Letras digitais: controle suas curvas e aprimore seus designs | Martina Flor | Skillshare
Menu
Pesquisar

Velocidade de reprodução


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Letras digitais: controle suas curvas e aprimore seus designs

teacher avatar Martina Flor, Lettering Artist, Author & Educator

Assista a este curso e milhares de outros

Tenha acesso ilimitado a todos os cursos
Oferecidos por líderes do setor e profissionais do mercado
Os temas incluem ilustração, design, fotografia e muito mais

Assista a este curso e milhares de outros

Tenha acesso ilimitado a todos os cursos
Oferecidos por líderes do setor e profissionais do mercado
Os temas incluem ilustração, design, fotografia e muito mais

Aulas neste curso

    • 1.

      Trailer do curso

      1:00

    • 2.

      Apresentação

      6:39

    • 3.

      Leve esboços para o seu computador

      7:43

    • 4.

      Como desenhar com vetores

      6:16

    • 5.

      Ajustes ópticos e melhores práticas

      16:12

    • 6.

      Escolhendo um esquema de cores

      6:10

    • 7.

      Adição de textura

      13:13

    • 8.

      Faça o teste definitivo de letras

      0:10

    • 9.

      Considerações finais

      2:49

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

1.458

Estudantes

12

Projetos

Sobre este curso

QUIZÊ DE LETRAS ULTIMATESaiba
o quanto você realmente sabe sobre letras.https://www.martinaflor.com/quiz


Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Martina Flor

Lettering Artist, Author & Educator

Professor

Martina Flor combines her talents as both a designer and an illustrator in the drawing of letters. Based in Berlin, she runs one of the world's leading studios in lettering and custom typography, working for clients all over the globe such as The Washington Post, Vanity Fair, HarperCollins, Monotype, Etsy, Adobe, Mercedes Benz, Lufthansa, and Cosmopolitan, among many others.

Martina Flor earned her Master's in Type Design from the esteemed Royal Academy of Art in The Hague, The Netherlands. Since then she has dedicated a large part of her time to teaching lettering and type design. She has published two books in several languages, The Golden Secrets of Lettering and The Big Leap, and launch... Visualizar o perfil completo

Level: Intermediate

Nota do curso

As expectativas foram atingidas?
    Superou!
  • 0%
  • Sim
  • 0%
  • Um pouco
  • 0%
  • Não
  • 0%

Por que fazer parte da Skillshare?

Faça cursos premiados Skillshare Original

Cada curso possui aulas curtas e projetos práticos

Sua assinatura apoia os professores da Skillshare

Aprenda em qualquer lugar

Faça cursos em qualquer lugar com o aplicativo da Skillshare. Assista no avião, no metrô ou em qualquer lugar que funcione melhor para você, por streaming ou download.

