Iluminação para videógrafos: crie um visual profissional sem luzes caras | Scott Baker | Skillshare
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Iluminação para videógrafos: crie um visual profissional sem luzes caras

teacher avatar Scott Baker, Filmmaker

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução do curso

      1:45

    • 2.

      O que é intervalo dinâmico?

      2:25

    • 3.

      Ler um histograma de... É muito fácil

      2:50

    • 4.

      Balanço branco e temperatura de cor

      4:13

    • 5.

      Vinhetas / aberrações / padrão x

      3:23

    • 6.

      Filtros de UV e seu novo propósito

      1:41

    • 7.

      Polarizadores, por que eles são essenciais

      4:09

    • 8.

      Filtros de ND e como eles nivelam suas habilidades

      5:13

    • 9.

      ND variáveis e gradientes

      4:31

    • 10.

      Filtros de macro, vamos dar uma olhada mais perto

      4:12

    • 11.

      Formas de filtro, tamanhos, e anéis... Oh meu!

      3:22

    • 12.

      Obtendo uma boa exposição

      5:19

    • 13.

      Alguns exemplos de exposição

      2:53

    • 14.

      Filmando em cenários extremamente escuros

      4:59

    • 15.

      Filmando em cenários extremamente brilhantes

      4:59

    • 16.

      3 - iluminação de pontos

      2:05

    • 17.

      Iluminação frontal vs traseira

      2:15

    • 18.

      Iluminação dura vs macia

      4:35

    • 19.

      Banding... Cuidado com as barras pretas

      4:23

    • 20.

      Flares de lente e ghosting (não o tipo de namoro)

      4:04

    • 21.

      Conclusão

      0:28

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

171

Estudantes

3

Projetos

Sobre este curso

Junte-se ao cineasta Scott Baker para uma introdução em profundidade sobre iluminação para cinema, fotografia e videografia e como fazê-lo com um kit de iluminação mínimo ou sem (por exemplo, luz solar e luzes existentes) Se você quiser dar aos seus filmes um olhar mais profissional e criativo, esta é a base para entender como usar luz para criar essa sensação cinematográfica.

O que vou aprender?

  • Configurações de câmera — temperatura de cor, equilíbrio de brancos, histogramas
  • Filtros de lente — polarizadores, NDs, UVs e como eles resolvem problemas e criam tiros atraentes
  • Técnicas de iluminação — 3 pontos configurados, iluminação dura versus macia, usando refletores e muito mais

VOCÊ ESTARÁ PRONTO para filmar:

  • Em condições extremamente escuras ou brilhantes
  • Eventos ao vivo quando você não tem controle da iluminação
  • Com equipamento de iluminação mínimo

Para quem este curso é indicado?

Se você é um aspirante a Cinematographer, vlogger ou videógrafo iniciante, este curso é para todos. E não importa se você estiver usando uma câmera de ponta ou seu telefone, essas técnicas ainda funcionam e elas podem ser feitas com luzes regulares usadas na vida cotidiana (incluindo o sol). Há algum equipamento que eu recomendar, mas mesmo aqueles são baratos.

Para se certificar de que você entende completamente o material há uma abundância de diagramas, tutoriais e exemplos de vida real. Tudo projetado para que você termine esta aula com confiança e entusiasmado para usar o conhecimento e habilidades que você aprendeu a levar seu cinema para o próximo nível.

Para saber mais sobre as emoções de iluminação (e outras maneiras de se conectar com seu público) confira este curso de ...

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Scott Baker

Filmmaker

Professor

After graduating from film school in 2008 I dove straight into the Toronto film industry Directing and Producing a variety of projects such as music videos and short films that have screened at festivals such as Tribeca and Toronto International Shorts. In between projects I also work on big budget film and television such as Suicide Squad and The Boys.

When not on set I'm on the road working with bands, shooting documentaries, and creating other independent projects. Even while traveling for vacation I can't seem to put my camera down, because when you're passionate about something it becomes second nature.

 

