Mais que iniciante: dicas e truques para elevar o nível de suas aquarelas | Anne Butera | Skillshare
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Mais que iniciante: dicas e truques para elevar o nível de suas aquarelas

teacher avatar Anne Butera, Artist. Instigating creativity and joy.

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução

      1:47

    • 2.

      Sobre este curso

      3:31

    • 3.

      Dê uma turbinada no seu material

      17:16

    • 4.

      Misture para fazer suas próprias cores

      19:13

    • 5.

      Pare e observe

      12:44

    • 6.

      Composição

      6:56

    • 7.

      Controle da água

      17:43

    • 8.

      A habilidade mais importante

      4:24

    • 9.

      Uma pétala de cada vez

      2:45

    • 10.

      Objetos sobrepostos

      14:38

    • 11.

      Cores em camadas

      8:07

    • 12.

      Lifting

      5:55

    • 13.

      Adição de detalhes

      9:04

    • 14.

      É com você

      6:37

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

4.776

Estudantes

27

Projetos

Sobre este curso

Bateu a frustração com seus progressos em aprender aquarela? Como artista autodidata, sei bem como pode ser complicado trabalhar com aquarela e que precisamos de tempo e prática para desenvolver as habilidades que nos deixem felizes com essa arte. Mas também sei que é possível aprender essas habilidades. Pintar não é necessariamente um talento com o qual você nasce!

Neste curso, você vai ver minhas sugestões e dicas, além de técnicas e truques que aprendi em dez anos de experiência com a pintura. É um curso que foi desenvolvido para ajudar você a ultrapassar o nível iniciante e se sentir mais à vontade ao trabalhar com essa aquarela.

Para demonstrar os conceitos que compartilho no curso, uso minhas primeiras pinturas como exemplo, e mostro como eu poderia ter feito melhor. Além disso, levo os estudantes para dentro do meu processo de trabalho, e mostro meus próprios esboços e exercícios.

Você aprenderá:

  • A importância de usar materiais de qualidade
  • Misturar cores que resultem em tons únicos para que suas pinturas tenham um visual natural
  • Que aprender a analisar e observar o que você quer pintar, vai fazer você pintar melhor
  • Como acertar a composição
  • Como controlar a quantidade de água que você usa
  • O segredo, a habilidade que você mais precisa para aprender a pintar
  • Que pintar uma pétala de cada vez faz suas flores parecerem mais reais
  • Dicas para pintar objetos sobrepostos
  • Técnicas para pintar em camadas
  • Dicas de como manipular a tinta no papel
  • A importância de incluir detalhes definidos

Espero que, depois de terminar o curso, você possa observar seu trabalho de forma crítica para enxergar o que precisa fazer para melhorar.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Anne Butera

Artist. Instigating creativity and joy.

Top Teacher

I'm a full-time artist, art educator and writer, but for a long time I believed I wasn't good at art and could never be an artist.

The beginning of my story might sound similar to yours. When I was a child I loved to make things, but as I grew up I "learned" I wasn't good at art and stopped making it.

But that wasn't the end of my story.

I love teaching on Skillshare because through my classes I can help YOU reclaim YOUR creativity. I know what it's like to yearn to make art but not know where to start.

Are you ready to begin rewriting your story?

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Level: Beginner

Nota do curso

As expectativas foram atingidas?
    Superou!
  • 0%
  • Sim
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  • Um pouco
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  • Não
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Transcrições

