Fundamentos de fotografia: entendendo o básico

1. Introdução ao curso: Quando se trata de aprender fotografia, honestamente, há tanta informação lá fora que pode ser esmagadora. Eu sempre senti que há apenas algumas coisas que você realmente precisa saber para tirar boas fotos quando você está começando como um fotógrafo. Uma vez que você entende as coisas mais fundamentais da fotografia, cabe a você pegar essas coisas e sair e filmar, praticar, e crescer como fotógrafo. Meu nome é Sean Dalton e sou de São Francisco, Califórnia. Nos últimos anos tenho trabalhado como fotógrafo de viagens e estilo de vida em toda a Ásia, buscando projetos que me interessam, projetos que me inspiram e continuando a crescer como fotógrafo. Quando comecei como fotógrafo, acho que me senti como um monte de gente, talvez como você se sente, eu me senti muito criativo. Senti como se pudesse capturar muitas coisas diferentes. Mas para ser honesto, eu nem sabia como ajustar corretamente minha abertura, e em vez de ser uma ferramenta, a câmera era na verdade uma barreira para mim porque eu não sabia como usá-la corretamente. Uma vez que aprendi o lado técnico da fotografia, ela realmente abriu portas para mim criativamente e eu poderia realmente me libertar, e eu poderia realmente capturar qualquer visão artística que eu tinha em minha mente, eu poderia capturar em uma fotografia. Em suma, vamos cobrir basicamente tudo o que você precisa saber sobre como tirar boas fotos. Isso inclui itens como escolher melhores configurações da câmera para capturar a foto que você deseja e como usar o foco manual e o foco automático de forma eficaz. Como pregar a composição perfeita. Como encontrar a luz perfeita para qualquer cena, bem como como como encontrar seus próprios estilos fotográficos únicos ou o processo que você pode levar para desenvolver seu próprio estilo único e se destacar da concorrência. Como estabelecer uma mídia social forte seguindo como um fotógrafo, o que é realmente importante nos dias de hoje. Então eu vou lhe dar algumas dicas cruciais de edição de fotos guiando você através de duas edições diferentes, mostrando como editar essas fotos do início ao fim. Em suma, vamos cobrir todas as coisas mais cruciais que você precisa saber para tirar fotos melhores. Eu acho que essas são coisas que todo fotógrafo realmente precisa saber. Além disso, vou fornecer muitos exemplos, animações para ajudar você a entender realmente os tópicos sobre os quais vamos falar ou para tornar mais fácil para você entender, eu acho que isso vai realmente ajudar. Este curso foi projetado para qualquer um que só quer tirar fotos melhores, ou qualquer um que queira se tornar um fotógrafo melhor em geral. Talvez você seja alguém que só queira entender como usar melhor a câmera, ou talvez você seja alguém que aspira a ser um fotógrafo profissional um dia. Em suma, se você está procurando melhorar suas habilidades de fotografia, este curso tem tudo o que você precisa. Se você não tem uma câmera DSLR ou sem espelho e tudo o que você tem é o seu smartphone, tudo bem. Muitos desses tópicos que vamos discutir neste curso são realmente relevantes para qualquer câmera que você possa ter. Com isso, rapazes, vamos começar. 2. Projeto do curso: Nós finalmente chegamos aos projetos do curso e este é um projeto que eu fiz quando fiz um curso de fotografia na escola e este é o projeto que mãos para baixo, me fez um fotógrafo melhor. Esta é a única atividade que eu me lembro de ter feito aquela aula na faculdade e isso me ajudou muito a me tornar um fotógrafo melhor. O projeto é ir lá fora, encontrar algo que é interessante, ou talvez não seja mesmo interessante talvez seja apenas algo normal e filmar aquela coisa 50 vezes, talvez seja o seu carro ou um hidrante ou uma árvore ou um Basquete, seja lá o que for. Pegue sua câmera e tire 50 fotos diferentes desse objeto com 50 composições diferentes. Para fazer este projeto, você realmente tem que pensar fora da caixa e realmente empurrar sua criatividade. Normalmente, quando vemos algo que só pensamos em talvez uma ou duas maneiras de filmá-lo, mas se você está realmente tentando obter composições diferentes e obter algumas fotos realmente interessantes, esta atividade será incrível para você. Algumas dicas são para mover tanto verticalmente assim, atirá-lo de cima, atirá-lo de baixo e, em seguida, também horizontalmente. Então atire do lado direito, atire do lado esquerdo e seguida, também profundidade sábia, então fique para trás e atire, fique muito, muito perto e atire alguns dos diferentes detalhes sobre ele, e apenas realmente pense fora a caixa e tentar chegar a algo único. Depois de ter feito isso, depois de ter capturado essas 50 fotos, volte ao curso e poste suas fotos favoritas dessa sessão aqui no projeto do curso. Você quer postar todos os 50, postar todos os 50, mas uma foto é honestamente boa. Talvez apenas sua foto favorita daquela atividade. Confie em mim, este não é um exercício fácil que eu lembro totalmente lutando com ele quando eu estava na faculdade, eu tive que atirar em um hidrante e eu simplesmente não conseguia descobrir maneiras diferentes de atirar nele. Mas eu realmente consegui algumas fotos realmente únicas daquelas fotos de atividade que eu realmente nunca teria tirado antes de fazer isso. Então eu realmente acho que esta é uma lição incrível e realmente útil para você e não apenas melhorar sua composição, mas aprender a trabalhar melhor e apenas pensar fora da caixa em geral. Eu realmente espero que você tenha tempo para fazer isso. Adoro dar uma olhada em você como projeto, especialmente este. Este é o meu projeto favorito, então, por favor, tire um tempo para fazer isso. Vou verificar esses. Outros alunos do curso vamos verificar esses também e eu mal posso esperar para ver o que você vem acima com. 3. Configurações de câmera: A primeira coisa que precisamos discutir é como sua câmera funciona. Esta é a peça mais fundamental da fotografia. Estamos usando câmeras como ferramenta. Como fotógrafos, essa é a nossa ferramenta. Se não soubermos como usar corretamente a câmera, então não podemos realmente capturar o que realmente queremos capturar. Não podemos nos libertar criativamente. Então, em suma, as câmeras funcionam capturando luz. Toda vez que você ouve esse clique, isso é basicamente o obturador se abrindo e luz está entrando na câmera. O que isso significa? Bem, dentro de cada câmera está o que você chama de caixa preta. É desprovido de toda luz. Está completamente escuro e dentro daquela caixa preta há um sensor. Esse sensor é o que grava todas as informações que entram na câmera, registra toda a luz que entra na câmera. Como as câmeras capturam a luz, precisamos dizer à câmera quanta luz ela realmente precisa capturar. A razão para isso é porque afeta o brilho da nossa imagem. Se tivermos muita luz entrando na câmera, nossas fotos serão o que chamamos superexpostas, que é muito brilhante. Se não tivermos luz suficiente entrando na câmera então nossa foto ficará muito escura. Assim, é muito importante para nós regular a quantidade de luz está entrando na câmera para que possamos ter uma foto que está devidamente exposta e apenas parece realmente boa. Isso é exatamente o que estamos fazendo quando estamos filmando no modo manual. Em vez de permitir que a câmera escolha quanta luz está entrando em nossa câmera, estamos escolhendo, estamos dizendo à câmera quanta luz queremos entrar na câmera. A razão pela qual queremos filmar manualmente em vez de permitir que a câmera escolha a quantidade de luz entra, é porque todas as coisas que afetam quantidade de luz entra na câmera também têm outro efeito, um criativo efeito sobre a imagem. Há três configurações diferentes que precisamos ajustar para controlar a quantidade de luz que entra em nossa câmera. Só três. Precisamos criar um equilíbrio entre essas três coisas, a fim de obter a exposição adequada. Essas três coisas são velocidade do obturador, abertura e ISO. Essas três coisas compõem o que chamamos de triângulo de exposição, que é um pequeno diagrama agradável que nos ajuda a entender como todas elas afetam a exposição de nossa imagem. Todas essas três coisas afetam a exposição de nossa imagem, que já dissemos, mas também têm seu próprio efeito único. Uma vez que você entenda o efeito que cada uma dessas coisas tem em sua imagem, você será capaz de capturar qualquer imagem que você deseja capturar e você também pode usar qualquer câmera no mundo porque todas elas funcionam exatamente da mesma maneira. A primeira das três configurações sobre as quais quero falar é a velocidade do obturador. Agora, a velocidade do obturador é indicada por um número, então um segundo, 1/100 de segundo, 1/4000th de segundo, etc Lembre-se de como eu disse que há um pequeno espelho que vira para cima e depois vira para baixo para permitir que a luz Entre na câmera, bem, a velocidade desse filme, esse espelho é a velocidade do obturador. velocidade do obturador regula a quantidade de luz que entra na sua câmera simplesmente pelo tempo que o obturador está aberto. Quanto mais tempo o obturador estiver aberto, mais luz entra na câmera. Quanto mais curto o obturador estiver aberto, menos luz entra na câmera. É muito fácil de entender e você pode realmente vê-lo e ouvi-lo quando você está olhando para uma câmera. Vamos tirar duas fotos aqui e eu quero que você olhe dentro da câmera, e eu também quero que você ouça. Toda vez que você tira uma foto, você realmente ouve dois cliques. O primeiro clique é a abertura do obturador, e o segundo clique é o fechamento do obturador. Para este primeiro tiro, eu vou levá-lo a uma velocidade muito rápida do obturador, que significa que não muita luz vai entrar na câmera. Ouça como isso é rápido. É muito rápido. Isso é basicamente não permitir que muita luz entre em nossa câmera, que resultará em uma imagem mais escura. Agora deixe-me mostrar o outro lado, uma exposição muito lenta, que significa que estamos deixando o obturador aberto por um longo período de tempo, permitindo que muita luz entre na câmera. Vou fazer uma exposição de um segundo aqui. Mais uma vez, ouça e olhe. Muito mais do que o 1/4000º de segundo que fizemos no último. Deixe-me fazer isso de novo. Vocês ouvem clicar para cima e depois para baixo. Essa é a velocidade do obturador de acordo com a luz e quanta luz está entrando na câmera. Mas, lembre-se que eu disse que todos os três desses ajuste velocidade do obturador, abertura e ISO também têm seu próprio efeito criativo na foto. Agora, o efeito criativo para a velocidade do obturador é a capacidade de congelar o movimento e, ou desfocar o movimento. Quanto mais rápida a velocidade do obturador, mais movimento você será capaz de congelar. Selecione fotógrafos esportivos, eles fotografam com uma velocidade de obturador muito rápido, então tudo é nítido e zero movimento borrão. Se você fotografar com uma velocidade lenta do obturador onde você vai ter mais desfoque de movimento em sua foto, se há coisas em sua foto que estão se movendo. Este diagrama realmente nos ajuda a entender o efeito criativo da velocidade do obturador e como ele nos permite congelar o movimento. Este diagrama leva em conta não apenas a quantidade de luz que entra na câmera, mas também o efetivo criativo da velocidade do obturador, que é a capacidade de congelar o movimento. À esquerda temos menos luz com uma velocidade mais rápida do obturador. Então 1/2500, que é uma velocidade muito rápida do obturador, você vai ser capaz de congelar muito movimento com isso. É por isso que vemos aquele homenzinho completamente nítido, agradável e afiado e isso é porque estamos usando essa velocidade rápida do obturador. Por outro lado, temos uma exposição de um