Transcrições

1. Trailer do curso: Oi, meu nome é Martina Flor e sou designer de letras, morando e trabalhando em Berlim. Dirijo um estúdio em topografia personalizada e letreiros, e trabalho para clientes em todo o mundo. Muitos de nós, criar letras desenhando composições em papel e até finalizando o design em papel ou em seus iPads. No entanto, alguns projetos exigem essa escalabilidade e versatilidade e até mesmo o ajuste fino que a vitória, desenhando o fornece. Se você quer que todos os nerds trabalhem nas curvas de suas formas de letra e adicionando profundidade visual ao seu design, esta classe é para você. Você aprenderá uma técnica eficaz para desenhar com vetores no Adobe Illustrator ou no seu aplicativo de desenho favorito. Vou mostrar-te como polir as tuas formas e fazer ajustes ópticos. Mais tarde, veremos uma técnica intuitiva para encontrar um esquema de cores para o seu trabalho de arte. Por fim, exploraremos alguns efeitos e tratamentos de textura para adicionar tátil ao seu design. Estou ansioso para te ver ali. 2. Introdução: Olá a todos, obrigado por se juntarem à minha classe. Nesta aula vamos falar sobre letras digitais. Gostaria de começar por falar sobre os Gs gerais e as vantagens de trabalhar com letras de fontes vetoriais. Trabalho principalmente com letras digitais. O que eu realmente gosto em trabalhar com vetores é que você pode ter controle total de suas formas. Eu sempre digo que a letra digital é um exercício de design porque você está decidindo a forma perfeita dessa curva, você está decidindo a forma perfeita desse florescer em tudo acima de sua mão, sendo capaz de desenhar essa forma. Mas é sobre alcançar com a técnica que estamos usando o desenho vetorial, alcançar a forma perfeita que você tem em sua cabeça. Portanto, não é tanto sobre ser um habilidoso com as mãos, mas é muito mais sobre colocar os pontos e mover essas curvas e alças nos lugares onde você quer tê-los para que você tenha a forma exata que deseja alcançar. Mas uma das vantagens de trabalhar com desenhos vetoriais é que eles são escaláveis. Então você pode, por exemplo, em projetos do tipo logotipo, você pode ter esse pedaço de letra aplicado em tamanhos muito pequenos e até mesmo tamanhos muito grandes. Então, o exemplo de uma marca que precisa usar seu tipo de logotipo ou sua marca e relâmpago aplicações muito diferentes como em uma campanha de outdoor e em um gene mendigo e em cartões de visita. Então, você se certifica de que seu design será utilizável em todos esses aplicativos. É por isso que o desenho vetorial é muito útil, você pode dimensioná-lo tanto quanto quiser sem perder nitidez. Outra vantagem de trabalhar com desenhos vetoriais ou letras digitais é que ele permite que você tenha um melhor controle sobre suas formas. Por exemplo, também no design do tipo logotipo. Muitas vezes você precisará ter um design que também funcione em tamanhos pequenos. Então você precisará fazer alguns ajustes ópticos para seus tipos de logotipos, para que ele funcione em tamanhos pequenos. E ter um desenho vetorial permite que você tenha um melhor controle de onde as partes finas e grossas do seu desenho serão semeadas, e ajustar isso de acordo com o tamanho. Trabalhar com letras digitais também permite adicionar muito mais camadas de elementos de decoração e ser muito mais econômico, depois de usar esses elementos. No sentido de que você pode usar peças que você desenhou antes e nós usá-los em outros lugares. Então você cria uma espécie de módulos dentro seus floreios ou seus elementos de decoração e você vai usá-los em outros lugares de suas letras. Portanto, ele não se aplica apenas ao design log-type, mas também funciona com desenhos muito elaborados com muitas camadas de textura e decorações. Assim, com o desenho vetorial, você pode criar designs muito complexos onde você reutiliza ou copia certas partes e reutiliza-as em outros lugares da sua composição. Então isso torna todo o processo muito mais econômico para você. Então também é ótimo trabalhar com composições do que envolver outros elementos como fotografia ou ilustrações, para que você possa criar designs que envolvam várias camadas. Então você tem a camada de tipografia, a camada dos elementos decorativos a fotografia, o fundo e eles podem ser editados individualmente sem ser recolhidos em uma camada. Por último, mas não menos importante, é que os ambientes digitais fornece um monte de ferramentas que uma vez que você pode usá-los corretamente e você aprende a usá-los, você pode fingir um estilo de vida no bom sentido. Isso ajuda muito a contar histórias. Por exemplo, você precisa criar uma letra que pareça feita de ouro ou se você precisa criar uma letra que funcione com objetos ou seja feita de objetos, por exemplo, se você precisar criar formas de letra que sejam feito de fita, então o ambiente digital dá-lhe ferramentas que permitem imitar melhor o fluxo ou as formas da fita. E isso dá ao seu letreiro muito poder para contar melhor essa história. Assim, o desenho vetorial também tem seus desafios. À medida que avançamos com nosso projeto, você notará que o desenho vetorial ou o trabalho com vetores é no início, uma técnica muito demorada. Mas à medida que você avança e ganha mais experiência com a técnica, esta técnica se tornará sua melhor amiga. Esta é a melhor técnica do que eu e muitos outros, designers de cartas e letras do mundo usam para melhor controlar suas formas e digitalizar seus projetos. Outro desafio é que muitas vezes quando você digitaliza seus desenhos de mão, desenhos vetoriais tendem a parecer um pouco mais rígidos só porque tentamos normalizar algumas das formas e algumas das curvas. Então vamos ver algo precisa tomar cuidado que não acontece, que somos capazes de traduzir as formas que desenhamos à mão e sua natureza e seu apelo flexível. Vamos trabalhar para traduzir essas formas corretamente em um desenho vetorial. A última coisa é que no meu olhar digital. Eu acho que um dos maiores desafios do letreiro digital é que no final, ele não parece muito digital e que seu design tem alguma sensação tátil para ele. Então, no final desta aula, vamos