técnicas simplistas empregadas por 94 artistas 16. Termo "pós-impressionismo"".: Um dos críticos de arte disse uma vez que o termo pós Impressionismo não é muito preciso, embora um muito conveniente, de fato, Pós-Impressionismo pode ser considerado mais como um período de pintura em vez de um estilo ou movimento. O espírito perdeu isso aproximadamente de 18 85 a 1910. Foi um tempo em que muitas autoridades partiram do Impressionismo e desenvolveram seu próprio estilo . E interessante o suficiente. O durante o Post Impressionism foi usado pela primeira vez no final deste período pelo artista britânico e crítico de arte Roger Fry em 1910, quando ele organizou o 19º uma exposição, Money and the Post Impressionist. Então este termo ia postar Factum juntos todos os artistas que vieram atrás do Impressionista. 17. Resumo do pós-impressionismo.: para resumir o Impressionismo estendido pós-Impressionista, ao mesmo tempo rejeitando algumas de suas limitações e terminando algumas novas idéias. Por um lado, eles continuam a usar cores de chumbo, muitas vezes usadas, pensam pincéis e retrataram o assunto da vida real. Mas, por outro lado, eles começaram a usar formas geométricas e distorcer formas para ter um efeito mais expressivo. Eles também gostam de usar cores um pouco antinaturais, e em geral, pinturas pós impressionistas tendem a levar mais emoções e expressões pessoais do artista. Embora o pós-impressionista estivesse insatisfeito com o Impressionismo, eles não podiam concordar com o caminho comum a seguir. Quatro figuras principais estavam na vanguarda do pós-impressionismo, e cada uma delas estendeu o impressionismo em direção diferente. Estes artistas são George Terra pulsos em Paul Gauguin e Vincent Bangor. Todos viviam na França e se conheciam e muitas vezes exibiam juntos, mas não trabalhavam juntos. Como um grupo, George Serra e seus seguidores estavam focados no pointillismo ou no uso sistemático de pequenos pontos de cor. Pulse está em queria fornecer algum tipo de ordem na estrutura de duas pinturas, reduzindo objetos para suas formas básicas. No entanto, ele tentou manter as cores situadas do Impressionismo em sandanme livro usado cor e vibrante, pinceladas girando para expressar suas emoções. E ele está em seu estado de espírito. Google também manteve intensa luz e cor, mas rejeitou a pintura da natureza e árvore introduziu assunto imaginativo. Cada um desses artistas pós-impressionistas oferecem sua percepção única e forneceram insights sobre como a arte moderna pode parecer com a Fundação falecida e inspirou o que seria chamado de líder, pois há movimentos revolucionários ou do século XX, como Fauvismo, cubismo, expressionismo, surrealismo e outros, que vamos explorar em nossas próximas palestras. Fique atento. 18. Arte Nouve. Design orgânico e estético: se você já esteve em Paris ou viu algumas fotos, você reconhece os portões giratórios da linha da planta com suas letras distintas que servem entrada para o sistema de metrô da cidade. Desta vez fora das entradas mentais é um bom exemplo de movimento Art Nouveau. Foi revelado ao público em geral durante a Feira Mundial de Paris em 1900, mas tinha começado alguns anos antes. O final do século XIX foi uma era de revolução industrial e inovação tecnológica. Design de bom interior enviado foi ditado pelos métodos de fabricação em massa, e vários artistas reagiram fortemente contra conceitos volumosos e semelhantes da era vitoriana Lembramos de nossas palestras de ônibus que o Post Impressionism introduziu um uso provocativo de . cor e linha. E havia outro conceito chamado S Statismo, que chamava guerras simbólicas fora da arte por causa da arte. Ao mesmo tempo, o movimento de artes e ofícios, que teve origem na criação em aproximadamente o mesmo período, incentiva modos tradicionais de produção, como o artesanato manual. Um artigo incorporou todos estes aspectos na pintura e fabricação de arquitetura de arte gráfica em um único conceito e tornou-se rapidamente popular em toda a Europa. No final dos anos 18 90 e início de 19 centenas, o motor off art novel foi Esqueça alguns trabalhos de marmelo. Somos um trabalho total além do alemão, que significava incorporar vários meios de comunicação e eliminar a hierarquia entre artes liberais e decorativas. O termo parceiro aparecerá pela primeira vez no jornal Belga Are mais baixo em 18 84 para descrever o trabalho ao vivo em uma sociedade de 20 artistas progressistas. Estes pintores responderam às principais teorias do arquiteto francês Regina Manimal Village LaDuke no crítico britânico John Ruskin, que defendeu a unidade de todas as artes em 18 de dezembro de 95 o negociante de arte nascido alemão Secret estar aberto a em Perry chamado Mazandaran. Ele