segundo, que significa que estamos deixando muita luz em nossa câmera, mas também temos esse visual desfocado. Agora uma coisa a notar é que, não há certo ou errado. Esta é uma característica criativa. Muitos fotógrafos usarão uma gama de velocidades do obturador para capturar o visual que quiserem. Por exemplo, se você estiver filmando esportes, você vai querer atirar em uma velocidade muito rápida do obturador como 1/2500 ou 1/1500, ou às vezes eles até vão mais alto do que isso, 1/4000. Se você estiver atirando em seu amigo andando pela rua, você geralmente pode atirar em 1/500 de segundo ou 1/250 de segundo. Esses geralmente são muito bons e anote minhas câmeras muito do tempo pendurado para fora nessas velocidades do obturador. Então, se você é um fotógrafo paisagístico e você quer capturar um oceano embaçado com as ondas azuis, ou talvez você está filmando em uma cidade e você quer pegar como um monte de fluxos de luz dos carros. Você pode atirar em uma exposição de um segundo. Você pode até mesmo atirar em uma exposição de 30 segundos. Eu vi um cara atirar em uma exposição de 200 segundos, ele apenas deu às fotos um olhar tão legal porque permitiu tanto movimento borrão na imagem que ele estava completamente embaçado em algumas áreas, mas incrivelmente nítido nas áreas que não eram movendo-se por isso é um efeito criativo. Quando você vê as fotos das estrelas no céu com trilhas de estrelas, essas são loucas como exposição de 5-30 minutos onde eles estão apenas deixando a câmera aberta por tanto tempo que a rotação da Terra está realmente mudando a posição das estrelas na câmera permitindo-lhes capturar essas trilhas estelares realmente legais. Outra coisa a notar sobre a velocidade do obturador é que a velocidade do obturador nega a quantidade de vibração da câmera em sua foto. Se você está filmando a uma velocidade do obturador muito lenta como esta, você não pode segurar a câmera porque, mesmo um pouco de agitação vai resultar em uma foto embaçada. A regra que eu sempre tenho é, se eu estou segurando a câmera na minha mão, eu tento não ir abaixo de 1/100 de segundo para a velocidade do obturador porque isso nos permitirá ter certeza de que nossa mão em movimento não vai deixar a imagem embaçada, A não ser que queiras esse olhar, mas normalmente não parece muito bom. Se você tiver câmeras mais modernas, algumas das câmeras mais modernas têm como a estabilização de incorporação ou as lentes têm estabilização, que significa que você pode cair abaixo desse 1/100 de segundo porque a câmera tem um estabilizador dentro permitindo que a imagem seja mais nítida. Em seguida, quero falar sobre abertura. Uma abertura também é conhecida como f-stop. Uma abertura também é indicada por um número, e geralmente é indicada como uma marca na lente. Esta lente é de 1,8, o que significa que a abertura máxima desta lente é de 1,8. Agora as aberturas geralmente variam de 1,2 até F 22, e isso depende apenas da sua lente. Abertura é muito fácil de entender. abertura é basicamente o tamanho do buraco em sua lente que permite que a luz entre na câmera. Basicamente, quanto maior a abertura, mais luz entrará na câmera, e quanto menor a abertura, menos luz entrará na câmera. O que fica complicado quando começamos a falar sobre os números, a abertura é estranha. Não faz muito sentido porque quanto menor o número, maior a abertura. Uma abertura de F 1.8 ou F 1.4 é uma abertura realmente larga, o que significa que muita luz está entrando na câmera. Considerando que uma abertura de F 10 ou F 14 ou F 22, essas são aberturas realmente pequenas, que não permite que muita luz entre na câmera. Esta é outra coisa que você pode realmente ver na câmera quando você olha para ela, é muito legal. Se você olhar para a lente desta câmera, você pode realmente ver um pequeno buraco com o que se parece com lâminas ao redor do buraco. Esse buraco é essencialmente a nossa abertura. Agora, se eu ajustar a abertura, você pode realmente ver esse buraco ficando maior, permitindo mais luz na foto. Isso é ótimo. Entendemos como a abertura controla a quantidade de luz que entra na câmera, mas qual é o efeito criativo da abertura? O efeito criativo da abertura é a capacidade de controlar a profundidade do campo. Uma profundidade de campo é essencialmente a quantidade de desfoque em uma imagem além do assunto que está em foco. Também chamamos isso de Borrão Bokeh. Bokeh converteu termo muito sexy e fotografia agora porque bokeh parece muito legal e pode realmente fazer sua imagem olhar super artístico. Quando se trata de profundidade de campo, essencialmente, quanto maior a nossa abertura, que é um número menor neste caso, menor será a nossa profundidade de campo. Quanto menor a nossa abertura, o que significa um número maior como F 8 ou F 22, mais foco você terá em sua cena. Você pode ter foco todo o caminho desde o primeiro plano, todo o caminho até o fundo. Agora, as aberturas pequenas e grandes são super importantes para a fotografia e usamos todas as aberturas da câmera dependendo do tipo de coisa que estamos filmando. Então, por exemplo, se você quiser tirar um retrato e você quer ter rosto e o foco dessa pessoa e depois ter tudo por trás dela ser realmente legal e fora de foco, para que possamos realmente nos concentrar na pessoa, no assunto. Ou para isso vamos querer usar uma ampla abertura. Uma abertura de F 2.8 ou F 2 ou F 1.8 ou F 1.4, que é uma abertura super larga, que realmente nos dará aquele olhar legal, único e artístico. Mas se você quiser capturar algo como uma paisagem super nítida e ter tudo de bom em foco, incluindo talvez haja um arbusto na frente de você, e então longe na distância é uma bela montanha e você quer ter o arbusto e a montanha em foco. Bem, para isso, você vai querer usar uma abertura muito pequena, como F 18 ou F 22. Aperture é realmente importante para capturar esse aprendizado realmente criativo. Acho que tem um dos maiores impactos na sua foto. Uma vez que você pode entender isso, você pode realmente começar a tirar algumas fotos artísticas muito legais. Para mim, quando eu entendi a abertura, realmente ajudou a encaixar as outras coisas no lugar. A última parte do triângulo de exposição, a última configuração que precisamos entender é ISO. ISO também é denotado por um número, geralmente começando em 100, que é uma ISO baixa até 12.500, ou mesmo números loucos como 56.000 ISO. Agora, em suma, a maneira mais fácil de entender isso é ISO é a sensibilidade do sensor. Podemos ser mais técnicos do que isso, mas acho que é a coisa mais importante que você precisa saber. É a quantidade de sensibilidade que seu sensor tem. Quanto maior a ISO, mais sensível será o sensor, o que significa que ele será capaz de gravar mais luz. Quanto menor for o ISO, menos sensível será o sensor, o que significa menos luz na imagem. Quando se trata de regular a quantidade de luz na imagem, ISO é muito fácil de entender. Mas o efeito único da ISO pode realmente ter um forte efeito na sua imagem e não realmente um bom efeito. É por isso que gosto de chamar a ISO de nosso último recurso. Deixe-me explicar o porquê. Quando aumentamos nossa ISO em nossa câmera, estamos aumentando a sensibilidade desse sensor. No entanto, com maior sensibilidade, vem maior instabilidade. Quando digo maior instabilidade, quero dizer que a câmera começa a adivinhar as ondas de luz que estão entrando na câmera. Realmente não tem a estabilidade para entender todas as diferentes ondas de luz que estão entrando na câmera e gravá-las corretamente. O que significa que quanto maior for nossa ISO, mais ruído digital ou grãos digitais estarão em nossa imagem, que honestamente parece muito ruim. Não parece bom. Não é como o velho grão de filme que costumávamos ver. Quando você olha para uma imagem antiga de uma câmera de filme, havia aquele olhar granulado e realmente artístico. Dá à foto uma textura. Bem, isso fica ótimo em câmeras de filme, mas com câmeras digitais, não parece nada bom. É tudo descolorido e realmente não parece bom. Queremos evitar isso o máximo possível. Fazemos isso basicamente mantendo nossa ISO o mais baixo possível. A única vez que aumentamos nossa ISO é quando ajustamos nossa abertura, ajustamos nossa velocidade do obturador e ainda não temos luz suficiente entrando na foto. Talvez estejamos filmando em um ambiente escuro ou talvez dentro de casa onde não há luz suficiente. Só então, apenas como último recurso, aumentamos nossa ISO. Como eu disse, ISO pode realmente afetar negativamente a qualidade de sua imagem. Quero que experimente isso. Tire uma imagem a 100 ISO e, em seguida, ajuste a câmera e, em seguida tire outra imagem no ISO máximo que sua câmera pode retirá-la. Quer sejam 6.400 ou até 32.000, seja qual for esse número, tire uma imagem, amplie e olhe a imagem. Vai parecer dramaticamente diferente. Agora que falamos sobre as três peças do triângulo de exposição, e falamos sobre as coisas criativas que eles fazem também. Precisamos conversar sobre eles juntos. Nesta próxima lição, vamos falar sobre como você pode equilibrar todos os três para capturar a imagem que deseja capturar. 4. Equilibrando a exposição: Equilibrar nossa exposição realmente se torna bastante fácil uma vez que entendemos abertura, velocidade do obturador e ISO, as três coisas que controlam a quantidade de luz que entra em nossa câmera. Como sabemos se temos uma exposição equilibrada? Como sabemos que haverá a quantidade perfeita de luz entrando na câmera e não muito ou muito pouco? Bem, a câmera nos diz quanta luz está entrando na câmera. Ele nos diz que com um pequeno recurso legal chamado o medidor de luz. Agora, todas as câmeras têm um medidor de luz. Alguns deles têm em cima como este, e então eles também vão tê-lo no visor. Quando ele olhou para o visor e você pressionou o botão do obturador para focar, o medidor de luz aparecerá na parte inferior. Se você tem uma câmera sem espelho, isso será a mesma coisa, uma vez que você olhar para o visor eletrônico, você verá o pequeno medidor de luz lá embaixo. Qual é o medidor de luz? Bem, essencialmente o medidor de luz é apenas uma pequena linha que tem alguns números sobre ele e ele mostra como sua imagem está exposta. Há um pequeno indicador que se move da esquerda para a direita mostrando onde sua exposição está de acordo com essa linha. Se o indicador estiver à direita desse ponto central na linha, isso significa que sua imagem está superexposta e, se estiver à esquerda do centro, isso significa que sua imagem está subexposta. Uma boa regra de ouro é apenas tentar manter esse indicador bem no centro. É assim que você sabe que você praticamente tem uma exposição equilibrada. O medidor de luz é essencialmente como você sabe se sua imagem está equilibrada, mas como sabemos quais configurações escolher? Como sabemos se queremos ter uma velocidade rápida do obturador ou uma velocidade lenta do obturador, ou uma ampla abertura ou abertura rasa? Como equilibramos essas coisas e obtemos o visual criativo que queremos? Acho que a melhor maneira de entender isso é com alguns exemplos do mundo real. Digamos, por exemplo, que estou filmando um retrato do meu amigo. Lembre-se que dissemos que ISO é o último recurso, então queremos manter ISO o mais baixo possível. Vou definir isso para 100. A próxima coisa que vou fazer é ajustar minha abertura para 1.4. A razão pela qual eu estou ajustando minha abertura para 1.4 é porque eu quero ter uma profundidade de campo realmente superficial. Eu quero usar abertura criativamente e borrar o fundo atrás dela e fazer tudo parecer realmente legal. Esse é o meu primeiro pensamento. Meu primeiro pensamento é criativo. É para capturar esse fundo embaçado e isolar o meu sujeito. Agora temos uma ISO de 100 e uma abertura