Introdução ao design

1. Capítulo 0 - Introdução: Olá pessoal, Bem-vindos ao nível 0, Introdução ao Design. Estamos muito animados por ter você aqui. Sim, eu sou Janice e serei um dos seus instrutores de design ensinando todas as teorias em design. E eu sou Leah, sou sua outra instrutora de design. Eu vou te ensinar como pegar as teorias e os fundamentos do design que você aprende e aplicá-los na prática. Portanto, alguns dos tópicos que abordaremos neste curso incluem os fundamentos do design, os princípios para aplicar as bases. E por fim, resumindo, temos muito conteúdo muito divertido e empolgante para você aprender neste curso. Vejo todos vocês nos próximos capítulos. Antes de entrarmos nos tópicos de design, vamos entender o que é design e por que devemos nos preocupar com ele. O design pode ser encontrado ao nosso redor e vem de várias formas. De aplicativos de telefone a carros elétricos, pôsteres impressos a outdoors digitais. Os efeitos do design podem ser encontrados em todos os lugares. Quando falamos em design, a imagem que muitas vezes vem à mente é aquela que se concentra principalmente na aparência, mas é mais do que apenas isso. Muitas vezes vemos a saída visual sempre que a entrada e o que acontece no meio. Simplificando, o design cria valor por meio um processo contínuo de identificação dos problemas e refinamento das soluções para eles. A maioria das coisas que usamos na vida é projetada com intenção. Como a cadeira em que você pode estar sentado. O designer considerou cuidadosamente como e quem pode usá-los ao projetar. Observe como a cadeira muda dependendo da sala em que está sendo usada. No entanto, não se assuste logo de cara. Você não precisa ser um artista incrível ou precisa saber como desenhá-lo para ser um designer. Mas você precisa ser curioso e fazer perguntas para resolver os problemas certos. Fique ligado para saber mais. 2. Capítulo 1 - tipografia: Então, sempre que pensamos em design, normalmente pensamos em formas de linguagem e em adicionar cores para criar algo bonito. Mas, na verdade, começa com algo mais simples do que isso. E isso são cartas. Para esta lição, vamos começar com a compreensão do que são as letras, como olhar para elas e como usá-las adequadamente. Quando baixamos uma nova fonte, normalmente há vários arquivos dentro de um pacote. Por que são tantos arquivos? Vamos dar uma olhada no porquê e no que todos esses arquivos significam. Antes de instalar um arquivo, normalmente procurávamos no Google e procurávamos algo interessante de usar. Mas a questão é que, quando dizemos que queremos instalar um arquivo, estamos nos referindo a um tipo de letra. O problema aqui é que os dois termos agora são usados de forma intercambiável. Então, qual é a diferença entre eles? Quando baixamos o pacote, vários desses arquivos têm tamanhos e pesos específicos das fontes. E então usamos vínculos quando nos referimos a cada uma dessas biles, mas todas elas pertencem à mesma família de fontes. Por exemplo, Times New Roman é um tipo de letra, mas em 12 Times New Roman regular é uma fonte e um parafuso Times New Roman de 10 pontos é outra fonte. Por que temos essas duas diferenciações é que antigamente, quando a impressão de cartas ainda era um processo manual, tínhamos que procurar individualmente os blocos de letras com um tamanho muito particular, peso e estilo para fazer o trabalho. Espero que isso elimine alguma confusão e , no futuro, estaremos nos referindo a qualquer coisa que tenha a ver com textos como tipo ou tipo de letra. Com isso em mente, vamos nos aprofundar em como os textos podem ser eficazes no design. Então, sempre que aprendemos um novo idioma, geralmente não pensamos na história por trás deles. Então, vamos voltar no tempo e ver como as letras foram desenvolvidas da maneira que as usamos hoje. Antes de chegar aos pontos da letra que vemos hoje, as letras costumavam ser simplesmente pinturas rupestres na forma de pictogramas que datam de 20 mil aC. À medida que a necessidade de transmitir ideias complexas crescia, os impulsos se tornaram símbolos para representar coisas como sons, objetos e ideias. E então os gregos começaram a abstrair ainda mais as imagens. E os romanos então fizeram refinamentos que conhecemos como alfabeto hoje. Movendo-se para a Idade Média, por volta do século V e final do século XV, havia um forte foco e manuscritos manuscritos que inspiraram alguns dos tipos de letra altamente decorativos que usamos. hoje. Você sabia que na época em que as impressoras não existiam, os escribas eram contratados para replicar livros escrevendo cartas, por carta de cada vez. Isso levaria cerca de duas semanas para concluir um livro. Felizmente, para acelerar o processo, a máquina de impressão de cartas foi inventada. Embora os chineses tivessem inventado no início, tecnologia tipográfica não poderia facilmente chegar aos enormes 50 mil caracteres da língua chinesa. No entanto, você seguirá como Gutenberg foi creditado por isso porque foi mais fácil implantar essa tecnologia em um idioma baseado em latim de 26 caracteres. desenvolvimento de Gutenberg no O desenvolvimento de Gutenberg no século XV tornou-se uma mudança de vida para a cultura ocidental, porque tudo o que era necessário era criar um monte de cartas, umedecê-las, organizá-las, colocá-las com tinta, e então o conteúdo é chamado de imprimi-lo. Foi também nessa época o termo fonte e tipo de letra foi criado para que as pessoas pudessem encontrar os carimbos corretos de volta. Os selos também foram armazenados em uma configuração de porta superior e inferior. Foi assim que surgiram os termos maiúsculos e minúsculos. À medida que avançamos para a era moderna, desenvolvemos máquinas menores e mais portáteis, como a máquina de escrever e logo depois os computadores e teclados que usamos hoje. Olhando para trás, para a primeira existência da comunicação escrita, para a forma como usamos as letras. Agora, podemos ver que o desenvolvimento foi altamente influenciado pelos avanços tecnológicos e mudanças na cultura. Essa foi apenas uma breve história na hora certa. Se você quiser saber mais, confira a internet. Assim como temos termos para descrever diferentes partes de um animal. Também temos termos para descrever as letras. Vamos descobrir quais são alguns deles para sabermos o que procurar ao escolher um tipo de letra. As letras são construídas usando traços. Os curvos são chamados de tigela e para segurar tudo, temos um caule. Como aprendemos nas aulas de história. As letras são derivadas dos desenhos de humanos. É por isso que os nomes dos traços têm o nome de partes do corpo como eu, ano, braço, ombro, perna e coluna vertebral. Às vezes, podemos encontrar cartas com alguns elementos decorativos chamados Sarah e as extremidades da carta sem Sarah são chamadas de terminal. Todas as letras então ficam em uma linha invisível chamada linha de base, para que haja um forte ponto de ancoragem para colocá-las. A altura de uma letra é maximizada na altura da tampa, e todas as letras são medidas usando a altura x porque a letra X tem um corte muito claro na parte superior e inferior. Agora podemos usar esses termos para descrever diferentes estilos de letras. Imagine que temos que criar um novo site para uma empresa. Vamos percorrer o processo de escolha de fontes para este projeto. Em primeiro lugar, precisaremos entender o que nossa empresa oferece e a personalidade de nossa empresa. Digamos que somos uma empresa que vende móveis modernos feitos à mão. Você já pode ter algumas imagens surgindo em sua mente, e algumas delas podem ser elegância, sob medida e