era famoso por vender cerâmicas japonesas e dores de Tóquio, e começou a promover essas novas artes em sua galeria, vendendo móveis específicos, tecidos, tecidos, papéis de parede e objetos de arte. Então, qual é a essência do nosso papel? Em primeiro lugar, representantes do movimento Art Nouveau foram inspirados nas curvas Rocco. Os mestres japoneses sob Hiroshi novamente ficaram tão instáveis. Motivos gráficos Hokusai e Celta. Eles emprestaram a planta, formam eles tão na natureza e depois ameaçaram e obstruí-los em motivos orgânicos elegantes . A característica distintiva no design de todos os objetos Art Nouveau é que é uma linha simétrica, muitas vezes assumindo a forma de caules e botões florais ou alguns tendões ou algumas asas de insetos e outros objetos naturais nas artes gráficas. Particularmente, a linha é o elemento principal, e subordina todos os outros elementos pictóricos, incluindo o espaço anterior e a cor. A segunda característica importante, fora do estilo Art Nouveau, é que suas teorias promoveram uma maior coordenação entre arte e design. Eles queriam incorporar formas orgânicas e padrões no design de objetos cotidianos . Esta ideia provavelmente vinha do movimento Orth and Crafts de Breeden. Uma das fundadoras das FARC, Nivel. O designer e empresário inglês William Morris, definiu os principais objetivos fora do estilo para dar às pessoas prazer nas coisas que devem perforçar anos. Esse é um grande escritório de decoração para dar prazer às pessoas nas coisas que devem fazer. Esse é o outro uso, se é mais desprezado. Condições de trabalho em fábricas e produtos de baixa qualidade fabricados como resultado da revolução industrial e uma bagunça nas casas por mais e mais pessoas Nesse período, acredita-se mais que os objetos cotidianos devem apresentar mais estéticos e funcionais em vez de ser apenas coisas volumosas e pesadas do período vitoriano com ornamentos pesados. Essas idéias logo se dispersaram pelo mundo, e muitos países tiveram sua própria compreensão fora desse estilo. Na Escócia, havia o estilo de Glasgow rectilíneo na Itália são volume de negócios ou ainda liberdade depois de Londres empresa Liber Tentacle estilo New ou poderia ter onde na Bélgica, Juergen Stehle na Alemanha e Áustria, estilo Tiffany nos Estados Unidos e na França estilo metro. Algumas pessoas consideram Art Nouveau como o estilo unificado para outros nunca são representados uma variedade de estilos de muitas nações. 19. Arte Nouve. Lautrec. Klimt. Gaudi. Horta. Tiffany.: primeiros experimentos em um projeto simétrico e voou inclinação. trabalho pode ser encontrado nas obras de artistas gráficos, como pintor francês e gravador no leitor para perder a pista e jovem ilustrador Inglês ou briefings. E Beardslee. O habitual atrai shows Jane April e um pônei mais Can Dancer com cor energética e contornos aritméticos simples. Onde está o Beardsley? O pavão assustado evoca decadência para linhas de curadoria coisa contra ambos o espaço negativo. O que é interessante notar aqui é que ambos os artistas falam sobre o assunto no estilo japonês, , imitando as xilogravuras japonesas que se tornaram populares no Ocidente no final do século XIX. Falamos sobre isso em nossa palestra sobre Impressionista naquele período, periódicos, periódicos, cartazes e outras mídias impressas onde em todos os lugares e assim eles ajudam a expor trabalhos de artigos para um público maior e técnicas de impressão amplas para um novo nível de arte. Provavelmente um dos artistas visuais mais proeminentes fora do período do artigo é Eunice Pintor Gustav, reivindicado no romance Austro Hungarian Empire Art, tinha seu próprio nome, que foi chamado Juergen Stehle em seu primeiro retrato Adele Bloch Bauer. Podemos ver um exemplo fora dos movimentos chegar a ornamentação Yusof e achatamento ir forma. A imagem é dominada pelo Oceano Brilhante e Decorah sobre o relevo dourado e prata , que foi exibido. Distinctive Style alegou também usa algum tipo de obstrução e padrões irregulares que indicam seu desejo de adicionar alguns novos elementos no tipo de coração que ele estava criando. Gustav reclamou licença e criou em Viena, e a atmosfera da cidade no início de 19 centenas estava cheia de amor erótico e sexualidade, que, que, parece, teve de alguma forma poderosa influência sobre o artista. Em sua pintura As Chaves, podemos ver duas figuras masculino e feminino, abraçado em uma chave de órgão, retangular, preto e branco formas e formas na representação dos homens e círculos coloridos na mulher simbolizava a masculinidade e a comunidade, respectivamente. estilo Art Nouveau foi frequentemente usado em projetos arquitetônicos fora desse período. Foi diretamente oposto aos valores arquitetônicos