de 1,4, que é realmente larga, o que significa que há muita luz entrando em nossa câmera. Agora, para eu equilibrar minha exposição e garantir que não estamos recebendo muita luz em nossa imagem, eu preciso fazer meu obturador velocidade mais rápido e eu vou ajustar minha exposição com a velocidade do obturador. Nesta situação, porque eu não estou filmando um assunto em movimento, eu realmente não me importo quão rápido ou quão lento minha velocidade do obturador é. Então eu só estou usando isso para equilibrar minha exposição. Neste caso, porque temos muita luz entrando na câmera, vou fazer com que a velocidade do obturador seja muito rápida em um quarto milésimo de segundo, e isso irá equilibrar a exposição perfeitamente. Agora, vamos passar para outro exemplo. Digamos que eu queira filmar uma paisagem. Eu não quero ter tudo na imagem em foco, e eu quero que ele seja realmente afiado. Mais uma vez, vou definir o meu ISO e vou deixá-lo o mais baixo possível em 100. A próxima coisa que vou fazer é ajustar a minha abertura. Eu vou definir minha abertura para um número que vai garantir que eu tenho boa nitidez em toda a foto todo o caminho do primeiro plano para o fundo. Neste caso, vou tentar f /16. Essa é uma abertura bem pequena, e isso vai realmente garantir que tudo esteja em foco e nos dará uma profundidade de campo muito, muito profunda. Agora, como minha abertura é tão pequena e a ISO é tão baixa, nós realmente não temos tanta luz entrando na câmera. Para equilibrar a velocidade do obturador, em vez de tornar a velocidade do obturador mais rápida como eu fiz quando estava filmando o retrato, eu preciso fazer minha velocidade do obturador mais baixa para ter certeza de que temos luz suficiente entrando na câmera. Mas agora lembre-se, se você baixar a velocidade do obturador abaixo de um centésimo de segundo, então você vai ter a câmera agitar sua imagem e então suas imagens vão ficar borradas. É por isso que fotógrafos de paisagem usam um tripé, é porque eles estão sempre filmando aberturas realmente altas e eles querem garantir que eles têm fotos nítidas, então eles colocam sua câmera em um tripé, ele não se move em tudo e eles podem usar qualquer velocidade do obturador que eles quiserem, não importa o quão lento é, eles vão ser capazes de obter tudo em um bom foco afiado. Para o último exemplo, vamos falar sobre fotografar um retrato à noite. Não temos muita luz e estamos trabalhando em um ambiente de pouca luz. São essas situações em que você realmente precisa entender como usar corretamente sua câmera para sair com uma bela imagem. Digamos que está muito escuro lá fora e minha lente está ajustada para f/4. Um monte de lentes que você vai comprar no início, a abertura máxima vai ser um quatro, que não é super largo, mas também não é ruim. Isso ainda deixa entrar uma quantidade decente de luz. Eu baixei a velocidade do obturador para um mais de um centésimo de segundo. Mais uma vez, eu realmente não posso ir mais baixo que isso porque se eu for mais baixo que isso, então eu vou ter uma câmera sacudida na minha foto. Não tenho um tripé para estabilizar a câmera. Essa é a velocidade mais lenta do obturador que eu posso ir enquanto ainda mantém a nitidez em todo o quadro. Eu ajustei minha abertura, eu defini minha velocidade do obturador, mas ainda não há luz suficiente entrando na câmera e eu realmente preciso tirar a foto. Então, o que você faz? Bem, você se volta para ISO, que é o último recurso, e nós aumentamos nossa ISO para equilibrar nossa exposição. Uma ISO de 100 , pode não ser suficiente, então eu vou subir para 400. Se ainda não tivermos luz suficiente entrando na câmera, suba para 800. Mais uma vez, continuas até teres a certeza de que tens luz suficiente a entrar na câmara. Em suma, garantir a exposição adequada é apenas você criando um equilíbrio entre essas três coisas. Depois de entender como criar esse equilíbrio, você será capaz de capturar qualquer imagem que deseja capturar. O que quer que tenha que atirar, precisa determinar qual é a coisa mais importante. Está tentando congelar o movimento? Você é um fotógrafo esportivo e não importa o que, você precisa congelar o movimento? Ou você está apenas tentando obter um tiro artístico com uma profundidade de campo rasa? Identifique isso primeiro, identifique o que é mais importante para você e, em seguida, ajuste as configurações com base nisso. Para mim, eu normalmente gosto de filmar em uma grande abertura, quer eu esteja filmando comida, ou retratos, ou rua. Eu gosto de atirar com uma ampla abertura de f/1.4 ou f/1.8. Isso é só porque eu gosto daquela profundidade de campo rasa. Porque eu sempre tenho minha abertura ajustada para isso, bem, então eu apenas ajusto a velocidade do obturador para equilibrar minha exposição. Eu realmente não estou pensando muito nas configurações da câmera. Eu ajusto a minha abertura e depois vou ajustar velocidade do obturador e certificar-me de que a exposição é boa. Então, mais uma vez, se eu estiver filmando em um ambiente realmente escuro, então eu vou apenas aumentar meu ISO se eu precisar. Mas honestamente, raramente ajusto meu ISO porque simplesmente não preciso. Fotógrafos esportivos, eles não estão preocupados com a abertura tanto quanto eles estão preocupados com a velocidade do obturador. Fotógrafos de comida poderiam se importar menos com a velocidade do obturador, mas eles realmente se importam com a abertura porque isso realmente vai determinar a nitidez da comida e onde eles têm seu foco e coisas assim. 5. Você realmente precisa usar o modo manual?: que modo de câmera você deve filmar? Bem, sempre ouvimos falar do modo manual. Eu tenho falado sobre isso neste curso. Como eu disse antes, modo manual, tudo o que está fazendo é basicamente dar-lhe controle criativo sobre todas essas três coisas, velocidade do obturador, abertura e ISO, podemos controlar completamente todas elas. Mas você realmente precisa controlar todos eles em todas as situações? A resposta para isso é não, você realmente não. Isso é porque, como eu disse antes, geralmente apenas uma dessas configurações, vai ser super importante para você. Como eu disse antes, se você é um fotógrafo de comida, abertura é super importante, se você é um fotógrafo de retratos, mais uma vez, abertura é importante. Se você é um fotógrafo esportivo ou está filmando NASCAR ou algo assim, então você realmente precisa se concentrar na velocidade do obturador. Você realmente só precisa ser fotografar manual se você estiver em um ambiente de pouca luz e sua câmera apenas continuar batendo seu ISO e você realmente não quer ter um ISO alto, então você deve estar filmando em manual. Mas principalmente na outra vez, eu gosto de filmar em prioridade de abertura. O modo de prioridade de abertura é basicamente você definir a abertura da câmera, e a câmera selecionará a velocidade do obturador e a ISO por conta própria. Câmeras são inteligentes, então não vai só aumentar a ISO. Vai começar com a velocidade do obturador. Ele vai ajustar a velocidade do obturador com base na quantidade de luz que está entrando na câmera, e então, se não houver o suficiente e ele vai abaixo de um centésimo de segundo, então sua câmera vai aumentar ISO, então as câmeras são realmente inteligentes. É por isso que eu gosto de atirar uma prioridade de abertura, é mais fácil especialmente se eu estou tentando obter um monte de tiros diferentes. Alguns como em um evento ou algo assim, ou fotografia de rua, prioridade Aperture é grande. Especialmente se você estiver filmando durante o dia, você realmente não precisa se preocupar com ISO. Prioridade de abertura é incrível. Se você é um fotógrafo esportivo, bem, um monte de fotógrafos esportivos, vamos usar prioridade do obturador porque, como eu disse antes, eles precisam garantir que eles estão recebendo tudo em foco nítido e borrão de movimento zero, então eles podem atirar em prioridade do obturador. Modo automático, recomendo fotografar no modo automático? Não recomendo fotografar no modo automático. Pelo menos atire em prioridade de abertura se você precisar atirar no modo manual. Mas você realmente não deveria estar filmando em Auto porque então você está realmente tirando muito do seu controle criativo, que você tem sobre a câmera. Eu recomendo fotografar em prioridade de abertura ou no modo manual. Existem algumas outras configurações úteis que eu acho que você deve saber, e a primeira é o equilíbrio de brancos. Estamos falando de fotografia digital, balanço de branco é basicamente ajustar as cores em sua imagem para parecer mais natural. Câmeras têm um monte de ajuste de equilíbrio de branco diferente, como luz do dia, nublado , tungstênio, que é como iluminação interna ou a pouca iluminação, fluorescente, alguns outros diferentes também. Então eles geralmente têm na parede automotivos onde ele vai levar tudo em conta e escolher um equilíbrio de branco para você. Quando se trata de equilíbrio de brancos, eu sempre recomendo que você não atirar um balanço de branco automático. A razão para isso é porque podemos facilmente ajustar o equilíbrio de branco da nossa imagem na edição. Mas se tivermos um monte de imagens diferentes em um local, e usarmos o modo automático, então todas as diferentes temperaturas de cor são muito diferentes, bem, então será difícil fazer edição em massa. Não seremos capazes de ajustar o equilíbrio de branco de uma imagem e aplicá-la a todas elas. Teremos que fazer cada um de forma independente. O que eu gosto de fazer é ajustar minha câmera para luz do dia, equilíbrio de brancos. Isso geralmente funciona para a maioria das situações, e então quando eu estou na edição, todos apenas ajustar o equilíbrio de branco um pouco. O equilíbrio de brancos é muito importante. Mas eu recomendo apenas selecionar uma das predefinições em sua câmera e apenas deixá-la nela para a maioria das situações. A próxima coisa que quero falar é RAW vs JPEG. Você deve ter ouvido isso antes. Quando falamos de RAW e JPEG, estamos nos referindo ao arquivo que sua câmera está capturando. Toda vez que você tira uma foto, a câmera está realmente computando, está salvando essa informação em um arquivo. JPEG é um arquivo menor, mas é um arquivo que sua câmera está realmente compactando e editando na câmera para apenas dar-lhe uma imagem que parece muito boa fora da câmera e um tamanho de arquivo menor. Uma foto RAW basicamente significa que sua câmera não está fazendo nenhum processamento nela, não está compactando e está dando a você o máximo de informações possível. O que isso significa? Bem, isso significa que podemos editar melhor nossa foto e postar porque temos mais informações em nossa foto, temos mais informações nas áreas escuras e mais informações nas áreas claras. Eu sempre digo atirar RAW porque, edição é uma peça muito importante do quebra-cabeça e é importante para nós aprender a entrar corretamente. A edição é muito mais fácil quando temos fotos RAW. Quando se trata do debate RAW vs JPEG, eu vou mantê-lo simples e dizer, atirar RAW para os fins deste curso.That é a melhor recomendação que eu posso dar-lhe. Além do foco, que vamos entrar aqui agora, foco automático e foco manual. Essas são praticamente todas as coisas que você precisa saber sobre sua câmera. Esses são os cenários mais importantes. Definindo seu tipo de arquivo RAW e JPEG, e, em seguida, também definindo seu equilíbrio de branco se você pudesse entender essas coisas, e então você também pode entender o triângulo de exposição, você vai ser bom para ir. 6. Foco: Quero tirar um breve segundo para falar sobre foco, especificamente focagem automática e foco manual. Eu acho que muitos de nós quando ouvimos o modo manual, nós também pensamos em como foco manual e nós pensamos que