simplicidade. Com isso em mente, uma opção é usar uma fonte sem serifa em nosso site. A razão é que eles geralmente transmitem uma abordagem mais moderna. Normalmente, com textos corporais, usaremos o peso normal, mas às vezes podemos usar itálico como forma de adicionar ênfase. Podemos então emparelhar esse site com um tipo de letra serif, porque às vezes são mais difíceis de renderizar digitalmente, podemos usá-los em textos maiores, como títulos e cabeçalhos. letra com serifa geralmente têm qualidades manuscritas com seu alto contraste em traços finos e grossos. Usá-los pode nos ajudar a comunicar o aspecto feito à mão de nossa marca. Por isso, os tipos de letra geralmente parecem ser mais finos na tela, também podemos usar uma maneira ousada de tornar os títulos mais fáceis de digitalizar. Depois disso, podemos optar por criar um tipo de logotipo usando uma fonte decorativa. Esse tipo de fonte geralmente é feito como um único porque eles são especialmente criados e podem criar resultados bastante dramáticos para se destacar da multidão. Então, para informar às pessoas que estamos lançando nossa empresa, podemos usar um tipo de letra com script. Ter esse tipo de letra usado como convite ou banner na parte superior do site. Faz com que pareça mais pessoal, como se tivesse sido escrito à mão para um evento especial. Tudo o que você precisa é identificar o clima que deseja transmitir e partir daí. Agora que selecionamos o tipo de letra para o nosso site, o próximo passo é juntá-los. Isso é ruim. Precisamos tornar o texto legível e legível, caso contrário, ninguém gostaria de comprar nossos móveis. Fazemos isso criando uma boa hierarquia visual para que as pessoas saibam o que olhar primeiro. Uma das maneiras de alcançar a hierarquia é usar uma maneira diferente de criar ênfase. Por exemplo, um título de pedregulho. No entanto, é importante não falsificar seus parafusos delineando a fonte original com um traço preto e, especialmente, não delinear textos com um traço colorido. Algo que definitivamente pareceremos suspeito. Em vez disso, procure um tipo de letra que tenha uma forma preta de lhe dar algo mais grosso. Aqui estão alguns exemplos. Também temos versões condensadas e estendidas leves, então não precisamos esmagar ou esmagar. Também podemos emparelhar tipos de letra. Em nosso projeto, usaremos uma Sarah para as manchetes e diz era para os parágrafos. As outras duas maneiras prototipar é fazer com que todos eles da mesma família sejam combinados com os de Sarah juntos ou dois sensores juntos. Mais do que isso é um grande não-não, pois cria confusão para o leitor. Como temos alguns títulos e parágrafos, podemos brincar com o tamanho tornando o título maior e o parágrafo menor. Outras maneiras de alcançar a hierarquia é um espaçamento entre os títulos e os parágrafos ou ajustar sua posição recuando-os. Também podemos alterar a orientação do título para colocar o foco nos parágrafos em vez dos títulos. Mas não tente alinhar verticalmente cada letra. Vai acabar parecendo muito estranho. Então, gire toda a linha de base. Como alternativa, podemos chamar a atenção para o texto alterando sua cor ou tons de valor para dar contraste. Então, eles serão lidos primeiro. Olhando para os títulos e parágrafos. Existem outros tratamentos de textos aos quais se deve prestar atenção. Por exemplo, se definirmos os títulos em maiúsculas, eles serão percebidos como um monte de blocos retangulares e serão muito mais difíceis de ler. Em vez disso, ao misturar os casos, dê mais formas às palavras e elas se tornarão muito mais fáceis de digitalizar. Para frases e parágrafos. Tente não ter linhas longas, pois seus olhos precisarão viajar muito para frente e para trás. Geralmente, eles são mantidos em qualquer lugar de 45 a 80 caracteres para serem lidos no Comfort. Outro tipo de higiene é não empilhar duas da mesma palavra uma sobre a outra em um parágrafo. Em situações como essa, podemos reformular o conteúdo ou fazer ajustes no tipo para evitar o constrangimento. Algumas notas finais. Mantenha o naufrágio relativamente vertical e não destaque palavras ou frases curtas no final ou no início de um parágrafo. Trabalhar com tipos pode ser desafiador, mas essas diretrizes podem nos ajudar a permanecer no caminho certo. Então, experimente-os. Em seus próximos projetos. Nós apenas arranhamos a superfície da tipografia de sua história, duas terminologias e casos de uso. Saia e explore como o tipo é usado ao nosso redor. 3. Capítulo 2 elementos de design: Grandes designs não acontecem por mágica. Os designers precisam considerar cuidadosamente como organizar o tipo e os elementos visuais de linha, forma, espaço, cor e textura. Neste capítulo, veremos como cada um desses elementos pode ter um impacto no design. Enquanto aguardamos a decolagem do reclamante, podemos pegar a revista na bolsa frontal para procurar qualquer entretenimento a bordo disponível. Mas como as revistas são projetadas para nos ajudar a encontrar o que queremos? Uma maneira é usar linhas. Então, vamos começar com isso. virarmos as páginas da revista, notaremos que existem muitas linhas reais usadas para decorar a página. Mas também há muitas linhas abstratas, como as linhas de textos e as linhas principais encontradas nas imagens. Linhas reais podem ser usadas para ancorar conteúdo importante a ser lido primeiro, como títulos ou parágrafos que vemos na revista. Tanto as linhas reais quanto as abstratas podem fornecer uma ilusão de direção e ritmo. Eles nos informam por onde começar a ler e com que rapidez nossos olhos se movem pela página para os próximos itens. Dependendo do estilo das linhas usadas, elas podem transmitir certos humores, modo que ângulos agudos podem parecer agressivos e perigosos, enquanto as linhas fluidas parecem mais amigáveis e convidativas. Da mesma forma, traços finos são vistos como mais delicados do que traços grossos. Eles também vêm em um formato de traço, pontilhado ou texturizado. Como as linhas têm muitas características que podem ser usadas como decoração ou nos ajudam a navegar em uma página. Portanto, use-os com cuidado para evitar qualquer desorientação visual. Vimos como as linhas podem melhorar e nos informar como ler uma revista. Então, vamos dedicar um tempo agora para ver como as formas podem produzir efeitos semelhantes. Nas páginas, muitas vezes encontramos as três formas geométricas de triângulo, retângulo e círculo. E cada um deles serve a um propósito. Retângulos são normalmente usados para enquadrar imagens, enquanto triângulos podem fornecer uma sensação de movimento, e círculos são usados para criar contraste entre as formas com bordas rígidas para que seja mais agradável os olhos. Às vezes, veremos formas básicas que foram modificadas para tornar a página mais dinâmica. Por exemplo, um designer pode arredondar os cantos para tornar uma página mais acolhedora, incliná-los para dar uma sensação de velocidade ou girá-los completamente para alterar sua forma original. Também há momentos em que formas orgânicas são usadas em uma página. Nós definitivamente os veremos nas imagens. Mas as formas orgânicas podem ser elementos gráficos que tornam a página mais fluida com essas formas irregulares. As formas podem assumir muitas formas diferentes em 2D e 3D. Então, experimente-os para expressar emoções diferentes no design. À medida que continuamos virando a página da revista, tendemos a nos concentrar nos elementos gráficos em vez do espaço em branco ao redor da página. Vamos descobrir por que isso acontece e como o espaço pode desempenhar um papel no design. A razão pela qual somos atraídos