tradicionais, fora da razão, simetria e clareza da estrutura. Dois dos mais famosos arquiteto que estão fazendo pleno uso de idéias de artigos. Onde o arquiteto belga Victor Horta e seu homólogo espanhol Antoni Gaudi, talvez o artista mais original do movimento, seus edifícios podem parecer diferentes, mas ambos foram inspirados em orgânicos, curvos e desenhos biomórficos da natureza. Estes um ritmo orgânico e verde cria uma fusão entre estrutura e ornamento. Mesmo o design de interiores também foi sujeito aos nossos conceitos gerais. A ilha e os vidros dentro, cerâmica e móveis têm design de videira e anjo, com janelas parecem aberturas para luz e um ano. edifício de Victor Horta é o lar de um museu, que incorpora videira como o Irã, trabalha dentro e fora do edifício e sai variando ao longo do primeiro estado para capturar o interior fluído e multi-nivelado. Em contraste, Gowdy utiliza técnicas maçônicas e padrões florais para criar um castelo dinâmico animado semelhante aos das Lendas do Dragão e da Princesa. O movimento art novel, que se originou na Europa, fez o seu caminho para o exterior e influenciou os desenhos de artistas americanos. Um dos promotores americanos mais reconhecidos fora deste novo estilo foi enfraquecido para Tiffany, herdeiro de seu pai. Império de prata fora do núcleo definitivo. Inventamos um inovador Eurydice e vidro inspirados na obra de vidro que viu na exposição de Paris em 18 89. Seu vidro usava mudança de coloração, bem como alguns padrões de curvatura floridos. Estes vidros tornaram-se extremamente bem sucedidos e permitiram que a empresa se expandisse para a indústria de arte decorativa e jóias que ainda é popular e bem sucedida hoje. Louis Sullivan naquele designer americano fez alguns padrões ornamentados e expressivos para ir com seus projetos de construção modernizados, como a entrada para Carson Perry e Scott Building, que é reconhecido por sua troca de trabalho reclinado torneios. Juntamente com os meandros do go take, os ornamentos contêm orgânicos altamente complicados e por motivos que se tornaram trabalhos fora da estética do design de Sullivan. Para Sullivan, o design decorativo e aqueles são propósito funcional. Ajudou a distinguir o seu edifício das crianças circundantes e a tornar a loja atraente para potenciais clientes. A influência do estilo Art Nouveau é visível no desenvolvimento da publicidade no final do século XIX e início do século XX, a invenção fora da cromatografia, que foi um método único para fazer impressões multicoloridas acessíveis, significava que os cartazes publicitários poderiam ser reproduzidos centenas de milhares de vezes. As grandes avenidas abertas de Perry tornaram-se como galerias de arte para esta nova arte de cartazes, e agora essas artes eram diretamente acessíveis por bagunças urbanas. Naqueles dias, cartazes publicitários tornaram-se a arte por direito próprio. Virada do século XX também foi o tempo de fascinação pública de máquinas mais do que transporte e progresso tecnológico, e isso se refletiu na tosse publicitária que era. Muitos cartazes apresentados é o seu assunto. ovelhas de viagem, aviões, bicicletas, carros em alguns eventos públicos, como corridas motoras em regatas de vela, as imagens de cartaz também foram bastante aspiracional refletida moda, riqueza e status social fora do regime burguês em crescimento. Apesar de sua popularidade dentro de um curto período de tempo no início do século XX, o embelezamento e elegância fora do artigo foi muito cedo superado pelo design modernista e depois de 1910 a arte nunca parecia antiquada e foi principalmente abandonada. No entanto, movimento inspirado são as experimentações em abstração e configuração que dominariam a primeira metade do século XX. Então, para resumir, romance de arte é um estilo total. Abrange não só a pintura, mas também muito jóias cartão, vidro e metal trabalho, design de interiores e arquitetura, estilo art nouveau, copiosas formas orgânicas e simétricas de flores e coisas naturais. É por isso que podemos ver muito embelezamento, curvas e ornamentos, e é obras. De acordo com os defensores do artigo, objetos cotidianos, como móveis, tinham que ser não só úteis, mas também ter um design estético agradável . Art Nouveau se espalhou pelo mundo. Em todos os países, Art Nouveau tinha sua própria nação, todo sabor. Os principais representantes fora do movimento do artigo são William Maury's em Reduced Track ou Brilliance e Beardslee. Gustav reivindicou Victor Horta e Antoni Gaudi. Viemos pela Tiffany e três Sullivan Global. Art Nouveau inspirou outras experiências em abstração e pellets na primeira metade do século XX. Também influenciou o desenvolvimento da publicidade na virada do século. 