1. Introdução: Acho que muitos de nós acreditam que a pintura é um talento com o qual nascemos ou não, ou é uma habilidade que, se não desenvolvermos quando criança, nunca conseguiremos. No entanto, desejamos ser criativos. Olhamos para a arte de outras pessoas e desejamos poder fazer isso também. Se esse desejo, esse desejo ficar forte o suficiente, talvez nós compramos algumas tintas, pegamos um pincel, e experimentamos nós mesmos. Nós pintamos e o que aparece na página, não a bela arte que desejamos que pudéssemos fazer, mas os primeiros pincelados tentativos de um iniciante. Era eu há dez anos. Mas em vez de parar depois das primeiras pinceladas, eu continuei. Sou Anne Butera. Sou autodidata, então aprendi cometendo erros, mexendo e batendo paredes, mas nunca desisti. Levou anos de tentativa e erro, experimentos e brincadeiras, mas, eventualmente, fui além de ser iniciante e hoje trabalho como artista profissional. Se eu tivesse desistido dos meus sonhos, isso nunca teria acontecido. Eu não quero que você desista também. Esta aula foi projetada para ajudar você a superar a frustração de aprender aquarela. Compartilho dicas e técnicas que aprendi ao longo do caminho, muitas das quais, se soubesse desde o início, teriam aliviado a minha confusão. Alguns são fáceis e rápidos, outros vão precisar de mais prática. A única maneira de aprender a pintar é pintando. Eu realmente acredito que se eu posso fazer isso, você também pode. Se você está pronto para levar suas cores de água para o próximo nível, eu vou te ver na aula. 2. Sobre este curso: Cresci pensando que não era bom em fazer arte. Embora eu tenha gostado, eu não persegui a arte em tudo. Eu tinha a idéia de que a arte era um talento que você tinha ou não tinha, quando na verdade, aprender a pintar, aprender a desenhar, essas são habilidades que qualquer um pode desenvolver se trabalhar nelas. Se eles têm a paciência e, em seguida, dirigir e a ambição de continuar, e a coragem de não desistir. Nesta aula, vou compartilhar algumas dicas, técnicas e sugestões de coisas que eu desejava saber quando estava progredindo em minha jornada artística. Eu realmente espero que eles sejam úteis para você. Ao longo desta aula, vou compartilhar algumas das minhas primeiras pinturas com você e você pode ver que elas não são muito boas. O importante é que eu não me desencorajei e não desisti. Poucas pessoas se sentam para pintar e pintar uma obra-prima. Ou até mesmo pintar algo que é considerado bom quando eles se sentam para pintar pela primeira vez. Então, por favor, não desanime. Quero que continue. Se nada mais, espero que esta aula te encoraje a não desistir. Eu não acho que muitos artistas profissionais compartilham seus primeiros trabalhos e suas pinturas fracassadas, e eu entendo totalmente o porquê. Minha arte e viagem não é um segredo, está tudo lá fora no meu blog original. Eu acho que é importante compartilhar com meus alunos de onde eu venho, porque a linha de fundo sempre é, eu quero encorajar e inspirar você a continuar, acreditar em seus belos sonhos e não conseguir desencorajado como você está aprendendo a pintar. Leva tempo. Dê a si mesmo esse tempo. Não há nada para se envergonhar ou envergonhar se você é um iniciante. Espero que todas essas dicas, truques e sugestões sejam úteis para você. Sinta-se livre para pular de uma lição para outra para abordar qualquer coisa com que você esteja lutando especificamente. Durante toda a aula, a qualquer momento, contacte-me aqui no Skillshare ou envie-me um e-mail, anne@mygiantstrawberry.com com perguntas ou para partilhar algumas frustrações. Eu vou ter certeza de voltar para você. Eu quero que você não se apresse nesta aula também. Tire algum tempo para digerir cada lição e pense em como você pode construir uma habilidade após a outra. Isso não é algo que vai acontecer da noite para o dia, então dê tempo para aprender e se desenvolver. Por que não começamos? Na próxima lição, eu vou falar sobre suprimentos porque eu acho que atualizar seus suprimentos é uma das maneiras mais rápidas e fáceis de você subir de nível sua arte. 3. Dê uma turbinada no seu material: Eu sempre encorajo meus alunos a usar o que você tem quando você está aprendendo a fazer arte. Não há necessidade de acumular muitos suprimentos e materiais para se divertir e encontrar alegria no processo de criação. Mas quando você está indo além de ser um iniciante, faz um enorme impacto, atualizar seus suprimentos. Usar tinta, papel e pincéis de qualidade profissional ajudará a melhorar suas artes. Vou mostrar-vos exemplos do que quero dizer. Vou começar falando sobre pintura, e mostrando alguns exemplos. Tenho dois sets aqui para comparar. Um deles, este conjunto de aquarela é por [inaudível], e é um conjunto de qualidade escolar muito barato. No pacote para o set, não há muita informação. Você não vê nenhum dos nomes dos pigmentos. Não lhe dá nenhuma informação sobre a solidez da luz ou muito sobre a transparência das cores. Este é outro conjunto pela Ark São Petersburgo, que é uma empresa russa. Há muito mais informações aqui dizendo a você a transparência, a solidez da luz. Você vê todos esses nomes que incluem os nomes de pigmentos como cádmio, limão, e matéria lago vermelho, todos eles são nomeados. Olhando para as próprias tintas, você pode ver uma diferença distinta. As tintas Ark São Petersburgo são muito úmidas. Estas tintas [inaudíveis] são muito secas. Apenas imediatamente, olhando para os conjuntos, você pode obter um monte de informações sobre as diferenças entre eles. Quando olhamos para essas tintas no papel, você pode ver essas diferenças ainda mais claramente. As tintas mais baratas são muito pálidas. As tintas de alta qualidade são muito mais ricas, e mais intensas, muito mais pigmentadas. Basta olhar para estes no papel, você já pode dizer onde você vai encontrar algumas frustrações trabalhando com o conjunto mais barato sobre o conjunto de mais alta qualidade. Vamos falar de papel agora. Ambos os exemplos foram pintados neste papel aquarela Canson XL. Este é um papel bastante barato, mas é de 140 libras, o que é um bom peso do papel aquarela. Também é livre de ácido, mas não diz do que é feito. Quero mostrar algumas amostras que criei de ambas as tintas em papel de alta qualidade. Este artigo é de Arches, também pronunciado Arch por algumas pessoas. É 140 libras, e é uma prensa fria como a outra. É feito de 100% algodão. Se compararmos esses dois papéis, você pode ver nas tintas mais baratas, a tinta não absorveu bem no papel. Você tem algumas linhas, algumas irregularidades, alguma mancha. Olhando para as tintas mais baratas, é muito aparente, elas parecem mais bonitas no papel mais caro. Se você olhar para as tintas de maior qualidade em ambos os papéis, você pode ver a mesma diferença marcada. A tinta não é absorvida bem no papel mais barato. Não é tão uniforme, não é tão uniforme. Você pode ver imediatamente onde, mesmo usando tintas de alta qualidade lhe dará algumas frustrações, se você estiver usando papel mais barato. Vejamos isso em ação. Vou começar com a pintura de qualidade escolar. Estou esfregando minha escova molhada contra a panela, e tentando pegar o máximo de tinta que puder. Olhando para o pincel, você pode ver que não há muita tinta lá. Ir para o jornal, é lindo, mas não é muito intenso. Vamos tentar isso com a tinta da Arca de São Petersburgo. Olha como isso é diferente. É tão profundo e rico. Posso obter alguns tons mais claros adicionando mais água. Essa é uma das belezas da aquarela. Você pode obter algumas cores muito pálidas apenas adicionando água. Mas quanto menos tinta de alta qualidade, eu simplesmente não consigo obter a intensidade da cor. Experimentá-lo no papel de alta qualidade, pode ser um pouco mais profundo de uma cor com aquela pintura escolástica, mas ele não chegar perto tão escuro quanto eu posso obter com a pintura de qualidade profissional. Isso dá a você uma idéia de como as diferentes tintas e papéis reagem juntos quando você está trabalhando com eles na página. Eu só quero fazer uma nota sobre a qualidade dos materiais. Só porque algo é de alta qualidade, só porque algo é caro ou feito na Itália como esses dois blocos de papel, isso não significa que vai funcionar bem para você, ou que a qualidade vai ser a mesma que algo outra coisa que também é caro. Estes dois quarteirões, eles parecem que eles devem funcionar muito bem, mas ambos foram muito decepcionantes para mim. Esta rodada, a tinta não quer ir para baixo em tudo bem na página. É como se o papel estivesse resistindo à tinta e à água, e você está obtendo resultados muito erráticos. Este outro bloco, parece que no início caiu bem a tinta, mas então as bordas começam a se espalhar, e sangrar, e isso é algo que você realmente não quer que aconteça. Você quer saber onde sua tinta está caindo, e que ela vai ficar onde você colocou. Essa é uma das coisas que é importante para a aquarela. Se você está fazendo linhas finas como estas, e elas começam a sangrar, e ficam confusas. Se não é esse o olhar que procura, vai ser muito frustrante para você. Pode ser útil fazer alguma pesquisa, ler comentários e experimentar coisas antes de comprar um monte de um único fornecimento. Vamos falar de pincéis. pincéis são o terceiro fornecimento que irá ajudá-lo a melhorar o seu jogo, se você atualizou seus pincéis. Vou começar com este pincel muito barato. Isto veio com aquele conjunto escolar. Se você estiver usando um pincel de baixa qualidade, atualizar será uma revelação. Deixa-me dizer-te. Eu vou ver como eu posso fazer com este aqui. Tentando fazer uma variedade de marcas. Este pincel realmente não quer interagir com o papel muito bem. Não está espalhando a tinta muito bem por toda a página. As cerdas, os cabelos não estão se segurando muito bem. Eu posso obter uma variedade de marcas, mas é preciso muito trabalho, e não é muito fácil de usar. Eu também sinto como se esses cabelos provavelmente caíssem muito rapidamente. Essa é uma das outras frustrações com um pincel barato. Isso não é muito divertido de usar. Em contraste, eu vou dar um passo para cima. Este é um pincel artesanal de, Eu acho que foi Michaels Craft Store em com as tintas acrílicas. Você pode ver imediatamente o quanto mais bem isso funciona com o papel, mas os cabelos não querem ficar em um ponto muito bem, menos que você tenha muita água em seu pincel. Eles estão se separando um pouco, modo que pode causar frustração com os pincéis mais baratos. Este é um pincel de Princeton. Eu não tenho certeza de que linha, talvez apenas a linha básica deles. Vamos ver como este se sai. Este é muito bom para trabalhar. Estou recebendo uma variedade de larguras das minhas marcas. Algumas marcas mais largas, algumas marcas mais finas, esta é boa para trabalhar. O pincel é responsivo, funciona bem no papel. Finalmente, esta é a longa rodada de Princeton Velvetouch. Esta é a minha série favorita de pincéis agora. Eles criam o maravilhoso ponto fino com a forma longa do pincel. Eu posso conseguir uma variedade de marcas, então eu acho que eu preciso de um pouco mais de água aqui. Vamos tentar de novo. O pincel também se sente bem na sua mão. Essa alça de toque de veludo é muito macia. Mas como pintor botânico de aquarela que pinta pinturas realisticamente e muito detalhadas, gosto de pintar muitas linhas finas quando estou trabalhando. Um pincel como este me permite pintar pequenos detalhes e também algumas marcas mais largas, ele contém um monte de tinta também. Uma vez carregada com tinta, posso pintar linhas finas muito longas. Vou continuar a pintar muitas linhas finas ou pintar marcas mais largas também. Isso dá-lhe uma ideia da diferença que os pincéis diferentes fazem para a sua pintura em aquarela. Outra coisa que estes pincéis de ponteiro fino permitirá que você faça é pintar direito contra outro objeto. Se você estiver pintando objetos sobrepostos ou duas partes de uma flor que estão batendo um contra o outro, o pincel pontiagudo muito fino permitirá que você faça isso, então você não terá muita sobreposição com seus pincelados e ele vai lhe dar linhas bem claras e distintas. Quero mostrar-vos alguns exemplos de algumas pinturas. Aqui está uma pintura antiga minha. Você pode ver que há muita coisa acontecendo aqui. Eu era muito iniciante quando estava pintando isso. Há alguns problemas com a maneira como a tinta está caindo no papel. Olhando para isso, é claro que eu estava usando tinta de menor qualidade, papel de menor qualidade, e também pincéis. Algumas dessas linhas são boas. Estes pequenos botões são bastante distintos, mas algumas das linhas não são muito uniformes. Você pode ver que a oscilação um pouco. Parte disso é devido à habilidade, mas também apenas pela qualidade do pincel. Sabendo que você está indo para obter uma linha fina ou mesmo linha com um pincel de alta qualidade como eu mostrei anteriormente, isso simplesmente não está acontecendo aqui. Além disso, a maneira como a tinta está reagindo com o papel, parece quase como se algumas dessas áreas estivessem danificadas possivelmente por várias camadas de tinta. A forma como a tinta está sangrando e misturando na página não é muito uniforme e não muito controlada. Parte disso, tenho certeza que é devido ao jornal. Você pode ver aqui, quase parece que o papel está danificado por muita tinta, muita atenção do pincel. Aquela pintura, embora as habilidades ainda não estivessem lá, ter alguns materiais de melhor qualidade teria melhorado a pintura. Aqui está uma pintura mais recente. É outra pintura em uma panela, embora de um tipo diferente. Você pode ver que a tinta está se misturando de maneiras mais interessantes e controladas porque é um papel melhor e melhor pintura. Os detalhes aqui são muito