Fundamentos do cinema: criando histórias cinematográficas com um orçamento limitado

1. Introdução: Filmes, cinema, histórias visuais. É uma arte. Mas como você pode fazer suas próprias coisas parecerem tão boas? O que o torna cinematográfico? Olá e bem-vindo. Em primeiro lugar, gostaria de agradecer por se interessar por este curso. Meu nome é Fynn Badgley, e além de ser fotógrafo de retratos de moda comercial, também tive o prazer de trabalhar em algumas das maiores produções da América do Norte. Agora, enquanto eu não estava operando no mais alto dos papéis, eu ainda era capaz de assumir e absorver o que é preciso para fazer um projeto dessa escala. Estou pegando essas ferramentas e técnicas, e trazendo-os para vocês hoje para que possam começar a aperfeiçoar sua cinematografia e criar histórias incríveis. Este é o tipo de curso que eu gostaria de ter o acesso a quando eu estava indo para a escola de cinema, vez que iria acelerar muito o processo e ser capaz de me permitir tomar todas as ferramentas e técnicas que estão lá fora e começar a criar algumas histórias cinematográficas incríveis, não importa o orçamento. Se você estiver usando um iPhone, uma câmera de cinema, uma DSLR ou qualquer outra coisa, você pode usar os fundamentos detalhados neste curso para criar algumas histórias cinematográficas e visualmente atraentes. a duração deste curso, para torná-lo fácil e acessível, estaremos filmando em uma câmera sem espelho, e isso é apenas para que ele possa ser aplicável a uma gama mais ampla de espectadores e é menos restrita no que câmera que você tem. Vamos abordar vários tópicos diferentes, incluindo como usar o movimento da câmera e as técnicas de iluminação para realmente criar seu quadro e criar uma história visualmente atraente. Vou mostrar-lhe técnicas usadas em conjuntos industriais, bem como opções amigáveis de orçamento que são alternativas se você não tem um orçamento multimilionário. Não importa se você está criando para o YouTube ou para a tela grande. Agora, com tudo isso dito, vamos começar. 2. Resumo do projeto: Agora, logo de cara, eu quero quebrar o que você vai sair com no final disso, isso não vai ser apenas aprender técnicas e dicas. Isso vai colocá-los em prática na criação de sua própria visão. Não há limites para o que você pode criar usando as ferramentas e técnicas que vou compartilhar com vocês hoje. Mas para demonstrar completamente tudo, isso está sendo gravado durante a pandemia COVID-19. Com esse espírito, vamos filmar um curta-metragem inspirado na Covid. Isso vai estar em algum lugar borrando as linhas entre curta-metragem e documentário para que possa ser aplicável com o que está acontecendo hoje. Mas haverá alguma dramatização adicional e as técnicas que vamos ter certeza apimentar e dar-lhe mais uma sensação narrativa. Dito isto, você não precisa usar o mesmo tema para o seu filme que eu estou usando. Você pode fazer o que seu coração deseja e ir com seu instinto e atirar o que faz você se sentir animado. Não há ideia muito pequena nem muito grande. Um bom lembrete às vezes é simples é sempre melhor. Agora, com isso dito, vamos continuar para o resto do curso. 3. O que é cinematografia: Você vê muitas pessoas nos dias de hoje falando sobre certas coisas que parecem cinematográficas. Mas o que exatamente isso significa? Simplesmente explicado, a cinematografia está usando técnicas de câmera e iluminação para comunicar visualmente uma história. Agora, fazer algo parecer cinematográfico tem muitos usos diferentes nos dias de hoje, especialmente se você estiver vendo um filme cinematográfico no YouTube contra um filme de sucesso de Hollywood. Claro, ambos podem parecer cinematográficos, mas o que isso realmente significa? Essencialmente, ele está usando técnicas de cinematografia, câmera e iluminação para atrair o espectador para o que está acontecendo. Agora, isso pode ser uma câmera lenta de café sendo feito, ou pode ser filme, muito fiel à vida em um ambiente rápido e silencioso, e qualquer coisa no meio. As possibilidades são infinitas e com as habilidades que você vai tirar no final deste curso, você será capaz de fazer quase tudo parecer cinematográfico. 4. Regras e boas práticas: Agora, se você é bastante novo em filmes de vídeo e cinematografia, você pode não conhecer todas as regras e configurações para aplicar ao seu trabalho e é por isso que eu vou dividi-los agora mesmo. Ao contrário da fotografia, onde você deseja que a velocidade do obturador seja igual a qualquer que seja a sua distância focal, vídeo e o cinema são um pouco diferentes. Basicamente, a regra de ouro é que você quer sua velocidade do obturador ou ângulo do obturador se você estiver em uma câmera de cinema, basicamente eles são a mesma coisa, apenas um é uma fração e um é um ângulo com um número de graus. Basicamente você quer que sua velocidade do obturador seja o dobro, seja qual for a sua taxa de quadros. Na América do Norte, a maioria dos filmes são filmados em 24 quadros por segundo ou 23,98 quadros por segundo, incluindo o quadro suspenso, se você quiser ser específico. Agora isso é porque é suposto ser natural para o que nossos olhos vêem e aquele pouco de borrão que você entra lá parece muito natural. Porque tem sido usado por tanto tempo, é o padrão ouro e é o que parece muito cinematográfico. Agora, se você estiver no Reino Unido, isso é 25 quadros por segundo. Agora, com a regra da velocidade do obturador, então na América do Norte, sua velocidade do obturador gostaria de ser 148º de segundo se puder. Se você está em uma câmera que não permite isso, 150th vai fazer muito bem. Se você estiver fazendo a taxa de quadros padrão de vídeo ou transmissão de 30 quadros por segundo, você teria uma velocidade de obturador de 160º, pois isso é o dobro da sua taxa de quadros. Então, quando você entra em taxas de quadros mais altas, como 60p, 120, 240p, etc Você precisa continuar aumentando a velocidade do obturador para ser o dobro da taxa de quadros. Devido a isso, quanto maior a taxa de quadros você for, mais luz você precisa porque cada vez mais sua velocidade do obturador está sendo aumentada e, portanto, menos luz está sendo deixada em seu sensor. Agora, para vocês, usuários de câmeras de cinema, você quer que seu ângulo do obturador esteja em 180 graus, e isso é a mesma coisa que ter o dobro de sua idéia de taxa de quadros. Agora, embora este seja o padrão-ouro e a maneira de fazer tudo parecer o mais natural e orgânico possível, há situações em que você pode querer ajustar isso por diferentes razões. Se você estiver em um ambiente que tem tubos fluorescentes ou tem alguma iluminação LED menos cara, você pode encontrar alguns problemas de cintilação, e é aqui que você gostaria de ajustar a velocidade do obturador para que você pode se livrar dessa cintilação. Se você estiver ajustando o ângulo do obturador, talvez queira tentar 144 graus ou ir mais alto para algo como 200 graus, 196 graus, qualquer coisa assim. Você pode ajustar a velocidade do obturador ou o ângulo do obturador até se livrar dessa cintilação. Você pode monitorar isso enquanto você vai para ter certeza de que ele não está chegando em tudo. Outra razão pela qual você pode querer mudar sua velocidade ou ângulo do obturador é como uma escolha estilística se você está tentando fazer com que ele se sinta mais sonhador. Ou mesmo se você estiver tentando filmar como uma vibração intoxicada, você diminuiria sua velocidade do obturador para estar mais perto de sua taxa de quadros e então você teria esse efeito realmente distorcido, e tudo ficaria muito embaçado. Enquanto na maioria dos casos isso não é o que você quer. Se você vai vender esse efeito intoxicado, esta é uma maneira de fazer isso. Por outro lado, cenas de luta muito rápidas e de corte rápido são muitas vezes filmadas com um ângulo de obturador maior ou maior velocidade do obturador. Isso é ter tudo isso se deparar com um pouco mais afiado e um pouco mais duro para que você possa realmente sentir essa ação. Agora, obviamente, isso não é o que você quer para maioria das filmagens, já que pode parecer um pouco nervoso. Mas se você está fazendo uma sequência de luta acelerada, às vezes esse é o olhar que você está indo para ela. Então a abertura, é praticamente a mesma coisa. Você está lidando com paradas F em uma lente de fotografia e paradas em T em uma lente de cinema. Basicamente, para todos os efeitos, eles são a mesma coisa. Eles são apenas a quantidade de luz que está sendo deixada entrar na câmera através do buraco na lente. Agora ISO, ASA, EI, lá qual for o nome, todos eles funcionam da mesma maneira. No entanto, algumas câmeras de cinema têm um ISO nativo ou um ISO nativo duplo no qual é melhor filmar, modo que você tem menos grãos em seu produto final. É por isso que sempre vale a pena pesquisar suas câmeras, ver o que é a ISO nativa e tentar manter isso o melhor puder, porque geralmente vai lhe dar os melhores resultados. Outra regra a seguir é a regra de 180 graus. Isso também é chamado de eixo. Basicamente o que isso significa é que se você está tendo duas pessoas conversando um com o outro, digamos que eu estou falando com esta câmera aqui enquanto esta câmera está no meu lado esquerdo, mas esta câmera é a outra pessoa com quem eu estou falando. Posso ter a câmera em qualquer lugar entre mim e onde isso é colocado, exceto agir como se essa câmera fosse o personagem com quem estou falando. Esta câmera aqui pode ser colocada em qualquer lugar daqui até o meu ombro aqui. Agora, se ele vai para este lado, ele faz o que chamamos de quebrar o eixo. Basicamente você desenha uma linha entre seus personagens e você fica de um lado disso. Isso é principalmente usando dois caracteres ou um caractere e um objeto importante. Mas quando você começa a usar um monte de personagens em uma cena, ele começa a diminuir bastante essa dinâmica. É mais para conversas individuais e esse tipo de coisa. Você quer ficar desse lado do eixo porque quando você o quebra, repente tudo é virado, e quando ele é editado, se eu estou aqui falando assim e então a câmera está do outro lado do eixo, repente eu Vou parecer que estou aqui falando desse jeito, mesmo estando na mesma