Fundamentos de retratos fotográficos: usando a luz natural para criar drama

1. Trailer: Meu nome é Justin Bridges e estou ensinando fotografia dramática para Skillshare. O objetivo desta aula é tirar todas as coisas que estariam falando e mostrando e fotografar alguém que é muito interessante para você. Talvez um amigo e criar um retrato dramático deles. Há quatro grandes caminhos que eu gosto de garantir em cada assunto: um é um movimento, dois é leve, três está focado em profundidade, e quatro está certificando que seu assunto está lisonjeado. Você quer sair com uma foto que não é apenas envolvente, mas também faz não só o assunto, mas seu trabalho parece muito lisonjeado. As idéias para criar drama não só usando sua linguagem corporal, sua expressão, seus olhos, mas também pintando a luz. A coisa mais louca sobre a luz do dia, é que às vezes vem e vai, então está um pouco escuro agora, mas vamos trabalhar com isso posicionando seu corpo mais em direção à luz. Esta aula é sobre cometer erros, mas aprender com esses erros é sobre tentativa e erro. É sobre pegar emoção de um assunto e é realmente para a experiência até o novato. É capturar contraste, você sabe a diferença entre luzes e sombras capturando a linguagem corporal, expressão facial. Você sabe que minha coisa favorita para filmar é moda porque eu gosto de contar uma história. retrato é uma ótima maneira de explicar a emoção dessa história. 2. Apresentação: Meu nome é Justin Bridges e estou ensinando fotografia dramática para Skillshare. Na verdade, comecei a tirar fotos quando estava na faculdade. Costumava tirar fotos dos meus amigos e coisas assim, mas nunca pensei que fosse uma carreira. Então, eu me mudei para Nova York com o sonho de me tornar um cara rico de Wall Street e me diverti enquanto fazia isso, mas não era a coisa certa para mim. Então, dois anos depois do meu trabalho, decidi sair e buscar uma mistura de fotografia e moda. Então, eu fiz um monte de coisas no caminho para descobrir o que eu realmente queria fazer, que era ser um fotógrafo, um fotógrafo de moda. Então é isso que eu faço agora. Tenho feito isso profissionalmente nos últimos dois anos. Minha coisa favorita para filmar é moda porque eu gosto de contar uma história. Dentro desse escopo, o retrato é uma ótima maneira de explicar a emoção dessa história, e eu acho que cada fotógrafo deve pelo menos tirar um pouco mais fundo para tirar fotos de pessoas e especialmente retratos. Eu acho que realmente ajuda você a entender seu assunto mais quando você pode interagir, conversar, entender a forma do corpo, como a linguagem corporal fala com o tom de uma imagem, e realmente apenas interagir com o assunto é uma habilidade que vai durará você para sempre. Não só na fotografia, mas também vai ajudá-lo quando você está interagindo com clientes, amigos e coisas assim. Então, eu acho que a fotografia de retrato, embora seja um nicho dentro de uma enorme variedade de fotografia, é uma das mais importantes para aprender. Esta aula, pelo menos na minha opinião, é para várias pessoas. É para os amadores até o profissional que quer adicionar outra dimensão ao que ele ou ela está fazendo. Esta aula é sobre cometer erros, mas aprender com esses erros. É sobre tentativa e erro. É sobre pegar emoção de um assunto, e é realmente para a experiência até o novato. Nesta aula de hoje ou em geral, eu vou levá-lo através de uma espécie de preparar-se para uma sessão, entender a sua localização e ambiente. Eu vou falar sobre iluminação e por que isso importa, tipo de medir a luz, bem como uma espécie de interpretar a luz. Vou falar sobre os diferentes elementos dentro da foto, como o estilo das roupas da modelo, expressão, coisas que estão no fundo que ajudam a fazer a imagem e trazê-la para fora. Então, também vamos falar sobre os diferentes ângulos e composições que você pode tirar uma foto, e então vamos encerrar tudo falando sobre algumas coisas básicas, mas muito fundamentais que você pode fazer para editar seu foto uma vez que você é feito com a filmagem. Há quatro grandes tomadas que eu gosto de garantir em cada filmagem. Um é uma emoção, dois é luz, três é foco em profundidade, e quatro é certificar-se de que seu sujeito está lisonjeado. Em luz lisonjeira, emoção lisonjeira, e coisas assim. Estes quatro grandes takeaways são muito importantes porque você quer ir embora com uma foto que não é apenas envolvente, mas também torna não só o assunto, mas o seu trabalho parecer muito lisonjeiro. Nesta aula, vou filmar um projeto de retrato pessoal. Felizmente, tenho minha amiga maravilhosa, Christina, que vai ser modelo para nós hoje, e vamos tentar capturá-la em um sentido muito dramático usando sua emoção e linguagem corporal, estilo e textura, e fundo nas fotos para realmente transmitir uma mensagem de solenidade destacada, se você quiser. Então, o objetivo desta aula é tirar todas as coisas que estariam falando e mostrando e fotografar alguém que é muito interessante para você, talvez um amigo, e criar um retrato dramático. 3. Locação e Modelo: Encontrar o local é o número um para o seu destino e retrato dramático. A coisa número um ao procurar um local é que você basicamente tem uma idéia e você quer combinar esse conceito com o local. Então, se você está olhando para usar luz dramática e você quer usar luz ambiente, encontrar um lugar com tetos altos, grandes janelas, ótima iluminação que vem em uma direção vai realmente ajudá-lo a criar essa configuração de iluminação dramática. Então, metade da batalha e retrato é ter um assunto para filmar, pode ser metade batalha ou pode haver como toda a batalha eu acho, mas, escolher alguém que você realmente acha que é interessante e divertido para filmar com, você nem sempre tem uma escolha dependendo do projeto. Mas se você tiver uma escolha, é sempre importante trabalhar com alguém com quem você possa criar um relacionamento, alguém que esteja confortável na frente da câmera. Então, eu diria número um, escolher alguém que seja interessante. Eu realmente gosto de pessoas com mandíbulas muito fortes ou diferentes características em seu rosto que os tornam interessantes para fotografar. Então, isso é uma coisa. Encontrar alguém que tenha um rosto interessante, talvez uma personalidade interessante que possa aparecer na câmera. A próxima coisa é quando você começar a trabalhar com essa pessoa é construir um relacionamento. Você não pode andar em nenhuma sessão de fotos e começar a tirar fotos porque não é tão fácil, você quer construir um relacionamento, você quer ficar confortável, você quer que o modelo se sinta bem na frente de sua lente e uma vez que você ambos relaxados e se conhecerem um pouco, faz com que tudo voe muito mais perfeitamente. A terceira coisa é, dependendo do seu modelo, você quer escolher ângulos que você vai atirar neles que são muito lisonjeiro para eles. Um exemplo é, se você tem alguém que é um pouco mais curto e você está filmando fotos de corpo inteiro e você quer que ele se sinta um pouco mais alto e não se sinta como se estivesse esmagado na página, é que você quer ficar um pouco mais baixo e atirar em direção a eles. Não é assim, você só fica tão baixo que você está atirando em suas narinas, mas se você pegar um pouco de um ângulo inferior 30, 45 graus, você pode fazê-los aparecer e olhar mais estático e mais alto, que vai fazê-los se sentir realmente bem e vai fazer a nossa imagem parecer muito boa também. Nossa modelo hoje Christina, eu conheci através de amigos em comum. Ela é uma blogger, e por isso ela é realmente confortável na frente da câmera, tem realmente grande estilo e apenas personalidade realmente incrível. Então, eu sabia que queria filmar com ela, eu já filmei com ela antes no passado e ela tem uma expressão muito boa, se move muito com a câmera, e realmente consegue acertar as emoções que você atira para ela. Então, foi realmente emocionante para trabalhar com seu rosto bonito, pele bonita, não um monte de falhas em termos de pele, e realmente tem apenas um bom olhar geral. Então, com Christina e muitos outros modelos, ângulos são tão importantes porque você quer que a pessoa pareça lisonjeira. Para pessoas mais curtas, como eu disse antes, gosto de atirar um pouco mais baixo e fazê-las parecer um pouco mais altas. Para alguém como Christina que é boa em se mover e usar roupas, gosto de criar ângulos. Então, tê-los não só se movendo de maneiras que criam ângulos e contornos nas roupas, mas também se movendo ao redor do assunto para criar meu próprio tipo de ângulos do assunto para a câmera. Tudo o que o objetivo é fazer a pessoa parecer lisonjeira, as roupas parecem lisonjeiras e fazer a imagem parecer muito complementar ao que está acontecendo no material. 4. Equipamento: Então, para esta aula e para a maioria das minhas sessões de fotos, eu gosto de ter certas coisas comigo em todos os momentos, então eu estou sempre preparado. Quero dizer, especialmente torna mais fácil capturar alguns retratos dramáticos. Então, para esta classe, eu estou filmando com meu Canon 5D Mark III, profissional em câmera DSLR. Eu tenho duas lentes comigo hoje, um 24-70 2.8L e um 200 2.8L. Normalmente tenho duas lentes em cada filmagem. Estes não são necessariamente aqueles com quem viajo sempre. Se você está curioso, eu gosto de trazer um 35 milímetros ou 50 milímetros na extremidade curta do espectro de distância focal, e eu também gosto de ter uma lente 85 milímetros comigo. A lente 85 milímetros é muito boa em fotografar um retrato sem causar distorção no rosto. Então, por exemplo, se você atirar muito largo, você pode fazer seu modelo parecer um pouco maior ou maior do que ela ou ele é. Um 85 milímetros é como a distância focal perfeita que realmente os faz parecer lisonjeiro e olhar realmente bom. Eu também carrego muito importante, um medidor de luz. Este é um Sekonik LiteMaster Pro L-478DR, que é apenas tagarelice para como realmente caro. Eu uso isso para medir a luz como eu vou demonstrar na classe e realmente ter uma idéia antes de eu estou filmando como a luz vai ficar uma vez que eu tirar a foto. Eu também carrego comigo na maioria dos brotos, nem sempre, eu não tenho um filtro para cada lente que eu carrego, mas eu carrego um filtro de densidade neutra variável. Este filtro vai para a frente de uma lente e essencialmente ajuda a diminuir a quantidade de paradas de luz que estão vindo através da câmera. Então, em termos leigos, quando eu coloco isso na câmera, digamos que estamos filmando em um espaço muito brilhante e eu quero fazer parecer mais escuro, eu posso colocar esse cara na frente da lente e depois transformá-lo em um grau variado para tornar a imagem mais escura e mais escura e mais escura, se eu não conseguir controlar a luz de qualquer outra forma. É uma maneira muito geral de falar sobre isso. Então, eu tenho a fita do Gaffer. Isso vem em várias cores. Você os verá muito em configurações de produção de vídeo e filmes. Mas eu carrego uma fita de Gaffer em todos os lugares porque você nunca sabe, digamos que há uma cortina que você quer fechar e você não tem outra maneira de fazê-lo, se você está filmando em um pano de fundo e você precisa prender o papel sem costura para o chão. Há sempre uma razão para ter fita no set e ela sempre vem a calhar e é muito fácil de sair. É feito especificamente para que o adesivo seja forte o suficiente para segurar, mas não deixe resíduos em qualquer superfície que você colocá-lo. O último gadget acessível que carrego comigo em brotos é um pequeno canivete suíço bebê. Eu não uso isso o tempo todo, mas é muito útil no caso de você ter que cortar algo, consertar qualquer coisa que está quebrado, você pode ter um parafuso que pode