pelos textos e itens gráficos é porque eles criam uma área de interesses através do espaço positivo, enquanto o fundo branco reside como espaço negativo. Se mais espaço for dado a um objeto sobre o resto, gravitaríamos em direção a esse único objeto porque ele tem um peso mais pesado e não compete com o resto dos itens. Se fôssemos distribuir uniformemente o espaço, a página pode parecer mais ordenada. Por outro lado, espalhando o conteúdo, podemos criar uma sensação de caos ou diversão. Se não houver espaços fornecidos, muitas vezes achamos que o conteúdo parece um pouco cãibra e pode ser difícil de ler. Também podemos obter espaço tridimensional empilhando conteúdo uns sobre os outros, como adicionar formas e texto em cima de uma imagem de fundo. espaço desempenha um papel importante permitir que nossos olhos se reproduzam. Portanto, não há necessidade de tentar bloquear tudo em uma única página. À medida que continuamos nas próximas páginas, temos fotos e ilustrações enfatizando os materiais. Vamos ver como as texturas podem afetar nossos designs. Primeiro, podemos discernir texturas em uma revista impressa por causa da identidade e orientação espacial que elas emitem. Sabemos que a grama é grama por causa das linhas e formas que ela cria. Também podemos sentir texturas em uma foto a partir de qualidades táteis como duro e macio, áspero e suave, brilhante e mate e muito mais. Através da foto, podemos ver muitas qualidades reais de textura, como a areia macia em uma praia. Mas a mesma imagem em forma de ilustração nos dará qualidades implícitas de como percebemos a textura. Quando usadas corretamente, as texturas não são apenas visualmente atraentes, mas podem adicionar profundidade aos nossos designs. O último elemento visual que você vê ao navegar por uma revista é o uso de cores. Entraremos em detalhes em uma lição separada, mas aqui estão algumas coisas que a cor pode fazer. As cores usadas em uma revista de viagens nos fazem querer ir a esses destinos. Eles também podem ser adicionados a elementos gráficos, como formas e textos, para dar atenção a áreas específicas do conteúdo. A chave é usá-los com moderação, porque, como todas as coisas, o uso excessivo de cores pode criar confusão visual, dificultando a leitura. Nem sempre precisamos adicionar cor ao nosso design, e eles podem elevar ou prejudicar a experiência do leitor. Revisitaremos isso em uma lição posterior. Tudo bem, analisamos os cinco elementos do design e aprendemos que eles podem ser usados tanto como guia quanto como decoração. Veja se você consegue identificar algum desses elementos em jogo. Na próxima vez que você vir algo que foi projetado, como edifícios, embalagens e atos. 4. Capítulo 3 - cor: Fazemos escolhas de cores todos os dias, desde pegar as roupas para vestir até decorar nossa casa. Mas você já parou e se perguntou de onde vieram as cores e como elas nos impactam? Neste segmento, abordaremos os aspectos científicos da cor, as terminologias, as teorias em psicologia. Então, sabemos como escolher e emparelhá-los. Muitas vezes não pensamos muito nisso ao escolher uma cor para aplicar em nosso design. Mas, na verdade, há alguma ciência por trás das cores disponíveis para nós hoje. Vamos descobrir como as cores foram descobertas e como elas são organizadas. As cores costumavam existir apenas como uma teoria no passado. Não foi até o século XVII quando Sir Isaac Newton provou que a cor existe na luz. Em seu experimento, ele ergueu um prisma de vidro à luz do sol e pensou que a luz branca se dividia em um arco-íris. Em outro experimento, ele pintou as cores que viu em um disco. E quando ele girou, ele descobriu que todas as cores estavam borradas de volta em quê? E foi assim que conseguimos cores e a famosa roda de cores. Para criar a roda de cores, existem duas maneiras de misturar cores, dependendo da mídia. No mundo físico, usamos um modelo de cores subtrativas para que quanto mais cores adicionarmos, mais escuro ele ficará. No entanto, no mundo digital, usamos um modelo de cores aditivo. Quanto mais cores forem claras adicionarmos, mais leve ela fica. Começamos com as cores primárias de vermelho, amarelo e azul, porque são as cores básicas que não podem ser produzidas misturando outras cores no mundo físico. Em uma tela digital, no entanto, as cores primárias são vermelho, verde e azul. Depois de misturar as cores primárias, obtemos cores secundárias, que são laranja, verde e roxo em físico e ciano, magenta e amarelo em digital. Por fim, quando começamos a misturar cores primárias e secundárias, obtemos o resto das cores na roda. Eles dizem que a descoberta de Newton, agora temos a roda de cores para fazer referência ao escolher cores para nossas necessidades. E conhecendo o básico da cor, podemos então analisar os efeitos que elas criam. A maioria das pessoas seria capaz de apontar para uma cor e identificá-la. Mas há mais de sete cores do arco-íris e precisamos de maneiras de descrevê-las. Por que não apresentamos alguns dos termos para que você possa entender como explicá-los. Em primeiro lugar, descrevemos a cor com base em sua tonalidade. Podemos chamá-lo de cor azul, mas há custos específicos associados a cada azul e eles diferem com base no meio. Isso nos permite consultar exatamente quando ele é usado na impressão ou na tela. Depois de escolher um aqui que queremos usar, podemos ajustar a saturação para tornar a cor mais pálida ou vívida. Outra mudança que podemos fazer em um matiz é modificar as qualidades da luz por meio do brilho, valor ou leveza. Fazer isso pode tornar a cor preta ou branca. E então, se adicionarmos mais branco ao pigmento onde tingir a cor. E quando adicionamos mais preto, estamos sombreando a cor. Com isso em mente. Agora podemos usá-los para falar sobre cores personalizadas. Há muitas cores para escolher, mas como podemos usá-las de uma forma que não seja visualmente chocante? Vamos dar uma olhada em como combinar cores para alcançar harmonia e diferentes humores. Suponha que desejemos criar um site para um produto para a pele. Antes de começarmos a escolher cores e uma paleta para nossos designs, queremos identificar um tom em vez de temperatura para transmitir melhor a marca. Se usarmos cores quentes, isso sugerirá mais energia porque elas são muito mais brilhantes, enquanto as cores mais frias parecem mais calmas, pois são menos vivas. Algumas cores neutras como bege, marrom e cinza também podem ser uma opção. Se não estamos tentando fazer uma declaração, já que essas cores aparecem como tendo muito menos energia. Voltando ao exemplo do nosso site, queremos usar cores quentes para dar uma personalidade mais vibrante. Com o clima definido, vamos agora ver diferentes maneiras de combinar cores. Há seis maneiras de combinar cores. Tríade complementar monocromática e análoga a Chadwick e acromática. Se quisermos que o site seja tranquilo, podemos usar uma paleta monocromática que usa diferentes tonalidades e tons de um único tom. No entanto, pode ser difícil trabalhar com uma única cor no meio digital porque precisamos de mais cores para comunicar vários tipos de interação. Podemos fazer isso aproveitando o esquema análogo e usando cores que são encontradas próximas umas das outras. Uma ressalva é a necessidade de usar uma das cores como dominante e o resto é secundário. Para criar um efeito mais drástico, um esquema de cores complementar pode ser usado usando cores diretamente opostas umas às outras. Isso chama nossa atenção por causa do alto contraste e cria uma aparência vibrante. Definitivamente, podemos adicionar mais cores para criar um paladar mais