direção. Agora há momentos em que você pode quebrar isso, mas fazê-lo com moderação e fazê-lo como uma escolha estilística para transmitir algo em sua história. É quando queremos ter certeza de que é motivado pelo que está acontecendo na história. maneiras de fazer isso são que você pode realmente mostrar o crossover, que eu fiz em alguns dos meus projetos que você viu fazer no passado, e isso é mostrar uma mudança na dinâmica. Digamos que se houver um chefe falando com um de seus funcionários e repente seu empregado tem o poder nessa situação, você pode cruzar o acesso para exemplificar essa mudança no poder. Mas se você não mostrar o movimento, a única maneira que você quer fazer isso é quando você está usando para escolha estilística, como eles fizeram no filme Psycho. Esta é uma maneira de mostrar insanidade falando com você mesmo e esse tipo de coisa. Isso também está sendo feito em O Senhor dos Anéis quando você vê Gollum falando com Smeagol. É só ele falando sozinho, mas eles agem como se o eixo estivesse quebrado para mostrar isso. Estas são maneiras que você pode exemplificar essa insanidade se isso é algo que você está procurando. Mas como uma boa regra de ouro, é sempre sábio ficar de um lado da regra de 180 graus, pois assim não vai abalar seu público porque quando esse eixo é quebrado, seu público pode não perceber, mas algo vai parecer muito estranho e eles serão retirados da história e então todos eles vão se perguntar o que está acontecendo e então eles simplesmente ficam confusos e isso não é o que queremos. Estas são muitas das regras que você deseja manter, bem como alguns casos em que você pode quebrá-las, mas fazê-lo com cautela. 5. Tipos de tomadas e movimento da câmera: Agora, indo em frente, enquanto você está planejando sua cena, você vai querer planejar as diferentes cenas que você vai usar, pois isso vai poupar seu tempo e muitas dores de cabeça quando você está realmente no set filmando. Com isso, primeiro, vamos quebrar realmente quais são os tipos de tiros, e então a partir daí podemos realmente construir uma lista de fotos, que possamos descobrir o que queremos lá dentro. Em termos de explicar o movimento da câmera e os tipos de tiro, ele pode ser dividido em duas categorias, e isso é o que o enquadramento real é, e então o que a câmera real está fazendo. Quanto ao que a câmera real está fazendo, muitas vezes você vai ouvir sobre fotos de movimento panorâmico, mas as pessoas às vezes usam isso para uma variedade de termos, e não se preocupe, nós vamos quebrar cada um individualmente. Dessa forma, você sabe o que cada tiro é, e você pode ter a melhor foto dele indo para sua filmagem. Um tiro panorâmico, muito simplesmente explicado, é uma rotação horizontal. É quando você simplesmente dá uma olhada e mostra a cena como ela é. Este é um tiro muito simples, mas eficaz. Se você tivesse alguém andando por aqui, você pode estar em um tripé ou varas, como um dia chamamos eles, eles significam a mesma coisa, apenas em uma cabeça fluida agradável girando para que assim você os mantenha no quadro. Eu vou ter um gráfico aqui e eu também vou tê-lo para baixo nos materiais do curso abaixo para que assim vocês podem baixar tudo isso e tê-lo para sua referência. Eu não fiz estes. Estes são compilados em conjunto para a vossa educação, e também vou listar as fontes de onde provêm. Dito isso, se você estiver pintando horizontalmente, você também pode inclinar verticalmente, que é o mesmo movimento, onde você está bloqueado e é apenas uma câmera girando em torno de um ponto central, exceto em vez disso, agora ele está indo para cima e para baixo contra lado a lado. A partir daí, temos o que chamamos de movimento de boneca, e é aqui que a própria câmera está empurrando ou puxando para fora. Se você estiver indo em direção à cena da cena ou longe dela, nós chamaríamos isso de uma boneca para a frente ou dolly para trás. Isso pode ficar confuso quando você também considera um Zoom. O Zoom ainda está se movendo para frente ou para trás, mas é a própria lente ampliando ou diminuindo, que altera o campo de visão, dependendo das distâncias focais entre as quais você está indo. Considerando que um tiro de boneca, você está em uma distância focal fixa o tempo todo, e na maioria dos casos, a menos que você também incorpore um zoom lá, que é um movimento mais complicado que as pessoas fazem para dar essa distorção ou repentina Percepção, se você estiver andando para a frente e diminuindo ao mesmo tempo, dá um efeito de paralaxe, é o que chamamos, modo que dá essa sensação de distorção e aquele verdadeiro senso pesado que você pode sentir através de a tela. Esse é um movimento mais complicado, pois está combinando alguns tipos diferentes lá dentro, e com isso, vamos ficar principalmente usando apenas um movimento de câmera de cada vez que pudermos. Temos uma boneca para a frente e a boneca para trás. E se estivermos nos movendo lado a lado em uma boneca, ou em um controle deslizante, ou algo assim, onde a câmera está se movendo em vez de frente para trás, mas horizontalmente? Isso pode ser se alguém está correndo e você está correndo ao lado deles, digamos, em um cardan ou câmera estável, mantendo-os no quadro. Isso é o que nós chamaríamos de um tiro de caminhão, como você está seguindo-os horizontalmente. Se a câmera está se movendo para cima com o assunto, então isso é o que chamamos de tiro no pedestal, enquanto você está subindo. Uma versão mais complicada disso é se você estiver se movendo para cima e para baixo, mas também adicionar algum movimento lado a lado lá, e é aí que você entra em algo como um movimento de jib ou um movimento de guindaste. Estes são cunhados pelo equipamento real que você usa para usá-los. Se você está em um braço de lança ou se você está em um guindaste, você teria esse grande movimento de varredura, e é aí que você tira esses tipos de tiros. Você não precisa ter um jib ou um guindaste para fazer movimentos como este. Você pode realmente se safar com isso em algo como um cardan, que eu pessoalmente estarei fazendo para este curta-metragem. Então isso é algo que você pode assistir enquanto eu quebrar como eu faço isso. Mas, seguindo em frente, agora vamos falar sobre o enquadramento real e o tipo de tiro. Provavelmente todo mundo já viu o tiro, é o estabelecimento, é um tiro muito largo entrar em todo o entorno e dando-lhe contexto: este é o local, este é o ambiente, este é a hora do dia, este é o cenário e tudo o que está acontecendo. Às vezes você vai ter um personagem entrar no quadro, mas nem sempre. Além disso, o tiro de estabelecimento geralmente é usado como um tiro de abertura para um filme ou uma cena, mas nem sempre tem que ser assim. Você pode ser mais criativo com ele, se você assim escolher. Agora, seguindo em frente, falamos sobre o tiro no escuro. Esta é uma foto de corpo inteiro, enquadrando totalmente o seu assunto enquanto eles estão fazendo qualquer ação que eles são. Isso é bom para montar uma cena saindo do estabelecimento, qualquer coisa assim. Também é bom para o que chamamos de tiro principal. Seu tiro mestre é basicamente o que irá salvá-lo se qualquer arquivo ficar corrompido ou qualquer coisa acontecer. Onde certos tiros são inutilizáveis, você vai confiar principalmente no mestre, e mesmo que ele não vai dar tanto para você cortar na edição, ele ainda permite que você tenha o contexto da história lá, que é sempre a parte mais importante, é mostrar a história. Se você não tem isso, então todo o resto desmorona. A história sempre vem em primeiro lugar. Depois de termos o tiro no escuro, então começamos a entrar para um tiro mais perto. É quando temos o que podemos chamar de um tiro médio, que é mais um corpo de três quartos. Há também um termo conhecido como o cowboy, e é aqui que você está indo quase da cintura para cima, e então a partir daí você vai para o tiro médio, que é um pouco mais acima em seu personagem. Isso quase pode ser classificado como um tiro médio, o que eu tenho agora. A partir daí, você pode ir para um close-up médio, que eu vou perfurar um pouco em mim e este ângulo para mostrar como isso é. Então, a partir daí, vamos para um close regular, que é o que eu tenho na minha câmera B. Se eu olhar para aqui, isto é o que chamaríamos de “close up”. Eu posso ir um pouco mais longe se eu quiser, para tornar isso mais dramático, mas é em qualquer lugar daqui até a cabeça inteira no quadro. A partir daí, chegamos ainda mais longe, e isso é o que chamamos de close-up extremo. Isto é, se eu tivesse apenas a câmera apenas nos meus olhos, ou qualquer coisa que é suposto acentuar quaisquer características. Isso é muito bom para mostrar emoções intensas e realmente atraí-lo para o que seus personagens estão sentindo. A partir daí, ele também depende de onde você tem sua câmera apontada. Você pode estar sobre o ombro de um personagem, olhando para outro personagem enquanto ele está tendo uma conversa. Isso é o que chamamos de tiro sobre o ombro ou OTS, se estamos tentando quebrá-lo em uma folha de chamada ou algo assim. A partir daí, você tem um tiro de dois, que é onde você tem dois caracteres no quadro, e então você também terá um ângulo baixo e ângulo alto, e estes basicamente se referem a olhar para baixo ou olhar para cima de um ou perspectiva mais baixa, seja para dar mais poder ao seu personagem ou tirar algum. Se o seu personagem está se sentindo impotente, você iria de um tiro para baixo. Um tiro para baixo é onde você está mais alto olhando para baixo, e isso é para diminuí-los e comunicar visualmente que eles estão se sentindo pequenos. É como se estivéssemos olhando para eles como o público. Uma tomada positiva, por outro lado, é aqui que você realmente quer comunicar esse senso de poder, então você tem a câmera mais baixa e olha para o seu assunto, realmente obter esse senso de autoridade. Então, a partir daí, outro tipo de tiro é o bom e velho ponto de vista ou um tiro de POV, e é aí que o personagem cujo ponto de vista é realmente não está no próprio quadro, e a câmera está agindo como seus olhos. Esta é outra foto que vamos tocar no filme que eu vou criar, então definitivamente fique atento para isso. Então, estes são os diferentes tipos de fotos e movimentos de câmera que você pode usar para sua vantagem. Você pode combinar alguns deles ou você pode ficar com os fundamentos especialmente. Como eu mencionei antes, simples é sempre melhor. 