olhar para técnicas para adicionar esses sentimentos táteis ao seu design, e para adicionar texturas e, em seguida, torná-lo não-tradicional. Então, na próxima lição, vamos olhar para nossos esboços e prepará-los para cada lado. 3. Como entrar esboços no seu computador: Vamos falar em breve sobre o esboço que vamos digitalizar. Eu gostaria de mostrar um pouco o meu processo de esboçar e mostrar-lhe o resultado ou o esboço resultante que eu vou digitalizar e dar-lhe algumas dicas para você preparar o seu desenho para ser digitalizado. Meu processo normalmente começa à mão no papel, e eu gosto de começar com um pequeno esboço em miniatura, então nos pequenos esboços em miniatura, eu tento direções diferentes para o meu design. Se eu quiser usar topografia cursiva ou se eu quiser usar topografia romana, ou se eu quiser criar a composição de uma forma ou de outra, se eu quiser usar uma linha de base curva inclinada. Nos esboços em miniatura eu tento diferentes opções para resolver o meu design. Estes são esboços em miniatura muito pequenos. Normalmente faço em um pedaço de papel branco. Uma vez que eu encontrar uma direção que eu gostaria de continuar com, eu passo para um papel de tamanho maior como um tamanho de letra ou algo assim, na faixa de um papel tamanho de letra. Eu sinto que já é espaço suficiente para eu trabalhar nos detalhes e ainda não é um enorme desenho que é muito demorado para desenhar. Então este será o meu primeiro grande esboço, e essa é a base do resto do processo. partir deste esboço, eu vou olhar para ele de forma crítica e pensar nas coisas que eu quero mudar, pensar nas coisas que eu gosto e eu quero manter, então eu vou trabalhar em cima deste desenho com camadas de papel de rastreamento. Em cada camada eu vou pegar o que eu quiser ou eu vou repetir e copiar o que eu quiser e eu mudaria as coisas que eu não gosto. Expliquei esse processo em detalhes em outras classes minhas, como os segredos dourados das letras. Eu mostro toda a abordagem desta técnica e esta é uma técnica que tem mostrado ser muito eficaz para ordenar seus desenhos porque você não tem que começar de novo todas as vezes. Isso é ótimo porque permite que você experimente um monte de coisas diferentes. Então, no meu trabalho, eu uso muito essa técnica e eu a uso toda vez que eu tenho que fazer um projeto pessoal ou uma comissão de reivindicação. Eu uso essas camadas de papel de rastreamento e de acordo com o projeto, é preciso mais ou menos camadas para fazer isso. Este processo, por exemplo, levou cerca de sete camadas. Os primeiros esboços em miniatura no papel e, em seguida, o grande esboço foi o primeiro passo. Então eu cheguei ao desenho final ou esboço manual, que é a sétima camada desse processo. Eu gosto de numerar minhas camadas para que eu possa manter o controle de onde eu comecei e onde eu cheguei. Eu acho que este é também um grande exercício porque você começa a ver, a transformação do primeiro esboço para o último esboço. É um momento um pouco mágico porque você começa a ver o quão longe você chegou em apenas sete camadas, então eu acho que é um bom exercício para apenas manter o controle de quantas camadas você está trabalhando com. Gosto de trabalhar com esboços porque acho que é uma maneira muito boa e eficaz de resolver a maioria dos problemas do seu design, antes de passar para o desenho digital. Como eu mencionei antes, o desenho digital é uma técnica muito mais demorada, então quanto mais você viu em seu esboço manual, melhor e mais rápido seu desenho digital irá avançar. Quando eu digo que resolver a maior parte do progresso do seu design é, como funciona a composição? Resolvi isso no meu esboço? As formas das letras são legíveis? Posso ler essa palavra? Isso é problemas resolvidos no meu projeto? Todas as características do meu design estão nos lugares certos? Isso também está resolvido neste esboço de mão? Você vai notar que o esboço manual, especialmente com esta técnica é um lugar onde você pode experimentar coisas muito diferentes e se mover muito rápido com ele. Em alguns minutos você pode criar uma nova camada e tentar uma solução diferente para o seu design e isso não lhe custou muito tempo. Enquanto que quando você passa para o desenho digital, as coisas se movem um pouco mais devagar, como pontos de enredo para cada coisa nova que você quer experimentar. Demora um pouco de tempo, por isso é muito melhor tentar todas essas coisas na parte de esboço do seu processo, e não mais tarde no seu desenho digital. Dito isto, o seu desenho ou a sua letra vai sempre avançar. Este não é o fim do esboço, não é o fim do mundo não é como você passar para o desenho digital e você não seria capaz de mudar qualquer uma das características de seu esboço mão. O desenho sempre avançará mesmo quando você se mover para o ambiente digital, então não se preocupe, você não está assinando para qualquer empreendimento louco aqui. Você está apenas tentando resolver a maioria dos problemas no esboço para facilitar seu trabalho no ambiente digital. A última coisa que gostaria de mencionar sobre trabalhar com esboços é que também é muito útil trabalhar com clientes. Criar um esboço depois de se acostumar com ele, para criar esboços à mão ou até mesmo no iPad. Pode ser uma maneira muito eficaz de testar ideias com um cliente. No caso de uma comissão comercial, provavelmente enviarei este esboço para o meu cliente. Talvez eu vá digitalizar isso e adicionar alguma cor de uma forma muito áspera apenas para mostrar ao cliente que há uma idéia deste esquema de cores para este projeto, e eu vou enviar este esboço para o cliente. Você resolve a maioria dos problemas em sua composição e em suas letras em papel ou em seus esboços em seu iPad, agora vamos levar isso para o computador.. O que eu normalmente faço é digitalizar meus desenhos em 600 dpi, que eu possa manter uma documentação digital dos meus esboços, para que você tenha um backup de seus esboços da vida real. Mas, na verdade, você também pode usar seu telefone e fazer uma foto e isso já é útil para estudar suas letras digitais. Você pode digitalizar este desenho em 300, 600 dpi ou fazer uma imagem deles. Já temos o nosso desenho digitalizado ou fotografado, e esta será a base para o nosso desenho vetorial. Na próxima lição, vou contar um pouco sobre isso em uma técnica específica para desenhar letras, formas em vetores. 