Website: www.scott-baker.ca 

Email: 21.bakers.creative@gmail.com

Instagram: https://www.instag... Visualizar o perfil completo

Level: Beginner

Nota do curso

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Transcrições

1. Apresentação do curso: Olá a todos. Meu nome é Scott Baker e comecei na indústria cinematográfica em 2009, trabalhando em grandes filmes e programas de TV, enquanto também dirigia meus próprios curtas-metragens, documentários e videoclipes. Se você tirou alguma das minhas outras aulas do que seja bem-vindo de volta. Se esta é a primeira vez, então é ótimo tê-lo. Nesta aula. Vamos nos aprofundar, começando com uma visão mais aprofundada de algumas das configurações e ferramentas mais avançadas que as câmeras oferecem. Porque se quisermos tirar o máximo proveito de nossa câmera, precisamos entender completamente coisas como ler um histograma ou qual alcance dinâmico é. A partir daí, aprenderemos sobre os diferentes tipos de filtros de lente que podem criar looks interessantes e nos ajudar em situações de iluminação difíceis, especialmente filtros de densidade neutra e polarizadores. E depois disso, passaremos tempo expandindo nosso conhecimento de iluminação. Coisas como condições de pouca luz ou a diferença entre luz dura e suave, também aprenderão como fazê-lo com um kit de iluminação mínimo ou nenhum. O material desta classe vem da minha experiência prática na indústria. E foi projetado com diagramas e gráficos fáceis de seguir. Vídeos tutoriais que explicam não apenas como fazer as coisas, mas por que as fazemos. E o melhor de tudo, você aprenderá com exemplos da vida real e vai aos bastidores comigo para ver exatamente como esses filmes foram criados. Então, sem mais falar, vamos começar. 2. O que é intervalo dinâmico?: Você provavelmente já ouviu muitos fotógrafos, cineastas e entusiastas de câmeras em geral falarem sobre alcance dinâmico. Se você não tem certeza do que exatamente isso é, é a diferença entre os tons mais escuros e os mais claros da imagem. No entanto, na maioria das vezes quando as pessoas estão falando sobre isso, elas estão se referindo ao alcance dinâmico máximo uma câmera é capaz. Em termos simples, quão bem o sensor de uma câmera pode capturar a luz. Mais especificamente, quão bem uma câmera pode capturar os detalhes nas sombras e nos destaques de uma imagem ao mesmo tempo. O alcance dinâmico é medido em paradas, e o olho humano pode ver até 24 paradas. Enquanto a maioria das câmeras tem apenas um alcance de cerca de 12 a 14. É por isso que podemos olhar para uma cena ou paisagem e ver um céu azul ensolarado, bem como todos os detalhes em primeiro plano. Se o primeiro plano são edifícios ou pessoas. Mas quando tentamos capturar a mesma cena na câmera, temos que expor corretamente o céu, ou seja perder detalhes nas sombras do primeiro plano, ou expomos corretamente o primeiro plano e perdemos detalhes no céu. Portanto, câmeras que têm um alcance dinâmico maior são mais versáteis porque são melhores na gravação de imagens que têm maior contraste entre a luz e o escuro. Por que isso é importante? Porque ao entender o que é o alcance dinâmico, o alcance dinâmico específico da nossa câmera, podemos trabalhar dentro desses limites para garantir que capturemos as imagens e imagens mais bonitas possíveis. alcance dinâmico pode ser diferente de câmera para câmera porque é determinado pelo sensor da câmera. câmeras Dslr e sem espelho tendem a ter faixas dinâmicas mais altas do que câmeras ou telefones compactos. E um dos principais motivos é o tamanho do sensor. Como quanto maior o sensor, mais informações ele pode gravar, o que resulta em um alcance dinâmico melhor. 3. Como Ler um histograma É bastante fácil: Primeiro de tudo, um histograma é um gráfico que representa os pixels em uma imagem. O lado esquerdo do gráfico representa os pretos ou áreas escuras, e o lado direito representa os brancos ou as áreas brilhantes. E a seção do meio representa os tons médios. 0 é igual a preto puro e 255 é igual a branco puro. Uma rápida olhada em um histograma pode nos dizer se nossas filmagens estão abaixo, superadas ou bem expostas. Em um cenário perfeito, o gráfico deve tocar as bordas esquerda e direita do histograma, mas não derrama o site. O gráfico também deve ter um belo arco no centro. Um histograma semelhante a isso indicaria uma imagem bem exposta. O arco é a parte importante para observar se ele mudou para um lado ou para o outro. Tudo bem. Neste exemplo, podemos ver que ele é deslocado para a esquerda, mas ainda há branco e preto ao longo da borda. O mesmo acontece com essa imagem, que é deslocada para a direita, mas ainda tem branco e preto ao longo da borda. Tudo isso significa é que os tons médios da imagem são um pouco mais escuros ou um pouco mais brilhantes, mas ainda estão devidamente expostos. Quando o arco se desloca muito para um lado e não toca na outra borda. É aí que temos problemas. Neste exemplo, há uma grande lacuna no lado esquerdo e sua borda é completamente branca, indicando que a imagem está faltando preto, o que significa que a imagem ficará muito brilhante. Este exemplo é o oposto. Há uma grande lacuna no lado direito e a borda é completamente branca, indicando que a imagem está faltando brancos por sua vez, o que significa que ela ficará muito escura. Também podemos ver o que é chamado de picos, que tocarão a borda superior do gráfico. Isso também é chamado de recorte. Se isso acontecer, significa que houve uma perda de detalhes e as áreas cortadas são muitas vezes muito difíceis de recuperar, especialmente nos destaques de uma imagem. Quando isso acontece, precisamos fazer ajustes em nossas configurações ou na composição da imagem para reduzir esse pico. Outra maneira de nos ajudar a ver exatamente quais partes da imagem estão superexpostas usando uma configuração chamada Pequim ou zebras. Essa configuração fará com que qualquer área superexposta da imagem pisque ou mostrará um padrão listrado em preto e branco ao visualizar a foto na tela da câmera ou em um monitor externo. Daí o nome zebra. 4. Equilíbrio branco e temperatura de cores: Antes de discutirmos a criação nossas próprias configurações personalizadas de balanço de branco, primeiro precisamos entender a temperatura da cor. A temperatura da cor é medida em graus Kelvin e representada pela letra k. Esta escala vai de cerca de 2 mil a 13.000. K sendo a luz mais fraca e 11 mil k sendo a mais forte. Pense em 2 mil kelvin sendo representado por uma vela com tons quentes de vermelho e laranja. E à medida que a temperatura sobe, a cor da luz transita através do espectro de cores para tons de azul e branco. 11 mil K, que é basicamente o sol e será branco puro. Em vez de sempre ajustar as configurações de balanço de branco. Por que não deixar o balanço de branco automático fazer seu trabalho? Se a iluminação na cena for consistente, isso pode funcionar. Mas o balanço automático de brancos terá dificuldades quando houver várias fontes de luz que tenham diferenças significativas de temperatura e elas são misturadas. Por exemplo, uma sala com luzes fluorescentes, que emitem um tom verde. Mas também há luz do dia entrando pelas janelas que têm um tom azul. Se isso acontecer, o balanço de branco automático tentará corrigir ambos e acabará caindo em algum lugar no meio e não dando um equilíbrio adequado para qualquer fonte de luz. Se nos encontrarmos em uma situação balanço de branco automático ou as outras predefinições não funcionem. Então teremos que equilibrar manualmente o WIP a câmera nós mesmos. Vou demonstrar isso no meu Sony DSLR. Portanto, tenha em mente que os menus podem parecer um pouco diferentes, mas o processo permanece o mesmo. E, na verdade, é muito mais fácil do que você imagina. Quando a cena estiver acesa e pronta para filmar. Vá para as configurações do menu e selecione balanço de branco. Em seguida, role para encontrar as