pode ser foco manual pode ser melhor do que autofoco ou algo assim. Mas a verdade é que o autofoco é incrível. Estou usando autofocus 99% do tempo em minhas fotos, especialmente com câmeras nos dias de hoje, o autofocus é incrivelmente inteligente, incrivelmente rápido e muito útil. A única vez que você realmente vai querer filmar com um foco manual é vídeo. Muitas vezes estamos filmando vídeo com foco manual, mas também se você estiver usando uma abertura muito, muito ampla, você tem uma profundidade de campo muito superficial que você precisa para ter certeza de que está se concentrando em algo muito específico. Como na fotografia de macro, muitas vezes você pode usar modo manual ou se você está filmando comida e você quer ter certeza de que algo está realmente em foco, então talvez você esteja usando o modo manual, mas muitas vezes você só está usando o modo manual quando você tem um tripé. Autofocus é realmente a melhor opção para a maioria das situações. Quando se trata de focagem automática, existem alguns modos diferentes. Normalmente há três modos ligados, mas na verdade apenas dois deles são os que você realmente precisa saber. Essas duas coisas são focagem automática de um único tiro, é isso que a Sony chama, ou autofocus de um único servo para Canon. Nikon também terá um nome semelhante. Em seguida, o segundo é autofocus contínuo, foco automático contínuo também é conhecido como foco automático contínuo Servo para Canon. Mais uma vez, diferentes companhias de câmeras chamavam essas coisas diferentes, mas elas estão essencialmente fazendo a mesma coisa. foco automático de tiro único é essencialmente você focaliza a câmera uma vez e, em seguida, a câmera pára de focar, ela não focará novamente até que você tire o dedo e depois refocalize. focagem automática contínua é um pouco diferente. Depois de ter pressionado o obturador e acionado o foco, ele continuará focando no que você apontar sua câmera. Se eu estiver focando primeiro no meu microfone na minha frente e eu estou em autofoco contínuo, e eu ainda estou segurando o botão de foco e eu me movo e tiro meu laptop ou algo assim, ele tem que ajustar o foco. Mas com um único tiro automático, uma vez que eu focar aqui um bipe e então eu posso me mover em qualquer lugar e esse foco não vai se mover enquanto eu continuar segurando esse botão de foco. Qual foco você deve usar? Contínua ou um único tiro? Um único tiro vai ser melhor para você na maioria das situações. A razão para isso, é porque com foco automático único, você pode se concentrar em algo, talvez seu ponto de foco esteja bem no meio do visor. Você se concentra em algo que está bem no meio do seu quadro, e então você pode recompor sua foto e você pode ajustar sua composição. Mas se você estiver filmando uma focagem automática contínua e você se concentrar na coisa no meio e, em seguida, você tentar ajustar sua concorrência, bem, então seu ponto de foco será fotografar e focar em diferentes coisas em torno de seu quadro e muitas vezes você realmente não quer isso. Mas você deseja focagem automática contínua se estiver filmando em vídeo ou se estiver filmando em movimento. Porque se algo estiver se movendo em seu quadro, você não quer ter que ser como refocalizar a cada segundo para ter certeza de que seu assunto está em foco, muitas vezes eles não estarão em foco. Se você está atirando em alguém se movendo, bem, você vai querer filmar em autofoco contínuo, você pode segui-lo e ele vai ficar em foco enquanto ele ficar no meio do seu quadro ou onde quer que seu ponto de foco esteja em seu visor. Ambos são realmente úteis na maior parte do tempo, menos que eu esteja filmando movimento, eu estou filmando em autofocus único tiro esse é o melhor conselho que eu posso dar para capturar boas fotos e certificar-se de que tudo é bom e nítido em foco. Eu tenho uma dica profissional para você e que é usar o botão de volta autofoco. foco automático do botão Voltar significa que, em vez de pressionar o botão do obturador para focar sua câmera, você está usando o botão na parte de trás da câmera para focar sua câmera. Por que isso é bom? Porque ele permite que você separe o botão do obturador ou o que você usa para tirar sua foto e um botão para capturar seu foco. Eu amo isso porque se eu estiver filmando algo e eu vou estar me movendo muito nesta área eu posso focar com a parte de trás da minha câmera e então eu posso mover o que quer que seja e ele vai ficar em foco. Mas se o foco automático está definido para o botão do obturador, cada vez que você pressionar uma foto, ele vai refocar e vai estar focando demais. Gosto de mantê-los separados e acho que muitos fotógrafos profissionais separam os dois. Você pode fazer isso indo para as configurações da câmera e em seguida, apenas desligando o recurso de focagem automática do obturador a meio pressionado, e então você apenas usa o polegar para focar em vez do dedo principal aqui. Recurso muito legal, e isso é definitivamente algo que eu recomendo que você faça se você estiver filmando com um DSLR ou uma câmera sem espelho. Agora, a velha pergunta, onde você deve focar sua câmera? Depois de selecionar o foco automático único ou o foco automático contínuo, onde você deve apontar a câmera para se certificar de que tudo está em foco? Isso realmente depende do que você está filmando. Se você está atirando em uma pessoa como um retrato, você quer se concentrar em talvez seu olho ou talvez apenas sua cabeça e isso geralmente será bom o suficiente para obter um bom foco em seu rosto e, em seguida, ter todo o resto embaçado por trás deles. Se você está atirando em um grupo de pessoas e todas elas estão em profundidades diferentes, digamos que há uma pessoa aqui e há uma pessoa aqui, e então há alguém no meio, bem, se você está filmando com uma abertura muito larga e você tem uma profundidade de campo muito superficial. Se você se concentrar na pessoa na frente, então a pessoa na parte de trás vai ficar fora de foco. Mas se você se concentrar na pessoa no meio, então você vai ter um foco mais uniforme em todo o quadro. Bem, gosto de fazer quando estou atirando em grupos de pessoas é só para tornar minha abertura um pouco menor, só para ter certeza que eu tenho uma atualização do campo para colocar o rosto de todos em foco. Se você estiver filmando uma paisagem, você pode se concentrar em algo talvez no meio de sua cena, como se houvesse uma árvore ou um rio que você possa se concentrar lá, ou você pode se concentrar em algo no fundo, talvez em uma montanha ou Algo assim. Com a fotografia de paisagem, o seu ponto de foco é muito menos importante do que o seu ponto de foco com coisas como fotografia de retrato ou comida. Isso é sutil porque você está usando uma abertura tão pequena, tudo está em foco e sua profundidade de campo é tão profunda que seu ponto de foco não importa tanto, apenas se concentre em algo à distância e geralmente tudo estará em muito bom foco. 7. Composição: Para esta próxima lição, quero falar sobre composição. Uma das primeiras coisas que você precisa fazer quando você está estudando composição é fazer uma boa xícara de café quente. Piadas à parte. Composição é incrivelmente importante quando se trata de fotografia, e composição é o que as pessoas costumam se referir quando dizem, “Esse fotógrafo tem o olho ”, ou o que quer que isso signifique. Geralmente estão falando de composição. Em suma, a composição é basicamente como você organiza os objetos em seu quadro. Uma boa composição é muito importante porque, como seres humanos, nossos cérebros funcionam de forma muito específica. Nossos cérebros querem ver algo que é fácil de ver. O que quero dizer com isso é que nossos cérebros querem ser capazes de olhar para uma imagem e processar tudo o que está acontecendo de uma maneira fácil de entender. Quando uma imagem não tem uma boa composição então nossos cérebros não podem navegar corretamente na foto, e porque nossos cérebros não conseguem navegar corretamente na foto, nossos cérebros pensam que essa foto não é bonita. É por isso que a composição é tão importante em seu nível mais básico, uma boa composição permite que seus olhos de espectadores naveguem pela foto, encontrem os assuntos principais e, em seguida, absorvam toda a cena de uma forma que é fácil para o cérebro compreender. Quando se trata de composição, existem muitos, muitos, muitos tipos diferentes de composições que são aceitos na fotografia. Honestamente, eu acho que quando se trata de ensinar composição, você não pode mais ensiná-la porque muito disso virá quando você estiver fora filmando. Se você se limitar a uma lista muito específica de composições, então você estará realmente se segurando criativamente. Eu acho que é importante entender alguns dos conceitos de composição, mas não tanto como esta é uma boa composição e você deve tentar isso, e esta é uma boa composição e você deve tentar isso. A razão pela qual eu tenho o projeto do curso como atirar um objeto 50 vezes diferentes é porque isso vai realmente ajudá-lo a melhorar sua composição. Mas com isso dito, há algumas coisas sobre as quais eu realmente quero falar. A primeira coisa é a perspectiva. Perspectiva é essencialmente como você se orienta de acordo com seu assunto, qualquer que seja esse assunto. Este é o mais importante, a peça mais fundamental da composição que você precisa entender porque onde você está de acordo com o seu assunto muda muito o resultado da foto. Neste conceito de perspectiva também é relevante para todas as diferentes coisas que vamos falar aqui neste vídeo de composição. Você pode ajustar sua perspectiva movendo-se para frente e para trás, horizontalmente, para esquerda ou direita, bem como verticalmente, para cima e para baixo. Não importa o caminho que você está se movendo, você está ajustando sua perspectiva sobre o assunto principal. Existem algumas perspectivas diferentes que você pode tentar onde você está filmando. O primeiro é o olho de verme ou basicamente onde você está lá embaixo e está olhando para cima. Isso geralmente dá ao seu sujeito uma aparência maior, dá-lhes mais autoridade em sua foto, e também pode ser usado para isolá-los de qualquer outra coisa por trás deles, se você achar o fundo intrusivo, você pode atirar para eles e talvez usar o céu como um fundo. O oposto do olho de vermes é olho de pássaro. Olhando para baixo sobre o assunto, isso geralmente faz com que os objetos pareçam menores, e é bom para mostrar uma paisagem urbana. Você pode mostrar um monte de coisas diferentes com uma visão de pássaro. Outra é apenas em linha reta, então apenas atirando em linha reta e bem no meio. Essa é uma boa perspectiva, e então também filmar de ambos os lados. Às vezes, se estou viajando e quero filmar uma estrada, você está no meio do deserto e há uma estrada muito legal e você tem essas linhas lineares. Você quer atirar na estrada onde você pode atirar do meio e então você pode atirar de ambos os lados. É difícil saber qual deles vai ser melhor até que você atire nele. O que eu sempre gosto de fazer é encontrar o meu assunto e depois filmá-lo com um monte de perspectivas diferentes. Mova em torno dele de tantas maneiras diferentes, como eu disse, para o projeto da classe, tente ajustar sua perspectiva e tentar obter algumas composições únicas. Mais uma vez, perspectiva é a peça mais fundamental de composição e compreensão perspectiva e como ela afeta sua foto vai realmente ajudá-lo a entender a composição mais tarde. A próxima peça de composição que quero falar é o conceito de linhas de liderança ou linhas diagonais de interesses. Como seres humanos, nós amamos linhas e fotos, e a razão para isso é porque eles realmente ajudam a guiar nossos olhos. Linhas principais referem-se a linhas na imagem