sair de alguma coisa, mas é realmente apenas bom tudo mais para usar uma faca funcional que pode ajudá-lo em uma pequena pitada. Então, uma das outras coisas que eu gosto de trazer em todas as minhas filmagens quando possível é um cabo de amarração, um laptop e um disco rígido. Então, vou explicar um pouco sobre o fluxo de trabalho. O que eu costumo fazer é amarrar esta coisa laranja brilhante para ninguém tropeçar nela. Coloquei um na câmera, é um cabo USB e a outra ponta vai para o computador. Se você notar, eu tenho um pequeno prendedor aqui e isso impede, se alguém pisar nele, de sair do corpo da câmera, o que pode causar alguma falha no seu software. Então, o que acontece é que você conecta isso na câmera do outro lado do computador, e o que eu vou fazer é enquanto eu estou tirando fotos, as imagens fluirão diretamente para o computador e em vez de realmente capturar todas as imagens em um cartão, Eu só os capto diretamente em um disco rígido de backup. Então, o que você tem e você também pode configurar isso para fazer backup desses arquivos diretamente no disco rígido do computador também. Então, por mais seguro que você queira estar, você pode ter as fotos capturadas no computador e no disco rígido, apenas no disco rígido. Você pode até tê-los capturado no disco rígido e um cartão flash compacto ou qualquer cartão de memória que você tem para sua câmera. Dessa forma, você pode ver as imagens em uma tela cheia e a renderização exata do raw em vez de uma visualização JPEG que você normalmente veria na parte de trás do corpo do computador ou no corpo da câmera. Honestamente, é uma daquelas coisas em que é escolha do traficante. Seja o que for que esteja mais confortável e funcione melhor para você é como sugiro que configure seu sistema. Não é uma necessidade em cada filmagem, mas o medidor de luz, como eu estava dizendo, é um dispositivo muito útil que lhe permitirá chegar a uma imagem e visualizar como a luz vai olhar em seu assunto e, em seguida, no fundo antes mesmo de você Tira uma fotografia. Agora, novamente, se você é um amador ou está apenas começando sua carreira profissional, você pode ou não possuir um desses, e não é definitivamente uma necessidade. No entanto, se você pode colocar as mãos em um, é definitivamente eficaz. Se você não tiver um desses, a alternativa é trabalhar com sua câmera e tentativa e erro para obter a exposição exata que você está procurando. O que eu faria normalmente e especialmente antes mesmo de investir no equipamento é o que eu uso é o medidor reflexivo na câmera. Quer dizer, eu aponto a câmera para o assunto, eu tenho uma leitura sobre a exposição que aparece no visor superior da sua câmera, eu medido para isso e então eu vejo o que sai. Eu tiro uma foto, vejo como isso parece, minhas sombras estão muito escuras? Meus destaques são muito brilhantes? Meus tons médios são bons ou não? Eu trabalho para trás e para a frente de lá. Então, novamente, enquanto você está filmando, se você definiu a idéia que você tem para sua abertura e seu ISO, você está realmente apenas brincando com a velocidade do obturador. Só um pouco de conhecimento sobre por que eu escolhi um DSLR. Em geral, na arte e na fotografia, desde que você saiba como capturar uma boa imagem, você pode criar uma bela imagem, ponto final. Ponto em branco. Não importa o equipamento que você tem ou não tem. A razão pela qual eu vou com o DSRL é um, é um padrão profissional, mas dois, porque eu gosto de controle. Quando você usa um DSRL versus, digamos, um iPhone ou um apontar e atirar, você é muito limitado em como você pode manipular o que está acontecendo no corpo da câmera para criar essa imagem, controlando a luz, o obturador velocidade, a abertura, o ISO. Todas essas coisas são restritas em certas câmeras que estão abaixo de um certo nível de salário, se preferir. Mas você pode definitivamente tirar fotos de um ponto e atirar se esse é o seu objetivo. 5. Humor e Luz: Vamos tomar algumas fotos nesse maravilhoso apartamento em Lower East Side. Tenho uma linda modelo, Christina, que está disposta a ser a cobaia hoje. Vou rever algumas coisas que gosto de fazer para me preparar para cada filmagem. Um dos principais componentes do retrato dramático é criar drama não só pintando com luz, mas também trabalhando com a expressão do modelo. Por dramático, não quero dizer que tenha de ser extremamente temperamental, emocional, triste ou feliz. Pode ser todo tipo de coisas. É apenas sobre transmitir ideias em uma imagem e em uma expressão, tudo em uma foto impactante. Então, uma das razões pelas quais eu quero medir a luz antes de começar a fotografar é porque eu tendem a preferir a luz a ser imagens nítidas e de alto contraste. Então, eu gosto de áreas de destaque que caem bem na escuridão, e porque eu era uma espécie de garoto emo artístico, vai acabar sendo legal, o resultado final. Quando eu entro em qualquer cena ou mesmo quando estou planejando qualquer filmagem, eu gosto de pensar sobre quais tipos de luz estarão disponíveis para mim. Hoje, decidimos filmar completamente a luz ambiente, e por luz ambiente quero dizer, luz natural que vem da fonte que chamamos de Sol. Há também a idéia de luz disponível incluindo luz artificial, então, se você tem luzes acesas no apartamento, uma lâmpada, qualquer coisa assim seria uma espécie de luz artificial, mas disponível. Então, se você levar algum estroboscópio ou flashes com você, que será sua luz artificial, sua luz estroboscópica de estúdio. Então, hoje, vamos usar toda a luz ambiente. Então, eu realmente tenho que manipular o que está vindo pela janela, o que está vindo através da luz dos outros quartos, e trabalhar com isso. Então, eu faço um monte de trabalho de estúdio e alguns no local também. Você pode usar flash na câmera, você pode usar flash fora da câmera, todos esses flashes diferentes estão lá para ajudá-lo a trazer alguma luz e modo para a cena. Eu raramente nunca, eu quase nunca uso flash na câmera porque eu acho que é um pouco duro demais, e eu vou estar entrando como qual é a diferença entre luzes suaves e duras também. Eu nunca uso flash na câmera, mas se você usar algum estroboscópio de estúdio ou algo assim, você definitivamente tem a opção de usar o medidor e tipo de criar e pintar luz em seu assunto, e talvez nós vamos salvar isso para outra aula. Em termos de luz dura e suave, como eu disse, eu gosto de criar uma queda muito forte e que é você pode fazer isso com luz dura, você pode fazer isso com luz suave, é tudo sobre suas relações de luz. O que vamos fazer hoje é usar o que eu consideraria luz suave. Temos uma grande janela e luz dura e luz suave é tudo relativo ao tamanho da fonte de luz versus o tamanho do modelo e também a distância. Isso é muita matemática e muito pensamento, então vamos manter isso muito fácil. Temos uma grande janela aqui. Então, há muita luz entrando, e o modelo, em perspectiva, é menor do que a janela. Então, isso vai criar uma luz suave que está batendo nela e banhando-a em luz em um lado de seu rosto, e então porque não há uma tonelada de luz entrando e porque ela está tão perto da luz em si, e banhando-a em luz em um lado de seu rosto, e então porque não há uma tonelada de luz entrando e porque ela está tão perto da luz em si, vai cair dramaticamente uma vez que agraça o lado de sua cabeça. Então, isso vai criar uma luz suave, mas uma luz muito dramática onde temos uma transição da luz para a escuridão muito rapidamente. Então, estamos prestes a tirar algumas fotos, mas para me preparar para as fotos, eu quero ter certeza de que eu tenho um bom entendimento de como eles vão sair antes mesmo de eu fotografar. Uma das coisas que eu faço para me preparar para cada tomada é que eu gostaria de me encontrar com a luz e ter um bom senso de como podemos criar algum drama com o modelo. Então, eu tenho meu medidor de luz Sekonic L4-7 ADR. Seu material grande leage que você poderia usar qualquer tipo de medidor de luz, até mesmo tem uma tela sensível ao toque. Então, o que você quer fazer é ter uma noção de como a luz está batendo, ou você vê que temos uma bela luz de janela entrando apenas pastando o lado de seu rosto em um pouco de suas roupas, e nós temos sombra do outro lado que chamamos de queda de luz. Então, a fim de ter uma noção de como isso vai ficar na câmera, nós queremos medir a luz. Então, o que eu geralmente faço é tirar o medidor de luz e maioria de vocês já estará familiarizado com os diferentes componentes de exposição, que é abertura, velocidade do obturador, e ISO. Então, o que eu quero fazer é usar um modo onde eu possa definir as coisas que eu já sei que vou usar. Eu já sei que eu quero atirar Christina com uma abertura muito aberta de 2.8. Então, tudo que eu tenho que fazer é mudar a leitura do medidor, que está bem escuro aqui, então vamos filmar uma ISO muito alta, abrir essa sensibilidade, obter um pouco de grão de filme, se você quiser. Então, eu aumentei isso até 1250, e então eu vou apenas usar este lumisphere para medir a luz que está batendo no rosto dela. Então, o que eu quero fazer primeiro é medir a luz que está vindo da janela, depois medir a luz do lado que não está recebendo nenhuma luz, e então atirar nela do ângulo que eu vou tirar a foto. Então, coloquei isso na cara dela bem embaixo do queixo, e medimos, e temos 1 sobre 200, que deve ser a velocidade do obturador no lado esquerdo dela. E, no lado direito, temos uma queda drástica, temos 1 sobre 15. Então, o que isso me diz agora é que onde a luz está entrando, ela vai ser destacada, e então no lado da queda, vai ficar muito escuro. Então, isso já está criando um pequeno drama com a luz, e você pode brincar com isso virando a cabeça dela para a luz, ajustando coisas diferentes na sala só para abrir isso. Então, eu planejo tirar algumas fotos deste canto e eu poderia me mover um pouco, mas primeiro, vamos dizer, eu estou começando aqui, então eu vou medi-la exatamente onde eu vou filmar, e nós temos 1 sobre 80. Então, eu sei que eu vou precisar segurar essa coisa realmente imóvel, e eu vou atirar desse ângulo e essa é a velocidade do obturador que eu preciso para travar na câmera. Certo, então medi os dois lados do seu rosto. Então agora, eu tenho uma idéia de como a luz vai entrar. Novamente, os medidores de luz, ele vai dar-lhe uma boa idéia e uma boa diretriz de onde você precisa estar, mas você sempre pode confiar em seu julgamento olhando para o seu computador onde você está capturando as fotos ou olhando para o na parte de trás do ecrã se estiver apenas a fotografar directamente para um cartão de memória. Então, eu vou pegar a próxima medição da direção de onde eu vou estar segurando a câmera, que vai ser fora para a minha direita, que iria - então o medidor está em 1 sobre 80. Então eu sei, apenas uma diretriz geral, eu sei que, a fim de obter a exposição certa, eu vou precisar disparar em uma abertura 2.8, uma ISO 1250, e uma velocidade de obturador de 1 sobre 80. Então, essa é apenas a minha diretriz geral, e novamente, você pode alterar os componentes, você pode tentar e errar para obter a exposição certa. Agora, que temos uma espécie de compreensão geral de nossa fonte de luz e como queremos filmar isso especialmente da maneira que eu quero filmar, a próxima coisa é preparar o modelo. Há todos os tipos de maneiras que você pode atirar em seus sujeitos que podem fazer ela ou ele mais lisonjeiro, mais dramático et cetera, et cetera. Hoje, eu quero realmente apenas focar em como nós criamos tomar uma expressão e focar nisso e, em seguida, obter um monte de fotos usando diferentes composições diferentes enquadramento. 