Masterclass, Parte 3: linhas e duplas

1. Introdução: Ei pessoal, bem-vindos à orquestração parte três. Nesta aula, vamos nos concentrar em escrever para a orquestra e, em particular, o tipo de elemento horizontal. Na próxima aula vamos nos concentrar no elemento vertical, mas na verdade haverá muita coisa vertical para isso, o que significa isso é quando temos uma peça de música, Há muita coisa que acontece horizontalmente e muito disso acontece verticalmente. Verticalmente. Seria como todos os instrumentos na partitura. Horizontalmente seria como melodias e passagem do tempo. Então vamos nos concentrar em linhas individuais e ver como podemos trazê-los para dentro da orquestra. Em particular, veremos diferentes formas de dobrar as coisas para fazê-las parecer mais espessas. Isso é uma grande parte da orquestração. Então vamos começar dizendo coisas como, se eu tiver uma flauta tocando uma linha, o que acontece quando eu faço ela tocar? Faça o oboé jogar na mesma linha? Então vamos expandir e dizer o que acontece se eu tiver essas duas coisas acontecendo, mas há uma oitava entre elas. E se eu adicionar uma trombeta a isso? E se eu adicionar uma trombeta e oitava e um terço mais alto? Esses são todos os diferentes tipos de sistemas que vamos ver nesta classe. Então, sem mais delongas, vamos mergulhar e começar a escrever algumas músicas para orquestra. 2. O formato deste curso: Certo, vamos falar sobre como vamos organizar essa aula. Há muito a cobrir. Então, o que vamos fazer é falar sobre linhas e cores nesta parte da classe. O que isso significa é que quando temos muita olhada, vamos dar uma olhada em um exemplo. Vamos dizer aqui. Vamos escrever swell. Isso funciona. Claro. Vejo essa pequena linha. Esta pequena linha de violino. Este é violino um. Isso é legal. O que este compositor decidiu fazer foi o dobro que em violento a violento, violento dois é o mesmo. Por que você faria isso? Seria diferente se estivesse apenas arquivando um? É puramente uma questão de volume adicionar a segunda violência ou há uma madeira ou motivo para fazer isso? Esse é o tipo de coisa que vamos falar. Também temos nota no final aqui desta primeira barra. Portanto, há diferentes tipos de duplicação aqui. E então todo mundo jogando o mesmo ritmo, notas diferentes, forma diferente. Indo para o próximo bar. Tudo isso é o que vamos olhar. Por que você dobraria? Isso não faz nenhum sentido. Também estamos dobrando nos fagotes. Isso eu acho que é o oboé. Todo mundo está jogando aquele pequeno riff ali. Então as leituras meio que tiram e vão de lá. O que vamos fazer é olhar para as seis maneiras diferentes de fazer isso. Há seis maneiras diferentes de dobrar ou não dobrar. Você não pode dobrar, você pode dobrar, você pode dobrar a oitava, você pode dobrar uma harmonia, etc. Há cerca de seis maneiras diferentes de fazer isso. O que eu acho que vamos fazer é olhar para um coral de Bach. Essa é uma forma padrão de fazer isso em uma aula de orquestração. Vamos olhar para um coral de Bach. Vamos escrevê-lo para orquestra. Vamos fazer isso de várias maneiras diferentes e vamos ver como os sons mudam quando dobramos de maneiras diferentes. Provavelmente vamos ficar muito cansados desse chorale de Bach porque vamos trabalhar muito com ele. Talvez nós o troquemos e façamos vários corais bach. Mas a razão pela qual estou usando um chorale de Bach é porque eu geralmente adorei a maneira como eles soam. Na verdade, não fico cansado deles com muita frequência. E não quero pensar muito sobre a composição. Não quero me preocupar com isso. Eu quero muito bom soar peças curtas para nós trabalharmos. Esses são ótimos materiais para isso. Certo. Vamos seguir em frente e falar sobre uma espécie de encerramento rápido do que já falamos. Então vamos entrar em algumas coisas técnicas novas e divertidas. 3. Anteriormente em orquestra!: Aqui está meu telefone legal. Anteriormente uma orquestração. Eu adorava fazer isso. De qualquer forma. As duas aulas anteriores aqui falamos quase exclusivamente sobre instrumentação, como funcionam os diferentes instrumentos. Então, agora vamos aplicar um pouco disso à medida que estamos escrevendo. Como estamos fazendo esse tipo de experimentos melódicos com Bach, precisamos pensar sobre o que sabemos sobre os instrumentos. Intervalos, longos períodos de jogo, fadiga do braço, qualquer coisa assim, respiração. Qualquer coisa que saibamos que é particularmente difícil para qualquer instrumento que precisamos estar atentos. Como estamos fazendo esses projetos. Vamos prestar atenção a essas coisas. Eu não vejo nada aqui que realmente se destaca como, Uau, isso é complicado. Porque isso é como uma peça profissional. Bem, aqui está algo. Vejo muitas anotações aqui. Vamos dar uma olhada no que está acontecendo lá. Então pense, estou pensando que você tem muitas coisas baixas aqui. Então, vamos ser crianças Toga, toga, toga, toga. Mas na verdade não é muito baixo. A base está aqui em baixo, rasas lá embaixo, tudo o resto é realmente bem alto. Isso não vai chegar a chug. Chug. Temos esse oboé realmente indo por um longo tempo ou não, não, não, desculpe. Vai para aqui e depois há uma pausa e nós descemos aqui. Sim, eles vão por um longo tempo. Sem fôlego. Há o nosso descanso, então eles vão ficar esgueirados e respirar que eu vou jogar aqui fora. Talvez seja algo para se pensar. De qualquer forma. Essas são as coisas em que vamos trabalhar. Além do nosso grande tópico, vamos aplicar algumas dessas coisas. Então, considere esse tipo de subtópico, mas muito importante para esta aula daqui para frente. 4. Ferramentas que estou usando: Ok, ferramentas que vamos usar para esta aula. Vamos fazer algo um pouco diferente. Como você sabe, se você fez algumas das minhas outras aulas, especialmente nas minhas aulas de teoria, eu realmente gosto de usar o MuseScore porque a pontuação mu é gratuita, embora isso tenha mudado um pouco ultimamente. É como grátis com um asterisco. Agora. É gratuito. A maioria das pessoas pode colocar as mãos nele. E está em várias plataformas. Funciona muito bem. Ainda acho que o MuseScore é um bom programa. No entanto, indo para onde vamos, eu realmente acho que precisamos atualizar para uma ferramenta mais profissional para essa classe, para o nosso programa de notação, eu vou usar a Dory co, A linha dórica é um programa relativamente novo. É um programa de notação de nível profissional. É significativamente, sim, acho que diria significativamente mais difícil de usar do que a pontuação de Mu. No entanto, você tem muito. A razão pela qual é mais difícil de usar é porque você tem muito mais flexibilidade. Você pode adicionar coisas que você não pode fazer em algo como o MuseScore. É uma ferramenta muito mais profissional. Agora é muito possível que tudo o que fazemos nesta classe você ainda possa fazer na pontuação mu. Se você quiser manter a pontuação mu, tudo bem. Você pode fazer isso. Na verdade, se você estiver usando algum programa de notação, provavelmente está tudo bem. Você é mais do que bem-vindo para usar qualquer programa de notação que desejar. A principal razão pela qual estou trocando o MuseScore é porque eu quero poder carregar bibliotecas de amostra externas, orquestra de maior qualidade. Agora acho que você pode fazer isso no MuseScore, mas não tenho certeza. Parecia um pouco desajeitado. E estou muito mais confortável no escuro agora, use qualquer programa de notação em que você esteja mais confortável. Você pode até mesmo pular programas de notação e apenas usar um ponto se quiser trabalhar na mini grade, tudo bem também. Você não precisa comprar dora co, você não precisa mudar para door co. No entanto, eu diria, se você estiver fazendo trabalhos de notação profissional, escrevendo música profissionalmente para instrumentos acústicos ou aspirar a escrever profissionalmente para instrumentos acústicos. Você realmente precisa dele em algum momento para atualizar para uma ferramenta profissional para que novas pontuações ainda não estão. Embora música, novas partituras, bastante impressionantes , falta em algumas habilidades. Doric row é um ótimo programa. Há alguns outros por aí também. Vou usar a linha Doric. E para minha biblioteca de amostras, usarei principalmente a biblioteca da Orquestra Sinfônica da BBC. Não é a biblioteca de orquestra da mais alta qualidade, mas é muito boa. Fiquei muito feliz com isso. Existe uma versão gratuita do mesmo disponível. E vou colocar um link para isso em apenas alguns. Talvez o próximo vídeo ou a próxima lição ou aquele depois disso. Vou te dar um link para ele. Há uma versão gratuita, há uma versão profissional. Acho que há um no meio. Acho que estou usando a versão gratuita, embora possa ter instalado a versão pro em algum momento, não tenho certeza. É meio difícil de dizer. Na verdade, é um pouco confuso, mas acho que você provavelmente seria bom com a versão gratuita. Vou orientá-lo sobre como configurar isso em apenas um minuto. Agora, na verdade, vá para um novo vídeo e faça isso. 5. Configuração (Dorico e a orquestra sinfônica da BBC ): Ok, então vou percorrer a configuração para a biblioteca da Orquestra Sinfônica da BBC em Doric Row. Se você não estiver usando a linha Doric, isso pode não ser muito útil. Embora possa ser porque vou mostrar como essas coisas funcionam juntas. Agora não vamos passar muito tempo nesta aula. O material técnico por baixo de bibliotecas de amostra. Chegaremos a isso eventualmente quando trabalharmos nesta ilustração. Mas ainda não estamos lá. No entanto, eu preciso entrar em parte para que todos vocês entendam o que estou fazendo. Indoor CO, o que eu faço é ir para New, New from Template e ir para Orchestra. E eu posso fazer qualquer um desses, mas vamos fazer orquestra clássica. Vou fazer um novo arquivo que será apenas a partir do modelo deles de uma orquestra clássica. Isso só vai me dar todos os instrumentos que eu preciso. Lá vamos nós. Aqui está a orquestra clássica. Agora, o que eu preciso fazer é ir para a guia Reproduzir aqui. Agora, isso é como uma sequência de áudio ou, neste momento, não é, mas é. Isso me mostra tudo o que está acontecendo. Então aqui estão todos os meus instrumentos. Agora, todos os instrumentos vão tocar com isso. Haley no Sonic SE, Esse é o jogador de amostra de linha dórica padrão. Eles vão soar bem. O material padrão em Doric não é ruim. Na verdade, é meio engraçado. Mas se quisermos usar uma biblioteca de orquestra diferente, como eu faço, o que você precisa fazer é carregar em seus jogadores de amostra aqui. Então esses três botões aqui são um pouco importantes. Este significa que este dispositivo está no botão liga/desliga. Este mostrará a interface para esse player de amostra em particular. Posso clicar nisso. E agora vejo, aqui estão todos os meus instrumentos. E eu tenho algumas opções de efeitos e alguns roteamento midi, se eu precisar, e níveis e coisas assim. Então este nos dá algumas preferências para essa faixa, que realmente não precisamos agora, mas podemos renomear a faixa e coisas assim. Em vez de carregar todos os instrumentos de que precisamos, há uma maneira mais fácil porque carregá-los e rotear tudo através do midi é realmente meio complicado. Em vez disso, o que vou fazer é ir ao menu Reproduzir e depois até o modelo de reprodução. E agora eu tenho esses núcleos da BBC Symphony Orchestra, descobrem e pro. Vou clicar no pro core. O que diabos? Agora você pode não ter isso, eles provavelmente não aparecem para você. Segure isso. Voltarei a isso em apenas um segundo. Pressione Aplicar e Fechar. E agora você vê que todos eles apareceram aqui e tudo está carregando. Então, vou fechar isso por um segundo. Não salve e deixe-me voltar para este que eu tinha aberto há um segundo. Esta é apenas uma espécie de peça padrão que eu acho que vem com a linha Dórica. Eu acho. Só estou olhando para uma bela peça clássica. Ele tem muitos instrumentos. E quando eu volto para esse arquivo, leva um segundo para ele carregar porque ele está colocando muito na RAM do nosso computador. Aqui. Vou para o Play. Você verá aqui está o que parece ser uma sequência midi. Aqui estão todos os meus instrumentos BBC, SO. E eu posso ir até aqui, voltar ao início e bater o jogo. Não sei por que isso foi louco alto. Acho que quando eu estava pulando entre arquivos, eles transformaram alguma coisa. Eu mudei para deixar isso insanamente alto. Uma das coisas mais complicadas é sobre essas bibliotecas de amostra midi e ter vários arquivos abertos, é uma coisa muito perigosa de se fazer. Então isso não foi louco alto para você. Isso significa que ou ele gravou bem ou eu voltei e overdub o mesmo volume. Tente não ter vários arquivos abertos quando você estiver fazendo isso. Coisas loucas podem acontecer. A última coisa sobre isso. Há um minuto, eu disse para manter essa ideia de que você não tem esses modelos de reprodução em sua sessão. Vou te dar isso. Você precisa baixá-los separadamente e instalá-los. Quando você vai lá. Quando você vai reproduzir modelos de reprodução, você pode ouvir clicar em Importar, importar modelos de reprodução. Vou te dar a Orquestra Sinfônica da BBC que quer baixar que lhe poupará horas de sua vida e configurando-as. Vou te dar isso, bem como um link para a versão gratuita da Orquestra Sinfônica da BBC. E a próxima coisa, se você estiver usando a linha Doric, você pode baixá-los e usá-los para configurá-los. 6. Temáticos de disponibilidade: Ok, uma ressalva em relação à nossa configuração da maneira que eu quero que você meio que trate isso. Lembre-se que o que eu disse nas aulas anteriores sobre dinâmica e sobre como o computador não é realmente bom em nos dar uma representação precisa de como ele vai soar. Deixe-me dar um exemplo explícito do que quero dizer. Posso abrir o mixer aqui. Agora, com este mixer, posso dizer, vamos fazer dos fagotes a coisa mais alta da orquestra. Só fazendo isso. Isso joga orquestração pela janela. Então o que vamos fazer é que não vamos tocar neste mixer. Tudo o que fazemos com a criação do nosso som da nossa música aqui e as cores específicas que vamos fazer com a orquestração. Não vamos fazer com o mixer. Não estamos, em termos de orquestração, usar o mixer seria trapaça. E você pode fazer algumas coisas legais com isso. Mas se você estiver trabalhando com instrumentos acústicos, você não tem um mixer, eles estão apenas fazendo o que estão fazendo. Então, precisamos realmente entender o som que estamos pedindo que eles produzam e como ele se mistura com todo o resto. Sem misturas. Tudo bem, vamos seguir em frente. 7. Por que linhar?: Ok, vamos começar a falar sobre linhas Instructure e o que precisamos pensar. Falando. Se você pensar em eu estou me lembrando que eu não sonhei com esse microfone ontem à noite. Acho que tenho feito essa coisa de ensino on-line há muito tempo quando estou sonhando com meu microfone de diálogo. Estranho, acho que no sonho que eu estava sim, eu estava demonstrando como eu realmente deveria isso é realmente um sonho factual. Estava demonstrando como eu deveria estar falando sobre isso. É bem próximo porque é um microfone super sensível. É um ótimo microfone para diálogo e para todas as coisas vocais. Mas eu deveria ir direto para ele. Mas em vez de ir para o lado, porque acho importante que você possa ler meus lábios e não ser assim. Tão aleatório. Tão aleatório. Certo, então esse é o meu dia até agora. Vamos falar sobre orquestração. Certo? Linhas. O que queremos dizer quando estou falando de linhas? Então, vamos começar focando em linhas, não necessariamente linhas individuais, mas em linhas que se cruzam. A razão pela qual esse é um bom método é porque a maior parte da harmonia é composta de linhas que se cruzam. Bem, eu não deveria dizer a maioria. Muita harmonia é composta de linhas que se cruzam, duas linhas jogando uma ao lado da outra em harmonia ou algo assim. A outra coisa é que maioria dos instrumentos na orquestra são instrumentos monofônicos. Eles só podem tocar uma nota de cada vez, ou só podem tocar uma nota de cada vez sem algumas técnicas especiais. Isso é algo sobre o qual aprendemos. Na seção de instrumentação. Como um clarinete de fluido, qualquer peça, qualquer instrumento de vento ou latão é realmente projetado para tocar uma nota de cada vez. As cordas podem tocar mais de uma nota de cada vez, mas na maioria das vezes elas estão tocando uma nota de cada vez. Alguns instrumentos de percussão podem tocar várias notas de cada vez, como lembrar qualquer um dos instrumentos de teclado. Então, obviamente, piano, harpa. Existem alguns instrumentos que são mais instrumentos de acordes, mas a grande maioria dos instrumentos na orquestra está tocando uma nota de cada vez. Começando pela perspectiva de olhar para um, em uma linha. Ou você pode até ser capaz de dizer uma melodia, a mesma coisa. Realmente. Uma melodia é apenas uma linha que é a linha mais proeminente. Olhando para uma ideia melódica de melodia, uma linha onde quer que você queira chamá-la. E isso meio que focando no que podemos fazer com isso. Não vamos apenas orquestrar Mary Had a Little Lamb, de 100 maneiras diferentes. Na verdade, vamos olhar para algumas músicas reais. E é por isso que eu quero usar esses corais bach, porque grande parte do tempo e aulas de orquestração que eles usam Mary tinham um cordeiro pequeno, 100 maneiras diferentes. E sobre isso, então vamos usar alguma música real. Vamos seguir em frente para falar sobre mais alguns princípios. 