predefinições personalizadas. Em algumas câmeras, talvez seja necessário selecionar a predefinição personalizada primeiro e depois definir seu saldo. Para esta câmera Sony, selecionarei a opção definida. O próximo passo é definir o balanço de branco. E para isso, recomendo pegar um conjunto desses cartões de balanço de branco. Há pequeno e barato. Se você não tiver esses cartões, um pedaço de papel branco também pode funcionar. Ou encontre uma cor neutra na cena, como cinza. Tire uma foto para ver o resultado. Em seguida, selecione a predefinição personalizada para salvá-la. Podemos então escolher qual configuração personalizada queremos usar. Vamos defini-lo para a configuração personalizada número um. Então, se entrarmos no menu, vemos que um personalizado está definido como 3200 K. Depois de fazer isso, se você não estiver muito feliz com o resultado, sinta-se à vontade para experimentar escolhendo diferentes tons para definir o balanço de branco para. Mas mantenha-se dentro do espectro preto e branco. Usar um objeto azul ou vermelho mudará drasticamente a aparência de uma maneira muito pouco natural. Isso porque a câmera pensará que a luz na cena é toda vermelha ou toda azul. E vamos corrigir isso equilibrando-o com a cor oposta na roda de cores. 5. Vignettes / padrão de X-: Antes de começarmos a aprender sobre os diferentes tipos de filtros e como usá-los. Quero primeiro discutir alguns termos técnicos que tornarão as seguintes lições mais fáceis de entender. O primeiro que discutiremos, você já deve ter ouvido falar disso é chamado de vinheta. vinheta é quando os cantos de uma imagem desaparecem mais escuros que o resto da imagem. Este é um efeito popular que você pode ter usado no Instagram. E talvez você ache que isso poderia ser um visual interessante. Mas se isso ocorrer durante as filmagens, será impossível corrigir na edição. A única opção será cortar a foto ou a filmagem. No entanto, como você viu no Instagram, é extremamente fácil adicionar esse efeito. É melhor evitar que isso aconteça com as imagens ou fotos originais. vinheta também é mais provável que aconteça ao usar variável e Ds ou ao usar NDAs em uma lente grande angular. Ou especialmente se você fizer uma combinação de ambos. Pode parecer legal, mas o padrão X não é algo que você sempre quis aparecer em suas filmagens ou fotos. Você saberá que tem esse problema porque verá uma área escura na forma de um X bem no meio da imagem. Esse padrão geralmente é causado pela rotação um filtro ND variável após sua configuração máxima. Usar uma variável e D com uma lente grande angular também pode aumentar as chances de isso acontecer. Mas ajustando a distância focal e/ou sua posição ao assunto. Essas são duas maneiras de corrigir isso. Se não funcionar, você terá que reduzir a configuração ND. Outra coisa a ser cauteloso ao usar filtros é o empilhamento. Os filtros de empilhamento são quando você adiciona mais de um filtro à lente ao mesmo tempo. Um exemplo, adicionar vários filtros ND ou combinar um filtro de macro com um polarizador. Embora possa ser muito útil resolver situações de iluminação difíceis ou criar alguns looks realmente interessantes. Empilhar muitos filtros força a luz a passar por mais elementos de vidro, que pode reduzir a qualidade da imagem através da perda de nitidez ou outras aberrações na imagem. Outro termo que você ouvirá nas lições a seguir é a aberração cromática, também conhecida como franja de cores. Esse tipo de distorção cria um contorno colorido ao longo das bordas dos objetos em nossa imagem. Geralmente aparece onde há alto contraste entre objetos claros e escuros. Um exemplo, ser um objeto escuro com um céu brilhante como pano de fundo, usar lentes de maior qualidade é a melhor maneira de evitar isso. Mas também podemos evitar isso usando distâncias focais mais altas e aberturas mais altas. 6. Filtros de UV e seu novo propósito: O objetivo de um filtro UV é bloquear a luz ultravioleta. Estoques de filmes de fotografia antigos, somos muito sensíveis à luz UV. E se você não usasse o filtro, suas fotos acabariam com uma névoa azul. No entanto, estoques de filmes modernos e sensores digitais não são mais tão sensíveis à luz UV. Em vez disso, esses filtros captaram um uso secundário para proteger o vidro sensível de nossas lentes contra poeira, sujeira, água e arranhões. Alguns cineastas e fotógrafos preferem não usá-los porque a camada de vidro adicionada pode causar uma redução mínima na nitidez da imagem. E as lentes ocasionais refletem ou fantasmas. Se você sentir o mesmo e optar por filmar sem um filtro UV, tome cuidado extra com suas lentes para evitar qualquer coisa que possa entrar em contato com elas. Mas isso não significa que você não deve tê-los à mão para adicionar rapidamente , caso você se encontre em um cenário em que possa haver detritos, sujeira, chuva, areia ou qualquer outra coisa voando ao redor que poderia entrar em contato com a lente. Por exemplo, quando estou filmando shows ao vivo, sempre tenho um filtro ligado. Mas para ambientes controlados, como uma entrevista, removerei o filtro. 7. Polarizadores, por que eles são essenciais: Praticamente todos os programas têm ferramentas para ajustar facilmente a saturação e o contraste. Alguns até têm ferramentas de trote D, mas nenhuma até agora tem a capacidade de corrigir efetivamente o brilho, os ou os reflexos das lentes. Então, se você não quiser que aqueles apareçam em suas filmagens, é importante ter as ferramentas certas. E um filtro polarizador é uma dessas ferramentas. Quando se trata de reflexos, brilho, Hayes e luz dispersa. polarizadores podem reduzir sua presença e até eliminá-los se não forem muito fortes. Outro efeito que eles têm e algo eu realmente gosto como preferência pessoal, é que eles aumentam a saturação e o contraste. polarizadores são mais úteis ao filmar água, neve através de vidro ou qualquer outra superfície reflexiva. Eu gosto especialmente de usá-los ao filmar do lado de fora e quero capturar belas imagens do céu ou da água. Observe como ele traz mais detalhes nas nuvens. E isso aumenta a saturação do céu. Sendo capazes de controlar melhor a força dos reflexos da água, podemos ver mais detalhes. E novamente, esse aumento de saturação faz com que as filmagens pareçam muito melhores. Primeiro, precisamos entender como eles funcionam. Por favor, seja paciente, pois estou prestes a ficar um pouco nerd, mas acredite em mim, vale a pena. Lightwaves refletem em diferentes direções quando atinge superfícies irregulares. polarizador funciona impedindo algumas dessas luzes entrem sua lente e apenas permitindo que a luz entre de certas direções. E por causa disso, também está permitindo menos luz. Combine esses dois fatores e isso também afetará as cores. Mas como o filtro faz isso? Bem, esses filtros têm uma codificação dicróica. Significado dicróico mostrando cores diferentes quando visto de diferentes direções. Essa codificação é composta de moléculas alinhadas voltadas para uma direção. Como o filtro é construído com duas camadas de vidro, conseguimos girar o filtro enquanto ele está preso à nossa lente. E quando fazemos isso, ele muda a direção das linhas na codificação dos filtros. Por sua vez, bloqueando a luz de diferentes direções. À medida que giramos o filtro, podemos ver como a imagem muda. Usando um filtro polarizador. Não podemos simplesmente parafusá-lo e pensar que estamos prontos para acompanhar cada nova foto ou mudança de iluminação, teremos que ajustar o filtro até encontrarmos aquele ponto ideal que funcione melhor. polarizadores são uma ferramenta muito útil para ter em seu kit. Se você ainda não tem um, eu recomendo obter um a partir daí. Divirta-se testando isso. A melhor maneira de aprender e obter um entendimento prático é sair e fotografar paisagens, preferência em dias ensolarados. Pegue a mesma largura da foto, o filtro e sem o filtro para ver a diferença. Assim como eu fiz para esta lição. 