20. Fauvismo Matisse. . de vde de tinta.: Nas palestras anteriores, vimos como Impressionista e depois pós Impressionista e, em seguida, artista artístico Nable desafiam a percepção do quarto e apresentam seu assunto em formas menos realistas. fauvismo, que ganhou destaque no início do século XX, continuou e revigorou essa mudança para a abstração e enfatizou as possibilidades expressivas da cor. Fauvismo vem da palavra francesa 4 de maio, que é traduzido como a Besta Selvagem, quando os críticos assim pinturas ou floresta pela primeira vez. Chamam a este artista Lee quarto, porque acreditam que estas pinturas eram uma desgraça para a arte. Mas esses artistas gostam disso e aceitaram esse nome com orgulho e decidiram se chamar assim. As pessoas eram as bestas selvagens. Por que decidimos dar uma olhada mais de perto para o ismo? Embora tenha durado apenas menos de uma década no início de 19 centenas porque sua maior contribuição para a arte moderna foi que para o ismo separou a cor com propósito descritivo e permitiu que ela existisse na tela como um elemento independente e mais como projeção do artista movido, cor em pinturas florestais não tinha que ser fiel ao mundo natural, um dos muitos representantes de quatro visão está em sonho uma provocação. Inicialmente, ele experimentou com técnicas pós e agora impressionistas, como o pointillismo. Ele também viajou muito e foi influenciado pela arte de outras culturas. Ele passou a ver uma série de exposições sobre arte asiática e criança, norte da África. Ele também usou algumas das qualidades decorativas da arte islâmica e da escultura africana na planicidade das gravuras japonesas. Em seu próprio estilo, por exemplo, em seus primeiros trabalhos, parece calmo, desenvolveu um. Podemos ver seu uso extensivo de pontos de cor, como na técnica ponto a razão. No entanto, ao contrário de seus antecessores como George Sarah, Matisse usa diferentes placas de cores com todo o espectro de pigmentos, que adiciona mais energia e dinamismo. Toe suas obras também vai os amarelos, verdes, azuis e outros coloração pintura de Matisse têm seu próprio lugar na tela. Onde está Sarah e Bósnia tentou casamento pontos de cor juntos, juntos, juntos, tonalidade harmoniosa em 1905 medicina. O grupo de seus seguidores e artistas de mentalidade semelhante hospedaram sua própria exposição, que eles chamaram de Salon Downtown, oposição ao salão tradicional. Naquela época, para visto tinha ou desenvolveu seu próprio estilo distintivo com anos completos de pigmentos e paleta de cores . Uma das obras mais importantes do fauvismo é, sem dúvida, a fita de Matisse. Sobre o mal corpos nus são completamente achatados em figuras traição são concertos com linhas ousadas . O que permanece a característica mais marcante na pintura é sua paleta de cores expressiva. Um dos críticos deixou a seguinte descrição fora desta pintura colorida. Se você pode imaginar o que um destino centenário Little Gila meio enlouquecido de gene faria a uma parede caiada de branco se deixasse ao longo dos livros de guindastes, então você chegará perto defendendo o que a maioria deste trabalho era como o de Matisse. Outras pinturas famosas incluem pulmões. Matisse organizou figuras em um círculo, que foi motivo bastante popular por muitos séculos e sugeriu harmonia e Frazier. No entanto, Matisse simplificou e obstruiu os corpos de dançarinos e batendo-os em uma cor vermelha vibrante com terra verde plana e céu azul. Algumas das figuras estão em poses tão estranhas que também aumenta o dinamismo da pintura. Quando Adams foi exibido pela primeira vez no salão para Tom em 1910, chocou e intrigou o público. Agora vamos dar uma olhada nas montanhas do Rio por mais 400 neste trabalho usa abordagem purista isolando as cores na tela. Os relógios de pintura menos naturalista, mas ainda mais enfático que alguns elementos apresentam cor não natural como folhas nas árvores e alguns dos saltos, que são representados na sombra de azul. O que é mais usa pinceladas curtas como varas de cor, que dão ao efeito Primeiros elementos pareciam ser direcionados para o espectador em vez de montar a morte, e segundo, ele evoca fluxo de movimento e dinamismo no Pintura. Coloração expressiva é a característica mais dominante em tudo para suas pinturas em sua paisagem de outono , Mais Leste de Lemming usa chamas caóticas de Fred para o pico, a paisagem e vegetação e algum uso esporádico de blues para o grande céu em segundo plano. O uso da cor é tão expressivo aqui que abstrai a realidade do dedo do pé quase na reconhecível com certeza, visão foi influenciada por movimentos artísticos anteriores, particularmente pode ser classificada como a fusão entre Van Gogh exposta Impressionismo, Pointillismo de George