que naturalmente orientam nossos olhos para o assunto principal em uma foto. Pense em alguém em um túnel, todas essas linhas do túnel estão convergindo para o nosso assunto principal no meio. Se é feito pelo homem, muitas vezes chamamos essas linhas de liderança geométricas. Se é da natureza, nós os chamamos de orgânicos, então vemos isso na natureza um pouco, mesmo que seja apenas a separação entre a areia na água ou as árvores no chão. Há muitas linhas de liderança diferentes que podem ser encontradas organicamente na natureza. Então, se você estiver filmando em uma cidade, muitas vezes há muitas linhas geométricas realmente interessantes que você pode usar para levar ao seu assunto principal. Agora, muitas vezes, onde essas linhas convergem, chamamos isso de ponto de vista. É aí que essas linhas de liderança se unem e finalizam em nosso assunto principal. As linhas diagonais de interesse são muito parecidas, mas nem sempre levam nossos olhos ao assunto principal. Talvez eles estejam apenas equilibrando a composição ou adicionando interesse, ou tornando a composição um pouco mais complexa, um pouco mais interessante. Aqui estão alguns bons exemplos de linhas diagonais de fotos interessantes muito legais. Você pode ver como as linhas diagonais realmente adicionam muito mais interesse na complexidade das imagens. O próximo conceito sobre o qual eu quero falar é um que você provavelmente já ouviu falar, e essa é a regra dos terços. A regra dos terços pode ser entendida basicamente dividindo seu quadro em nove partes iguais diferentes. A regra dos terços afirma que você deve colocar seu assunto em um terço do quadro, então seja no lado esquerdo ou direito. A razão pela qual a regra dos terços é tão grande é porque ao colocar seu assunto em um dos lados da imagem está bem no meio, então você tem todo o outro lado para mostrar outra coisa, talvez seja um fundo de uma montanha ou talvez eles estão em um café e você quer mostrar um pouco mais daquele café onde você pode fazer isso e você também pode criar um quadro muito equilibrado. Talvez seu assunto principal esteja no lado esquerdo, mas então você tem um monte de coisas acontecendo no lado direito, então mesmo que o assunto principal esteja à esquerda, temos um monte de informações realmente interessantes que equilibra o quadro de um Um pouquinho. Eu acho que a regra de terços é apenas grande porque ele permite que você se desvie de nós naturalmente queremos fazer enquanto colocar o assunto bem no meio da câmera e tirar uma foto dessa forma. Isso irá ajudá-lo a pensar um pouco fora da caixa e ajudá-lo a entender que você pode posicionar seu assunto em diferentes partes do quadro para criar outro visual legal. O próximo conceito sobre o qual quero falar é enquadrar. Enquadramento essencialmente é usar coisas diferentes em seu ambiente para basicamente enquadrar seu assunto. Enquadramento parece bom na razão porque é porque mais uma vez, nossos olhos podem ver onde o assunto principal está. Ajuda-nos a concentrar-nos no assunto principal. Com enquadramento, você tem enquadramento natural. Coisas como árvores, até montanhas, às vezes, e então você também tem molduras feitas pelo homem como portas ou janelas ou qualquer coisa que vai cercar seu sujeito com conteúdo, seja lá o que for. Eu realmente gosto de enquadrar minhas fotos ou algo assim em primeiro plano. Se eu estiver filmando um retrato e eu estiver lá fora e houver algumas árvores ou plantas. Às vezes eu vou me abaixar atrás das plantas e tentar obter alguma vegetação em torno das bordas do meu quadro, para eliminar algumas áreas de distração e garantir que estamos realmente focando no assunto principal em nossa foto. O próximo conceito sobre o qual quero falar é profundidade. Profundidade é uma coisa muito importante quando se trata de fotografia. Transmitir profundidade em nossas imagens realmente nos permite entender o que está acontecendo na cena. Quando vemos uma foto plana, ela simplesmente não nos atrai tanto, bunda, se pudermos ver profundidade na foto, ela conta uma história muito mais convincente. Ao falar sobre profundidade e fotografia, acho que a coisa mais importante para garantir que você tenha profundidade é garantir que você tenha um primeiro plano, um terreno médio e um fundo. Um primeiro plano é essencialmente um objeto ou algum tipo de assunto que está muito perto da câmera. meio do solo está em algum lugar no meio, e então o fundo é algo longe da câmera, talvez seja montanhas à distância, ou algo assim. Eu acho que a fotografia de paisagem é realmente uma boa maneira de entender isso. Se você tem uma foto de paisagem, você pode ter uma planta em primeiro plano e o meio do solo talvez tenha um rio ou um lago, ou algumas árvores ou algo assim, e no fundo você tem algumas montanhas distantes. Isso permite que você realmente entenda o ambiente porque podemos ver três partes diferentes do ambiente que realmente adiciona um nível de profundidade na foto. Isso também anda de mãos dadas com o enquadramento. Como eu disse, eu costumo enquadrar meus assuntos com algo em primeiro plano como a de uma planta, então eu mantenho bem perto da minha câmera, e então eu vou filmar meu assunto que está um pouco mais longe. Isso não só está criando profundidade, mas também está enquadrando meus assuntos. Você está matando dois coelhos com uma cajadada, se quiser. O próximo tópico sobre o qual eu quero falar é espaço negativo e espaço negativo é essencialmente espaço em branco em sua foto. Talvez seja apenas branco puro ou preto puro ou apenas, há realmente nada acontecendo nessa parte da imagem. Espaço negativo pode ser usado para realmente colocar o foco em seu assunto principal e se livrar de qualquer detalhe distrativo em sua cena. Pode levar a uma composição mais simples. Quero dizer, uma composição mais minimalista, se preferir. Ele pode realmente ser usado para melhorar a composição de sua foto. O último tópico sobre o qual quero falar é esse conceito de equilíbrio. Quando digo equilíbrio, quero dizer basicamente o equilíbrio do seu quadro. Temos composições simétricas e composições assimétricas. Assimétrico, um bom exemplo disso é talvez você tenha seus assuntos em um terço do quadro, e então o outro lado está completamente em branco. Essa é uma composição assimétrica, enquanto uma composição simétrica é que o sujeito estaria bem no meio. É um pouco mais simples. É minimalista. Não há certo ou errado. Você nem sempre precisa ter um quadro equilibrado. Você pode realmente ir com alguns olhares assimétricos muito legal e ter até mesmo um olhar abstrato. Eu acho que isso vai com todos esses princípios neste vídeo de composição. Todas as coisas sobre as quais falamos aqui são boas diretrizes para você entender a composição e entender o que as pessoas gostam de ver nas fotos. Mas de forma alguma estas são a única maneira de fazer as coisas. Composição é muito um processo criativo, e eu acho que a maior parte do tempo nós ensinamos isso. A composição vem de você, o fotógrafo, e você vai dominá-la saindo e criando composições muito legais e únicas. Composição de aprendizagem é difícil de categorizar. Mesmo apenas olhando para a nossa inspiração no Instagram ou no Facebook ou onde quer que você obtenha sua inspiração. Olhando para essas imagens inconscientemente. Olhamos para essas composições e imprimimos o que gostamos em nossas mentes. Da próxima vez que você ver algumas fotos que você gosta, dê uma olhada na composição e realmente divida-a. Acho que é uma ótima maneira de aprender algumas das coisas que você gosta, e então você pode continuar e implementar essas coisas mais tarde quando estiver filmando. 8. Iluminação: Para esta lição, quero tirar um segundo para falar sobre iluminação. A iluminação pode ser uma coisa muito complexa quando se trata de fotografia, pode ser muito técnica. Mas também é o mais importante porque, como dissemos antes, câmeras capturam luz. Acho que uma das coisas que realmente distingue bons fotógrafos é a sua compreensão da luz. Eles podem usá-lo para realmente capturar o olhar que eles querem. Eles podem manipulá-lo, eles sabem onde encontrar a melhor luz para capturar a foto que eles realmente querem. Agora, iluminação não é algo que você realmente pode ensinar completamente em nosso curso. É bastante complexo. Há muitas coisas diferentes acontecendo e a luz pode realmente afetar sua foto de maneiras diferentes. Mas há alguns tópicos que podem melhorar muito a sua compreensão da luz e os efeitos que ela tem em sua foto. Para este vídeo, há três coisas em que quero me concentrar. A qualidade da fonte de luz, a força da fonte de luz e a direção da fonte de luz. Estas são as três características mais cruciais para entender e essencialmente cada luz que você usa em suas cenas, seja do Sol ou dentro de casa ou o que quer que seja, que pode ser, todas essas três coisas, essas três tópicos vão se aplicar a essa fonte de luz. Começando as coisas, primeiro é a qualidade da fonte de luz e isso significa essencialmente o quão boa essa fonte de luz é. Existem realmente duas categorias que se enquadram na qualidade da luz ou em todas as fontes de luz. Isso é luz natural e luz artificial. A luz natural está se referindo à luz do Sol e a luz artificial está se referindo a luzes como esta que eu estou usando aqui ou um flash ou qualquer luz que não seja do Sol. Para a maior parte e eu acho que, para a maioria dos fotógrafos precisa de luz natural é rei. luz natural é a luz mais bonita , tem a cor mais bonita. Chama-se luz natural por uma razão. Parece tão natural, parece tão bom. Pode ser muito lisonjeiro para os seus súditos. Eu acho que a única vez que a luz artificial é necessária é se você está filmando à noite ou se você é um fotógrafo profissional e você precisa uma configuração de iluminação muito específica que você simplesmente não pode realmente obter do sol porque, O Sol nem sempre é tão confiável. Não se preocupe em usar luz artificial. Não se preocupe em usar flashes ou algo assim. luz natural é incrível e a maioria dos meus fotógrafos favoritos de todos os tempos entendem como usar a luz natural de uma maneira realmente bonita. Qualidade sábia, luz natural e é nisso que eu quero estar focando enquanto este curso continua. O próximo tópico que quero discutir é a força da sua fonte de luz. Quando estamos falando sobre a força da fonte de luz, muitas vezes estamos falando de luz dura versus luz suave. A luz dura é a luz que é muito forte, muito brilhante, resultando em um monte de sombras diferentes, talvez alto contraste, e luz suave sendo a luz que é um pouco mais suave, um pouco mais relaxada, e apenas mais fácil sobre os olhos em geral. A força de uma fonte de luz depende de duas coisas. O tamanho da fonte de luz. Quanto maior a fonte de luz tipicamente, mais suave é a luz e, em seguida, bem como a distância da luz para o objeto. Quanto mais próxima a luz está do seu assunto, na verdade, maior a fonte de luz se torna, e quanto mais longe, menor a fonte de luz se torna. Muitas vezes podemos usar algo chamado difusor para tornar nossa fonte de luz maior. Isso ajuda a espalhar a luz um pouco, suavizá-la e nos ajuda a obter melhores resultados com coisas como Retratos, fotografia de comida ou qualquer fotografia onde não queremos uma luz realmente dura. Por exemplo, se você estiver filmando no meio do dia, no meio do dia, em um dia quente de verão, essa luz vai ser muito difícil. Você vai ter sombras sob os olhos se você estiver tirando um retrato, você vai ter sombras sob o nariz, mas não vai parecer tão bom. Mas se você adicionar um difusor entre o seu assunto e o Sol, bem, isso vai tornar isso agradável e suave e muito mais fácil de atirar. Você também pode filmar no início da manhã ou no