8. Filtros ND e como eles aumentaram suas habilidades: Filtros de densidade neutra, ou mais comumente chamados de filtros ND. Seu objetivo é reduzir a quantidade de luz que entra na câmera sem afetar as cores, contraste ou a nitidez da imagem. Eles são como óculos escuros para nossas lentes, mas não óculos de sol elegantes que mudaram a cor das coisas, daí a palavra neutra. Bem, os filtros ND são rotulados de várias maneiras. O mais comum é o número final, geralmente escrito como n D2 e D4 oito e assim por diante. Um filtro AND2 permite metade de toda a luz através dele. Um filtro MD4 permite um quarto de toda a luz através dele. E um NDA oito permite que um oitavo de toda a luz passe e assim por diante. Podemos ver neste gráfico, cada parada n d corta a quantidade de luz pela metade da parada anterior de Andy. Para cada luz de parada n d é reduzida em um f-stop em nossa abertura. Ou seja, se adicionarmos um MD4 que reduzirá a luz em duas paradas. Primeiro, vemos que a imagem fica muito mais escura. O que isso faz é nos permitir abrir nossa abertura em duas paradas de 5,612 a 2,8. Vemos lá que temos exatamente a mesma exposição, mas uma profundidade de campo um pouco mais rasa. Ou se a velocidade do obturador estiver ajustada para 250, podemos baixá-la para 60 para obter a mesma exposição. Agora, se ajustarmos nosso filtro ND em duas paradas, podemos ver que ele fica substancialmente mais escuro. Com base nesse medidor de exposição intermitente, sabemos que ele está subexposto. Mas o que isso nos permite fazer é ajustar a velocidade do obturador de 250 para baixo duas paradas para 60. O que mais uma vez nos dá a mesma boa exposição. E neste caso, também estamos agora o dobro da nossa taxa de quadros acordo com a regra do obturador de 180 graus. Agora você deve ter notado que, à medida que ajustei a velocidade do obturador, desci mais de duas configurações. Veremos que de 250 vai para duzentos cento e sessenta cento e vinte e cinco. No entanto, cada uma dessas configurações não conta como uma parada completa. parada total é dupla. Se você estiver subindo ou metade se estiver descendo, é por isso que, neste caso, passar de 250 para 125 conta como um único. E de 125 para 60 é outra parada. Os filtros Nd são mais úteis em condições de brilho. Quando queremos ter uma profundidade de campo superficial, combine nossa velocidade do obturador com a taxa de quadros ou para capturar o desfoque de movimento. Mas não podemos fazê-lo porque a luz, maioria das vezes o sol é muito brilhante e fará com que as imagens das fotos sejam superexpostas. Se alterarmos as configurações para obter uma boa exposição, perderemos o efeito desejado. Por exemplo, queremos uma profundidade de campo superficial para separar nosso assunto do plano de fundo. Mas é muito brilhante e já temos o ISO o mais baixo possível. Então, usamos uma velocidade muito alta do obturador, que pode fazer com que as filmagens pareçam agitadas, ou usamos uma abertura maior. Mas isso significa que perdemos essa profundidade de campo superficial. Ao adicionar um filtro ND, que reduz a quantidade de luz. Ele nos permite diminuir a abertura ou a velocidade do obturador para alcançar o visual que queremos sem sobreexpor as filmagens. Para fotógrafos, isso afeta a velocidade do obturador. O melhor exemplo é mover a água. Se aumentarmos a velocidade do obturador para obter uma boa exposição, o desfoque de movimento será perdido. Mas com um filtro ND adicionado, podemos diminuir a velocidade do obturador e capturar desfoque de movimento enquanto ainda expomos adequadamente a imagem, dando à água um desfoque suave. 9. ND Variable e gradientes: Agora que entendemos como os filtros ND funcionam, por que os usamos e como usá-los. Vamos dar uma olhada rápida em dois tipos diferentes, começando com filtros de gradiente. filtro Gradient ND, também chamado de, G e D, é bastante simples. Esse filtro faz a transição de claro para escuro e é frequentemente usado para equilibrar a exposição em uma imagem que contém alto contraste entre seções claras e escuras. exemplo perfeito disso é um céu brilhante e um primeiro plano escuro. Ao combinar a transição do filtro para o horizonte ou onde quer que ocorra a forte mudança de luz, ele equilibra melhor a exposição da imagem geral. Quando se trata de gradientes. A maioria das pessoas prefere um filtro quadrado porque é mais fácil ajustar a área de transição. E isso porque o filtro é maior que o diâmetro da lente. O segundo tipo é um filtro ND variável. Estes são muito populares porque nos dão a capacidade de escolher com precisão a intensidade do filtro simplesmente girando o anel externo duas configurações diferentes. A configuração máxima e mínima e D mudarão dependendo do tipo de filtro. Mas a variedade de duas paradas para oito paradas é a mais popular. A vantagem do filtro ND variável é que é como ter vários Andy conectados de uma só vez. Por exemplo, um ND dois a cinco nos permite alternar entre quatro níveis de densidade neutra em questão de segundos simplesmente girando o anel. Ser capaz de fazer esses ajustes rapidamente é perfeitamente ao filmar concertos, casamentos ou outros eventos ao vivo. Mas, como qualquer equipamento, mesmo algo tão incrível quanto um ND variável, ele tem suas desvantagens por causa do design. À medida que giramos para o máximo e a configuração, às vezes podemos obter esse padrão X sobre o qual falamos. O outro problema é com a vinheta. Tanto a vinheta quanto o padrão X são problemas que podem ser corrigidos discando o ND, retrocedendo um pouco e, em seguida, ajustando as outras configurações em nossa câmera para compensar, a fim de ainda obter um boa exposição. A outra opção, que é o que eu fiz, é comprada dois filtros. Um que é um N d2, cinco e o segundo que é um NDC de seis a nove. Usar dois filtros não eliminará esses problemas 100%, mas os reduz significativamente. Quando se trata de escolher qual tipo de filtro ND é melhor para você. Depende realmente do tipo de cineasta ou fotógrafo que você é. Para cineastas de eventos ao vivo, sugiro variável e Ds, variando de dois a nove. Se você estiver filmando videoclipes, filmes narrativos ou documentários, sugiro um conjunto de filtros quadrados com uma configuração do Mapbox. Fotógrafos. Eu iria com Andes variáveis. Ou se você fizer uma longa exposição e fotografia do céu noturno, então a extremidade superior D está na faixa de 32 a cento e duzentos. Eles ajudarão você a capturar melhor esses céus noturnos deslumbrantes. Qualquer tipo de filtros ND que você decidir é melhor para você. Uma coisa é com certeza que há um equipamento muito importante para entender, a fim de levar sua produção de filmes e fotografia para o próximo nível. 