extenso. Como usar a paleta de cores triádicas que usa três cores, gordura, uniformemente espaçadas na roda de cores. Muitas vezes, o resultado pode ser bastante vibrante, então reserve apenas uma cor como a cor dominante. Continuando, temos a paleta Titanic, que usa quatro cores encontradas uniformemente espaçadas na roda. mesmo de antes, tenha apenas uma cor como dominante. Para evitar sobrecarga cognitiva, ter muitas cores pode ser uma distração. Podemos usar neutros como preto, branco e cinza com a paleta acromática para diminuir o tom. Agora podemos ver que há muito mais contraste no site e cria um efeito mais neutro. Existem muitas qualidades para colorir e, dependendo de como as aplicamos, elas refletem emoções diferentes. Começar seus designs em preto e branco e aumentar lentamente o paladar é o caminho a percorrer. Normalmente associamos significados a cores. Quando nos deparamos com uma cor como o branco, isso pode significar algo positivo ou negativo, dependendo da cultura. É por isso que escolher a cor certa é importante porque eles têm conotações diferentes. O vermelho é uma cor que exige atenção, geralmente corresponde à paixão, guerra e barbante. Em algumas culturas, isso pode significar celebração e vitalidade. Usar vermelho e nosso trabalho pode ser bastante impressionante. Veja-os com frequência em rótulos de advertência e ciência das coisas para nos evitar do perigo. Por outro lado, os campos de laranja são mais loucos, mas ainda podem ser energéticos e vibrantes. Muitos usam cores para invocar uma sensação de aventura e rejuvenescimento. Quando aplicado a uma peça, ele carrega menos agressividade do que vermelho e é muito mais convidativo. O amarelo está entre as cores mais brilhantes. É por isso que muitos o usam para transmitir felicidade e alegria. E muitas vezes vemos que é usado para simbolizar esperança e competência. Há muita energia e alegria quando o amarelo é usado em um design. Talvez seja por isso que gostamos tanto de comer o McDonald's para nos fazer felizes. Quando pensamos em verde, pensamos em coisas na natureza, como grama e árvores. É por isso que essa cor representa vida, renovação e crescimento. Vemos que é usado com frequência na reciclagem ou em produtos orgânicos que comemos. Tem os efeitos aditivos de criar uma sensação calmante. O azul é outra cor comum, mas é muito mais frio. Isso dá uma sensação de segurança e ajuda a promover a confiança e a lealdade. Podemos achar esse uso colorido para bancos e seguradoras, e não esquecendo a força policial que mantém nossas ruas seguras. Quanto ao roxo, é calmo e enérgico. Ao mesmo tempo. Historicamente, tem sido usado pela realeza para transmitir bem e nobreza. Às vezes, também pode ser usado para representar a sabedoria. Essa é uma das razões pelas quais podemos identificar o uso do roxo em marcas premium como o chocolate da Cadbury. bloqueio pode ter conotações positivas ou negativas pois transmite sofisticação e tristeza. Veremos esse uso de shag em eventos formais e de prestígio ou em funerais. Por outro lado, embora possa parecer bastante simples, transmite pureza ou inocência. No entanto, na cultura ocidental, vemos noivas vestindo branco para uma ocasião festiva. Mas na cultura chinesa, branco pode significar, ainda. Sempre que o branco é usado, ele dá um efeito limpo e minimalista. Examinamos brevemente algumas das principais cores e os significados por trás delas. Há muito mais cores disponíveis por aí. Então, faça sua pesquisa e entenda como certas cores desempenham um papel em diferentes culturas. As cores podem ser usadas não apenas para aprimorar nossos designs, mas também para afetar nossas vidas. Na próxima vez que você sair, dê uma olhada em como eles são usados e por que certas cores foram escolhidas. 5. Capítulo 4 - Princípios de design: Nos últimos capítulos, analisamos os diferentes blocos de construção e design, como letras e cores. Agora é hora de juntá-los usando os princípios do design para criar composições coesas. Quando começamos com um design, não colocamos as coisas cegamente em uma tela. Existem maneiras de dispor os elementos visuais para que as pessoas possam examiná-los facilmente. Vamos começar entendendo como o princípio do equilíbrio pode ser útil no design. Para ilustrar melhor os efeitos do princípio do equilíbrio, é útil ver os elementos em uma tela como tendo algum tipo de massa e gravidade. Quanto maior o item, mais pesado ele é, e quanto menor o item, mais leve ele é. Com isso em mente, é hora de criar um pôster para um evento social. Como qualquer objeto grande exercendo uma gravidade quando um grande elemento gráfico é adicionado a um lado da tela, você vê que o peso visual é deslocado para esse lado. Para equilibrar, precisamos colocar outro elemento grande que tenha a mesma quantidade de peso do outro lado. Isso cria um equilíbrio simétrico. Esse método geralmente fornece uma estrutura forte e estável para uma composição porque o peso visual é percebido como exatamente igual em ambos os lados. Outra forma de criar equilíbrio é o uso de equilíbrio assimétrico, onde o peso não é distribuído uniformemente em uma página. Por exemplo, em nosso pôster de evento social, podemos adicionar mais detalhes à esquerda com alguns elementos menores para equilibrar o gráfico único à direita. O uso do equilíbrio assimétrico às vezes pode fazer com que pareça menos uniforme, mas ajuda a criar interesses visuais ao ter uma variedade de elementos na tela. Você notará que os elementos não existem sozinhos dentro de um limite definido. Eles variam em peso visual e se exercem de maneira diferente, dependendo de como são colocados. Então, precisaremos usar balanceado para criar equilíbrio em nossas composições. Semelhante à música, podemos criar um ritmo visual para acompanhar nosso público em todos os elementos de design e agora dar uma olhada nos diferentes tipos de ritmos que podemos fazer. Uma das maneiras de alcançar ritmo visual é através da repetição de elementos semelhantes espaçados igualmente em uma página para dar uma aparência consistente. O tipo mais básico de ritmo que podemos usar é chamado de ritmos regulares. E eles são frequentemente encontrados em romances e livros didáticos. Quando lemos um livro, os papéis dos textos e o espaço entre as linhas são semelhantes em tamanho. Sabemos exatamente por onde começar a seguir quando terminarmos de ler uma linha de textos. Alternativamente, podemos usar ritmos fluidos para dar uma sensação de movimento com seus padrões de fluxo livre. Esse estilo de ritmo é mais orgânico e é encontrado mais na natureza. Podemos usar isso para ilustrar algo como plantas e água. Por fim, podemos usar o ritmo progressivo para dar uma sequência mais interessante, alterando um pouco o elemento toda vez que ele é repetido. Por exemplo, mudar gradualmente e o tamanho e a posição dos elementos resolverão o problema. Podemos ver que esse tipo de padrão nas prateleiras dos caracóis são gráficos gerados por computador. Ao controlar como os elementos são repetidos, podemos evocar uma sensação de emoção e movimento no design. Quando estamos organizando elementos em uma página, também precisamos considerar quais itens queremos que nosso público veja. Primeiro, uma maneira é variar as proporções dos elementos. Simplificando, o que for maior chamará nossa atenção primeiro, enquanto itens menores tendem a ser esquecidos e os recibos em segundo plano. Podemos ver que as montanhas são maiores que as árvores da foto. Então, notamos as montanhas primeiro por causa de seu tamanho. Em certas ocasiões, itens menores também podem ser colocados em