Sarah e outros artistas pós impressionistas como Paul Signac, Paul Cezanne e Gauguin. emprego de Matisse de áreas completas fora de cor saturada em suas obras se assemelha ao uso da cor por Paul Gauguin em suas pinturas de Tighty em 18 96 Matisse. Naquela época um desconhecido nosso aluno visitou o artista John Peter Russell na ilha de Bell E ao largo da costa da Bretanha. Russell era um pintor impressionista, e ele era um amigo próximo de seres em Bangkok. Matisse nunca tinha visto um Impressionista trabalhar diretamente e ficou tão chocado com o estilo que ele deixou estão por 10 dias dizendo que eu não aguentava mais. No entanto, no ano seguinte, ele voltou é estudante Russell, mas ele se recusou a usar sua nua de paleta de cores e usou cores impressionistas em vez disso. Matisse afirmou mais tarde, o Trussell era a minha camiseta e Russell explicou a teoria das cores para se encontrar em 1901 Outro futuro para as autoridades. Mais a leste de Lemming encontrou o trabalho de um livro pela primeira vez em uma exposição. Ele ficou tão impressionado com as pinturas de Van Gogh que logo declarou que amava os fungos mais do que seu próprio pai, Maurice de Vlaminck começou a trabalhar nos pés apertando tinta diretamente sobre a tela do tubo. Esta técnica é chamada de impostor e foi praticada por muitas florestas por razão. Como um movimento durou apenas alguns anos e exibições livres, maior parte da floresta logo se voltou para outro modo de pintura. No entanto, suas idéias continuam a sair entre expressionistas e cubistas, ligando assim outra pedra angular no desenvolvimento da arte moderna. Então, resumindo para Visa enfatizou cor forte e expressiva, eles consideraram a cor intensa como um meio de comunicar o estado emocional do artista. A representação dos elementos na pintura era menos natural do que os movimentos artísticos anteriores , e desvia mais para o obstrucionismo. A maioria dos elementos nas pinturas florestais são achatados e têm formas simplificadas. Onde estão as cores saturadas? Talvez a impressão visual forte em Busan, a expressão individual do artista é a intuição, e sua resposta emocional à natureza foi mais valiosa do que a teoria acadêmica era um assunto importante. Os líderes do movimento estavam sob o comando do Matty. O Bombardeio da Noruega e abaixo e mais no movimento foi mais ativo nos anos 1904 a 1910 por visto influenciaram movimentos artísticos posteriores, particularmente o expressionismo da Moeda de Koby, bem como algumas outras guerras futuras de obstrução 21. Cubismo: antes de mergulharmos em um dos movimentos artísticos mais controversos do século XX, lembremo-nos. A busca escova sai em um céu noturno colorido de piada divertida e pointillist parece fora Matty E agora imagine como você se sentiria quando você iria encontrar pela primeira vez a pintura não representacional por George Brock no início 19 centenas. Cada elemento na imagem é simplesmente encontrar em caixas, retângulos e outras formas geométricas, ea imagem parece mais como uma faculdade, em vez de uma obra de arte quando a arte crítica, Temos nós mesmos Então, a paisagem pintada por George Brock em 1908 Ele ficou chocado com as formas abstratas da pintura. Mais tarde, ele descreveu-o em um periódico parisiense que quebrou apesar de nós por produzir tudo lugares e figuras e casas para esquemas geométricos para cubos. Foi então que o cubismo obteve seu nome e mais tarde o status de um dos movimentos artísticos mais influentes e controversos do século XX. Na verdade, George Brock não foi o primeiro artista a experimentar tendências obstrutivas. Post Impressionista principal Repulsa em. Também estamos começando a usar algumas formas simples quando as câmeras, mas foi Pablo Picasso que revigorou a manter seu movimento. Brooke foi particularmente inspirado por porque assim gastar o nome era um jovem líder onde porque assim fazer porcos. Cinco mulheres eram a. Alguns críticos afirmam que uma mulher de múltiplas perspectivas e encabeçando formas corporais geométricas e não proporcionais, para não mencionar todas as formas na tela, e é fundo abstrato. Acredita-se que porque ele próprio foi inspirado pela arte africana, especialmente depois de sua visita ao Museu Etnográfico em Paris. Então, qual foi a ideia por trás do cubismo? Bem, pintores cubistas rejeitaram o conceito herdado de que a arte deve ser representativa e copiar a natureza, ou que artistas devem usar técnicas tradicionais fora da perspectiva da morte. Em vez disso, eles queriam destacar a tela, e é duas dimensionalidades. Por esta razão, eles simplesmente lutam contra objetos em formas geométricas. Eles também usaram vários pontos de vista contrastantes para se livrar completamente da simetria e