6. Câmera motivada: Agora que sabemos quais tipos de tiro existem e movimentos de câmera que podemos usar, vamos falar sobre quando e por que você gostaria de usar certos para que assim saibamos como usá-los. Então, a partir daí, vamos começar a criar e criar uma lista de fotos para filmar nosso filme. Agora este é um que queremos começar a falar, movimento de câmera motivado. O que exatamente isso significa? Basicamente, isso significa que o movimento da câmera é motivado, está relacionado ao que está acontecendo na tela. Se alguém está passando e você está olhando com eles, você está olhando para mostrar a eles andando. Então, se você deixá-los sair de uma moldura, isso transmite que eles estão indo para outro lugar. Outro bom exemplo disso é se é uma cena muito emocional e há muito mais tensão e drama pegando à medida que a cena se constrói, você pode ter uma boneca lenta dentro ou um empurrão lento de modo que, lentamente, traz mais atenção ao seu personagem, portanto, enfatiza o drama, que seria em um fator motivador para que o movimento da câmera. Outro bom exemplo disso é usar algo como um tiro revelado. Aqui é onde você teria a câmera focada em algo. Pode estar fora de foco ou focado em algo muito claro. Então o movimento da câmera se move para revelar o personagem. Na verdade, nós tivemos um exemplo disso no set aqui, onde você pode ver para a cena de abertura do meu filme, eu queria revelar o personagem saindo. Começo com um fundo neutro e isto é apenas parte de um edifício. Esta técnica é algo que eu vi usado em alguns dos maiores conjuntos em que eu trabalhei e funciona muito bem para ter um personagem entrar. Para isso, usamos um tiro e isso foi feito em um cardan. Começamos e descemos lentamente. Quando desci, dei uma fila ao ator. Dessa forma, então você quer saber vir através e entrar na cena no momento perfeito. Então a cena continuou a partir daí, onde o tiro então se transformou no que chamamos de tiro de rastreamento e é aí que eu os sigo no cardan. Agora, uma época em que isso não funcionaria tanto como se estivéssemos no meio da cena e eles estivessem andando pela rua e nós fomos revelá-los, mas nós já sabemos que eles já estão andando pela rua. Isto introduze-os a entrar. É um bom fator para isso se houver uma mudança de local ou se houver um movimento ou mudança de ritmo, algo assim. Isso pode funcionar bem para revelar isso. Eu usei este tiro algumas vezes no filme, como você vai ver, mas eu escolhi quando usá-lo com muito cuidado como o cenário começa a mudar e o humor faz bem. Dá-te essa pausa para comunicares visualmente isso. Agora isso também é algo a ter em mente, é que enquanto você está filmando, você vai desenvolver uma linguagem cinematográfica. Esses são os tipos de tiros e os movimentos que o filme naturalmente tem. Para isso, eu queria que ele tivesse uma natureza bastante frenética e muito ansiosa induzindo no início. Então, no final, eu queria que ele tivesse uma sensação mais suave, segura e calorosa. Uso meus movimentos de câmera para aludir a isso. Quando estamos filmando na rua onde queríamos essa natureza frenética, usei muitos movimentos de cardan e portáteis e tive um pouco de vibração da câmera lá dentro. Agora vibração da câmera nem sempre é algo que queremos. Mas se é motivado pela cena, se é usado para provocar essa natureza frenética, então faz sentido. Agora, isso não está dizendo para ir e atirar em tudo de mão. Na verdade, eu aconselharia contra isso, a menos que seja para um propósito estilístico adicionar a essa cena. Neste caso, todos esses movimentos são muito calculados e usados para atrair o espectador e realmente dar esse sentimento de ansiedade e angústia. Agora, há momentos em que isso pode ser exagerado. Se você tem a câmera tremendo em todos os lugares e você não pode dizer o que está acontecendo no quadro. Em seguida, ele pode se tornar esmagador para o espectador e você quase se sentir um pouco C6. Definitivamente usar uma técnica como esta com muito cuidado e moderação. Dito isso, quando eu queria dar mais daquela sensação de terra eu estava em um tripé ou em um controle deslizante para a maioria de todos esses tiros e isso é apenas para dar aquele sentimento estável como motivado pela história. Nossa história neste caso é que nosso personagem está nas ruas e está ficando muito nervoso e sobrecarregado por causa da quantidade de pessoas fora, algumas delas não usando máscaras e esse tipo de coisa, e ficando muito perto e eles estão muito sobrecarregados por isso. Eu conheço um monte de pessoas que estão lutando com temas semelhantes a este por isso é algo que é muito relacionável e eu fui capaz de transmiti-lo usando essas técnicas frenéticas, portáteis e cardan. Agora, com isso dito, quando esse personagem chega de fora para casa, respira fundo e é capaz de começar a relaxar. Ou seja, quando a câmera se torna mais estável , pois comunica visualmente essa sensação mais estável. Agora, se eu tivesse mantido o mesmo movimento de mão quando nosso personagem entra em sua casa, não teríamos a sensação de que agora está relaxando para esse personagem. Nós ainda teríamos a mesma tensão e então o público não teria alívio e então eles seriam deixados segurando toda essa tensão no final do filme sem nenhum lugar para ir. Isso não é realmente o que eu queria me comunicar com esta foto, é por isso que eu fui capaz de criar minhas técnicas de câmera para permitir a liberação da tensão que eu construí anteriormente no início do filme. Agora, embora eu goste de muito movimento nos meus filmes, esse é o meu estilo pessoal. Se você gosta de coisas sendo mais trancadas em um tripé e mais tiros estáticos, tudo bem. A arte é subjetiva e a minha maneira de fazer as coisas não é de modo algum a tua maneira de fazer as coisas ou a única maneira de fazer as coisas. Com isso, você pode usar diferentes técnicas, como obter um monte de ângulos diferentes e lentamente chegando mais sobre o personagem para aumentar o drama. Este aumento no drama através das emoções do personagem motiva essa câmera a ser movida para mais perto. Além disso, algo que você quer evitar e é fácil cair em uma armadilha de quando você está usando um cardan é apenas mover-se em torno de seu personagem sem sentido real de direção. O que você quer fazer é deixar seu personagem direcionar o movimento de sua câmera. Não vamos nos confundir, você ainda está no controle da câmera. No entanto, os movimentos do personagem, eles estão bloqueando, como chamamos, que está se movendo através da cena. Permita que dite para onde sua câmera será apontada. Muito simples, movimentos de câmera estáveis estão apenas seguindo alguém onde eles entram em sua casa, vão para a cozinha e vêm para o sofá. Estes movimentos são muito simples. Mas porque eles são simples, eles são muito eficazes e não trazem o espectador para fora da experiência. O que queremos fazer é trazer o espectador e fazer com que eles não percebam os movimentos tanto. Isso é algo que queremos que flua naturalmente e se sinta orgânico. Eu sei que gimbals pode ser muito emocionante se você estiver usando um, eu gostaria apenas de oferecer uma palavra de cautela para ter certeza de que seus movimentos de câmera são motivados pelo que está acontecendo em sua cena. Por todos os meios, se é uma cena de luta intensa, você pode ficar um pouco mais louco com seus movimentos. Dessa forma, enfatiza a energia e o drama que está acontecendo nessa sequência. Mas se você estava tendo apenas um pouco mais relaxado, alguém entra e está acontecendo conversa com seu amigo, você não precisa estar girando em torno dele ou se movendo para dentro e para fora o tempo todo se o conteúdo da cena não chamar por isso. Olhe para sua história, veja como seus personagens vão se mover e, em seguida, construa seu movimento de câmera com isso para que ele se sinta natural, orgânico e funcione dentro da cena. Podemos ver como podemos realmente comunicar visualmente como a história está se movendo, apenas com nossos movimentos de câmera sozinhos. Mas há mais coisas que você pode fazer para comunicar essas coisas em sua história. Uma delas é a iluminação, que é agora para onde vamos passar. 7. Iluminação motivada: Falamos sobre o movimento motivado da câmera e agora vamos falar sobre iluminação motivada. Sim, assim como os movimentos da câmera podem ser motivados pelo que está acontecendo em sua cena, sua iluminação também é motivada pelo que está acontecendo e tem que fazer sentido da mesma maneira. Agora, isso não quer dizer não seja criativo com sua iluminação, há definitivamente maneiras de brincar com ela. Mas isso lhe dá um bom ponto de partida para depois construir fora de qualquer cena em que você está. Um exemplo disso é quando estávamos fora início filmando o ponto de entrada de nosso personagem entrando em seu apartamento. A forma como a luz estava naturalmente no espaço, não fazia sentido para eles terem uma luz acesa já como era luz do dia lá fora para que assim eles entrassem no apartamento e estava escuro. Agora que disse que há uma quantidade decente de luz da janela entrando, mas é apenas retroiluminá-los. Enquanto, pessoalmente, eu amo retroiluminar um assunto, ele deixa o rosto bastante escuro. Uma maneira que usamos para corrigir isso era colocar um pequeno tubo de luz apenas no canto para adicionar um pouco de preenchimento para um lado do rosto de nosso personagem e assim eles não estão completamente na sombra. Dito isso, ainda estamos atirando no lado da sombra rosto deles para criar o drama que queremos para a cena. Agora seu rosto é um pouco mais iluminado, mas ainda não quebra o fato de que eles estão sendo iluminados por uma janela. Parece que está se enrolando. Considerando que se tivéssemos a luz do lado da câmera e estivermos completamente iluminando esse lado do rosto deles, então pareceria que há outra luz acesa no apartamento. Então traz o espectador para fora um pouco pensando, ok, já há uma luz acesa, alguém já está em casa? Eles