foco. Se emoldurarmos intencionalmente nossa foto para mostrar um castelo nela, ela pode se tornar algo interessante, mesmo sendo muito menor que as montanhas. Como resultado, alterar a escala de um elemento em relação a outros ou a uma de suas partes pode fornecer peso visual e morte diferentes para o público. Simplesmente ajustar o tamanho de um elemento também pode dar uma boa hierarquia ao nosso trabalho. Outro método para enfatizar o conteúdo a ser visto primeiro é o uso de contraste. Vamos descobrir como esse princípio pode ser aplicado. O contraste é obtido quando há dois graus de ênfase completamente opostos em uma peça de design. O que isso significa é criar uma justaposição por ter uma grande diferença de forma, cor ou tamanho na mesma composição. Você também pode fazer o mesmo alterando a posição, a rotação ou a textura. Por exemplo, podemos ter elementos coloridos brilhantes para se destacar de um fundo escuro ou um elemento de borda dura entre elementos de borda suave. Ao fazer os elementos se destacarem, ele cria uma relação interessante entre os elementos visuais que podem afastá-los uns dos outros, conectá-los ou complementá-los. No entanto, escolha apenas uma variável para alterar outra, ela se tornará esmagadora. Temos falado sobre a necessidade de criar foco e ênfase. Mas sem unir os elementos visuais, pode ser difícil vê-los como uma única peça. harmonia e o design exigem que cuidemos da união. A razão pela qual algo é esteticamente agradável tem menos a ver com o acaso e mais com as técnicas que um designer emprega para garantir que os elementos coexistam em uma composição. A chave é tratar os elementos da mesma forma. Vamos criar outro pôster para ver como o Unity funciona. Primeiro, precisamos estabelecer uma paleta de cores que pertença à mesma família. Para que nosso pôster aumente a conscientização sobre a poluição marinha, vamos seguir em frente e usar o esquema de cores monocromático azul. Em seguida, quando adicionamos elementos gráficos como formas de garrafas de água e peixes, precisamos manter os estilos quase idênticos. Se tivermos bordas suaves, precisamos manter todas as formas com cantos arredondados. Os padrões criados podem ser repetidos e tipos de conteúdo semelhantes podem ser alinhados e agrupados. Mesmo dentro de uma coleção de itens semelhantes, podemos criar distinção visual. Por exemplo, tendo um com um destaque em uma cor diferente. Se feito corretamente, podemos ver todos os elementos de design se juntarem e pertencerem juntos. Não apenas essas unidades melhoram a coerência visual das coisas, mas também podem ajudar a melhorar a usabilidade e os produtos. Depois de examinar os cinco princípios do design, podemos ver que existem muitas maneiras de organizar os elementos. Eles podem ser combinados ou usados individualmente. Na próxima vez que você olhar para algo que foi projetado, tente decifrar como os elementos são dispostos e como isso é afetado. 6. Capítulo 5 - sistemas de grade: Lembre-se de como usamos papel quadriculado e classe de massa para nos ajudar a desenhar gráficos. Podemos usar grades para dispor elementos de design, pois este capítulo abordará quais grades são usadas para estruturar nossos layouts. Antes de entrarmos nos detalhes, vamos examinar um pouco do histórico básico sobre grade e a importância do lugar mais tarde no InDesign. Como vimos no capítulo de topografia nos bons velhos tempos, as publicações eram impressas manualmente que alguém escrevesse cartas à mão e desenhasse gráficos. Os grupos não estavam necessariamente no passado porque as publicações que estamos vendo mais como obras de arte sem a necessidade de distribuir livros para educação. Não foi até a Revolução Industrial no século 20, quando a tecnologia avançou o suficiente para produção em massa de publicações alcançasse mais pessoas. Para criar publicações como jornais diariamente, havia a necessidade de criar regras e estruturas para encaixar facilmente o conteúdo em slots. Você poderia imaginar a pressão para produzir novos conteúdos e layouts todos os dias, as pessoas vão enlouquecer. Com isso. Demanda. As grades foram desenvolvidas para atender aos projetos mais rapidamente, sem a necessidade de criar novas camadas a cada vez. Como um sistema reutilizável, ele pode fornecer layouts rápidos e genéricos altamente personalizados. grade atua como uma diretriz para nos permitir organizar textos, imagens e outros elementos gráficos em uma página, economizando tempo para descobrir onde colocá-los. Normalmente, não vemos essas diretrizes, pois elas são removidas depois que um designer conclui seus designs. Mas se analisarmos uma peça de design com profundidade suficiente, veremos como os elementos estão alinhados com os desenvolvimentos das grades. Tornou-se uma ferramenta poderosa para dar estrutura ao projetar. Nosso público pode navegar facilmente pelo conteúdo. Agora que sabemos como as grades se tornaram importantes, é hora de entrar em detalhes. Como se tivéssemos humanos e deixássemos que suas grades de anatomia também os tivessem. Agora vamos examinar alguns dos componentes que constroem uma grade. Para criar uma grade para um projeto, começamos com diretrizes verticais para definir colunas para nosso conteúdo. Ao criar as colunas, também precisaremos definir o espaçamento entre as colunas conhecido como medianiz. Fazer alterações nisso afetará o espaçamento do conteúdo. tê-los muito estreitos ou muito espaçados, tornaremos as coisas difíceis de ler. A chave é manter o equilíbrio, espaçando as coisas o suficiente para serem agradáveis aos olhos, mas não muito que isso quebre a continuidade da leitura. As linhas de fluxo podem ser usadas para dividir seções em módulos para que o conteúdo possa ser colocado nessas caixas. No entanto, o conteúdo não precisa ficar confinado dentro das caixas que criamos. Eles podem se estender por várias colunas e módulos. Qualquer uma das áreas de abertura é chamada de zonas espaciais. No exemplo, podemos ver que, se todo o conteúdo couber dentro de um retângulo, o layout parece muito rígido. Ao ampliar algumas das imagens, isso cria mais interesses visuais. Também podemos dar espaçamento adicional ao redor do conteúdo chamado preenchimento ou fora dessa caixa delimitadora chamada margens. Não importa o quão complexa seja uma grade, todas elas contêm as mesmas cartas mencionadas. Cada parte é destinada um propósito específico que pode ser combinado, removido da estrutura geral para definir layouts intrigantes. As grades vêm em várias formas. Vamos dar uma olhada nos diferentes tipos e como eles podem ser colocados em prática. Começando com o básico, a grade de coluna única tem apenas uma coluna para ajudar os leitores a se concentrarem no texto linha por linha. Vemos muito o uso desse tipo de grade na escola. Eles são frequentemente usados em materiais de texto como os ensaios que escrevemos e a releitura do romancista. Quando um layout mais complexo é necessário, o uso de grades de várias colunas nos dá mais colunas para brincar. Esse sistema nos ajuda a dividir o conteúdo em partes digeríveis. Eles geralmente podem ser encontrados em revistas e sites. Por que você precisa criar coesão entre uma variedade de conteúdo? As grades também podem ser divididas em caixas iguais, onde um sistema de grade modular permite maior flexibilidade para a colocação do conteúdo. Os leitores são incentivados a começar a ler em qualquer lugar e na ordem que preferirem. Como comumente visto nos livros didáticos, cabe ao leitor escolher entre as imagens, os textos do corpo ou o poste próximo para ler primeiro. Se definirmos