finos e distintos. As áreas sobrepostas são com bordas limpas, ao contrário desta pintura anterior. A mistura de cores é muito mais agradável, a forma como o papel e a tinta reagiram. Aqui está outro exemplo. Você pode ver as folhas sobrepostas em ambas as pinturas mais recentes, é muito mais limpo. O pincel conseguiu chegar perto. Também a mistura aqui neste pote é muito uniforme e agradável. Foi muito mais efeitos interessantes acontecendo, graças ao papel de alta qualidade e pintura e também pincéis. Aqui está outra pintura antiga. Você pode ver alguns desses mesmos problemas acontecendo. A mistura de uma tinta não é muito uniforme. A mistura neste pote, as bordas das folhas é um pouco melhor do que a outra, mas ainda há alguns problemas com a forma como o papel está reagindo à tinta. Eu posso ver que não é muito uniformemente absorvido na página e as cores, quando há um par de cores juntas, eles não estão se misturando muito bem. Alguns desses detalhes são pintados com mais cuidado do que na outra pintura. Poderia ser que o pincel que usei fosse melhor do que o pincel que usei para a outra pintura, mas a qualidade dos pincéis ainda não estava lá. Mais uma coisa, estas veias, tenho certeza que usei um alfinete ou uma agulha para arranhar o papel para criar estas veias. Você pode ver alguns danos no papel por causa desse efeito especialmente aqui. Se você tocar no papel, você pode sentir que é áspero do papel, ligeiramente se desintegrando. Um papel de maior qualidade levará esses efeitos muito mais bem. Aqui está uma pintura mais recente. Você pode ver novamente, as áreas sobrepostas são muito mais limpas e mais limpas. A mistura e efeitos interessantes no pote são mais controlados. papel de maior qualidade permite que isso aconteça sem a mistura desigual que você obtém nos papéis mais baratos. Você pode ver as luzes e escuras nestas folhas, os detalhes nas flores. Muito mais limpo e mais limpo também nesta pintura. Claro, um pouco disso é devido à habilidade, sim, porque eu tinha praticado e pintado muito entre aquela pintura inicial e essas pinturas posteriores. Mas também o papel de maior qualidade e tintas e escovas permitem que você faça coisas que os materiais de baixa qualidade não fazem. Espero que agora você tenha uma idéia de quão grande de um impacto pode ter em sua arte para atualizar seus materiais. Uma coisa que eu não falei foi como há uma vasta gama de diferentes marcas e tipos de tintas, papéis e pincéis. Você não precisa usar as mesmas marcas que eu prefiro usar, mas incluí meus favoritos no folheto para esta classe. Também estou vinculando meus vídeos de perguntas freqüentes do YouTube onde falo detalhadamente sobre os diferentes suprimentos que gosto de usar. Agora, quando você olha para seus quadros e está se sentindo frustrado, talvez você veja que pode ser com os materiais em si que você está se sentindo frustrado. 4. Misture para fazer suas próprias cores: Provavelmente a coisa mais importante que você pode aprender que ajudará a melhorar sua pintura em aquarela é como misturar suas cores. Agora, eu sei que isso provavelmente soa simplista, especialmente porque misturar cores pode parecer um tópico iniciante. Mas eu acho que ser capaz de misturar cores de aparência natural vai diferenciar o seu trabalho e trazê-lo para fora do estágio iniciante. Eu sou pintura de aquarela botânica e eu encontro minha inspiração na natureza. Se você sair e olhar para a natureza, há todo um espectro de cores, tantas cores que você nem pode nomeá-las todas ou descrevê-las. Uma cor de todos aqueles com quem trabalho muito, é verde. Qualquer planta que eu encontrar tem um pouco de verde nele. Os verdes que você verá em suas paletas de tintas de aquarela, ou em seus tubos de tinta de cor de água, não vão se parecer com as cores que você vê na natureza. Se você usar suas cores diretamente para fora das panelas ou diretamente para fora dos tubos, elas sempre vão parecer um pouco antinaturais. Vou mostrar-lhe alguns exemplos para que possa ver do que estou falando. Aqui está uma pintura minha. Como com as outras pinturas que mostrei na última lição, há muita coisa acontecendo aqui que eu poderia falar. Mas eu realmente quero me concentrar na cor. Isso é uma coisa que se destaca, especialmente este verde. Se você olhar atentamente para o verde nesta pintura, não é uma cor muito natural. Se você olhar para o roxo nas pétalas desta flor, não é um roxo de aparência muito natural. É uma cor lamacenta. Não é uma cor que você esperaria ver em uma flor na natureza. Logo de cara, se eu tivesse usado melhores misturas de cores, esta pintura teria sido mais bem sucedida. Eu não tenho outra flor de clematis ou clematis da mesma cor, mas eu vou te mostrar alguns outros quadros. Este, você pode ver, é claro que a habilidade melhorou, mas uma coisa que se destaca entre essas duas pinturas as cores mais naturais que parecem aqui nas folhas e também nas pétalas, mesmo que elas não sejam da mesma cor. Parecem muito mais naturais. As cores são mais cuidadosamente misturadas. Aqui está outro exemplo com duas variedades diferentes da flor. Você pode ver que as cores são muito mais naturais do que nesta pintura inicial. Isso realmente os diferencia. Ser capaz de misturar suas cores mais naturais, vai realmente ajudar a melhorar sua pintura. Aqui está outro exemplo. Esta é outra planta em vaso. Olhando para isto, a primeira coisa que se destaca para mim é o quão antinatural estes verdes parecem. Acho que nunca vi uma planta com folhas dessa cor. Se você olhar esta folha marrom, a folha que está morrendo e prestes a cair. Eu gosto desta cor o mais fora de todas as cores. O pote está bem, mas em termos de planta e folhas, até mesmo os caules, aquela cor que está naquela folha morta, realmente funciona melhor. O resto destes parecem realmente antinaturais, tanto os lados mais escuros das folhas quanto os lados mais claros. Agora eu não tenho outra, uma pintura da mesma planta, mas aqui está uma begônia em vaso. Você pode ver as cores dessas folhas. Mesmo que eles são folhas diferentes, uma planta diferente, a cor é muito mais natural. Também com este órgão, este verde quente e musgo, muito mais natural. Aqui está um verde mais profundo, mais escuro, ainda mais azul, mas parece muito mais natural. A cor não é algo que acabou de ser retirado da pintura. Este também com um par de cores diferentes de verde. Misturar um pouco de vermelho em seus verdes lhe dará uma aparência mais natural. Estes exemplos mostram a diferença que cores cuidadosamente misturadas podem fazer para suas pinturas. Um último exemplo. Esta é uma planta de chagas que eu pintei. Esta pode ser a minha primeira tentativa de pintar “nasturtiums”. Nasturtiums são uma das minhas coisas favoritas para pintar. Até tenho uma aula que mostra como pintar as flores. Olhando para esta pintura, uma coisa que realmente se destaca para mim é a cor. Novamente, a cor não é de aparência natural. Se você olhar para este caule aqui, a mistura de cores, simplesmente não parece natural. Eu realmente gosto do marrom misturado no caule nesta parte. Mas a cor azulada esverdeada aqui, simplesmente não parece uma cor natural. Além disso, estas folhas, esta cor é muito azul, e um verde azulado não natural, não algo que você veria na natureza. Como comparação, esta é a pintura de capuga mais recente que eu pintei. Claro, o nível de detalhe e habilidade melhorou muito em relação à minha primeira pintura. Mas se você está olhando para as cores, até mesmo as cores nas flores, a imagem mais recente é muito mais natural. Mais uma vez, tomar seu tempo para misturar suas próprias cores fará uma grande diferença para suas pinturas. Dominar a arte de misturar cores ajudará a abrir um mundo totalmente novo para você. Em vez de ser limitado ao número de cores em sua caixa de pintura, você terá uma quantidade ilimitada de cores. Eu demonstrei nas últimas lições, observando cores de um grande conjunto de tintas. Eu tenho um monte de tintas na minha coleção. A verdade é, porém, que você não precisa de um monte de cores para ser bem sucedido com sua pintura, e ter um monte de cores para trabalhar com. Eu sugiro, tudo que você precisa é: dois amarelos, dois azuis, dois vermelhos, talvez um preto, e um branco. Eu também recomendo um pouco de rosa. Por que dois amarelos, dois azuis e dois vermelhos? Por que duas de cada uma das cores primárias? Eu diria que você precisa de dois porque às vezes a cor que você está usando será uma versão quente de uma cor. Há vermelhos quentes e há vermelhos mais frios, há azuis quentes e há azuis mais frios. O mesmo vale para amarelos. Quando você usa essas diferentes temperaturas de cores, você será capaz de obter uma mistura que é uma temperatura diferente de cor. Misturando um verde, você pode obter verduras quentes ou verduras frescas, ou algo em algum lugar no meio. Ter duas dessas primárias abre ainda mais suas possibilidades. Preto e branco às vezes são desajeitados em círculos de aquarelas. Mas eu gosto de ter um preto porque é difícil misturar uma cor preta escura muito profunda. Você certamente pode fazê-lo, mas leva um monte de tinta, leva muito tempo, e talvez eu seja apenas um pouco preguiçoso para misturar a minha própria. Preto também é ótimo para adicionar a outras cores para escurecê-los, para enlameá-los, eu não uso muito. Branco também é útil para ter, não para usar para criar branco em sua pintura, porque isso não vai funcionar com aquarela, aquarela é transparente. Mas se você usar branco em suas misturas, isso os torna meio leitoso, isso os torna meio opaco. É realmente útil se você está fazendo, digamos, folhas de sálvia ou orelhas de cordeiro, que é uma planta, uma cor verde acinzentada. Misturar um pouco de branco em sua cor ajudará a dar essa cor difusa, opaca e peluda. Quanto ao rosa, rosa é realmente difícil de misturar. Se você pegar vermelho e misturá-lo com branco, ou se você tomar vermelho e diluí-lo com muita água, você não vai obter um rosa brilhante claro. Uma vez que eu adicionei um pouco de tinta rosa à minha coleção, realmente fez a diferença em termos de pintura de flores rosa. Um exercício que eu recomendaria para todos é, vendo quantas cores você pode misturar com apenas algumas tintas. Passando meticulosamente, adicionando um pouco de outra cor. Começando com azul, adicionando um pouco de amarelo, adicionando um pouco mais amarelo, adicionando um pouco mais amarelo, e aumentando continuamente a porcentagem de amarelo em sua mistura para lhe dar a gama mais completa de cores é um exercício de abertura dos olhos. Também é muito meditativo e calmante, e nestes tempos loucos, é uma prática maravilhosa apenas para a alegria disso. Aqui está a mistura de cores em ação. Quando você pega três cores e vê quantas cores você pode criar, então o amarelo, o azul e o vermelho. Tantas cores podem ser criadas apenas a partir desses três. A maneira como eu trabalho, eu começo com uma cor e aqui estou eu adicionando um pouco mais de azul para cada um deles. Mais azul aqui, mais azul aqui, e depois continuando. Começando com apenas esses dois, mas depois de misturar os dois, adicionando a terceira cor. Com as três cores, o vermelho, o amarelo e o azul, você tem todos os tipos de cinza e marrom, e há tantas cores bonitas. Aqui está outra folha mostrando uma enorme variedade de cinzas, marrons, verdes, ferrugem e roxos. Aqui está outro que eu ainda não terminei, mas apenas trabalhando, vendo quantas cores você pode misturar porque eu acho que é realmente ilimitado. Começando com essas três cores e mesmo apenas com duas cores, todos os roxos e, em seguida, adicionando a terceira cor , você começa ferrugem, e marrom, e verde musgo, e cinza, cores tão bonitas. Você não precisa de muitas cores em sua lata de tinta, em sua coleção de tintas, apenas algumas lhe darão cores quase ilimitadas. Aqui está outra página do meu livro de esboços. Por um lado, são apenas algumas amostras de cores, mas também algumas misturas. Apenas começando com um par de cores e, em seguida, adicionando a terceira cor, e você obtém tantos resultados interessantes. Também para verduras, se você começar com um verde que está no seu paladar, e então você mistura em algumas cores. Veja o que acontece quando você adiciona um pouco de amarelo ao seu verde, você obtém essas cores, e você pode usar um amarelo fresco primeiro e obter alguns verdes legais. Então você pode usar um amarelo mais quente e obter alguns verdes mais quentes. Então, quando você adiciona um pouco de vermelho a que você obtém alguns maravilhosos verdes profundos, e algumas enferrujações, e alguns marrons. Apenas experimentando e vendo toda a gama de cores que você pode obter com apenas uma paleta muito limitada, é simplesmente realmente incrível para mim e é quase mágico. Você não precisa comprar tinta marrom, você não precisa comprar tinta cinza, ambos são facilmente misturados. Uma coisa que eu quero salientar é que é importante seguir seu próprio olho quando você está criando suas misturas de tinta. Não importa quais cores eu estou usando, não importa quais cores estão em minha coleção de tintas, importa quais cores estão em sua coleção e quais cores você tem e está usando para sua própria arte. Se você está tendo outra aula para mim e eu lhe mostrar como pintar uma planta ou uma flor, não se preocupe em recriar a mistura de cores exata que eu uso. Olhe para sua coleção de tintas e veja seus experimentos misturando cores e veja qual cor pode funcionar. Ou apenas ser curioso e se perguntar, que combinação de cores eu gostaria usar para fazer o verde que eu vejo nesta planta ou flor? Eu acho que você será mais bem sucedido quando estiver trabalhando com sua própria curiosidade, sua própria criatividade, e