6. Velocidade do obturador e fotos de teste: Então, hoje vamos nos concentrar em uma emoção, por falta de uma palavra melhor chamada desligada. Temos um belo modelo que tem uma maravilhosa variedade de expressões. Ela tem essa sensação parisiense, então vamos tentar aproveitar essa vantagem e trabalhar com ela. Então, eu vou dizer a Christina, dar a ela um pouco de direção e então nós vamos pular para tomar um par de tiros. Christina, eu sei que é um dia muito bonito e você não quer agir triste e emo, mas vamos tentar fazer isso. Ok. Vamos tentar projetar olhos ocos, bunda ruim legal, mas não se importando muito, check-out um pouco e trabalhar a partir daí. Tudo bem. Então, de qualquer maneira hoje, então eu já discuti a emoção e expressão com o modelo e antes de eu tirar algumas fotos de teste, eu só quero explicar. Hoje, eu vou estar filmando em um laptop, em um programa de captura. Então, eu vou estar digitalmente capturando todas as imagens que eu tiro em um computador e dessa forma eu posso obter uma imagem grande e ajustar no local. O programa de captura que estou usando hoje é um dos padrões profissionais chamados Capture One. Você também pode usar o maravilhoso programa Lightroom também. Ambos fazem praticamente a mesma coisa e apresentam belos resultados também, e tornam muito fácil para você ver o que está fazendo enquanto está filmando. Então, se você não tem um medidor de luz, eu quero apenas percorrer alguns conceitos básicos sobre o que eu pensaria antes de tirar a foto com nosso maravilhoso modelo. Então, novamente, há três coisas diferentes que você quer pensar sobre, velocidade do obturador, abertura e ISO. A velocidade do obturador vai controlar a rapidez com que o obturador clica, que é o dispositivo que deixa a luz entrar na câmera. Então, eu sei que estamos em um espaço onde a luz continua flutuando, mas é um espaço um pouco mais escuro. Então, eu quero filmar um pouco aberto ou mais lento, se você quiser, para deixar mais luz entrar, mas eu também quero filmar rápido o suficiente para que eu não esteja ficando um borrão quando eu estou segurando a câmera. Então, eu estou pensando em filmar um sobre 160, que é rápido o suficiente para um objeto imóvel não ser desfocado, mas também vamos ter luz suficiente para a câmera que nós realmente temos uma foto para tirar. A outra coisa é a abertura. Abertura é o buraco no qual a luz entra, então abre e fecha. Quando temos uma grande abertura, significa que o número é muito baixo, podemos criar o borrão em nossa câmera e também podemos deixar mais luz entrar. Pelo contrário, quando temos uma abertura muito baixa ou um número alto, podemos ter mais coisas em foco, mas para fazer isso, também precisamos abrir o obturador ainda mais devagar, que possamos deixar mais luz entrar. A última coisa é ISO. Com ISO ou ISO, você quer pensar sobre isso em termos de duas coisas, a quantidade de luz que vem na câmera, bem como a qualidade da imagem. Porque quando você aumenta a ISO, dependendo da câmera que você usa, se você tem uma câmera de nível de consumidor e você vai acima digamos 400 ou 800 ISO, você vai obter muito mais grãos na imagem. Se você usar um modelo mais profissional e você filmar 1600 ou 3200, você pode ter uma imagem que tem grão, mas é muito agradável e de boa qualidade. A razão pela qual eu usaria um ISO superior em qualquer imagem é porque ele me permite fotografar mais rápido e com menos luz. Esta é uma situação de pouca luz. Então, se eu tiver um ISO maior, ainda posso atirar rápido e ter luz suficiente vindo na câmera por causa dessa sensibilidade à luz. Quando eu tiro uma imagem ISO baixa, é porque eu tenho luz suficiente e também porque eu quero manter o grão fora do filme ou fora do resultado final. Basta ter em mente quando você filma com ISOs mais altos, não importa o que, você sempre vai obter um pouco mais de grão na imagem ou o que as pessoas chamam de ruído. A próxima coisa maior além de sua velocidade do obturador, sua abertura, seu ISO, é definitivamente o foco no modelo. Você pode criar diferentes tipos de pontos focais apenas alterando seu ângulo ou sua composição. Hoje, porque temos um modelo maravilhoso, eu quero ter certeza que seu rosto está em foco e eu tenho a escolha de fazer até mesmo o fundo e as coisas ao redor dela em foco, ou o que eu posso fazer é eu posso me concentrar em uma parte do modelo e, em seguida, Desfoque o resto. A maneira como conseguimos esses diferentes tipos de efeitos é que podemos mudar a abertura da câmera. Então, se nós filmarmos uma abertura mais baixa ou desculpe-me, uma abertura mais alta, o que significa um número menor, eu sei que é um pouco confuso, nós podemos criar um borrão em tudo fora do ponto focal. Então, se eu apontar minha lente e focar em seus olhos e eu usar uma abertura 2.8 que é uma abertura alta, o que estará em foco são seus olhos e tudo naquele plano focal e, em seguida, fora disso, tudo vai cair em um borrão. Quanto mais longe algo estiver do ponto focal, mais embaçado ele ficará. No entanto, se eu quiser usar um pouco dessa textura rica no fundo, capturar algumas das plantas em foco, e ter uma imagem geralmente em foco, o que eu posso fazer é ter uma abertura mais baixa que é um número maior, e Ele trará tudo de um plano focal todo o caminho em foco. Então, vamos tirar toda a ajuda suplementar, sem medidor de luz, sem computador. O que você quer fazer como você deseja se concentrar em seu assunto através da câmera. O que está em cada câmera é um medidor de exposição que diz quanta luz está voltando de seu objeto para a câmera. Então, o que você vai fazer é você vai apontar a câmera para o seu assunto, meio pressione o botão, o botão do obturador e, em seguida, haverá um medidor que irá dizer-lhe se você precisa aumentar ou diminuir a quantidade de luz que entra na câmera. É assim que você vai ter uma noção quanta luz você precisa para capturar a imagem perfeitamente exposta. Então, o que eu vou fazer, muito rápido para mostrar a vocês um teste é sem qualquer medidor de luz ou qualquer coisa, é que eu vou apontar para o assunto, eu vou focar em nossos olhos e parece que nós temos uma boa exposição em 2.8 abertura, um sobre 125º velocidade do obturador e uma ISO de 1250. Então, isso geralmente me daria uma imagem decente, mas não será perfeita. Então, o que você vai fazer depois disso, depois de ter feito um teste é você está indo para tentativa e erro, aumentando a velocidade do obturador, diminuindo-o. Se você não está feliz com a abertura, você pode ajustar isso e, em seguida, o ISO, eu costumo deixar sozinho. Tudo bem. Então, eu vou começar a tirar algumas fotos de teste. A primeira foto de teste que vou fazer será com um cartão cinza, que me permitirá calibrar o equilíbrio de cores após o efeito. Então, eu só vou tirar uma foto, a modelo vai segurá-la bem debaixo do queixo, que vai definir uma medida de linha e então vamos começar a tirar algumas fotos de teste. Bem, sorria, vamos lá, aí está. Legal. Então, definimos a linha de base com esses cartões coloridos. Novamente, você pode usar um cartão cinza, cartão branco, cartão preto e isso só me permite um ponto no meu computador mais tarde quando eu estou retocando para definir o equilíbrio de cores para esse intervalo de imagens que eu acabei de fotografar. Aponte os olhos para a lente. Então incline-se para a janela, mas depois olhe para mim. Ok. Como você viu, eu tirei algumas fotos de teste. A razão pela qual estou a movê-la e a brincar com as direcções que o rosto dela aponta e os olhos dela apontam é porque estou a tentar controlar a luz que vem da janela. Então, basicamente, eu quero apontar para pelo menos três quartos a metade de seu rosto pegando um pouco de luz e então o resto dela pegando a sombra, para que possamos criar esse contraste naturalmente. Então, nós a colocamos no braço da cadeira para chegar um pouco perto da janela. Brincamos virando a cabeça para a janela e também olhando para longe, para que mais de seu rosto ficasse na sombra. Eu brinquei com ela olhando para fora da janela, olhando diretamente para a câmera para efeitos um pouco mais impactantes. Eu nem sei se impactante é a palavra, mas tanto faz e apenas brincar um pouco com os movimentos do corpo dela e coisas assim. A idéia é criar drama não só usando sua linguagem corporal, sua expressão, seus olhos, mas também pintando a luz na cena também. Eu também estou compondo com ângulos diferentes, então eu estou fazendo fotos apertadas, verticais, horizontais. Estou filmando, estou deixando um pouco de espaço para os olhos dela, então ela está olhando em uma direção, eu estou dando a ela um pouco de espaço na câmera e eu também estou tentando capturar um pouco de textura atrás dela. Todas essas coisas diferentes, só estamos tentando fazer para chegar ao quadro perfeito, se preferir. Então, quando eu faço as fotos de teste, geralmente é apenas para ter uma idéia de onde estamos, não só luz, mas também preparar a modelo para fazer a parte dela. Você sabe o que? Na maioria das vezes, as fotos de teste apenas se transformam em apenas tiro direto e podemos chegar direto a um bom produto quando descobrirmos nossa situação de iluminação, como a cena vai parecer. 7. Exposição e fotos de baixa qualidade.: Pensando em exposição, que é o que precisamos para criar um grande tiro. Além de todas as entradas como o modelo e tal e as roupas. Pensando na exposição há todos os tipos de exposição, sob exposição , sobre exposição, e então há aquele ponto perfeito exposição. A maneira que eu gosto de pensar sobre isso é uma vez que isso é arte, e tudo é subjetivo. Não há necessariamente uma resposta errada ou certa, mas tecnicamente há respostas melhores do que não. Então, quando eu estou filmando Kristina, e eu tenho que dizer muita sombra em seu rosto, a imagem é escura no geral, isso é o que chamamos sob exposição, sob exposição, significando pouca luz na cena. Quando você subexpõe essa imagem você obtém sombras mais duras, sombras mais escuras, você começa a perder detalhes nas áreas que não são atingidas pela luz, e você fica como uma imagem plana especialmente como nos tons médios e por tons médios, quero dizer a pele textura, e partes de cor de intervalo médio da imagem. Então, você tem sob exposição, então há superexposição. Exposição excessiva é quando você está deixando entrar muita luz. Onde a luz está batendo no seu rosto, você está soprando a pele, você está perdendo detalhes em todas as áreas iluminadas da foto, e acaba sendo um pouco de uma luz mais dura, que é demais, e você pode dizer como assim que você vê-lo. O problema com subexposição e superexposição é que você está perdendo detalhes na imagem, seja nas sombras ou nos destaques, e isso nunca é uma coisa boa. Você quer capturar o máximo de detalhes, enquanto também captura um monte de contraste, e é por isso que apontar para uma exposição perfeita é o objetivo para os fotógrafos. Então, o que eu chamaria de exposição perfeita de uma forma objetiva, é um equilíbrio de seus destaques, tons médios em suas sombras. Então, onde a luz está atingindo o modelo, onde nos destaques, você quer ter que bem iluminado, mas também um monte de detalhes capturados. Onde a luz não está atingindo o assunto, seja, as sombras, você quer que você quer ter um pouco de escuridão rica, mas você quer ainda capturar o detalhe na pele, a roupa, o que está incluído naquela área de sombra. Nos tons médios, você quer uma imagem realista de como os tons de pele olhar, como as roupas olhar, apenas tudo o que está nessa faixa média, e quando você combina tudo isso e tudo está em equilíbrio, você tem um grande exposição. Se você é novo na fotografia, eu vou fazer algumas coisas erradas de propósito, só para que todos possamos ter uma idéia de como isso