o conteúdo para iniciar em uma linha completa em vez do canto superior esquerdo de um módulo, ele ancora o conteúdo em uma linha de ancoragem, transformando-o em uma grade de linha de base. Esse método cria um ritmo de leitura consistente entre os elementos. Os sistemas de grade que analisamos até agora são tipos tradicionais que geralmente são encontrados em mídias impressas. Vamos ver como as grades são tratadas na tela. Ao projetar para digital, começamos primeiro com um dos tipos de grade especificados anteriormente. Em seguida, complementamos isso com o uso múltiplos fixos ao colocar elementos como ícones e menus suspensos. Por exemplo, um aplicativo para iPhone pode usar uma grade de coluna única e , em seguida, aproveitar a diretriz de design da Apple de um sistema de grade de quatro pixels para criar os elementos. O menor elemento pode começar com quatro pixels, e elementos maiores são múltiplos disso. Da mesma forma, no Google, eles usam um sistema de grade de pixels. Portanto, um aplicativo Android, teremos elementos a partir de oito pixels. Dependendo do dispositivo para o qual estamos projetando, precisamos escolher as diretrizes correspondentes para que nosso design possa ser dimensionado de acordo com as resoluções do dispositivo. Por fim, também podemos criar grades personalizadas se os outros tiverem uma estrutura muito rígida para o nosso gosto. As grades nem sempre precisam ser retilíneas. Eles podem ser diagonais, redondos ou de fluxo livre para comunicar outras ideias por meio do uso de grades. Eles também podem ajudar equilibrar uma página se estivermos com dificuldades. Usando um exemplo de comércio eletrônico, uma grade de duas colunas define equilíbrio assimétrico para enfatizar os produtos por grade de três colunas define um equilíbrio assimétrico para nos fazer focar nos títulos e descrições. Existem várias estruturas de grades para usar. Eles podem ser simples ou complexos, específicos ou genéricos, bem definidos ou interpretados livremente para dar equilíbrio, hierarquia articulada e consistência nas composições. As grades não são elementos visuais que vemos no final, mas são diretrizes para nos ajudar a organizar elementos de design rapidamente, dar estrutura e orientação aos nossos leitores. Na próxima vez que você acessar um site, pense em como a grade desempenha um papel no design e configura o ritmo para que possamos ler. 7. Capítulo 6 - Layouts e composições: As pessoas consomem toneladas de conteúdo todos os dias. Mas você já pensou sobre o funcionamento interno de como criar esse conteúdo? Nesta lição, vamos retirar as camadas e explicar como ajudar as pessoas a entender melhor o conteúdo. O design é inerentemente uma indústria de solução de problemas. Então, qual problema o layout e a composição resolvem? No primeiro princípio, eles são projetados para resolver um problema de legibilidade. Um bom layout e composição são a resposta para a pergunta. Meu design lê? Posso entender o que está acontecendo? Na era digital de hoje? A quantidade de conteúdo é vasta e altamente acessível. Ele vem na forma de filmes que ajudam você a desaparecer no mundo dos filmes e da TV. Conteúdo informativo e divertido no YouTube, Twitch e TikTok. Objetivo memorável como as fotos que tiramos em nossas últimas férias com sua família e amigos, instigantes e úteis, como as notícias que lemos e as compras que fazemos na Internet. Mas como realmente consumimos esse conteúdo é através das camadas e da composição que nossos olhos estão vendo. Isso é feito enquanto nossos outros sentidos, como o toque e a audição, nos ajudam a processar a complexidade que está acontecendo à nossa frente. Vamos dar uma olhada mais de perto. Para entender o Laos e a composição. Bem, primeiro precisamos saber como nosso cérebro processa as coisas que vemos. A maior parte do que vemos em qualquer meio é feito por meio um sistema de memória de longo prazo que interpreta informações de nossos sentidos em alta velocidade. Manter o que é relevante e descartar o que não é. Essa biblioteca de experiências ou biblioteca visual age automática e inconscientemente, sem muito estresse em nosso poder cerebral, mesmo que não queiramos, por exemplo, tentar não ler isso. Esse também é o mesmo sistema que nos ajuda a preencher as lacunas de algo que outra forma seria imperfeito e dar sentido a isso. Um exemplo é o logotipo do World Wildlife Fund. Sabemos que isso é um panda. Mesmo que as linhas não estejam conectadas. No entanto, quase não precisamos pensar nisso. Qualquer um que tenha visto uma caneta antes, não teremos problemas em reconhecê-la. Então, o que realmente nos ajuda a criar layouts e composições fortes? Podemos manipular com sucesso esses princípios de design. Podemos criar layouts e composições interessantes para ajudar nossos espectadores percorrerem nossos designs. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos. As fotos são uma das poucas formas de mídia que nos permite ver as composições diretamente. Então, vamos começar com isso antes passar para mídias mais complexas. A primeira imagem aqui intitulada Earthrise de William Anders, que trabalhou na nasa, tirou isso em 1968. A razão pela qual essa imagem é tão forte é por causa de algumas coisas que foram trabalhadas na composição. Contraste, ênfase, proporções e harmonia. Mas veremos apenas contrastes e ênfase para essa imagem. Ao transformar a foto em preto e branco, revela o funcionamento interno de como o contraste funciona nesta foto. Saiba isso de baixo para cima. Ele vai em um padrão de luz, escuridão e luz. Isso ajuda nossos olhos a ler a imagem e os assuntos com facilidade. Em segundo lugar, a ênfase, colocar a Terra em um vazio de espaço circundante enquanto mostra que essa foto foi tirada da Lua, nos ajuda a entender o quão pequeno nosso planeta realmente é. Isso nos dá o contexto de onde a foto foi tirada enquanto nossos olhos se movem entre a superfície lunar ancorada no fundo e terra pendurada no meio do espaço escuro e sereno. Esta segunda foto é chamada de almoço no topo um arranha-céu por Charles Clyde EBIT, tirada em 1932. Os dois principais elementos que trabalham na composição aqui são contraste, ritmo. Se olharmos de perto, o fundo não apenas dá contexto para onde essas pessoas estão em relação ao seu entorno, mas também é um valor de luz médio comparação com o assunto mais escuro em primeiro plano, permitindo-nos ler bem os assuntos. O ritmo estabelecido pelo sujeito sentado em uma fileira ajuda a atrair nossos olhos em toda a foto sem lutar com um fluxo natural, permitindo-nos ver as expressões desses trabalhadores sem nenhum outro elemento competindo por nossa atenção. Aqui está a última foto de carvão de alce pontual para a National Geographic. Entre todos os princípios em jogo, o que se destacou realmente forte ou o equilíbrio, proporções e harmonia. Para ver melhor o equilíbrio, podemos desenhar duas linhas para dividir a imagem meio, vertical e horizontalmente. Quando fazemos isso, vemos como Andre empregou o equilíbrio assimétrico. Cada metade é semelhante, mas não exatamente uma imagem espelhada uma da outra. Essa é uma forma muito simples e direta de usar o equilíbrio assimétrico. E podemos brincar com isso para obter efeitos diferentes. Em seguida, proporções. O mergulhador e a arraia estão na mesma profundidade na vida real. Mas ao compor a foto dessa maneira no Play pode comunicar melhor o tamanho de um ser humano adulto em relação à arraia. Tem uma cauda muito longa. Então, uau. E, finalmente, temos harmonia. Duas formas de harmonia estão em jogo aqui. Primeiro é a harmonia entre a cor