final da tarde, que é o melhor momento para capturar a luz natural. Isso é porque é mais suave durante esse tempo. A cor é muito bonita. Muitas vezes é muito dourado e isso é apenas uma bela luz que você pode atirar. Quando se trata de luz dura, não quero que a descarte completamente. Algumas das melhores fotos de rua de todos os tempos foram tiradas em luz muito dura. Isso é porque, como eu disse, acrescenta muitos contrastes, então você também pode obter essas sombras longas realmente duras em sua imagem que podem criar áreas que são um pouco misteriosas, um pouco interessantes, um monte de interessante alinhado, tão luz dura é muito legal e eu acho que é tão interessante quanto luz suave. Experimente filmar em diferentes momentos do dia e isso lhe dará uma melhor compreensão de uma luz dura versus luz suave e coisas assim. O último tópico que eu quero discutir em termos de iluminação pode ser o mais importante de todos os três e que é a direção da fonte de luz. Eu divido a direção da fonte de luz em três maneiras diferentes. Luz frontal, então isso significa que você está filmando com a luz para que a fonte de luz esteja atrás de você, ou talvez bem na frente da câmera. Luz lateral, então a luz está vindo do lado, ele está atingindo seu objeto do lado, e então luz de volta onde você está atirando na luz. Talvez você esteja atirando em alguém dentro de casa e sua janela está atrás dele ou você está atirando em alguém lá fora e o Sol está atrás dele. Todos os três vão mudar drasticamente o resultado da sua foto. Uma das maiores dicas que tenho para você capturar fotos mais dinâmicas com luz mais interessante, é não fotografar com a luz. Não atire com luz frontal. Quando você está filmando com a luz frontal com a fonte de luz atrás de você, ou apenas diretamente na frente da câmera, você não vai obter nenhuma dessas sombras na imagem. Vai iluminar tudo perfeitamente. Tudo vai ser uniformemente iluminado e não vai ser dinâmico. Não vai ser tão fixe. Se você atirar com luz lateral ou luz traseira, você vai obter uma luz muito mais interessante vindo para o quadro. Vais ter sombras por todo o lado. Só vai parecer mais fixe. Pessoalmente, adoro fotografar a luz lateral. Eu acho que é o mais fácil de filmar, porque você não está atirando no sol realmente brilhante e ele apenas parece o melhor e isso vai com todos os tipos de fotografia, fotografia de comida, fotografia de retrato, fotografia de paisagem. Eu sempre tento atirar com qualquer luz lateral ou luz traseira. Eu acho que esta é uma das coisas, se você vai entender isso, você vai se diferenciar de 99% dos fotógrafos lá fora. A iluminação é uma daquelas coisas que tantos cursos negligenciam, mas também é a mais importante e tem o maior efeito na sua imagem. Da próxima vez que você sair e atirar, tente fotografar de diferentes perspectivas de acordo com o local onde sua fonte de luz está. Vá para fora com um amigo, qualquer hora do dia, não importa, e atire neles com o sol atrás deles, para o lado deles e, em seguida, também sobre o sol atrás de você, e basta olhar para as diferenças entre o fotos. Eu acho que você vai aparecer com algumas coisas realmente legais. 9. Manipulando o seu ambiente: Este é um tópico que eu realmente não vi discutido em muitos cursos de fotografia para iniciantes, talvez exceto para cursos de estilo alimentar. O que estou falando é de manipular seu ambiente para obter uma composição melhor ou uma imagem melhor em geral. O que eu quero dizer com isso é basicamente mudar fisicamente seu ambiente ao seu redor para obter uma foto que parece melhor para sua câmera. Se você estiver fotografando um modelo, então isso seria posicionar seu modelo para ficar melhor na imagem. Talvez esteja posando de forma diferente. Você está fazendo eles se levantarem, você está fazendo com que eles se sentem. Acho que esse é o exemplo mais fácil de entender. Então, se você está atirando comida, então isso significa que você pode estar movendo coisas em cima da mesa. Tirar um copo se distrair, ou adicionar talheres para equilibrar a composição ou algo assim. Às vezes, ajustar seu ambiente físico não é possível, então com coisas como fotografia de rua onde você realmente quer ser mãos fora, você só quer deixar as coisas se desenvolverem naturalmente, bem, então você não vai estar fisicamente ajustar o seu ambiente. Mas você pode em outras configurações. Acho que esta é uma das coisas que muitos fotógrafos iniciantes não fazem. Eles vêem uma cena e acham que cabe a eles filmar essa cena. Mas na realidade, você é o fotógrafo, você é o artista. Você pode ajustar essa cena para fazer com que pareça como quiser. Então, se você está indo a um restaurante e eles colocaram um prato na sua frente, você quer tirar essa foto, você não está confinado a tirar essa foto naquele lugar. Mova para o outro lado da mesa. Pergunte se você pode filmá-lo em uma parte diferente do restaurante. Você tem total controle criativo como fotógrafo, então não tenha medo de assumir o controle e ajustar seu ambiente físico. Ajuste as coisas com as mãos, mova as coisas e tente criar uma composição melhor dessa forma. Tudo o que está no seu quadro está trabalhando em conjunto para contar algum tipo de história. Eu realmente quero que você pense sobre todas as coisas diferentes em seu quadro, e é por isso que eu fiz este vídeo não é para lhe ensinar uma lição concreta, mas sim para fazer você pensar sobre como todas as coisas em seu quadro estão dizendo algumas tipo de história e como você pode mudar as coisas nesse quadro para melhor contar essa história ou talvez contar uma história ligeiramente diferente. Pense nisso da próxima vez que estiver filmando algo. Se você está atirando em sua pessoa ou alguma comida, ou até mesmo uma paisagem. Colocar algo em primeiro plano da sua paisagem pode contar uma história completamente diferente. Por exemplo, se você colocar um pedaço de lixo, uma garrafa de água vazia em seu primeiro plano de sua composição, bem, isso poderia ser um comentário sobre mudanças ambientais. Enquanto que se não há garrafa, é apenas uma bela imagem de uma paisagem. Portanto, fisicamente, ajustar o ambiente de sua foto pode realmente ter um impacto profundo. Então eu só quero que você pense sobre isso daqui para frente. 10. Dicas de redes sociais: Agora quero tirar um pouco para falar sobre mídias sociais. Como você bem sabe, as mídias sociais são enormes nos dias de hoje. Em todos os lugares que olhamos em muitas de nossas vidas são consumidos pelas mídias sociais, seja Instagram, YouTube, Facebook, Twitter. Há tantas formas de mídia social lá fora. Mas a razão pela qual eu queria adicionar esta seção do curso é porque, nos dias de hoje, é incrivelmente importante para os fotógrafos estarem nas redes sociais. Na verdade, tornou-se fácil que muitos fotógrafos fotografem quase exclusivamente para as redes sociais. Muitas das fotos que saio e tiro quando estou viajando são filmadas com o propósito de serem postadas no Instagram ou compartilhadas no Facebook ou algo assim, então isso é porque essas plataformas de mídia social são importantes para mim do ponto de vista comercial para a fotografia, e esse é o caso de muitos outros fotógrafos também. Eu só queria adicionar esta seção para dar a vocês algumas dicas de mídia social especificamente relacionadas à fotografia para ajudá-lo a crescer suas mídias sociais ou ter suas mídias sociais como um recurso que você pode usar para marcar mais clientes ou apenas usar como um portfólio no futuro. Só para começar isso, maior parte da minha experiência com mídias sociais no Instagram, vocês podem ter visto meus outros cursos aqui no Instagram. Muitas das coisas que eu vou estar falando estão relacionadas com o Instagram, mas eles também estão relacionados com outras formas de mídia social, bem como, se isso é Facebook, Twitter, YouTube etc A primeira dica de fotografia de mídia social que eu tenho para você é atirar verticalmente. A razão pela qual é importante disparar uma proporção vertical é simplesmente devido ao fato de que muitas pessoas estão consumindo conteúdo em seus telefones hoje em dia. Muitas pessoas estão consumindo conteúdo, estão vendo suas imagens ou seus vídeos do celular, não do computador como costumavam fazer, e porque estão visualizando em um celular, bem, um celular tem uma proporção vertical, o que significa que é maior do que é largo. Quando apresentamos nosso trabalho on-line, queremos ocupar o máximo de imóveis possível. Quanto maior conseguirmos colocar nossa foto no rosto de alguém, mais eles vão ver, mais eles vão reconhecê-la. Só vai afetá-los mais emocionalmente do que uma foto menor. É por isso que queremos filmar verticalmente. Queremos ocupar o máximo de imóveis na tela do smartphone possível. Quando eu digo sapato verticalmente, quero dizer, na verdade, virar sua câmera em uma proporção vertical e tirar uma foto assim. Em vez de fotografar no modo paisagem, deve ser na vertical. Mas com isso dito, não devemos nos limitar totalmente como fotografar verticalmente porque fotos horizontais ainda muito têm seu lugar. Muitos sites ainda querem fotos horizontais porque laptops e computadores telas, eles são uma proporção horizontal. Não se limite completamente a uma proporção vertical quando estiver filmando, mas pense nisso, talvez tire uma foto e uma proporção vertical e tire outra foto em uma proporção horizontal. Você pode voltar atrás e escolher qual deles você acha que é melhor, e talvez você tenha um para mídias sociais e então você tem outro para o seu portfólio do site ou algo assim. A próxima dica de mídia social que eu tenho é provavelmente a maior e isso é consistência. Quando digo consistência, quero dizer consistência de duas maneiras diferentes. Consistência estilística, bem como consistência temática ou de conteúdo. Começando as coisas com consistência estilística. Quando digo isso, quero dizer, todas as suas fotos se encaixam num olhar estilístico semelhante. Talvez seja que todas as suas fotos parecem escuras e mal-humoradas ou talvez o oposto. Talvez eles sejam brilhantes e arejados e talvez eles sejam muito coloridos. Talvez sejam todos preto e branco. Ter alguma consistência estilística é realmente importante para se destacar nas mídias sociais nos dias de hoje, especificamente, se você está filmando para uma mídia social como o Instagram, onde você tem um formato de grade e todas as suas fotos são apresentado em uma grade de nove por nove. É muito importante ter todas as suas fotos parecidas porque então ele mostra alguém quando eles vêm para o seu perfil que esta pessoa tem seu estilo discado. Sei exatamente por que vou segui-los. Estou a segui-los para poder ver mais fotos deste estilo. Uma das maneiras mais fáceis de ter um estilo consistente em sua fotografia, é ter um estilo de edição semelhante com todas as suas imagens. Por exemplo, vi predefinições e muitas vezes, estou usando apenas uma predefinição por meses de cada vez. Agora é a minha predefinição de Auckland. Adoro e uso em todas as minhas fotos e depois faço pequenas adaptações. Todas as minhas fotos têm um esquema de cores semelhante, esquema de iluminação semelhante, e tudo parece estilisticamente semelhante. Se você estiver usando um aplicativo como VSCO ou apenas algum outro aplicativo de filtro ou até mesmo um filtro no Instagram. Escolha um filtro e ir com ele e usá-lo em todas as suas fotos e, em seguida, basta adaptar cada foto para que o filtro se encaixe nessa imagem. A segunda peça de consistência é, conteúdo ou consistência temática. Isso é algo que eu falo fortemente em meus cursos Instagram, e essencialmente, sua página Instagram deve seguir algum tema. Alguns você se identificando como um fotógrafo. Você deve se identificar