pode parecer. Eu sou um grande fã de tentar um monte de besteiras apenas aprender com seus erros, e tirar tudo isso do caminho enquanto você é jovem e é divertido brincar por aí. Então, o que eu vou fazer é ir para uma imagem subexposta e uma imagem superexposta, e eu também vou te dizer uma maneira legal de fazer tudo de uma vez. Então, primeiro deixe-me tirar algumas fotos, e vamos mostrar-lhe mais tarde quando falamos sobre editar suas fotos, elas se parecem e então eu vou tirar uma imagem perfeita e então eu vou te mostrar uma pequena dica também. Legal, então tirei três fotos. Um que é super escuro, um que é realmente brilhante, e então um que está no meio, e espero que uma boa foto, vamos ver. Então, um pequeno truque legal se você só quer brincar com diferentes níveis de exposição e ver o que parece em geral, é que você pode ir para a parte de trás da sua câmera e isso vai mudar se você está em um Nikon e Canon e dependendo da câmera, você tem configurações de menu diferentes, mas geralmente é chamado o mesmo material. Então, há um recurso de menu chamado compensação de exposição e bracelete de exposição automática. Você pode ir para isso, clicar nele e ele vai mostrar-lhe mais brilhante e mais escuro em uma grande escala. O que o suporte de exposição automática faz, é que ele permite que você tire três imagens, ou dependendo do que sua câmera definir em várias imagens um diferentes níveis de exposição, tudo de uma vez. Então você só tem que segurar o obturador e você tem três imagens boom, boom, boom. Foram três? De qualquer forma, a fim de configurar isso, depois de entrar no menu, o que você vai fazer é você vai pegar sua roda do obturador, e apenas virar para a direita ou para a esquerda, e isso vai aumentar a distância de um diferencial de exposição, e você pode escolher uma parada, duas paradas, três paradas. Não se preocupe com o que me impede, mas eu só estou dizendo mais brilhante, escuro, e fazer isso se espalhar mais ou menos. Então, eu vou escolher um diferencial de uma parada separada. Então, uma imagem será tirada com um valor de exposição negativo que é perfeito, e positivo, significando muito brilhante. Em seguida, basta clicar em OK, e então eu posso fazer um teste, onde eu apenas olhar para o modelo. Eu só vou segurar o botão, eu vou clicar no botão três vezes bem juntos. Você ouve três tiros, e isso aparecerá automaticamente em sua tela na parte de trás da câmera. Três fotos que são três leituras diferentes de exposição, e que lhe permite alguma margem de manobra para brincar com a forma como você está filmando. Então, quando eu tirei essas três fotos de teste, eu fiz tudo manualmente, para mostrar a você debaixo e superexposição. O que fiz foi manter minha ISO estável em 1250, mantive meu avatar em 2,8, e então mudei a velocidade do obturador para torná-lo mais rápido e lento. Então, eu filmei a imagem perfeitamente exposta em um acima de 160, ou um acima de 200. Eu filmei a imagem superexposta em uma acima de 40, e então eu filmei a foto realmente escura em uma sobre 640. Então, você tem três extremos, e a razão pela qual eu mostrei que o suporte de exposição automática, foi que você pode fazer tudo isso sem sequer ter que pensar manualmente. Então, você configura o suporte de exposição, e então você só tem que clicar no botão e é realmente tão simples, e é uma maneira realmente atalho para jogar e aprender com exposição. Só para mencionar por que estamos fazendo tudo isso, eu conheço muitas pessoas quando estão aprendendo fotografia, eu sei que sim porque eu olhei para as aulas antes e no passado, é que você não quer ficar preso nos números que estou usando, porque cada cena é diferente, cada situação é diferente. Então, você só precisa ter em mente relativa ao que estamos fazendo e os conceitos de nível superior. Abaixe o joelho só um pouco, isso, sim. Vá, com o pescoço para cima, e depois abra a boca um pouco, sim. Dá-me a cabeça para a esquerda, como se estivesses a olhar para o canto, sim. Legal. Desça novamente no sofá, e depois olhe para fora nesta direção. - Sim. Traga os pés para baixo ainda mais por aqui, como deslize, sim. O fundo, metade do seu corpo e agora fazer, agora incline-se. - Sim. Traga sua mão volta só um pouco na testa para que eu possa. - Sim. Olhe para a câmera. Espere, para mais um. Mais uma. 8. Fotografia em espelho: Então, como você notou, nós mudamos de localização. Estamos em um quarto, drama natural. Eu também mudei o modelo para um top branco. Não fique preso nisso, mas se estiver atirando em alguém de branco, você só precisa saber que o branco reflete a mais luz, o preto a menor quantidade. Então, quando você está filmando e está se encontrando por ter aquela grande exposição no rosto e na pele dela, você provavelmente vai estragar a exposição na camisa dela. A grande coisa sobre o retoque e todo o software de pós-produção é que você pode trazer alguns dos detalhes de volta para uma camisa branca se você filmá-lo um pouco brilhante demais. Por isso, não fiques pendurado nisso. Está tudo bem. Você vai notar nesta cena, nós não temos a textura rica do tijolo que tivemos na última cena. Temos um pouco de madeira interessante com alguma coloração clara e alguns detalhes, e temos um espelho que é um pouco sujo que eu gosto. Então, vamos tentar jogar com os diferentes componentes na parte de trás. Você também percebe, porque temos menos textura e coisas menos interessantes na sala, provavelmente vou tirar fotos mais apertadas e focar principalmente no rosto dela e na parte superior do corpo para ter um tiro mais impactante. Além disso, como eu mencionei, a camisa branca. Na outra sala, tínhamos uma parede de tijolos menos superfícies brancas, então tínhamos uma luz de janela brilhando bem no modelo. Nesta sala, e você não pode ver, mas temos duas luzes de janela que são bem altas, retangulares que estão entrando e pintando ela com luz em ambos os lados. Então, nós temos uma luz que chutar o lado esquerdo do rosto dela e a outra luz está agindo como um pouco de preenchimento, então você está tendo uma situação de iluminação mais uniforme. Além disso, é muito suave e gentil. Ainda podemos torná-lo dramático trabalhando com sua linguagem corporal, sua expressão, e também filmando um pouco menos expostos do que estávamos filmando na outra sala. Outra coisa que você vai notar ou pode ser capaz notar é que enquanto temos as portas marrons, temos paredes brancas de quatro lados. Então, a luz vai entrar na sala e praticamente saltar ao redor, então é por isso que você está recebendo uma luz mais uniforme. Esta madeira será interessante porque é um pouco mais quente, por isso vai refletir, quando falamos sobre o equilíbrio de cores mais cedo, refletirá um pouco do calor da madeira na pele da modelo, especialmente nos lados do rosto que são expostos à madeira. Então, deve ser um tiro interessante. Vire a cabeça mais assim. Só desta forma? - Não. Faça isso de novo, mas olhe mais para o seu, sim. Então, eu estou virando a cabeça dela para longe da janela para que ainda possamos criar a sombra na parte de trás do rosto dela. Dá-me os teus olhos. Legal. Incline-se contra a porta. Então, temos um espelho nesta sala, e é sempre divertido brincar com este tipo de elementos na sala, bem como porque só torna as coisas mais interessantes. Mais uma vez, temos mais de uma configuração básica. Então, quanto mais interesse você pode adicionar à foto, mais pessoas serão receptivas à imagem. Olhe para aquele espelho para mim. Sim, perfeito. A única coisa que você tem que lembrar sobre espelhos é que você quer não estar neles porque é um pé no saco para Photoshop você mesmo para fora. Você também percebe que eu estou tomando muito mais fotos verticais do que horizontais porque eu quero que ele seja mais apertado, há menos fundo para mostrar. A vertical literalmente corta a maior parte do ambiente porque você tem apenas um pouco de espaço para capturar o modelo. Na outra sala, temos aquele tijolo aberto. Então, eu queria capturar a textura, a direção que ela estava olhando. Neste, estou mais preocupado com a expressão que ela está liberando e uma espécie de área apertada entre ela e o espelho. - Sim. Enterre todo o queixo. Sim, perfeito. Volte mais uma vez e me dê um pouco dos seus olhos. Perfeito. Eu não medirei nesta sala, o que é legal. Então, você sabe logo de cima, você não precisa de um medidor para fazer tudo isso. Você só precisa ser capaz de verificar a parte de trás da sua tela e entender o que está acontecendo na cena. Novamente, dentro de alguns padrões de desvio por causa da tecnologia digital, você pode voltar ao que você precisa para ter uma exposição perfeita após o fato, também. Então, não fique preso em todos os números e coisas assim. Estou dando muita orientação à Christina. Felizmente, não tenho de lhe dar muito porque ela já é boa nestas coisas. É a vida do blogueiro. Ele só está brincando. Então, o que eu quero tirar de qualquer modelo que você está filmando, quer eles sejam um pouco rígidos como uma placa ou muito emotivos e fluidos, é que você quer que eles transmitam qualquer mensagem que você está tentando filmar. Mais uma vez, vamos hoje para desapegados e mais emo. Então, ela está me dando os olhos mortos e uma variedade de formas com seu corpo que transmitem não só a forma da roupa, a idéia da emoção, todo esse tipo de coisa. Então, fazer um modelo ser fluido é como metade da batalha, e uma vez que você os tem lá, então você pode tipo de ajuste para dar a emoção que você está tentando obter dela. Uma coisa eu vou acrescentar. Se isso foi mais como uma sessão de moda, se você gosta de atirar roupas e coisas assim, dependendo do que ela está vestindo, você quer obter a modelo para moldar seu corpo de uma forma que não é apenas lisonjeiro para o roupas, mas lisonjeiro para ela, mas também mostra movimento e mostra estrutura na roupa, porque ele só faz uma imagem de moda mais bonita quando você pode destacar essas coisas. Para isso, é tudo literalmente linguagem corporal e as roupas são secundárias, embora, úteis e complementares. Outra coisa que eu não mencionei, mas vale a pena mencionar, em muitos tiros especialmente quanto mais profissional você se torna, você sempre tem uma equipe ao seu redor. Então, cabeleireiro, maquiador e estilista de roupas. Então, nós não temos nada disso aqui porque nós somos como um orçamento baixo e eu gosto assim. Mas dependendo do seu modelo, ela pode ter a pele limpa. É sempre bom ter uma base de fundação. Então, em cada foto, eu estou olhando para dar a imagem mais lisonjeira para ela e também mostrar a maior emoção que dá ao tema. De qualquer forma, felizmente, ela é linda, tem uma pele muito limpa. Então, eu não me preocupo muito com a maquiagem. cabelo dela funciona perfeitamente com o tema, então eu não tenho que me preocupar com isso. Então, para as roupas, porque nós somos um pouco secundários e nós estamos indo apenas com mais da idéia das roupas em vez de como uma reflexão precisa precisa sobre as roupas, então está tudo bem que eles estão um pouco enrugados. Se eu estou filmando moda ou algo assim, eu gosto que tudo seja devidamente cozido no vapor. Tudo tem que ser perfeito. Mas quando você pode sair impune por não ter uma imagem perfeita, acho que a torna mais real para as pessoas. Adoro a imperfeição da perfeição, quero dizer, a perfeição da imperfeição. Então, isso funciona perfeitamente. Mas são todas essas coisas que você quer manter seus olhos, rugas, cabelo, maquiagem, apenas certifique-se de que você está montando uma imagem lisonjeira. Digamos que você tem uma sessão que, como produção mínima, há um par de dicas e truques que eu gosto de ir com que podem