perspectiva em suas fotos. Você pode se perguntar por que diferentes partes dos corpos ou rostos das pessoas em pinturas cubistas estão localizadas em lugares não naturais. Bem, aqui é todo público porque assim coloca à frente, disse, porque é uma questão de olhos, nariz, boca, boca, que pode ser distribuído de qualquer maneira que você gosta. porque Sign quebrou ambos deixados no bairro Bohemian Montmartre de Paris, e eles se reuniram com bastante frequência para discutir suas idéias e progresso. Sua colaboração era tão intensa que às vezes era difícil distinguir entre as obras dos artistas, e parece que eles gostavam de semelhança em suas obras nos primeiros anos de trabalho sobre carisma, tanto porque e Brock eram bastante pobres, e eles tinham que contar com o apoio financeiro de um proprietário de galeria, Daniel Kahnweiler, que costumava comprar suas obras enquanto as pintavam. É por isso que a maioria das obras de porque quando Brock foram exibidos apenas em Kahnweiler é galeria. Havia duas fases distintas dentro do cubismo. O 1º 1 que o perdeu aproximadamente de 1908 a 1912 foi chamado de Cubismo Analítico. Durante este período, as pinturas foram abstraídas através de planos e facetas sobrepostas de uma Siri, formas geométricas com ângulos retos, geralmente em cores escuras monocromáticas, motivos de graça ou pretos. Eles também usam letras nas pinturas para torná-los ainda mais bidimensionais, por exemplo, em Manzhouli porque assim insere as palavras marginalmente no fundo, bem como uma argila de viagem para plana no plano da imagem. Ainda mais, eles preferem retratar a vida morta com garrafas, cartas de baralho, gramíneas e instrumentos musicais. Às vezes rostos e figuras humanas. Paisagens não eram comuns. A partir de 1912 até 1914, o cubista continuou a experimentar com a profundidade de erradicação ainda mais e surgiu com o chamado topicamente. O espírito tornou-se conhecido como Cubismo sintético, no qual os artistas costumavam usar materiais estranhos e esperam fora da vida cotidiana, como manchetes de jornais ou rappers de tabaco, e colou-os na tela em combinação com pintados áreas. Embora esta técnica universitária fosse conhecida há centenas de anos, foram os cubistas que fizeram das cinzas de carvão uma nova e importante forma de arte moderna. Com estas faculdades fez um fragmento de cultura produzida em massa reunidos. Eles mudam a própria definição de coração no cubismo analítico, pequenos pedaços. Então, que objeto dissecado foi remontado para produzir o mesmo objeto? Onde está o cubismo sintético? Peças de um papel de cor diferente foram cortadas na forma desejada para combiná-los em um objeto particular. Outros grandes artistas cubistas incluíam chifre, Grécia e Fernand, ao contrário de, assim, em Brock, cujas obras cubistas eram principalmente monocromáticas, Huang Grease usou cores brilhantes em algumas de suas combinações, lembrou as obras de seu amigo Matisse. By the way, foi uma Grécia que cunhou o termo cubismo analítico em que ele pintou no início e mais tarde. Ele também fez sua transição para enviar aquele cubismo e começou a usar popularmente ou faculdades como para para não-tesouro. Em seus primeiros trabalhos, ele criou uma forma pessoal de cubismo que os críticos chamaram de Busan por seu uso extensivo em formas cilíndricas em suas pinturas. Provavelmente outra figura importante no cubismo, que não podemos deixar de mencionar é a Cláudia solitária. Ele é um bilionário americano de entrada, substantivo, filantropo. Ao longo dos últimos 40 anos, ele coletou mais de 80 obras-primas de artistas cubistas, incluindo aqueles fora de Pablo Picasso e Georges Braque, para fazer uma das mais importantes coleções privadas de arte cubista em 2013 sua promessa para dar toda a sua coleção ao Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque. O cubismo também teve uma influência significativa sobre esta cultura e arquitetura. Fora do século XX Alexander Hockey, Panko, Joseph Taqi, Raimond Ducharme, as folhas jovens e chocolate podem ser nomeadas como as famosas esculturas cubistas, assim como na pintura. escultura cubista é caracterizada pela abstração fora do objeto em componentes e figuras geométricas, cubos, cilindros, esferas e cones. Os objetos podem ser interpretados visualmente de maneiras diferentes, e é por isso que cada escultura cubista tinha sua própria maneira distinta em estilo. Então, para resumir, cubismo abandonou completamente seu aspecto representacional fora da arte e abraçou totalmente obstrucionismo. Abriu o caminho para uma abstração pura que dominaria a arte ocidental pelos próximos 50 anos . cubismo é caracterizado por figuras distorcidas e objeto fragmentado ser construído tal forma que ele pode ser