como um fotógrafo de viagens ou um fotógrafo de comida ou um fotógrafo de moda. Quanto mais específico você conseguir com isso, melhor você vai ficar porque você vai ser capaz de apelar para pessoas que estão procurando por algo muito específico. Se você é apenas um fotógrafo, bem, há milhões de fotógrafos no Instagram. Mas se você é um fotógrafo de cães, bem, isso é muito mais específico e eu acho que você vai ser muito mais bem sucedido porque você pode se destacar de outras pessoas, que é muito importante para as mídias sociais hoje e idade porque há tantas pessoas nas redes sociais. Todos estão nas redes sociais. Encontre algum tema no qual você possa se concentrar. Talvez fotografe flores ou fotografe pessoas, fotografias de rua ou fotografe comida ou café ou o que quer que seja, encontre algum tema para se concentrar e produza conteúdo em torno desse tema. Eu realmente quero martelar neste ponto de consistência. Eu acho que é tão importante e é provavelmente o maior erro que eu vejo as pessoas cometendo nas redes sociais é que eles têm um monte de fotos realmente incríveis, mas simplesmente não há consistência lá. Se é estilística, todas as fotos são apenas estilos muito radicalmente diferentes ou o tema é apenas completamente fora no campo esquerdo. Há uma foto de um cachorro, que é uma ótima foto, e então há uma foto de um avião e outra ótima foto, mas eles simplesmente não combinam. Agora eu quero alertá-lo sobre isso também porque isso também pode limitá-lo criativamente se você apenas sair e você só acertar isso de uma maneira, e você só filmar de uma maneira, e você só postar certas fotos. Bem, então você vai estar se limitando criativamente. Não devias estar a fazer isso quando estás a começar como fotógrafo. Acho que você deveria ter dois Instagrams, ou duas formas de mídia social. Um em que você apenas mais o que diabos você quiser, e depois o outro, você talvez experimente com um estilo mais consistente. Minha próxima dica para você é postar o máximo que puder. Quando eu comecei a ensinar Instagram, eu sempre disse que você só deve postar seu melhor conteúdo. 10 em 10 apenas conteúdo. Mas como socialmente e evoluiu e como eu aprendi mais sobre mídias sociais e mais sobre a criação de um general. Mudei minha mentalidade sobre isso. Acho que deveria postar o máximo que puder. Publique todas as suas fotos porque talvez haja uma foto que você sinta que não é tão boa, mas talvez você poste e todos adorem. Não podemos prever o que as pessoas vão pensar. Poste tudo o que tens, manda-o lá para que as pessoas possam ver. Quanto mais visível você estiver nas mídias sociais, melhor. Sair disso e ser o mais visível possível, você deve se envolver com outras contas. Não importa o quanto você postar, se você não está saindo ativamente e se engajando em comentários sobre fotos e gostando de fotos, ou como esse processo parece na plataforma de mídia social de sua escolha, se você não estiver fazendo isso, então você não vai ser capaz de crescer. A divulgação é muito importante para todas as indústrias do mundo. A mesma coisa funciona com as mídias sociais. Você vai postar fotos, mas você deveria estar saindo e gostando de fotos de outras pessoas e fornecendo feedback e fornecendo críticas e apenas saindo e colocando seu nome lá fora. Quanto mais você conseguir obter seu nome lá fora, mais sua conta será vista, o que significa que você pode crescer e você pode continuar se estabelecendo nas mídias sociais. Minha última dica é: não atire exclusivamente para as redes sociais. Sim, o Instagram é uma peça importante do quebra-cabeça, e outras formas de mídia social também são importantes. Mas você realmente está se confinando se você está apenas filmando para as mídias sociais. Basta atirar o que parece bom e atirar como você quer atirar. Não se preocupe em filmar de uma maneira específica. Basta sair, ser criativo, e apenas tirar tantas fotos quanto você puder, porque isso é a coisa mais importante quando se trata de aprender fotografia e se tornar um fotógrafo melhor. É apenas para perseguir sua criatividade e apenas ir atrás dela e tirar tantas fotos quanto você puder. 11. Encontrando o seu estilo de fotografia: Este é um daqueles assuntos que eu sempre ouço as pessoas dizendo que você não pode ensinar. Claro, estou falando de estilo. Muitas vezes ouço as pessoas dizerem que, você não pode ensinar estilo, que é orgânico, e precisa crescer, e se desenvolver ao longo do tempo por conta própria. Bem, acho que isso é verdade até certo ponto. Existem algumas diretrizes ou um processo que os fotógrafos ou qualquer artista pode seguir para entender melhor a direção que eles querem seguir. dez como crescer em seu próprio estilo único e ter sua própria identidade única. Quando se trata de um fotógrafo, bem, seu estilo é ditado tanto quando estão atirando. Os processos de pensamento que estão passando pela sua mente quando eles estão realmente tirando a foto, então também, como eles estão processando essa foto. Como eles estão editando aquela foto e elaborando a história e aperfeiçoando sua história, na fase de edição. Eu realmente tenho um curso muito detalhado sobre como encontrar seu próprio estilo de edição único. Se você quiser aprender a encontrar seu próprio estilo único e não tem certeza de como navegar por esse processo, você pode conferir isso. Mas para este curso eu quero falar sobre encontrar seu próprio estilo e geral. Tanto a edição como também o processo de filmagem e como você pode criar seu próprio visual exclusivo através dessa maneira. A maneira que eu gosto de explicar isso é um processo. É um processo que você pode seguir para entender algumas das coisas que você gostaria, implementando essas coisas em seu próprio trabalho e depois crescendo e adaptando-se ao seu próprio estilo. O primeiro passo é encontrar sua inspiração. Encontre outros fotógrafos, outros artistas o que eles absolutamente amam, e combine todas essas fotos em um único lugar, seja salvando fotos no Instagram ou tendo livros físicos reais. Seja o que for, encontre suas formas de inspiração e tome nota dessas coisas e olhe para elas com frequência. Depois de encontrar essas formas de inspiração, a próxima fase é imitar. Eu acho que muitas pessoas ouvem isso e pensam, não, eu não quero copiar outros fotógrafos, eu quero ser meu próprio artista único. Minha resposta a isso é que eu acho que imitar outros fotógrafos ou outros artistas é a melhor maneira de aprender. Quero dizer, realmente nos ajuda a entender algumas das coisas que eles estão fazendo e envolve um monte de tentativa e fracasso tentando obter aquele olhar semelhante. Ele realmente empurra seus limites em termos de não apenas sua criatividade, mas também no lado técnico da fotografia. Vais encontrar a tua inspiração e vais imitar as fotos deles, seja lá o que for. Se forem paisagens ou retratos, você vai tentar obter iluminação semelhante. Você vai até tentar editar a foto de forma semelhante. Após a fase de imitação, você vai para a fase de adaptação, onde você vai pegar esse estilo e você vai adaptá-lo. Você pode adicionar algo um pouco diferente, seu próprio estilo. É aqui que o seu próprio estilo único entra em jogo. Depois de adaptar isso, então você vai evoluir e o processo de evolução é um pouco mais longo. Não há um período específico de tempo, mas com o tempo, seu estilo evoluirá para algo que é muito único. Um exemplo que eu gostaria de dar é, quando eu vim pela primeira vez para a Tailândia, eu me juntei com um monte de fotógrafos tailandeses incríveis. Todos eles tinham um estilo semelhante, fotografando café, a cultura do café, sua cena do café, bem como comida e coisas assim. Quando cheguei aqui, eu estava tão inspirado pelo trabalho deles e eu só queria filmar a mesma coisa, então eu fiz, e muito do meu trabalho inicial relacionado à fotografia de comida e café era muito parecido com o deles. Estava quase imitando. Mas com o tempo, meu estilo evoluiu um pouco. Eu não posso te dizer uma hora específica quando aconteceu, mas foi. Se você olhar para o meu trabalho, agora, do que costumava ser, é muito diferente do trabalho deles, e é muito mais único também. Eu acho que ao longo do tempo, você identifica algumas das coisas estilísticas que você gosta em uma foto, você aprende que tipo de história você quer contar, que emoções você quer provocar. Isso vai mudar ao longo do tempo e realmente ajudá-lo a desenvolver seu próprio estilo único. Este é o processo que eu sempre recomendo seguir, encontrar sua inspiração, imitar a inspiração, adaptar a inspiração e, em seguida, evoluir para o seu próprio estilo. 12. Dicas de edição de fotos: Agora eu quero falar um pouco sobre edição, e a edição é tão importante para os fotógrafos hoje em dia. Você tem tanto controle criativo sobre suas imagens, e honestamente muito da minha assinatura digital, minha singularidade e minha fotografia, vem do meu estilo de edição. Todo mundo vai ter um estilo de edição diferente. Algumas pessoas querem um visual mais realista, algumas pessoas querem um look mais estilizado com um monte de cores realmente loucas, e apenas um estilo muito diferente, algo muito longe da realidade. Isso não importa. O que quiser, seja lá o que for atraído, vá atrás dele. Edite uma foto da forma que quiser editá-la e não deixe que outra pessoa diga que seu estilo de edição está errado, porque no final do dia, não está. Para esta lição, usarei o Adobe Lightroom e mostrarei duas fotos diferentes que fotografei. Este primeiro foi fotografado por volta das seis horas da manhã em um templo de montanha na Tailândia. Realmente incríveis lugares bonitos chamados Doi Suthep é em Chiang Mai, Tailândia. Fotografei este monge por trás, e ele está a passar por uma das suas orações matinais. Então a próxima imagem, aqui está apenas uma xícara de café que eu fotografei na Nova Zelândia cerca de um ano atrás. Um tiro simples, mas vou mostrar a vocês como podemos transformá-lo completamente em algo muito legal. Agora, antes de mergulhar nessas edições, quero dizer que tenho um curso sobre o Adobe Lightroom. Esse curso irá orientá-lo por todas as diferentes funções do Lightroom. Divida cada pequeno controle deslizante, cada pequeno detalhe e, em seguida, também dê mais dicas para encontrar seu próprio estilo de edição exclusivo e como você pode seguir esse processo. Mas com isso dito, vamos mergulhar nessas imagens, e eu vou mostrar a vocês algumas dicas básicas de edição aqui. Começando as coisas com esta imagem de Doi Suthep aqui, primeiro lugar, apenas um tiro tão legal aqui, filmou isso em 35 milímetros F1.4, ISO 100, então é 1.4. Você pode ver aqui isso é tudo agradável e embaçado e ele é bom e afiado. Mas uma das primeiras coisas que vejo aqui é que a composição é bastante ruim. Este poste de luz aqui, esta porta não parece bom. A primeira coisa que vou fazer, vou superar isso aqui, clicar aqui e que eu vou descer aqui, clique quatro por cinco. Isso vai ser postado no Instagram, é por isso que eu estou cortando, proporção de quatro por cinco, e então eu vou arrastá-lo aqui e apenas me livrar completamente dessa coisa lateral aqui. Arraste-o um pouco para baixo, e eu quero isso simétrico, eu quero isso no meio aqui. Eu acho que parece bom, e então eu vou rolar até aqui. Vou pular todos esses recursos. Eu vou para Transformar e eu vou para “Auto”. Agora, Auto vai alinhar tudo para que pareça mais simétrico. Agora temos ele no centro com esta pintura e estes postes de piscina aqui, e tudo parece muito bom. Agora eu vou voltar para cima e eu vou começar com a edição real. Esta é a seção de edição básica, o balanço de branco, eu vou deixá-lo onde está, eu acho que parece muito bom, eu poderia voltar a isso. Vou reduzir os destaques, talvez 