ajudá-lo a passar pela filmagem. Então, se você tem um modelo que não tem a pele mais lisonjeira, e isso é normal, quero dizer, nem todo mundo tem uma pele perfeita perfeita, o que você pode fazer é focar menos no tipo de fotos realmente apertadas e afaste-se. Anteriormente, falamos sobre o uso de diferentes velocidades de abertura para criar como um plano focal onde uma coisa está em foco e tudo cai em borrão, que fará maravilhas para a pele. Como você não vai se concentrar tanto na textura da pele ruim, você é mais assim capturar a nitidez dos olhos e tudo o resto vai cair fora de foco. Então, se você atirar como 2,8 a 5,6, basicamente significando aberturas mais altas. Você será capaz de desfocar algumas das más texturas na pele, e isso também irá ajudá-lo. Então, recuando e usando sua abertura a seu favor. Para o cabelo, a maioria das meninas sabe como fazer o cabelo. A maioria dos caras pelo menos sabe como fazer uma aparência de bom cabelo. Então, você sempre pode ter seu modelo trabalhar com ele ou você pode ter um amigo no set que pode ajudar seu modelo a colocar em uma camada básica, camada fundação, adicionar um pouco de cor às sobrancelhas, lábios, qualquer coisa, e então o cabelo também é a mesma coisa. A única coisa sobre o cabelo, uma vez que você tem uma idéia de como o cabelo deve ser, você está quase 100% do caminho até lá. Mas os últimos 10% finais, porque retocar o cabelo é tão difícil, quando você está filmando seu modelo, apenas certifique-se se ele ou ela mexer com o cabelo, se mover demais, e você sentir que você está ficando um monte de como cabelos perdidos que estão indo por todo o lugar ou são como um grande aglomerado de cabelo não está em um lugar que você quer, é melhor corrigi-lo antes do tempo do que corrigi-lo depois. Há pessoas que recebem muito dinheiro só para retocar o cabelo porque é difícil de fazer. Então, tente obter a maioria das coisas que você quer direito na foto ou antes que a foto é tirada, então você tem menos a fazer depois do fato. Digamos que estou apenas olhando para a cena pela primeira vez, mesmo tirando algumas fotos. Temos um pouco de camisa enrugada, um pouco desbotada, perfeita para o tema. O cabelo dela já está ótimo. Eu perguntaria a ela como se você pudesse dar um tapinha nas costas, só uma dose. Basta consertar qualquer coisa que pareça louco ou fora do lugar, a pele parece ótima. O que vamos fazer é tentar tirar muito do rosto dela e da luz. Temos uma luz suave que fará com que a pele pareça muito uniforme e agradável. Qualquer defeito que você não gosta ou qualquer tatuagem que você não gosta, você sempre pode tirar depois do fato. Na moda, sempre tentamos obter uma imagem muito perfeita quase ao ponto de não ser realista. Mas sempre que estou fazendo projetos pessoais ou atirando em amigos ou apenas me divertindo, eu realmente gosto da perfeição da imperfeição onde você obtém uma imagem real. É muito lisonjeiro, mas não é perfeito. Há manchas, pequenas coisas que estão fora do lugar. Todo esse tipo de coisa só o torna mais interessante e mais real. Você pode realmente levantar os joelhos. Não, como abraçá-los. Sim, sim, exatamente. Exactamente. Perfeito. Enterre o queixo e depois me dê seus olhos. Siga meu dedo com seus olhos. Traga o queixo nos joelhos. Agora, suba só um pouquinho. Endireite sua cabeça, endireite sua cabeça. Então, você é como uma linha reta. Desça para os joelhos. Sempre, isso é tão difícil para mim. Eu sou como, “O quê?” Eu sei, concentra-te. Tudo bem. Agora, olhe um pouco para cima, mantenha o queixo nos joelhos. Perfeito, assim mesmo. Agora, siga o meu dedo. Aí mesmo, não se mexa. As lentes estão abaixadas. Mantém os olhos onde eu os tinha. Só quero ter certeza de que pegamos sua íris e menos desse branco, por um segundo. A coisa mais louca sobre a luz do dia é que às vezes vem e vai, então está um pouco escuro agora. Mas vamos trabalhar com isso posicionando o corpo dela mais em direção à luz para obter o que pudermos em seu rosto. Então, vire seu corpo assim um pouco, diagonal. Legal. O que ouvem, não sei se ouvem o bipe, mas o que estou fazendo toda vez que tiro uma foto é que apertei o botão do obturador que permite a lente, a focagem automática, e então recomponho a foto, o que significa que movo a lente para o local em que quero tirar a fotografia e, em seguida, carrego no botão para tirar a fotografia real. Então, você pode escolher seu ponto focal, reposicionar a câmera, e então tirar a foto. É por isso que você está ouvindo o bipe primeiro e depois o tiro, o som do obturador. Eu também estou filmando dois tiros cada vez que eu tiro um porque eu estou filmando uma velocidade muito lenta do obturador, que significa que se ela se mover mesmo um pouco ou eu me mover um pouco enquanto eu estou segurando a câmera, eu poderia sair de tiro de foco. É a última coisa que quero é não ter olhos afiados. Eu gosto disso, mas abaixe isso. Faça isso de novo, onde você é meio que cruz. Não, um para cima e outro para baixo. - Sim. Não se mexa, feche os olhos. Incrível. 9. Fotografia retroiluminada: Então, estamos mudando uma última posição. Vou colocar Christina no canto ao lado desta cômoda. Quero brincar com uma fonte de luz mais próxima, para que possamos criar um pouco mais de drama nas sombras. Vou dar um tiro, não sei se vai sair bem, vamos ver o que acontece. Embora eu saiba o que vai acontecer, mas seja lá o que for. Nesta cena, o que fizemos foi colocar nosso modelo na frente da fonte de luz, o que significa que estamos criando um cenário retroiluminado. Normalmente, isso é bom quando você tem uma segunda fonte de luz, pelo menos está iluminando a frente do modelo, porque a luz de fundo atuará como uma luz de cabelo. Significa que vai iluminar, vai cortá-la do fundo. Infelizmente, porque só temos uma fonte de luz, eu tenho que medi-la, e eu também tenho que tentar medidor para a janela, e isso é quase impossível. Então, o que você vai ter como uma silhueta essencialmente. Onde podemos obter uma imagem escura do modelo, mas um pano de fundo muito brilhante, e vamos mostrar-lhe alguns exemplos mais tarde. Então, eu vou tentar pegar um casal como este, eu vou mostrar a você como é expor apenas para ela, e expor apenas para a janela. Olhe bem aqui, bem ali, perfeito, e fique assim. Então, você pode estar pensando, “Bem, eu não quero apenas usar o sol, eu tenho uma luz no meu quarto no teto, ou eu tenho um abajur no canto.” A razão pela qual tentamos evitar o uso fontes de luz artificiais que são como fluorescentes ou tungstênio é porque, o que eles fazem é, eles banham o modelo em um brilho desagradável, como laranja ou qualquer que seja sua temperatura de cor que a luz é e muda toda sua pele pele pele, e isso torna uma experiência muito dolorosa após o fato de corrigir para isso. Então, a única coisa que você quer adicionar à luz ambiente como o Sol, é outra fonte de luz iluminada diurna. Então, isso pode ser um estroboscópio equilibrado para a luz do dia, como um flash de câmera ou uma iluminação estroboscópica que você pode alugar em uma loja ou comprar. Mas, você não quer misturar diferentes temperaturas de luz. Então, nós só vamos tentar trabalhar com essa luz, e corrigir o fato de que ela é iluminada por trás, girando e atirando em ângulos diferentes. Então, eu vou fazer você se levantar, colocar suas costas contra a cômoda, e nós vamos usar essa luz entrando como a coisa que vai pegar você, e então eu vou dar a volta, então nós temos menos da janela no imagem e mais deste quadro e da cômoda. Vire o seu, incline o seu, apenas assim. Veja, eu nem tenho que lhe dar nenhuma direção. Então, eu estou tirando essas fotos e eu estou percebendo que há muitas, esta não é minha casa, claro, mas eu estou percebendo que há um monte de coisas no fundo. Embora, às vezes, as coisas em segundo plano possam adicionar muito interesse na foto, às vezes pode ser um pouco confuso e ficar longe da mensagem geral que você está tentando capturar. Então, o que podemos fazer é limpar o que não funciona. Olhando para esta cena, o que eu faria era limpar tudo, exceto talvez os livros no fundo. São simpáticos e ordenados e têm uma boa forma. Eu provavelmente deixaria a vela. Apenas coisas que são limpas e fáceis e não muito distraindo e tirar todas as minúcias se você quiser. Em vez de mover as coisas desde então, eu não moro aqui e eu não quero colocá-lo de volta, eu vou posicionar o nosso modelo para cobrir as coisas que eu não quero ver, e mover alguns itens que eu não posso me livrar muito facilmente. Então, venha até o canto e fique bem na parte de trás, sim, perfeito. Então, você está escondendo tudo isso, e vamos mover coisas que eu não quero ver fora de cena. Perfeito. Então, com pouco ou nenhum esforço, eu já tirei metade das coisas que eram uma distração e ela está usando seu corpo para encobrir o resto, e agora temos um pano de fundo muito simples e limpo. Tire isso também. Traz o teu braço direito mais para o teu corpo , sim, perfeito, assim. Dê-me três quartos de olhar nesta direção, um pouco mais para a esquerda, um pouco mais para a esquerda, esquerda. - Sim. Um pouco mais certo, perfeito. Simplesmente assim. Então, mova a parte de trás da cabeça, o topo da cabeça um pouco. Sim, sim, esta parte, sim, perfeita, perfeita. Me dê o olhar para fora da janela um pouco. Sim, assim mesmo. Então, de fato, o que nós fizemos foi, nós cancelamos a luz de fundo, não só movendo-a de frente para o lado, deixando a luz atingi-la de lado, mas também tiramos a janela do equação, então nós não temos que realmente expor para a janela, nós só temos que expor para o modelo. Então, nós a mudamos para encobrir alguma distração que não queremos, e manter a distração que queremos, e então obtemos uma imagem limpa disso. 10. Corte (edição): Só um prefácio, estamos de volta ao estúdio. Vou levá-los através de algumas imagens. Desculpe o barulho lá fora, é sexta à tarde em Nova York, o que significa que todos estão tentando sair da cidade, mas tenham paciência conosco. Então, nós fizemos uma chamada rápida das imagens da filmagem de hoje e eu só vou rever alguns bons pontos de conversa para dar a vocês uma idéia do que eu estou procurando nas imagens finais, e então mostrar um pouco sobre o meu processo de edição, se preferir. Então, a primeira imagem que estamos olhando é uma imagem onde ela está um pouco superexposta. O que quero dizer com superexposta é que você percebe que os destaques no rosto estão apagados. Você mal pode ver nenhum detalhe. Se você empurrar aqui, você não pode ver nenhuma textura na pele, enquanto aqui você vê alguma textura rica em todo o rosto onde a luz não está batendo nela. Então, isso é uma sucata automática. Então, para esta próxima imagem, este é um exemplo de onde estou subexposto. Significa que não tenho luz suficiente entrando na foto. Você pode ver um pouco de luz pasteando seu rosto. Em última análise, este é um tiro muito escuro, e você não está capturando detalhes suficientes para fazer desta uma foto impactante. O tijolo é um pouco escuro demais, a camisa está perdendo detalhes nas sombras, todo o lado direito do rosto dela, você não vê muita coisa. Então, esse é um desses tipos de fotos que iríamos suprimir também. Então, eu coloquei uma foto aqui que eu gosto porque quase parece um dia de sonho. Pode não se encaixar necessariamente no tema, mas traz alguns pontos-chave em termos de enquadramento e composição. Você notará, nesta foto, que há muito espaço negativo. Então, por espaço negativo, quero dizer, há o assunto aqui em baixo e, em seguida, muito espaço, ele não necessariamente contém o sujeito ou qualquer coisa assim. Eu gosto de usar espaço negativo especialmente fora quando eu