4. Como desenhar com vetores: O primeiro passo em seu desenho digital é ter uma digitalização aproximada do seu esboço. Isso significa que você basicamente plotar todos os pontos ou você colocar todos os pontos em seu desenho e você tem um primeiro desenho digital muito áspero. Claro, há um monte de coisas para melhorar, há um monte de polimento para fazer para a sua forma, mas eu acho que é um bom exercício ter sempre aquele primeiro desenho digital que é áspero onde você tem todos os pontos e então você começar a mover e deslocar esses pontos e colocá-los nas posições certas e também trabalhar com as alças, e certificar-se de que as alças têm o comprimento que precisam. Eu acho que também é um exercício muito útil para imprimir seus projetos. Deixar o computador por um momento e imprimir seu design e ver como ele está, e também ser crítico com ele. Fiz uma primeira impressão da minha primeira digitalização e vou anotar as coisas que quero mudar e as coisas que acho que não estou com boa aparência. Meu conselho é sempre que a primeira digitalização também é preto e branco. Lettering é sobre criar formas de letras e contar histórias com formas de letras, seu foco principal deve ser suas formas de letra. A melhor maneira de trabalhar em suas formas de letra é trabalhar em preto e branco no início. Se você quiser adicionar cor, que vamos fazer nas próximas lições, então você pode definitivamente fazer, mas primeiro tentar obter as formas tão boas quanto você pode, e a melhor maneira de fazer isso é trabalhar preto e branco. Um par de coisas que eu gostaria de mudar do meu desenho, eu acho que a forma geral está começando a ficar bem. Embora eu sinta que este coração não está exatamente centrado, eu sinto que este ponto deve ser o ponto final do meu coração ou o pico final desse coração deve ser centrado, então eu vou mudar isso nos próximos passos. Eu também acho que eu realmente gosto dessas incisões ou esses cortes sobre essas gotas. Mas eu acho que às vezes estão começando a parecer um pouco estranho como uma espécie de animal. Preciso tomar cuidado para que essas formas não estejam olhando para outra coisa. Porque isso levará meu desenho em uma direção diferente ou meu desenho contará uma história totalmente diferente. Veja algumas coisas que você pode analisar ao criticar ou fazer anotações em sua primeira impressão do primeiro desenho digital. Eu acho que uma das coisas sobre desenhos digitais que enquanto algumas de suas características ou algumas de suas formas podem ter ficado boas no esboço de mão. Uma vez que você plotar os pontos sobre eles ou você copiar essas formas em curvas digitais, e eles podem não parecer tão bons como eles costumavam ser no esboço manual. Isso é porque você está traduzindo sua forma em formas muito afiadas, e você começa a ver todos os solavancos, todos os erros. A primeira impressão do seu design é sobre encontrar os solavancos e as formas que você deseja polir em seguida. Se você olhar, por exemplo, a forma do meu V aqui não é necessariamente uma forma super arredondada. Vou tentar arredondar isso. Algumas das minhas formas arredondadas estão começando a parecer um pouco batata, eu as chamo. Não são curvas super suaves, mas são mais como uma batata como ela. Eu quero mudar isso ou eu quero melhorar isso nos meus próximos passos. Outra coisa que você pode olhar é se o seu espaçamento está bom ou não. Como você sabe, há um princípio que diz: “O espaço dentro da letra deve ser semelhante ao espaço entre as letras.” Se você pode colocar uma certa quantidade de água dentro da letra, você deve ser capaz de colocar uma quantidade semelhante de água entre as letras. Fique de olho nisso quando estiver fazendo anotações em sua impressão. Você pode olhar para o peso de seus traços e ver se todas as suas partes finas estão parecendo finas ou a mesma quantidade de finas ou estão tendo um peso semelhante. Por exemplo, notei que o loop do meu L aqui está tendo uma maneira diferente que o olhar na parte inferior do meu L. A parte inferior do meu L parece ser muito fina em comparação com outras partes finas do meu letreiro. Pode ser que nos meus próximos passos eu precise mudar esse recurso lá na parte inferior do L. Então há alguns lugares onde eu notei que há muito espaço em branco. Vou trabalhar nisso nos próximos passos. Também notei que a distribuição desses pequenos pontos que estou usando para compensar os espaços em branco na minha composição não são igualmente distribuídos. Há muitos deles no topo do design e há muito poucos na parte inferior dos projetos, então eu vou mudar isso nos próximos passos. Quero dar mais algumas dicas que têm a ver com diferentes tamanhos de letras. Se você está desenhando letras romanas ou formas de letras com serifas ou se você está desenhando letras de script, então formas de letras conectadas, então há algumas técnicas que podem ajudá-lo a lidar com isso. 5. Ajustes e melhores práticas: Temos um scan ou uma foto do nosso esboço manual e vamos levá-lo para o nosso computador. Vou mostrar-lhe uma técnica para traçar o seu ponto de uma forma muito eficaz, digamos isso. Trabalhei muito com esboços, então toda vez que trabalho em um projeto de cliente, começo esboçando isso à mão ou no iPad e envio ao cliente um esboço da tarefa. Aqui está um exemplo de um projeto que fiz recentemente para a revista Independent Banker, eu tive que fazer uma capa. Este foi o esboço que eu criei. O que eu normalmente faço é adicionar cor a ele para que o cliente possa ter uma idéia ou ter uma idéia do esquema de cores que estou pensando em usar, e então uma vez que o cliente aprove esse esboço, então eu passo para o digital desenho. O primeiro desenho digital é muito básico, muito essencial, é apenas sobre acertar a forma das letras, e depois disso vem tudo o que tem a ver com os tratamentos, as sombras e as texturas, mas o que eu acho que deve ser o foco principal ao fazer letras é que a forma das letras está boa aparência. Uma vez que você tem esse direito, então você pode passar para adicionar cor e textura e mais elementos decorativos. Faço isso toda vez que tenho um esboço, às vezes é áspero, às vezes é mais polido e, depois, uma vez aprovado, passo para o desenho digital. Isso acontece com desenhos decorativos, bem como com desenhos de logotipos. Este foi também um esboço para um logotipo que criei para uma conferência aqui em Berlim. Este foi um esboço manual que eu enviei para o cliente e uma vez que foi aprovado, eu mudei para o desenho digital. Eu trabalhei neste desenho usando uma cor de fundo preto, sempre que você estiver trabalhando em design negativo, tente desenhar as letras também na forma negativa. Vamos para a parte analógica do analógico para o digital, do seu esboço para uma versão digital do seu esboço. A fim de digitalizar ou criar um desenho vetorial a partir de seus esboços de mão. Há algumas práticas ou técnicas que você pode usar. Uma das mais amplamente utilizadas é essa técnica de rastreamento. A técnica de rastreamento que criei, eu tenho o meu esboço aqui, a minha skin é get, e eu criei outra versão dele, que é uma versão de alto contraste desse esboço. Se você levar este esboço para um arquivo do Illustrator, no Adobe Illustrator, você pode usar a ferramenta de rastreamento automático que está pressionando este botão e escolhendo entre as diferentes categorias e o que ele basicamente fará é rastreá-lo em um desenho vetorial, ele transformará seu esboço de mão em vetores. O que isso faz é transformar seu desenho em um monte de pontos. Se você chegar mais perto disso, definitivamente esta técnica simplifica muitos elementos de seu esboço de mão, mas mantém um pouco da textura e o que ele faz é que ele transforma seu desenho em um monte de pontos. Sempre que você quiser editar estas formas, se você quer mudar a forma do E ou mudar a forma desta gota aqui, então isso será bastante complicado porque você precisa editar muitos dos pontos para realmente editar essa forma. Eu vou dizer que nesta abordagem que estamos tendo com esta classe onde queremos ter controle total sobre as formas, esta não é a abordagem que queremos usar. A abordagem que queremos usar para ganhar controle sobre a forma de nossas letras é a chamada técnica de pontos extremos. As técnicas de ponto extremo são sobre usar a menor quantidade de pontos para desenhar suas formas de letra. Deixe-me mostrar-lhe o princípio desta técnica. Basta ir por um segundo para os conceitos básicos de desenho vetorial em uma aplicação vetorial, o que você está basicamente fazendo ao drenar com vetores é que você está usando pontos e cada um desses pontos também tem duas alças para eles. Este é o ponto de ancoragem, isto é o que chamaremos de manipuladores a partir de agora. Com essas alças e pontos, apenas ajustando isso você pode obter reações diferentes às suas curvas. Você pode trabalhar em uma linha reta, por exemplo, como aqui, ou você pode trabalhar em uma linha curva dessa maneira, ou você pode ter um semicírculo, mas o que vamos estar repetindo o tempo todo ao desenhar com vetores é que vamos tentar manter essas alças sempre sentados como linha vertical e horizontal. Este será o nosso uso ideal dessas alças, que não será. Um exemplo muito claro de pontos extremos pode ser visto apenas criando um círculo no ilustrador com a ferramenta de elipse. Sempre que você desenhar uma ferramenta de elipse no Illustrator, você verá quatro pontos de ancoragem com suas respectivas alças que acabamos de falar sobre essas alças. Estes pontos de ancoragem estão localizados nos valores máximos extremos Norte, Sul, Leste e Oeste de uma curva. Parece muito técnico, mas você pode ver que esses pontos estão sentados exatamente onde essa curva está tocando essas linhas, essas diretrizes. Como você pode ver que as alças estão sempre sentadas no eixo vertical e horizontal. Para alterar a seção desse círculo, você só precisa editar essas alças, você precisa editar se essas alças ou os pontos. Eu acho que o princípio da elipse é uma maneira muito fácil de entender como os pontos extremos funcionam, porque você sempre pode extrapolar para suas formas. Por exemplo, se eu quiser digitalizar este D que digitalizei segue o mesmo princípio então digitalizar. Forma arredondada. Considerando que neste O, que é a letra circular mais simples que segue os princípios dos pontos extremos nas curvas. Se eu olhar para a forma como a elipse funciona no Illustrator e tentar levar isso em uma forma mais complexa como este D que eu tenho aqui, então eu posso aplicar o mesmo princípio que eu apliquei em uma elipse em uma forma mais complexa. Você pode ver que todos os pontos extremos são encontrados nas linhas verticais e horizontais. Vamos falar sobre as ferramentas. Vou lhe dar uma introdução às ferramentas com as quais vamos trabalhar. As ferramentas Seleção nos permitem selecionar, mover e transformar uma forma inteira. Este é um básico completamente do Illustrator. Ele não edita nenhum ponto de ancoragem ou alças. A ferramenta Seleção Direta é a que você usará para selecionar seus pontos e movê-los, bem como suas alças. Você vai querer usar Shift sempre que você estiver editando suas alças para que as alças sempre permaneçam na faixa vertical ou horizontal, e elas sempre grudam nela. Se você pressionar Shift sempre que editar suas alças com a ferramenta Seleção direta , você manterá suas alças retas. Com a ferramenta Caneta, vamos desenhar nossas formas de letras. Ao clicar e arrastar, vamos ver como as curvas estão sendo desenhadas, como estou fazendo agora. À direita, eu vou fazer exatamente o mesmo, mas eu vou pressionar “Shift” toda vez que eu arrastar minha ferramenta Caneta. Eu clico, arrasto, desloco. Clique, arraste, mude. Sempre pressione “Shift”. Clique, arraste, mude. Isso sempre manterá sua alça sentada no eixo horizontal e vertical. Veja como este desenho parece ordenado à direita, enquanto o da esquerda parece muito caótico. Então, se nos esquecermos de adicionar um ponto a ocorrer, podemos fazê-lo com a ferramenta Adicionar Ponto de Âncora clicando na linha. Podemos nos livrar deles usando a ferramenta Excluir Ponto de Âncora. Cada ponto de ancoragem normalmente tem duas alças, e elas estão sempre sentadas em linha reta, mas podemos quebrar isso usando a ferramenta Ponto de Âncora. Idealmente, continuaremos pressionando Shift para manter esta alça também sentada em uma linha vertical ou horizontal. Nós vamos nos livrar desse rastreamento ao vivo do nosso esboço, e vamos trazer o esboço real para o nosso conselho. O que eu normalmente faço é ter lugar o esboço como uma imagem de fundo do meu desenho. Eu chamaria isso basicamente o fundo. Eu sempre gosto de reduzir a opacidade do meu desenho para que o que eu realmente preciso é ver um pouco quais são as formas para que eu possa copiá-las com meus vetores. Mas se o oposto é muito alto, então é um pouco perturbador. Vou nomear este novo desenho vetorial de camada. Como acabamos de ver, vou começar colocando o primeiro ponto, vou usar minha ferramenta Caneta, e vou clicar, arrastar e pressionar Shift. Ao pressionar Shift, essas alças ficam na linha horizontal. Esse é o meu primeiro ponto extremo. Vou continuar a fazer o próximo ponto extremo. Mais um aqui. Outro ali. Mais um aqui. Vou fechar esta forma ali. Ao pressionar “Opção”, eu quebro as alças para que elas não fiquem na mesma linha, mas quebrem. Vou desenhar novamente o meu ponto extremo lá. Clique, arraste, pressione Shift. Clique, arraste, pressione Shift. Estes cortes aqui são muito complicados. Eu vou cortar cantos aqui, então eu vou quebrar este ponto para que eu possa criar um canto, e eu vou usar a tecla Option, pressioná-la agora, e eu vou trazer essa alça na outra direção. Eu vou para este canto aqui. Novamente, pressione a tecla “Option” e quebre esse ponto. Aqui, eu tenho um ponto extremo, e eu continuo desenhando meus pontos extremos. Idealmente, as alças compartilharão o trabalho. Por exemplo, aqui está um bom exemplo disso. Idealmente, suas alças terão mais ou menos o mesmo comprimento, então você não terá a situação em que esta alça é muito longa, ao lado de uma alça que é muito curta, eles sempre compartilharão o trabalho. A forma da sua curva ou a perfeição da sua curva depende não apenas da forma ou do comprimento das alças, mas também da posição desses pontos, então você também pode querer reposicionar esses pontos e obter a curva exatamente no lugar onde você quer que ela esteja. Vou continuar a desenhar esta forma aqui. Como eu mencionei antes, idealmente, você desenhará suas formas e colorida de preto. Porque ao colorí-los em preto, você pode ver claramente qual é a forma desta carta. Não completei meu “L “, mas vamos desativar o esboço. Quando a forma é apenas preta em um fundo branco, você pode muito bem ver onde estão os problemas. Posso ver aqui que esta curva não é super suave. Eu também posso ver aqui que esta curva tem um galo ali. Vou corrigir esta curva deslocando essas alças, reposicionando os pontos. É tudo sobre afinação fina. Depois de colocar todos os seus pontos, então você pode começar a reposicioná-los, deslocando essas alças. O que eu normalmente faço é colocar todos os meus vetores primeiro, não importa o quão acidentadas ou estranhas as curvas pareçam. Primeiro, vou colocar todos os meus pontos vetoriais e alças, e mais tarde, vou passar para polir cada uma das formas. Só para recapitular um pouco o que fizemos até agora, começamos com um esboço manual, passamos para o computador. Pegamos aquele esboço manual no computador, e fizemos nosso primeiro desenho em estúdio, um desenho digital muito fácil, apenas para colocar os pontos nos pontos certos e para garantir que as formas das letras estão bem e para polir as formas das letras. Agora, estamos avançando para adicionar profundidade visual e textura ao nosso design, e também trabalhar em um esquema de cores que nos ajuda com nosso [inaudível]. 6. Escolhendo um esquema de cores: O esquema de cores que você escolher pode ter um enorme impacto na sua narrativa. Para fazer um ponto sobre isso, fiz o exercício de mudar a cor de algumas das letras que criei na base. Apliquei um esquema de cores diferente para ver como o design reagiu ou a narrativa do meu design reagiu. O primeiro exemplo é uma capa que criei para Alice no País das Maravilhas, para uma editora espanhola de Alice no País das Maravilhas. O livro foi destinado a adolescentes entre 10 e 16 anos, penso em todos os sexos. Este foi o esquema de cores final e aplicando a isso foi o design final e o esquema de cores final, bem como e aplicando em um esquema de cores diferente para este design tem um apelo completamente diferente para ele, diz um História completamente diferente. À esquerda, você tem o novo esquema de cores e, à direita, você tem o esquema de cores original. Parece muito mais adequado para o antigo grupo-alvo do género. Há outro exemplo de um projeto que eu fiz para a manchete que criei para uma revista aqui na Alemanha, onde eu tive que ilustrar a palavra Gelassenheit. Gelassenheit significa que a tradução para o inglês seria serenidade, enquanto o design, a composição, o layout e o esquema de cores falam muito bem sobre o conceito de serenidade. O mesmo layout, uma manchete, e letras, formas com um esquema de cores totalmente diferente, falam sobre algo, completamente oposto. Não há nenhuma serenidade neste pedaço de letras com este esquema de cores enquanto o esquema de cores anterior ou original estava muito acompanhando esta ideia de serenidade. Nesta lição, estamos caminhando para adicionar cor e profundidade facial ao nosso design. Escolher um esquema de cores para o seu desenho ou para o seu design é um dos primeiros passos. O que eu gosto de usar como uma técnica que é muito acessível para escolher esquemas de cores para o seu design é encontrar inspiração em ambientes naturais. Como mencionei no início, um dos desafios das letras digitais é fazer com que pareça não tão digital. Obter inspiração da natureza para o seu design já é como uma técnica muito eficaz para fazer seus projetos parecerem um pouco mais naturais. Se eu tiver que trabalhar em um projeto que fala sobre uma certa estação