da areia e o assunto. Porque tirar essa foto debaixo d'água dá à imagem e um tom azulado geral. Ele combina o assunto com o ambiente sem colidir um com o outro. E isso é feito mantendo contraste suficiente para que possamos ler a imagem. O segundo é entre o mergulhador e a arraia. As cores são semelhantes o suficiente para que pareçam diferentes, mas uma na mesma. Se olharmos de perto, os padrões em um traje de mergulho e na arraia são semelhantes. Agora que nossos olhos foram treinados para ver composições e fotos, vamos dar uma olhada nos mesmos conceitos que estão sendo aplicados a aplicativos e sites. O primeiro é DoorDash. Quando estivermos com fome e procurando um restaurante para encomendar, chegará indelevelmente nesta página. O que funciona tão bem aqui é o uso de proporções e ênfase. Proporções ajudam nossos olhos se aproximarem automaticamente da seção de restaurantes. Isso ocorre porque o conteúdo mais importante é o maior em tamanho, enquanto as partes menos importantes ocupam menos espaço. O intrincado equilíbrio das proporções também ajuda nossos olhos a fluir naturalmente e digitalizar o conteúdo do canto superior esquerdo para o canto inferior direito da página sem ter elementos Pfeiffer atenção desnecessária um com o outro. O interessante aqui é que os elementos de navegação na parte superior e os elementos de filtro à esquerda desaparecem apenas até que queiramos procurá-los. Esse é o trabalho da harmonia aqui. Ao permitir que a cor do plano de fundo passe pelos controles de filtro e adicione sombras ao carrinho, ela cria uma profundidade visual. Essa profundidade também ajuda nossos olhos determinar qual conteúdo é mais importante. O segundo exemplo aqui é o Netflix. Este é interessante porque parece que muita coisa está acontecendo. Mas o que realmente é é um equilíbrio simples em jogo. Se dividirmos a captura de tela pela metade, podemos ver claramente como a Netflix usa um equilíbrio simétrico para ajudar nossos olhos com esse título. Esse tratamento ajuda o longa-metragem ou o filme a ocupar centro do palco sem que a imagem brigue com o título do filme, mas equilibrar o layout dessa maneira que eles experimentam não apenas ser imersivo no modo de tela cheia, mas segue o fluxo natural de como lemos. Nossos olhos naturalmente lêem o título, depois se movem para a imagem para ver se gostamos de assistir a coisa toda. Se quisermos, podemos clicar em play e parar de jogar. Se escolhermos não fazer isso, ainda podemos continuar explorando as outras ofertas rolando mais para baixo. Observe como essa maneira de organizar layout assimétrico também persiste na parte inferior. Finalmente, temos o Spotify. Você consegue adivinhar quais princípios nos ajudam a ler melhor o layout? Se você adivinhar contraste, padrão, ritmo e proporções, certo? Mas uma coisa que é interessante de todos eles é o ritmo. A maioria das pessoas sente falta disso. Mas, assim como a música, os designs visuais têm ritmo visual, isso ajuda nosso cérebro a entender o que eles estão vendo quando implantados corretamente. Dê uma olhada na lista de músicas na interface do usuário. A largura da coluna, as alturas das linhas, espaçamento entre as linhas, o tamanho da fonte e as cores são todos consistentes. Isso cria um padrão e um ritmo. Sem ter um indicador visual como uma linha em cada linha. Nossos olhos e cérebros não têm problema em entender o que é uma única linha em que álbum está relacionado a qual título da música. Em meios interativos como esse, ritmo pode ser estabelecido nos eixos x e y para formar um ritmo horizontal e vertical. Dominar a habilidade pode nos ajudar a lidar com projetos muito mais complexos. Imagine que somos solicitados a criar a página do produto da Amazon. E nosso design tem que suportar qualquer número de produtos, de um a potencialmente infinito. Rhythm ajudará nossos clientes a ler melhor o que está na página usando dicas visuais sem bagunçar tudo. Analisamos um layout de campo e exemplos de composição , de fotos a mídias interativas. Mas, na verdade, há apenas duas coisas a serem lembradas. Primeiro, construir sua biblioteca visual para criar bons layouts e composições exige que aproveitemos a memória de longo prazo das pessoas. Portanto, quanto mais exemplos você tiver em sua cabeça, isso o ajudará a projetar melhor. Segundo, pratique, pratique. Prática. O design é uma habilidade baseada em artesanato. Por mais que seja uma habilidade de pensamento, quanto mais você repetir, melhor você ficará. 8. Capítulo 7 - ícones e imagens: Há um ditado que diz que uma imagem vale mais que mil palavras. E para acrescentar a isso, uma imagem também pode ter mil significados. Uma imagem pode ser um ícone como uma metáfora simbólica para representar ideias, objetos e pessoas. Também pode ser uma foto ou imagem como representação visual da realidade das pessoas. É por isso que as imagens são ótimas para explicar ideias complexas por meio gráficos intrincados e contextos históricos. Como ícones e imagens podem fornecer significados fortes a uma peça, agora vamos dar uma olhada em como aplicá-los em nossos designs. Como vimos na aula de topografia, as primeiras formas de escrita e comunicação começaram como pictogramas. Vamos ver o que podemos aprender com a história e entender como eles se tornaram uma prática comum hoje. O exemplo mais conhecido de pinturas rupestres encontradas na caverna Lascaux, na França. O que o tornou especial a intrincada documentação de animais que existia há muito tempo. Outra encadernação famosa foi a Caverna de Altamira, na Espanha. Aqui descobrimos como era a vida das pessoas no período Paleolítico, desde o dia-a-dia até mesmo como eles o caçam. Uma coisa interessante é que os desenhos na verdade não se conectam e correspondem. Porque as formas iniciais de escrita são apenas representações simbólicas de ideias. Progresso humano e tecnológico. E havia a necessidade uma forma mais robusta de escrita e comunicação. Os pictogramas se transformam em representações de sons e letras que temos hoje. Mas a ideia de usar ícones, ilustrações e imagens ainda permanece. O alcino deles acaba de evoluir. Nós os encontramos como vídeos e fotos no Instagram para vetorizar ícones e ilustrações em nossos sites favoritos. Há apenas algumas coisas que não podem ser descritas com palavras. Olhando para o passado, vimos que ícones, ilustrações e imagens são boas maneiras de capturar um momento no tempo e contar uma história. Vamos ver como esse método de contar histórias evoluiu nos dias modernos. Não faltam imagens usadas nos dias modernos. As imagens e menus de dar água na boca que só nos deixam com mais fome. Uma foto impressionante que conta uma nova história convincente. Duas fotos de um local no Google Maps que nos informam sobre nossa localização correta. O uso de imagens, combinado com outras formas de layout, é certamente uma ferramenta de comunicação eficaz. Para entender como fazer pleno uso desse efeito, precisamos primeiro entender qual história estamos contando. A história, em última análise, atua como uma diretriz para impulsionar a experiência do nosso público. Nossa história pode existir na forma de um artigo de notícias, site de comércio eletrônico ou um aplicativo. O herói da nossa história é sempre nosso usuário. Precisamos entender a jornada e as missões. Seja chegar ao lugar certo, comprar o item certo ou aprender uma nova habilidade. É nosso trabalho como designers ajudar os heróis a concluir a solicitação. Assim que tivermos o jeito da história, podemos ver como escolhemos estruturar a história, equilibrando o que escolhemos usar imagens e