estou atirando em alguém em um ambiente vasto, mas também acaba sendo legal também porque ele expressa a natureza sonhadora do tiro. Ela está olhando para o céu. Você não sabe exatamente o que está acima dela, mas você sabe que ela está pensando e esse tiro transmite isso. Esse espaço negativo, esse espaço principal, ajuda você a visualizar isso. Então, naquela última foto, eu mencionei falar sobre espaço principal e espaço negativo, mas o espaço principal é a palavra que eu quero inserir nesta foto. Você vai notar que ela está olhando pela janela. Você pode dizer que é uma janela, porque a luz está vindo daquela direção. O que fiz foi permitir espaço entre o rosto dela e onde ela está olhando. Então, você é empurrado para a perspectiva de ver onde ela está olhando. Você está imaginando o que ela está imaginando. Você está quase construindo a imagem do que ela está vendo através de sua própria visualização, e é isso que você quer fazer com a foto. Você não só quer contar a história, mas quer dar a alguém alguma margem de manobra para imaginar. Acho que é uma ótima maneira de fazer isso, criando esse espaço principal na frente de seus olhos. Além disso, este seria um bom momento para levantar a regra dos terços. Eu vou demonstrar isso colocando sobre um gasto de colheita. Esta é uma regra de terços de despesas de colheita. No Lightroom, você pode puxar isso para cima por estar no módulo de desenvolvimento e usar o botão R para ativar o corte. Então, o que você está vendo é, é uma regra básica de composição, mas você tem três quadrantes igualmente espaciais, tanto em linhas quanto em colunas. Quando você organiza sua foto, a composição da foto, onde peças importantes do assunto estão atingindo cruzamentos ou ocupam certos quadrantes, você cria uma foto mais agradável e mais interessante. Nesta foto, colocamos os olhos dela no quadrante superior esquerdo, muito do detalhe do assunto é todo o caminho para a esquerda. Então, vamos colocá-la em um lado muito concentrado dessa coisa. Então, nós temos um ponto no canto superior esquerdo, e então nós também temos um terço inteiro da foto com ela nele. Deixamos os outros dois terços para nos dar imaginação, para permitir que nossas mentes viajem. Na colheita como esta, eu poderia até chegar um pouco mais apertado, você não precisa ter nada exato, mas apenas uma maneira de minimizar essas coisas que não precisamos, mas para criar um foco. Então, agora estamos criando um foco do assunto até a janela e eu vou pressionar Enter para puxá-lo. Então, automaticamente, nós só tiramos um pouco desta foto. Então, eu vou voltar para o original. Aqui é onde estávamos, temos um pouco de espaço extra no lado que realmente não precisamos, um pouco de espaço no topo que não é necessário. Nós automaticamente, usando a regra dos terços e inscrevendo a foto um pouco, podemos tirar um pouco do fundo. Crie uma imagem mais focada e uma imagem mais apertada e torná-la mais interessante sem sequer tentar. Isso é sem edição real, apenas mudando a composição, mudando a forma como seus olhos olham para a imagem. Então, eu vou mostrar duas imagens diferentes, só para que você tenha uma idéia quando você está na sua câmera e realmente tentando compor suas fotos. Vai te dar algo em que pensar enquanto você está atirando. Então, muitas pessoas têm uma preferência para atirar horizontal versus vertical. Eu realmente não tenho uma preferência, mas eu sei quando algo é apropriado baseado no que eu realmente estou tentando capturar na imagem. Então, esta imagem que estamos olhando agora é uma horizontal. Eu vou te dizer o que eu amo na imagem. Adoro a expressão dela, adoro que tenha um pouco de luz pintando o rosto dela. Eu amo a textura no fundo, ea profundidade que é criado de atirar nela e foco na direita, para cair fora de foco na esquerda. A razão pela qual eu filmei esta horizontal porque eu queria trazer todas aquelas coisas do ambiente para a foto. É muito importante pensar nisso assim. Quando você quiser incluir mais ambiente, geralmente é mais fácil fazer isso com um tiro horizontal, porque você pode incluir muito mais detalhes na imagem e na moldura, bem como no assunto. Quando você está filmando um tiro vertical, é um pouco mais difícil pegar coisas à esquerda e à direita, embora você possa definitivamente incluir coisas mais baixas e mais altas na foto. Mas para esta foto, em particular, é apenas para ilustrar o ponto. Posso trazer a textura do tijolo, posso capturar a profundidade do comprimento das pernas dela naquela área turva contra o rosto em foco. Isso cria um ótimo ambiente, um ótimo retrato horizontal versus se eu puxar um grande tiro vertical, é muito apertado. Você não sabe onde ela está sentada, no que ela está sentada, você não sabe a natureza da sala. O foco para isso é realmente apenas no rosto, a expressão. Acho que é uma coisa muito importante para se pensar enquanto você está tirando fotos. Quer falar diretamente com a emoção? Você quer dar vida ao seu sujeito bem na frente da câmera? Ou você quer pintar um quadro do ambiente em que ela está? Você quer descrever e pintar uma história que tem todos os componentes do ambiente, emoção, linguagem corporal, textura? Basta pensar nessas coisas antes de capturar, porque uma vez que você captura uma horizontal versus vertical, essa é toda a informação que você vai ter. Uma opção e uma dica rápida que eu gosto de dizer é, se você vai colocar seu assunto em um terço da foto verticalmente, então se você colocá-la no meio, para cima e para baixo verticalmente, em um desses quadrantes, um destes terços, o que você pode fazer após o fato é sempre ser capaz de cortar a imagem. Mas isso só acontece quando você atira horizontalmente. Você pode cortar a imagem verticalmente e salvar e recriar o enquadramento. Então, essa horizontal se transforma nisso e é tão linda de uma foto como se fosse o comprimento total, e fizemos de uma maneira diferente. Se você filmar isso, infelizmente, eu vou voltar e mostrar a você. Se você filmar algo verticalmente como este e tentar cortá-lo horizontalmente, um você perde um monte de informações de pixel e dois, não vai ser como um impacto de uma foto. Eu tenho menos escolha na forma como eu corto e na forma como ele é colocado para fora e acaba sendo mais uma foto de borrão. Então, quando em dúvida, se você pode fotografar horizontal e enquadrar seu assunto de uma forma que ele ou ela vai trabalhar bem em um quadrante vertical, bem como se encaixar muito bem com o ambiente, faça isso, assim você tem opções mais tarde quando estiver editando suas fotos. Uma coisa que eu quero chamar a atenção é onde você está focando em seu assunto e na cena em geral. Para a maioria dos seus retratos, e eu me arriscaria a dizer todos os retratos. Pelo menos começando, você quer ter certeza que seu foco vai estar nesses olhos. Os olhos são a coisa mais importante para ter aderência afiada e deixar tudo o resto cai no lugar como está. Então, você vai notar como tudo na mesma distância focal que os olhos, então os olhos, esta parte do nariz, a bochecha, a camisa que está na mesma distância focal, está em foco. Mas, quando você sai desse caminho focal, então a mão bem na frente do rosto, o braço apenas à direita do rosto, a parede de tijolos e o sofá atrás dela, todos eles caem fora de foco. A maneira como você faz isso é usar essa abertura aberta como um dois oito, um um dois, e você precisa compor seu foco diretamente nos olhos. É importante ter esses olhos afiados porque, quero dizer, é assim que você está dando vida ao seu sujeito, assim que seu sujeito está se comunicando como ela se sente, sua expressão, através desses olhos. Realmente honestamente, você vai notar a diferença entre os olhos estarem fora de foco e não, porque é exatamente isso que as pessoas estão olhando em sua foto. Eles estão olhando diretamente nos olhos dela e então eles vão examinar o resto da foto. Então, eu queria apontar uma coisa rápida sobre textura. Eu absolutamente amo filmar coisas com textura, seja roupas, fundos. Coisas que dão vida e morte ao sujeito. A textura tem uma ótima maneira de lhe dar a morte porque a textura levantou superfícies que têm contornos e permite que a luz atinja e contorne, assim como está batendo no rosto e contornando o rosto. Então, nesta foto, eu realmente amo e um monte de fotos que é ótimo, eu amo você tem vários pontos de textura. Temos a parede de tijolos que está dando uma grande textura de fundo, um pouco de calor. Temos o cabelo dela um pouco mais seco, por isso está a criar uma textura rica quando a luz o atinge. Você tem a camisa que tem os contornos, as sombras e que você, pode dizer, quero dizer, você pode apenas olhar para a imagem e dizer “Oh, isso é uma camisa de algodão.” Textura traz muito mais coisas em foco, o que é ótimo. Quanto mais do que você compactar, isso é complementar, melhor será sua foto, pelo menos na minha opinião. Então, lembre-se, se você quiser capturar seu ambiente, trazer a textura, criar este espaço principal ou uma história em torno de uma imagem, vá com a horizontal. Ele lhe dá muito mais área, área de superfície para brincar em sua foto e realmente ajuda você a transmitir uma história. Se você quiser chamar toda a atenção para a expressão na face do modelo, será mais fácil usar um tiro vertical. 11. lightroom (edição): Então, estamos aqui no Lightroom e vou mostrar brevemente algumas correções rápidas e ajustes que você pode fazer para realmente dar vida à sua foto. Quando você abre suas imagens no lightroom, pode estar em sua biblioteca, mas quando você estiver pronto para começar a fazer algum trabalho, vamos para o módulo de desenvolvimento. Então, eu decidi ir com esta foto, eu gosto que ela está olhando pela janela, é impactante, e então nós vamos fazer algumas correções rápidas que realmente ajudam a fortalecer a foto. Então, eu vou para o módulo de desenvolvimento, eu vou clicar com o botão direito do mouse na imagem ou sobre isso, porque eu não tenho um clique com o botão direito do mouse, eu vou pressionar o clique de controle, e eu vou abrir uma cópia virtual. Isso permite que você basicamente edite sobre a foto sem possibilidade de causar qualquer dano à cópia original da foto. Então, eu vou abrir este módulo para que você possa ver tudo o que está acontecendo. Então, à direita você tem todos os seus recursos de ajuste. O que eu gosto de fazer é apenas ir em ordem, como minha mente funciona muito linearmente, desculpe-me, e é assim que vamos trabalhar neste módulo. Então, você percebe que a primeira coisa é o equilíbrio de brancos, agora ele está lá como As Shot, às vezes é fácil dizer um auto embora eu sempre acho que ele fica ou errado ou não faz muita coisa. Dependendo da sua situação, tal como na câmara, pode alterar o equilíbrio de brancos para reflectir a situação em que se encontra. Eu vou com As Shot, e você vai notar que o controle deslizante de temperatura afeta seus aquecimentos e resfria e sua tonalidade afeta as magentas e os verdes. Eu vou aquecer esta imagem um pouco, e para aquecê-la, você só vai aumentar um controle deslizante. Agora estamos em 4.900, é como uma temperatura média diária, mas eu quero dar a isso um pouco mais de uma sensação quente, então eu vou apenas subir essa temperatura, o que significa que eu vou aquecer a imagem. Então, ele subiu 500, 600 pontos, e agora ele automaticamente se sente um pouco mais quente. Então nós vamos rolar para baixo, eu não vou mexer com o controle deslizante de matiz, dependendo se sua imagem parece que tem um pouco de um molde de cor, pouco para rosa, pouco para verde, você pode ajustar isso para o que você acha que parece certo. Então, a próxima coisa com que