moram com alguém? Se eles moram com alguém, então isso pode ser uma coisa boa a se fazer, mas neste caso, estamos tendo eles morando sozinhos e estamos tendo as luzes apagadas quando eles entrarem. Então, não faria sentido ter isso ligado de outra forma, porque vai atrair o espectador para fora dessa situação. Sendo um assunto bastante dramático e não o mais leve aqui, queremos manter um pouco de uma estética mais temperamental para isso e esta é uma maneira de o fazermos. Se estivéssemos filmando algo como uma comédia, por exemplo, os níveis gerais de luz seriam muito mais leves e o apartamento em si seria mais brilhante. Isso seria algo em que iríamos iluminar fortemente a cena, mas este filme em particular não pediu para isso, e é por isso que não fizemos isso. Isso é importante ter em mente sabendo qual é o seu gênero e, em seguida, inversamente, o que você quer que o público sinta. Agora, quando começamos a entrar no apartamento, todas as minhas luzes estão lentamente ficando mais quentes e quentes e isso é para provocar uma sensação acolhedora e acolhedora para o espectador. Tudo lá fora nós filmamos para que seria um pouco legal em termos de temperatura de cor, e isso é para provocar uma sensação de frio e desconfortável dentro do nosso espectador. Então, quando entramos, esse calor é então para permitir que o espectador se sinta mais em casa, assim como nosso personagem está se sentindo mais em casa. Mas, ainda precisa fazer sentido com a forma como a cena é filmada, então usando nosso conhecimento de iluminação, o sol é cerca de 55.000 Kelvin na escala de temperatura de cor. Agora, para deixar as coisas mais quentes, se eu tivesse aquele tubo de luz no rosto deles em algo como 3.000 Kelvin, como uma lâmpada de tungstênio. Bem, isso realmente não daria a sensação que estamos indo para e vai quebrar o espectador fora dele porque então ele não está mais imitando a luz da janela. Ele agora está dando este estranho preenchimento de tungstênio em seu rosto, que então pode tirar nosso espectador fora disso por um momento. Você pode pensar, ok, o espectador não vai pegar nisso e você pode estar certo, mas vai se sentir mal. Nossos olhos são treinados para saber o que parece certo e se nós temos esse conjunto para que não faça sentido com a cena, nosso espectador vai interpretar como se sentindo fora e então ele não vai vender o sentimento que estamos indo para. Então isso pode deixar nosso espectador se sentindo um pouco insatisfeito e não realmente certo o que estava acontecendo. São esses pequenos ajustes sutis que realmente podem fazer ou quebrar seu filme e é por isso que você sempre quer trabalhar fora da luz que está no espaço. Dessa forma, você pode criar um filme que faça sentido e seja eficaz, especialmente para o seu espectador. Agora, outra técnica que usamos, quando eles entram no apartamento, nós temos que acender uma vela. Ao acender a vela há um par de maneiras que podemos fazer essa luz vir até eles porque a vela em si para a nossa cena está acesa, não vai dar-lhes luz suficiente na frente deles que precisamos. Então para este filme nós realmente usamos o mesmo tubo de luz na sequência de entrada. Usamos isso apenas para o lado, preenchendo seu rosto bem com uma luz prática no fundo. Uma luz prática é qualquer luz que está no set que está em seu quadro. Faz parte do curativo, se quiseres. Isto é um abajur. Se você tivesse um monte de tubos de luz em um videoclipe, esses seriam considerados práticos onde você os vê brilhando em coisas diferentes, ligando e desligando na foto. Se estiver no tiro, é considerado um prático. A não ser, claro, que você acidentalmente pegar uma luz no tiro, nesse caso não deveria estar lá. Dito isto, nosso tubo de luz realmente tem um ajuste para dar uma vela cintilação, que é o que colocamos lá. Agora, eu tinha isso desligado todo o caminho até um por cento. Como nossa cena geral, estava bastante escuro e nós estamos apagando a luz que tínhamos lá dentro. Nossa configuração de iluminação para isso foi R1 prática, dando um pouco de luz traseira em nosso assunto. Então eu tinha um painel de luz saltando para o canto da parede e o teto agindo como o que chamamos de co-luz, quase como um grande guarda-chuva para saltar para fora. Agora, isso não era brilhante nem duro o suficiente para parecer que a luz estava realmente vindo de qualquer lugar especificamente. Funcionou para trazer o ambiente geral para que nada caia na escuridão completa. É assim que podemos construir um esquema de iluminação para adicionar mais profundidade a um quadro, que é sobre o que também falaremos um pouco mais tarde. Com essa cintilação, se tivéssemos muito brilhante, pareceria antinatural para a forma como a nossa cena está acesa. Não pareceria que fosse uma vela, pareceria que é um fogo rugido mesmo à frente deles. Embora isso possa ser o que você quer, se você tem alguém olhando para o fogo, isso é apenas uma pequena luz de velas, então nós tivemos uma potência mais baixa. Agora, há uma maneira que você pode realmente recriar essa cintilação sem usar algo como este tubo de luz. Esta é uma maneira muito barata e fácil de fazer isso em um orçamento. Tudo o que você precisa fazer é simplesmente pegar uma lâmpada doméstica. Agora, eu recomendaria algo com um equilíbrio de cores de tungstênio, por isso é mais quente como a sua lâmpada doméstica normal média. Agora, com isso, você quer pegar um refletor 5 em 1 e depois colocá-lo no lado dourado. Além disso, você poderia obter algum papel de folha de ouro, algo assim também, funcionaria muito bem. Mas, quanto maior a superfície às vezes pode ser melhor, especialmente se você estiver filmando algo com mais de uma pessoa. Embora seja uma pequena fonte de luz que estamos imitando, podemos torná-la um pouco mais lisonjeira aumentando o tamanho dessa fonte de luz. Enquanto a posicionarmos contextualmente com onde está a vela ou aquela chama, fará sentido para esta cena e não vai trazer o espectador para fora. Com isso dito, você vai apontar sua lâmpada para o refletor e então você iria balançar refletor para frente e para trás e, em seguida, criar essa luz em seu objeto. Este é um muito bom truque DIY que eu vi usado em conjuntos diferentes, especialmente antes da idade destes tubos de luz e esta é uma maneira muito amigável orçamento. Você pode se safar com isso. Todas as técnicas que estou compartilhando com vocês aqui, você pode usar com suas próprias luzes domésticas. O tubo de luz que eu usei para preencher na frente do rosto da Abby, se você tivesse um pedaço de papel branco e uma lanterna, você poderia brilhar e dar um pouco de enchimento lá. Agora eu digo papel branco porque as lanternas podem ser um pouco brilhantes demais para a cena que estamos criando dependendo de quão poderosa sua lanterna é. Eu gosto de usar aqueles com um pouco de umph para eles, então é por isso que esse pedaço de papel cortaria essa luz o suficiente e tornaria essa fonte maior, tornando-a mais lisonjeira e suavizando a luz que colocamos em seu rosto. Outra maneira de fazer isso se esse pedaço de papel é muito forte, é pegar algo como uma cortina de chuveiro ou algum papel de lenço e colocar isso mais longe daquela lanterna, aquela lâmpada que você está usando, e então criar uma fonte de luz suave agradável fora disso. É assim que você faz algo como um difusor DIY para sua luz. Há também gel de difusão que você pode obter, mas esta é uma maneira barata e DIY-friendly de fazê-lo. Não pense que você precisa de luzes caras para ter um esquema de iluminação motivado que faz sentido para a sua configuração, use o que você tem e obtenha coisas criativas DIY se você precisar. Você pode definitivamente fazer isso em qualquer orçamento. Para lhe dar uma idéia dessa iluminação motivada e como fazê-lo em um orçamento. Eu era capaz de acender uma cena de condução noturna onde tínhamos o carro parado, mas fiz parecer que estava se movendo à noite. Fizemos isso com algumas ferramentas simples. Tínhamos um par de lâmpadas brilhantes, algumas que saltávamos de fontes e outras que costumávamos ter como luzes de rua passando. Então tivemos uma lanterna em um giratório para trabalhar como um carro passando para imitar aqueles faróis. Então, para a nossa luz chave, tivemos uma dessas lâmpadas apenas saltou para uma superfície reflexiva. Então, a partir daí, apenas para criar um pouco de ambiente, nós tivemos uma pequena luz no próprio carro apenas para dar aquele ambiente geral lá dentro. Então, para as luzes passarem, usamos um projetor projetado através de uma cortina de chuveiro para obter o efeito que você verá aqui na tela para mostrar como fizemos isso. Nós tivemos um pouco de nossa equipe para isso, pois eles estavam todos movendo luzes individualmente, mas este exemplo é para mostrar como você pode realmente criar um esquema de iluminação motivado, independentemente do seu orçamento. 8. Adicionando profundidade ao quadro: Agora, vamos falar sobre adicionar profundidade ao seu quadro e quando fazê-lo, bem como como como fazê-lo. Existem algumas maneiras de adicionar profundidade a um quadro. Há alguns casos em que você gostaria de, se você está filmando em um ambiente escuro e você tem uma parede preta, ele pode apenas aparecer como um buraco negro que não há nenhuma informação lá. Uma maneira de adicionar profundidade é adicionar algum conjunto de curativos lá dentro. Se você adicionar uma lâmpada ou se você adicionar algumas plantas ou algo assim. Outra maneira de fazer isso é adicionando uma pequena luz. É por isso que eu gosto de ter aqueles pequenos painéis de luz de abertura ao redor. Assim eu posso levá-los em diferentes pontos para adicionar um pouco de interesse visual. Se eu tiver um grande buraco negro na minha moldura, isso vai trazer isso à tona. Então não é apenas um grande ponto de nada, que normalmente é o que não queremos em um quadro. Agora, dito isso, há algo usado em um monte de grandes produções de orçamento que adiciona muita profundidade e humor ao seu tiro. Ele eleva o ambiente geral e apenas ajuda a criar o sentimento geral e a vibração. Agora, isso é realmente um grampo e feito em um monte de produções diferentes, especialmente aquelas em que eu trabalhei. Isso é o uso de neblina ou uma máquina de fumaça. Há maneiras diferentes de fazer isso. Quando você faz isso dentro de casa, é sempre melhor ser cauteloso e ter alguma ventilação ao redor, pois pode ser fácil de exagerar. Enquanto usamos fumaça segura e neblina, também pode ser prejudicial para os pulmões se você tem muito nele porque você não está respirando oxigênio suficiente, então definitivamente tenha cuidado quando você usá-lo. Outra opção é algo chamado aerossol atmosfera. É apenas uma pequena lata dessa névoa que é muito seguro de usar e você apenas pulverizá-lo no ar e cria este ambiente nebuloso agradável. Na verdade, neste filme, quando estamos no interior, quando estamos fazendo as partes internas, eu estou usando este aerossol atmosfera para aumentar a aparência geral. Estas são apenas algumas dicas de como você pode realmente criar seu quadro e construí-lo para ser a melhor coisa possível. 