10. Macro Filtros , vamos dar uma olhada mais de perto.: Antes de entrarmos em detalhes sobre filtros macro, vamos dar uma olhada rápida na lente. Você verá que no anel de foco de cada lente, há uma distância mínima de foco em uma extremidade. E a outra extremidade geralmente é um símbolo do infinito. Como sabemos, quanto menor a distância focal, mais perto podemos estar um assunto e ainda conseguir o foco. Este 85 milímetro tem uma distância mínima de 1,1 metros ou cerca de 3,5 pés. Enquanto o 35 milímetros tem uma distância mínima de foco de 0,7 em metros ou cerca de um pé. Se o assunto estiver mais próximo da lente do que a distância mínima indicada, será impossível focar. distância focal mínima em 35 milímetros é de um pé ou 0,3 metros. Como vemos aqui com minha mão. Se tentarmos focar nos meus dedos, é impossível. Traga o filtro macro. Essencialmente, o que um filtro macro faz é reduzir a distância focal das lentes, por sua vez, reduzindo a distância mínima de focagem. Esses filtros estão disponíveis em uma variedade de água chamada dioptrias. Se você usar óculos, você pode reconhecer esse termo porque ele também é usado para descrever a quantidade de ampliação positiva ou negativa necessária para correções I. Mas como queremos amplificar a imagem, os filtros de macro são descritos apenas em números positivos, como mais um mais dois mais quatro, indo até mais dez. Quanto maior o número, maior a ampliação. Também podemos empilhar esses números para aumentar a ampliação. Mas lembre-se, à medida que a luz passa por mais vidro, a qualidade da imagem começará a diminuir. Também vale a pena mencionar que, ao usar um filtro macro, não poderemos focar no infinito. Os filtros macro são construídos de duas maneiras. Elemento único e elemento duplo. Os filtros de elemento único são significativamente mais baratos, mas também produzem imagens de menor qualidade. Na maioria das vezes, essa qualidade inferior resulta em menos nitidez ao longo das bordas de uma imagem. Ou como aberração cromática ao longo das bordas dos elementos dentro da imagem. Se você achar que isso está acontecendo, geralmente pode ser evitado usando uma abertura mais alta. Mas se você quiser ter total liberdade com a lente e a abertura, então um filtro de elemento duplo é o que você precisa nesses filtros. O segundo elemento é realmente projetado para corrigir os defeitos do primeiro elemento. Esses filtros também podem ser chamados de filtros acromáticos. Com todo o trabalho em close-up, a profundidade de campo diminuirá quanto mais próxima a câmera estiver do assunto. Com alguns filtros macro, ele pode até ser reduzido para apenas alguns milímetros. Nesse caso, você provavelmente vai querer usar um tripé ou ajustar sua abertura para aumentar a profundidade de campo. Qualidade. A lente macro pode ser cara. Mas se você é fotógrafo e a fotografia macro é o seu nicho ou faz filmagem de produtos para coisas como jóias ou alimentos, vale a pena investir em uma lente macro especial. Mas se não estiver no seu orçamento ou não for algo que você usará com frequência. Do que os filtros de macro podem ser a melhor opção para você. 11. Formas de filtro, de tamanhos e anéis.., de forma geral. Oh Meus!: Ao comprar filtros, você também notará que eles vêm em duas formas, quadradas e circulares. No início, isso pode não parecer uma grande diferença, mas há vantagens e desvantagens para ambos. Vamos dar uma olhada. Os filtros quadrados deslizam um adaptador que se conecta à extremidade da lente. E eles são ótimos porque podem ser usados em qualquer lente, independentemente do tamanho. Eles também podem ser empilhados facilmente. Como os filtros quadrados são mais largos que o diâmetro da lente, há significativamente menos chance de vinheta ou esse padrão X. No entanto, eles são mais frágeis. Leve mais tempo para configurar, ocupar mais espaço e há menos opções ao comprar variável e Ds. Os filtros circulares são mais duráveis. Eles ocupam menos espaço e são rápidos e fáceis de configurar. E eles têm muitas opções ao escolher variável e Ds. No entanto, eles são mais suscetíveis a aberrações, como o padrão X e a vinheta. E porque eles vêm em tamanhos específicos, o único se encaixa nas lentes com o diâmetro correspondente. No entanto, os anéis step-up e step-down podem resolver facilmente esse problema. Se você optar por usar filtros circulares, então minha sugestão é comprar os filtros maiores porque eles sempre podem ser usados em lentes de menor diâmetro. Se você usar as fileiras de passo para cima. Enquanto que se colocarmos um filtro menor em uma lente maior, se a diferença for demais, o filtro cortará os cantos da imagem. Quais são esses anéis que eu mencionei algumas vezes. Bem, eles são basicamente apenas adaptadores que nos permitem anexar filtros circulares, duas lentes com diâmetros diferentes ao usar esses anéis. O primeiro número é o que vai aparafusar a lente e o segundo número será parafusado no filtro. Cada filtro indicará o diâmetro em algum lugar ao longo de seu quadro. E para encontrar o diâmetro da sua lente, maioria a terá impressa no interior da tampa da lente ou em algum lugar da lente. E é representado por esse símbolo. A configuração que tenho é um exemplo perfeito do que acabei de descrever. Eu tenho um ND variável de dois a cinco, e seu diâmetro é de 82 milímetros, mas a lente é 77. Nesse caso, tenho que usar um anel de passo para cima porque o primeiro número corresponde ao diâmetro da lente de 77 e o segundo número corresponde ao filtro em 82. Significa que estou aumentando um tamanho. Se a diferença de diâmetros não puder ser combinada com um anel, você terá que usar vários anéis. Então, é melhor comprar um conjunto inteiro, especialmente porque eles não são tão caros. 12. Como obter uma exposição positiva: Primeiro, por que é chamado de exposição? É porque toda vez que o obturador abre, o sensor da câmera está sendo exposto à luz. E para saber o que é uma imagem devidamente exposta, precisamos primeiro entender o que causa subexposição, superexposição. E devemos ser capazes de reconhecê-lo. Uma imagem subexposta ocorre quando não há luz suficiente atinge o sensor da câmera, resultando na imagem parecendo escura. Quando isso acontecer, os detalhes se perderão nas sombras e nas áreas mais escuras da imagem. E muitas vezes pode dificultar a separação do primeiro plano do plano de fundo. Uma maneira fácil de criar uma imagem subexposta é usando uma alta velocidade do obturador e uma alta abertura juntos. Uma imagem superexposta acontece quando muita luz atinge o sensor e parece lavado. Embora seja mais fácil ver o plano de fundo e o primeiro plano, os detalhes da imagem ainda se misturam e podem se perder nos destaques da imagem. Uma maneira fácil de fazer isso acontecer é usar uma abertura baixa e uma baixa velocidade do obturador quando em condições claras. Agora que entendemos esses dois, vamos dar uma olhada em uma imagem devidamente exposta, que é basicamente encontrar um bom equilíbrio entre os outros dois. Não é muito brilhante e não está muito escuro. Existem duas maneiras rápidas de verificar isso em sua câmera. Primeiro é usando o medidor de exposição. Se o mercado estiver muito longe à direita, isso significa que a imagem ficará superexposta. Muito longe para a esquerda. Ele será subexposto e 0 será o local ideal. Mas isso não significa que sempre tenha que estar exatamente em 0. Com a maioria das câmeras, desde que você esteja dentro desse alcance, a imagem terá boa exposição. Mas se o medidor estiver piscando, você definitivamente foi longe demais para um lado e superexposto ou subexposto a imagem. A segunda maneira é olhar para o histograma. Como sabemos, as três configurações que decidem nossa exposição, nossa abertura, velocidade do obturador e ISO. abertura controla a quantidade de luz. Deixe entrar. Um número f-stop menor é igual abertura de íris maior, o que significa mais luz. Um número de parada F maior significa menos luz. velocidade do obturador controla quanto tempo a luz é deixada entrar. É medido em frações de segundo. Portanto, uma configuração menor, como 130º, significa que o obturador está aberto por mais tempo, permitindo mais luz. E um número maior, como 1 500, estamos deixando menos luz. Iso é o quão sensível o sensor da câmera é à luz. Um número menor significa que é menos sensível e precisará de mais luz. E um número maior significa que é mais sensível e precisará menos luz para obter uma imagem devidamente exposta. Duas coisas importantes para lembrar. Primeiro, essa luz solar natural é o tipo de luz mais forte. E segundo, quanto maior o ISO for definido, mais grão, também conhecido como ruído a imagem pode ter. Dependendo das condições de iluminação do local em que estamos filmando. Teremos que ajustar essas três configurações em diferentes combinações para alcançar a exposição desejada. Mas antes de começarmos a jogar com as configurações, vamos encontrar um bom ponto de partida. Para fazer isso, devemos primeiro selecionar nossa taxa de quadros. Para este exemplo, selecionaremos 24 quadros por segundo, que é a taxa de quadros comum usada para cinema. Em seguida, escolhemos a velocidade do obturador. E se seguirmos a regra do obturador de 180 graus, devemos selecionar uma velocidade do obturador que seja o dobro da nossa taxa de quadros. Escolhemos 24 quadros por segundo. E como não há uma opção de 48 quadros por segundo, podemos escolher 50 e isso funcionará muito bem. Então, para a melhor qualidade, queremos escolher nossa base de câmeras ISO, para minha câmera que é 200. Mas cada marca e modelo podem ser diferentes. Então descubra qual é a base ISO da sua câmera e defina-a de acordo. Por fim, escolhemos nossa abertura e escolhemos uma configuração com base na profundidade de campo que queremos. Agora, as chances de seguir essas etapas e as filmagens serem exatamente o que queremos são bem pequenas. Então, a partir daqui, devemos avaliar cada situação e decidir quais ajustes podemos fazer que nos darão a melhor qualidade de imagem bem como a aparência desejada que queremos que a foto tenha. 