estamos lidando é o tipo de coisas que tentamos lidar com a câmera, mas às vezes você nem sempre fica perfeito para que você sempre possa ajustá-lo após o fato. A primeira coisa que estou percebendo é a exposição em controles deslizantes de contraste. Eu realmente gosto da maneira como isso saiu, mas eu quero adicionar apenas um pouco mais de luz geral e para a imagem apenas para trabalhar com ele e então nós vamos diminuí-lo usando outros fatores. Então, eu vou apenas aumentar a exposição em 0,3. Não se preocupe em termos de matemática nisso, só quero dizer que estou aumentando. Vou aumentar um pouco o contraste. Só para você entender que o contraste é basicamente uma proporção, é como a diferença entre as luzes e os escuros ou pixels diferentes. Então, quando você aumenta o contraste, você está aumentando a diferença entre pixels, o que faz com que, eu acho que uma área clara e uma área escura, a diferença está se tornando maior, e isso cria um ponto de foco, ele cria apenas diferentes proporções na foto. Então, eu só vou aumentar um pouco, e então eu vou descer para nossos destaques, sombras, brancos e negros. Então, o que você precisa saber aqui são os destaques e as sombras do que você vai ajustar para recuperar os destaques. Dizendo isso, se você superexpôs à imagem, quando eu mostrei essa imagem antes, se você superexpor você pode salvar os destaques. Vou arrastá-lo para a esquerda e para a direita para que você possa ver o que quero dizer. Então, essas são suas áreas de destaques, então áreas onde você vê a luz batendo, essas são suas áreas de destaque. Se eu arrastar isso para a esquerda, significa que eu quero recuperar os destaques, o que ele faz é reduzir as luzes nessas áreas e meio que traz a textura e o detalhe de volta. Se eu quiser expor esses destaques, você verá que a imagem fica muito mais brilhante nessas áreas. Acho que fizemos um bom trabalho em capturá-lo. Então eu vou realmente trazer os destaques para cima apenas um pouco porque eu gosto desse pop, a diferença entre as sombras e as luzes, e então eu vou apenas trazê-lo para cima apenas um pouco para criar alguns efeitos drásticos. Então eu vou fazer a mesma coisa com sombras, novamente, estas são as áreas de sombra onde você vê o cabelo, em qualquer lugar que a luz não está caindo diretamente, uma sombra é criada, e você pode deslizar isso para a esquerda para fazer essas sombras mais escuras ou você pode deslizá-lo para a direita para trazer alguns detalhes sobre a sombra. Você pode ver automaticamente que há um pouco mais de textura entrando no cabelo, um pouco mais de textura vindo através e detalhes vindo através da camisa. Mas sobre isso, porque novamente estamos fazendo retratos dramáticos, eu quero aumentar a diferença entre meus destaques em minhas sombras, e eu estou bem se eu perder um pouco de detalhe na camisa, tudo bem para mim. Então, eu vou diminuir essa área de sombra e torná-la um pouco mais escura e mais impactante, e apenas soltá-la um pouco. Agora, os brancos e negros, você não precisa necessariamente lidar com, ele realmente controla seu ponto branco e você é ponto preto, e aqueles de vocês familiarizados com Photoshop vão pensar nisso como isso é algo que você pode fazer facilmente com o ajuste da curva, mas basicamente, você tem um ponto branco na imagem, se você quiser aumentá-lo, basta arrastar para a direita, se você quiser diminuí-lo, novamente ver o quão drástico isso é, você arrastá-lo para a esquerda. Vamos pular isso para o propósito disso porque não é algo que eu sempre faço, e então ele vai cair para a clareza, vibração e saturação. Então, eu gosto de fazer saturar minhas fotos apenas um pouco porque para o retrato dramático, eu não estou realmente preocupado com imagens coloridas, isso é um pouco feliz demais e para esta imagem em particular, eu queria Sinto-me dramático, mas de uma forma mais emocional, mais triste. Então, eu quero tirar algumas luzes, tirar um pouco da cor, mas ainda vai ser muito impactante. Então, o que eu costumo fazer é deixar cair isso em qualquer lugar de 10 para 20 negativos, não ser pego pelos números, não é importante. Eu só gosto de tirar um pouco desse calor e tirar um pouco dessa cor e manter a direção no rosto, a mensagem da emoção, e coisas assim. Não se preocupe com a vibração, eu posso explicar, mas é melhor ler um termo no glossário sobre isso. Quero dizer, porque estamos dessaturando, é menos importante para o que estou fazendo aqui, então deixei cair a saturação um pouco, e a clareza é como contraste, mas é um pouco mais micro. Então, vocês notarão, se eu arrastar essa clareza para a direita, você vê como as coisas ficam um pouco mais escuras ao redor das bordas, é isso que a clareza faz, suaviza ou endurece essas bordas. O que você precisa lembrar, uma dica rápida, é que você não quer aumentar a clareza em alguém que tem um monte de pele cai ou coisas assim, porque ele vai trazer essas quedas ainda mais, você quer suavizar o imagem um pouco. Por isso ela tem uma pele muito bonita, eu quero fazer a imagem pop um pouco, então eu vou subir apenas moderadamente. Outra coisa que você pode fazer no Photoshop, uma dica rápida, é se você subir aqui para este tipo de painel de ferramentas, há um pincel, e você pode realmente pintar o que quiser. Então, se você quiser pintar com clareza, diga, “Eu quero que essa parede de tijolos estourar muito e eu não tenho uma caneta comigo, que é muito legal para editar, mas eu vou usar meu mouse. Se eu quiser pintar com clareza, apenas para uma parte da foto, eu posso mudar a clareza aqui, começar com o novo pincel e apenas pintá-lo. Agora que você tem uma parede que está estourando, você pode gostar ou você não pode. Algumas pessoas, eles querem todo o foco em uma metade da foto e não no pano de fundo, você quer isso na pessoa. Então, ligando e desligando isso, e eu vou te mostrar como é, isso está ligado, isso está desligado, ligado, desligado. Acho que é um pouco perturbador ter o fundo a saltar para mim mais do que para o rosto, por isso, vamos deixar isso de lado por enquanto, mas só para que saibas que há opções para pintar. Todas essas correções diferentes que estamos fazendo, você pode fazer isso individualmente usando pincel de ajuste. Então, vou voltar aos ajustes globais. Então, aqui, esta curva de tom, é essencialmente que você está fazendo a mesma coisa com os controles deslizantes, é apenas outra maneira de fazê-lo. Agora, para iniciantes, eu sugiro, apenas para ter uma idéia do que está acontecendo, você pode usar a curva de tom predefinida que eles têm para você, modo linear, contraste médio e forte contraste. Se você realmente sente, eu gosto de ir no meio da estrada, médio, e você vai ver como isso automaticamente traz as luzes e as escuras e mais de uma justaposição afiada, e realmente cria um foco no rosto dela. Eu gosto disso, se você quiser fazer alterações individuais usando a curva, você sempre pode arrastar as diferentes partes do gráfico, você também pode fazê-lo usando controles deslizantes. Estes controles deslizantes, Eu já expliquei no topo, mas é mais tendo a ver com os tons versus a imagem geral, realmente não mergulhar em profundidade. Se você quiser brincar com essas coisas, é muito divertido de fazer sozinho e você pode ter uma noção do que está acontecendo. Se você rolar para baixo, há diferentes maneiras de ajustar a cor no lightroom. Acho que esta foto está muito boa. Se alguma coisa, eu tiraria a saturação desta camisa vermelha, então não é tão distrativo, novamente, não é a coisa mais importante, mas você também precisa anotar que quando você tira o vermelho de alguma coisa, Um monte de tons de pele tem vermelho, então se você dessaturar demais, você vai dessaturar os lábios dela, você pode dessaturar alguns tons de carne. Então, tenha muito cuidado como você trabalha com isso. Eu só vou levá-lo para baixo uma quantidade muito pequena só para que a camisa estoure um pouco menos, mas nós ainda manter a cor nos lábios. Muitas dessas coisas que você vai querer fazer no Photoshop para que você possa colocar as mãos muito individuais em correções, e você não está fazendo isso em toda a imagem. Então, de qualquer maneira a saturação de matiz ilumina, essas são todas maneiras de jogar com a cor. Novamente, eu raramente mexo com a cor, no lightroom, eu costumo fazer edições realmente tópicas apenas para fazer a foto sair um pouco mais e ter certeza de que a ênfase é onde eu quero, e é aí que eu também faço minhas colheitas. Tonificação dividida, isso é uma coisa mais avançada, novamente, para outra classe, mas você pode se sentir livre para jogar com isso, e isso tem a ver com as cores que você está vendo nos tons e os destaques versus o Sombras. Então, você pode realmente alterar a cor da sombra e a cor do realce arrastando o matiz e a saturação. Em seguida, em detalhes, você pode lidar com a nitidez da imagem, você realmente não quer brincar com a imagem de nitidez até que você esteja pronto para exportar a imagem final, então qualquer que seja a imagem de tamanho final que você vai usar, É quando você ajusta a nitidez. Novamente, esse é um tópico mais detalhado que você realmente não precisa saber, não é tão profundo. Agora, uma das grandes coisas, e nós conversamos mais cedo sobre o tipo de câmera que você está usando. Então, se você está usando uma câmera realmente profissional e você está filmando em uma ISO alta. Então, você não vai ter tanto ruído como você teria se você filmar com uma ISO muito alta, ou com pouca luz com um ponto e atirar, ou um iPhone que não tem a capacidade de corrigir essas coisas. Então, o que acontece é, digamos que você está filmando com um ponto e atirar, não há muita luz, e você precisa reduzir um pouco do grão e algum do barulho que está passando. O que você vai fazer é ir para a Redução de Ruído e você vai aumentar o controle deslizante com base no que você está vendo na imagem. Isso ajudará a reduzir o ruído, ajudará a limpá-lo. Você pode ajustá-lo com base na cor e no tamanho do detalhe. Isso é tudo coisas muito minúsculas que você provavelmente não terá que lidar com. Mas se você fizer isso, saiba que essa ferramenta está disponível para você no Lightroom e você pode experimentar isso mais tarde. Duas outras coisas, e então vamos em frente e exportar isso porque eu acho que está parecendo uma ótima foto. Há duas outras ferramentas aqui que são realmente úteis. Correção da lente Os recursos de correção de lentes estão aqui para você, se você precisar deles. Novamente, eles corrigem alguns dos problemas enquanto disparam em aberturas mais amplas, disparando com lentes que têm problemas naturais de flare da lente, e coisas dessa natureza. Novamente, leia sobre ele, confira experiência em seu próprio tempo. Não é muito essencial para esta aula, mas está lá se você precisar. A última coisa é, e isso é legal, se você quiser adicionar uma vinheta que você não tinha quando você estava filmando, você pode definitivamente adicionar isso depois do fato, e você também pode fazer isso com grãos. Então, para esta foto, eu atirei na ISO 600. Eu disparei com uma abertura muito aberta 2.8 e eu disparei em uma velocidade de obturador um pouco lenta de um sobre 400. Já colocamos alguns contrastes. Temos alguma escuridão natural ao redor das bordas da foto. Mas se você quiser, digamos, tornar isso um pouco mais drástico, podemos realmente aumentar a quantidade de vinhetas que está acontecendo nas lentes. Você provavelmente já viu isso se você usar o Instagram. Adicionar vinheta a um objeto pode tornar as bordas mais largas, mais claras , desaparecer ou torná-las mais escuras e adicionar um pouco mais de impacto, e levar a atenção para o seu