15 e aumentar as sombras talvez cerca dos mesmos 15. Isso vai aumentar um pouco o nosso alcance dinâmico, obter mais detalhes nas sombras, mais detalhes nos destaques. Eu vou descer aqui para os brancos. Acho que vou deixar brancos, talvez subir uns cinco, só um pouco, e depois vou deixar os negros onde estão. Claridade é algo que eu costumava aumentar, mas agora eu realmente gosto de diminuí-la. Talvez uns 15, e depois vou mostrar-te como o farei sobressair mais tarde. Agora rolando para baixo até a Curva de Tom. Este é o lugar onde você pode realmente criar alguns olhares realmente legal. Eu sempre gosto de fazer o que é chamado de curva S básica. Curva em S é onde muitos fotógrafos estão usando hoje em dia, ele apenas dá a sua foto tipo de um olhar suave, mantendo o alto contraste nas áreas de tom médio. Eu vou clicar aqui, eu vou arrastar isso para baixo, e isso vai deixar nossa foto mais escura, mais mal-humorada, voltar para o meio, trazer isso para o meio ali, e então eu vou trazer os destaques aqui, no terceiro ponto, e então eu vou ir em frente e arrastar os cantos para baixo. Este canto eu vou arrastá-lo para cima, e isso vai suavizar aqueles negros. Torná-los agradáveis e macios e realmente fácil para os olhos. Mesmo que as fotos realmente escuras aqui, nós temos áreas muito escuras, é agradável e suave a partir daquela Curva de Tom lá. Essa é uma curva S básica lá você pode ver um parece com um S. Agora vamos rolar para baixo até os controles deslizantes de cor HSL. matiz está se referindo basicamente ao que matiz dessa cor é, ou o vermelho, é mais rosa, ou é mais laranja? O azul, mais verde ou mais roxo? Como você pode ver o que ele faz apenas com este saco aqui. Muito legal. Não vamos fazer nada muito importante. Mas uma das primeiras coisas que vou fazer é ir para Saturação. Só vou dessaturar um pouco a laranja. Acho que é muito forte. Então também vou dessaturar um pouco o vermelho. Acho que o vermelho é muito forte nesse tapete. Só um pouquinho. Porque agora estamos ficando um pouco dessaturados de olhar para a nossa imagem. Talvez só dessaturar o vermelho e depois menos o laranja. Nós temos isso se destacando menos, mas a laranja realmente está aqui fora. Eu acho que o azul, eu acho que todas as outras cores estão bem aqui. Então podemos ir para a Matiz e ajustar as cores se quisermos. Mas honestamente, acho que a câmera fez um bom trabalho ao capturar as cores aqui nesta imagem. Eu realmente não vou mudar muito em relação ao Hue lá. Agora rolando para baixo até Correção da lente. Gosto de clicar em Remover Aberração Cromática. Mas eu sempre gosto de clicar em Ativar correções de perfil. Correcções de perfil vai basicamente olhar para a sua lente e, em seguida, livrar-se de qualquer distorção por aqui. Mas muitas vezes gosto de ter um pouco de vinheta natural. Mas eu acho que, na verdade, neste caso, ele fica bem com a correção de perfil nele. Ilumina tudo ao redor. Então eu posso adicionar minha própria forma de vinheta aqui. Quando eu rolar até aqui, eu posso trazer essa vinheta para baixo e isso só vai adicionar um pouco de escuridão ao redor dos cantos, dar um olhar mais temperamental. Para aqueles de vocês que viram meu Instagram, vocês sabem que eu amo aquele olhar temperamental, então tenho que ter aquele olhar mal-humorado. Agora, a calibração aqui, você pode realmente transformar as cores em sua imagem em algo muito selvagem. Mas como disse antes, gosto das cores que temos. Eu quero que ele seja mais de um olhar realista, então eu não vou usar esses controles deslizantes aqui. Mas se você quiser, você pode criar algumas combinações de cores muito legais. Isso é algo que eu realmente realço em meu outro curso, onde eu me concentro em todos os controles deslizantes do Adobe Lightroom e todos os diferentes. Pode verificar se estiver interessado. Mas agora temos uma boa edição. Há o antes, há o depois, antes e o depois. Então podemos entrar e fazer pequenas mudanças. Eu sempre gosto de voltar para os controles deslizantes básicos e fazer pequenos ajustes, e apenas ter certeza de que tudo parece bom e parece onde ele precisa estar. Talvez eu venha aqui, ajuste um pouco a temperatura. Eu também vou reduzir a Vibração um pouco, eu acho que é um pouco vibrante. A última coisa que vou fazer é adicionar um Pincel de Ajuste Seletivo aqui. Aumente o Clarity para 25 ou mais. Depois vou pintar as costas dele. Isso só vai garantir que ele é bom e afiado e em foco e todos os detalhes sobre ele. Mas o resto da imagem está meio embaçada e com poucos detalhes, então podemos nos concentrar nele especificamente. Mas foi assim que terminei esta foto. Há antes, depois, antes e depois. Acho que isso parece muito bom. Essa é uma foto que eu definitivamente postaria nas redes sociais. Bonito, olhar temperamental escuro. Passando para esta imagem, esta é uma imagem que eu fotografei, como eu disse na Nova Zelândia, e é uma boa foto, parece muito legal. Agora, para editar esta foto, vou fazer a mesma coisa. Eu vou entrar e eu vou cortá-lo, torná-lo quatro por cinco proporção. Vou cortá-la aqui. Então eu também vou endireitá-lo para ter certeza que a xícara de café é agradável e reta. Aperte “Enter” ali. Temos uma boa composição lá. Na verdade, vou começar com a Exposição. Vou aumentar a exposição porque está um pouco escuro. Esta imagem é um pouco escura. Talvez apenas 0,30. Então eu vou aumentar o calor um pouco só porque eu acho que esta foto vai ficar bem, um pouco mais quente. Eu vou descer aqui e derrubar os destaques, talvez 15. Igual à última foto. mesmo com as Sombras, trazê-los para cima um pouco. Aumente nossos brancos aqui um pouco só porque ele realmente vai fazer este copo se destacar e então nós também podemos baixar aqueles negros. Isso só vai adicionar um monte de contraste e dar-lhe apenas um olhar mais ousado. Isso já parece muito melhor. Parece muito bom. Vou deixar a Clarity onde está. Eu não acho que precisamos baixá-lo porque isso já é bem suave. Esta foto, a propósito, foi filmada a 85 milímetros F1.4. É muito macio porque foi filmado a 1,4. Toda essa área, agradável e fora de foco e isso é agradável, nítido e afiado. Temos foco supremo nesta imagem. Isso foi uma piada idiota. Agora entramos na Curva de Tom aqui e fazemos a mesma coisa. Vou arrastar este ponto inferior para baixo, fazer um ponto no meio, e então também fazer um ponto em cima. Agora você pode ver o que isso está fazendo com nossa imagem; está ficando muito ousado agora, muito alto em contraste. Eu vou amolecer aumentando este canto aqui, e então a mesma coisa com os Destaques, derrubar isso um pouco. Temos a nossa curva S. Você sempre pode voltar para cima e aumentar nossa Exposição se necessário, e ajustar as edições básicas. Eu sempre gosto de voltar para eles porque a Curva de Tom vai afetar isso. As cores vão afetá-lo, tudo vai afetar um ao outro. Chegando ao HSLs coloridos. Honestamente, acho que não há muitos ajustes que eu faria nessa imagem. Gosto de todas as cores daqui. Acho que todos pareciam muito bons. Podemos tentar ajustar a Luminância, talvez aumentar o vermelho um pouco só para destacá-lo. Mas na maior parte, não há muito que eu faça aqui e está tudo bem. Muitas das câmeras de tempo fazem um bom trabalho de captura de cores e não há muito que você precise mudar. Descendo para a Correção da Lente. Eu vou deixar isso fora neste caso. Mas vou alegrar um pouco a foto. Um pouco mais aqui, 45. Traga o estilo Black, um pouco. Temos um visual de alto contraste agradável. Há o antes, há o depois ou depois. Acho que parece muito bom e talvez um pouco de vinheta. Mas agora o que eu quero fazer é, nós temos esta janela aqui e podemos ver que há muita luz entrando debaixo do copo, mas ainda está realmente escuro. Agora podemos adicionar um filtro graduado aqui e eu vou arrastá-lo sobre esta parte. Então eu vou aumentar a exposição aqui e eu vou trazer um pouco de luz através daquela janela; e parece totalmente natural. Parece que há muita luz entrando naturalmente por aquela janela. Mas pouco você sabe, é de um filtro graduado. Então podemos ir para o outro lado e ir para o outro lado e torná-lo mais escuro. Isso se chama “Queimar e Esquivar”. Ele melhora as áreas realçadas e as áreas escuras na imagem para apenas tornar a imagem mais dinâmica. Agora temos uma bela área escura aqui, bela área brilhante aqui, e a divisão é bem no meio e eu acho que é uma boa edição. Que alguma edição que eu iria postar totalmente. Aqui está o antes, aqui está o depois, aqui está o antes, aqui está o depois. Diferença dramática, e acho que parece muito bom. Estas são apenas dicas básicas de edição, pessoal. Quero dizer, há tanta coisa que você pode fazer com esses programas. Eu só queria orientá-lo em algumas edições diferentes só para mostrar como eu editaria uma foto e como eu faria esse processo. Normalmente, eu faço isso com predefinições. Eu tenho presets que eu uso. Geralmente uso uma ou duas predefinições e uso todas nas minhas fotos para que eu possa ter essa aparência consistente nas minhas imagens. Vocês querem ver aqueles lá fora disponíveis em nosso site, seandalt.com/lightroom-presets. Se quiser verificar, sabe onde encontrá-los. Mas estas são algumas dicas básicas de edição e espero que você as tenha achado úteis. 13. Conclusão: Muito bem, pessoal, vocês finalmente chegaram ao fim. Nós conversamos sobre muitas coisas neste curso, e honestamente, eu realmente espero que tenha sido útil para você. Falamos sobre composição, falamos sobre como usar sua câmera, falamos sobre iluminação, falamos sobre mídias sociais, há muita coisa neste curso, e espero que haja algumas pedras preciosas lá para você que você pode pegar, e seguir em frente. Quando comecei este curso, eu disse que, há tanta informação lá fora, mas há apenas tanta coisa que você realmente precisa saber, para se tornar um bom fotógrafo, e eu acho que eu fiz um bom trabalho cobrindo todos aquelas coisas que você precisa saber, fim de se tornar um bom fotógrafo. Mas agora, a coisa mais importante para você, é sair e filmar, sair e criar, e apenas ser ativo, e apenas ir atrás disso. Eu disse que algumas vezes ao longo destes cursos, você tem que ser enérgico, você tem que querer, você tem que ser apaixonado por isso, porque a fotografia é um ofício, é uma arte, e é muito divertido quando você investiu nele. Você pode ir em algumas aventuras absolutamente incríveis quando você está perseguindo essas fotos incríveis, ou talvez você está apenas saindo com um amigo e tirar alguns retratos, ou você vai a um restaurante para filmar alguma comida. Seja qual for o processo criativo, pode ser uma aventura, e é por isso que a fotografia é tão divertida. Agora é hora de sair e fazer esse projeto do curso, sair e tirar 50 fotos diferentes de um item, voltar, postar no curso, eu vou conferir, outros vão conferir, eu vou pensar que vai ser o primeiro passo para você avançar do ponto de vista criativo. Mas eu honestamente quero saber o que vocês acham do curso. Se você pudesse apenas tirar alguns segundos para deixar uma revisão rápida aqui no final do curso, isso seria realmente incrível, muito útil para mim. Eu realmente amo ouvir de vocês, e se você tiver alguma dúvida, sinta-se à vontade para me enviar um e-mail para sean@seandalt.com, ou me siga no Instagram e me envie uma mensagem. Adoro ouvir de vocês, adoro me conectar. Dito isso, pessoal, mais uma vez, espero que tenha sido útil para vocês, e honestamente, mal posso esperar para vê-los no próximo curso. Eu tenho mais alguns cursos chegando aqui em breve, e eu espero vê-lo nesses cursos também. Muito obrigado rapazes, e espero que tenham um dia fantástico, uma semana fantástica, um ano fantástico, uma vida fantástica. Vejo vocês mais tarde.