não tentar recriar algo que outra pessoa fez. Eu não estou dizendo que você não deve ter aulas de outras pessoas, eu não estou dizendo que você não deve seguir os exemplos de outras pessoas ou usar suas técnicas. Mas eu acho que ser capaz de ter uma prática sustentável e pintar qualquer coisa que você encontrar que você quer pintar, você tem que ter a capacidade de olhar para alguma coisa. Olhe para suas tintas, olhe para sua memória e sua experiência com mistura de cores e crie suas misturas de cores dessa maneira. Sei que é uma habilidade que precisa construir. Quando eu trabalho com meus alunos iniciantes, eles muitas vezes lutam com isso, sendo capazes de criar a cor que eles querem misturar, sem ter confiança em sua própria capacidade de mistura. Direi que seja paciente, trabalhe com isso, pratique, faça muita mistura de cores, faça muitas experiências com cores. Quando estiver pintando uma planta ou uma flor, jogue no seu caderno de esboços, tome muitas notas. Escreva notas para si mesmo sobre as cores que você cria. Esta cor é um pouco azul demais? Esta cor está um pouco fora procurando por algum motivo que você nem tem certeza? Essa cor ficou muito enlameada? Ser capaz de olhar para o seu trabalho com esse olhar crítico, sem dizer, “Oh, isso é terrível”, ou algo assim. Mas ser capaz de criticar o que você faz, seja mistura de cores, que é o que estamos falando agora, ou uma das outras habilidades que falaremos mais tarde, isso vai realmente ajudá-lo em seu desenvolvimento. Peço que seja paciente, aproveite o processo, e se divirta brincando com cores. Aqui está outro exemplo de algumas páginas do livro de esboços que são úteis. Se você gravar as cores que está misturando, não apenas seus experimentos, mas também quando estiver tentando obter uma cor específica, faça anotações, quais cores você usou? Aqui estão alguns roxos que eu estava criando para algumas flores de viola, e alguns verdes que eu estava criando para aquelas folhas de viola e caules, e eu escrevi anotações meticulosas sobre as cores que eu usei. Assim, se eu quiser recriar as mesmas cores em outra pintura, saberei o que usei. Esta página mostra as cores que eu misturei para a minha cor de vaso de argila favorita. Uma das coisas que é ótimo sobre esta mistura é que a turquesa cobalto cria um efeito tão interessante. A cor, esse pigmento vai granular fora de sua mistura, e assim você tem algum sombreamento modelado em sua mistura, as cores que saem dessa mistura. Ele cria um efeitos realmente interessantes. Manter o controle das cores e como elas funcionam também é muito útil. Essa luz azul-turquesa cobalto é divertido de brincar para obter alguns efeitos interessantes. Eles não são muito controláveis, o que torna divertido e interessante também. Espero que falar de cor tenha aberto seus olhos para toda uma gama de possibilidades, e espero que você passe algum tempo brincando com suas tintas, experimentando, sendo curioso, sendo aberto a possibilidades. Perguntando a si mesmo, o que aconteceria se eu misturasse isto e isto? O que aconteceria se eu usasse um pouco mais dessa cor? Ser capaz de experimentar assim, estar aberto a ideias e possibilidades, ser curioso sobre a cor vai realmente ajudá-lo à medida que você se move através de sua jornada criativa. 5. Pare e observe: Além de ser capaz de misturar as cores que você vê, uma das habilidades mais importantes que você pode aprimorar é observar-se a si mesmo. Então, como artista botânico, passo muito tempo observando no meu jardim e levando o que cresci para o meu estúdio e observando-o lá. As duas ferramentas mais úteis para a minha observação são os meus olhos e o meu lápis. Olhe para as flores. Que formas você vê nas flores? Como as pétalas se ligam umas às outras? Que padrões você vê? Que cores diferentes você vê? Quais são as formas das folhas e como elas se prendem ao caule? Como a flor se liga ao caule? Em seguida, no seu caderno de esboços, o que você está fazendo é apenas observar com seu lápis ou com sua caneta. Então pegando o que você vê e colocando no papel. Todas essas curiosidades, todas as perguntas que você faz, são respondidas com lápis ou com caneta. Então, quando você se senta para criar sua pintura, você sabe como vai ser, e isso vai ajudá-lo a ter mais sucesso. Mas começa sempre com os olhos olhando, fazendo perguntas, comparando uma flor com outra. Como essas pétalas de flores são diferentes de outra flor? As pétalas são da mesma cor em ambos os lados? A flor é simétrica? E quanto às folhas? As folhas são simétricas? Eles são opostos um ao outro ou nas hastes? Como são os botões? Em seguida, pegue essas perguntas e responda-as no papel. Pegue essas perguntas e resolva-as com o que você vê, modo que quando você se sentar para pintar, você não vai ficar babando. Você não vai estar se perguntando, como é um broto enquanto você está pintando, porque você já vai saber. Então não pule a parte da observação, olhe com cuidado. Olhe para as folhas, olhe para os botões florais, olhe para os centros das flores, todas essas coisas. Você pode então treinar e capturar no papel, observar, fazer perguntas, anotar perguntas em seu caderno de esboços, anotar suas observações, ficar muito detalhado, e então isso irá ajudá-lo quando você estiver fazendo sua final pinturas porque você vai saber como o seu assunto se parece. Se você não está pintando realisticamente, então você não precisa de todos os detalhes em sua pintura. Mas se você está pintando realisticamente e você está pintando botânicos detalhados, os tipos de pinturas que eu pinto com mais frequência, você precisa observar esses detalhes. Dê uma olhada em como a folha se liga ao caule, como a flor se liga ao caule, como esse caule se liga à flor, quantas pétalas existem em uma flor. Parecem todos iguais? Como são os botões florais quando são minúsculos? Como eles progridem de menor para maior? Conte quantas veias estão em uma folha. As mesmas cores são em todos os lugares no caule ou o caule é várias cores? Que partes do broto de flores você vê? Que partes da flor e da folha você vê? Todas as folhas são iguais? Será que eles enfrentam a mesma direção? É realmente útil fazer todas essas perguntas a si mesmo e realmente tomar o tempo para observar. Adoro observar as flores e plantas no meu jardim onde elas crescem e muitas vezes levarei meu caderno de esboços para fora, e me aninharei entre minhas plantas para esboçar. Mas quando chega a hora de criar uma pintura a partir do que estou observando, acho que é mais útil trazer a flor, planta ou caule ou o que quer que seja até o meu estúdio, onde posso ter tempo para observá-la completamente sem distrações. Não há outras plantas no caminho bloqueando minha visão. Posso pegar a flor e olhar para ela de todos os ângulos. Consigo ver todas as partes sem ter que apertar os olhos porque estou longe ou sem ter que imaginar o que parece. Esses tipos de problemas que também encontro se estou trabalhando a partir de fotografias, porque muitas vezes em uma fotografia nem tudo estará em foco ou nem tudo estará no quadro. Então você pode se perguntar, como a folha realmente se parece, ou como esse caule se conecta ao outro caule, ou como essa flor se conecta ao resto da planta. Ser capaz de ver isso de perto e pessoal faz toda a diferença no mundo. Então olhe primeiro com seus olhos e depois observe com sua caneta ou seu lápis, capturando os detalhes, o que você vê. Também é útil se não for o verão usar as fotografias que você tirou. Então, quando você se sentar para criar suas pinturas, você será capaz de ser mais bem sucedido porque você sabe como essa planta se parece. Você gastou o tempo para observar, você tomou tempo para ver de verdade, e então pintar torna-se muito mais fácil. Quero mostrar-vos mais alguns exemplos de cadernos de esboços. Aqui está uma página que trabalhei a partir de fotografias. Eu gravei as fotos no meu caderno de esboços e então eu observei na página oposta. Escrevi todos os tipos de notas, fiz perguntas, escrevi notas sobre cores e incluí algumas amostras de cores aqui. Eu observei coisas como como as folhas no caule eram quase confusas, como elas eram pálidas, e eu desenhei coisas, mas também escrevi muitas e muitas notas. Isso é tão útil para você fazer, escrever notas para si mesmo para que você se lembre. Aqui estão alguns esboços de algumas papoulas que eu fiz, e eu continuei fazendo mais esboços, observando as diferentes partes separadamente, observando-as juntas. Aqui está outra página com algumas fotografias que eu imprimi e então eu desenhei. Mais uma vez, use boas fotografias que você tirou onde você pode ver claramente o seu assunto e torna mais fácil esboçar então. Aqui estão algumas flores que eu desenhei e olhei para as folhas separadamente, olhei para a vista lateral da flor, olhei para a vista traseira da flor, atrás, escrevi aqui. Este desenhou algumas zínnias em um dia frio, chuvoso e escuro e esboçou-as de diferentes direções. Isto é só lápis e papel. É muito útil, especialmente se você não tem confiança em suas habilidades de desenho. Quanto mais o fizeres, melhor te tornarás. Aqui está uma página onde eu estava malhando. Eu tenho meu esboço aqui, mas eu também estava trabalhando as cores, descobrindo apenas os vermelhos certos, apenas os verdes certos para a minha pintura, e testando alguns tipos diferentes de técnicas para ver o que funcionaria o melhor. Em seguida, capturar todas as minhas amostras de cores aqui, que é uma das coisas mais divertidas para mim. Outra página com uma combinação de caneta e aquarela, olhando para as diferentes partes da flor, tomando notas novamente, hastes riscadas que escrevi, e é apenas uma parte do processo divertido, além de ser útil. Aqui está uma página, é um pouco diferente porque eu realmente gravei em um caule da planta, e então eu fiz meus esboços em diferentes pedaços de papel, papel aquarela, e colado no meu caderno de esboços que não funcionaria tão bem com aquarela. Então eu fiz meus esboços em aquarela em um pedaço de papel, testei-os e, em seguida, coloquei-os no meu livro. Isto foi de um recente evento de arte on-line em que eu era apresentador e eu estou dando uma olhada nas diferentes partes da planta, pintando com aquarela, pintando amostras, esboçando com caneta, e então também colando ou gravando as folhas e pétalas. Então esta é uma ótima referência para você. Quero mostrar-lhe alguns exemplos do que acontece se você não está observando bem. Aqui está uma pintura antiga minha, de uma rosa e, novamente, há muitas outras coisas acontecendo. Uma coisa que eu vejo é que a forma como os caules estão ligados uns aos outros, como o caule se liga à flor, isso não é muito claro na pintura. Meu palpite olhando para isso, é que eu não tive tempo suficiente para observar a planta que eu pudesse pintá-la do jeito que realmente parece. Esta pequena pintura também poderia ter se beneficiado de um pouco mais de observação. Olhando para ele agora, parece que eu não tenho uma idéia clara de como a planta realmente se parece, especialmente essas folhas. Se eu tivesse passado mais algum tempo observando-os, como eles se ligam à planta, qual é a sua forma, essas hastes realmente se parecem, eu teria sido mais eficaz em capturar a planta no papel. Uma coisa que eu não mencionei é que ter um esboço em seu papel antes de pintar, realmente vai ajudá-lo a ser mais eficaz. Neste caso, se eu tivesse esboçado a flor antes de pintá-la, eu não teria o problema que eu tenho aqui onde o caule não está no lugar certo. O caule deve estar no centro da flor, não fora do centro aqui. Então, embora eu ame a aparência de todas essas pétalas, elas são realmente bonitas, a pintura está arruinada porque o caule está no lugar errado. Então um pouco mais de trabalho observando antes de começar a pintar, esboçar antes de começar a pintar, esboçar em seu papel aquarela antes de começar a pintar, realmente compensa a longo prazo. Já lhe mostrei esta pintura, mas queria voltar a ela porque acho que, especialmente com esta flor, se tivesse passado mais tempo observando a flor antes de pintá-la, pareceria menos constrangedor. Então, depois de eu ter pintado distorções muitas vezes ao longo dos anos e eu sei como eles se parecem, e esta flor simplesmente não parece certo para mim e eu acho que parte disso é que eu não tive tempo para observar completamente o que as pétalas parecem como, como as pétalas se encaixam, todas as diferentes partes da flor. Se eu tivesse passado mais tempo observando, teria me ajudado a ter mais sucesso. Aqui está mais um exemplo, e esta pintura, muito dela é muito cuidadosamente processada, mas essas raízes, elas não parecem se encaixar com o resto da pintura. Sei que a razão é que as folhas, os caules, as flores, os botões florais, a flor gasta, todas aquelas coisas que pude observar diretamente. Mas quando chegou a hora de pintar as raízes, eu não desenterrei esses tubérculos dos vasos de flores e observei as raízes com meus próprios olhos. Então essas raízes, elas são bastante fantasiosas. Eles não parecem se encaixar com o resto da pintura. Então aqui vai um aviso para você. Se você não foi capaz de observar algo, não pinte. Espero que agora esteja pronto para pegar o que aprendeu sobre observação e aplicá-lo à sua próxima pintura. 