do ano. Eu vou apenas sair e procurar referências dessa temporada, se é outono eu vou tentar encontrar fotos que refletem a floresta no outono ou um parque no outono e apenas beliscar algumas das cores dessa fotografia e usá-las no meu design. Claro, que escolher um esquema de cores não é apenas sobre as cores, mas também como elas funcionam aplicadas em seu design. Se você tem um conjunto de quatro cores que você vai trabalhar com, e isso não significa necessariamente que todas elas vão trabalhar em segundo plano, ou todas elas vão ser uma boa escolha para o primeiro plano. Depois de selecionar um determinado esquema de cores com o qual você vai trabalhar, você também precisa fazer testes se aplicar as cores em certas partes do trabalho de letras ou ajudá-lo com a legibilidade de suas letras. Se te ajudarem a contar a história que queres contar com as letras. Uma vez que você tem o conjunto de cores que você deseja trabalhar com, em seguida, fazer alguns testes e tentou encontrar diferentes combinações dessas cores em seu design e ver qual delas funciona melhor para você. Ao ir e voltar entre imprimir e corrigir e voltar ao meu desenho, ao meu desenho vetorial para fazer essas correções, meu design ou meu desenho também se desenvolve em camadas da mesma maneira que fizemos ou eu expliquei antes disso Eu fiz isso com meu esboço de mão, que eu desenvolvo o esboço manual com camadas de papel de rastreamento. Da mesma forma acontece no Illustrator ou assim. Sempre que eu quero fazer uma mudança, eu crio uma nova camada e eu melhoro essas formas e eu olho este desenho e eu penso nas coisas que eu quero mudar e eu crio uma nova camada e eu mudo as coisas que eu quero mudar, e assim por diante e assim por diante e assim por diante. Cada nova camada é uma mudança ou uma melhoria desse desenho e é ao mesmo tempo, o mesmo desenho. Eu pego as coisas que eu gosto, eu mantenho as coisas que eu gostei e que estão boa aparência e eles mudam as coisas que eu não gosto. Claro, então vem a aplicação da cor. Este é muito fácil, óbvio. Mas no meu caso, eu queria criar uma impressão de seda com esse design então eu quero usar o desenho vetorial com uma impressão de seda de uma cor. Na próxima lição, vamos analisar como adicionar textura e profundidade visual às suas letras. 7. Adição de textura: Por último, gostaria de lhe dar algumas dicas sobre como adicionar textura ao seu desenho, e também fornecer-lhe algumas texturas que você já pode aplicar em suas letras. Vamos ver isso. Eu quero fornecer-lhe minhas texturas favoritas para você começar com ele. Se você vai para o meu site martinaflor.com/teaching-resources e você usar draingletters senha, você pode acessar para baixar algumas das texturas. Você vai descobrir que existem algumas texturas com as quais você pode trabalhar, e eu vou mostrar-lhe como eu usá-las aplicando-as em meu próprio design. Estas são algumas das minhas texturas favoritas. Um deles é o ruído, esta é uma textura gerada digitalmente e eu gosto de usá-lo porque você apenas adicionar um pouco de ruído ao seu desenho, então ele se livra desse efeito de aparência perfeita de um desenho digital. Há também este papel velho, eu amo o papel antigo, tem um pouco mais escuro, fica mais escuro em direção às bordas e tem muito barulho e poeira. Então eu tenho uma fotocópia, uma digitalização de uma fotocópia que se aplicou muito suavemente ou em uma opacidade muito baixa, ele também adiciona um pouco de ruído. Uma digitalização de fotocópia realmente áspera, ele adiciona muito ruído e textura, e também pode criar um efeito de impressão de xilogravura e pintura em rolo. Você pode realmente criar quantas texturas quiser, e meu conselho é sempre tirar fotos de coisas e digitalizar materiais e tentar usá-los em preto e branco, que você possa aplicar a cor que deseja a eles. Eu realmente gosto de manter o papel velho como ele é porque, o uso desta textura específica, ele sempre traz um efeito surpreendente e ele também combina todo o seu esquema de cores, Vou mostrar-lhe como. Eu tenho meu design aqui eu realmente colocar o vermelho no fundo e eu fiz o coração ou o amor branco, então eu posso aplicar efeitos e, eu sinto que ele ganha um pouco de contraste, e então eu tenho meu design em camadas. Eu trouxe isso do Illustrator para o Photoshop, então agora estou trabalhando em um arquivo do Photoshop porque eu quero trabalhar com alguns pincéis, então no caso em que eu estou aplicando apenas texturas ao design como ruído ou textura de papel antigo, Eu provavelmente escolherei ficar no Illustrator, mas neste caso como eu queria adicionar detalhes com um pincel, então é mais fácil e rápido trabalhar no Photoshop e eu tenho algumas das texturas que mencionei antes, eu tê-los aqui. Por exemplo, eu tenho a camada de ruído, então se nos aproximarmos do design e eu ativar a camada de ruído, você pode ver que o fundo está tendo algum desse ruído. Eu também tenho uma vinheta, que faz basicamente todas as bordas um pouco mais escuras, e cria o efeito da vinheta. Eu sinto que se não for muito duro, se não for muito forte, cria um foco no centro da peça, então o amor é leve, está brilhando um pouco mais. O que eu normalmente faria é, primeiro, eu gostaria de adicionar um pouco de sombra atrás de minhas letras, não deve ser muito forte, como esta, então a sombra não deve ser perceptível, esse é o meu gosto pessoal. Eu sinto que a sombra é apenas uma maneira muito boa de criar algum contraste extra para suas letras, porque ele adiciona uma área mais escura em torno de suas letras, mas não deve ser muito perceptível. Se você se aproximar das letras deixe-me ativar e desativar este efeito. Você pode ver que as letras estão ganhando um pouco de contraste porque há um pouco de sombra atrás delas, não muito perceptível, mas há algo. Eles decolam do fundo e eu gosto de usá-lo por essa razão, uma das opções para adicionar textura é primeiro adicionar alguns efeitos de sombra como o que eu acabei de fazer. Outra coisa que você pode fazer é, por exemplo, adicionar ruído às suas letras, então deixe-me apenas trazer a camada de ruído para cima da tipografia ativando e