visto de vários ângulos simultaneamente. Foram as crianças que Intron usaram a faculdade na pintura, e havia duas fases distintas e cubismo, ou seja, cubismo analítico e sintético. cubismo foi inventado em Paris pelo público porque em George Brock em torno de 1907 no estilo foi adotado e às vezes desenvolvido por muitos outros artistas, incluindo Fernand Leger, Kuang Grease, Marcel Duchamp, para citar apenas alguns. Muitos artistas importantes que se tornaram populares em seus próprios estilos, passaram por curies e enfrentaram em seu desenvolvimento porque era como um paradigma mudando movimento CART. PBS e também teve um impacto significativo na escultura e arquitetura, e seus conceitos libertadores influenciaram os principais movimentos artísticos, que seguiram, em particular, que o Surrealismo Construtivismo, supra, Matiz, e futurismo. Espero que tenham gostado desta equipa de palestras nas próximas. 22. Dada: Hoje, vamos falar sobre o que foi chamado de movimento anti-arte, e vamos começar nossa palestra na satírica boate Kabir. Irei lá em Zurique, Suíça, em 1916, quando a Europa foi conquistada pela Primeira Guerra Mundial, muitas pessoas que estavam contra a guerra fugiram para a Suíça. E lá um grupo de artistas de vôo, nomeadamente Huebel e Tristan Sarah, fundaram este clube. Ali, era o espaço cheio de anarquia artística, insatisfação política e performances de vanguarda. Embora esse não fosse o movimento que tinha um estilo comum, ele moldou significativamente a cultura moderna e a arte moderna na raça que ainda pode ser visível hoje. Esse foi o primeiro movimento de arte conceitual onde os artistas não tentaram criar algo que fosse esteticamente sacerdote o olho do espectador. Mas, em vez disso , com suas obras, eles queriam colocar questões difíceis à sociedade na classe burguesa. Em particular, eles também puseram em causa o propósito da arte e o rolo fora do artista na criação arte. Isto é, apesar da guerra mundial que estava acontecendo, e eles acreditam que havia algo crunk com a sociedade que poderia começar e então continuar travando essa guerra devastadora. É por isso que muitos de seus conceitos eram antiguerra, revolucionários e satíricos. Confortável lá. O fundador fora do movimento faz huggable, introduziu pela primeira vez seu famoso ponto de som, Paraguana. À primeira vista, o ponto era apenas uma coleção de sons e emoções sem sentido. Não se assemelhava a nenhuma língua conhecida. Parecia o episódio bíblico da Torre de Babel, e com sua falta de senso, foi projetado para refletir a insanidade da Primeira Guerra Mundial e para demonstrar a beleza interior dos países europeus para resolver seus diplomáticos problemas usando a criação. Todas as discussões, seu estranho costume tornou seu discurso ainda mais estrangeiro e geracional, e sua esperança durante quatro meses foi vista como um protesto contra o nacionalismo e a mentalidade burguesa , que incentivou a violência, colonização e luta de classes o valor central para o racismo que demonstrou a essência da revolução. Um grande movimento é o fundador do Hugo Ball afirmou em seu manifesto jantar que isso vem do dicionário. É terrivelmente simples. Em francês. Significa esperança. O cavalo em alemão, significa adeus. Saia das minhas costas. Eles parecem isso em algum momento em romeno. Sim, fato, você está certo, é isso. E assim por diante e assim por diante usando a palavra que o artista negou uma compreensão singular e lógica de sua arte. Na proclamação despretensiosa, Sarah encontrou o caminho para visualizar as idéias fora do dadaísmo combinando vários telefones em uma só peça, ele destruiu a harmonia do trabalho, fazendo parecer que a caridade pode através. Este trabalho já pode ser visto como o início da arte conceitual, cujo uso de materiais, cenários e abordagens voltadas em grande parte para desafiar ideias em vez de representar o mundo real, a fim de desafiar as normas do tradicional arte. Foi necessário inventar uma nova linguagem estética para que o artista passasse a usar mades prontos, objetos cotidianos que pudessem ser comprados e apresentados como arte com pouca manipulação pelo artista, o uso das perguntas forçadas prontas sobre criatividade artística e a própria definição de peido e seu propósito na sociedade. Estes novos estilos podem ser vistos nos primeiros trabalhos de parisiense. Espere árvore Marcel Duchamp, que incorporou todos os dias prontos feitos objetos em suas obras, por exemplo, em Fantine Do. Alguns apresentaram ao público um mictório de cabeça para baixo, alegando que havia um financiamento na frente deles. Mais tarde, provocaria um debate acalorado na comunidade artística. Neste financiamento se tornaria uma das peças mais icônicas da arte