9. Criando uma lista de tomadas: Agora, é hora de realmente construir nossa lista de tiro e planejar como será a filmagem quando estivermos no set. Agora, há duas maneiras que você pode organizar isso em termos cronologicamente pela cena, ou então você também pode reorganizá-lo como de acordo com o que você vai filmar quando. Se você tiver várias cenas que ocorrem no mesmo local, às vezes é benéfico filmar tudo nesse local antes de se mudar para outro local e precisar obter qualquer outra coisa em vez de ir e voltar. Para o filme que estou criando, eu só planejo ter cerca de três locais diferentes ocorrendo em 2-3 cenas diferentes, e para isso, eu vou planejar filmá-lo cronologicamente, embora isso seja muitas vezes o que não vamos fazer, especialmente se for um projeto maior. Vamos filmar todas as cenas em um local e, em seguida, passar para o próximo local, filmar tudo lá, e assim por diante, e assim por diante. Quando estive em grandes produções, é assim que quase sempre fazemos. Mas, novamente, isso é apenas em termos de construção na shotlist. Quando você realmente vai filmá-lo, você vai fazer o que faz sentido para lá. Agora, há um monte de modelos de shotlist lá fora que você pode encontrar, existem alguns grandes recursos, mas para os fins deste e conteúdo original e tudo mais, eu fiz minha própria planilha e eu serei incluindo isso nas notas do curso abaixo para que, se você quiser, você pode passar e preencher isso conforme precisar, e dessa forma você já está familiarizado com ele. Dito isto, eu também vou anexar um par de links para diferentes modelos shotlist que você pode encontrar também através dessas outras fontes. Eu usei muitos antes, e apenas baseei este fora do que eu precisava ter para este tiro, e com base no que eu aprendi com esses modelos no passado. Você pode ver aqui, fora do bastão, nós temos um modelo bastante simples shotlist. Isso é apenas algo muito básico que eu queria juntar para que eu pudesse mostrar como eu construo uma lista de tiro, e assim você pode saber o que eu procuro quando eu estou construindo isso e o que eu planejo. Queremos ter o nosso membro do elenco lá e o personagem para o propósito disso, eles não têm um nome, então vamos chamá-los de Sam. Eu tenho um 1 ao lado do Sam, já que esse é o nosso primeiro membro do elenco. Se tivéssemos alguém que fosse um ator coadjuvante, nós o colocaríamos como número 2, e basicamente entraríamos na lista assim. Folhas de chamadas de Shotlistsing geralmente número elenco dependendo de quem é o personagem principal, e, em seguida, quem é de maior importância além disso. Eu vi os números subir até as centenas, especialmente quando você está recebendo diferentes membros do elenco em apenas por um dia ou dois de cada vez, e depois trazê-los de volta alguns episódios mais tarde apenas para mais um dia ou dois. Agora, com isso dito, nós apenas temos nosso único personagem nisso, mantendo-o simples. Esse é o Sam, e podemos deixar o número 1 para o resto. Temos a nossa primeira cena aqui, e as diferentes cenas que vamos ter. Então, a partir daqui, vamos listar uma descrição aproximada do que esperamos que o tiro seja. Nossa primeira chance, eu gostaria que fosse um tiro de revelação. A ação para isso é o nosso personagem andando para o quadro, então vamos dizer, Sam entra no quadro revelado pela câmera. Framing, nós vamos ser cerca de um tiro longo médio, então podemos colocar ML para isso. Normalmente, especialmente nesses tipos de coisas, você vai querer tentar usar tantos acrônimos quanto possível. Aqui é onde você entra na ECU, se você está fazendo um close extremo. Basicamente, você pega a primeira letra de cada foto diferente, combina-os juntos, e você tem sua sigla. Agora, o movimento, nós vamos fazer um movimento de jib para isso, então isso é tudo o que temos a dizer. Nosso ângulo é muito nível dos olhos. Nós começamos alto, e então começamos a olhar para baixo para o personagem um pouco. Vou colocar um Sight Down. Agora, você poderia apenas escrever, mas eu estou escrevendo isso para que eu tenha quando nós realmente sairmos e filmar. Então, a partir daí, para manter a emoção muito intensa, nós basicamente queremos estar ligados à emoção do personagem e realmente não ter muito espaço para ampliar a partir daí. Então, na verdade, vou ficar bem apertado para a maioria desta foto. Para isso, estou escrevendo que estamos fazendo um jib em um tiro de rastreamento, e isso é apenas para transmitir que o movimento do jib não termina. O tiro não termina quando o personagem entra no quadro, e o movimento do jib termina. A partir daí, seguimos o personagem enquanto eles continuam a andar pela rua. Então, a partir daí, nosso segundo tiro será um rastreador Sam andando angustiado por causa das pessoas. Essa é apenas uma maneira muito simples de explicar que Sam está sendo angustiado por causa de tantas pessoas estarem fora, então isso vai ser um rastreamento seguindo eles enquanto eles estão andando por aí, olhando ao redor, e aquela coisa. Isso, eu vou querer que seja um close-up, então eu vou marcar isso como UC. Isto vai ser um tiro de rastreamento. Isso provavelmente será em um cardan como estamos filmando isso em câmeras sem espelho para dar-lhe a melhor idéia de uma opção amigável orçamento. Você não precisa de uma câmera de cinema cara para criar alguns visuais cinematográficos. Você pode executar isso em seu telefone, DSLR, qualquer câmera que você tem vai fazer muito bem como os fundamentos são os mesmos, não importa o seu equipamento. A partir disso, nós vamos estar no nível dos olhos, eu acho, e assim nós podemos apenas ficar com o personagem e não vai haver muitos negócios engraçados acontecendo. Então teremos um tiro de rastreamento reverso. Agora, para isso, Sam vai ficar angustiado e olhando por cima de seus ombros, e queremos indicar isso aqui. Para isso, vamos ter um close-up que também é um sobre o ombro. O que isso significa é que eu vou estar atrás deles no cardan, e então vamos ver a parte de trás da cabeça deles, um tipo de coisa sobre o ombro. Aqui está a câmera, aqui está a cabeça deles. Nós estamos seguindo juntos, e então de vez em quando eles olham para trás, e eu vou pegar isso no close-up. Isso é apenas algo para ter mais variedade e nos dá mais para brincar quando entrarmos na edição, e dessa forma eu tenho diferentes pontos de corte e vai funcionar muito bem. Isso também vai ser um movimento de rastreamento. Mais uma vez, estaremos praticamente no nível dos olhos para isso. Então adicionaremos outra chance com Sam. Desta vez vamos fazê-los parar por um momento parando muito angustiados, e então vamos de vê-los para ver um monte de pessoas saindo do outro lado da rua, e depois de volta para um close-up de seu rosto. Teremos dois tiros para cobrir tudo isso, adicionaremos outro aqui. Vamos fazer Sam parar, angustiado olhando para multidões. Então isso também vai ser um close-up. Para isso teremos uma pequena boneca para a frente para que assim possamos aumentar o drama lá. Agora essa é a maneira que eu gosto de fazer isso, novamente, você não precisa usar esses termos específicos e tudo o que estou usando se funcionar para você, funciona para você, esse é apenas um bom ponto de partida. Agora vamos ter Sam olhando para as multidões, exceto que este tiro vai ser um tiro no escuro para as multidões, então vamos fazer um tiro longo sobre o ombro olhando da perspectiva daquele personagem. Vemos por cima de seus ombros as multidões de pessoas, modo que dá contexto sobre o que elas estão olhando. Isto vai, na maior parte, ser apenas portátil, vamos ter um pouco de tremores lá para manter esse movimento frenético. Mais uma vez, vamos estar ao nível dos olhos aqui. Depois disso, quero uma injecção deles a sanitizar as mãos. Sam entra em desinfetantes e vai embora. Isso vai ser um tiro mais médio, talvez um close-up médio, então eu vou colocar MCU lá. Vamos chamá-lo de uma foto de Steadicam, já que estamos no cardan. Você pode colocar cardan Steadicam, qualquer coisa assim, vai explicar muito bem. Isso vai ter um pouco para baixo enquanto estamos olhando para eles higienizando suas mãos e indo embora. Agora, uma foto extra que eu quero ter na cena é o que vamos chamar de inserção de pessoas andando por aqui. Isso é algo que você pode chamar B-roll. B-roll é mais para quando você está fazendo um estilo de documentário e você tem alguém falando sobre algo e, em seguida, a filmagem tocando. Isto é mais uma inserção onde temos a intenção de colocar essa coisa específica aqui, então estamos apenas inserindo essa foto. Muitas vezes isso é close-ups extremos, mas neste caso, são apenas pequenos pedaços para cortar para frente e para trás. Para isso, provavelmente será um tiro médio lá. Então tudo isso será portátil para realmente capturar essa natureza. Eu não vou mesmo estar usando o cardan para isso, eu quero que ele seja uma foto estilo POV deles olhando ao redor como as pessoas passam, então eu quero que ele seja um pouco mais trêmulo, o ângulo como um POV. É do ponto de vista deles. Isso vai acabar com esta cena e vamos continuar com o resto da lista onde continuamos o número da filmagem, mas o número da cena só é batido lá em cima. A próxima cena será apenas eles saindo e começando a entrar em seu espaço vital. Vamos ter um beco andando. O beco de caminhada vai começar como um tiro no escuro e então ele vai se mover para um tiro médio lá. Vamos indicar que isso vai ser um tiro no escuro. Esse tiro será um jib e uma boneca ao contrário. Começamos a revelá-los ao virar da esquina e, em seguida, dolly volta um pouco com eles. Com isso, isso vai ser mais ainda em um ângulo de nível de olho. Então, a partir daí teremos uma inserção deles destrancando a porta. Isso vai ser apenas um close-up médio lá. Isso vai ser em um Steadicam e isso também vai ser um tiro para baixo. Você vai notar muito disso até agora, tem sido no nível dos olhos ou olhando para baixo. Ou seja, como falamos com o movimento motivado da câmera, isso é para fazê-los parecer menores e se sentir menores como atualmente é assim que esse personagem está se sentindo. Esta é uma maneira que você pode usar para exemplificar isso. Então vamos para a nossa última cena aqui, cena número 3. Eu acho que nós vamos ter um par de tiros diferentes aqui, eu acho que por volta das cinco. Vamos adicioná-los. Nossa primeira foto desta cena vai fazer com que entrem no apartamento e tirem a máscara. Que vamos estar em um controle deslizante e ter uma boneca de volta para a frente. Vamos começar com um close-up médio e avançar para um tiro médio. Isto vai ser uma boneca de volta. A razão de estarmos de volta é para diminuir a tensão. Agora eles estão respirando fundo, deixando sair, então estamos recuando para diminuir a tensão que foi acumulada. Com isso, nosso ângulo de câmera agora vai começar a mudar um pouco onde nós realmente teremos um pequeno tiro para cima olhando para eles. Agora eles estão mais no controle e eles têm um pouco mais de poder, enquanto antes eles se sentiam um pouco impotentes. De lá, eles entrarão no espaço vital, soltarão o casaco e pegarão a vela. Com isso, vamos começar em cerca de um tiro no escuro, vamos ver seu corpo inteiro entrando. Então, a partir daí, enquanto eles se sentam, vamos puxar para trás e terminar em torno de um close-up médio. Esta vai ser uma, outra boneca ao contrário. Novamente, estamos aliviando muita tensão aqui. Teremos outro ângulo para cima apenas assim, novamente, eles são a fonte de energia aqui. Agora o poder mudou de se sentir impotente para eles terem mais controle. Nossa próxima chance será uma inserção deles abaixando o casaco. Colocando jaqueta na cadeira. Com isso, eu diria que em torno de um close up aqui, e isso vai realmente ser um tiro de caminhão seguindo eles de lado enquanto eles entram, e isso vai ser muito nível de olho para onde ele está realmente sendo colocado para baixo. Agora vamos ter uma inserção deles, de Sam acender a vela. Isso vai ser outro close-up, e isso também vai ser um caminhão tiro, nós vamos seguir ao redor como eles se movem para lá. Talvez tenhamos um pouco de ajuste para seguir, mas acho que deve ser muito bom. Novamente, isso vai ser praticamente nível dos olhos. Nossa última chance aqui será Sam exalando, se sentindo aliviado. Isso vai começar em um close-up médio e ir direto para um close-up, este é um boneco para frente. O que realmente queremos fazer aqui é empurrar para dentro e lentamente começar a aumentar a importância do personagem, estamos começando a sentir muito por eles e essa emoção está se construindo e então eles apenas levam uma grande expiração, e que concluirá o nosso filme. Eu vou ter outra ligeira, e então estamos prontos para ir, essa é a nossa lista aqui. Vou colocar este modelo para baixo nas notas do curso para que assim você tenha acesso a ele. Eu também mostrarei o que escrevi para isso, que você possa fazer referência a isso. Resumidamente vamos falar sobre storyboarding e como você pode fazer isso, e então, a partir daí, vamos realmente construir a cena em si. 10. Storyboarding: Agora, vamos falar sobre storyboard. A maneira que eu estou indo para storyboard isso é apenas no Procreate aqui no meu iPad e eu tenho um modelo de storyboard de storyboard que novamente, esses recursos diferentes que eu vou listar para baixo nas notas do curso abaixo. Para isso, eu também vou mostrar as diferentes maneiras que você pode identificar qual é o movimento da câmera. Agora, eu posso não ser um ilustrador profissional e nem você tem que ser, você só precisa ser capaz de comunicar como será a foto. Imediatamente, vamos desenhar um par de símbolos para você assim, você pode ver como dizer o que diferentes tiros são. Se quisermos inclinar-nos para cima, vamos ter uma flecha com um tipo rabiscado a sair dela. Se queremos inclinar para baixo, vamos fazer o mesmo com uma seta lá e você vai colocá-los em cada ponto diferente em seu quadro. Mais uma vez, eu vou realmente estar incluindo todos esses símbolos diferentes, bem apenas assim que você tem isso como uma referência enquanto você está storyboarding, se você optar por fazê-lo. Agora, nós tínhamos um par de bonecas para frente e costas de bonecas na nossa foto. Com isso. Teremos uma grande flecha mostrando a perspectiva lá, entrando e se fôssemos dollying de volta, teríamos uma grande flecha voltando assim. Então, até onde estamos ampliando, é quando você vê essas pequenas setas nos cantos aqui, e é assim que você sabe que você vai estar ampliando. Se você estiver fazendo um zoom out, as setas estão apontando para outra direção. Esta é uma boa maneira de dizer entre uma boneca para a frente, dolly para trás e zoom para dentro e zoom para fora como um está apontando para a seta a frente e os outros são os cantos entrando. No esforço de manter isto conciso, vou desenhar uma cena para vos dar uma ideia. Para isso, vamos fazer aquele de quando nosso personagem entra no apartamento aqui. Baseado em onde isto é, já sabemos como é. Por isso, dá-nos um bom ponto para o tirar. Nós vamos estar filmando em um canto, então vamos manter isso em mente enquanto estamos desenhando. Nós vamos ter tudo apenas em um pouco de um ângulo lá, como isso é apenas algo importante para ter em mente quando você está construindo seu quadro aqui. Teremos alguns casacos pendurados em um cabide aqui. Isso é o que aquele cara está lá e então aqui, nós temos nossa janela e então nós temos todos esses slots da janela lá e há alguma luz derramando dentro. Agora, teremos nosso personagem principal, Sam, aqui, que estará usando uma máscara facial. Vamos desenhar isso e depois desenharemos isso na cara deles. Eu acredito que eles estão usando um chapéu para esta cena então vamos desenhar esse chapéu lá. Têm os olhos a olhar para fora e aqui estão eles a respirar profundamente. Novamente, você pode ver que você não precisa ser o melhor artista para fazer isso, você só precisa ter uma idéia do que está acontecendo em seu quadro. Então a partir daqui, vamos dar a nossa flecha apontando para trás para que possamos mostrar que é um tiro de volta dolly lá. Dito isto, eu não sou uma pessoa enorme storyboard, mas se esta ferramenta funciona para você, então, por todos os meios, usá-lo para o melhor de suas habilidades e eu vou deixar esses recursos para baixo nas notas do curso abaixo e eu espero que você encontrá-los para ser muito útil. Agora, com isso dito, vamos realmente sair e filmar nossa cena. 11. Locação exterior: Agora que conversamos sobre os fundamentos, as regras, quando quebrá-las, e preparamos nossa filmagem, agora é hora de sair e fazer isso. Quando estávamos filmando os bits exteriores, você vai ver, porque isso era mais de uma configuração de arma de corrida, eu não queria precisar se preocupar com a configuração várias câmeras como era principalmente eu e o ator, então eu tenho um GoPro amarrado aqui me, assim vocês podem ver o processo de como tudo isso está indo. O que eu vou fazer, é falar com Avi, o ator para isso através da configuração, através da cena, e então vamos filmar um par de vezes diferentes, talvez com alguns ajustes à medida que avançamos. Dessa forma, temos algumas opções diferentes para a edição. Você vai ver com base na lista que eu criei, nós tentamos algumas fotos Gibb diferentes em um par de locais diferentes. Parece que este funcionou melhor. Tínhamos um par de pessoas andando, o que funcionou bem para a foto geral que estávamos indo para. Você pode ver dirigindo Avi, eles foram capazes de realmente exemplificar esse sentimento de pânico e sobrecarregado muito bem e isso se traduz muito bem na câmera. Então são essas técnicas que analisamos que me permitem traduzi-lo ainda melhor quando entramos nos close-ups aqui, aqueles foram tiros de rastreamento e como eles estão olhando por cima de seus ombros, e como isso se traduz muito bem. Agora você pode perceber que não há muita gente por perto e tudo bem, podemos fazer algo chamado trapaça. Batota é basicamente quando você usa o que é configurado e você modificá-lo um pouco para que faça sentido e funciona para a história, e funciona melhor para como ele realmente vai apresentar na tela. Daqui eu tinha um monte de tiros de mão andando pela rua. Isto é apenas fazer as pessoas passarem por aqui. Dessa forma, parece muito frenético enquanto eles estão se virando, vou cortar alguém andando por aqui. Dessa forma, acrescenta a esse sentimento caótico geral de tudo. Agora, para os tiros sobre os ombros, os tiros de rastreamento, os tiros de jib, etc, isso é feito em um cardan e isso é ter um pouco de movimento suave, mas eu estou movendo-o um pouco mais do que eu faria regularmente, apenas para dar um pouco dessa natureza frenética e aquele estilo portátil lá dentro. Porque quando eu cortar para seus POVs onde eu estou fazendo esse trabalho portátil, vai fazer sentido com como ele ainda é bastante instável. Isso é realmente quando entramos na cabeça deles e é um que vemos o ponto de vista deles olhando para as pessoas passando. Então nós cortamos para eles olhando e é um pouco mais estável, mas tudo bem porque seu ponto de vista através de seus olhos, tudo é muito instável e muito esmagador. Cortar entre tudo isso vai criar uma sequência muito agradável que realmente exemplifica o que esta cena é sobre. Então aqui, nós temos os close-ups onde eles estão apenas olhando para fora e você pode ver que eu estou entrando e saindo um pouco e eles estão me dando emoções diferentes. Olhando em volta, está funcionando muito bem. Então eu chego às fotos sobre os ombros deles onde você pode ver que estamos focando nas pessoas do outro lado da rua lotadas ao redor, e então podemos cortar entre isso e aqueles close-ups. Assim você tira essa emoção de lá. Então também temos a injeção de higienização aqui. O que fizemos por isso, é que queríamos que parassem para fazer uma pausa, colocar um desinfetante para as mãos, colocar de volta no bolso , fugir, esfregando as mãos deles. Então, como mencionado anteriormente, temos mais um tiro revelador que está cortando para quando eles estão começando a sair daquele ambiente esmagador. É assim que eles começam a fazer a transição para sua casa. É por isso que esta revisão foi usada. Caso contrário, se isso fosse apenas uma continuação da mesma coisa, não faria sentido usar esse tiro revelador, mas isso está revelando que eles se afastam desse ambiente, o que, na minha opinião, é muito eficaz. Você pode ver da maneira que eles são dirigidos na linguagem corporal que eles têm, eles estão começando a ficar um pouco mais calmos como eles saem através do tiro lá. Isto é algo que eu sempre gosto de fazê-los fazer é completamente entrar e sair completamente. Dessa forma eu tenho esses pontos de corte que eu posso cortar na ação e depois cortar para a minha próxima peça. A partir daí, tivemos nossa chance de olhar para eles, destrancar a porta, que era uma inserção muito simples. Mais uma vez, estou no cardápio lá em cima nas escadas. Há um par de escadas fora do quadro. Eles entram no quadro, destrancam a porta, e funciona muito bem. Agora algo a notar para todos esses bits exteriores, estou usando um filtro de densidade neutra. Como estamos em uma câmera sem espelho com algumas lentes de fotografia, eu estou usando um segmento no filtro ND variável, assim eu posso manter esse quadro dobrado bem ali e ainda ter uma profundidade de campo bastante rasa. Se eu tivesse muito em foco, o foco não seria apenas no nosso personagem aqui, que quebraria esse sentimento isolado. Porque tudo o resto está muito fora de foco, é assim que você ainda tem esse personagem se sentindo isolado, sozinho e sobrecarregado. Foi por isso que coloquei isto aqui. Dessa forma, eu poderia ter minhas configurações onde eu preciso que elas estejam e a imagem ficaria mais escura. Se você não está familiarizado com o que é um filtro de densidade neutra, é basicamente como óculos de sol, mas para sua câmera. Você coloca isso e escurece a imagem por uma quantidade de paradas. Dessa forma, você pode abrir sua abertura, você pode consertar suas velocidades do obturador para que seja o mesmo ritmo que você precisa. Caso contrário, minha abertura teria caído um pouco ou eu teria que aumentar minha velocidade de quebra, que nenhum desses teria funcionado para esta cena. É por isso que usei essa ferramenta a meu favor. 12. Locação interior: Aqui estamos na seção interior disso. Basicamente, o que estamos fazendo é continuar de suas viagens para fora enquanto eles entram por aqui e vai ser mais uma sensação de calma. Você também notará que à medida que nos movemos pela cena, à medida que estamos entrando aqui, estamos nos tornando progressivamente mais quentes para mostrar que eles estão ficando mais confortáveis, diminuindo um pouco também. Agora, vocês notarão nesta cena que temos muita luz vindo pelas traseiras aqui, e é daqui que virá uma fonte principal de luz. Agora, uma vez que eles estão voltando para casa nesta cena para ter essa luz ser motivada, nós realmente não queremos ter uma grande luz preenchendo a maioria de seu rosto, já que isso realmente não vai funcionar com a vibração que estamos procurando. Praticamente vamos estar filmando no lado da sombra do rosto deles, então talvez adicione um pouco de luz apenas no lado direito da câmera ou no lado esquerdo do rosto deles. Com isso, só temos uma pequena luz de tubo escondida aqui atrás. Essas coisas são muito fáceis de colocar em um canto e adicionar um pouco de luz. Não estamos mais em um cardan, não estamos mais fazendo nenhum movimento portátil como o personagem está se tornando mais aterrado e mais estável, portanto, queremos que nossa configuração da câmera reflita isso. Para a maioria de tudo que vamos filmar aqui, vamos ser bloqueados em um tripé ou em um controle deslizante. Abby, o que vou pedir para você fazer é, na verdade começar do lado de fora e depois entrar, e vamos filmar isso algumas vezes e ver como podemos ajustar o quadro. Vou me virar contra esse cara só para adicionar um pouco de preenchimento, então faísca. Estas são algumas das coisas que você precisa ter em mente quando estiver atirando no local. Se isso fosse uma produção de orçamento grande, teríamos um diretor assistente comigo e um diretor assistente lá fora para lhes dizer quando a ação é chamada e assim eles podem seguir a fila e entrar. Mas já que estamos fazendo uma pequena configuração aqui, eu vou chamar ação para Abby, eles vão me ouvir pela janela e então eles vão entrar. Em conjuntos de orçamentos maiores, o que normalmente vamos fazer é marcar os atores durante o bloqueio, mas aqui como estamos fazendo uma configuração bastante simples, vou marcar Abby antes de irmos filmar, e assim eles sabem onde estão vai ser e eu posso emoldurar para o rosto deles também, que assim nós podemos bater ele toda vez. Provavelmente vou mudar para o foco manual só para ficar preso, e assim não haverá nenhum soluço quando formos atirar. A forma como marcamos o ator é apenas com uma pequena marca ali, praticamente cobrindo ambos os pés, de modo que eles saibam exatamente onde ficar. Agora, algo que eu notei neste quadro que eu poderia querer mudar um pouco: há uma quantidade decente de profundidade, mas eu acho que nós podemos construí-lo um pouco melhor, e isso é quando você traz algo como uma máquina de fumaça, neblina, ou, neste caso, algo parecido com isto. Isso é chamado de aerossol atmosférico e isso é apenas uma versão enlatada de uma máquina de fumaça ou algo assim. É uma maneira muito segura de ter um pouco de atmosfera em seu quadro e então você pode obter alguns raios de luz, e no geral, ele traz o ambiente um pouco e faz as coisas parecerem um pouco mais temperamental e dramático. Este é atualmente sem qualquer da neblina, e então eu vou apenas fazer [inaudível]. Você pode ver a diferença imediata que isso fez. Eu meio que dei uma voltinha quando entrei para trancar a porta. Foi tudo bem? Sim, eu realmente gostei disso, funcionou bem. Vou pedir que faça isso mais uma vez. Eu só queria checar isso duas vezes. Obrigado. É sempre bom esclarecer e manter uma linha aberta de comunicação, para que todos saibam o que está acontecendo e sabem como o tiro vai ser planejado e como vai funcionar. Estou emoldurado, tudo bem, e ação. Fantástico, deixe o corte lá. Às vezes, eu sempre gosto de oferecer ao ator a chance de rever a reprodução também, caso eles queiram ver como estão indo. Eu estou bem. Estamos recebendo esses pequenos pedaços de raios de luz. Não acho que seja demais, e acho que funciona para isso. Às vezes você só quer ficar de olho no seu passado para ver como ele está lá. Eu posso, na verdade, só por causa disso, colocar um casaco aqui só para que ele fique todo uniforme e se misture um pouco. Então eu acho que vamos pegar isso mais uma vez, e eu acho que vai ser a tal. Isso é apenas algo que você quer ter em mente, especialmente quando você está criando seu quadro. Queremos ter certeza de que não há nada que distraia demais no fundo, e se houver algo acontecendo lá, que ele funcione para a foto e que faça sentido, e então você pode ajustá-lo para trabalhar para o que você está procurando. Ação. Com o movimento da câmera lá, você pode ver como ele diminui a tensão e permite puxar para trás, especialmente porque eles estão indo para sair do quadro. Eu começo muito perto em seu rosto como é aquela reação emocional intensa. Eles dão um suspiro profundo e então eu reflexo isso puxando para trás com a câmera. Agora vamos continuar a cena na área principal, e depois mostraremos as técnicas a partir daí. O que vamos fazer aqui, eles vão entrar, largar o casaco, e então vão acender uma vela e pegar o livro. Agora, no início desta cena, vai ser bastante escuro. A idéia aqui é que eles moram sozinhos, então eles estão entrando em um apartamento e, naturalmente, vai estar bem escuro quando eles entrarem. Nós exemplificamos isso com eles entrando no apartamento quando ainda era bastante fraco, modo que poderíamos expor para fora e para dentro também. Mas funciona que nós temos um pouco mais escuro e então eles entram, eles ficam confortáveis, e tudo levanta um pouco, torna-se um ambiente mais acolhedor e convidativo. Vamos tê-lo um pouco mais brilhante com um ambiente geral maior. Então será um bom, caloroso, livro final e da cena. Quando eles entrarem, vamos fazê-los acender um pequeno abajur aqui para duas coisas. Um, só para mostrá-los iluminando um pouco o espaço, mas também, ele ilumina nossa cena para que possamos ver o que eles estão fazendo. Estou pensando no movimento motivado da câmera que manteremos esse movimento de puxar para fora enquanto a tensão diminui continuamente. Isso é o que estamos tentando fazer aqui é o início do filme é muito tenso e muito instável, mas agora é mais estável. A tensão está diminuindo e queremos mostrar isso dentro do movimento da câmera. Agora, nós praticamente temos nosso quadro planejado aqui, para o ambiente geral quando era apenas a lâmpada que estava sendo ligada, eu pensei que era apenas um pouco fraca, então nós temos um painel de luz saltando para o teto, criando um pouco de um salto suave agradável chegando, e eu tenho que recusou um pouco de quando nós realmente atirar e que é apenas para dar um preenchimento suave agradável. Seria o mesmo tipo de coisa se você tivesse um pouco de luz vindo de fora e é apenas para adicionar um pouco do nível de luz. Lá criar um pouco de ambiente geral e adicionar um pouco mais de profundidade no quadro, e então quando essa prática é ativada, ele vai agir como uma boa luz de fundo. Então, eles vão descer para a mesa aqui, sentar-se e acender uma vela antes de ler seu livro. Agora, aqui eu tenho um pequeno tubo de luz que usamos para adicionar um pouco de preenchimento ao rosto deles quando filmamos a cena da porta. Isto vai funcionar como a nossa iluminação motivada para a vela aqui. Na iluminação motivada com o tubo aqui, o que vamos fazer é fazê-lo agir como se fosse a própria luz da vela. Você pode ver quando você liga a faísca, que ele tem aquela bela cintilação lá. Na verdade, o que podemos fazer agora, já que ajustamos a posição dessa maneira, não precisamos da luz aqui. Seria melhor estar fora do outro lado, modo que temos uma boa luz na frente do rosto da Abby, e assim, não age como a luz da frente que temos atualmente. Vou mudar de posição e mostrar-lhe como é. Você pode ver com base em onde a luz está posicionada, ele realmente funciona muito melhor. Nós ainda conseguimos filmar um pouco no lado da sombra do rosto de Abby, o que sempre faz o drama parecer mais intenso, e aumenta bastante o tiro. Nós estamos tendo a luz semelhante em posição de onde a vela está, então, para um, nós temos uma posição, então você não está completamente acendendo a vela em si. Nós ainda temos a luz disso, mas ainda estamos acendendo Abby um pouco já que essa é a posição em que a vela está na verdade, é por isso que faz sentido aplicar dessa maneira. Normalmente, não queremos aplicar ninguém porque faz as coisas parecerem um pouco assustadoras e antinaturais. Mas para isso, faz sentido. Mas também esta é uma fonte de luz grande o suficiente, que não está completamente iluminando-os, então não nos dá aquele sentido desconfortável, que de outra forma teríamos. Desta forma, é uma luz agradável e lisonjeira. Temos isso prático em segundo plano e estamos recebendo apenas ambiente suficiente do nosso painel de luz deles para criar um belo tiro. Agora, eu acho que o que nós vamos fazer aqui é adicionar um pouco de neblina só para fazer tudo parecer um pouco mais agradável e então nós vamos ser bons para obter a foto. Como estou focando manualmente o tiro, algo que os puxadores de foco fazem com que eu trabalhei é que eles marcam a distância de onde isso vai estar. Agora, não estamos sem fio puxando o foco. Eu só estou fazendo isso direito na lente, então eu vou colocar um par de marcas para ter certeza de que eu sou capaz de mantê-los em foco. Agora, também nós mudamos nossas lentes já que é um pouco mais escuro aqui em comparação com o exterior, então, dessa forma, esta lente tem uma parada F mais baixa para que possamos abri-la todo o caminho para cima. Então, dessa forma, somos capazes de capturar o ambiente agradável que temos trabalhado acontecendo na cena aqui. Vamos começar com a luz acesa e a câmera está rolando, e ação. Bonito, e isso só nos dá um bom ponto de corte lá, mudar a ação um pouco, e o movimento da câmera é motivado por eles descer e sentar-se, então não é como se eu estivesse fazendo qualquer movimento de câmera desnecessário o que seria muito fácil de fazer. Na verdade, vou começar com a vela em si. Estamos recebendo uma pequena luz agradável voltando da nossa luz prática lá, então há um pouco de ambiente acontecendo e então, quando eles acenderem a vela, eu vou acender nossa luz aqui e então, será bom para ir . Eu posso realmente levantar esse cara um pouco e girá-lo ao redor, só para que isso está pulando fora e vindo para o rosto deles muito bem. Mesmo que não estejamos colocando o rosto deles na foto, ele vai se deparar com o corpo deles muito bem. Eu vou estar ajustando meu quadro um pouco, então fazer um movimento como este para seguir suas mãos enquanto eles agarram a vela lá. A câmera está rolando e ação. Você vai notar que eu estou realmente iniciando meu movimento da câmera pouco antes de eu dizer a eles ação, assim não é ação e há um salto. É bom começar a mover ação e, em seguida, tudo flui bem em vez de ter aquele pouco de jumpiness lá dentro. Ação. Perfeito, e é isso, corta. Nós fizemos isso. Com isso, isso conclui nossa filmagem da cena, então agora vamos juntá-la. Nós vamos editar a coisa toda, e então eu vou falar sobre como a edição se juntou e as diferentes coisas sobre as quais falamos e como isso se traduz na tela. Obrigado por vigiar até este ponto. Vemo-nos do outro lado disto. 13. Assistindo ao filme: Aqui temos nossas peças finais de cena editadas completamente. Se você gostaria de ver como editar algo assim eu definitivamente também posso fazer um curso de edição completo. Mas para manter isso focado na cinematografia eu só quero mostrar a vocês o produto final e como trabalhamos com ele lá. Um novo estudo do CDC está a alarmar as variantes do coronavírus que se espalham por todo o país. Eles não conseguem acompanhar. Há um grande atraso de casos, então as pessoas... super espalhando eventos e surtos epidêmicos. Este vírus tem o potencial de deixar muitos de nós doentes com febre, tosse, ou mesmo resultando em morte. Está agora a evoluir de uma forma que poderia tornar as vacinas existentes menos efeitos. COVID-19. Eu sei você pode ver no lado do áudio, eu adicionei algumas notícias diferentes falando sobre o vírus e esse tipo de coisa, só para adicionar a essa natureza caótica geral. Você pode ver que eu estou cortando para frente e para trás bem rápido aqui, assim ele mantém esse sentimento caótico acontecendo, ficando aquele humor realmente caótico. Você pode ver que eu adicionei em um par de tiros, como pessoas andando por tosse, etc, apenas para adicionar a esse sentimento caótico geral de tudo. Você pode ver como essas fotos de PDV e esses close-ups juntos funcionam muito bem quando você está entre os dois. Eles realmente aumentam essa natureza frenética. Então aqui temos eles pararem, higienizarem suas mãos. Então cortamos para eles desviando o olhar. Isso é bom para fazer, porque é tudo sobre o sentimento que eles estão tendo. Às vezes você gostaria de tocar toda essa sombra. Mas aqui nós voltamos a ele. Então, lá vai você. Pode até ser algo em que eles estão olhando para fora enquanto eles estão fazendo isso, mas ele fica com a imagem. Então aqui está a foto de revelação, onde você pode ver os movimentos da câmera e eles começam a entrar. Este é o tipo de coisa onde eu começo a me mover e então eu chamo ação para eles, modo que o movimento já está indo e então quando eles entram no quadro eu já estive me movendo, mas eu não peguei muito de um quadro vazio antes de entrarem, e é assim que funciona um bom tiro de revelação. Então você pode ver que eles começam a se aproximar da câmera e sair completamente do quadro. Lá eu cortei a ação para que assim eles saiam do quadro e depois caminham direto para a porta. Aqui temos aquele belo tiro para baixo. Então, novamente, cortando a ação e nós temos este belo tiro aqui baseado naquela iluminação motivada. Sem esse tubo de luz teríamos apenas este lado do rosto completamente na escuridão, mas com apenas ter aquele pouco extra dá uma luz de captura agradável nos olhos lá que é muito agradável. Você vê essa vida nos olhos de uma pessoa. Se você não tem isso, às vezes uma pessoa parece morta ou sem vida e não é isso que queremos aqui. Isso funciona, quase se parece com a própria luz da janela que é exatamente o que queremos aqui. Você pode ver como ele traduziu bem do que nós storyboarded para o tiro real aqui. Você pode ver puxando para fora enquanto eles expiram, eles saem de um quadro, então nós colocamos eles ligando a luz prática iluminando a cena lá. Temos um pouco desse ambiente geral daquele painel de luz que está cortando para o nosso caminhão. Então manteremos o tiro se movendo, enrolando para trás. Então, enquanto eles acendem a vela, eu ligo o tubo de luz e nós temos aquela bela, bela cintilação lá e funciona brilhantemente. Aqui está nossa última chance chegando. Eles inalam, olham para cima, expiram, e lá vamos nós. É uma foto maravilhosamente encadernada. Você pode vê-los apenas tirando uma carga fora. Eles só vão entrar em seu livro, apreciar sua vela, e tentar esquecer o estresse do dia. Aí temos. 14. Conclusão: Se você tem acompanhado até o final deste curso, agora você tem os fundamentos de como criar um belo filme cinematográfico. Quer se trate de um documentário, um filme de casamento ou até mesmo um filme, quer esteja filmando em um iPhone, uma câmera sem espelho ou uma configuração de câmera de cinema de US$100.000, esses fundamentos funcionam em todo lugar, independentemente do seu orçamento, não importa a sua câmera. Com isso dito, muito obrigado por assistir este curso. Espero que tenha ganhado muito valor com isso. Se você fez, não se esqueça de seguir em Skillshare pois eu estarei carregando mais cursos que abrangem fotografia, videografia, cinematografia e tudo o mais criativo. , eu também tenho um canal no YouTube onde eu estarei carregando diferentes projetos em que eu trabalhei, diferentes tutoriais e tudo o mais. Isso é um pouco mais tamanho de mordida e mais fácil de consumir. Com isso, muito obrigado por assistir até o final deste curso e estou ansioso para ver os filmes que você cria abaixo. 15. A versão final do filme: Um novo estudo do CDC está a alarmar as variantes do coronavírus que se espalham por todo o país. Eles não conseguem acompanhar. Há um grande atraso de casos. Eventos super espalhados e surtos epidêmicos. Este vírus tem o potencial de deixar muitos de nós doentes com febre, tosse, ou mesmo resultando em morte. Agora está evoluindo de uma forma que poderia tornar as vacinas existentes menos eficazes. COVID-19. Nunca tive um paciente tão perto da morte na minha carreira. Lave as mãos com frequência durante pelo menos 20 segundos. De acordo com o rastreador do COVID-19 do CDC, há agora mais de um milhão de casos confirmados do vírus neste país. Porque leva vários dias para mostrar sintomas e a maioria das pessoas nem vai saber que eles têm ainda. Existem máscaras de grau superior que podem filtrar melhor. Temos que testar, temos que rastrear, temos que isolar, os fundamentos do controle epidêmico. Ansiedade crescente esta manhã sobre a tendência COVID-19. Concentre-se em proteger as pessoas que estão ficando doentes com isso. A variante COVID-19 de propagação rápida. O número de casos per capita também suscita preocupações.