6. Composição: Antes de demonstrar mais algumas técnicas para você praticar, eu quero falar sobre algo que irá ajudá-lo a ser mais bem sucedido como você está escolhendo o que pintar e criando suas pinturas. Isso é composição. Se você escolher uma composição para a sua pintura, que é apropriada para o seu nível de habilidade, você vai ser mais bem sucedido. Se você escolher uma composição que vai ser um pouco desafiadora para você, é quando você pode ter alguns problemas. Mas se você escolher composições sempre que são muito simples para você, você nunca vai aprender algumas das técnicas mais avançadas. Há sempre uma linha tênue e é sempre um ato de equilíbrio. Mas, mais do que tudo, quero que estejas consciente da composição. Como você está criando suas pinturas e planejando-as para fora, eu quero que você pense sobre como você pode organizar os itens em sua pintura para que sua peça acabada seja o mais bem sucedido que pode ser. Haverá muita experimentação no processo e isso é uma coisa boa. Eu só quero compartilhar alguns exemplos para que você entenda do que estou falando. A composição mais simples é simplesmente um único objeto em uma página. Esse objeto pode ser um objeto simples ou um objeto mais complexo. Estas flores e este tomate têm algumas áreas sobrepostas que as tornam um pouco mais complexas. Você poderia certamente simplificar onde você coloca os caules, mas eles não têm folhas, eles não têm várias flores, eles não têm outros caules ou botões. As flores estão principalmente voltadas para a frente, que as torna mais fáceis de pintar. Estas são a versão mais simplificada desses assuntos. Adicionar folhas, ter algumas hastes e várias flores tornará sua composição mais complexa e um pouco mais difícil de pintar. Uma maneira de fazer uma composição mais interessante é pintar múltiplos do mesmo objeto. Estas três folhas são um exemplo de uma composição divertida. Então isso, que é muito mais complexo, todas essas bolotas em um círculo. Cada uma das bolotas em si é muito simples e, no entanto, colocá-las juntas faz uma composição interessante e mais complexa. Você pode construir a complexidade de suas pinturas adicionando mais e mais objetos e tendo cada vez mais sobreposição. Desta forma, você pode construir suas habilidades e sua confiança. Mais complexa do que um único objeto, uma planta em um pote ainda pode ser algo que você pode simplificar. Aqui, cada uma das folhas é pintada separadamente. Estas hastes não têm muita sobreposição. As folhas não se sobrepõem. Há um pouco de sobreposição das hastes com um pouco do pote. Este era um quadro anterior meu, e eu era capaz de ser mais bem sucedido com ele, do que alguns dos outros porque eu era capaz de simplificar o assunto. Aqui está outro exemplo inicial de uma planta em um pote onde eu simplifiquei as coisas. Há um pouco de sobreposição nas hastes, mas as folhas são todas separadas e não se sobrepõem a nada. A pintura é mais bem sucedida por causa disso. Eu acho que esta é a primeira orquídea que eu já pintei. Embora não seja perfeito, realmente me ajudou a construir minha confiança. Há alguma sobreposição das folhas e do caule. O papel que eu realmente não gosto da cor não ficar em um lugar e sangrou um pouco. Se eu tivesse um trabalho diferente, teria sido mais bem sucedido. Mas eu mantive simples. Há um caule, há uma flor apontando para a frente. Há alguns botões, mas nada se sobrepõe a não ser as folhas e as raízes. Não há sobreposição, o que torna mais simples. Se você comparar esta pintura mais recente, há muita sobreposição. Há sobreposição das flores. Há também complexidade em que as flores estão voltadas para direções diferentes. Há botões que estão abertos e eu estou parcialmente aberto. Isto é muito mais complexo. Mas eu fui capaz de construir em direção a essa complexidade começando de uma maneira mais simples. Olhando para trás para esta pintura, posso compará-la com uma progressão de complexidade. Você pode ver no primeiro que não há muita sobreposição. No segundo, há alguma sobreposição e, em seguida, o terceiro aqui, há muitas sobreposições. Você pode ver que com esta pintura, é uma composição mais simples, sem muita sobreposição. Então aqui, e esta pintura, há muita complexidade em como as folhas se sobrepõem, como elas se sobrepõem às hastes, como elas se sobrepõem no pote. Então, uma maneira de construir sua complexidade é aumentando a quantidade de objetos em sua pintura que se sobrepõem. Da mesma forma, você pode construir sua complexidade escolhendo flores que têm formas mais complexas como esta rosa que tem um monte de pétalas, muito mais do que a rosa campion ou esta pintura de íris que tem várias flores e vários botões, muitas folhas que se sobrepõem. Outra maneira de aumentar a complexidade de suas composições é incluir vários assuntos. Esta pintura tem três tipos diferentes de plantas. Há uma borboleta, estão todos aninhados juntos e sobrepostos. Isso tem apenas um tipo de planta, mas duas cores diferentes, duas variedades diferentes. Há tantas maneiras diferentes de jogar com a complexidade da sua composição. A melhor maneira de jogar com sua composição é esboçar alguns layouts diferentes em seu caderno de esboços com lápis antes de começar a pintar. Dessa forma, você pode ter uma idéia clara do que você quer, sua composição para ser. Ao fazer isso, você pode trabalhar até composições mais complexas antes de colocar qualquer tinta no papel. Aqui está outro exemplo de uma idéia que eu estava trabalhando fora para uma pintura de girassóis, e eu escrevi todas as notas para mim enquanto eu refino meu design. Aqui está outro com várias plantas e eu estou descobrindo onde exatamente eu quero que eles estejam na página, então eu tenho uma idéia clara quando é hora de pintar. Este é outro com alguns tomates. Ainda é útil trabalhar suas composições em seu caderno de esboços e crescer e planejar dessa forma. Nas próximas lições, eu vou compartilhar técnicas que eu acho que são importantes para você praticar e dominar, a fim de ir além de ser um iniciante. 7. Controle da água: Quero passar algum tempo falando sobre controle de água porque sei que é algo com que muitos de vocês lutam. Enquanto eu estava editando e filmando essa aula, eu procurei meus alunos para ver se havia algo em particular que fosse muito frustrante para eles enquanto eles estavam aprendendo a pintar. De novo e de novo, ouvi dizer que o maior desafio era aprender a controlar a água ao pintar com aquarela. Eu entendo totalmente, e eu gostaria de poder lhe dar uma resposta rápida fácil de como dominar o controle de água com aquarela. Mas infelizmente, a má notícia é que a única maneira que você vai dominar essa habilidade é praticando, praticando e praticando. Vou lhe dar algumas dicas que ajudarão a facilitar. Na verdade, eu já falei sobre atualizar seus materiais, papel e pincéis vai fazer uma grande diferença em termos de sua capacidade de controlar o meio. Se você estiver usando um papel de maior qualidade, você vai encontrar menos das frustrações sobre a absorção desigual da dor. Além disso, você terá menos flores inesperadas de cores onde as coisas estão desenhando de forma desigual e a tinta faz backup de maneiras que você não deseja. Vamos ver as amostras que fizemos na outra lição. Esta é a tinta de menor qualidade, e à esquerda está o papel de menor qualidade. Você pode ver que está seco de forma desigual. No papel de maior qualidade, há cores mais uniformes, e você pode ver que o papel de menor qualidade, há algumas linhas, há desigualdades na cor. Não há realmente flores, mas simplesmente não é uma cor agradável, plana, uniforme. Isso é ainda mais aparente com a tinta de maior qualidade porque é cor mais saturada. Se você estiver olhando para esses dois, você pode ver a diferença que o papel de maior qualidade faz, ele secou muito mais uniformemente. Não há linhas na cor. Você não vê flores estranhas. As cores são muito uniformes e bem saturadas, mas aqui no papel mais barato você tem algumas flores, há alguma lineza, e realmente simplesmente não parece tão bom. Isso é apenas um bom lembrete do que uma diferença de materiais de maior qualidade fará. pincéis também farão uma grande diferença, porque se você estiver usando um pincel de alta qualidade que mantém a tinta e a água bem, não vai escorrer quando você não quiser, e você não terá que adicionar mais água continuamente em nossa pintura para continuar pintando uma área maior. Dito isto, você ainda vai precisar praticar e ficar confortável usando o meio. Vou mostrar-vos mais alguns exemplos de pinturas antigas e alguns problemas. Esta pintura, a tigela, você pode ver que a tinta não secou muito uniformemente. Embora alguns dos efeitos que eu gosto, esta borda onde você pode ter linhas distintas e uma cor mais escura direita na borda; isso é porque havia muita água, e a tinta foi empurrada para a borda enquanto secava e deixou aquela linha mais escura . Eu poderia voltar lá e consertar isso, especialmente se eu estivesse usando um pincel melhor, eu poderia suavizar isso. Você pode ver as cores sobrepostas o mesmo no tomate aqui. Um papel melhor teria ajudado com esses dois, e também um pincel melhor, mas o controle da água é o grande problema com isso, porque há muita água e não absorveu uniformemente. Um problema com a absorção é óbvio neste rabanete também. Eu estava tentando misturar as cores, então há a parte de baixo branco e a parte vermelha escura. Aquela parte branca secou mais rapidamente que o vermelho, e a tinta vermelha estava tentando se misturar lá, mas atingiu aquela área seca e não podia ir mais longe, e é por isso que você tem a linha. Melhor papel teria ajudado com isso também, mas também apenas uma maior uniformidade de saturação de água. Um outro truque rápido que posso compartilhar com você é certeza de que você tem alguns testes restos de seu papel à mão. Dessa forma, você pode testar seu pincel e sua carga de água no pincel sobre o pedaço de papel para ver se você tem muito pouco ou muito. Testar em um pedaço de papel antes de trabalhar em sua pintura final é sempre uma boa idéia, porque dessa forma você não arrisca arruinar essa pintura, e você sabe se seu pincel tem muito pouca ou muita água. Eu vou fazer um pouco de prática aqui usando este Canson Heritage Watercolor Papers porque é um bom papel de textura média. Vou trabalhar com tinta seca na minha paleta que misturei antes do tempo. É assim que eu prefiro trabalhar, tendo esta tinta seca na minha paleta. Assim, eu tenho mais controle sobre a saturação e a tinta não está muito molhada. Isso é um pequeno truque para usar: misture sua tinta, deixe secar, e depois volte, e use-a depois que estiver seca. Vou praticar com muita água, muito pouca água, e depois tentar controlar a minha água. Eu quero que você brinque com isso também, principalmente porque eu quero que você sinta o que é ter muita água em seu pincel. Tente exagerar isso e depois observar como é o seu papel? Como é o seu pincel? Como é que se sente? Estou tentando misturar estas duas cores aqui no papel. Você pode achar que é realmente difícil forçar-se a ter muita água, então não parece nem tão ruim. Mas então experimente, como é tentar pintar linhas finas com muita água? Como está o papel? Como se sente o pincel? Então, como é que se seca no final? Tente preencher sua página com todos esses experimentos, diferentes experimentos de mistura, apenas marcas diferentes. Vamos tentar misturar algumas cores aqui em cima. Você pode precisar puxar mais água e observar como essas cores se misturam? Que tipos de linhas você faz se você está tentando fazer uma linha fina e há muita água em seu pincel? Se você está tentando encher um grande espaço e há muita água em seu pincel, o que acontece? Estou achando muito difícil usar muita água. Não é natural para a forma como trabalho. O que é ainda mais difícil é tentar trabalhar com pouca água. O que acontece se não houver água suficiente no seu pincel? Uma coisa é que a água ou a tinta não se espalham. Parece seco, é desigual. É o que estou percebendo, e essas linhas finas não são tão ruins. Meu pincel já está umedecido por trabalhar com muita água. Talvez eu devesse ter começado com pouca água. Eu realmente não tinha pensado nisso. Aqui eu estou fazendo uma cor, e então vamos tentar misturá-los no papel e ver como isso parece diferente da muita água. Eles estão se misturando até certo ponto. Você pode até mesmo apagar seu papel se você está achando que é muita água ou apenas a quantidade certa. Você pode ver os lugares molhados. Eles já estão começando a acenar e se curvar. O papel está dobrando. Vamos tentar misturar algumas outras cores aqui. Na verdade, isso não é tão ruim. Eles estão se misturando bem. Novamente, é difícil forçar-se a trabalhar com pouca água. Mudei para um pincel não utilizado que é muito mais seco. Você pode ver como é difícil para mim tentar pintar uma linha fina sem água suficiente no meu pincel, e claro, estou exagerando isso. Eu quero que você exagere também e apenas experimente e jogue. Olhando para aqueles misturados, não é tão ruim. Vamos tentar misturar algo que está realmente seco aqui e ver o que acontece. Porque ambos são tinta seca, eles não vão se misturar. Vamos tentar aqui nesta borda também. Isso é muito seco. Se você tem muita água , não vai se misturar bem. Se você tem muito pouco, não vai se misturar bem. Além de borrar seu papel, você também pode apagar seu pincel se você achar que você tem muita água sobre ele. Gosto de apagar o lado do pincel. Vai puxar a água sem tirar muita tinta. Basta secar o pincel um pouco e, em seguida, lembre-se de manter sua sucata de amostra à mão para que você possa testar. Uma vez que você tenha exagerado muita água e muito pouca água, eu quero que você brinque com o controle de sua água. Faça algumas lavagens agradáveis, faça algumas linhas finas ou algumas linhas de largura variável, e tente diferentes saturações de cor. Saturações mais claras e mais escuras. Se parecer desigual, você pode voltar e mover a tinta um pouco, desde que ainda esteja úmida. Se for muito absorvido pelo papel, você vai começar a puxar tinta para cima. Experimente e tenha uma sensação para isso. Se o pincel começar a secar, você pode pegar mais tinta ou pegar mais água, e você pode voltar, e você pode ajustar qualquer lugar que pareça irregular. Mas, novamente, lembre-se, não reveja muito sua pintura porque então você vai começar a pegar a tinta em vez de colocá-la para baixo. Linhas finas podem ser difíceis, e é ótimo praticar linhas finas mais claras e linhas finas mais escuras e experimentar fazer linhas de tamanho médio. Talvez até desenhe com um lápis primeiro e preencha diferentes larguras de linhas, e apenas pratique. Também pode ser útil, em vez de pintar, amostras ou quadrados ou retângulos, pintar formas. Talvez pintar algumas formas de folhas. Acho que tenho folhas na cabeça porque enquanto estou filmando essa aula, é outono, e então eu vejo muitas folhas por aí. Claro, você também pode praticar em uma pintura real em vez de página de amostras. Cabe a você com o que você está mais confortável. Eu acho que é útil apenas brincar com a pintura fora do contexto de pintar algo específico. Se no seu consultório, seu papel ficar muito molhado, você sempre pode apagá-lo e depois voltar e pintar sobre o que quer que seja que estava muito molhado. Uma alternativa seria deixar isso secar completamente e depois pintar sobre ele. Mas basta preencher um trabalho inteiro com diferentes práticas pode ser útil. Aqui, esta folha, eu quero misturar algumas cores, e se estiver muito molhado, eles não se misturam bem. Você pode experimentar a mistura com diferentes quantidades de água. Uma coisa que é útil para ter em mente é que a tinta vai misturar muito bem se ambas as cores, ambas as tintas que você está usando, estão na mesma umidade. Se um está realmente seco e outro está realmente molhado, eles não vão se misturar bem na página. Quero que esta laranja seque um pouco, então vamos pintar um pouco mais. A habilidade de misturar cores é uma habilidade ligeiramente diferente da do controle da água. Mas eu acho que o controle da água é tão importante para como as cores se misturam no papel, que você pode praticar essas duas coisas juntos. Vamos voltar a esta primeira folha laranja e adicionar alguma outra cor aqui, um pouco de vermelho. Tenha cuidado, não coloque a mão em tinta molhada. Vou voltar e tocar a borda desta folha com a ponta do pincel. Você pode ver se você dab o pincel ou se você parar de mover o pincel, que irá conduzir mais cor para o laranja. Podemos tentar com este. Isso é muito mais seco, então eu não acho que vai se misturar tanto. A cor não vai ser empurrada para aquela laranja. É apenas vai sentar-se ao longo da borda, que também é uma boa habilidade para ter, porque às vezes você quer que as cores não se misturem. Vamos tentar esta terceira folha aqui e ver o que acontece. Isso parece uma boa quantidade de umidade. Podemos voltar aqui, e você viu que parei meu pincel, e a cor estava lá. Sempre que parar o pincel ou tapar o pincel, a cor se espalhará. Agora que tudo está seco, podemos dar uma olhada e ver o que aconteceu. Aqui onde havia muita água, você pode ver como as coisas se misturavam. Você também pode sentir o papel. Isso ainda está ligeiramente dobrado por causa da quantidade de água que usei. Você pode ver onde a cor foi empurrada para a borda, como eu falei antes. Quando você tem muita água, a cor vem para a borda. Há quase uma fila. Você pode ver aqui onde as cores não se misturaram porque não havia água suficiente, e aqui eles misturaram bem. Em seguida, dê uma olhada em todos esses experimentos, veja como eles são suaves, como você pode precisar ter outra camada. Isto talvez estivesse um pouco seco demais. Há algumas linhas lá, mas aqui estão as formas das folhas, e você pode ver como elas secaram, como as cores se misturaram. O marrom e o vermelho são um pouco mais distinto agora que está seco. Você pode ver onde as coisas se misturaram, sangraram e não se transformaram. Prática, prática e mais prática. Isso vai ajudá-lo a ficar mais confortável. Espero que isso ajude com o seu pensamento sobre como praticar e como melhorar o seu controle da água. Novamente, a coisa mais importante a lembrar é que você precisa continuar praticando. Quanto mais você pratica, mais você pinta, mais confortável você se tornará, e eventualmente, não será tão misterioso. Mesmo hoje, às vezes, quando estou pintando, vou colocar uma redução e pensar, “Oh, há muita água, ou oh, eu preciso de mais água.” Isso está tudo bem. Esta não é uma ciência exata, é uma arte, e assim, apenas aprender a seguir com o fluxo é uma das coisas mais importantes que você pode fazer. Na próxima lição, vou compartilhar a habilidade número um que vai ajudá-lo a deixar de ser um iniciante, e posso garantir que provavelmente não é algo que você pensou que eu ia dizer. 8. A habilidade mais importante: Suponho que você tenha algumas suspeitas sobre o que eu consideraria a habilidade número 1 que você deve aprender quando está desenvolvendo suas habilidades com aquarela, ou realmente com qualquer outro tipo de arte. A habilidade que eu diria que é a mais importante para você exercitar e para você praticar, e para você dominar, é a habilidade e a arte da paciência. Você vai precisar de paciência ao trabalhar com aquarela, você vai precisar de paciência para desenvolver suas habilidades, e você vai estar aprendendo e exercitando sua habilidade de paciência enquanto você está desenvolvendo suas habilidades artísticas. Não vai ser uma coisa da noite para o dia, vai levar tempo. Acho que aceitar isso e entender isso ajuda a aliviar a pressão que você pode estar sentindo. Respire fundo, e saiba que isso levará tempo. Respire fundo e saiba que você precisa ser paciente consigo mesmo, bem como com o processo. Seja gentil consigo mesmo, seja gentil consigo mesmo e saiba que as coisas boas levam tempo. A paciência também é realmente importante com aquarela, porque, com aquarela, você precisa esperar muito. Você precisa esperar que a tinta seque, você precisa esperar que o papel chegue ao nível perfeito de saturação para que quando você estiver misturando cores na página, ou tentando criar misturas de cores, você esteja trabalhando no Hora certa. Se você apressar as coisas, se você fizer coisas quando a água e a tinta não estiverem prontas, você não terá sucesso. Saber que isso realmente irá ajudá-lo enquanto você está trabalhando através do processo. Eu acho que é realmente uma coisa maravilhosa de aprender também, paciência é algo que todos precisamos em todas as áreas de nossa vida e ser capaz de não apressar as coisas, estar atento, estar presente, esse é um presente realmente importante que você pode dar a si mesmo, especialmente durante momentos de estresse e tempos de transição. Desacelerando, respire fundo, estabelecendo-se no momento, e sabendo que as coisas vão levar tempo, é uma habilidade maravilhosa e útil para você ter. Quando você está presente e quando você está diminuindo, é quando você chega às coisas realmente boas, é quando você pode observar, é quando você faz conexões em seu cérebro, isso é quando você tem epifanias e quando pode seguir em frente. Isso não é algo que você pode apressar, não é algo que vai acontecer da noite para o dia, e isso é uma coisa boa. Eu tenho aprendido a pintar agora por 10 anos, e eu estou realmente animado para ver o que os próximos 10 anos trarão. Não apenas para coisas como o sucesso, mas para coisas como aprender novas habilidades, tentar coisas novas, é uma coisa realmente excitante de se pensar. É empolgante pensar onde meu estilo vai progredir. Olhando para trás nos últimos 10 anos, é interessante ver como meu estilo progrediu até o ponto em que chegou hoje, e espero que você tenha o mesmo tipo de compreensão ao passar por sua jornada também. Vou dizer novamente, a habilidade mais importante que você pode ter ao longo de todo esse processo e enquanto trabalha com aquarela é a paciência. Acomodem-se, fiquem confortáveis, e vamos continuar. Vou compartilhar mais algumas dicas com você para ajudá-lo a desenvolver suas habilidades com aquarela e ir além de ser um iniciante. 9. Uma pétala de cada vez: Eu quero compartilhar algumas habilidades que realmente ajudarão você a melhorar suas aquarelas. O primeiro que quero falar é esperar que uma área da sua pintura seque antes de pintar algo que se encoste naquela área. A melhor aplicação prática que eu encontrei para mim, para as minhas pinturas, onde eu vi uma enorme diferença pintando desta forma é quando eu estou pintando flores. Essa área é uma pétala e a segunda área é uma segunda pétala. Rosas são um ótimo exemplo disso. Aqui estão algumas pinturas antigas que eu estava realmente lutando para fazer. Eu estava lutando para criar uma rosa que se parece com uma rosa que tem pétalas separadas, que tem um centro separado e ainda assim eu estava pintando a flor como uma entidade e tentando obter todas as luzes e escuras como uma coisa em vez de pintar as pétalas separadamente. Aqui eu tentei diferenciar as pétalas e ainda assim não estava funcionando. Quando comecei a pintar as pétalas separadamente, fez uma enorme diferença. Aqui está um exemplo de um estudo com muitas rosas diferentes e eu estava experimentando para ver o que eu poderia criar. Você já viu isso, mas está claro como cada uma dessas pétalas são separadas, o centro é separado das pétalas. Aqui está uma flor de peônia que eu pintei muito cedo e eu estava lutando para obter a aparência da flor de peônia multi pétalas pintando apenas uma coisa, a flor, e não funcionou. Se eu pintasse essas pétalas separadamente, como nesta pintura, repente pareceria uma flor de peônia e não apenas uma bolha. Chave, pinte cada pétala separadamente. Este também, embora as pétalas não estão se sobrepondo, eles nem sequer estão tocando, pintando com as pétalas e o centro como uma entidade em vez de partes separadas não foi bem sucedido. Você pode ver como é diferente quando eu pinto as pétalas separadamente, quando eu pinto o centro separadamente e deixe cada coisa secar completamente antes de pintar a próxima. Novamente, isso é algo onde você estará praticando paciência esperando uma pétala secar antes de pintar a outra pétala. Mas quando você pinta assim, é incrível a diferença que faz. 10. Objetos sobrepostos: Semelhante à habilidade de pintar uma pétala ao lado de outra pétala, é pintar um objeto na frente de outro objeto. Isso é algo que eu estava muito nervoso no começo. Aqui estão alguns exemplos para você dar uma olhada em onde eu estava lutando para pintar um objeto na frente do outro. A tinta não vai até a borda e parte disso é habilidade e parte disso são materiais. Ter um pincel que não tem um ponto muito fino tornará muito difícil pintar até uma borda estreita como essa, então é importante que não haja um espaço em branco, ou que você possa ver a tinta sobrepondo uma cor sobre outra porque a aquarela é transparente. É realmente algo que você precisa praticar e ter materiais melhores também ajuda. Você já viu essa pintura antes também. Aqui no pote onde há aquela sombra, segunda camada de tinta que eu pintei, não vai direto até aquelas hastes. Então, certificando-se de que quando você pintar segundas camadas ou terceira camadas em cima de uma cor, que você traga essa camada sobre toda a área para que você tenha a aparência final mais limpa. Se você olhar para algumas das minhas pinturas anteriores para tornar as coisas mais fáceis para mim, eu simplifico a composição para que não houvesse objetos diferentes na frente um do outro. Mas aprender a ter um objeto na frente do outro fará uma grande diferença para suas pinturas. Qualquer página com marcas de aquarela funcionará para praticar a pintura de um objeto na frente de outro. É aqui que ter uma boa dica no seu pincel faz uma grande diferença. Começando, eu vou molhar meu pincel e então eu vou pegar um pouco de tinta do meu paladar, trabalhando com as mesmas cores que tínhamos antes, e apenas certificando que meu pincel está bem saturado. Vou começar a pintar até a borda desta forma verde. Esta borda não é uma borda perfeita, então isso vai torná-lo um pouco mais complicado. Você vai ter que decidir se você quer pintar até a primeira cor e tem um pouco de sobreposição ou se você quer deixar um pouco do branco, você pode sempre voltar depois que você pintou sua segunda cor. Mesmo que seja da mesma cor, não importa. Você pode voltar com o primeiro objeto e pintar outra camada sobre ele e assim você pode limpar essa borda. Limpar suas bordas é sempre uma boa idéia. Se você não conseguiu uma vantagem limpa na primeira vez, você sempre pode voltar e consertar as coisas. Vou continuar aqui com esta laranja. Isso só vai precisar de prática se você não tiver feito muito disso. Vou voltar aqui onde deixei o espaço em branco. Decidi que quero vir e sobrepor-me um pouco mais. Um pouco desse verde vai aparecer, mas se saturarmos nossa cor um pouco mais e tivermos um pouco de laranja mais escuro que vai ajudar a encobrir alguns desses pedaços verdes que não foram muito suaves. Ter um papel mais suave também tornará isso mais fácil. Este é o frio pressionado com um pouco de textura para ele. Se o seu papel tiver menos textura, será mais fácil. Bem, você só pratica. Se você tem um monte de formas em seu papel, você pode praticar levando sua linha até a borda da forma pintada e ficar mais confortável. Você pode começar a trabalhar muito lentamente ao longo dessa borda para ser mais preciso e, em seguida, em suas áreas maiores, você pode trabalhar mais rapidamente e mover a tinta para esse espaço. Outra coisa que quero lembrá-lo, usar seus papéis de teste. Então teste para ter certeza de que você tem tinta suficiente, você tem água suficiente. Que gostas da cor que está a aparecer. Se estiver saturado o suficiente ou não saturado o suficiente e use isso antes de colocar seu pincel no papel. Você também pode usar isso para se certificar de que a linha que você está recebendo está bem o suficiente. Então tome o seu tempo e seja paciente. Como eu disse, paciência é a sua habilidade mais importante que vai atendê-lo bem e apenas trabalhar para obter uma linha limpa agradável e uma boa sobreposição limpa entre seus objetos. Porque muitas vezes tenho folhas que se sobrepõem, vou pintar outra folha aqui. Sei que a primeira forma nem parece uma folha, mas menos fingir. Aqui está outra folha laranja, da mesma cor. Eu não vou adicionar essas outras máscaras lá, que é prática. Aqui novamente, ter um esboço ajudaria, mas apenas praticar imaginar quais objetos diferentes você pode sobrepor. Mais uma vez, se precisares de apagar os erros que cometeres. É sempre útil. Algo que eu acho que às vezes você não pensa em aquarela é que você pode apagar a tinta em áreas onde você não quer. Então há uma ideia de uma folha atrás da primeira que pintamos. Agora, uma coisa que é um pouco mais complicada é sobrepor linhas finas. Por exemplo, no meu trabalho, muitas vezes tenho hastes que se sobrepõem. É difícil de fazer até que você construa o controle e as pequenas habilidades motoras necessárias e fique confortável com o processo. Uma coisa que eu acho útil é fazer uma ligeira linha ao longo do primeiro caule e, em seguida, preencher o segundo caule. Essa linha é onde as duas hastes se sobrepõem. Ajuda a dar-lhe definição, e ajuda a tinta a parar. Então você não está sobrepondo a tinta e você não tem uma vantagem confusa. Claro, você pode consertar qualquer bagunça e eu vou te mostrar isso em outra lição. Trabalhando lentamente e tomando seu tempo e parando sua pintura com aquela outra linha que apenas corre ao longo da borda do seu primeiro caule irá ajudá-lo a não ter sobreposição bagunçada. Lembre-se de tomar o seu tempo como eu disse antes e tomar tempo para praticar. Não apresse o processo de aprendizagem que eu acho que é o que eu disse o tempo todo. Não apresse o processo de aprendizagem, tome seu tempo para apreciá-lo. Leve o seu tempo para ficar realmente confortável com ele porque a única maneira de aprender a pintar é pintando. Você tem que pintar muito para ficar confortável. Como eu disse antes, paciência é sua habilidade mais importante. Uma vez que você relaxa em que torna-se mais fácil. Vou demonstrar mais uma prática de pintar hastes sobrepostas. Acho que é muito útil praticar isso várias vezes. Com isso você só tem que ser cuidadoso, lento e paciente. Tal como acontece com as áreas sobrepostas maiores, certifique-se também de que está sempre a mover o papel para que esteja a trabalhar na posição mais confortável e para que possa realmente ver o que está a fazer. Se você já tiver um esboço em seu papel, isso tornará mais fácil. Aqui eu não desenhei nada e estou apenas improvisando. Você pode querer fazer um esboço primeiro enquanto está praticando. Certifique-se também de não colocar a mão em qualquer lugar onde haja tinta molhada. Isso é um pouco de água demais e um pouco de tinta demais. Posso tapar isso e isso vai resolver o problema. Além disso, se você se sobrepor onde você não quer, você pode empacotar seu papel para corrigir isso, desde que sua cor não esteja muito manchada. Então você pode voltar e consertá-lo. Ou deixe secar todo o caminho e depois conserte-o ou volte enquanto ainda está molhado. Mais uma vez, quero que você pratique isso se você não estiver confortável fazendo isso e veja como você pode fazer seus objetos se sobreponham. Além disso, desafie-se a pintar. Objetos menores ou objetos maiores ou quaisquer objetos sobrepostos o assustam mais, basta praticar isso e ver. Vamos ver. Por que não fazemos uma laranja em laranja? Porque muitas vezes seus objetos que estão sobrepostos terão a mesma cor. Novamente, use sua sucata para testar a cor. Certifica-te de que está certo, e depois entra e pinta a tua linha. Novamente, não há pressa. Não há pressa. Lembre-se de respirar. Sabe que eu estava aprendendo a pintar e eu estaria pintando algo que eu estava um pouco nervoso, eu sempre prendia a respiração, que eu acho que torna as coisas mais difíceis. Também não é muito saudável. Lembre-se de respirar e apenas tomar o seu tempo, aproveitar o processo e se divertir com ele. Não coloque muita pressão em si mesmo. Vou voltar aqui e escurecer este verde. Quando você está trabalhando com pequenas áreas e não está muito saturado, ele vai secar muito rapidamente. Você pode adicionar áreas de ramificação. Pratique com isso. Pratique a sobreposição de objetos diferentes. Você poderia preencher uma página inteira com experiências como essa. Também voltar e adicionar mais cor pode sempre ajudar. Você pode começar com uma versão mais pálida da sua cor e, em seguida, voltar e adicionar um pouco mais. Só construindo a cor. Depois que você pintar é seco, você pode voltar e adicionar alguma diferenciação entre seus objetos. Aqui estou apenas testando uma cor cinza para fazer uma sombra estreita muito sutil. Vou começar com estas folhas. Eu só vou pintar uma linha muito fina para ajudar a fazer a folha que está em cima aparecer a partir da página dele. Apenas certifique-se de testar sua linha antes de colocá-la em seu papel. Lá, isso só ajuda realmente a diferenciar essas duas formas. Vou fazer isso do outro lado, mesmo que já haja alguma diferenciação porque essa primeira folha é uma cor mais escura do que a folha inferior. Mas só pintar essa linha mais escura ajuda a dar um pouco mais de definição. Mesmo quando as formas são cores totalmente diferentes, você pode adicionar um pouco de sombra, apenas uma pequena linha fina. Cabe a você se quiser uma linha tênue, se quiser uma linha mais grossa, posso voltar aqui e fazer essa linha mais grossa. Testado de novo, veja. Acho que preciso de um pouco mais de água. Voltarei aqui e lentamente adicionarei um pouco mais de uma linha de sombra. Isso ajuda esses dois objetos a parecer que há um na frente do outro. Isso também pode ser útil aqui para nossas formas laranja e verde, onde há um pouco de uma sobreposição da tinta. Adicionando essa cor de sombra ajudará a disfarçá-la e torná-la mais intencional. Pratique e experimente e veja o que acontece quando você adiciona uma linha muito fina para diferenciar suas formas. Espero que ao criar sua próxima pintura, você esteja pensando em objetos que estão na frente um do outro e desafiando-se a ver como você pode pintar um na frente do outro e ser bem sucedido. 11. Cores em camadas: A cor em camadas é algo que ajudará a dar profundidade às suas pinturas. Para ser bem sucedido com isso, você realmente precisa dominar a habilidade de controle de água. Mas vou mostrar-lhe algumas coisas para facilitar as coisas. Adicionar camadas adicionais às suas pinturas pode fazer coisas incríveis. Vou mostrar a vocês neste exemplo de água demais, como podemos consertar essa mistura de cores. Estou apenas começando adicionando a primeira cor vermelha novamente. Esta é uma mistura bastante aquosa que eu estou usando porque eu não quero que a cor fique muito escura. Então, caindo em um pouco daquela laranja, apenas voltando para aquela área que parece uniforme, não é muito escuro. Podemos corrigir essa desigualdade, corrigir essa mistura dessas duas cores, e escurecer essa cor clara. Deixe aqueles fazerem suas coisas. Aqui, este exemplo com muito pouca água onde a cor era realmente desigual e pálida, eu posso voltar e adicionar mais cor e cobrir sobre essa desigualdade com outra camada. Ser capaz de escurecer suas cores com camadas de aquarela transparentes é uma das principais técnicas para trabalhar com aquarela que você deve aprender. Você também pode ajustar cores adicionando mais camadas. Ajuste suas formas para que, se você não gostar da aparência de uma forma, adicione outra camada e trabalhe nela, suavizando as bordas. Desde que sua primeira camada não esteja realmente escura e não sangrar, você pode voltar e consertar isso um pouco. Você também pode adicionar camadas subseqüentes para que você não precise parar com apenas duas camadas. Se você tem uma cor muito pálida que está trabalhando para uma cor mais escura, você pode usar muitas camadas. Este pequeno exemplo aqui com a mistura que não emprestou porque a tinta estava para secar, podemos corrigir essa mistura adicionando a segunda cor, aquela cor chartreuse brilhante, apenas na borda onde estava, e eu adicionei um pouco mais, então ele está abanando para fora para a borda. Em seguida, no aqua, eu vou apenas usar água pura e que a água vai tocar onde a cor chartreuse é. Estou puxando um pouco da cor. Só misturando a água limpa sobre o aqua e aquela chartreuse vai sangrar e misturar-se no azul. Aqui onde há linhas em nossa cor e nossas cores pálidas, eu posso voltar e corrigir essas linhas, escurecer a cor. Eu também posso corrigir as bordas como eu fiz com o exemplo vermelho. Faça o retângulo um pouco mais limpo adicionando esta outra camada. Sempre que você não estiver gostando da aparência da sua pintura, pense no que aconteceria se você adicionasse outra camada. Aqui embaixo, esta pequena folha onde o vermelho não se misturava com a laranja, se você não queria esse efeito, você pode voltar e cobrir toda a forma com um pouco de água clara e deixar que mergulhe um pouco, então não é mais brilhante e, em seguida, voltar depois que ele é embebido em e adicionar um pouco do vermelho. O vermelho vai vir ao longo da borda, assim como fizemos naqueles outros exemplos. Você também pode refinar e mudar a forma um pouco. Se você queria que a ponta da folha fosse um pouco mais interessante, você pode voltar e adicionar mais cor, adicionar à forma. Em qualquer lugar que você dab a ponta do seu pincel vai enviar mais do vermelho para a laranja e deixá-lo misturar um pouco mais. Voltando a esta outra página de exemplo, aqui está uma forma onde há algumas flores e desigualdades. Vou usar um pincel ou resistente aqui. Embora eu esteja ficando sem tinta laranja, Eu vou absorver o máximo que eu puder e usando tinta e também apenas usando água, Eu vou corrigir esta cor. Voltando ao longo dessas bordas que são realmente desiguais onde há algumas flores, eu posso voltar com meu pincel e suavizar tudo para fora. Às vezes você pode apenas usar água e isso é bom, ele vai reativar a tinta na página. Se você não tiver tinta suficiente na página, se for uma cor muito pálida, você precisará adicionar mais tinta. Mas eu acho que isso está funcionando muito bem. É apenas misturar todas aquelas áreas irregulares onde ter um pincel robusto agradável com uma ponta menor pode ser útil, refinando essas bordas. Os exemplos que eu mostrei onde havia linhas distintas entre as camadas, que poderia ser corrigido com outra camada de tinta onde você esfrega as bordas um pouco com a ponta do pincel. Você precisará se certificar de que seu papel que você está usando é realmente resistente para suportar camadas adicionais e fricção adicional. Aqui, esta forma para onde havia algumas flores porque havia muita água, eu posso voltar e adicionar um pouco mais de água e mais tinta e suavizar essa irregularidade e apenas corrigir as bordas. Em vez de ter uma forma confusa, teremos uma forma muito mais limpa. Eu quero que você pense sobre o seu próprio trabalho e tempos em que você tinha camadas que a cor era desigual, ou você tinha flores, ou sua cor não era escura o suficiente e em vez de desesperar e pensar que era um erro ou problema, basta olhar para ele como sua primeira camada. Aquarela é maravilhosa porque é transparente e você pode construir camada sobre camada. Também é maravilhoso porque essas camadas podem ajudá-lo a corrigir problemas que aconteceram em camadas abaixo delas. Se praticar em formas aleatórias funcionar para você, vá em frente e faça isso, ou dê uma olhada em uma pintura anterior e veja se você pode corrigi-lo adicionando outra camada. 12. Lifting: Levantar tinta de seu papel é uma habilidade realmente grande que você pode ter para que suas pinturas não são completamente uniforme aparência. Isso ajuda se você estiver pintando coisas que são tridimensionais, isso ajuda se você estiver pintando coisas que têm um destaque, ou partes claras, e partes escuras. Isso também ajuda quando você está fazendo coisas como pintar veias, e é definitivamente algo que requer alguma prática. Antes de demonstrar a pintura de elevação, quero mostrar-lhe alguns exemplos de algumas pinturas iniciais que poderiam ter beneficiado de levantar a tinta para tornar a cor menos uniforme. Estas duas pinturas, vou mostrar-lhe, em contraste, aquelas roseiras, a cor era bastante uniforme aqui. Há algumas luzes e escuras. Se eu tivesse algum sombreamento e algumas luzes e escuras na primeira pintura, teria melhorado. Esta rosa, você pode ver que há luzes e escuras nessas pétalas, o que não é aparente na outra pintura. Quando eu demonstrar alguns exemplos de como manipular a tinta no papel. Eu estou pintando uma forma de folha simples, e eu vou mover a tinta por aí. Este segundo pincel aqui está úmido, não tem tinta nele, e eu posso usá-lo para empurrar a tinta e levantar a tinta de um lado desta folha. Há um lado mais claro e um lado mais escuro, e então eu posso voltar e adicionar um pouco mais de tinta verde para tornar o contraste entre luz e escuro ainda mais aparente. Pratique isso, levantando a tinta. Vou te dar outro exemplo aqui. Outra forma de folha simples com a tinta verde, e desta vez eu vou levantar uma veia. Vou deixar esta folha verde secar um pouco. Então a tinta absorveu o papel, ainda está úmida. Usando um pincel limpo e úmido, estou tirando a tinta do papel. É quase como se eu estivesse pintando uma linha, mas em vez de adicionar tinta, o pincel está tirando tinta. Aqui está outra forma de folha que eu pintei com uma cor mais escura e avermelhada, e como esta cor é mais escura e absorvida um pouco mais, vai levar algumas tentativas, então seja paciente com isso. Basta mover o pincel suavemente e ele vai puxar a cor para cima. Vamos pintar outra folha aqui. Este em um vermelho mais brilhante. Pintar formas como esta, também é uma boa prática para controlar a água, a quantidade de água em seu pincel e em seu papel. Eu vou voltar aqui e puxar um pouco da tinta novamente, semelhante à primeira folha que pintamos, usando o pincel úmido e, em seguida, certificando-se de remover a tinta extra na toalha de papel para que você não está apenas espalhando mais pintar na área mais leve. Posso usar esse pincel úmido para empurrar e mover a tinta, e isso me dá uma folha com um lado claro e um lado mais escuro. Uma coisa que tem sido útil como eu desenvolvi minhas habilidades aquarela é experimentar alguns tipos diferentes de pincéis, e um pincel que tem sido muito útil para usar é um liquidificador cinzel, ou um sombreador plano, um muito estreito um, e eu vou te mostrar o que quero dizer. As escovas de sombreamento e liquidificador funcionam maravilhosamente para levantar as veias. Aqui está uma forma de folha vermelha úmida, e eu estou usando a ponta do pincel de lado para puxar minha veia e, em seguida, limpar o excesso de tinta fora e tirar a escova úmida. Assim como fizemos com o pincel redondo pontiagudo, levantando essa linha fina. Eu também vou mostrar-lhe que você pode levantar a cor da tinta seca. É preciso um pouco mais de esforço, mas uma vantagem é que você pode obter uma linha mais fina quando a tinta é seca. Você pode ter que passar por cima da tinta um número de vezes para puxar para cima uma linha limpa agradável. Apenas seja paciente e você chegará lá. pincéis de Blender ador e sombreador são ótimos para limpar as coisas também. Como aqui, eu só estou arrumando as bordas onde eu tinha algumas hastes sobrepostas. Você trabalha da mesma maneira que você faria se você está pegando um pouco de tinta seca, todas essas hastes, se houver um pouco de confusão de onde você pintou as sobreposições, você pode voltar e levantar um pouco da tinta e limpar essas bordas. Ele também pode permitir que você iluminar os centros de hastes ou os lados das hastes e dar-lhes mais de uma aparência tridimensional. Espero que você jogue e experimente alguns tipos diferentes de pincéis. 13. Adição de detalhes: A última técnica que quero compartilhar é adicionar detalhes às suas pinturas. Os detalhes são uma ótima maneira de ir além de ser um iniciante, e também ajudam suas peças a parecer mais acabadas. Esta pintura inicial não tem nenhum detalhe realmente. Os botões florais não têm detalhes. As folhas não têm veias. Se você olhar para as pétalas de flores, não há veias, não há detalhes no centro da flor. Em contraste, esta pintura, há detalhes nas folhas, há detalhes nos botões florais e também nas pétalas de flores. No centro da flor, há marcas texturais e veias. adição desses detalhes faz com que a pintura pareça realmente terminada e muito menos como um trabalho iniciante. Esta pintura realmente não tem muitos detalhes, embora as folhas têm algumas luzes agradáveis e escuras, e mistura de cores mesmo que as cores não são muito naturais de aparência, não há muitos detalhes. Há um par de veias na parte inferior das folhas, mas estas partes superiores das folhas não têm veias. Além disso, os caules, os galhos, eles não têm muito detalhe. Eles são de cor bastante plana, então eles não parecem tridimensionais em tudo. O pote tem algum sombreamento para fazer parecer mais tridimensional, mas é só isso. Em contraste, esta pintura, se você olhar para o caule, há muitos detalhes aqui. Parece muito mais realista por causa das marcas texturais nas hastes, estas folhas, esta é uma planta de jade e elas não têm veias, mas há muitas luzes, escuras e sombreamento que fazem parecer mais realista. Estas duas pequenas pinturas de sementes de bordo, estas são recentes e estão inacabadas. Eles não têm nenhum detalhe neste momento. Não ter detalhes fazê-los parecer mais uma pintura para iniciantes. Estas duas flores também estão inacabadas. Neste estado, sem os detalhes, sem que eles sejam terminados, eles se parecem mais com uma pintura iniciante. Adicionar alguns detalhes às suas pinturas ajudará a movê-los além de parecer um iniciante. Se olharmos para essas sementes de bordo novamente, e contrastá-las com uma pintura acabada de algumas sementes de bordo, você pode ver que há muitos detalhes texturais, há veias, e adicionar esses detalhes a esta pintura tem fez a peça parecer muito menos como uma pintura iniciante, e faz com que pareça muito mais acabada. Outro exemplo a contrastar é esta pintura de zinnia. As pétalas são altamente detalhadas com veias, há algumas sombras, há detalhes no centro, também há as folhas e caule com algumas luzes e escuras, e veias. É muito mais acabado de olhar e não se parece com uma pintura iniciante. Adicionando alguns detalhes, você vai querer usar um pincel fino e pontiagudo e testar seu pincel em seu pedaço de papel. Vou adicionar algumas veias a esta folha vermelha. Só usando a ponta do meu pincel, estou pintando uma linha muito fina no centro da folha. Agora esta folha imaginária, então eu estou imaginando que existem algumas veias nos lados irradiando do centro. Isso é apenas para mostrar um exemplo de como pintar essas marcas de detalhes em sua pintura. Estas são apenas veias simples que são linhas únicas. Se você está observando uma folha real na natureza, eu quero que você olhe e veja como essas veias realmente se parecem. Aqui, eu estou apenas adicionando um pouco mais de cor ao próprio caule para escurecer isso e ele vai junto com a cor das veias. Esse é o tipo mais simples de veia. Outra coisa que se você observar com veias que são mais leves, você verá que ao longo das bordas dessas veias mais claras, muitas vezes há alguma escuridão. Se essa é a sombra do centro ou é uma linha colorida real, ajuda a diferenciar essa linha mais escura pintando uma linha muito fina em ambos os lados do centro. Então, novamente, pintando algumas veias que estão nas bordas, você pode pintar do centro para fora ou das bordas para o centro, e isso lhe dá uma idéia rápida de como pintar algumas veias. Além das veias reais, você pode adicionar detalhes adicionando algumas marcas texturais. Eu vou apenas usar a mesma cor vermelha e adicionar algumas linhas muito rápidas, finas, sobrepostas para dar uma sensação de textura a esta folha. Cabe a você a quantidade de detalhes que deseja usar e lembre-se de manter seu papel de teste à mão. Estou adicionando uma linha mais escura ao longo dessa veia para ajudar a se destacar um pouco. Eu posso voltar e adicionar tantos detalhes e escurecer todas as áreas que precisam ser escurecidas como o outro lado desta veia como eu quero. Lembre-se que observar é o seu primeiro passo. São folhas imaginárias que estou pintando. Mas eu quero que você observe, aqui, eu só vou adicionar alguns detalhes a estas hastes. Talvez uma escuridão entre onde os dois caules se ligam um ao outro. Isso é muitas vezes algo que eu vejo, ou talvez uma borda mais escura para um ou outro lado das hastes. Lembre-se de observar e, em seguida, você pode decidir quanto detalhe você deseja adicionar. Claro, praticar ajuda, então aqui vou mostrar-lhe uma outra maneira de adicionar alguns detalhes. Estou escurecendo ao longo dessa veia mais clara, e então eu vou voltar e fazer um contraste em luzes e escuras na metade da folha. É mais escuro perto do centro, e então essa escuridão não é uniforme. Dá essa sensação de tridimensionalidade. Você pode adicionar uma cor mais escura aqui. Você pode camada de cores diferentes, e isso ajuda a fazer a folha parecer mais acabada. Quero que pratique observando e adicionando detalhes. Eu sei que isso apenas arranha a superfície de todo o tópico de adicionar detalhes às suas pinturas, e meus exemplos eram simplesmente prática. Eu quero que você saia, observe seu assunto e olhe para eles para que você possa realmente ver os detalhes e, em seguida, recriá-los em suas pinturas. Quanta detalhe você quer adicionar é totalmente com você. Conforme você avança com suas habilidades, você pode adicionar mais e mais detalhes. Claro, adicionar detalhes é uma decisão estilística também. Há tantos estilos diferentes de arte, alguns com mais e alguns com menos detalhes. Então isso é algo que você tem que decidir também. 14. É com você: Sei que cobrimos muito terreno durante esta aula e há muito em que pensar e muito para praticar. Por favor, não se sinta sobrecarregado. Lembre-se que a coisa mais importante em tudo isso, ao longo de sua jornada criativa, é a paciência. Pense em como você pode começar a colocar em prática algumas das coisas sobre as quais falamos. Como eu disse antes, a coisa mais rápida que você pode fazer para ajudar a melhorar suas pinturas é atualizar seus suprimentos. Talvez você queira começar por aí e ver o que acontece quando você está pintando com um papel de maior qualidade, com tintas de maior qualidade e com pincéis de maior qualidade. Logo de cara, espero que isso o ajude a melhorar. Além disso, comece a aprender a misturar suas cores e praticar a mistura dessas cores. Pratique seu controle de água, pratique todas essas pequenas habilidades, todas as habilidades que ajudam você a refinar os detalhes de sua pintura e levar seu tempo com ela. Não quero que se sinta apressado. Lembre-se, paciência é a coisa mais importante. Levei 10 anos de aprendizado para chegar aqui e sei que todos temos nossa própria linha do tempo. Todos nós temos nossas próprias habilidades naturais e nossas próprias formas naturais de aprender, então não desanime se isso levar mais tempo do que outra pessoa. Todos aprendemos no nosso próprio ritmo. Todas as nossas viagens são únicas e isso é uma coisa maravilhosa. Saboreie sua jornada, saboreie seu processo de aprendizagem. Aproveite a magia de trabalhar com aquarela. Eu realmente acredito que é mágico, é lindo, é alegre, e eu quero que você sinta todas essas coisas também. Quero dizer algo sobre privacidade. Quando você está criando, é importante ter alguma privacidade. Não me refiro apenas a um espaço privado para trabalhar, quero dizer isso de uma forma mais metafórica. Não sinta a pressão de compartilhar tudo o que você cria. Não se sinta pressionado a postar coisas nas redes sociais. Tire algum tempo para você. Deixe um pouco de sua arte ser apenas para você. Ao fazer isso, acho que você está livre da pressão de fazer coisas que parecem perfeitas ou de fazer coisas que até parecem o que você considera boas. Eu não quero que você se compare com outras pessoas que você vê online, você vê em redes sociais, você vê em lojas, em galerias, qualquer coisa. Não compare sua arte com ninguém além de você mesmo. Eu quero que você pegue uma pintura muito cedo que você criou e olhe para ela em comparação com algo que você criou recentemente. Se você está pintando por um tempo, você deve ver uma melhoria. Se você não pinta por um tempo, tudo bem também. Tire algum tempo para desenvolver suas habilidades. Espero que depois de fazer essa aula e trabalhar em algumas das coisas que eu falei, você possa pegar um quadro que você pintou semana passada e compará-lo com um quadro que você pinta amanhã, e que você verá uma melhoria. Novamente, não é algo que vai acontecer da noite para o dia, então seja paciente, dê tempo a si mesmo. Para o projeto para esta aula, quero que você pegue uma pintura que você criou, que você não está totalmente feliz com e olhe para ela através do filtro das coisas que falamos na aula e pense em como você pode melhorar ele. Talvez você vai pintar em papel melhor, talvez você vai misturar todas as suas próprias cores, talvez você vai adicionar alguns detalhes no final, o que quer que seja, talvez você vai fazer um monte de coisas diferentes que nós Eu falei sobre. Mesmo que você apenas faça um, espero que quando você for repintar esse assunto, você verá uma melhoria em sua pintura. Então encontre uma pintura que queira recriar e continue com isso. Em termos de privacidade, e o que eu disse sobre guardar algumas coisas para si mesmo, não sinta necessariamente que você precisa compartilhar ou não compartilhar nesta aula. Eu adoraria ver o que você cria. Eu adoraria dar-lhe feedback ou sugestões sobre como você pode melhorar. Então, se você compartilhar algo, me faça perguntas se quiser meu feedback. Além disso, estou totalmente bem com você postar um projeto para essa aula que é algo que acabou de ser escrito. Talvez compartilhar uma foto de alguns de seus suprimentos e depois alguns de seus pensamentos, porque eu gosto de ver o que você está pensando, e eu gostaria de ver com que coisas você ainda está lutando e eu adoraria ajudar. Então, definitivamente me diga, com o que você está lutando, o que você gostaria de aprender a seguir? Porque eu amo incorporar isso na minha próxima aula, ou em um post de blog, ou em um boletim informativo que eu escrevo e envio aos meus seguidores, então não se esqueça de compartilhar seus pensamentos comigo. Não se esqueça de me seguir aqui no Skillshare, veja o meu site e inscreva-se. Se você ainda não tem, você pode obter o meu guia aquarela que irá levá-lo através de um monte de coisas que nós falamos sobre hoje, especialmente sobre suprimentos de aquarela, que vai ser muito útil. Há também um PDF aqui nesta classe que espero que você baixe. Isso é tudo por hoje. Muito obrigado por ter assistido à minha aula. Obrigado por pintar comigo. Obrigado por aprender comigo. Até a próxima, pintura feliz. Cuide-se. Tchau-tchau.