textos para nos comunicarmos. Veja um exemplo do Google Maps. Os usuários do Google Maps querem explorar novos lugares ou finalizar a compra se vale a pena visitar um restaurante. Texas, a melhor maneira de nos dizer o endereço e o feedback. As imagens são melhores para mostrar se gostamos do ambiente e como é o frango com geleia chilena. Outro exemplo é o artigo sobre poluição do New York Times India. Usar imagens da perspectiva de mono e EMEA ajuda a transmitir a história de uma forma mais pessoal. Isso é especialmente importante porque o artigo é ambientado na Índia, enquanto uma grande parte do público do New York Times está presente em nós. Usar imagens poderosas como essa ajuda o público se relacionar melhor com a situação longe de casa. Se dermos uma olhada mais de perto no artigo, também poderemos identificar um uso interessante da cor. O New York Times optou por deixar as cores iguais imagens, resultando em um design harmonioso. Essa é uma técnica a ser testada se você estiver em situação em que as imagens estão em conflito com as cores da sua interface do usuário. Não, essas são algumas maneiras de usar imagens em conjunto com nossos layouts. Expandindo os conceitos de imagens, agora vamos dar uma olhada em como aplicar ícones e ilustrações em nossos layouts. Dando uma olhada em outro exemplo do New York Times, podemos ver planetas e satélites representados ícones e ilustrações. Os satélites orbitando ao redor do planeta ajudam a dizer ao público onde os satélites estão em relação ao corpo astral e sua trajetória. Ter o mesmo ícone, tanto na ilustração quanto na legenda, ajuda o público a mapeá-los juntos. Uma coisa a se observar sobre o uso de ícones e ilustrações, ou detalhes e legibilidade. O tamanho de um ícone ou ilustração é proporcional à quantidade de detalhes que precisamos ter para que o público leia melhor. A razão para isso é que nosso sistema de memória, lembrado do capítulo Laos e composição, espera uma certa quantidade de informações em um determinado tamanho para você entender o que seus olhos estão vendo. Se o objeto for maior, digamos Júpiter, ter a cor certa não é suficiente. É necessário ter o famoso círculo vermelho e tempestade em movimento para ajudar nosso público, a estrela e o planeta. Mas algo tão pequeno quanto o satélite, como a Voyager, é suficiente para ter apenas uma representação de silhueta para que nosso público saiba o que é esse satélite. Ter mais detalhes tornará a leitura mais difícil porque a forma icônica não será mais reconhecível. Porque ícones e ilustrações são abstrações de coisas reais. Um corante azul pode significar terra ou mármore azul. É importante dar alto contraste e legibilidade ao criá-los. Caso contrário, ninguém saberia o que é. É por isso que ícones e ilustrações têm a capacidade contar histórias poderosas que podem ser representadas com uma foto, como a forma como o gelo está se movendo na Antártica aqui. Tenha cuidado ao usar símbolos que possam significar coisas diferentes em diferentes culturas. O simbolismo é altamente dependente do contexto. Alguns símbolos ou imagens estão bem em um lugar, mas podem não estar bem em outro. Coisas como símbolos religiosos são figuras muito sensíveis e têm sentido cultural. Evite usar símbolos relacionados aos valores culturais das pessoas, mas use símbolos que sejam universalmente reconhecidos. Imagens, ícones e ilustrações são todos meios poderosos para adicionar aos seus designs. Na próxima vez que você usar um aplicativo, preste atenção em como eles usam ícones e imagens para guiá-lo pelo fluxo deles. 9. Capítulo 8 - Comunicações visuais: Agora chegamos ao fim da introdução de nível 0 ao design. Que jornada pela qual passamos. Mas há apenas mais uma coisa para todos vocês. Aqui. Abordaremos um conceito que o ajudará a reunir tudo o que aprendeu. Então, o que exatamente é comunicação visual? A comunicação visual é um método de representação de informações para criar significado de forma eficaz por meio do design. Isso pode ser feito tanto em mídia eletrônica quanto impressa. Existem diferentes maneiras de representar informações em um formato gráfico. Isso inclui infográficos que traduzem dados em imagens, conteúdo interativo com o qual os usuários interagem física ou digitalmente e gráficos em movimento que transmitem uma história por meio do movimento. Também pode ser aplicado a ativos tangíveis e materiais de entrega, como pacotes de identidade e marca, slides de apresentação ou pôsteres e sinalização é. Podemos começar a ver como as lições anteriores, como tipografia, cores e layouts, são aplicadas no contexto. Agora que sabemos o que é comunicação visual, vamos descobrir como podemos usá-la para comunicar a importância de ideias e conceitos. O mundo está inundado com um fluxo interminável de informações, ideias e conceitos. Eles podem ser transmitidos de muitas maneiras diferentes por meio escrita, conversas e recursos visuais. Mas vamos dar uma olhada mais nas vantagens de representar informações visualmente. Se quiséssemos ensinar alguém a desenhar janela, nossas instruções poderiam ser mais ou menos assim. Desenhe um quadrado, desenhe uma linha horizontal no meio do quadrado, desenhe uma linha vertical no meio do quadrado. Embora essas instruções sejam bastante simples, podemos correr o risco de tê-las mal interpretadas. A outra forma é acompanhar as instruções com representações visuais como essa. Desenhe um quadrado, desenhe uma linha horizontal no meio do quadrado, dr linha vertical no meio do quadrado. Você notou que as diferenças em como as instruções eram transmitem exatamente o mesmo pior para uso com apenas a adição de gráficos como suplementos. Para maior clareza. Vamos dar um passo adiante. Se removermos completamente as instruções escritas e usarmos apenas gráficos instrucionais, isso ainda fará sentido. E, portanto, a comunicação visual ao vivo é muito importante. Ele dá clareza a ideias complexas e deixa pouco espaço para interpretações errôneas. A comunicação visual não se resume simplesmente a gráficos com textos. Há um propósito ligado a isso que nos ajuda a criar histórias de design. Os dois fatores-chave, nosso público e contextos. Em primeiro lugar, público, nosso público ou as pessoas a quem nosso produto, serviço ou mídia se destina. E entender quem eles são pode nos ajudar a direcionar melhor nossos contextos. Mais tarde. Na sequência do título de abertura da série James Bond, Quantum of Solace. Para quem você acha que a sequência do título se destina? Eles são para os fãs da franquia James Bond ou para os novos espectadores? O título é familiar para os fãs da série, mas feito de uma forma moderna para atrair novos espectadores sem saber para quem é. Essa sequência de títulos pode ser levada em várias direções que podem não parecer mais um filme de James Bond. Isso nos leva ao próximo fator. Contextos. Contextos define o cenário ou situação em que algo acontece. Isso se aplica ao design de produtos ou ideias em geral, usando a marca Starbucks como exemplo, se quisermos mostrar como eram os visuais da marca, precisamos aplicá-los no contexto que será visto por o usuário. Quando definido em contexto, o que é em essência, uma marca abstrata se torna identificável e compreensível. Ao definir nosso público e contextos, podemos aplicar os fundamentos aprendidos nas lições anteriores para orientar nosso público em nosso trabalho. Vamos fazer uma pequena recapitulação. Aprendemos o que é comunicação visual , por que é importante e como usá-la para contar uma história agora é hora de aplicar todo o seu conhecimento de design em seu trabalho.