moderna. Por que um objeto pronto pode ser considerado como arte? Bem, acordo com Duchamp, há três razões. Primeiro, o fato de que o artista escolheu esse objeto é uma palavra criativa de Arthur. Em segundo lugar, quando podemos para que a função prática ou útil fora do objeto, este objeto também se torna arte. E finalmente, quando o artista dá o título do objeto ele apresentou ao público todos estes e novos significados para o objeto e ele se torna arte. Esta ideia quando o artista não é o criador, mas sim um seletor, é muitas vezes considerada como o início da arte conceitual como as autoridades conceituais e o objeto ou posto em causa. Naquela época, no início do século XX, essas idéias de usar objetos de crédito mate eram consideradas como um ataque à compreensão tradicional de nosso status e natureza. Gradualmente, eles se tornaram cada vez mais incorporados à essência da arte moderna. Marcel Duchamp também foi uma figura importante no movimento porque ele importante que as idéias da Europa para Nova York inspirou muitas laranjas americanas para desafiar idéias clássicas e chegar a conceitos novos e ousados para desafiar ainda mais o muito conceito fora do que significa ser um artista que eu costumava usar para a montagem, colagem e montagem em sua tese mais famosa corte com a faca de cozinha, o artista de Berlim Hunter Hope fez uma faculdade municipal fora cortado em política e cultural temas. Em uma peça, ela combinou figuras femininas de políticos radicais e conservadores, incluindo seu próprio auto-retrato e objetos domésticos e, como resultado, desfoca as fronteiras entre as esferas doméstica e social, bem como entre Hobie e Serious Art. Outros 100 artistas baseados, chamados Schwitters, usaram materiais de sucata e lixo, que ele coletou nas ruas do pós-guerra huh, para nunca criar faculdades obstrutivas e semi abstratas que ele chamou de méritos. Schwitters foi uma vez citado por dizer que tudo havia quebrado em qualquer caso, e coisas novas tinham que ser feitas a partir dos fragmentos. Doce há queria enfatizar que a arte e algo bonito podem ser feitos a partir da destruição. Essa arte tinha esse potencial para refazer o mundo fraturado usando o objeto fora da vida cotidiana que o artista queria criticar os símbolos da modernidade. Esta técnica de faculdade e idade dissimulada, no entanto, no entanto,não era algo que você naquela época sabemos de nossas palestras anteriores que Cuba também é usado muito assuntos fora da vida cotidiana, como manchetes de jornais e rappers de tabaco na tela, especialmente durante o rosto cubismo sintético diferente de um, tais como caças são explorados atos de acaso e espontaneidade em seu trabalho para sua faculdade três praças, dispostos de acordo com as leis de acaso, o artista rasgou pedaços de papel colorido e os jogou em ordem aleatória sobre as folhas maiores cobertas em grupo lá, colocando em questão a importância da lógica e da razão em fazer arte. A introdução do acaso esteve ausente durante os dias para desafiar as normas artísticas e questionar o papel do artista no processo artístico. A folga do controle artístico sobre as obras de arte também se tornaria mais tarde um elemento importante Serialismo, um movimento artístico que tenta desbloquear o mundo inconsciente e se livrar do controle racial da criatividade. Então, resumindo que foi um movimento artístico que foi formado por Huebel e Tristan Sarah em Zurique em 1916 como uma reação negativa aos horrores e desastres da Primeira Guerra Mundial. A arte e as performances produzidas por aquele gelado eram muitas vezes satíricas e sem sentido . Eles freqüentemente usavam os métodos da paródia de fim de semana da sátira Irony para mostrar sua atitude crítica em relação à arte na sociedade. Isso também é favorecido o conceito de chance e espontaneidade, em contraste com a lógica e a ordem que eu utilizei uma ampla gama de diferentes médiuns da faculdade e Fordham e idade, dedo do pé todos os dias, objetos prontos e até performances. Eles puseram em causa os conceitos tradicionais de como a arte deve ser feita, bem como o papel dos artistas e o objeto de arte que eu inspirei artistas a seguir suas próprias vozes artísticas em vez de aderir a um conjunto de regras ou lógica. Que o movimento nasceu em Zurique neutro na Suíça, mas rapidamente se espalhou para Berlim, Hanôver, Paris e Nova York. Muitos dias eventualmente se voltaram para o serialismo, realismo social e outros métodos artísticos nos anos 19. Mas sua influência continuou sendo forte, pois sem o resto do século 20 em ação, pintura, design, design, cultura e outros lugares, você tem pouco tempo. Foi isso que lançou as bases para a liberdade de expressão que os artistas têm desfrutado até hoje