13. Alguns exemplos de exposição: Por exemplo, estamos filmando um esporte acelerado lá fora e não queremos Motion Blur. Primeiro, teremos que ajustar a velocidade do obturador mais alta para eliminar esse desfoque de movimento. E se for um dia ensolarado, teremos muita luz. Também podemos usar uma abertura mais alta, o que também aumentará a profundidade de campo. Se ainda estiver muito brilhante, podemos adicionar um filtro ND. Agora, e se quisermos mais profundidade de campo? Então precisamos aumentar nossa abertura. Mas, à medida que fazemos isso, a imagem fica mais escura. Então, para corrigir isso, primeiro removeríamos o filtro ND se o aplicássemos. E então podemos ajustar a sensibilidade ISO, se necessário, ao mesmo tempo em que tentamos mantê-la o mais próximo possível da nossa ISO base. Se estivermos filmando esportes à noite e não quisermos desfoque de movimento, teremos que abrir a abertura baixando o f-stop, que reduzirá a profundidade de campo. Se não quisermos que a profundidade de campo seja muito pequena e estreita, talvez tenhamos que aumentar a sensibilidade ISO se ainda não houver luz suficiente. Mas e se estivermos filmando música ao vivo em um ambiente escuro, então talvez um pouco de desfoque de movimento seja bom ter. Nesse caso, podemos diminuir a velocidade do obturador em vez de ajustar o ISO ou a abertura. Para concertos, há também a possibilidade de adicionar mais luz para ajudar a alcançar uma melhor exposição. Agora imagine que estamos filmando uma entrevista dentro e usando luzes práticas em vez de fora usando a luz solar, então teremos muito menos luz do que fora. Mas agora temos mais controle sobre a luz. E porque há muito pouco movimento, não precisamos nos preocupar com o desfoque de movimento. E agora podemos reduzir a velocidade do obturador para a configuração mais baixa possível com base em nossa taxa de quadros. Nesse caso, uma velocidade do obturador de 50 quadros por segundo. Depois disso, escolheremos a abertura apropriada para nos dar a profundidade de campo que queremos. E, finalmente, se necessário, podemos ajustar o ISO. Como você pode ver, há combinações aparentemente infinitas que podemos usar para expor adequadamente nossas filmagens. Depende apenas do que estamos filmando e do visual queremos alcançar que determina como definimos nossa abertura, velocidade do obturador e nosso ISO. 14. Tirando o tiro em cenários extremamente escuros: Quando nos encontramos filmando em cenários com pouca luz, como concertos internos, recepções de casamento ou apenas filmagens à noite. Como acabamos de aprender, arriscamos que as filmagens sejam subexpostas. Sabemos que ter luz suficiente atingindo o sensor da câmera é a coisa mais importante. Quando nos encontramos em cenários extremamente escuros, precisamos permitir o máximo de luz possível na câmera. E há maneiras de fazer isso, em vez de simplesmente aumentar o ISO realmente alto, fazendo com que nossas filmagens pareçam granuladas e barulhentas. Mais uma vez, siga a regra do obturador de 180 graus e defina a velocidade do obturador para pelo menos o dobro da taxa de quadros ou superior, dependendo da ação e do nível de desfoque de movimento com o qual você se sente confortável. Para concertos de rock and roll, não queremos defini-lo muito baixo por causa do desfoque de movimento. Mas para algo mais lento, pode funcionar muito bem porque há muito pouco movimento. Mas em cenários de luzes extremamente baixas provavelmente desejarão velocidade do obturador tão baixa quanto possível acordo com a regra do obturador de 180 graus. Se for uma decisão entre um pouco de desfoque de movimento ou ser subexposto. Vou tomar um pouco de desfoque de movimento. Você pode se sentir diferente e tudo bem, desde que você entenda a decisão que está tomando e por que está tomando isso. Em seguida, queremos abrir a abertura o máximo necessário ou o máximo possível. Lembre-se, quanto menor o número da abertura, menor será a profundidade de campo que terá se a profundidade de campo se tornar muito superficial. Uma maneira de equilibrar isso é usando uma distância focal mais baixa, o que nos dá tiros mais amplos e aumenta a profundidade de campo. Tenha em mente que as lentes primárias podem atingir aberturas maiores de 1,8 e até 1,4, o que as lentes de zoom não podem fazer. Se você descobrir que está filmando em cenários de pouca luz com frequência, eu recomendo obter uma lente principal de 24 milímetros ou 35 milímetros. Ou se você conseguir os dois. Se você estiver usando uma lente de zoom nesses cenários , é melhor manter a distância focal o mais ampla possível. Não só proporcionará mais profundidade de campo, como acabamos de mencionar, mas o mais importante, permitirá que a lente use a maior configuração de abertura que ela possui. Se você estiver filmando em ambientes fechados, veja se há fontes de luz que você pode configurar nas proximidades, como Windows ou lâmpadas existentes que você pode adicionar à foto. Se fotografar ao ar livre à noite, faça uso de luzes de rua, luzes de carros, edifícios e até mesmo o luar. Desde que faça sentido que essas fontes de luz estejam no tiro, acordo com a história que você está contando. Se você tem um kit de iluminação à sua disposição e um dp talentoso, então não há razão para suas filmagens estarem abaixo ou superexpostas, a menos que você queira abaixo ou superexpostas, a menos que você queira que seja assim. Se você não tem um kit de iluminação porque está filmando em movimento, ou tem um orçamento muito pequeno, então essas são duas coisas que você deve ter com você em cada filmagem que pode fazer uma grande diferença. Um kit de refletor 51, que permite que você salte, bloqueie ou difunda a luz. E o segundo é uma pequena luz de bolso com temperatura de cor ajustável. É perfeito para adicionar luz de preenchimento a áreas escuras e fundos, ou em pequenas áreas nas quais luzes maiores não se encaixam, como veículos. Tudo o que estamos fazendo aqui, configurando esta pequena luz de bolso ao longo do painel atrás do volante. Ele pode caber em um pequeno ponto tão pequeno. E isso é tudo o que precisamos para obter esse pouco de luz adicional para iluminar o assunto dentro do veículo. Se também apagarmos as luzes do veículo. Agora, esse é o resultado. 15. Fotografia em cenários extremamente brilhantes: No outro lado do espectro, deixar entrar muita luz também pode nos causar problemas. Quando isso acontece, a filmagem é superexposta. Também pode ser referido como sendo soprado ou lavado. Isso geralmente acontece ao filmar ao ar livre em dias ensolarados, especialmente se estivermos filmando perto água ou na neve por causa de quão reflexivas elas são. Às vezes, ajustar nossas três configurações de exposição pode resolver isso se for uma imagem de baixo contraste. Significa que tudo no quadro é de cor mais clara e não há sombras duras. Assim que houver um contraste maior com objetos mais escuros, você verá que, quando eles estiverem devidamente expostos, o fundo perde detalhes porque é muito brilhante. E se expormos o fundo corretamente , nosso assunto perde detalhes porque eles são muito escuros ou silhuetas. Como resolvemos esse problema? Primeiro, queremos soltar o ISO para a base de câmeras ISO. Depois disso, podemos escolher uma alta velocidade do obturador ou uma abertura maior, ou uma combinação de ambos. Se ainda não conseguirmos alcançar a foto desejada depois de ajustar essas configurações, teremos que usar algumas ferramentas externas. Como aprendemos na seção de filtros, sabemos que podemos adicionar um polarizador para ajudar a destacar os detalhes e as cores do céu. Também podemos usar filtros ND, o que nos permitirá abrir a abertura e alcançar uma profundidade de campo menor se quisermos desfocar ou suavizar o fundo. Há também algumas coisas muito simples e baratas que podemos fazer para manipular a luz em si, como usar nosso refletor 51. Usando o lado branco, podemos saltar luz sobre os assuntos para eliminar ou suavizar sombras. O lado prateado pode adicionar mais luz, enquanto o lado dourado cria uma luz âmbar quente. O difusor suaviza a Luz Dura e a espalha mais uniformemente sobre o assunto. E o lado preto bloqueará qualquer luz indesejada. A ideia de saltar, bloquear e difundir a luz é ajudar a equilibrar a luz na imagem para que seja mais uniforme porque um contraste menor facilita a obtenção de uma exposição equilibrada. Outras coisas a serem conscientes são onde posicionamos a câmera e o sujeito em relação ao sol. Não tenha o assunto voltado para o sol. Isso tira a profundidade do tiro e o sujeito acaba parecendo plano. Também pode fazer com que eles pisquem e pisquem constantemente. Ao filmar contra o sol. Esteja ciente de sua distância focal. O uso de lentes mais largas é mais suscetível a flares de lente. Embora tenha um tiro mais apertado pode ajudar a reduzi-los. Ao decidir como melhor expor as filmagens. Escolha sempre o ponto mais brilhante do rosto da pessoa para expor e use-o corretamente como ponto de partida. É melhor ter o foco principal do tiro devidamente exposto. Os espectadores nos perdoarão ou nem perceberão se houver algumas partes subexpostas. Mas eles definitivamente notarão se houver uma mancha branca distrativa ou brilho no rosto da pessoa. Filmar em áreas sombreadas é sempre outra opção. No entanto, dependendo do conteúdo do que você está filmando, pode não funcionar, mas vale a pena considerar como outra ou como última opção. Outra diretriz geral a ser lembrada é que, se você estiver preso entre ter expor ou subexpor parte da imagem. É sempre melhor ter um primeiro plano subexposto um fundo superexposto. E isso ocorre porque o plano de fundo geralmente ocupa mais do quadro. Lá você tem isso. O que pode causar superexposição e como podemos contornar isso para garantir que ainda recebamos imagens de alta qualidade. Mesmo quando não temos o luxo de um kit de iluminação completo. 16. 3 - iluminação de pontos: Primeiro, começaremos com a luz chave, que é a principal fonte que as luzes estão sujeitas. E a luz de preenchimento é usada para equilibrar a iluminação da luz chave, suavizando ou eliminando quaisquer sombras no assunto, seguida pela luz de fundo, o que ajuda a separar o assunto do o plano de fundo para alcançar essa configuração. Vejamos esse diagrama. A luz chave é colocada na frente de um assunto e fora para o lado em cerca de 45 graus, brilha diretamente sobre o assunto. Se filmar fora com luz natural do que o sol será nossa luz chave. A luz de preenchimento espelhará a luz da chave e também brilha sobre o assunto, mas não é tão brilhante. E se você estiver usando apenas luz natural do que usar um refletor para saltar, a luz funciona como uma luz de preenchimento. E a luz de fundo é colocada atrás do objeto, apontando para lá de volta para criar uma borda de luz em torno deles. Isso ajuda a separá-los do segundo plano. Para dar um passo adiante, podemos fazer uma configuração de quatro pontos adicionando uma quarta luz para iluminar o fundo, que adiciona mais profundidade ao disparo. A configuração de três pontos é ideal para entrevistas, mas não é uma regra obrigatória, especialmente ao filmar um filme narrativo ou videoclipe. Ao filmar entrevistas, é sempre uma boa ideia ter essa técnica em mente, mas sinta-se à vontade para ser criativo e fazer ajustes para encontrar o visual que você deseja. 17. Iluminação frontal de volta em frente a volta: Ao acender um objeto usando iluminação frontal, ele fornece uma imagem muito limpa e clara, mas muitas vezes fornece muito pouco caráter ou emoção à foto. Muitas vezes, é usado para entrevistas esportivas, vlogs e noticiários, ou até mesmo para criar cursos online. Certamente tem seu tempo e lugar dentro do cinema. Mas, no geral, cria composições bastante chatas. Se você estiver acendendo pela frente e quiser adicionar um pouco mais de profundidade e vida ao tiro. Em seguida, considere acender o assunto em um ângulo um pouco mais de um lado. Você pode até brincar com a iluminação de um ângulo alto ou baixo. A iluminação de fundo, por outro lado, é uma maneira fantástica de fazer suas filmagens parecerem mais cinematográficas, pois podem adicionar profundidade, contraste e dar mais sensação à foto. Isso é especialmente útil ao filmar ao ar livre e você não tem um kit de iluminação. Veja como simplesmente mudar a forma como a luz atinge o assunto pode mudar drasticamente a aparência. Meu ponto principal é que é perfeitamente bom ter sombras. Na verdade, eu encorajo isso. Ter uma gama de luz adiciona profundidade às nossas fotos. Enquanto quanto mais luz adicionada, mais plana nossa imagem pode se tornar como um noticiário. Quando você está configurando suas fotos. Tenha isso em mente. Se você estiver filmando um blog ou possivelmente uma entrevista, vá com a iluminação frontal para uma foto limpa, se quiser. Mas se você quer que suas fotos pareçam mais cinematográficas e criem profundidade , sombras e emoções, então a luz de fundo é a técnica que você vai querer usar. 18. Iluminação dura de uma forma de efeito de baixo custo.: Ao decidir como iluminar uma cena, geralmente há dois tipos de iluminação em que trabalhamos. Luz dura e luz suave. E então, é claro, os muitos graus intermediários, essencialmente luz dura e suave é apenas a manipulação de sombras. A iluminação dura cria sombras e linhas duras. Muitas vezes, é uma luz direcional muito brilhante que deixa pouca ou nenhuma transição entre os destaques e as sombras. E geralmente cria um alto contraste dentro da imagem. A luz dura é frequentemente usada para enfatizar algo dentro do quadro e chamar a atenção do público. Pode criar uma sensação de oposição, dificuldade e tensão. É frequentemente usado para vilões e é um grampo no gênero cinematográfico. Ele pode intensificar cenas, criar um senso de poder ou retratar duas forças opostas, sejam elas pessoas ou ideias. Quando se trata de criar luz dura, quase qualquer fonte de luz pode ser usada desde que seja forte o suficiente e o sol, como sabemos, seja a fonte mais forte. A chave é não usar nenhuma difusão nas luzes. Em vez disso, podemos usar bandeiras para bloquear e moldar a luz ou outras coisas à nossa disposição, como cortinas grossas, persianas ou qualquer outro material que a luz não possa penetrar. A outra coisa que devemos fazer ou não é usar muitas luzes porque sem as sombras, a luz dura não pode existir. Ao criar luz dura. O que não pode ser visto é tão importante quanto o que pode ser visto. Na outra extremidade do espectro, temos iluminação suave. E você notará que quando cenas e personagens estiverem acesos dessa maneira, eles ficam mais uniformemente iluminados e as sombras não têm linhas definitivas. Em vez disso, podemos ver uma transição mais gradual entre luz e sombra. E as sombras não são necessariamente pretas. iluminação suave basicamente cria uma imagem de menor contraste. Exemplos muito bons disso são a fotografia de produtos e moda. E é sempre usado para entrevistas porque, como público, queremos ver o assunto e suas emoções claramente. Também é frequentemente usado para cenas românticas em comum, pois cria um ambiente mais relaxado em ambiente otimista. Quando o tempo está nublado. Esse é o exemplo perfeito da natureza de iluminação suave porque as nuvens agem como um difusor para o sol. Podemos copiar essa técnica com nosso próprio equipamento quando queremos criar luz suave. O uso da difusão pode suavizar e espalhar uma fonte de luz dura. Seja o Sol, nossas luzes de filme ou qualquer luz prática. Ou outra técnica é usar refletores para saltar a luz sobre as sombras para ajudar a suavizá-las ou eliminá-las. No videoclipe a seguir, você verá exemplos dessas duas técnicas usadas ao extremo. E nós saltamos para frente e para trás entre eles para ajudar a enfatizar o tema do assalto. Isso 19. Banding... Cuidado das barras pretas: Você já ouviu falar do termo bandagem ou talvez do termo obturador? Se você não ouviu falar de nenhum desses, talvez você tenha visto isso acontecer com suas filmagens em algum momento. Quando estamos filmando em movimento e confiando nos locais, fontes de luz. Este é um problema que você pode encontrar. A primeira coisa a saber é que isso nunca acontecerá ao usar luz natural. Somente luz artificial pode causar isso. Mas nem todas as luzes. Certos tipos de luzes enviam a luz em ondas, assim como um sinal de rádio. Em vez de uma luz se mover em um nível consistente, as ondas fazem com que ela tenha intensidades ligeiramente diferentes. Mas como isso está acontecendo tão rápido, nossos olhos não percebem. Nossa câmera, no entanto, percebe essas diferenças. Isso porque toda vez que a câmera grava um quadro, ela tira uma foto desse momento exato. E quando faz isso, as câmeras digitalizam o sensor linha a linha para gravar a luz que está atingindo o sensor. Mas, ao mesmo tempo, isso está acontecendo, a intensidade da luz está mudando à medida que a onda atinge o sensor, fazendo com que partes do quadro fiquem um pouco mais escuras. Com aquela pequena lição de ciência, como nos livramos disso? Bem, o primeiro passo é verificar as configurações da câmera. Se você é a América do Norte, sua câmera deve estar configurada para NTSC. E se você estiver na Europa, ele deve ser definido como PAL, amigo. Em outros lugares do mundo. Você terá que pesquisar qual sistema seu país usa e configurá-lo de acordo. Embora esta não seja uma solução 100% garantida, ajuda porque agora a câmera está configurada para a frequência adequada da iluminação usada em diferentes partes do mundo. Se isso não resolver o problema há algumas outras coisas que podemos fazer. Se tivermos um kit de iluminação e tivermos acesso às luzes que estão causando o problema. Podemos substituir as lâmpadas ou podemos usar nossas próprias luzes. Se isso não for possível. Como estamos filmando em movimento ou com baixo orçamento e não temos um kit de iluminação, então veja se é possível eliminar a luz que está causando a faixa. Nossa terceira opção é ajustar a velocidade do obturador e tentar combinar a frequência das luzes da melhor forma possível. Este é, na verdade, um bom exemplo de como o desfoque de movimento funciona. Dependendo da velocidade do obturador, a quantidade de onda de luz que atinge o sensor é aumentada ou diminuída, o que faz com que as barras sejam mais definidas ou menos definidas. Também afeta o número de barras que vemos. Observe que, à medida que aumentamos a velocidade do obturador, mais barras aparecem e elas são mais definidas. Quando diminuímos a velocidade do obturador, permitindo uma exposição mais longa, capturamos mais movimento das luzes, o que faz com que as barras se tornem mais suaves e menos frequentes à medida que se misturam, essencialmente criando desfoque de movimento. Você também pode notar que certas fontes de luz, embora não causem faixas para todo o quadro na câmera, elas criam uma cintilação. Isso é comum com TVs e outros tipos de telas. E isso porque fontes de luz como essas não emitem luz nas ondas. Em vez disso, eles ligam e desligam extremamente rápido. Tão rápido que, mais uma vez, nossos olhos não pegam. Nossa câmera, no entanto, é capaz capturar isso porque quando ela grava um quadro, às vezes a luz acende e às vezes ela ficará apagada, causando aquela cintilação que aparece em nossas filmagens. Nessas situações, é melhor e mais fácil simplesmente desativá-lo ou tela verde que você possa adicionar vídeo a ele na pós-produção. 20. Flares e Ghosting (não o tipo de namoro): flares de lente são definitivamente algo que todos tivemos pop-up em nossas filmagens ou em nossas fotos. Quer tenhamos a intenção ou não. Normalmente, mas nem sempre, fantasmas também acontece. Se você não estiver familiarizado com o termo fantasma, é um tipo de reflexo de lente que cria anéis de luz. Parece semelhante a ondulações na água. Alguns de nós podem gostar do efeito, e para alguns de nós pode nos enlouquecer porque pode criar um brilho e reduzir o contraste adicionando uma névoa à imagem. Quer você goste deles ou não, vale a pena entender o que os causa e como evitá-los. Se quisermos fazer isso. Isso é causado quando a luz atinge o vidro de uma certa maneira. E nossas lentes estão cheias de vidro. E este vidro destina-se a dobrar a luz e direcionado para o sensor da câmera para criar uma imagem. Mas como o vidro também é reflexivo, quando uma fonte de luz forte, como o sol entra na lente, a luz também pode saltar de outros elementos da câmera. E quando uma série de luz salta de uma certa maneira, é isso que cria um flare de lente. Com esse conhecimento, faz sentido que quanto mais elementos de vidro em uma lente, maior a chance de obter flares de lente. Significa lentes de zoom, são mais suscetíveis do que as lentes principais. Primeiro, como mencionamos, usar lentes principais ajudará porque elas têm menos elementos de vidro. Usando um capô de lente, projetado para limitar a forma como a luz atinge a lente. Esta é uma maneira rápida e fácil de reduzir ou eliminar os flares das lentes. E há três formas de capuzes de lente. Round, que é o mais comum e usado frequentemente para lentes teleobjetivas padrão. Depois, há capuzes de pétalas e lentes quadradas. Ambos são usados para lentes grandes angulares porque sua forma foi projetada especificamente para evitar que o capô corte as bordas da imagem. Sei que isso pode parecer contra-intuitivo porque estamos adicionando uma camada extra de vidro. Mas você pode obter filtros uv e D e polarizador projetados com um revestimento especial que reduz os flares. Mesmo uma ligeira alteração no ângulo pode reduzir ou mesmo eliminar o problema. Usar aberturas mais baixas que deixam entrar mais luz também pode ajudar. Porque com aberturas mais altas, o feixe de luz que está passando pela lente está mais concentrado. Quanto mais concentrada a luz estiver, mais distintas as chamas se tornam. Pense nisso como um holofote contra um holofote. Se houver sujeira, poeira ou outras partículas na lente, isso é apenas mais coisas para a luz saltar. Ame ou odeie. Lentes flares e fantasmas sempre serão um elemento de cinema e fotografia. Mas agora você sabe como funciona e o que você pode fazer para trabalhar com ele ou contorná-lo. 21. Conclusão: Chegamos ao final desta aula e espero que você tenha gostado Aproveitaremos o que você aprendeu aqui sobre iluminação e configurações de câmera relacionadas para evoluir como cineasta e continuar praticando e aprimorando suas habilidades Não deixe de compartilhar seu trabalho aqui no Skillshare, bem como a revisão do fígado. Bom ou ruim. Isso me ajuda a criar aulas melhores no futuro. Muito obrigado por se juntar a mim e desejo a você tudo de bom com sua produção cinematográfica.