desativando essa camada. Usando diferentes misturas, eu posso adicionar um pouco de ruído às letras, então eu vou selecionar a tipografia e me livrar do resto do ruído para que eu possa baixar a opacidade desta camada e apenas ter um pouco pouco de barulho, não muito, naquelas letras. Agora não há textura, agora há textura. As letras são um pouco sujas e esse é o objetivo de adicionar um pouco de ruído a elas. O que eu gosto sobre a textura de papel antigo é que ele combina todas as cores em algum efeito retro, então os brancos se tornarão um pouco amarelados, e as outras cores também terão tom amarelado sutil, então por ativando essas camadas e multiplicando e alterando a opacidade, você pode muito bem misturar todo o seu esquema de cores em um esquema de cores retro olhando. A última coisa que gostaria de acrescentar é um pouco de sombras naquelas letras. Eu sinto que eles poderiam ter um efeito muito mais volumétrico ou efeito 3D sem necessariamente ser super digital. O que eu faria é criar para adicionar algumas sombras manualmente, digamos com um pincel no Photoshop, que dá a idéia de que as formas estão se sobrepondo, por exemplo, no L, o corte do L está indo atrás do tronco do L e desta swash também. Fazer isso requer um pouco de trabalho detalhado. Vou chamar esta nova camada de sombra. O que eu normalmente faria aqui é usar também a ferramenta de desenho vetorial, então deixe-me chegar mais perto dessa forma. Eu vou usar esta ferramenta e para apenas copiar a área que eu quero aplicar a ferramenta de pincel, então aqui estamos nós, e eu vou criar a seleção fora disso, isso significa que qualquer que seja um do , onde quer que eu aplique o pincel, ele permanecerá apenas dentro desta seleção. Usando um pincel, neste caso eu estou usando um pincel seco, então eu estou usando este pastel final do Kyle Palooza, e eu estou implicando um pouco de sombra para essas bordas apenas variam como se eu fosse realmente usar manualmente Estes pincel. Lá vai você. Minha primeira sombra, então eu vou adicionar um pouco mais de sombra atrás da outra parte da letra que eu quero adicionar textura. Só estou criando uma forma muito rápida em cima dessa letra. Mais uma vez, com o pincel, estou adicionando um pouco de sombra a ele. Eu vou fazer isso aqui também. Você pode ver que é muito forte agora, mas se você abaixar a opacidade, você pode muito bem obter um efeito desses traços sobrepostos uns com os outros, e também tem efeito tátil. Não é um gradiente plano no Photoshop ou Illustrator ele apenas sente algo como se tivesse um preenchimento mais feito à mão, usando pincéis, você também pode adicionar esse efeito ao seu design. Esta ideia que criei no L, vou aplicá-la em todas as outras letras e formas. Com este pincel eu adicionei efeito em todas as minhas letras e você pode ver que eles ganharam um monte de volume. Também acrescentou um pouco desse tratamento para as próprias gotas e para as bordas das letras. Eles têm um preenchimento muito mais realista sem olhar muito digital e muito realista. Isso é um pouco da idéia de adicionar efeito tátil ao seu design. Você veio de um processo de trabalhar à mão, movendo-se para um desenho vetorial onde você pode controlar suas formas de uma maneira muito precisa, e então você tentou levar esse desenho perfeito em algo que parece um pouco mais realista, mais humano, mais quente e adicionando essas texturas e trabalhando digitalmente à mão nelas com esses pincéis e essas sombras e essas texturas e esses ruídos, você vai adicionar um pouco desse calor que eles duram desenhando aqueles perfeitamente e controlando a forma de suas letras de uma forma muito precisa. Espero que essas dicas sejam úteis para você adicionar textura ao seu design e estou ansioso para ver essas letras digitais finais. 8. Tome o último questionário de letras: A carta definitiva na Grécia. Descubra o quanto você realmente sabe sobre letras respondendo ao teste gratuito no questionário de barra Martina flor.com. Aproveite. 9. Considerações finais: Então agora é a sua vez e espero que esta aula o ajude ao longo do caminho a obter seus desenhos de mão digitalizados. Então, para recapitular um pouco do que vimos nesta classe, começamos olhando para quais são os prós e contras de usar letras digitais, ou digamos, como as vantagens ou desafios de criar letras com vetores, então passamos para preparando nossos esboços de mão para serem digitalizados. Então, resolvemos a maioria dos problemas em nosso esboço manual, para que nosso desenho digital se mova mais rápido e eficientemente. Nós também olhamos para uma técnica eficaz para digitalizar formas de letras, as técnicas de pontos extremos que esperamos ser úteis em seu projeto. Analisamos algumas dicas para fazer ajustes ópticos e trabalhar melhor com alças e pontos de ancoragem em um desenho vetorial. Nós também olhamos para a técnica, ou uma técnica muito intuitiva para encontrar um esquema de cores para o seu desenho ou para o seu letreiro. Por último, analisamos como aplicar uma textura e criar profundidade visual em seu design. No final do dia, as letras, como eles sempre dizem, sobre contar uma história com formas de letras e as cores, a forma das letras, as texturas, e como tudo isso se junta em um final peça é o que realmente conta a história para o leitor. Então, quanto mais ferramentas você tiver que trabalhar criativamente com formas de letras, melhor para você, se um cliente se aproximar de você com um projeto que requer certa escalabilidade, então você tem essas ferramentas agora para trabalhar com isso. Então, uma coisa que posso dizer sobre as letras digitais depois de anos trabalhando com elas é que ela definitivamente fica mais rápida. Quanto mais você desenha letras com vetores, mais rápido ele fica. Então, o que quer que você levasse três horas para se preparar nesta aula, você levaria 10 minutos ou 20 minutos em alguns anos. Então, fique com ele. Prometo que esta técnica vai ser sua amiga e vai permitir que você trabalhe de forma mais eficiente com suas peças e também mais eficiente com determinados projetos de clientes. Estou ansioso para ver o que você vai inventar.