8. Foreground, Middle Ground, Background: Ok, agora um conceito que é um grande conceito e orquestração e um que eu não acho que vamos trabalhar muito nessa parte da classe, mas eu quero apresentá-lo para que esteja no seu cabeça como alguma coisa. Essa é essa ideia de primeiro plano, meio termo e fundo. Agora, se isso soa familiar para você, pode ser porque você fez uma das minhas aulas mixagem, mixagem de áudio, está fazendo , fez uma gravação ou está fazendo um pedaço de música eletrônica ou algo assim. E você entra no estágio de misturá-lo que está equilibrando tudo e há mais nisso do que isso. Mas esse mundo, quando estamos misturando uma peça de música, pensamos em primeiro plano, meio termo e fundo. O mesmo acontece com a orquestração, o que é uma ideia interessante. Quando estamos orquestrando, estamos fazendo muitas coisas semelhantes ao que estamos fazendo quando estamos misturando música. Muitos dos princípios são os mesmos. Estamos tentando nos concentrar nessa profundidade criando esse fundo do meio termo em primeiro plano. Estamos tentando nos concentrar no espaço preenchendo o palco ou o salão. Estamos apenas fazendo isso completamente acústica e não com faders e coisas, mas com ondas dinâmicas e coisas assim. Bem, muitos dos princípios são os mesmos. É realmente meio fascinante. Quando falamos de primeiro plano, meio termo e fundo. Primeiro plano, a coisa que mais adiantado você poderia pensar nisso como. A coisa que realmente queremos que as pessoas ouçam mais, mais na cara deles. Talvez a melodia. Na maioria das vezes, se você tem uma melodia realmente pronunciada, provavelmente a quer em primeiro plano e há orquestração, todas as coisas que podemos fazer para ajudá-la a avançar. Você pode querer coisas em segundo plano. Portanto, o plano de fundo significa que eles são menos importantes em muitos aspectos, mas não expansíveis. Vamos chamá-los de forma diferente. Você pode dizer algo como a base. A base está em alguma coisa. Em muitos casos, a base pode não ser algo que eu preciso que todos estejam super conscientes, mas preciso que ela esteja lá para dar a peça ou a sucção. Uma camada de aterramento, tipo de falar. E o meio termo pode ser, poderia ser qualquer coisa. Mas na maioria das vezes usamos o meio termo para idéias rítmicas extras, ideias de textura, coisas que dão o ambiente da peça. Coisas que não são tão importantes quanto a melodia, mas coisas que não são tão importantes quanto a melodia. Mas definitivamente queremos ser ouvidos. Isso seria material de meio termo. Tenha essas coisas em mente quando você estiver olhando para música de orquestra. Trabalharemos mais com aqueles no futuro. Mas, por enquanto, porque só vamos trabalhar com algumas linhas de cada vez. Talvez não possamos realmente mergulhar fundo nesse conceito ainda, mas eu queria estar sentado em sua cabeça. Mantenha um ouvido fora para isso. 9. Uma peça de exemplo: uma bach Chorale: Ok, então o que eu ia fazer aqui é escolher qual coral de Bach vamos usar para toda essa classe. Mas como estive pensando nisso, acho que podemos mudar. Podemos não ficar com o mesmo o tempo todo porque podemos ficar super cansados disso. Mas estes são curral muito bonitos. Então, talvez não fiquemos super cansados disso. Talvez nós vamos adorar. Veremos, mas vamos escolher um. Tenho aqui o livro de Bach Raman Schneider. Este é 371 corais harmonizados, o grande livro de chorales bach. Se você já fez algumas das minhas aulas de teoria e talvez alguns outros lugares eu mencionei este livro. É uma ótima coisa para passar se você quiser, currais. Ótima maneira de praticar a leitura visual. Este livro. Como você pode ver, está bastante desgastado. Esta é minha segunda ou terceira cópia. Eu tenho esses 371 currais. Eu também tenho porque sou um dado super nerd de 20 lados. Então, veja como vamos escolher. Vou para 371 frente e verso. Então eu acho que vou rolar isso duas vezes e depois multiplicar esses números juntos. E esse será o nosso Chorale. Não exatamente preciso, mas perto o suficiente. Eu tenho um nove. Nove. O número dois é aveia pousou no meu teclado. Vamos refazer isso. Perto o suficiente. 89 vezes oito é 72. Vamos procurar o número 72. Bastante baixo. Número 722. Bom. Um curto. Não quero tentar pronunciar isso. Parece ser a chave de G menor, eu acho. Sim, estou vendo G menor. Então, vamos mergulhar e ver as linhas nisso. Deixe-me colocar isso na tela para você. 10. Como encontrar as linhas principais: Ok, então aqui está a primeira peça com a qual vamos trabalhar. Então eu entrei na Dory co. Deixe-me desligar essas cores engraçadas. Este é o que escolhemos através do rolo de dados número 72. Este é o nome dele. O Google me diz. Isso se traduz como nos manter a fé reduzida em sua palavra ou Senhor, nos manter em tua palavra e trabalho, algo assim. Seja o que for que não importa para nós realmente. Como eu disse antes, G menor. Tem esse bom Piketty terceiro no final. Isso significa que é um tônico é um acorde menor, mas no final colocamos o acorde principal de qualquer maneira, apenas por diversão. Como esperaríamos para um curral menor como este, temos muito tom de liderança, então temos um monte de pop-up F sharps ajudam a levar-nos até G. Vamos ouvi-lo. Eu entrei apenas na parte do piano, porque vamos trazer uma peça com ela um monte . Aqui está no piano. Vamos apenas dizer as primeiras observações. Aquela coisa de fundo do meio termo em primeiro plano é bastante aparente apenas nisso. Temos uma espécie de melodia distinta e a voz soprano. Na maioria das vezes em um curral, ouvimos a voz superior como a melodia principal, embora nem sempre. Então nós temos, então eu chamaria isso de primeiro plano. Temos linha de base, algum bom movimento nele. Mas eu chamaria isso talvez de fundo. Alguns movimentos bonitos no meio. Os altos e os tenores, assim, nos dando um bom material de meio termo. Tudo isso será realmente útil para orquestrá-lo. Em termos de linhas, temos quatro linhas aqui, quatro linhas que compõem uma harmonia. Vamos nos concentrar em cada uma dessas linhas e faremos um pouco diferente cada uma e esperamos construir um cenário de orquestração a partir daí. Certo, mais algumas coisas. Nesta seção. 11. Como se distribuir isso na orquestra: Ok, então a primeira coisa que quero mostrar é o que não fazer. Há algo que sempre que olho para partituras de orquestra de jovens compositores, há algo que vejo as pessoas fazerem muito que realmente apenas grita. Ambos. Sou experiente nisso e não sei como quero que isso soe. Eu realmente não pensei sobre o que eu queria soar. Então, vamos falar sobre como evitar isso mostrando como fazer isso. Vou pegar minha voz superior, minha linha superior aqui. Acho que se eu selecioná-lo e depois ir para filtrar vozes, todas as vozes do tronco. Lá vamos nós. Eu selecionei apenas a voz superior aqui. Esta é a voz mais alta. Então, vou colocá-lo em alguns dos instrumentos mais altos. Coloque-o na flauta. Flauta também. Claro. Oboés, clarinete. Fui lá alto. Tudo bem, e então o fagote fica um pouco mais baixo. Então, talvez vamos para a segunda voz. Tudo lá embaixo. Vamos colocar isso no fagote. Tudo bem, então vamos colocar isso. Zoos, coloque-o no outro fagote dois. Agora, isso é super alto. Talvez vamos derrubar uma oitava. Vamos derrubar isso em uma oitava. Nós vamos. Agora, que tal chifres? Vamos colocar isso em um chifres também, o que diabos? Precisamos voltar e ativos. Claro. Isso coloca isso na minha gama de conforto de outros chifres, o que é uma coisa muito estreita. Vamos continuar. Vamos pegar nossa linha de tenor. Vamos selecionar filtro. Vozes, vozes de caule. Está ficando um pouco mais baixo, então os chifres seriam bons. Isso é muito baixo. Vamos puxar isso para cima. Uma oitava. Foi nosso primeiro nó D, como eu pensei. Vamos chifres 34 para estes. Vamos também trombones. Isso parece bom para trombones. Então talvez trombetas. trombetas podem ficar bem altas. Então, vamos pegar nossa linha superior. Coloque isso lá e todas as três trombetas. Claro. Talvez essa última trombeta faremos nossa linha alto. E vamos levá-los para cima uma oitava. Parece bom. Tudo bem, então, por último, só precisamos da nossa voz mais baixa. Vou fazer a mesma coisa de antes. Sim. Não quer me deixar copiar esses primeiros restos. Vamos tuba. E então vamos selecionar vozes todas as faturas no andar de cima e excluí-las. Vou selecionar isso. Está em nossas duas balas colocadas em trombone baixo também. Vamos deixar a percussão sozinhos por enquanto. Parece uma coisa boa e densamente orquestrada para cordas. Vamos fazer exatamente a coisa óbvia. Vamos pegar nossa linha superior lá. Vamos pegar nossa linha alto. Na verdade, vamos fazer violino 12. E então nossa linha alto, que é essa linha, a viola é linha tenor. Acredito que essa foi a nossa linha de topo. Vamos colocá-lo no violoncelo. É um alcance muito bom. Está ficando alto. Mas meio que cavar violoncelo lá em cima , então vamos deixá-lo. Tudo bem, e então nossa base. Como você pode ver, o que estou fazendo é copiar e colar essa coisa toda e não há nada de errado em copiar colar em parte. Mas isso parece muito alto. Vamos mover isso para baixo uma oitava. Nós vamos. O que temos aqui é grande. Temos um grande som enorme. O que realmente vamos ouvir? Vamos ouvir o que o computador diz e depois vamos passar por ele. Vamos apenas, vamos dar uma chance. Aqui vamos nós. Então, isso realmente soou bem. Muito Oregon como eu acho que está em um órgão como porque estava apenas explodindo. Anteriormente neste vídeo. O que eu disse foi quando vejo coisas assim, vejo algo que parece uma escrita muito imatura. E a razão é que é a pia da cozinha. Estamos apenas usando tudo. Você não precisa usar todos os instrumentos. Você não precisa usar metade dos instrumentos. Se você virar uma pontuação de orquestra. Na maioria das vezes, menos da metade dos instrumentos estão tocando de uma só vez. Se você disser, eu realmente quero isso, eu realmente quero usar os ventos aqui. Isso não significa que você precisa usar todos eles. Por exemplo, vamos dar uma olhada nessa flauta. Flauta um e fluido dois estão em uníssono. Vai soar diferente? Se eu me livrar do fluido dois? Nesse caso, o que o computador vai fazer? Provavelmente vai fazer um pouco menos volume na flauta. Mas não estamos realmente ouvindo essa flauta muito de qualquer maneira. Não é muito alto. Não estamos ouvindo isso. Estamos ouvindo a trombeta. Isso é real. Ou seja, isso é como seria em uma situação do mundo real. Ouviríamos a trombeta sobre qualquer um dos fluidos. Então, por que eu tenho isso? Por que eu tive essa gripe dobrando, fazendo uma duplicação uníssono, certo? Ambos estão planejando exatamente a mesma coisa. Isso é inútil. Na verdade, isso é inútil, porque você não vai ouvir isso sobre a trombeta. Para que possamos nos livrar disso. Oboé, talvez a mesma coisa. Pode não parecer muito diferente. Na verdade, vamos nos livrar do oboé, clarinetes, fagotes. Vamos nos livrar de todos os ventos e ver se soa diferente para nós. Aqui vai. Na verdade não, talvez algumas coisas realmente sutis, mas não são diferentes ao se livrar de todos os ventos porque os ventos não foram orquestrados muito bem. Eu poderia adicionar os ventos, uma forma que você definitivamente os ouvisse, mas a maneira como eu fiz isso aqui não era isso. Então, só para lembrar, você não precisa da pia da cozinha todas as vezes. Queremos ser um pouco mais delicados, na verdade, muito mais delicados com a forma como estamos distribuindo as coisas ao longo da nossa pontuação. Como decidimos? Como decidimos quais instrumentos queremos tocar, o que e a que horas. Precisamos começar pensando sobre como queremos que ele soe. É como qualquer coisa. Então, vamos a um novo vídeo e falar sobre isso. 12. Adjetivos: como queremos que ele possa soar?: Vamos pensar sobre como queremos que isso soe. Apenas, vamos usar isso como exemplo. Poderíamos fazê-lo parecer leve, elástico e leve. Podemos fazê-lo parecer pesado, o que é muito onde estamos agora. Mas podemos fazer com que pareça mais pesado. Podemos fazê-lo parecer escuro, podemos fazê-lo parecer brilhante. Poderíamos fazer parecer fino. Você pode fazer com que pareça espesso. Praticamente qualquer adjetivo que você queira jogar lá. Podemos emular ou reforçar esse adjetivo, devo dizer. Em nossa orquestração, estamos em um ambiente muito grosso aqui. O que o torna grosso? Muito tipo de todo esse latão, latão baixo, baixo e nossas cordas baixas aqui. E se fizéssemos parecer mais leve? Então, vamos fazer algo que vai ser muito mais leve de uma situação. Vou desfazer um monte e recuperar meus ventos. Porque quando penso luz para orquestração, queremos algumas vitórias. Vamos ver, vamos fazer. Também queremos uma flauta fina? Isso é muito baixo para flauta um, mas tudo bem. Vamos ficar com ele por enquanto. Ovo, não vamos oboé fazer a mesma coisa que o fluido está fazendo. Vamos fazer oboé fazer a linha alto, eu acho que isso é B? D? Isso é aqui com a buzina está fazendo. Vamos colocar o oboé aqui. Agora vou olhar para os intervalos aqui. Só quero ter certeza que sabemos que os intervalos estão bem. Quer dizer, porque é uma peça escrita, não estou preocupado com o contraponto ou qualquer coisa assim. Estou olhando para a distância para ver o oboé. Quero estar debaixo da flauta, mas não muito. Você vê que eles são realmente muito próximos. Eles estão a apenas um terço de distância para a maior parte disso. Então isso é bom. Isso vai fazer um som muito leve. Ambos são muito baixos. Eu poderia querer aparecer isso, mas Claire, louca. Vou deixar de fora os fagotes, vou deixar de fora. E eu acho que todos os latões. Vou deixar de fora. Talvez. Farei algo estranho com a trombeta. Assista a essa trombeta. Vai entrar ali mesmo nessas últimas notas, vamos apenas adicionar trompete um, apenas para dar um pouco de chute extra. Que talvez haja demais. Veremos cordas. Vamos fazer tudo. Vamos fazer a mesma coisa. Vamos tirar cordas aqui. Bem, vamos pegar a linha tenor. Coloque-o aqui, mas vou excluir esses primeiros. E então vamos colocar a linha de base e o violoncelo uma oitava. E vamos nos livrar disso, e vamos nos livrar da viola. Vamos ver o que eu tenho aqui. Tenho flauta, oboé, tocando suas linhas para soprano e alto. Trompete, um chegando no final, dobrando no uníssono. A linha de flauta que eu tenho. A linha soprano entrando, o violino. Acho que dez ou linha entrando aqui, e depois linha de base vindo aqui. Posso não ter a linha alto em nenhum lugar. Tudo bem. Vamos lidar com isso mais tarde. Eu tenho o piano silenciado a propósito, então não vamos ouvir o piano. Portanto, essa deve ser uma orquestração de som bastante leve. Vamos ouvi-lo. Vamos ouvi-lo mais uma vez. Acho que vou me livrar desse violoncelo até o primeiro fermata. Além disso, incluindo esse Fermata. Incluindo as fermatas aqui. Isso estava me incomodando. Sim, bem ali. Quero que eles entrem depois do fermata na Armada. Vamos ouvi-lo agora. Tratamento muito mais leve desse mesmo material. Eu não precisava de todos os instrumentos para fazer isso. Isso é muito mais uma abordagem de lâmina de barbear. Ainda tenho um bom som grande. É fácil esquecer a espessura dos violinos. Lembre-se que é como 1015 pessoas jogando isso. Se eu realmente quisesse um som mais leve, eu poderia deixar isso mais leve do que este, poderia viver com cordas completamente. Basta brincar com a adição de mais ventos ao longo disso. Sempre precisamos começar pensando sobre o tipo de som que queremos. Não é apenas uma questão de jogar tinta na parede e ver o que gruda. Pense no que você quer antes de escrevê-lo. 13. Dobrar é uma palavra com um duplo sentido.: Ok, muito rápido, eu queria apenas interjeitar um pouco sobre essa palavra duplicando que vamos lidar com um monte. Isso que estamos dobrando tem dois significados e orquestração completamente não relacionados um do outro. Super irritante. Mas eu quero ter certeza de que estamos claros nessas duas reuniões. Já falamos sobre um deles. Quando estávamos falando de instrumentação, falamos sobre dobrar em termos de talvez o flauta seja esperado para dobrar no piccolo. Isso significa tocar ambos os instrumentos não ao mesmo tempo, mas isso seria uma duplicação aceita ou duplicação desconhecida ou algo assim. A maneira, significa apenas a maneira como alguém pode ser esperado para tocar dois instrumentos. Esse é um uso da palavra duplicação. Mas o que estamos falando agora não é nada relacionado. O que estamos falando agora é dobrar o mesmo material musical em dois ou mais instrumentos. Isso aqui não é uma duplicação. Estes estão tocando dois instrumentos diferentes para diferentes, eles estão tocando material musical diferente. Violino um e esta barra em particular, violino e flauta estão dobrando. Eles estão jogando o mesmo material. Eles estão dobrando no uníssono. Poderíamos até dizer, o que significa que não há uma harmonia que eles estejam jogando. Não há uma oitava que eles estejam jogando. Eles estão tocando exatamente as mesmas notas. Esse é o tipo de duplicação que estamos falando agora que vamos trabalhar para o máximo, a maioria desta classe, para todo o resto desta classe. Quando digo dobrar, é disso que estamos falando. Não estamos falando de alguém planejando instrumentos. É estranho como temos em uma disciplina muito específica, orquestração, temos uma única palavra que significa coisas completamente não relacionadas, mas é o jeito que acontece. Se quatro são o resto desta classe, se eu precisar me referir a alguém como tocando dois instrumentos diferentes, direi especificamente que, em vez da palavra dobrar, seguir em frente, dobrar significa o mesmo material musical ou material musical muito semelhante tocado pelos mesmos instrumentos, tocado por diferentes instrumentos. 14. Os seis métodos: Ok, então dito isso, como a orquestração é sobre combinar cores, agora vamos passar pelas seis principais maneiras pelas quais podemos combinar cores. Quando eu sento combinando cores, estou sendo bastante literal aqui. É claro que estamos falando de cores sonoras, as cores dos diferentes instrumentos. Mas se você pensa, se um fluido for lido em um oboé é azul e eu tocá-los juntos, eu vou ficar roxo. Não é muito diferente disso. Temos todas essas cores, todos esses instrumentos na orquestra, cada um faz uma cor diferente. E vamos começar a combiná-los para que as paletas de cores realmente bonitas sejam realmente feias, dependendo do que você quer ou qualquer coisa no meio. As seis maneiras pelas quais misturamos essas cores juntas. Há mais do que isso, mas essas são apenas as seis maneiras padrão que usamos como ponto de partida. Então é isso que vamos fazer. Praticamente o resto desta classe, vamos trabalhar nessas seis maneiras. A primeira maneira é um único instrumento tocando a linha. Isso significa usar a cor desse instrumento e como podemos trazer isso mais à tona? O segundo caminho são dois ou mais instrumentos. Dois ou mais do mesmo instrumento tocando uma linha em uníssono. Então isso seria como ambas as flautas tocando essa mesma linha. Isso muda a cor. É leve, mas afeta um pouco o som. É uma técnica que vale a pena considerar usar nas situações certas. É assim também. Número Três, dois ou mais do mesmo instrumento tocando a linha em oitavas diferentes. Então, seria como se eu tivesse as duas flautas tocando, mas uma flauta em oitava. Isso é um som muito distinto como tocar uma oitava versus tocar um uníssono. Número para dois ou mais instrumentos diferentes, tocando a linha em uníssono. Então é como o que temos aqui. Flauta, oboé. Não vamos o que temos aqui, porque esses não estão dobrando. Isso estaria dobrando se eles estivessem jogando o mesmo material. Opa. Agora, isso é o que temos aqui. O mesmo material em uníssono, dois instrumentos diferentes. Número 52 ou mais instrumentos diferentes tocando a linha em oitavas diferentes. Separamos estes por uma oitava, provavelmente levando a flauta em uma oitava. Então temos esse tipo de Quinto Caso. Número seis, vários instrumentos tocando a linha com os intervalos entre os instrumentos sendo diferentes de uníssono uma oitavas. Em outras palavras, adicionando uma harmonia em outros instrumentos. Então, essas são as seis principais maneiras misturar cores com a orquestra. Então, vamos mergulhar no método um. Agora mesmo. Aqui vamos nós. 15. Método 1: finamente e limpo: Ok, então o que eu quero fazer a seguir é que vamos passar por cada um desses métodos. Então, nosso primeiro método, o método um é apenas um instrumento tocando uma linha. Outra forma de fazer isso. Não vamos escrever apenas linha para um instrumento. Vou fazer todas as quatro linhas, mas cada linha apenas em um instrumento ainda estará funcionando com várias linhas. Mas cada linha está em si só em uma rua. mantém mais interessantes. Basicamente vou fazer a mesma coisa quatro vezes para fazer exemplos mais musicalmente interessantes. Agora você pode estar dizendo a si mesmo, por que vamos começar com um instrumento tocando? Uma linha? Isso parece muito rudimentar e simples. Sim, mas espere, jovem gafanhoto. Passos de bebê que vamos construir a partir daqui. E há muita coisa que podemos tirar apenas olhando para o que vai soar. E se o dermos, dê a linha a apenas uma flauta vez de dar a vários fluidos, problemas diferentes. Então, eu realmente vou passar e fazer isso para todas as famílias diferentes, porque cada uma delas tem suas próprias coisas únicas. Agora há um milhão de coisas para acompanhar aqui. E o que você realmente vai querer fazer é É difícil dizer, mas eu não quero você ouça o que estou dizendo e apenas como memorizar como mil regras para o caminho, se fizermos desta forma, vai soar assim. Se fizermos dessa maneira, vai soar assim. Tente não memorizar todas essas regras. O que você realmente quer ser capaz de fazer é ouvir internamente o que você está escrevendo. Pense se eu colocar essa melodia na flauta, como isso vai soar? Pare, pause, pense. Como se sente com essa melodia na flauta? Pense nisso e diga, bem, isso não funciona, isso funciona. Gosto disso. Agora eu digo que como se fosse a coisa mais fácil do mundo de fazer e não é, é preciso muita prática, mas é aí que eu quero que você me faça dizer todas essas coisas que eu sou meio visualizar enquanto eu estou montando isso é realmente apenas minha maneira de ajudá-lo a chegar a isso. Essas são coisas boas que estou lhe dizendo, mas o que eu realmente quero que você seja capaz de fazer é internalizar e ouvir essas coisas. Ouvir muita música orquestral também ajudará. Vamos mergulhar nas cordas. 16. Cordas: Agora, a coisa a pensar com as cordas é que eu provavelmente deveria fazer como os ventos e o bronze primeiro. Mas aqui estamos nós. Vamos fazer a força. A coisa sobre cordas é que quando damos uma melodia a um instrumento de violência 11, não estamos dando a um instrumento. Estamos dando para dez ou 15 pessoas, dependendo do tamanho da orquestra. Então, temos um som muito único disso, mas vamos fazê-lo. Vamos tomar nossa parte de piano. Vou tomar a primeira parte e colocá-la aqui. Lá vamos nós. Agora vou para Editar e selecionar vozes, passar por vozes a jusante e me livrar delas. Lá vamos nós. Então agora só temos voz uma no primeiro violino. Vou colocar voz no segundo violino. Agora eu tenho voz para violento também. Bem, vamos terminar isso. Vamos colocar a viola, colocar a linha do tenor. Então, no violoncelo, colocará a parte do baixo. Então agora temos as quatro vozes separadas. Então, a primeira coisa que vou procurar é que temos alguma nota fora do alcance? Não pense que sim. Parece que fica bem nas gamas desses instrumentos. Na verdade. Uma coisa é Dórico Quem realmente tem um recurso que as notas vão ficar vermelhas ou verdes ou algo assim. Não me lembro se está fora de alcance para esse instrumento. Então, posso ver rapidamente que não acredito que nada esteja fora do alcance desde que esse recurso seja próprio, o que tenho certeza que é. Vamos dar alguns palpites aqui sobre o que vai acontecer. O que isso vai soar. Isso vai ser um som bem espesso porque é muita gente tocando essas linhas individuais. Então, vamos ver apenas um violino na verdade. Vou para violino solo um. Vamos apenas ouvir violino um aqui. Certo? Agora, já estou irritado com nossas bibliotecas de amostra não serem muito boas. Agora, há muita coisa que poderíamos fazer aqui se quiséssemos tornar isso mais fino. Como você encontrará. Quando fazemos essa técnica de dar uma linha por instrumento, geralmente o resultado é limpo e claro. É um som muito simples, puro e limpo. As cordas lamacentas que carregam um pouco. O que podemos fazer se realmente quiséssemos, poderíamos escrever sozinho aqui. Assista isso também. Isso não vai fazer nada com o midi. Mas se escrevemos solo e colocarmos isso em todos os quatro instrumentos, então o que estamos pedindo é literalmente uma pessoa tocar isso. Podemos dizer que apenas uma pessoa joga essa linha. E então basicamente fizemos um quarteto de cordas dentro da orquestra. Temos para instrumentos solo, você pode fazer isso e vai soar muito diferente do que se fosse a seção inteira. Vai ser mais silencioso, vai ser mais fino, vai ser mais limpo, por assim dizer. Um som muito adorável, na verdade. Agora você tem que ter cuidado com o que faz em torno disso porque é muito mais silencioso, mas pode ser um som realmente ótimo. Vamos ouvi-lo completamente. Com todas as cordas. Aqui vamos nós. Bom. Uma coisa que eu acho que ajudaria é se com essas amostras em particular é se a desacelerássemos. Isso é novamente, uma daquelas coisas em que as amostras não estão fazendo justiça. Isso não é realmente o que vai soar. Há esse impulso definitivamente que lidaremos com a configuração de amostras melhores mais tarde. Agora eu só quero focar em denote. Temos que usar nossa imaginação um pouco. Porque isso é apenas parte da natureza da composição. Eu abrandei um pouco. Vamos ver, vamos ver o que acontece. Talvez um pouco melhor. Se eu realmente quisesse que isso fosse fino e limpo, o que eu faria é escrever sozinho em todas as quatro partes aqui. Acabamos de levá-lo para aquele quarteto de cordas. Vai diluí-lo uma tonelada e fazer um som realmente limpo e intocado. 17. Latão: Ok, vamos tentar no bronze. Então lembre-se de que o que estamos indo aqui é limpo e claro. Vou pegar nossa primeira linha. Nesse caso, nossa primeira linha é nosso som mais alto. Então, vou colocá-lo em uma trombeta. E nossa segunda linha. Bem, vamos dar uma olhada nisso. Isso é relativamente baixo para o teste. Na verdade, esse é um bom alcance para a trompete. Começa aqui no G, desce para um F afiado, essa é a nota mais baixa. O nó mais alto depende desse F natural. E isso é ótimo. É um bom alcance. Com esse alcance, o que significa é que essa trombeta não vai gritar se isso fosse uma oitava maior, bem, se isso fosse uma oitava maior, BTU alta. Mas se isso, se esse aplicativo estivesse em torno de um C ou algo parecido acima do livro, nas linhas contábeis, então ele vai estar gritando. Eles têm que jogar muito alto. Se quisermos limpar e limpar, não queremos isso. Este é um bom alcance para deixar algo limpo e claro. Está bem na zona de conforto deles. Eles não precisam ser cintados. Eles podem mantê-lo agradável e simples. Não precisamos escrever sozinhos sobre isso porque esta é apenas uma pessoa. Não é um conjunto. Agora, se quiséssemos adicionar nossa segunda linha, vamos ver. O que seria bom colocá-lo. Eu não quero colocá-lo em trompete também. Um, porque o que vou tentar fazer aqui é usar apenas um instrumento por voz. Vai ser um pouco complicado, mas vamos colocá-lo no chifre. Tudo bem, isso é legal. Vamos ver o que vai acontecer na buzina. O alcance está bom. Agora você sabe como me sinto sobre chifres, mas esse intervalo na verdade é muito bom para um chifre. Acho que está tudo bem. Sim, acho que isso vai ser muito legal. Vamos para nossa terceira linha. Ok, então isso é como uma linha tenor, estou pensando em trombone. Vamos experimentá-lo em nosso trombone. Agora estamos ficando bem altos aqui para o nosso trombone. Mas não estamos fora de alcance. Vou deixá-lo. Isso não é gritar por trombone, mas não é baixo. Mas lembre-se, trombone não funciona da mesma forma que o trompete como quando um trombone vai para notas muito altas. Eles não, eles realmente podem tocar notas muito altas com algum controle. Eles não precisam gostar, uau, obter essas notas altas, as notas mais baixas no trombone. E eles fazem algumas das notas baixas. E se eles quiserem obter essas notas de pedal baixo que nós olhamos, eles querem pegá-los, eles têm que tirá-las desse jeito. Realmente coloque um pouco de ar atrás deles. Mas a faixa superior do trombone pode ser muito doce. Acho que isso pode funcionar bem. Vamos deixar isso lá e depois vamos tentar nossa linha de base. Na tuba. Isso nada tem um alcance. Essas coisas rápidas podem ser bastante desajeitadas. O trombone ou eu quero dizer, na tuba, meio que depende do nosso ritmo. Eles estão bem. Eles estão totalmente bem em qualquer jogador de tuba dirá, eu posso jogar isso. Eles estão certos. É só para o meu gosto pessoal. Esse tipo de grandes linhas archaea ficam muito vermelhas. Eles tiram da leveza que estamos tentando criar. Vamos deixá-lo. Acho que está tudo bem porque estamos indo em um ritmo bastante lento. Mas tenho dificuldade em obter um verdadeiro som legato de uma tuba. Acho que vou colocar dessa forma. G aqui em baixo vai ser um som muito bom em uma tuba. Este acorde parece muito bom para mim. Temos esse grande terço aqui, g para ser uma oitava no meio. Temos outra oitava do G e então acho que D embaixo disso. Parece que na quadra muito bem empilhada, acho que será um bom som. Vamos ouvi-lo. Aqui vamos nós. O que ouvimos aqui é realmente bem correto. Acho que é disso que ouvimos falar. muito bom, som muito leve, sim, mas trompete claramente dominando. Como podemos lidar com isso? O alcance da trombeta é bom. A trombeta, geralmente vai cortar mais do que tudo o resto. Poderíamos fazer algumas coisas, poderíamos fazer dinâmicas. Vamos ao nosso Dynamics e digamos que a trombeta. Vou dar-lhes piano. Se eu fizer isso, preciso dar dinâmica a todos. Então, digamos mezzo forte para todos os outros. Esta não é uma ótima maneira de lidar com isso, mas pode estar tudo bem. Muitas vezes, quando você tem um pedaço de música projetado para ir juntos, que se misturam. Os condutores realmente gostam que você tenha a mesma dinâmica em todos eles. Então eles os equilibrarão. Nosso caso, o que estamos fazendo aqui é basicamente dizer ao maestro, ei, não deixe essa trompete se destacar demais. Qual condutor assumiria mesmo assim? Mas isso deixará bem claro o que queremos. Vamos ver o que o computador faz com essas informações. Vamos tentar novamente. Eu prefiro isso, exceto por aquela estranha nota de chifre que saltou no final. O que foi isso? Foi como uma amostra estranha. Não há razão para isso estar aqui. Apenas um trompista querendo ser ouvido, eu acho. De qualquer forma. Então isso funcionou definitivamente atenuou a trombeta, talvez um pouco demais. Talvez eu possa ir até um mezzo piano aqui para equilibrar isso um pouco mais. Mas se não quiséssemos fazer dinâmicas, uma coisa que poderíamos fazer é centralizar, poderia considerar um mudo nesta trombeta. Poderíamos fazer algo realmente pateta como fora do palco. Isso é algo que os compositores fizeram um monte onde você pega alguns, geralmente isso é feito no bronze. Você pega alguns jogadores e os coloca literalmente fora do palco como no saguão da sala de concertos. Isso não é um bom uso para isso, mas é algo que você pode fazer. Mas principalmente se eu estivesse dando isso a uma orquestra real, geralmente gosto desse som. O que eu provavelmente faria é que provavelmente escreveria isso da mesma dinâmica que todo o resto. Era assim, e eu deixei o condutor equilibrá-lo. Mas é um bom som. Quando a trombeta está equilibrada, isso é um bom som. uma vez, um instrumento por peça por linha, devo dizer. Muito bom, quase barroco. Bem, quero dizer, está de volta. Lá vai você. Mas Finn e limpo. 18. Ventos: Agora, se você me deu essa música e disse, escreva isso e torne-a tão fina e limpa quanto possível. Meu instinto seria, vou para os ventos. Os ventos estão realmente onde está para finos, limpos e leves. Som arejado, arejado, som como muito ar, faz muito sentido porque os instrumentos de sopro, vamos colocá-lo nos ventos, ver se podemos fazer um bom som leve e arejado. Vou tomar a primeira parte. Vamos colocar isso em nossas coisas mais altas. Provavelmente vai ser a flauta. Vou me livrar desse mezzo forte, só para ver o que tiramos do bastão. Nossa segunda parte, ou parte alta. Eu poderia colocá-lo no oboé. No entanto, os oboés conseguiram isso. É uma palheta dupla. É um som muito brilhante. Não será o som mais suave do mundo. No entanto, eu só tenho quatro instrumentos aqui, então eu meio que tenho que usar o oboé. Tudo bem, vamos usar o oboé. Gostei do oboé, gostei do som do oboé. Mas quando estamos tentando fazer um som muito leve assim, não são minhas partes favoritas de trombone. Vamos para o clarinete. Acho que vai ser capaz , mas lidar com isso em um segundo. Então. Parte do baixo vamos colocar no fagote. Vejamos o que fizemos aqui. Livre-se disso. Na verdade, vamos deixar todos lá. Acho que isso ajuda com as reproduções. Em outro lado, eles também fazem a mesma dinâmica. Ok, então vamos dar uma olhada nas partes do oboé. Alcance wise. Estamos muito baixos. Nada está fora do alcance. Nada é realmente como nesse tipo de área de agachamento de ganso. Isso é um tipo de faixa superior do oboé. Som. Muito bom. Clarinete está bem baixo aqui. Mas não estamos fora do alcance. Eu não acho porque estamos em conta ou arremesso. Fagote. Eu realmente adorei o registro superior ou o fagote combina muito bem com o oboé, mas vamos deixá-lo aqui por enquanto. Estou quase tentado a participar disso, como trocar algumas dessas vozes para que tenhamos uma voz que tenha algumas notas mais altas no fagote. Mas não vamos fazer isso. Vamos mantê-lo simples por enquanto. Estamos ficando mais complicados depois. Então, em suma, o que estou vendo aqui é muito bom. Vamos experimentá-lo. Veja quais são nossas amostras aqui. Pense nisso. Preciso silenciar todos os meus sutiãs. Só estamos ouvindo vitórias. Temos que tentar. É muito bom. Se eu quisesse tornar isso ainda mais leve. Uma coisa que eu poderia considerar fazer é apenas me livrar da parte base. Só fazendo isso. Isso faria com que pareça um pouco mais leve. Esse low-end, está meio que nos incomodando um pouco. Isso aliviaria ainda mais. Eu também poderia levar esse clarinete em uma oitava. Deixe-me apenas experimentá-lo. É um pouco de trapaça, mas quem se importa? Ok, então agora eu tenho essa limpeza que uma oitava. Isso fará do clarinete a voz mais alta. O que é interessante. Certo. Coloquei meu clarinete acima da flauta. Isso é ruim? Não, eles têm cores diferentes. Nós realmente não temos que preocupar com cruzamento de voz e coisas como fizemos em classes de contraponto. Isso é uma coisa diferente. Há razões muito boas para fazer o clarinete acima da flauta. Lembre-se de que a extremidade baixa do fluido será difícil de ouvir. Isso não é tão baixo que não será ouvido em algumas dessas notas baixas são bem baixas. Mas vamos ver o que temos. Sim, tão leve e limpo, essa é provavelmente a melhor maneira de obter aquela luz agradável e som limpo. 19. Percussão: Sou uma espécie de lista de conclusão, então senti a necessidade de incluir percussão aqui. Isso não vai funcionar e percussão. percussão funcionaria para complementar o que estamos fazendo aqui. Mas por si só, há realmente nenhuma percussão que eu queira fazer aqui. Temos muitas notas para usar. Os tímpanos. drone lateral é, é estranho, mas bombo, tarola, pratos. Nenhum deles será particularmente útil para nossos propósitos aqui, eu consideraria usar percussão de malato, talvez xilofone, especialmente xilofone, poderia jogar isso em uma pessoa com formalistas. Talvez dificuldade. Mas o xilofone é um bom instrumento leve e arejado. É um pouco desajeitado. Então isso faz com que pareça menos leve. Mas é, na maioria das vezes, são altas frequências e será, pode funcionar. Não consigo pensar em nenhum outro instrumento de percussão que realmente, mesmo o instrumento de percussão malato que realmente atravessaria esse senso de como fino e limpo que estamos procurando. Talvez como catalase ou algo assim, mas esses são tão brilhantes que eu não gostaria de usá-los. Vale a pena considerar para esse tipo de coisa. Eu não usaria percussão para tentar obter um som leve e fino. Percussão provavelmente. 20. Piano/harp: Tão rapidamente podemos falar sobre piano e harpa. Sabemos como isso é no piano. O que é, vai soar como uma harpa. Deixe-me colocar a coisa toda na harpa. É jogável? Vamos ver. Sim, acho que é. Acho que um harpista pode jogar como está. A harpa é muito corajosa. É quase como uma guitarra dessa maneira. Como a guitarra clássica dessa maneira. Não será boa maneira de obter esse som leve e arejado. Hum, eu poderia usar se quisesse usar duro, eu poderia usá-lo para complementar os ventos. Na verdade, vamos fazer isso. Vamos, vamos, deixe-me mostrar como faço isso. Esse tipo de sai um pouco do nosso método. Então, considere isso como um desvio. O que eu poderia fazer aqui é que vamos olhar para esse acorde. O que temos aqui? G, D, G, B. Ok, então temos um acorde G maior. Então, vou para o coração. E vou fazer algo assim. Vamos g, g, g, e depois vamos algo assim. Basta fazer um bom cordão grande. Eles estão apenas pensando nisso. Vamos fazer isso aqui também. E há outro GK. Então, vamos fazer o mesmo acorde. O que estou fazendo aqui é apenas dizer que um harpista para arpejar alguns desses downbeats, eu deveria ter essa harmonia. Essa é a mesma harmonia. Certo, legal. Vamos fazer mais um. Vamos ter um código diferente aqui? Você tem um CFC, então temos um acorde F maior. Um pouco legal. Vai ser um som meio estranho. F. Claro, eu poderia continuar, mas basicamente escreveria assim. Em seguida, vamos selecioná-los e dizer-lhes para rolar. Esse é o símbolo para o nosso arpejo ou simplesmente tipo de rolar uma grande linha ondulada antes dele. Vou jogar isso e os ventos. Vamos ver o que temos aqui. Ok, isso é meio legal. Eu poderia até me livrar dessa coisa baixa, na verdade, se eu realmente quiser obter esse som leve, basta dar-lhes algumas notas altas para arpejar. Seria uma boa coisa leve. Harp pode realmente elogiar aqui. Mas dar isso, qualquer uma dessas linhas para a harpa como sua própria coisa, para criar esse tipo de som leve, fino e limpo. Não vai funcionar muito bem. Mas, para complementar, pode ser muito bom. 21. Método 2: aquecimento e vigia: Ok, os 22 ou mais do mesmo instrumento, dobrando a linha no uníssono, conhecem oitavas. O que vamos tirar disso talvez seja diferente do que você pensa. Vamos ter um pouco mais de calor por ter dois instrumentos lá. E que você pode pensar nisso da mesma forma que nos aquecemos das cordas. Então pense quando a corda, quando houver um violino solo tocando. Então, se você, a diferença entre isso e toda a seção de violência, como muitos deles jogando a mesma coisa. É um som muito, muito mais quente que o calor vem das imperfeições de todos. A entonação de todos é um pouco diferente, como se todos pudessem estar em sintonia, mas ainda assim fazem esse calor porque todos são um pouco diferentes de todos os outros. Isso faz calor. Se você é um guitarrista, é como um pedal de coro. A grande coisa que vamos conseguir dobrando os mesmos instrumentos no uníssono é um pouco mais de calor. Agora o que vamos perder é que vamos conseguir um pouco mais do que eu chamo de vacilar, só porque eu gostei de calor e vacilar. Mas vacilar não é uma palavra perfeita aqui. Estou tentando encontrar o oposto da precisão. É como imprecisão, eu acho. Pense em coisas como as articulações. Se você quiser que a nota seja assim. Para ser muito curto e preciso, você tem duas pessoas fazendo exatamente a mesma coisa. Pode ser um cabelo fora, e isso pode causar um pouco de imprecisão nele. Também entonação, se você tem duas flautas tocando exatamente a mesma coisa e eles estão apenas segurando uma nota sem vibrato. Isso é um pouco perigoso porque eles podem estar um pouco desligados e isso pode parecer pouco bom. Se eles estiverem perfeitamente sintonizados pelo ouvido humano, então você terá esse calor. Mas se eles estão um pouco fora de sintonia, você só vai soar fora de sintonia. Então, há um pouco mais de perigo lá. Agora, uma coisa que vale a pena notar é que há outro motivo para dobrar assim. O motivo é a segurança. Como se você está trabalhando com um grupo não muito bom ou talvez com um grupo de ensino médio, ensino médio, algo assim. Então você pode dobrar por segurança. Por exemplo, podemos dizer, vamos colocar a linha em dois fluidos quando eu realmente quero apenas em uma flauta, talvez apenas usando a gripe como exemplo. Mas talvez não tenhamos que colocá-lo em ambos os fluidos só porque é uma linha meio complicada e pode não ser jogada muito bem por um ou outro. Você obtém um tipo de segurança adicional adicionando-a. Dando a ele duas pessoas contra uma. Basicamente, não é um ótimo motivo de orquestração para pensar assim. Mas se a sua preocupação é que a linha não vai ser jogada, então dar a pessoas do grupo amador pode ajudar. Isso pode ajudar a garantir que ele seja jogado. A grande coisa que vamos tirar desse método é calor. Mas com o sacrifício de menos precisão. 22. Ventos: Certo, vamos ver os ventos primeiro desta vez. Isso vai ser um efeito que não é muito bom para o computador ter descoberto. Deixe-me dizer isso de novo de uma maneira menos estranha. A reprodução de amostra não mostrará isso com precisão. E vou explicar o porquê em um segundo. Ok, então vou dar a nossa linha superior para ajustar aos dois fluidos. Uníssono, flauta um voou para o uníssono perfeito. Agora, o que vamos ouvir aqui? No mundo real? O que eu acho que vamos ouvir é um pouco mais de calor. Porque os dois deles, essas pequenas imperfeições que podem ser boas aqui talvez não estejamos realmente jogando essas fermatas, mas essas fermatas com aquelas coisas prolongadas há muito tempo em perfeito uníssono pode ser um pouco perigoso porque eles podem sair de sintonia um pouco. Mas em um grupo profissional, na verdade. No entanto, o que eu acho que vamos ouvir quando eu bater em brincar com apenas essas duas linhas, é essencialmente uma, flauta mais alta. Acho que porque as pequenas imperfeições que esperamos que um humano faça, o computador não vai fazer. Vai ser exatamente o mesmo. Vamos realmente ouvir um solo e seguida, ambos juntos e ver se conseguimos ouvir alguma diferença. Agora, há uma maneira de trazer essas imperfeições. Poderíamos D2, N1, comprar apenas alguns centavos. Poderíamos fazer algo assim, mas não é. Vamos salvar isso para coisas de ração de síntese. Silencie o piano. E vou silenciar a flauta, estojo T2. Só vamos ouvir flauta um aqui. Tudo bem, então vamos ouvi-lo. Agora. Vamos fazer isso com ambos os fluidos. Aqui vamos nós. Sim, soa o mesmo, exceto um cabelo mais alto. Mas ouça este F afiado aqui. Basta focar seu ouvido naquele F-afiado quando chegarmos a ele mais uma vez com ambos os fluidos. Vibrato, vibrato naquele F afiado. Isso é o que um flauta normal faria. Vibrato é algo que realmente contribui para esse calor, porque não estamos realmente dizendo que velocidade você faz que pela Bravo em diferentes jogadores vai fazer vibrato a velocidades diferentes ligeiramente. Isso vai engrossar o som e criar esse tipo de calor. Nesse caso, a reprodução do computador não é precisa para o que ouviríamos no mundo real. Seria um pouco mais quente se estivéssemos fazendo isso. O mesmo acontece, vai ser verdade em todos esses. Eu poderia colocar a segunda parte, a parte alta deste curral nos clarinetes para partir. Terceiro, o oboé 22 separado, e quarta parte no fagote a dois separados. E novamente, vamos ouvi-lo como se estivesse 12 separados, mas mais alto, porque é assim que o computador funciona. Então, vamos pensar sobre isso um pouco mais com cuidado. Se colocarmos a parte externa nos clarinetes, deixe-me fazê-lo para que possamos realmente ver o que estamos fazendo aqui. Agora temos o clarinete desempenhando a segunda parte com 22 separados. Então, vamos ignorar os fluidos por um minuto e apenas olhar para os clarinetes. Nos clarinetes, a mesma coisa que vamos ouvir. Vai ser um pouco mais quente porque estamos dobrados. Algumas dessas articulações podem não aterrar perfeitamente, mas não é como se fossem articulações complicadas, então, uh, provavelmente fique bem. Você não vai ouvir como ataques de notas por todo o lado. Se tivéssemos uma passagem rítmica mais complicada, isso me deixaria um pouco mais nervoso. Mas como isso é ritmicamente bem simples, as articulações provavelmente estão bem. Mais uma vez, vibrato nessas notas mantidas adicionará um pouco de calor. O que acontece com isso combinado com os fluidos? Vai ser um pouco mais quente. Som. Será um cabelo mais alto, mas não realmente. O aumento no volume de fazer isso é leve. Ter dois instrumentos dobrou a mesma coisa. Não faz com que seja duas vezes mais alto. Porque se dissemos algo assim, dissemos: Ok, eu quero que você toque este mezzo piano. Eu quero que você toque este mezzo piano. Temos duas pessoas tocando mezzo piano. Eles têm ouvidos e provavelmente vão garantir que seu som resultante seja sobre mezzo piano. Eles podem até tocar um cabelo mais silencioso só para se certificar de que os dois soam juntos. Um mezzo piano. Eles vão se equilibrar. Há também como uma coisa fisiológica com som, onde como dobrar o som realmente como se você tiver dois alto-falantes e depois adicionar mais dois alto-falantes, e agora você tem quatro alto-falantes. Eles não são apenas duas vezes mais altos automaticamente. Há uma coisa de física sonora acontecendo. De qualquer forma. Isso o tornará mais alto, um pouco, mas não o dobro. Dependendo significa que não é realmente uma coisa de volume aqui. Menos clareza, mais calor. 23. Latão: Certo, vamos para o fôlego. Vamos pegar esta primeira linha. Aqui. Vou silenciar minhas flautas, clarinetes. Certo, vamos dizer, e se dermos a primeira linha aos chifres? Opa, preciso de toda a linha. Vamos dar aos chifres. Primogênito. Vamos dar para o segundo. Agora, qual é o nosso resultado aqui será o mesmo tipo de negócio. Vai ser um pouco de calor. As articulações são um pouco mais quentes. As articulações serão menos precisas. A buzina não tem uma tonelada de vibrato, então não adicionará uma quantidade excessiva de vibrato. Vamos dar uma olhada no resto deles. Quero dizer, eu poderia fazer o que vai acontecer se eu fizer isso. Tenho para todos os quatro chifres tocando a mesma linha. Isso agora vai entrar no reino de adicionar volume significativo para as pessoas é diferente de uma pessoa. Isso adicionará um pouco de volume. Também adicionará calor, mas estamos meio que circulando de volta no calor aqui. Porque isso é um pouco confuso. Mas vamos pensar nisso assim. Se você tem um instrumento e ele tem que tocar o ritmo. Muito apertado e preciso. Se você pedir a um jogador para jogar isso, vai soar bem. Vamos supor jogadores profissionais. Vai soar ótimo. Eles vão jogar assim. Se você pedir duas pessoas para tocar isso em qualquer instrumento, vai soar potencialmente menos bom. Porque é muito complicado para isso, duas pessoas alinharem isso perfeitamente. Então, vai soar menos bom. Então você vai ter um som mais quente das notas mais longas. Se você tiver três pessoas, vai soar ainda menos bom. Vai ser como de bom, quero dizer preciso. Vai ser ainda menos preciso. Mas você vai ter um som quente daqueles ossos longos. Se você tivesse quatro pessoas, vai soar ainda menos preciso, vai ser como escuro, escuro, escuro, certo? Provavelmente. Mas agora você adicionou quatro pessoas e esse som que você vai obter será menos preciso. Mas vai ser isso é que estamos prontos para dizer isso, mas vai ser tão preciso que vai ser meio bom Novamente, como se o som não fosse um som preciso, mas será um som preciso. É como se eu borrar as linhas em alguma coisa, eu faço algo novo, quase. Pode ser um bom som. Para fazer isso. É como duas coisas. Pode soar desleixado, mas coisas como bem-vindas tipo de desleixo, é estranho. Mas isso será um som bastante quente. Vai ser alto e ter esse tipo diferente de precisão que eu estava falando. O mesmo acontece em todos os instrumentos. Trombetas aqui. O mesmo. Trombone, tuba, tuba. Vamos supor que tivemos duas tubas. Eu realmente não os dobraria no uníssono em nenhum caso lógico, principalmente porque eles são difíceis de obter esses ritmos precisos. Então, se você vai dar a eles ritmos precisos, realmente quer que eles fiquem sozinhos para que não fiquem ainda mais desajeitados do que a tuba já pode ser. Às vezes. Tenho certeza que vou receber muito ódio de jogadores de tuba, os comentários sobre isso, mas nem sequer digo o que os jogadores de trompa fazem comigo. 24. Cordas: Vamos falar sobre as cordas. As cordas são meio complicadas porque se quiséssemos dizer solo, ou se tentássemos dobrar algo no uníssono, já estamos dobrando em uníssono com cordas, porque cordas significa 1020 pessoas. Se eu der a um violento, deixe-me levar meu violino ou minha primeira voz aqui. Se eu der para violino assim, já há 215 pessoas tocando e isso acrescenta esse calor a ele. Não precisa ser assim. Eu poderia torná-lo um solo. Solo significaria que o calor desapareceria, mas você teria mais intimidade com isso. Veja se você pode imaginar isso por um segundo. Imagine que violino solo tocando esta linha está tocando, Mary Had a Little Lamb ou onde quer que você possa fazer. Imagine isso. Agora imagine o som de toda uma seção de violência tocando essa música. Eles são muito diferentes. Esse é o tipo de calor que estamos falando aqui. Estão todos jogando em uníssono. Provavelmente pelo que você imagina. Mas eu poderia fazer isso. Eu poderia adicionar violento e violento a tocar a mesma coisa. Agora eu tenho uma tonelada de pessoas jogando linha uníssono. Isso é meio interessante, mas não vai adicionar muito mais calor. Não há uma ótima razão para fazer isso além do volume, isso adicionará algum volume. Se nada mais, então é um símbolo para o condutor. O condutor pode ver isso e dizer, você quer que essa linha realmente saia e eles tentarão impulsioná-la e adicionar volume a ela. Deixe que seja mais alto do que todo o resto. Acho que devo dizer. Isso vai ser significativamente alto. Já vai ficar quente porque está sendo jogado por uma seção. Portanto, não é realmente que as articulações já sejam menos específicas porque foram tocadas por uma seção. Então você não está ganhando muito fazendo isso. Havia eu vou te dizer isso, havia uma razão para fazermos isso. E às vezes você pode ver coisas escritas dessa maneira em pontuações mais antigas. Século XIX eu acho que foi o auge disso. Não era para o volume e não era para madeira, não era por clareza foi por uma razão totalmente diferente que não temos mais. A razão foi e Tiffany Hall, que é uma maneira extravagante de dizer panorâmica. Em outras palavras, no século XIX e um pouco antes, acho que costumávamos montar a orquestra um pouco diferente, onde um violino estaria de um lado e dois violentos estariam do outro lado. Se pudéssemos fazer esse tipo de coisa em que eles foram dobrados, basicamente teríamos o som dos primeiros violinos ou toda a violência em estéreo. Se você tivesse apenas a primeira violência, seria do lado esquerdo, apenas o segundo seria do lado direito ou vice-versa. Eu não sei. Os compositores vão brincar muito com isso. Nós não configuramos mais as cordas assim . É meio violento. Um está ligado, se você estiver olhando para o palco à esquerda, então ele sangra em dois violentos. Em seguida, as violas e os rasos. Na maioria das vezes, às vezes ainda fazemos assim, mas não com muita frequência. Você vê isso muito em pontuações mais antigas por esse motivo. Mas nas pontuações modernas é realmente, eu acho que apenas uma coisa de volume. Acho que é apenas uma maneira de adicionar volume. 25. Ensemble combinado: Vamos colocar isso em prática um pouco. Vou manter o piano silenciado e vou deixar um violento como tendo apenas essa linha, que para mim é meio dobrada no uníssono porque é a seção. Mas vou tentar fazer uma orquestração real de adesivos aqui. Vamos pegar nossa segunda linha, que é esta dobrando os clarinetes. Eu prefiro gostei disso. Então, vamos pensar sobre isso. Vamos nos livrar de todos esses chifres. Boa viagem. O que temos aqui, ignorando o piano, temos os violinos tocando esta voz superior. Isso vai ser bastante pronunciado e muito quente. Então vamos ter a segunda parte, a segunda voz tocada pelos clarinetes. E vou colocar dois clarinetes em uníssono, o que significa que vai ter um pouco mais de calor nisso. Acho que isso vai se misturar muito bem com a violência por criar um som caloroso. Isso é o que vou tentar fazer aqui. Som quente. Agora vamos ver o que mais podemos fazer. O que devemos fazer com a terceira parte? Eu poderia usar fagotes, oboés e fluidos. Vou tentar criar um som mais quente que posso. Vou deixar fluidos e oboé, só porque eles são um pouco altos, eles são muito brilhantes. Fagotes também porque são juncos duplos. Deixe-me pegar minha terceira voz. Kat tentou ir chifres. Sim, vamos chifres. Ok, então vou chifres, mas vou pegar apenas minha terceira voz. Há a terceira voz e os chifres. E novamente, dobraremos o uníssono dobrando para nos aquecermos um pouco. Isso é bom e baixo. Eles têm algumas dessas pequenas coisas rápidas aqui. Pequenas coisas rítmicas rápidas. Vamos deixá-los. Vai ficar tudo bem. O que podemos fazer com a nossa parte do baixo? Nossa coisa de voz mais baixa? Para fazer com que seja agradável e caloroso. Tuba por si só pode estar quente. Opa. Vamos tentar isso. Isso está um pouco quebrando nosso padrão, mas estou pensando que, vamos fazer tuba, dobrado no uníssono com o trombone baixo. Sobre isso. Acho que isso pode criar um bom calor, bom som quente. É quase uma duplicação do mesmo instrumento. Eles estão no mesmo alcance. Mas acho que gosto disso. Certo, legal. Eu usei algumas dessas duplas para fazer o máximo de calor. Acho que para este pequeno coral de Bach, vou dessilenciar tudo, exceto o piano. Vamos ouvi-lo. Vamos ver o que fizemos. Agora, lembre-se, não estamos realmente ouvindo essas duplicações porque é um computador, mas meio OK, o computador não se equilibrou muito bem. Isso nos deu muita tuba. Vamos nos livrar da tuba e apenas ir com o trombone baixo. Sei que deveria estar dobrando coisas, mas acho que foi um som melhor. Vamos também ter algumas dinâmicas aqui. Então, vamos com um clarinetes mezzo-forte, só para que tenhamos certeza de que ele está tocando tudo no mesmo volume. Definitivamente não era mezzo piano e as cordas que eu não marquei gostaram de onde as cordas estavam, mas agora tudo é mais assim. Mezzo forte. Então, vamos ouvi-lo agora. Muito bom. Não sei por que minha cabeça de jogo congelou aqui, mas sim legal. Som, muito quente. Uma dessas notas de trompa saiu e me fez pensar que trombetas silenciadas, como trompete 12 em uníssono com um mudo direto, seriam realmente um som muito bom para misturar com o que temos aqui. Acho que isso funcionaria muito bem. Mas legal. Não sei se é útil, mas vou te dar esse arquivo para brincar no final desta seção também. 26. Piano/harpa/percussão: Certo, rápido, percussão, harpa, piano. Este modelo incluía baixo, guitarra, que não é inédito. Isso é o que pode acontecer. Mas não vou usá-lo. Duplas aqui. Podemos ter dois pianos e uma orquestra. Não é inédito. Você não pode ter duas harpas. Em uma grande orquestra. Às vezes você encontrará duas harpas. Grande parte do tempo. Isso é um efeito de volume ou uma maneira de contornar algumas das afinações complicadas do coração. Mas você não vai ter um som mais quente dobrando-os. Em sua maioria, será para o volume em todas essas precauções. Dobrando a percussão com o mesmo instrumento de percussão, como se eu tivesse uma parte de laço, tendo que encaixar partes, que eu consideraria extremamente raras e bastante inúteis. Não consigo pensar em uma única peça de orquestra que encontrei onde dois percussionistas foram convidados a fazer a mesma coisa, os mesmos instrumentos. Eu realmente não consigo pensar em nenhum lugar que isso já tenha acontecido. Então você normalmente não faria isso? Sim. Acho que isso é tudo o que eu tinha a dizer sobre harpa e piano e percussão nessa técnica específica. 27. Método 3: poder e de formato: Na terceira coisa, a terceira técnica. Isso está dobrando em uma oitava. Mesmos instrumentos dobrando em uma oitava, como duas trombetas em uma oitava em vez de um novo usuário. Isso tem características diferentes e um som diferente. Isso geralmente cria um som mais poderoso. Ele meio que corta muito melhor do que dobrá-lo em uníssono. E os problemas de entonação que podem acontecer ao dobrar em um uníssono geralmente não são tão grandes. Eles podem ser se houver muito ruim, mas mais ou menos, eles vão ser muito melhores. Dobrando em uma oitava. Não somos tão sensíveis a problemas de inclinação muito leves. Ele também lhe dá um som muito mais tipo de Oregon. Se você fizer isso muito, você pode ter essa sensação de como um Oregon, como um grande órgão da igreja. Não sei se os órgãos estão sempre em oitavas. Acho que é apenas a série de overtone que recebemos desses grandes órgãos da igreja. Muitos deles sentem como se estivessem em oitavas. Então, quando dobramos as coisas na oitava, você pode obter esse tipo de som do Oregon . Mas isso não é ruim. Na verdade, é muito legal. Com isso. Pensamos, com essa técnica, pensamos em um pouco mais de poder na linha se realmente quiséssemos cortar, essa é uma boa técnica a fazer. Também pensamos no Oregon como uma última coisa que vou apontar antes de mergulharmos nisso é que achamos que isso geralmente é o mais eficaz e você não precisa fazer isso dessa maneira, mas tende para ser o mais eficaz quando dobramos. Isso significa que se você tem duas linhas, então você quer a linha inferior. Você quer adicionar uma oitava para baixo. E a linha superior você adicionaria uma oitava. Então eles estão se dobrando assim para torná-los mais grossos. Se você pegar uma linha superior e dobrar a oitava adicionando uma inferior, ela não é tão poderosa quanto dobrá-la para fora. Agora você tem quatro linhas. Você provavelmente não dobraria todos os quatro na oitava. Só o dobro do topo. Porque você queria realmente cortar um pouco mais. Todas as quatro linhas seriam uma espécie de bagunça. Mas o de cima, talvez até o de baixo. Se você realmente quer trazer esse tipo de som do Oregon, talvez eu tenha ênfase na linha de base interessante ser uma linha de base importante. Você poderia fazer isso também, ou uma voz interior. Mas você não faria isso com todos eles. Normalmente, você só faria isso com uma, talvez duas linhas. Em paz. Vamos tentar. Vamos aos ventos primeiro. 28. Ventos: Certo, vamos tentar isso em nosso clarinete. Tenho nossa primeira voz aqui. Parece muito bom. Vamos colocar nossa primeira voz novamente no outro clarinete. Livre-se desse texto se precisar dele. Ok, então esta é a nossa voz superior. Estamos pensando em dobrar para fora. Então isso significa que eu quero pegar este e movê-lo para cima uma oitava. Vamos fazer isso. Isso parece agora que faz essa parte aqui gritar, ainda dentro do alcance. Para o clarinete. Está tudo bem. Mas isso é 40 alto ou não alto? É bem alto. Mas acho que está tudo bem. Clarinete é uma dessas coisas, é um dos instrumentos que pode ser bem controlado. É faixa superior. Acho que isso será um som único. Bom som. Agora, o que a reprodução vai fazer? Porque novamente, assim como o uníssono, acho que ele vai reproduzir com um pouco do Oregon como qualidade. Acho que vai cortar um pouco mais. Não vamos realmente ouvir todos os efeitos da oitava. Como faríamos se fosse jogado por humanos. Porque queremos que estes sejam apenas um cabelo fora de sintonia para realmente obter esse som. Mas vamos ouvi-lo. Deixe-me silenciar o piano. Isso está aqui. O que o computador faz com isso. Você não pode realmente ouvir que o Oregon gosta de qualidade. Se você sabe, se você ouviu muita música de órgão, você sabe, os tubos superiores de um Oregon, eles realmente soam assim. Isso é muito órgão como eu acho que se fizéssemos outras coisas como vamos fazer isso. Deixe-me apenas, vou pegar as duas melhores vozes e colocá-las no violino. A violência será dividida. E as próximas duas vozes e coloque-as na viola. Não sei, o que quer que seja. Claro. Certo. Então agora vamos ouvir pontos fortes. Isso é tudo o que eu queria fazer. Não quero me estressar sobre o quão estranho isso é. O que estou fazendo em cordas. Vamos lidar com as cordas em um minuto. Eu só quero ter cordas tocando para que possamos ouvir como os clarinetes cortam porque estão naquela oitava. Vamos ouvir isso. Provavelmente, ouvimos principalmente essa voz superior. Mas acho que esse fundo, o segundo clarinete na voz inferior, acho que estava aqui e isso era audível. Estava sendo misturado com as cordas um pouco porque estava no mesmo intervalo. Mas estava realmente apoiando o clarinete e fez com que ele se destacasse um pouco mais. E isso nos deu um som semelhante ao Oregon. Isso funciona em praticamente todos os instrumentos. Os ventos. Sim, nada se destaca como algo que não funcionaria. Você só precisa tomar cuidado com o alcance porque você está movendo as coisas para cima por uma oitava, geralmente nos ventos. Se você realmente quer que uma melodia seja cortada quando os ventos, esta é uma boa técnica para fazê-lo. 29. Latão: Certo, vamos fazer a mesma coisa no bronze. Onde queremos fazer isso? Chifres, trombetas, trombone, baixo, trombone, tuba. Vamos lembrar disso, esse tipo de dobrar fora com a oitava. Então, se fizermos isso com, bem, só fomos até ele, então não podemos realmente fazer isso. Então, seria trombones. Poderíamos fazer uma voz interior, mas baixo e descer. Isso vai torná-lo um pouco enlameado. Vou manter as cordas aqui para que ainda ouçamos isso. Vamos tentar com isso, vamos tentar com trombetas. Deixe-me ficar em espera. Agora isso vai ficar gritando. Vamos ver o que podemos fazer aqui. Talvez precisemos fazer um pouco de movimentação das coisas. Vamos nos livrar disso. Vejamos nossa trombeta em uma parte. Já estamos no topo da nossa gama aqui. Isso é super alto. D, Uau, isso é como um streamer. E então até este F, olha, clico nele e não ouço nada. Isso significa que nossa amostra nem tem uma amostra dessa alta. Sim, nós tocamos em D. Isso está realmente fora de alcance. Mesmo se tivéssemos um jogador que pudesse obter essas notas, o que é possível. Teoricamente, eles terão que rastreá-los. Eles vão ter que tocá-los tão alto que não vai funcionar. O que podemos fazer? Bem, podemos enganar nosso caminho através disso um pouco. E você conhece esse termo trapaceando nosso caminho? Isso é como um ator. Se um ator está no palco conversando com outro ator e eles são como falar cara a cara e o público aqui, e eles estão falando. Eles têm esse termo que diz como, eu quero que você trapaceie isso um pouco, o que significa que eu não vou encarar diretamente esse ator porque, em seguida, meus ombros para o público. Então o que vou fazer é falar com esse ator que está aqui falando aqui. Dessa forma. Não falando diretamente com aquele ator, mas o público realmente não percebe isso porque estou meio que me esgueirando para o público um pouco. Chama-se trapaça. Gosto muito de usar esse termo. Em termos de orquestração. Podemos fazer algo um pouco sorrateiro. Aqui. O que eu poderia fazer, há duas coisas que eu poderia fazer. Uma é que eu poderia dobrar. Então, em outras palavras, pegue isso, vamos tentar isso primeiro. Posso pegar este, colocá-lo na minha primeira trombeta. Então eu posso pegar este e movê-lo para baixo. Isso não é exatamente trapaça. Vamos ver. Estamos ao alcance. Estamos ao alcance, mas eu não adoro porque é tão flácido lá embaixo. A extremidade baixa da trompete não é minha coisa favorita. Vou fazer algo diferente. Vamos voltar para onde estávamos com isso alto. Vou deixar isso ficar bem alto, mas vou me esgueirar aqui. Vamos até esse final G de uma frase. Vou considerar que isso seja todo o caminho. Vamos tentar ouvir tanto disso. Vou derrubar uma oitava. Então, se eu ainda quiser ser dobrado, vou até aqui e derrubar isso uma oitava. Então vamos tirar essas duas anotações também, tentando encontrar uma maneira suave de voltar lá. Para recuperar essa oitava. Ainda vai ter uma oitava separada. Mas vou dar o salto de linha. Agora, minha linha não é muito brusca. Há um grande salto ali. E depois voltamos para cima. Houve um grande salto lá. Então estamos recebendo notas altas rurais, mas acho que isso pode funcionar. Então, estou começando um final. Com a oitava acima e na parte intermediária do meio, estou em uma oitava abaixo. É assim que eu tenho que fazer isso para fazer isso ficar ao alcance sem ser ridículo. Vamos tentar e ouviremos as cordas também. Nada mal. Acho que o que eu faria se fosse realmente minha peça, eu provavelmente não faria isso. Eu perceberia isso porque isso vai me colocar em um ponto apertado em um intervalo. Eu só não dobraria as trombetas e nesta linha. A menos que eu pudesse viver com a duplicação, adicionando uma oitava por baixo. Sabe, o que funcionaria? Deixe-me mostrar-lhe. Vou sair do roteiro aqui. Porque sempre sou tão roteirizado como você sabe. Você pode nos levar de volta uma oitava para onde ela estava originalmente? Vou levar isso de volta em oitava. Sim. Ok, então agora estamos de volta ao original. Aqui está o que eu poderia fazer. Vamos pegar este, nosso top, para baixo uma oitava. Vamos dobrar abaixo. Vou levar este agora em uma oitava. Estamos dobrando abaixo. Isso pode ou não funcionar porque lembre-se, preferimos dobrar para fora assim. E isso é justo, esta é a primeira voz, é a voz superior. Portanto, não é ideal, mas ainda pode funcionar. A maior coisa que eu não gosto nisso, porém, é que ele coloca trompete, neste alcance realmente baixo, que é para a trompete, não um grande alcance suportado. É realmente meio flácido. Para mim. Não há muita estabilidade neste intervalo muito baixo nessas notas realmente baixas. Para contrariar isso, vou dobrá-lo sobre o uníssono. Temos três trombetas não, para apoiar essa parte baixa. Isso vai dar um pouco mais de estabilidade e um pouco mais de espessura por causa daquela coisa de intuição que falamos na última técnica. E então, na primeira trombeta, seremos uma oitava mais alta. Acho que isso vai me dar o som que eu quero. Vamos dar uma chance. Certo, interessante um pouco. Acho que com jogadores humanos reais, isso seria um som que eu gostaria. Mas eu não adoro o modo como o computador está jogando agora é um pouco flácido demais, como eu disse. Mas acho que se realmente ouvimos a largura que vem com essa duplicação, teríamos algo interessante, uma técnica difícil de fazer no bronze apenas por causa dos intervalos. 30. Cordas: Certo, vamos para as cordas. Agora, o que fizemos muito nas cordas até agora é apenas falar sobre como isso é. As cordas já estão dobradas porque há muitas delas jogando de uma só vez. E, portanto, muitas das técnicas que analisamos até agora, maioria das técnicas e as outras duas técnicas que analisamos até agora, não particularmente eficazes ou tipo de já incorporadas nas Strings. Este, não tanto, no entanto. Este com quem você pode se divertir muito nas cordas. Então, vou pegar minha primeira linha de novo. Coloque-o em um violento. Vamos colocá-lo também em violento também. Então, vamos dobrar a oitava. Então, vamos pegar violino um e subir. E posso dizer que o alcance vai ficar bem aqui. Sim, isso fica bem alto para o violino, definitivamente não fora de seu alcance. Isso vai cortar um pouco mais. Vamos, vamos ouvir isso por si só e depois adicionaremos o resto das cordas. Então, aqui está o que ele é dobrado. A violência. Ainda tenho uma trombeta entrando lá. Sim. Eu estava tipo, uau, há muita trombeta que ele Nicea em dobrar por oitavas e outros trompete tocando. Certo, mais uma vez. Certo, muito legal. Vamos adicionar o resto de nossas partes e vamos realmente tentar preencher isso com os violinos dobrados na oitava. Então, vamos para isso. Parece melhor. Vamos ouvi-lo agora só para lembrá-lo do que temos. Temos nossa primeira parte no violino, uma até uma oitava. Temos nossa segunda parte em violento ao arremesso. Então, isso está fazendo um arrependimento, temos nossa primeira parte também violenta ao arremesso. Isso é fazer o violino 12, ambos tocando a primeira parte, mas em oitavas que devem fazer essa primeira parte realmente cortar o resto das cordas. A parte da viola está desempenhando nossa parte alto. O violoncelo está planejando nossa parte tenor, e a base está planejando nossa parte do baixo. Bem, vamos ouvi-lo. Em seguida. Parecia que havia esse órgão como qualidade no topo dele. Também perdemos algum volume nas vozes internas. Nossa base realmente cortou por algum motivo. Não sei por que nossa biblioteca de amostras estava fazendo isso. Tínhamos tanto poder entre a violência e a base. A viola e o violoncelo foram um pouco enterrados. Gostaríamos de pensar sobre isso. Outra maneira de fazer a mesma coisa é realmente mudar tudo para cima. Então coloque a parte do baixo no violoncelo. Coloque a parte do violoncelo e a viola, coloque a parte da viola no violino dois e, em seguida, divida uma violenta. Você pode facilmente dizer a metade de uma seção para reproduzi-la uma oitava mais alta e a outra metade da seção reproduzi-la uma oitava mais baixa. Então você poderia dividir o violino, um que você está recebendo a oitava lá dentro, apenas em um violento. Você faria isso escrevendo DVC ou apenas DIV, isso significa dividir. E então você pode escrever duas linhas. Hum, você terá que dividi-los em duas partes ou duas varas quando fizer partes, isso é um problema separado. Se você está lidando com humanos. Mas se você está apenas lidando com a coisa eletrônica, que a palavra é DVC, significa dividir. Ou se você quiser ser chique, você pode fazer div com um sotaque nele também. Isso significa dividir em dois. Você também pode fazer div off para onde você diz dividir em 44 grupos dentro do violento. Eu fiz uma peça antes onde eu fiz div O3. E você pode fazer isso totalmente, mas isso cria um monte de confusão. Porque lembre-se de como suportes e mesas estão configurados com violino, há duas pessoas para resistir. Se você está fazendo divisões de números ímpares, eles podem facilmente dizer: Ok, vocês fazem, fazem o topo, vamos fazer o fundo, você faz o topo, vamos fazer o fundo. Se você fizer em três, você tem que fazer vocês e metade do meu stand fazer a metade superior de mim e fica complicado. Tente usar números pares para DVC. Certo, vamos seguir em frente. 31. Ensemble combinado: Certo, vamos fazer uma coisa de conjunto combinado. Que tal, vamos deixar nossas cordas podem ser dobradas lá em cima. Então vamos pegar nossas partes graves. Vamos tirá-lo da base, o baixo de corda. Vamos ver se podemos dobrá-lo. Ou trombone e trombone baixo. Lembra disso? Trombone e trombone baixo são muito, muito semelhantes. Isso é como dobrá-lo do mesmo instrumento. O que eu preciso fazer. Eu já derrubei isso uma oitava. Certo, então lembre-se que na parte do baixo que acabei de apagar o vídeo anterior, eu deixei cair uma oitava. Já estamos em uma oitava. Então eu vou tomar nossa parte mais alta, movê-la para cima uma oitava. Aqui vamos nós. Então agora temos essa parte inferior, dobrada em uma oitava nos trombones. Isso é legal. E nossa parte superior. Então, vamos colocar nosso campo, ou são voz alta. Vamos colocá-lo em um clarinete. Na verdade. Acho que isso pode ser legal. Porque isto é, eu tenho, tenho as cordas dobrando a voz soprano. Tenho o trombone dobrando a voz do baixo. Ambos em oitavas. Vou dobrar o clarinete, a voz alta, mas vai dobrá-lo em uníssono. Só para dar um pouco mais de poder. Mas não, não o corte porque queremos que seja como uma linha secundária. Essa era a voz alta. Ainda não fiz nada com a voz tenor. Bom. Vamos colocar a voz do tenor nos fóruns, talvez. Trompete, trombone. Vamos colocá-lo nos chifres. Novamente, dobre em uníssono porque os chifres provavelmente precisam dele. Obter isso de volta. Eu só quero me livrar desses. Vamos rever o que temos Mais uma vez. A voz soprano do nosso coral está na violência 12 dobrada na oitava. O piano está silenciado. Devo salientar que a violência, ou o dobro de uma oitava. Temos a oitava original mais uma oitava mais alta. Nossa parte base está no trombone, com o trombone baixo dobrando uma oitava para baixo. Isso nos dá a duplicação externa da oitava que gostamos. Nossa buzina está desempenhando nossa parte tenor, dobrou em uníssono, e nosso clarinete está tocando. Nossa parte alto novamente dobrou em uníssono. Tudo bem, vamos ouvi-lo. O que ouvimos? Ouvimos muita base. Novamente, eu não sei por que dora CO é tão pesado agora, mas definitivamente uma quantidade antinatural de trombone nisso. Mas o que era preciso para o que ouvimos na vida real é que ouvimos principalmente a base e a voz do baixo e a voz soprano. Ouvimos trombones e violência. Essa foi a principal coisa que ouvimos porque eles foram dobrados em oitavas. Eles vão cortar. Tudo o resto estava apoiando. Nós fizemos isso aqui muito bem. Não sei se a duplicação do uníssono está fazendo muito por nós. Provavelmente um pouco apenas em termos de volume. Eu acho que na vida real, porém, que a espessura que seria adicionada a isso seria um som quente muito bom para isso, nos ajudaria a ter um som extra. Mas esta é uma maneira bastante decente de orquestrar isso. Eu acho. 32. Piano/harpa/percussão: Eu quero apontar uma coisa sobre a harpa do piano e a percussão. Com essa técnica. Sempre que você tiver uma linha individual na harpa do piano ou percussão, considere dobrá-la em uma oitava. Em outras palavras, se você vai dar ao piano a melodia, em vez de o piano tocar notas individuais para essa melodia. Considere dar-lhes a melodia em oitavas. Eu acho. Quem é guitarrista sabe disso, que tocar uma única melodia é legal. Mas se você quisesse ter algum poder, jogue em oitavas. Então isso é verdade para a harpa e o piano. Qualquer percussão melódica, xilofone, marimba, até carrilhões. Sempre que você quiser que essas coisas sejam cortadas e realmente sejam ouvidas quais esses instrumentos, especialmente piano, são relativamente silenciosos dentro do contexto da orquestra. Se você realmente quer que o timbre do piano seja cortado em um tipo individual de ideia melódica. Sempre considere dobrar em oitavas. Você não precisa. Mas se você realmente quisesse cortar, isso geralmente funcionará para você. Então, sempre pense nisso . Isso é tudo o que eu realmente queria dizer. Penso nessa técnica e piano, harpa e percussão. Eu lhe darei esse arquivo para brincar se isso for útil para você. E então vamos passar para o método para. 33. Método 4: cores novas: Ok, método para nós vamos quebrar o padrão um pouco aqui. Vamos falar sobre isso um pouco diferente porque estamos começando a falar sobre a combinação de famílias de instrumentos. Aqui. Estamos realmente falando sobre fazer novas cores. Portanto, não faz sentido fazer isso apenas com os ventos e latão e as cordas, porque tudo isso se trata combinar coisas diferentes e fazer novas cores. Se eu tivesse que resumir, o que estamos tirando desse método. É nova cor, novo, novo som, nova madeira. O que estamos falando aqui é fazer algo assim. Vamos pegar nossa primeira linha. Vamos para Selecionar, ajustar nossa voz superior. Digamos que queremos isso no oboé e vamos dobrá-lo no uníssono na trombeta. Certo? Portanto, temos uníssono, mas dois instrumentos diferentes para famílias de instrumentos diferentes. Mesmo. Então, temos que pensar em como eles vão se misturar. Eles vão se misturar? Isso não é exatamente como se nem tudo se mistura. Estou tentando fazer uma analogia culinária aqui e dizer como, você não pode simplesmente jogar em cada tempero e esperar que ele tenha um bom gosto. Mas não sei o suficiente sobre cozinhar para que essa analogia funcione. Então, espero que você entenda aqui, nem tudo funciona. Alguns instrumentos se misturam com outros instrumentos e outros não. Francamente. Agora, quando eu digo que não, isso é uma questão de opinião e é controverso. Você poderia fazer qualquer coisa se misturar com qualquer coisa. Sim, você poderia. E na situação certa, você pode fazer qualquer combinação de instrumentos funcionar. Mas para mim, realmente se resume a 21 coisas. Uma coisa que vou nos dizer, se os instrumentos vão se misturar bem. O que eu quero fazer nesta seção é olhar para essa coisa e olhar para fazer uma coisa como corretamente e usar essa coisa incorretamente, porque ambos têm alguns aplicativos. Essa coisa é o envelope do som. O envelope do instrumento pode ser uma maneira melhor de dizer isso. Acho que vamos mergulhar diretamente nisso. Então, vamos a um novo vídeo e vamos falar sobre o que quero dizer o envelope e como descobrir isso para cada instrumento. 34. Considere o Envelope (ADSR): Quero mostrar esse gráfico aqui. Agora. Se você já fez algum trabalho em música eletrônica, em síntese, então isso provavelmente é realmente familiar para você. E se você tem um livro didático de orquestração e procura isso, tente encontrar esse gráfico em seu livro didático de orquestração tradicional. Você provavelmente não vai encontrá-lo. Isso é apenas algo que eu realmente me agarrei por causa da minha formação em música eletrônica e orquestral e instrumental. Acho que é uma das coisas mais amplamente negligenciadas sobre Orquestração. O que vemos aqui é um gráfico chamado envelope ADSR. E isso é usado todos os dias em síntese quando estamos projetando um som. Quando estamos fazendo um pouco som de sintetizador sintético. Isso é o que pensamos e é com isso que trabalhamos. Deixe-me explicar isso e depois vou saltar para trás e explicar como isso se relaciona com o que estamos fazendo. Então, basicamente, você pode pensar nisso como o volume do som. Isso pode ser aplicado a várias maneiras diferentes, mas vamos pensar sobre isso em termos de volume. Temos o ataque inicial, esse é um ataque ADSR. Isso significa a rapidez com que o som leva do nada para chegar ao volume total? Exemplo. Se eu fizer isso, se eu fizer isso, há um arco lá. Há uma linha que vai de 0 para o volume total, eu não sei, 2.5º ou mais . Ele aumenta. Esse é o nosso ataque inicial. Agora, se pensarmos em um instrumento como trompete, trompete pode passar, caso em que há uma linha. Não sei por que fui afiado lá, o que quer que seja. Mas também pode cair. Nesse caso, não há linha ou há uma linha extremamente rápida que torne essa linha praticamente reta. Está ligado em plena explosão. Você não precisa entender completamente esse envelope ADSR. Então, só estou mostrando os quatro elementos do conjunto. Então, na maioria dos sons, há uma decadência inicial, que é a decadência D. Isso significa que o som sobe para o volume total, recua um pouco. E então é aí que nos sentamos. Isso é como o golpe do som. Se pensarmos em uma guitarra, guitarra é um bom exemplo, colocamos um acorde em uma guitarra. Este é, na verdade, o ponto mais alto de quando nossa escolha está diminuindo. Essa é a nossa escolha nas cordas. O som real ressonante da guitarra. Uma vez que terminamos de dedilhar, ele desce um pouco e depois toca. Este é o anel. Então, em algum momento, paramos o som. Agora, em uma guitarra, podemos deixá-lo desaparecer. Nesse caso, ele terá essa versão lenta. Vai desaparecer e parar. lançamento é o, o ou podemos pará-lo com mão e, em seguida, ele terá um lançamento muito rápido. Então essa linha será basicamente reta para baixo. Ataque, decair, sustentar, liberar. Todas essas linhas são basicamente uma função do volume ao longo do tempo. Com exceção do sustentado. Sustain é uma função do tipo de sustentação estática, esse tipo de quantidade estática. Este é o nosso volume sustentado. Não é realmente baseado no tempo. Nós nos sustentamos durante o tempo que vamos sustentar e depois acionamos uma liberação. Certo? Não se preocupe muito com isso. O que realmente nos preocupamos aqui é o ataque e um pouco com o lançamento. Talvez essa decadência, em alguns casos, essa decadência. Mas vamos nos concentrar apenas no ataque por enquanto. Para simplificar, queremos emparelhar instrumentos que tenham um similar. Então, voltando ao elemento de orquestração, instrumentos que emparelham muito bem têm um ataque semelhante. Eles têm um envelope semelhante um ao outro. Então, vamos olhar. Flauta e oboé. Vamos pensar em como uma flauta ataca. Tem um pouco de rampa para cima. A menos que você tenha pedido notas de staccato muito específicas, então uma flauta tocando como uma linha como esta, terá um pouco de ataque. Não está morto. Queremos emparelhar com um que tenha um ataque semelhante. Cordas. violino tende a ter um ataque muito mais lento do que todo o resto. Então, emparelhar, dobrar algo como uma trombeta com violino vai ser um pouco perigoso porque o violino, porque você vai ouvir a trombeta estourar. Porque vai dar ponto, ponto. E as cordas vão, uau, uau, uau. Eles não combinam. Você vai ouvir essa trombeta e depois ouvirá os pontos fortes que podem ser mais úteis nisso em um segundo. Mas se você quisesse ser um som misto coeso, isso não vai conseguir, certo. Vai ser uma espécie de bagunça. Vai mudar com o tempo. Ok, deixe-me explicar isso mais uma vez. Vamos pegar um trombone. E tímpanos. Legal. trombone tem um som. É por isso que definitivamente tem algum tempo em seu ataque. Não é, mas não é isso que os trombones fazem. Tem algum tempo nesse ataque. Um tímpano é um instrumento de percussão. ataque é praticamente instantâneo. Vai bumbum, porque você o acerta com um martelo de seu ataque como morto. Se você emparelhar essas duas coisas, você vai ouvir os tímpanos antes do trombone significativamente. Isso não é uma ótima mistura. Se você quiser que eles combinem perfeitamente. Segure isso faz sentido. Quando você estiver misturando sons, pense nesse ataque. Você quer misturar sons que têm um ataque semelhante. Se você quiser criar apenas uma cor coesa. Vamos falar sobre, vamos a um novo vídeo e vamos falar sobre combinar envelopes inigualáveis. 35. Emparelhamento com envelopes: Ok, então vamos tentar alguns que eu acho que combinam muito bem. Oboé e Oboé. Sim, esses combinam muito bem, mas não é isso que estamos fazendo. Estamos fazendo instrumentos diferentes aqui. Vamos ver, a flauta tem um ataque bastante rápido, e o oboé tem um ataque bastante rápido. Esses se misturariam muito bem. clarinete tende a ter um ataque um pouco mais lento. Então oboé. Se você puder ouvir isso, vou aumentar isso. Esta amostra de clarinete, ouça. Pense nisso, enquanto o volume naquele OneNote, onde o volume é mais alto ou mais alto? Não é a primeira coisa que ouvimos, certo? Esse é o envelope aqui, esse oboé, a mesma coisa, e estes têm envelopes muito semelhantes. Eles sentem que estão tomando a mesma quantidade de tempo. Então, esses devem se misturar muito bem. Vamos ouvi-los juntos. Deixe-me silenciar o piano novamente. Muito bom. Vamos tentar ficar com o, aderindo com o clarinete. Vamos nos livrar do oboé. Vamos pensar em breve. Sim, ok, vamos nos misturar com o uníssono. Temos que ir até aqui, mas tudo bem. Vamos ouvi-lo. Certo, nada mal. Vamos tentar um chifre. Similar. Acho que eles vão se misturar. Certo. Próximo tipo de mimador etéreo. Estes na verdade não se misturam muito bem, na minha opinião, acho que podem ser apenas as amostras que temos aqui, mas estamos ouvindo mais sustentar na trombeta. Eles são meio que esse envelope. Eles estão ficando nesse pico por mais tempo do que a buzina. Agora vamos também falar sobre articulações. Se eu fizer isso, vamos ao trompete. Esse foi um exemplo que eu apontei há um minuto. O trompete. Estes não vão se misturar muito bem comigo. Esta amostra em particular que estamos ouvindo tem um envelope bastante longo. Levou uma quantidade bastante significativa de tempo, ou seja, menos de um segundo, mas em algum momento para chegar a esse volume total. Enquanto isso é um pouco mais rápido do que ele, eu acho. Vamos ouvi-los juntos. E então eu quero fazer algo estranho. Opa, aqui vamos nós. Ei, para que um não funcione tão bem, ouço muito mais trompete do que clarinete. Eu recebo um pouco de brilho do clarinete, o que é um som meio legal na verdade. Mas isso se enquadra nessa categoria de emparelhos que eu acho que não funcionem muito bem. Aqueles envelopes incompatíveis que podem funcionar bem porque você vai conseguir isso. É esse som de trompete, mas com um pouco de halo ao redor do clarinete. Mas deixe-me fazer outra coisa. Sempre posso mudar esse envelope com a dinâmica. Se eu for assim, acabei de adicionar pontos a todas as minhas notas de trompete. Agora eles devem ser ponto, ponto, ponto, ponto, ponto, ponto. Como realmente muito curto. Isso não vai combinar com isso. Mas vamos tentar. Agora, algo interessante aconteceu. Estes não combinam de forma alguma. Mas o que ouvimos? O que realmente ouvimos aqui? Ouvimos o ataque da trombeta e o sustento do clarinete. Agora, isso é meio interessante porque agora nós acabamos de criar um instrumento totalmente novo. É disso que se trata realmente a orquestração. Usando. Desmontando esse envelope e fazendo um novo instrumento fora dele, tomando o ataque de uma coisa e o sustentou outra coisa. Estes não se misturam com o envelope. Não é assim que você faz isso. No entanto, eles fazem algo realmente interessante porque não se misturam. Vamos provocar isso um pouco mais. Vamos descer aquele buraco de coelho um pouco mais e falar sobre coisas que não combinam. No próximo vídeo. 36. Lápis com envelopes variados: Vamos ver se podemos tornar isso ainda pior. Pior é o termo errado. Sabe o que quero dizer? Vamos tirá-lo do clarinete. Vamos manter as trombetas staccato, agradáveis e curtas. Vamos para violento. Violento, um vai ter um ataque lento. Mas, de alguma forma, tem a articulação rápida. Algo no meu software aqui está dizendo para tocar essa articulação, articulação staccato. E isso não é o que queremos, mas deixe-me ver se realmente faz isso. Vamos apenas ouvi-lo como está. Não ouvimos isso curto, mas também acho que não ouvimos a trombeta. Podemos ouvir a trombeta? Certo, vamos fazer isso. Vamos marcá-los com uma dinâmica apenas para que tenhamos certeza de que estamos ouvindo coisas para mezzo forte. Agora vamos aqui esses dois. Agora o que devemos ter é staccato, trombetas e legato, violino. Ainda não estou ouvindo muito a trombeta. Vamos marcar isso para tag só para nos ajudar um pouco. Agora, o que devemos ouvir é isso como um ataque agudo das trombetas no início da nota e depois o sustain da nota no violino. Vai se transformar de uma trombeta para um violino, e depois de volta para cada nota. Acho que neste caso, isso não é um som muito atraente. É meio nauseante um pouco porque estamos meio que sempre fazendo isso. Por, por, por tipo de som. Pode ser legal em alguns contextos. Mas não está realmente funcionando para mim aqui. Vamos tentar algo um pouco mais curto. Vamos tentar oboé. Talvez sem o staccato. Só vou marcar esses tenuto. Vou marcar esses tenuto para nos ajudar. Isso significa jogá-los junto. Vamos tentar isso. Eu também tenho esse forte marcado. Esse é o problema das pontuações. Você tem que fazer tudo bem pequeno para ver tudo em uma página. Aqui vamos nós. Oboé, longo, violino, não marcado, mas muito longo. Vamos ouvi-lo. Este é um bom exemplo. Aqui está o que eu ouço. Por um lado, gosto do que estou ouvindo porque estou ouvindo principalmente violino. Você era muita Irlanda. Mas ouvi dizer que isso quase parece que alguém está assobiando ao longo da distância. Isso é aquele oboé, porque eles estão dobrando no uníssono. E eles têm um envelope semelhante. Eu meio que gostei desse tipo de apito e do som da distância. No entanto, também ouço envelopes incomparáveis, especialmente no ataque. Mesmo tendo marcado esses tenuto, o ataque de oboé é muito mais curto do que o ataque de cordas. Eu ainda ouço isso como duas coisas diferentes para ataques diferentes. Eles estão fora um do outro. Parece um acidente. Ouça de perto. É meio difícil de ouvir, mas se você ouvir muito de perto, ouça esses dois ataques acontecendo. Sim, é muito difícil de ouvir. Não é tanto o ataque. É o topo do ataque. É isso que estou ouvindo. Quando ouço o oboé chegar lá primeiro e depois o violento chega lá um pouco depois. É assim ou assim, eu acho. Eu não gosto disso. Talvez seja só eu. Agora eu poderia refinar isso e fazê-lo funcionar eu poderia dar a ambos uma marcação tenuto e vamos ver se isso ajuda. Não sei como o computador vai interpretar isso, mas vamos ver o que isso faz. Esse tipo de resolveu, mas criou alguns problemas estranhos de ajuste. Pode ser apenas um que ouviu isso. Eu acho que esses apartamentos B aqui, eles eram como fora de sintonia um do outro. Isso é muito estranho. De qualquer forma, lidaremos com isso mais tarde. Apenas algo a considerar. Estamos fazendo novos sons aqui e o novo som não precisa necessariamente ser uma combinação perfeita dos dois sons. Pode ser uma combinação imperfeita dos dois sons. E a maneira como você faria isso é com sons que não têm o mesmo envelope. Você recebe o ataque de um e o sustain do outro. À medida que lidamos com mais orquestração, vamos levar isso em grande medida onde podemos orquestrar totalmente isso onde temos um sucesso e depois das cordas e depois um sustain do ventos. Essa é uma espécie de introdução a esse conceito, mas é um conceito importante. Então, vamos brincar com isso um pouco mais. Vamos tentar fazer algo com todas as quatro vozes e usar essa ideia e ver o que podemos fazer. 37. A orquestra completa: Ok, vamos nos divertir um pouco. Vou tirar essa parte da corda. E vamos ver onde queremos que nossa primeira voz esteja? Nós o temos agora no OBO. Isso é legal. Vamos talvez fazer oboé. E tem essas marcas de tenuto nele. Vamos tentar oboé e chifre. Vamos ouvir esses dois juntos. Vou remover essas articulações. Vamos tentar agora. Sim, você sabe, você quase pode ouvir o envelope estar fora neste F-afiado. Ouça de perto aquele F afiado aqui, que me deixa louco. Acho que isso está apenas em nossas amostras, mas vamos nos certificar de que não fiz isso. Então, não vamos usar buzina. Vamos usar Assumindo clarinete. Ela precisa de clarinete um. Vamos tentar isso. Isso é bom. Estou ouvindo muito oboé, ouvindo. clarinete nos dá um pouco de som de fundo. Portanto, é uma mistura bastante unificada. Estou falando de orquestração, como se você falasse sobre vinho. E é meio assim. A maior diferença é não sei porcaria sobre vinho. Mas eu sei muito sobre nossa ilustração. Ok, vamos à nossa voz alta e ver se podemos fazer algo legal acontecer com a mesma ideia. Vamos colocar nosso Alto em fagote. Então. Como podemos igualar isso? Fagote e chifre podem combinar muito bem. Sim, eu sinto que esses envelopes se alinham muito bem. Vamos apenas pressionar porque eu não posso realmente soltar esses dois agora. Vamos para a nossa terceira voz. Vamos fazer nossa terceira voz. O horror e também o segundo chifre. Vamos dobrar isso. trombone pode funcionar. Acho que isso funcionará. Então faremos nossa última voz. Nossa última voz em tuba. Nossa última voz em tuba. Vamos pensar sobre o envelope da tuba. Muito lento. Estou tentado a ir com o violoncelo. Acho que podemos fazer essas misturas. Isso é estranho. Mas vamos tentar, eu acho. Certo. Vamos ver se temos todas essas quatro vozes acontecendo agora, vamos ver o que acontece. Aqui vamos nós. Acho que isso funcionou muito bem. Temos um som muito misturado por toda parte. Temos muito peso extra por trás disso. Ele faz. Parece muito diferente do que quando o fizemos. A mesma coisa com apenas quatro instrumentos. Agora temos quatro instrumentos. Cada um deles dobrou com um instrumento que funciona bem dentro de seu envelope. Acho que tem um pouco mais de cor, um pouco mais de profundidade por causa disso. É muito, muito mais cheio. Ele realmente está começando a soar como uma orquestra. Legal. Estamos no caminho certo. 38. Método 5: mais cores e síntese: Ok, agora que cinco, novamente, estamos meio fora do roteiro que começamos com os três primeiros. Porque agora estamos realmente entrando em misturar e criar novas cores e olhar para instrumentos individuais ou mesmo famílias para isso não valerá a pena fazer. O que estamos falando neste método agora está levando de onde paramos, onde estamos combinando vários instrumentos para criar novos sons, novas cores e separá-los por uma oitava. Vamos ter ainda mais oitavas ou mais cores. Isso está realmente ampliando nossa paleta. Ainda mais. Pense nisso como, bem, pense nisso literalmente olhe para a paleta de cores. Você é assim, este artista e você tem esta palete e estas são todas as suas tintas que você vai pintar com o que estávamos fazendo antes no último, o último método, tivemos uma cor Digamos que tínhamos lido em nosso paladar o que adicionamos dobrando em uníssono. Todos esses outros instrumentos, o que adicionamos foram diferentes tons de vermelho. Nós adicionamos. Bem, não, o que adicionamos foi, estou tentando descobrir a analogia certa. Adicionamos todas as cores principais. Adicionamos vermelho, azul, amarelo. O verde é verde e de cor principal onde quer que seja verde, talvez roxo. Adicionamos as cores principais e conseguimos misturar um pouco com elas. Agora estamos indo um pouco mais fundo. E agora o que estamos adicionando é como ao nosso vermelho, estamos adicionando vermelho, vermelho escuro, vermelho claro, rosa, tipo de marrom queimado. Estamos ficando muito mais detalhados em cada cor. Podemos fazer muito mais com cada um. Agora, eu realmente começo a pensar em síntese. Eu sei que falei como síntese de música eletrônica quando estávamos falando de envelopes na última seção. O que estamos nos metendo agora é muito parecido com a síntese de FM. Não é realmente, não estamos realmente fazendo FM. Não se preocupe. Você não vai ter que fazer FM em longa divisão. Mas a maneira como estamos combinando sons para criar novos sons. Penso em uma, da mesma forma que penso sobre a síntese de FM. Se você não estiver familiarizado com a síntese de FM, confira. É bem interessante, mas acho que vale a pena que qualquer pessoa que estude orquestração também estude design e síntese de som. Eu acho que essas são coisas valiosas que andam completamente juntas. Se eu fosse escrever um livro de orquestração, eu conseguiria. Seria chamado de algo como orquestração e síntese, orquestração e design de som. Podemos realmente fazer isso? É uma boa ideia. De qualquer forma. Seguindo em frente. O que vamos fazer é tomar algumas de nossas duplas. Vejamos de onde paramos aqui. Temos o oboé e o clarinete dobrados no uníssono. O que vai acontecer se dobrarmos isso em uma oitava? Levamos o oboé para cima uma oitava. Agora temos duas oitavas desta linha divididas entre dois instrumentos diferentes. Vai nos dar ainda mais cor. Gás. Então é com isso que estamos trabalhando aqui. O que eu acho que quero fazer por este, já que este acabou muito bom. Quero comparar isso com este mesmo com as oitavas adicionadas. Que tipo de AB testam esses? Vamos a um novo vídeo e vamos adicionar oitavas e depois ver o que acontece. 39. Explorando as diferenças: Não sei com que precisão as amostras que temos vão reproduzir isso, mas não quero experimentar. Vou ir, tenho duas versões desse mesmo arquivo abertas agora. Vou aqui mover isso para cima uma oitava. Agora minha parte de oboé e clarinete são separadas por uma oitava. Vamos ver o que mais fizemos. Isso parece, sim, chifre, chifre, um, fagote, uníssono. Então, eu ainda quero obedecer a essa coisa externa. Se eu estiver na linha alto, o que acho que não estou aqui. O que eu quero fazer talvez seja puxar o fagote para baixo em outubro porque é tão alto. Mas isso vai contra a abertura para fora. Na realidade, o que eu faria aqui é provavelmente deixar as duas vozes internas, o alto e o tenor, dobrados no uníssono, e não com uma oitava para cima ou para baixo. Eu os deixo oitava dobrado no uníssono. Coloque a voz superior, a voz soprano dobrou nas oitavas e a voz do baixo dobrou em uma oitava para baixo. Isso faria essa textura bonita e grossa. No entanto, eu realmente quero enlouquecer com isso. Vou mover o fagote para baixo uma oitava. Isso é uma oitava disso. Agora temos essa parte de chifre e sua parte de trombone provavelmente são parte tenor. Poderia levar esta parte de chifre para cima ou esta parte de trombone e para baixo. Vou ficar muito complicado se eu aceitar isso, mas acho que vou fazer isso. Acho que isso soará melhor neste caso. Não temos muita coisa muito baixa. Agora isso vai fazer um cruzamento de voz desajeitado. Onde o chifre vai estar acima do chifre um. O que eu gostaria de fazer, bem, deixe-me fazer isso primeiro. O que eu deveria fazer aqui provavelmente é mudar o chifre para o chifre um, como virar essas duas partes, ou dar chifre para dois chifres, três, porque lembre-se que muitas vezes 13 são jogadores mais fortes no chifres. Mas provavelmente apenas virar 12 neste caso seria a coisa mais inteligente a se fazer. Mas eles são jogados digitalmente agora, então não importa. Ambos são igualmente bons. Vamos deixar o trombone. Temos tuba e violoncelo base de dois botões. Bem, a maneira mais fácil de fazer isso seria pegar isso, livrar-se dele e levá-lo até aqui. E agora podemos derrubar uma oitava. Não conseguimos derrubar uma oitava na caixa de bate-papo. Acho que isso nos teria tirado do alcance. Acho que isso funciona um pouco melhor. Agora aqui está o que eu queria fazer. Agora temos a mesma coisa que tínhamos antes, mas com oitavas. Vamos ouvi-lo sem oitavas primeiro. Esse é este. Só para colocá-lo de volta na nossa cabeça. Ouça o que isso soa. Vamos mudar para a versão com ativos. Ótimo, Agora vamos ver o quanto isso soa diferente. Parece um pouco mais forte, mais cortante. Obviamente, essa base é como a maior coisa. Pouca base demais para mim. Na verdade, vou colocar isso de volta no violoncelo e trazê-lo para cima uma oitava. Vamos deixar a base como uníssono. Por enquanto. Vamos fazer isso. Vamos ouvi-lo mais uma vez. Algumas coisas que eu não gosto nisso. A coisa que realmente se destaca para mim é a altura dessa parte do chifre. Chega aqui e é só estridente e gritando. Só não é um som que eu gosto. Mas é que eu provavelmente mudaria isso para ir tão alto. Caso contrário, sim, é um som mais complexo. Tem mais densidade e também tem mais. Ele só corta mais. Há muito, eu quero dizer que é como esse bom som, mas é feito de lâminas de barbear porque é mais parecido com vidro. É apenas um tipo de cortes afiados. Não sei, estou ficando sem palavras. Mas espero que você tenha ouvido a diferença lá. Vamos tentar ajustar isso mais uma vez e ver se conseguimos chegar a alguma coisa. Vamos realmente voltar e fazer o que eu disse, do jeito que eu realmente faria. Vamos fazer isso. 40. Outra maneira: Ok, então eu vou voltar para este é o primeiro antes de adicionarmos a oitava. Então agora ainda temos os unisons aqui. Vamos pegar esse OVO. Vamos fazer isso. Provavelmente o que eu poderia fazer aqui se eu realmente quisesse trazer isso em uma oitava, talvez eu não empurre esse oboé para cima porque eu não quero que ele fique muito alto em tensos. Eu poderia colocá-lo na flauta e depois puxar isso para cima uma oitava. Agora esse fluido é muito alto, realmente eu, sim, mas tudo bem. Agora, vou adicionar uma oitava no topo, uma oitava na parte inferior, mas estamos recebendo um som tão gordo com essa oitava baixa. Não quero fazer isso. Vamos fazer isso. Então eu vou fazer isso, vou levar isso aqui. Mas vou tentar controlar isso com a dinâmica. Vamos derrubar uma oitava. E então só para fazer isso não tão intenso, com nossas amostras, vou marcá-lo como piano. Agora tenho uma oitava entre a tuba e a base. Então, uma oitava na parte inferior. E eu tenho uma oitava entre a flauta e um clarinete no inativo no topo. E então tudo o resto dobrou no uníssono no meio. Isso eu acho que vai fazer um som melhor em todos os lados. Quando estamos tentando fazer um bom som suave. Uma coisa eu acho que vamos ter coisas muito altas demais. Acho que isso está indo um pouco mais alto do que eu gostaria. Talvez eu possa considerar outra coisa para isso. Mas vamos ouvir o que nosso computador faz com ele. Nós vamos. Na verdade, era um bastante equilibrado que era mais equilibrado do que eu esperava. Ainda um pouco alto demais que poderia ser por causa desse forte que colocamos aqui. Vamos tentar nos livrar disso e substituí-lo por tipo, eu não sei, mezzo piano. Vamos piano e certifique-se de que vamos colocar um piano. Lá. Estavam dizendo a esse fluido para ser um pouco mais silencioso do que todo o resto. Vamos ver se isso faz alguma diferença. A base funcionou. Certo, acho que vamos ouvi-lo mais uma vez. Gostei muito mais disso. Puxar para trás aquela flauta nos deu apenas um pouco de esportes mais erógenos, menos desse piercing alto, embora não seja tão piercing, mas um pouco. Belo som baixo, muito equilibrado. Eu tenho isso funcionado muito bem. Boa técnica. 41. Método 6: densidade harmônica: Processo número seis, métodos sexo. último. Então, o que vamos fazer agora é que vamos dobrar em uma harmonia, dobrando em uma nota diferente de uma oitava. Isso às vezes é comparado a paradas de mutação semelhantes. Então, vamos falar sobre paradas de mutação muito rápido. Em um Oregon. Temos falado muito sobre o Oregon e há uma enorme relação entre a orquestra e o órgão. Estou tentado a dizer que a orquestra foi projetada para emular o Oregon, mas não sei se isso é verdade. Ou o órgão é projetado para emular a orquestra. Eu também não sei se isso é verdade, mas certamente parece que uma dessas duas coisas está correta. O Oregon você tem paradas que você retira. Esses, adicione um novo conjunto de tubos e você pode obter oitavas. E é por isso que antes, quando dissemos que isso soa muito Oregon como se fosse porque conseguimos. Mas há algumas paradas no Oregon chamadas paradas de mutação. E esses adicionam uma harmonia à nota. Você poderia ter parado que você se retira. Esse é o comprimento certo para criar como um quinto perfeito. Agora, enquanto você toca acordes, você tem este quinto movimento perfeito em paralelo com você em todo o lugar. Agora, se você pegou a teoria da música e pensa, ei, por que eu faria isso? Porque agora eu tenho cada nó é um quinto paralelo. Sim, essa música funciona um pouco diferente daquela, mas é verdade. Você definitivamente não quer fazer isso. Mas, na maioria das vezes, podemos usar esse quinto perfeito para influenciar a madeira e fazê-lo para que não ouçamos necessariamente esse quinto. De qualquer forma. A razão pela qual estou comparando adicionar uma harmonia a essas paradas de mutação é que podemos usar tanto a harmonia quanto a parada de mutação para adicionar uma madeira mais do que podemos adicionar harmonia em si. Deixe-me explicar isso mais uma vez. Se adicionarmos, digamos que adicionemos, temos uma nota e adicionamos uma oitava em cima dela e depois um quinto em cima disso. Certo? Então agora temos nota Octave quinto. Nós movemos isso em uma melodia. O que podemos fazer é realmente ouvir aquela oitava e só um pouco aqui, aquele quinto. E dessa forma, podemos não percebê-lo como tendo um quinto, mas tendo uma cor particular, a cor que obtemos de qualquer instrumento em que colocamos isso. Então, mais sobre isso quando começamos a fazer isso. Essa técnica é mais usada na melodia. A principal coisa de uma peça musical. Não o usaríamos tanto em uma voz interior, embora pudéssemos e apenas tenhamos que fosse uma nota diatônica. Outra coisa a considerar é que quando você está fazendo essa ideia de entonação entre os instrumentos se torna um grande negócio aqui. Se eu tenho algo que seja como uma oitava e um terço maior. E está tentando harmonizar com uma nota, uma oitava para o terceiro down. Isso pode ser uma coisa muito difícil de combinar, especialmente quando você tem um jogador aqui fazendo o fundamental e um jogador aqui fazendo um ativador terceiro mais alto, eles podem não ser capazes de ouvir uns aos outros. Assim, você pode ter problemas de entonação com esse método, mas é algo a considerar. Você não gostaria de fazer muito disso em um verdadeiro grupo amador. Lista. Algumas delas você poderia. Mas em um grupo profissional, vai soar ótimo. Opa. Vamos mergulhar e fazer alguns. 42. Fórmula 1: melodia em terços: Ok, esse método não é perfeito para o tipo de coisa que estamos fazendo aqui porque estamos fazendo um coral para harmonizar algo em terços. Um pouco complicado, mas vamos fazer isso. Vamos pegar isso e vamos selecionar nossa voz superior. Vamos colocá-lo. Por exemplo. Não, não o fluido. O clarinete. Lá está no clarinete. Legal. Agora, o que vou fazer é harmonizar isso com a flauta. Vou colocá-lo também na flauta, e vamos harmonizá-lo em um terço. Agora, uma coisa que eu queria dizer no vídeo anterior é que qual é o efeito? Qual é o efeito maior além de obter a harmonia que vamos criar aqui é que é realmente uma questão de densidade. Vamos fazer uma densidade harmônica, um som mais espesso. Ok, ao fazer isso, não é como uma oitava onde uma oitava é um som relativamente fino, mas pode realmente cortar. Este é apenas um som mais espesso. Aqui está meu clarinete tocando nossa voz superior. Agora vou para minha flauta. Vou harmonizar isso em um terço. Então minha primeira nota é uma G. Eu vou até um B. O que eu quero fazer aqui é ficar na chave. Você não precisa fazer isso. Poderíamos fazer harmonização cromática, onde fazemos literalmente grandes terços para cada nota. Não vai soar bem aqui, mas isso soará, isso pode soar bem em uma peça mais moderna. Aqui eu quero ficar na chave. Estamos na chave do G menor. Então eu vou mover esses apartamentos D para D natural G flats. Estes são um pouco mais complicados. Sim, eles deveriam ser Gs. Vamos, vamos ouvir apenas essas duas linhas. Aqui vamos nós. Agora, neste caso, isso vai funcionar com o resto do nosso Chorale aqui? Provavelmente não. Porque o que fizemos aqui é que assumimos que cada nota na primeira linha é o tônico porque adicionamos um terço em cima dela. Então isso provavelmente vai fazer uma grande bagunça velha com aqui embaixo. Esse tipo de textura de chorale não é um ótimo uso para esse método. Podemos fazê-lo em algo em que temos um acompanhamento um pouco mais esparso, um pouco mais esparso. Tipo, vamos apenas dizer, vamos fazer um acompanhamento. Vamos fazer um gráfico de acompanhamento de string. Vamos fazer como um acorde G menor. Opa. Vou fazer alguns acordes para se encaixar com isso muito rápido. G. B plano, D, G, G menor. Aqui, vamos ver, nós temos, vai ser a, B e D. Então vamos chamá-lo de B plano. Vamos chamá-lo como um acorde maior plano B. B plano. Vou fazer mais dois. Aqui. Vamos pegar outro apartamento B e um D. que isso possa voltar ao G menor. Mais um C, E-flat, vamos chamar esse C menor. Isso pode ser estranho, mas você deve ir para o E-flat. É bom ver. Você pode ir para G. Ok. Vamos apenas tentar isso. Certo, vamos ver se funciona. Então eu só tenho algum tipo de acordes genéricos que acho que funcionarão com essas notas. Vamos tentar. Eu meio que trabalho, mas é muito silencioso. Então, vamos passar para nossa próxima fórmula. Então, a primeira fórmula que eu criei aqui é que você poderia adicionar uma melodia de terceiro nível. Pense no timbre dos dois instrumentos que estamos combinando. Agora vamos construir isso um pouco maior e vamos adicionar uma oitava e uma terceira. Essa é outra coisa que pode parecer muito legal e torná-la mais espessa. Vamos tentar isso. 43. Fórmula 2: melodia em Octaves e terços: Ok, agora estou trabalhando com uma peça totalmente nova aqui, certo? Como eu só peguei essa melodia e fiz minha própria progressão de acordes. Você vai com ele. Estamos meio que jogando fora o curral neste momento, mas tudo bem. Para que isso faça sentido, acho que preciso colocá-los de volta na chave. Provavelmente apenas esse nó serve. Sim. Só porque sem o curral completo, esse tom principal simplesmente não faz sentido. Então vou colocá-lo de volta na chave e acho que funcionará melhor. Para esta próxima técnica. Vou usar as mesmas ideias de tudo, exceto que vou adicionar uma oitava. Vamos ter a melodia uma oitava acima dela e um terço acima disso. Este é o que eu falei antes. Agora eu posso realmente fazer isso facilmente, já que estamos trabalhando efetivamente em uma peça totalmente nova. Eu posso facilmente fazer isso apenas tomando isso, minha parte de clarinete em uma oitava. Então, o que vai funcionar? Bem, vão fagotes. Os chifres podem chegar lá. Trombone. Vamos fazer fagotes. Mantenha tudo isso nos ventos por enquanto. Coloquei nos fagotes, depois vou derrubar uma oitava. Agora temos, se tratarmos isso como nossa melodia principal nos fagotes, agora temos oitava e uma terceira. Legal. Vamos tirar esse texto daqui porque isso é um pouco frustrante. Vamos ouvi-lo agora. Talvez só para nos ajudar, eu nos dê um pouco de dinâmica aqui. Vamos nos dar um forte aqui. Podemos cortar essas cordas um pouco melhor. Vamos tentar isso. Nada mal. É um som muito legal, no entanto, todas as minhas cordas são muito altas. Então, vamos fazer isso anormalmente alto. Vamos tentar novamente. Som bastante interessante. Vamos ouvi-lo sem as cordas, só para que você possa ter uma boa ideia do que, como essa técnica soa. Certo, nenhuma corda é dez. Certo, tão grosso, como se estivéssemos recebendo um som muito mais espesso aqui. Mas também temos isso ativo na parte inferior, então ele corta um pouco mais. Vamos fazer mais uma coisa. Vamos adicionar mais uma nota a este acorde que basicamente estava se movendo. Vai para uma terceira fórmula para fazer isso. 44. Fórmula 3: a de mochila em outubro,: Aqui está o que vamos fazer. Nossa fórmula, experimentada e verdadeira. Então o que vamos fazer é ir melodia mais uma oitava, mais um quinto, mais um sexto. E você é como, Por que é sexo? Ouça-me. sexto acima do quinto, que é um terceiro, chegará lá. Vamos tentar com o que temos aqui. Temos uma oitava aqui. Em seguida, precisamos de um quinto acima deste G, então precisamos de uma nota que comece em D. Podemos usar nossas flautas aqui. Mas vou usar nossos fluidos para essa nota mais alta. Vamos aos nossos oboés e levá-los até isso. Existe. Agora eu quero puxar tudo de volta para a chave aqui. Apenas um chato para colocá-los em linha com nossa assinatura chave. Não vamos até aqui, então não importa , mas eu farei de qualquer maneira. É bom. Ok, então agora temos um quinto e agora vamos como sexto acima disso. Então, se formos um sexto acima de um quinto, vamos contar isso. Então nosso nó raiz é G. Então subimos para um d, que é o quinto. Se subirmos um sexto maior de D, obtemos D, E, F, G, a, B, B. Que a relação dessa nota, B com o nosso nó raiz G é um terceiro. Na verdade, é uma oitava e uma terceira. Mas ainda é um terço. Mas não é como uma oitava maior do que isso. Vamos pegar isso e subir uma oitava. Isso pode ser um som muito bom. Isso é bem alto naquela flauta. Então, o que eu poderia considerar fazer é derrubar a coisa toda em uma oitava, mas vamos tentar. Vamos ouvi-lo por si só e então vamos ouvi-lo com nossa estranha harmonia. Aqui vamos nós. Foi aí que parei de colocar tudo de volta, na chave. Talvez eu, talvez eu deva fazer isso só por diversão. Termine de colocá-los na chave. Lá vamos nós. Nossa, provavelmente, que f provavelmente está bem. Mas de qualquer forma, de qualquer forma, o que você pode ouvir é muito grosso. Porque lembre-se do que temos aqui. Se nos livrarmos de todos os octetos em tudo, o que temos é nosso nó raiz, um terceiro, quinto. Estamos movendo tríades em cada nota, mas estamos espalhando-as por um monte para torná-lo apenas esta parede de melodia. O que é legal nisso, porém, é que as notas estão espalhadas tanto que você ainda provavelmente poderia identificar a melodia. E se você tivesse que cantar junto com a melodia, provavelmente veria esse g ou esse G aqui mais uma vez. Muito legal. Vamos ouvi-lo com nossas cordas. Aqui está com as cordas. Definitivamente se senta acima dessas cordas. E todas as notas não entram em conflito, mesmo muitas notas acontecendo. Eles se encaixam nessa harmonia. Muito bom. Quero fazer mais uma coisa que eu queria experimentar a mesma coisa em latão. Vamos tentar. Vamos pegar isso. Vamos tomar nosso fagote como nossa coisa mais baixa. Coloque-o em nosso trombone baixo. Vou ter que derrubar uma oitava, tenho certeza disso. Vamos descer uma oitava. que significa que se eu quiser manter o mesmo padrão, eu precisava derrubar tudo em uma oitava. Então aqui está nosso clarinete. Vamos colocar isso no primeiro trombone. Definitivamente vai ter que ser uma oitava. Livre-se disso. Nosso oboé, que é o quinto. Vamos colocar isso no chifre. Também para baixo uma oitava. Então nossa flauta, trompete, obviamente abaixo de uma oitava. Aqui vamos nós. Tudo bem, então temos mesmos intervalos de pilha aqui. Aqui, estes sem as cordas. E apenas ouça o que isso soa. Gostei, mas acho que havia esse problema de envelope. Não sei se você ouviu isso. Quase de repente, como se houvesse um cravo esgueirado lá em algum lugar. piano estava silenciado. O que isso foi, foi como uma amostra estranha. Está acontecendo. Estranho. Vamos ouvi-lo com nossas cordas e ver o que acontece. Tudo bem. Acho que vão explodir as cordas porque marcamos as cordas é piano e todo aquele bronze tem forte. Vamos realmente pegar este piano vai pesar. Veja se podemos equilibrar um pouco melhor. Mas você pode ver que essa pilha de intervalos funciona muito bem. 45. Aqui se pode ser uma coisa possível!: Nesta seção, dei essas três fórmulas para fazer isso e meio que crescentes quantidades de densidade. Começamos com apenas terços. Em seguida, adicionamos oitavas em terços, e depois adicionamos oitavas quinto terço no topo. Essas são todas coisas que funcionam muito bem, mas não quero que você fique limitado por elas. Você pode empilhar harmonias como quiser. Se essa fosse minha própria música, eu realmente não faria isso desse tipo de inúmeras maneiras. Eu só estava fazendo. Eu realmente pensaria na harmonia que estou tentando reforçar e realmente fazê-la funcionar dentro dessa harmonia. Hum, então nem sempre precisa ser unificado. Como se você vai fazer algo e seguir os terços e, em um lugar, você quer que o terceiro abra até um quarto, abriu até um quarto. Enlouquecer. Quando você está orquestrando Neste tipo de textura grossa. Você pode quebrar seu padrão. Você pode quebrar regras paralelas. Você pode deixar todas essas coisas no passado. Você é um compositor moderno, então você pode fazer o que quiser. Qualquer, qualquer coisa. O céu é o limite em termos das harmonias que você constrói dessa maneira. Basta pensar sobre essa regra de envelope ainda se aplica. A maneira como você está combinando cores ainda se aplica. O espaçamento da maneira como você espalha as notas pode realmente importar. Então pense em todas essas coisas enquanto você está construindo suas harmonias dessa maneira. 46. Encontrando as pessoas na selvagem: Então, o que eu pensei que faríamos a seguir é olhar algumas peças do mundo real. Uma verdadeira música de orquestra profissional e de alta qualidade. Encontre exemplos desses. Agora, essas técnicas sobre as quais estamos falando são coisas que poderemos encontrar em qualquer peça orquestral todo o lugar. Acho que serei capaz de abrir aleatoriamente algumas pontuações, duas páginas e encontrar exemplos das coisas que estamos falando porque esses seis conceitos são usados em todos os lugares, como se você realmente não pudesse evitá-lo. Se você vai escrever para muitos instrumentos, terá que fazer essas coisas. Vamos identificar alguns deles em algum trabalho importante. Então eu meio que peguei aleatoriamente três pontuações da minha pequena biblioteca de pontuações. Eu tenho muitas pontuações porque, como eu disse no início da primeira aula de orquestra, eu realmente adorei essas partituras. Adoro olhar para eles. Uma coisa que você encontrará se acabar comprando pontuações é que temos essas séries em miniatura Dover, estas que são pequenas e tornam a impressão muito pequena. Como se este não fosse tão ruim porque a orquestra é pequena. Mas este é incrivelmente pequeno. É muito, muito difícil de ler. É por isso que a maioria dos compositores e praticamente todos os condutores usam óculos. Por causa dessas pequenas pontuações. O que eu peguei aqui foi a Missa Menor de Bach B. Podemos ver como Bach orquestra algumas coisas. Peguei uma das minhas peças favoritas de todos os tempos de música orquestral. Verifique seis, que é a maneira extravagante de dizer a sinfonia número seis de Tchaikovsky. Adoro esta peça. Então, uma das mais célebres, eu acho, orquestração da história certa forma é Mussorgsky Pictures em uma expedição. Esta peça é realmente fascinante ponto de vista da orquestração. E é realmente um que estudamos o tempo todo. Porque esta peça foi escrita pelo compositor Mussorgsky. Não me lembro quando foi escrito, provavelmente por volta da virada do século ou mais. Vamos ver. Essa edição foi 931873, eu acho. Porém inédito até depois de sua morte em 1881. Mussorgsky escreveu esta peça. No entanto, foi escrito para piano, peça de piano solo. E o Revile apareceu. Rebel era amplamente considerado por suas técnicas de orquestração, ideias e habilidades. E assim o Revile orquestrou a peça Mussorgsky para orquestra completa como uma peça de piano de Mussorgsky. Mas Ravel escreveu para orquestra completa. Estudo muito interessante. É por isso que você costuma vê-lo como renascimento do hífen Mussorgsky. Este não é um nome hifenizado. Há duas pessoas. Mussorgsky escreveu a peça, revolta orquestrada. Vai olhar para um pouco disso. Ok, então vamos mergulhar em diamante com a bock. Deixe-me dizer primeiro, você pode encontrar PDFs dessas pontuações. Para problemas de direitos autorais. Não posso por motivos de direitos autorais, não posso simplesmente dar-lhe PDFs deles. São coisas publicadas, estão à venda. Se você cavar por lugares online e estranhos, provavelmente poderá encontrá-los. Acho que o que vou ter que fazer só para demonstrar, vou tirar fotos de algumas páginas e colocá-las nas telas que podemos separá-las. Só teremos que fazer isso por causa de coisas de direitos autorais. Aqui vamos nós. 47. Bach, missa em B Minor: Mudei de ideia ao tirar fotos de cada página porque quero saltar entre várias páginas. Então, vou tentar aumentar o zoom com minha câmera aqui em algumas coisas. Vejamos isso primeiro. Então estamos bem no início do bloco B Minor Mass, apenas algumas páginas na barra 12. Vejamos esta pequena passagem aqui. Então temos duas flautas, duas oboé e fagote. Temos flauta, um, um oboé, um dobrou. Temos flauta T2 e o Ubuntu dobrado. Então, ambos são dobrados no uníssono. Mas eles são um relacionamento um com o outro. Esta é uma harmonia do topo. Então, vamos ver apenas a parte da flauta. Flauta t2 é uma harmonia de flauta um, então isso está dobrando em intervalos diferentes e está se movendo entre intervalos. Tem uma forma um pouco diferente. É uma linha semelhante. Está reforçando essa linha através de uma harmonia, mas é dobrada no uníssono pelo oboé, o fagote, adicionando uma terceira linha, que poderíamos chamar de parte dela. Ou podemos dizer que é própria coisa porque tem uma forma diferente. Tipo de movimentos em direção diferente. mesma coisa no violino aqui, poderíamos chamá-lo de coisa própria, o que eu provavelmente faria neste caso. Bem, aqui em um segundo, mas eu quero avançar para mais algumas coisas. Vamos aqui. São apenas algumas páginas adiante disso. Vejamos esses padrões de oitava nota aqui. Essa ideia de dobrar a flauta um e Obama ganhou em uníssono e fluido para um Ubuntu no uníssono. Acho que isso é muito tipo de indicativo desse estilo. Isso é um som barroco. Mas o que vamos achar muito aqui. Aqui é dobrado em uníssono todo o caminho e depois voou T2 e OB2 dobraram. Pequenas variações aqui. Pequenas variações aqui. Podemos ver isso. Vamos ver qual é nossa harmonia aqui. Porque agora ele tem a mesma forma. Então B a D, então estamos em um sexto, e depois subimos um sexto ou um terço invertido. Isso ao longo desta peça, acho que vamos encontrar muito desse fluido, um sobre um dobrando no uníssono, gripe T2 e CO2 dobrando no uníssono. E na maioria das vezes, a flauta 2s para você e AVO2 vai apoiar a flauta um e mais de um. Então, vamos aqui. Vai desde o início da peça e tentarei acompanhar a pontuação. Então, é meio difícil de fazer, mas veremos que podemos fazer isso só receberá algumas páginas. E vamos ver o que acontece. Vou tentar apontar as passagens que acabamos de olhar. Aqui vamos nós. Vou me concentrar nos ventos. Tudo bem, cheguei um pouco à frente. Isso é estranhamente difícil de seguir, especialmente quando você está olhando através de uma câmera atrasada e tentando descobrir onde você está, mas espero que você tenha pego algumas dessas coisas. Você pode encontrar toneladas de gravações desta peça online. 48. Tchaikovsky, Symphony #6: Verifique seis. Outra pequena pontuação. Vamos mergulhar. Eu quero ir para esta parte, então estamos bem no começo. Outra peça logo no início, porque você pode encontrar exemplos disso em todo o lugar e o início é fácil , porque então podemos carregar como um vídeo do YouTube e ouvir e chegar a isso local. Quero me concentrar aqui. Então, primeiro vamos dar uma olhada nesta passagem aqui. Isso é tudo cordas. Violino, um violento para viola. Violoncelo dividido ao meio e o rosto se divide ao meio. Então primeiro violino, violino um. Vamos ver, temos F-sharp, AAD, violento para dobrar em harmonia. Floresta para baixo. Desculpe, um quinto para baixo. Para toda essa linha. Viola em oitavas com violino, uma. Para toda essa passagem. Violoncelo, primeira metade da seção. Vamos ver o que temos aqui em D E, F afiado, B afiado. Então, em outra harmonia, conte-nos a segunda seção. Segunda metade, na verdade em uníssono com a primeira metade. Portanto, não há nada diferente entre as duas metades dos companheiros. Você pode dizer a si mesmo, por que, por que estamos dividindo o violoncelo é então deve haver uma necessidade disso mais cedo ou mais tarde. Eles simplesmente não estão divididos neste momento em particular. Na verdade, se voltarmos apenas algumas notas, temos dois nós diferentes aqui. Portanto, há motivos. Bases, acho que o mesmo negócio, eles serão os mesmos neste bar em particular. Mas o que eles estão fazendo? D? Eles são uma espécie de variação do que os desafios estão fazendo. Uma espécie de versão simplificada do que o violoncelo é, estão fazendo. E depois outra oitava. Tão interessante lá. Há coisas ainda mais interessantes acontecendo. Vamos até aqui, bem aqui. Temos flauta, oboé, clarinete em a. Isso não é um escore de transposição. Não, desculpe, esta é uma pontuação de transposição. Portanto, não estamos olhando para os arremessos de som reais aqui. Estamos olhando para os arremessos de placas, o que significa que estou determinado a estragar tudo. Nota lateral se você quiser saber muito rapidamente se você está ou não olhando para uma pontuação de transposição ou não, veja as principais assinaturas. Se houver assinaturas-chave diferentes, você está olhando para uma pontuação de transposição. As strings estão todas em C. Eles terão a mesma assinatura de chave, clefs diferentes, mas a mesma assinatura de chave. Podemos ver aqui este clarinete em um, que é o que diz lá, tem uma assinatura chave diferente, então sabemos que ele não é transposto. Mas vamos ver o que está acontecendo aqui. Temos um F e um F, então flauta um, uma oitava acima, oboé um. Então, esses estão em uníssono. Desculpe, essas são uma oitava à parte. E eles estão dobrando na oitava. É claro que um, eu vou, vou limpar a transposição aqui, mas tenho certeza de que esta é outra oitava para baixo. três oitavas são a mesma coisa. Legal. Vamos ouvir um pouco disso. Vou colocar isso aqui para que eu possa chamá-lo quando chegarmos lá por cerca de cinco páginas, mas isso não tem uma abertura muito lenta, então veremos se conseguimos chegar lá. Esta é apenas uma das minhas peças de orquestra favoritas de todos os tempos , então eu recomendo que você a ouça na íntegra. Mas vamos ver no início, esse belo fagote solo e material base para abrir. Vá mais rápido, se torna nossa parte. Vamos começar aqui para colocá-lo bem ali. Os ventos nisso e veja onde isso estava. Isso foi aqui. mesma coisa. Duplicando. Desta vez, passamos para a flauta para um bom exemplo de Dublin ativo. 49. Mussorgsky (Ravel), fotos em uma exposição: Certo, agora estamos em fotos em uma expedição. Então esta é esta maravilhosa peça Mussorgsky orquestrada por um rebelde. Eu encorajo você a ouvir tudo isso, obter uma cópia da partitura e realmente estudá-la porque é um trabalho mestre e orquestração. Começa com essa coisa de fanfarra de bronze. É nisso que eu realmente quero focar. Então, mesmo que pareça aqui que temos Trumbull, isso é realmente trompete porque acho que estamos dentro, acho que foram os franceses aqui. Então traumas, trompete, brega é chifre e trombone. Trombone soa terrivelmente italiano, seja lá o que for. Então temos esse solo de trompete e , em seguida, todo esse tipo de fanfarra de bronze aqui. Quero focar apenas nisso e ver se podemos pegar um coração, como isso foi orquestrado. Vamos ouvir isso primeiro. Aqui vamos nós. Certo, então primeiro temos essa melodia de trompete. Agora vamos olhar primeiro. A primeira coisa a notar aqui é que definitivamente temos algo em tudo isso que é a liderança, que é a melodia. Porque é só isso repetido novamente. G, F B plano, C, F D, G, B plano, CFD. Legal. Vamos ver como descobrimos nossos instrumentos aqui. Estamos, estamos em terra de transposição aqui estão chifres ou F, ou trombetas estão em C. Em nossos trombones não há nenhum. Vejamos exatamente o que nossas trombetas estão fazendo aqui. Temos três trombetas e cada um deles está recebendo sua própria nota aqui, o que você pode fazer. Tudo bem. O G, Ele está dobrando em uma harmonia para fazer tríades completas de tudo isso, certo? Aqui, ele não tem uma oitava. E depois até esse F, e depois para baixo. Este é como aquele exemplo que analisamos, acho que o sexto 1, sexto método que eu estava fazendo onde acabamos com tríades dobrando tudo com oitavas. Ele deixou de fora esta 1 oitava nota. Isso não harmonizou isso. Mas é porque eu acho que isso teria soado engraçado se tudo subisse e tirasse da qualidade solo daquela linha de melodia. Mas acho que estamos vendo nos chifres também é apenas mais apoio dessas harmonias. E a mesma coisa na tuba. Vamos encontrar outro local legal. Talvez aqui na próxima página. Grupos, temos algumas dobras de oitava nas cordas que são boas. Bem aqui. Uma oitava entre os dois violinos, meio que indo até aqui. Outra coisa que é muito legal sobre a partitura enquanto estamos aqui é se eu subir um pouco, Aqui está a peça original para piano. Ainda está meio aqui. Esta edição da pontuação. Eles deixaram a peça de piano dentro. Você pode ver como o que Mussorgsky escreveu e como o giratório meio que o separou nessa coisa maior. Deixe-me voltar aqui para você. Então ele tem isso, esses padrões de oitava nota e está aqui nas cordas, mas ele também adiciona esses floreios nos ventos. É muito bom. De qualquer forma, tão boa oitava dobrando aqui nos pontos fortes. 50. O que vem a seguir?: Certo, chegamos ao final desta seção. No entanto, é preciso haver mais uma carne real da porção de orquestração desta classe. Então, acho que vamos estar em grupos de dois. Então, tivemos essas duas primeiras classes, parte 12 desta série, que estamos focados na instrumentação. Agora vamos ter dois que estão focados na orquestração propriamente dita. E então teremos pelo menos um provavelmente para focar nas coisas mais desde a ilustração. Então, mais uma em seguida, a parte quatro será orquestração novamente. Mas no próximo, vamos nos concentrar em conjuntos específicos e famílias de instrumentos. Você pode pensar nisso como mais da orquestração horizontal. Enquanto nesta classe o que fizemos principalmente foi o peso vertical. Oposto disso, o vert, a horizontal é o que fizemos nesta classe. O próximo será vertical. Nós olhamos para as linhas, hum, como empilhá-las para dobrá-las cria sons únicos. Mas, em seguida, vamos olhar para as cordas. Como posso fazer o melhor som para as cordas? Como posso fazer o melhor som para o bronze? E como posso fazer o melhor som para os ventos também olhará para a orquestra como um todo. E então outros conjuntos como bandas de bronze, conjuntos de vento, banda de concertos, por assim dizer, que é um conjunto particular para o qual acho bastante aterrorizante escrever. Conjuntos de percussão. Sou Wind Quintet. Alguns outros conjuntos padrão vão olhar, porque olhar para eles pode ser uma maneira muito boa de se concentrar em como escrever muito bem para os ventos. E então isso se aplica perfeitamente quando estamos olhando para a seção de vento de uma orquestra. Isso será o próximo, a vertical. Sim, elemento vertical de escrita para conjunto. 51. Finalização: Ei pessoal, querem saber mais sobre o que estou fazendo. Você pode se inscrever na minha lista de e-mails aqui. E se você fizer isso, vou informá-lo sobre quando novos cursos forem lançados e quando eu fizer adições ou alterações nos cursos nos quais você já está matriculado. Além disso, confira neste site. Eu posto muitas coisas lá e verifico isso todos os dias. Então, por favor, venha sair comigo. E um desses dois lugares são ou ambos? E vamos vê-lo lá.