assunto. Então, para este retrato dramático, eu geralmente não faço isso muitas vezes. Mas só para adicionar algum efeito, vou adicionar um pouco de vinheta. Vou torná-lo um pouco mais drástico. Então, em torno deste 26 negativo, você está começando a ficar muito mais focado no rosto e nos olhos. Você está começando a ficar áreas mais escuras em torno da foto, e isso está chamando seu foco apenas para esta área, o que eu acho muito importante. Você pode brincar com sua vinheta. Você pode alterar o ponto médio, sendo o ponto médio a área do meio onde a vinheta começa a ocorrer. Você pode mudar a redondeza disso. Você pode alterar a difusão, ou seja, o detalhe ao redor das bordas. Pode ser uma pena mais macia ou uma pena mais dura. Apenas como exemplo, esta seria uma pena dura, onde você obtém este oval. Isso nunca é bom. Você quer ter certeza que ele se mistura com as fotos. Então, parece o mais natural possível. Então, mais suave é sempre melhor. Vamos deixá-lo no meio do alcance, como eles o tinham. Então, a última coisa que fazemos, a última coisa que eu quero falar para esta edição, porque eu acho que você pode realmente alcançar alguns grandes resultados sem fazer muito trabalho, é adicionar o grão. Novamente, atirei em 1600 ISO. Então, isso significa que há algum bom grão no sensor. Se você está filmando, vai haver muito bom grão nesse filme. Mas se você quiser adicionar qualquer textura de grão no final, você também pode fazer isso. Vou mostrar-lhe como é adicionar muito grão e mostrar-lhe como é adicionar apenas um pouco de bom grão para complementar o grão e a textura que já está na imagem. Se arrastarmos este grão para a direita, isto é extremo, isto seria como se você estivesse filmando uma ISO de 3200 em uma câmera de filme. É muito agressivo, e ninguém vai acreditar que este é um bom tiro, e apenas diminuir o zoom. Quero dizer, isto é grão pesado. Você pode ver isso tanto no close-up quanto no distante. Vamos dar zoom de volta. Vamos fazer algo um pouco mais gerenciável. Então, eu diria, já há uma textura muito boa aqui. Talvez para dar um pequeno impulso, vamos fazer por volta de 20. Talvez você não consiga pegar isso na tela. Mas se você estiver trabalhando nessas imagens em casa, poderá ver as diferenças enquanto arrasta o controle deslizante. Você também pode ajustar o tamanho do grão e a rugosidade do grão, e isso é literalmente o que significa. Então, se você aumentar o tamanho do grão, os círculos que estão causando o grão ficam maiores. Eu vou voltar. Se você mudar a rugosidade do grão, as bordas ao longo das moléculas de grãos, se você quiser, eu não sei como descrevê-lo melhor, mudar em termos de grosseza, e essa é a melhor maneira de explicar isso. Mas vamos diminuir o zoom. Como uma recapitulação rápida, passamos por esta imagem, nós a aquecemos, nós adicionamos um pouco de exposição para adicionar um pouco de luz ao rosto e ao fundo, e então aumentamos o contraste, o que trouxe essa luz para baixo apenas um Um pouquinho. Outra forma de alterar o contraste é que brincamos com os destaques e as sombras, que significa que tornamos os destaques um pouco mais brilhantes, e também escurecemos as sombras para criar alguma ênfase nas áreas escuras e para chamar seu foco para Cristina. Adicionamos um pouco de clareza. Reduzimos um pouco a saturação. Então, esta carta não é muito papoula. Se você olhar para uma saturação maior, toda a imagem fica quente, o vermelho torna-se um pouco saturado demais e não real. Mas queremos ir com um 10 negativo. Gosto de recuar um pouco. Crie esse drama. Então, nós tiramos um pouco mais do vermelho, e então nós apenas adicionamos um pouco de grão e uma vinheta em torno dele para desenhar seu foco. Agora, isso é uma imagem colorida. Eu acho que é perfeito bem ali. Eu acho que você ficaria muito feliz com um retrato se ele saísse assim, e eu estou muito feliz com ele. A única outra coisa, o que eu faria, é se você realmente quisesse ficar preto e branco, isso é sempre uma opção, existem diferentes predefinições que você pode usar no Lightroom. Vou chamar sua atenção para o lado. Tenho muitos filtros VSCO que normalmente não uso. Mas o Lightroom também vem com predefinições de filtro. Então, você sempre pode vir aqui e brincar. Eles têm filtro de alto contraste, contraste baixo. Há todos esses olhares diferentes com os quais você pode brincar. Eu só vou clicar em um deles apenas para que você tenha um exemplo de como uma imagem em preto e branco disso vai se parecer. Ele vai mudar totalmente todas as suas configurações aqui, e tudo bem. Você só está brincando, tentando ter uma noção do que vai ficar bem. Estou pré-visualizando isso, e acho que gosto de preto e branco olhar cinco. Então, eu vou clicar nisso. Então, agora temos um preto e branco muito impactante. Parte da vinheta se foi, mas isso é fácil. Basta descer aqui e adicionar a vinheta de volta. Agora você ainda tem um muito facilmente feito, e agora são dois cliques. Então, o Lightroom é um aplicativo muito poderoso. É muito fácil de usar. A melhor maneira de aprender é brincar com os controles deslizantes. Mas você pode fazer literalmente um milhão de coisas e obter a foto apenas ao seu gosto. Há um milhão de maneiras de se aproximar do preto e branco. Você pode fazê-lo através de uma predefinição. Você pode fazê-lo através do controle deslizante de saturação e, em seguida, afetar o resto do material. Vou levar tudo isso muitas vezes, e vamos com a imagem final aqui. Mas há um milhão de coisas diferentes que você pode fazer para fazer sua imagem aparecer do jeito que você quiser. 12. Efeitos dramáticos (edição): Então, eu só vou mostrar a vocês mais um exemplo rápido, muito rápido e breve só para que vocês possam entender no que realmente estamos focando quando estamos falando sobre retratos dramáticos. Quero dizer, esta é uma foto vertical rápida de Christina parecendo meio triste, e fora da janela e um pouco mal-humorada. Vou levar isto como fizemos antes. Vá para o módulo de desenvolvimento, com licença. Vou fazer o meu clique Control e vou criar essa cópia virtual aqui. Então, novamente, eu quero aquecer os elementos, mudança muito rápida. Vou aumentar a exposição só um pouquinho só para que possamos obter um pouco mais de detalhes ao redor dos lados, aumentar meu contraste. Então, quando eu falo sobre o aumento do contraste, a diferença entre as luzes e as escuras, esses são como três ou quatro elementos que você realmente precisa inserir quando estamos falando sobre o retrato dramático. Todas as outras coisas são muito boas de fazer e muito boas de saber para este tipo de retrato, e qualquer outro tipo de trabalho que você está fazendo. Mas eu quero aumentar um pouco o contraste nesta imagem. Mais uma vez, gosto da diferença, criando essa diferença entre os destaques e as sombras. Então, eu vou aumentar os destaques apenas um pouco e, em seguida, soltar as sombras um pouco mais. Se você pode ver, ela tem aquela tatuagem na parte de trás do braço, mas eu vou apenas jogá-la em sombras para que você só possa ver uma pitada dela. Então, nós automaticamente temos alguns escuros mais escuros, um pouco brancos mais brilhantes. Vou aumentar um pouco a clareza. Poderia até ir um pouco mais. Está bem. Então, como falamos antes da curva de tom, antes de usarmos o meio da estrada um, vou usar uma curva de contraste médio. Automaticamente, mesmo os pontos mais escuros que estávamos empurrando antes, eles ficam um pouco mais escuros com essa curva. Você pode ajustá-lo a gosto, se você quiser trazer as sombras um pouco mais, você pode aumentar na curva ou você pode fazê-lo aqui. Você pode mexer com ele como quiser. Eu gosto de onde estamos indo aqui. Gosto do impacto do rosto dela captando a luz e tudo o resto seguindo a sombra. Todas as coisas no fundo não são tão importantes. Então, o que vamos fazer é voltar para a vinheta que falamos antes e vamos apenas aumentar o foco. Agora, porque isso é uma vertical e você pode ver essas bordas e queremos que isso pareça o mais natural possível, eu não posso ir até aqui. Isso parece totalmente antinatural. Então, o que eu vou fazer é enganá-lo, e eu estou indo para a metade do caminho. Então, parece que é uma vinheta natural, mas também está me ajudando a moldar o foco dessa imagem sem ser exagerado. Então, temos um pouco de vinheta natural, os cantos estão ficando um pouco mais escuros e tudo bem. A última coisa que esqueci de mencionar foram os barulhos. Considero que o ruído e o grão são quase a mesma coisa, mas os ruídos, mais conhecidos como os pequenos pontos e pontos coloridos que aparecem quando você aumenta a ISO de uma imagem. É a mesma coisa que acontece no filme, é grão, mas também está em um sensor como um SLR digital. É o ruído que você veria em, digamos, uma tela de TV quando a imagem sai e a tela está piscando. Isso é essencialmente o ruído e que vem quando você filma em uma ISO muito alta, que o sensor de sua câmera não pode suportar. O que eu quero dizer com ruído de grão é sobre a mesma coisa, exceto que isso vai ser monocromático ou uma mistura com as cores da foto. Então, estamos apenas adicionando a parte textural do ruído e não a parte de cor do ruído. Então, novamente, vamos fazer uma adição de grão muito suave, eu só estou atingindo 20 em uma escala de 100. Então, quando você ampliar, você pode capturar um pouco dessa textura, você pode ver um pouco do grão. Isso é sem, é uma diferença muito fina porque eu atirei em 1600 ISO, eu estou apenas batendo para cima apenas um pouco, não é um grande negócio. Então, agora, temos este retrato dramático. Mais uma vez, vou mostrar-lhe o antes e o depois. Além disso, eu não mencionei isso, você pode fazer isso no Photoshop. É onde eu prefiro fazer isso. Se você sentir que você tem um ponto que você quer mover aqui e você não quer fazer mais nada no Photoshop, como este pequeno, eu acho que pedaço de glitter ou algo que está em seu braço, você pode clicar aqui em cima, mesmas barras de ferramentas onde você encontrou seu pincel de ajuste, há também um pincel de clonagem, você pode curar ou clonar. Para isso, vamos fazer o pincel de cura. Você pode ajustar seu tamanho usando o mouse ou o controle deslizante, emplumando literalmente apenas altera as bordas do pincel. Para isso, não precisamos nos preocupar com isso. A opacidade mostra a quantidade de pincel que estamos usando. Então, por exemplo, se eu colocá-lo em 40 opacidade e eu clicar em algo, o objeto vai embora, mas ele não vai desaparecer completamente. Então, eu vou redefinir isso, indo um pouco devagar. Desculpem por isso, pessoal. Vou colocar 100 por cento de opacidade porque eu realmente quero trocar pixel por pixel. Vou ampliar esta coisa, para me livrar dela, clicar nela. Isso se abrirá e provará outra área ao lado dela e então nos livramos desse pixel, antes e depois. Tudo bem, então só uma foto macro do que acabamos fazendo aqui. Vamos voltar para fora. Tocamos em contraste, sombras e destaques. Até a exposição um pouco, acrescentou um pouco de vinheta e como eu fiz no último, tipo de tirou um pouco a saturação. Então, aqui está o antes e o depois. Antes, depois. Antes e depois. É um retrato dramático em cinco segundos depois de o teres filmado. Então, é muito rápido e fácil e duplicativo, você pode fazê-lo em todas as suas fotos se você quiser adicionar um pouco de drama. Simples. Espero que tenham gostado da aula de hoje sobre retratos dramáticos. Encorajo-vos a partilharem o máximo de trabalho que puderem, e experimentarem o máximo que puderem, também. Não há nenhum segredo real para o sucesso, exceto para continuar praticando e experimentando. Obrigado. 13. Explore cursos de fotografia no Skillshare: