Fundamentos de arte de fundo para animação: vá do iniciante ao Pro

1. Fundamentos de arte de fundo para Animation_SKILLSHARE: Olá, bem-vindo aos fundamentos da arte de fundo para animação. Um guia completo sobre como criar arte com aparência profissional para um filme animado ou um programa de TV. Esta aula também é um guia completo sobre as especificações exatas do trabalho de um artista de fundo em um estúdio de animação. Meu nome é Siobhan. Sou um dos melhores professores aqui no Skillshare e tenho mais de 15 anos de experiência trabalhando como artista de fundo na indústria de animação em Dublin. Eu fiz esta aula para ajudá-lo se você já é ilustrador digital, mas acha que estão faltando alguns elementos fundamentais em sua arte. Ou você quer poder criar seu portfólio e mostrá-lo aos estúdios de animação. Também me assegurei de que essa aula seja perfeita para iniciantes que desejam mergulhar no mundo da arte digital e começar sua jornada para se tornar um artista profissional de fundo. Hoje, você aprenderá exatamente como é trabalhar no setor. Você aprenderá a especificação exata do trabalho de um artista de fundo o que fará todos os dias no estúdio, bem como o que se espera de você em termos de fluxo de trabalho e da arte que você produz. Você também aprenderá os princípios fundamentais de um bom design. Vou te ensinar os conceitos usados na produção de filmes, e esses conceitos formarão sua estrutura para a arte de fundo, a fim de garantir que você crie arte que apóie a história, bem como arte bonita de se ver. Depois disso, vou te ensinar o conjunto exato de habilidades que você precisa desenvolver. Você aprenderá como fazer pesquisas visuais. Você aprenderá em quais habilidades de desenho se concentrar e em quais habilidades de pintura se concentrar. arte digital pode ser extremamente ampla, mas ao se concentrar no conjunto certo de habilidades, você poderá criar seu portfólio muito rapidamente. Juntos, analisaremos as quatro principais armadilhas em que todo iniciante cai, para que você possa evitar esses erros comuns e criar uma arte com aparência mais profissional. Na seção final da aula, juntaremos todo esse conhecimento e trabalharemos em um grande projeto de aula. Você poderá desenhar o layout e pintar o plano de fundo final desta Vila Viking. Essa não será apenas uma grande peça de portfólio para você, mas também algo que você poderá mostrar aos clientes e aos estúdios. Porque esse histórico demonstra todos os aspectos e habilidades importantes que você precisa para ser contratado. Meu objetivo nesta aula não é apenas ajudá-lo passo a passo durante todo o processo de aprendizado desse conjunto de habilidades único e valioso. Mas também quero garantir que , ao compartilhar minha própria experiência profissional, você possa se sentir confiante em seguir em frente em sua carreira artística e dar os próximos passos para se tornar um artista profissional de animação. 2. Apresentação: Nesta introdução, vou explicar como a aula está estruturada, como abordar cada seção e também quero explicar o pacote de pincéis que deixei para você. A primeira seção desta aula trata das ferramentas do ramo e da especificação real do trabalho de um artista profissional. Vou explicar o que você fará no estúdio e detalharei os principais princípios de design com os quais você precisa trabalhar para criar arte profissional. Vou explicar especificamente a diferença entre ilustração e arte de fundo. Vou explicar termos comuns, como artista de fundo, artista conceitual, designer de ambiente, artistas de layout, para que não haja confusão e você saiba exatamente o que fará no estúdio quando for contratado. Em seguida, na segunda seção, quero explicar o conjunto de habilidades básicas de um artista de fundo. Isso pode não ser o que você espera. Eu trouxe isso de volta às habilidades essenciais absolutas nas quais você precisa trabalhar e desenvolver. Vamos eliminar toda a penugem deixar bem claro as principais coisas nas quais você precisa se concentrar para melhorar rapidamente. Em seguida, na seção final usaremos todo esse conhecimento em uma grande pintura de fundo. Agora, não se preocupe se isso parecer um pouco avassalador, detalhado e complexo. Eu vou te guiar passo a passo durante todo o processo. Nesta aula, fazemos um desenho de layout primeiro, mas você é mais do que bem-vindo quando se trata de usar meu próprio desenho de layout, se quiser apenas praticar pintura. Estou plenamente ciente de que nem todos os pintores de fundo estão interessados em desenhos de layout. Tudo bem se você decidir se concentrar apenas na cor e na pintura. Mas eu encorajaria você a assistir aos vídeos de desenho para conhecer o processo e conhecer as etapas quando se trata de trabalhar em um ambiente de estúdio profissional. Se você conseguir fazer o desenho e a pintura digital , terá duas peças de destaque para seu portfólio. Isso demonstrará aos estúdios que você pode desenhar qualquer coisa e que tem uma compreensão muito clara de todo o processo de produção. Durante todo o processo de pintura, vou usar vários pincéis de textura. Se você já fez alguma das minhas outras aulas de design de fundo, é provável que já tenha a maioria desses pincéis. Mas deixei os pincéis específicos que uso nesta aula em um pacote próprio. O que você pode fazer é ir até a guia de projetos e recursos na área de trabalho, baixar o arquivo lá e, em seguida, arrastar esse arquivo até o ícone do Photoshop e soltá-lo. Ao abrir o painel de pincéis, você verá essa pasta adicionada na parte inferior da pilha. Então, quando você terminar seu projeto, não se esqueça de publicá-lo na seção do projeto. Ficarei muito feliz em lhe dar feedback ou responder a quaisquer perguntas que você tenha. Agora, apenas uma nota, deixei minha pintura final propositadamente vazia de coisas porque quero que você experimente e adicione mais coisas. No final desta aula, vou lhe dar o desafio de adicionar mais parafernália Viking ao seu plano de fundo. Você pode colocar um barco comprido no porto, por exemplo ou uma carroça quebrada ou uma pilha de armas quebradas, qualquer coisa que você ache que esse plano de fundo precise. Eu adoraria ver sua interpretação do resumo e ver o que você vai inventar. 3. As ferramentas de um artista de fundo: Nesta lição, vou explicar as ferramentas que você precisará para esta aula e para qualquer trabalho que você fará como artista de fundo. As principais ferramentas que quero destacar são suas ferramentas de software e hardware e os pincéis. Pessoalmente, vou trabalhar no Adobe Photoshop para esta aula. Mas você pode usar qualquer aplicativo de pintura digital de sua preferência e pode me acompanhar. Já que vamos nos concentrar em habilidades e abordagens específicas que você precisa desenvolver como artista de fundo. O software não importa muito, desde que você possa aplicar essas técnicas ao aplicativo específico em que está trabalhando. A razão pela qual eu escolho o Photoshop em vez de algo como o Procreate ou qualquer outro aplicativo, especificamente para essa classe em particular, é porque o Adobe Photoshop é o padrão da indústria. Se você quiser mostrar seu trabalho para um estúdio em potencial e conseguir um emprego como artista de fundo, será uma graça poder demonstrar a eles que você pode usar software de nível profissional, como o Photoshop. A arte de fundo para estúdios de animação profissionais quase sempre é feita no Photoshop. O principal motivo, além do fato ser um programa muito robusto, ele pode criar arquivos enormes com pouco ou nenhum problema. Mas a principal razão além disso é que, em qualquer plano de fundo, você realmente precisa ser capaz de trabalhar com várias camadas, se não dezenas de múltiplas. É aí que eu acho que Photoshop está à frente da curva em termos de sua capacidade de lidar dinamicamente com tantas camadas. Na animação, não apenas todas essas camadas se tornam necessárias para criar pinturas complexas, mas muitas vezes alguns dos elementos do plano de fundo precisarão ser animados por si mesmos e, por esse motivo, precisam estar em camadas separadas. Se você está empenhado em aprender a arte e a arte do design de fundo , recomendo fortemente que experimente o Photoshop. Você não precisa comprá-lo. Você pode testá-lo por um tempo por algumas semanas e ver se gosta. A outra ferramenta que você precisará e essa que você realmente não consegue usar é ter um tablet de desenho e uma caneta. Se você estiver no iPad, precisará de um lápis Apple. Mas se você estiver em um laptop ou desktop, poderá comprar um tablet de desenho barato. Mas, novamente, posso incentivá-lo a investir em um produto decente e de boa qualidade, como o Wacom. Minha configuração é muito, muito simples. Eu uso um Wacom Intuos Pro. Não é nada chique. Eu tenho isso há anos e nunca me decepcionou, e é ótimo. Eu recomendo muito. Então, a última ferramenta que quero destacar é seu pacote de pincéis. Agora, já foi dito muitas vezes que você deveria ser capaz de pintar algo complexo com os simples pincéis padrão do Photoshop. Mas sejamos honestos, você quer ter uma ampla seleção de pincéis de textura para criar uma ampla variedade de texturas muito rapidamente. Para esta aula, deixei alguns pacotes de pincéis para você baixar, experimentar e usar em seu próprio projeto de aula e em seu trabalho futuro. Mas também quero que você saiba onde encontrar pincéis e onde começar a criar sua própria biblioteca de pincéis. Meu mercado preferido para encontrar pacotes de pincéis incríveis é o Gumroad. Eu recomendo que você compre seus pincéis de artistas de lá. Outro lugar que você também pode conferir é o ArtStation. Definitivamente, faça sua pesquisa, invista em pacotes de pincéis que você acha que usará e saiba que existem muitos recursos disponíveis para você. Você não precisa se limitar ao que tem no Photoshop ou no aplicativo em que está trabalhando. Eu não quero que você sinta que isso está te restringindo. Na próxima lição, darei uma breve visão geral do meu próprio espaço de trabalho do Photoshop e de como você pode configurar o seu para se parecer com o meu. 4. Visão geral do espaço de trabalho: Nesta lição, vou examinar meu espaço de trabalho específico do Photoshop, como eu o configurei para que você possa combinar seu espaço de trabalho com o meu, se você mesmo estiver me seguindo no Photoshop. Vou abrir meu Photoshop. Depois de carregada, a tela de boas-vindas padrão é aberta. Vou até aqui para Novo Arquivo e clicar nele para começar. Vou alterá-los para, vamos usar apenas um tamanho normal de tela 1920 por 1080, que é praticamente o tamanho de tela padrão. Se você quiser colocá-los, você pode digitar os números aqui em cima. A única outra que você pode querer alterar é a cor RGB. Apenas certifique-se de que esteja em RGB e não em CMYK, em tons de cinza ou algo parecido. A cor RGB é o perfil de cores de qualquer arte de tela. Vamos trabalhar em RGB. Clique em “Criar” e, em seguida, é assim que meu Photoshop está configurado. Eu queria ressaltar que se você chegar até esse pequeno ícone aqui em cima e clicar nele, esse layout será salvo como espaço de trabalho de Siobhan. Digamos que você se abra e esteja usando algo parecido com isso. Deixe-me fechar isso. Talvez o seu até seja mais ou menos assim. Essencialmente, você terá todas as suas ferramentas de desenho, pintura, manipulação e edição no lado esquerdo da tela. À direita, você terá muitos painéis. Minha preferência pessoal ao criar obras de arte, como designs de fundo para animação é ter o máximo de espaço possível na tela. A primeira coisa que eu faço é colocar esses menus de volta na lateral. Todos esses ícones são menores. No entanto, vou pegar algo como camadas e vou simplesmente clicar e arrastar para fora. Vou garantir que isso seja bem visível. Vou arrastá-la até ver essa linha azul no lado direito, e então vou soltá-la. Agora, isso vai ficar em seu próprio documento, se você quiser. O outro painel que eu gosto de abrir é meu painel colorido. Como não está aqui, esse é um bom exemplo do que fazer. Se você perceber que algo que você deseja ainda não está aninhado à direita, basta ir até a Janela e encontrá-lo aqui, neste menu suspenso. Aqui está a cor. Vou clicar nele e ele se abre como uma janela flutuante. Novamente, vou clicar e arrastar. Desta vez, vou aninhá-lo nas camadas superiores acima. Agora tenho camadas e tenho minha cor. Essas são realmente as duas janelas mais importantes que eu preciso acessar durante todo o processo. Agora, esteja ciente de que sua janela colorida pode não parecer a mesma que a minha. Isso não é um problema. O seu pode muito bem ficar assim. Ou, às vezes, pode ser exibido assim. Na verdade, tudo o que é é simplesmente uma maneira de visualizar o espectro de cores. Pessoalmente , gosto de vê-la nesta roda de cores porque ela me dá uma compreensão muito boa e rápida de onde está minha cor e também onde a saturação dessa cor está a saturação dessa cor ou o brilho ou a escuridão dessa cor. Este controle deslizante superior aqui onde diz H, essa é a tonalidade. Essencialmente, você pode arrastá-lo e notar esse pequeno cursor girando ao redor da roda. Digamos que você quisesse um verde, tudo bem. Abaixo desse controle deslizante, você pode definir a saturação para deixá-la completamente dessaturada ou com um verde muito saturado. Neste controle deslizante aqui onde diz B, você pode ajustar o brilho. Essencialmente, pode ser até a versão mais escura, que é preta. Você pode arrastá-lo até a versão mais clara dessa tonalidade. Então, no lado direito, esses são seus pincéis, suas ferramentas de desenho e ferramentas de borracha. À medida que avançamos na aula e passaremos passo a passo por todo o processo de desenho e pintura, explicarei cada etapa que fazemos e explicarei todas as ferramentas usadas. Mas eu só quero que você saiba que as principais ferramentas com as quais vamos trabalhar são a ferramenta de pincel. Se você clicar nele ou pressionar B no teclado, o pincel aparecerá. Aqui em cima, você pode definir o tamanho ou a forma do pincel, diferentes parâmetros como esse. Você também pode vir até aqui e afetar a opacidade do pincel que está usando. Você pode afetar o fluxo. Geralmente, eu nunca mudo o fluxo do pincel, mas geralmente arrasto a opacidade do meu pincel para baixo só porque isso pode ajudar pintura e produzir bons efeitos de acumulação. Você também pode, quando estiver no modo pincel, clicar com o botão direito do mouse em qualquer lugar na tela com o pincel selecionado, e isso lhe dará um acesso muito rápido ao menu de pincéis. Mais tarde, falarei sobre os pincéis que deixei para você. Eu tenho um monte de pincéis de paisagem e alguns pincéis de pintura, quebre-os ou pincéis de pintura que vou deixar para você baixar e você pode experimentar com eles e experimentar diferentes e ver quais darão os efeitos que você está procurando. Quando você está pintando e está misturando ou misturando cores em qualquer lugar, como você pode ver, se a opacidade estiver baixa, você pode pintar sobre cores e criar essencialmente uma cor totalmente nova. Um dos fluxos de trabalho que eu realmente gosto de usar é que, enquanto trabalho com o pincel, posso manter pressionada a tecla Option ou Alt no teclado. Isso é uma alternância entre qualquer ferramenta que você esteja usando e o conta-gotas. Se eu estiver no modo pincel e clicar em Option ou Alt, posso selecionar rapidamente a nova cor na minha tela e pintar com ela, que proporciona uma mistura muito boa. Outra ferramenta que eu quero destacar e apenas ter certeza de que você sabe, pode identificar onde ela está no seu teclado. Bem, duas outras ferramentas, mas a única é a caneta aqui embaixo. Basta pressionar P no teclado e isso deve abrir a ferramenta da caneta. A maneira de trabalhar com a ferramenta caneta é literalmente clicar e arrastar nesses pontos vetoriais. Depois de clicar em qualquer espaço em seu Canvas, isso cria um ponto vetorial. Se você clicar e arrastar ao mesmo tempo, poderá criar alças. Essas alças podem ser movidas para afetar a forma da curva que você está desenhando. Se você colocar aqui, há uma amostra branca embaixo das minhas amostras, e é por isso que essa forma parece não ter nada nela, mas na verdade está cheia de branco. Para alterar a cor disso, basta clicar duas vezes no ícone da camada e escolher uma nova cor no seu seletor de cores. Clique em “Ok”. A outra ferramenta com a qual trabalharemos muito para pintar é a ferramenta de laço. Aqui em cima, você pode clicar e segurar esse ícone e verá que existe a ferramenta de laço em três tipos diferentes. Há o laço regular, o laço poligonal e o laço magnético. Eu realmente nunca uso o magnético. Acabei de trabalhar entre o laço normal e o polígono. Mas explicarei mais detalhes como trabalhar com eles quando entrarmos em outra seção em uma seção posterior da aula. Avise-me se tiver alguma dúvida sobre como configurar seu próprio espaço de trabalho do Photoshop. Quando estiver pronto, nos vemos na próxima aula. 5. Usando as ferramentas de pintura e desenho: Nesta lição, quero examinar algumas das ferramentas específicas que usarei ao longo deste curso e dar uma breve visão geral no início para que você saiba o que esperar ao usá-las, mas explicarei passo a passo, cada uma das ferramentas ao longo do processo de desenho e pintura posteriormente. Mas talvez você queira marcar esta lição como favorita e consultá-la novamente se uma das ferramentas com as quais você trabalha não se parece exatamente com a minha. As principais ferramentas de desenho e pintura que eu uso são a ferramenta Lasso, a ferramenta Pen, a ferramenta Brush e a ferramenta Bucket. Outra ferramenta que eu gostaria de destacar é o conta-gotas ou a ferramenta de seleção de cores. Vamos examinar cada um deles agora. A ferramenta Lasso, que é L no seu teclado, está aqui. Se você pressionar “L”, verá que ele é selecionado. Basta ir até lá, clicar e segurar a ferramenta e você verá que existem três tipos diferentes: regular, polígono e magnético. O Lasso normal permite que você desenhe à mão livre, desenhando curvas e é quase como desenhar com um lápis ou uma caneta. O que acontece é que você obtém uma seleção com base no que acabou de desenhar. Você pode preencher essa seleção, pressionar “G” no teclado para abrir a ferramenta Bucket e ela será preenchida com qualquer cor que esteja no primeiro plano de suas amostras aqui. Mas você também pode usar isso para criar efeitos de pintura interessantes. Se eu pressionar “B” em vez disso no teclado, abrir a ferramenta Pincel e escolher um dos meus pincéis de pintura, você verá que ele oferece uma maneira única de pintar e criar formas. O polígono Lasso desenhará uma forma de um ponto a outro, então você precisa clicar na tela e isso cria os pontos e, em seguida, você pode fechá-la quando terminar. Então, sua seleção está ativa e você pode fazer isso exatamente da mesma forma que antes. Você pode usar a ferramenta Pincel ou a ferramenta Paint Bucket, conforme desejar. Agora, há uma maneira de combinar o polígono e o laço normal ao desenhar. É muito útil e é algo que eu uso muito se estou desenhando uma forma complexa que precisa ou requer tanto uma linha reta quanto uma linha curva, e você me verá usando muito isso nos estágios posteriores da minha pintura de fundo. Mas eu queria te mostrar como fazer isso agora, então deixe-me criar uma nova camada. Pressione “L” no meu teclado e agora estou no modo Polígono da ferramenta Lasso. Vou começar a clicar em uma forma e obterei minhas lindas linhas retas. Mas se nesse estágio eu quiser fazer uma linha curva, o que vou fazer é manter pressionada a tecla Option ou Alt no teclado e começar a desenhar uma linha curva como essa. Vou lançar Option ou Alt e depois volto para a linha reta. Pressionando Alt ou Option para obter aquela bela curva. Essencialmente, manter pressionada a tecla Option ou Alt permite que você alterne entre o Laço normal e o Laço Polygon. Vamos ver. Também funcionará se estivermos no Lasso normal. Estou desenhando uma linha curva e agora quero ir para uma linha reta e manter pressionada a Option ou Alt no teclado. Essa é a ferramenta Lasso. É muito útil desenhar e pintar, e a outra ferramenta que eu uso para desenhar e pintar é a ferramenta Caneta. Vou apertar “P” no meu teclado e isso vai selecioná-lo ali mesmo. Se você clicar e segurá-la também, verá que existem diferentes tipos de ferramentas de caneta, da mesma forma que existem diferentes ferramentas Lasso. Eu geralmente uso apenas a ferramenta normal de caneta. É uma ferramenta maravilhosa. Você pode clicar no seu Canvas para criar esses pontos vetoriais e, em seguida, clicar e arrastar para criar essas alças. Depois de criar essas alças, você pode afetá-las pressionando Option ou Alt no teclado e arrastar seus pontos vetoriais. Depois de criar a forma e quiser realmente voltar e alterar alguns dos pontos do vetor, clique na forma em si. Você verá que a forma agora está ativa e seguida, mantenha pressionada a tecla Command ou Control no teclado. Isso abrirá a ferramenta de subseleção e, se você clicar nos pontos, poderá editá-los diretamente, agarrá-los e mover as alças, se necessário. Então essa é a ferramenta Caneta. Agora, a única coisa que eu quero mencionar sobre a ferramenta Caneta é que você precisa ter certeza de que seus parâmetros são iguais aos meus. Venha até o topo aqui. Na parte superior, aqui estão as propriedades de cada ferramenta que você seleciona. Eu sempre tenho o meu definido de acordo com a forma, não o caminho ou os pixels. A outra coisa, então, é garantir que seu preenchimento esteja ativo, mas seu traçado não esteja ativo. Eu nunca desenho com a ferramenta Caneta com um traçado, então sempre venha aqui e certifique-se de que a caixa seja clicada para que o traçado não fique ativo. Agora, a ferramenta Bucket é bastante fácil, muito simples. É apenas G no teclado e essencialmente preenche todo o espaço ou toda a seleção. A ferramenta Pincel, então se você clicar em “Traço “ou pressionar “B” no teclado, o pincel aparecerá. Aqui você pode definir o tamanho ou a forma do pincel, diferentes parâmetros como esse. Você também pode vir até aqui e afetar a opacidade do pincel que está usando e afetar o fluxo. Geralmente, nunca mudo o fluxo do pincel, mas geralmente arrasto a opacidade do meu pincel para baixo, pois isso pode ajudar na pintura a produzir bons efeitos de acumulação. Você também pode, quando estiver no modo pincel, clicar com o botão direito do mouse em qualquer lugar na tela com o pincel selecionado e isso lhe dará um acesso muito rápido ao menu de pincéis. Quando você está pintando e mesclando ou misturando cores em qualquer lugar, como você pode ver, se a opacidade estiver baixa, você pode pintar sobre uma cor e criar essencialmente uma cor totalmente nova. Um dos fluxos de trabalho que eu realmente gosto de usar é que, enquanto trabalho com o pincel, posso manter pressionada a tecla Option ou Alt no teclado. Isso é uma alternância entre qualquer ferramenta que você esteja usando e o conta-gotas. Se eu estiver no modo pincel e clicar em Option ou Alt, posso selecionar rapidamente a nova cor na minha tela e pintar com que proporciona uma mistura muito boa. Avise-me se tiver alguma dúvida sobre como configurar seu próprio espaço de trabalho do Photoshop e, quando estiver pronto, vemos na próxima lição. 6. As especificações de trabalho do artista de fundo: Nesta lição, quero dar uma ideia de como será exatamente o seu trabalho quando você for contratado por um estúdio de animação e se tornar um artista de fundo profissional. No dia a dia, um artista de fundo não está necessariamente criando grandes ambientes e pinturas digitais. É muito mais provável que você pinte fundos com base em um determinado ambiente. Você ainda está criando novas obras de arte, mas suas pinturas serão baseadas em trabalhos existentes. Essencialmente, há uma separação de tarefas entre algo como um artista conceitual ou um diretor de arte, um artista de layout e um pintor de fundo. O diretor de arte geralmente será o artista que cria a aparência geral da mostra, ou seja, alguém que pintará os principais locais-chave. principais locais são as pinturas realmente grandes que determinam o esquema de cores, o clima e a atmosfera. Geralmente são fotos de grande angular de cada um dos locais onde a história se passa. Em algumas produções, não em todas, mas em algumas produções, uma pessoa diferente, chamada artista de layout, pode ser chamada para traçar linhas detalhadas dessas cenas importantes. No entanto, na maioria dos programas, o artista de fundo pode ser chamado a desenhar uma cena ou uma cena alinhada e também a pintá-la. Seu conjunto de habilidades definitivamente precisa ser capaz de cobrir trabalhos em linhas limpas, bem como cores gloriosas em sua pintura. Digamos que, em um programa, você tenha algo como 10 locais-chave que já foram determinados, eles foram pintados pelo diretor de arte e você também tem um storyboard bloqueado que foi concluído na pré-produção e que mostra exatamente em cada cena onde os personagens estão e coisas assim. Esse storyboard também fornecerá uma indicação, nem sempre exata, principalmente uma indicação de qual será o plano de fundo. O que acontece então é que você receberá cada cena conforme indicado no storyboard, foto a foto, e terá que criar fundo para cada cena com base na direção de arte e nos principais locais. Por exemplo, nesta foto aqui, esse é um local importante da cabine pirata a bordo do navio, mas no storyboard, pode haver uma foto, digamos, desse canto. Você precisará ser capaz de visualizá-lo desse ângulo, fazer um desenho de linha, mostrá-lo ao diretor, aprová-lo e depois pintá-lo usando as cores e os recursos que já foram criados nesta pintura principal. Como artista de fundo, você também precisará ser capaz de fazer alterações e revisões rapidamente em seu trabalho e isso é uma parte fundamental do trabalho. No fluxo de trabalho, geralmente é mais ou menos assim. Você leva um dia para pintar um plano de fundo. Em seguida, você enviará esse plano de fundo ao diretor de arte para aprová-lo. Você marca isso como concluído na folha de chamadas e, em seguida, chega no dia seguinte e verifica a planilha de chamadas para ver se esse histórico foi revisado e, se foi, quais são as notas? Pode haver algumas notas, como mover a mesa para a esquerda porque o capitão precisa ter mais espaço para entrar, ou você pode receber uma nota dizendo que esse plano de fundo não se conecta ao anterior porque é do ângulo errado e então você terá que mudar isso. Suas revisões nunca serão tão grandes, eu diria, mas você precisa ser capaz de reverter essas revisões rapidamente e passar para o próximo plano de fundo. Quando você tem grandes revisões, você precisa salvar esse arquivo como VO2, colocá-lo de volta na pasta de produção e nunca salvar ou excluir sua versão 1, pois talvez eles precisem colocá-lo de volta na pasta de produção e nunca salvar ou excluir sua versão 1, e nunca salvar ou excluir sua versão voltar e usá-la novamente. Feito isso, você pode fazer uma pausa, tomar um chá ou um café e começar com o novo plano de fundo do dia, que estará esperando por você na pasta de tarefas e que será baseado no próximo painel do storyboard. Essa é uma visão geral muito breve das especificações de trabalho de um artista de fundo e espero que isso desmistifique ou esclareça certos aspectos do trabalho. Essencialmente, quando você está começando como artista de fundo, você está trabalhando com pinturas predeterminadas, conceitos predeterminados. Na verdade, você nunca está criando completamente do zero, mas em seu portfólio, você precisa demonstrar a uma produtora ou estúdio de produção que pode desenhar algo do zero, criar arte conceitual e visualizar e criar um plano de fundo totalmente novo com base em apenas uma ideia. Espero que seja isso que vamos conseguir neste curso juntos à conseguir neste curso medida que avançamos criação da Vila Viking como pano de fundo. Mas antes de começarmos a desenhar e pintar a Vila Viking, vou examinar alguns dos principais princípios que você deve sempre ter em mente. Quando estiver pronto, nos vemos na próxima aula. 7. Os princípios de encenação e enquadramento: Nesta seção, abordarei os conceitos e princípios mais importantes que você precisa conhecer ao criar arte de fundo para animação. verdade, esses princípios nem sempre são discutidos como uma estrutura coesa. Você ouve falar de um ou dois deles de vez em quando, ou pode se deparar com um aqui, outro ali. Mas eu realmente acho que é crucial ver cada um desses princípios como literalmente sua estrutura para entender como criar uma boa arte de fundo. Você pode pensar nisso exatamente da mesma forma que pensaria sobre os 12 princípios da animação se for um animador. Vou abordar os três princípios mais importantes. O primeiro e mais importante princípio que você precisa conhecer ao criar arte de fundo é o princípio da encenação. Além disso, também vou adicionar o princípio do enquadramento. Eu vou tratar esses dois como um primeiro princípio, basicamente. encenação e o enquadramento estão em primeiro lugar na lista porque seu trabalho como artista de fundo é fornecer uma cena ou cenário para os personagens. Seu trabalho realmente não é fazer uma boa ilustração. Uma ilustração é muito diferente arte de fundo para animação. Essencialmente, seu trabalho é criar um cenário para que a ação ocorra. Nesse sentido, seu trabalho deve ser projetado de forma a dar espaço para os personagens, ou seja, encenar e apontar ou direcionar os olhos do espectador para onde esses personagens estão, ou seja, enquadramento. A encenação é literalmente a ideia que seu plano de fundo é um palco. Você quer dar espaço para os personagens se movimentarem, se necessário. Você precisa sempre saber onde esses personagens estão em qualquer cena. Para fazer isso, você desenhará a partir de um painel de storyboard, para saber, ou será informado pelo diretor. Lembre-se de que arte de fundo é arte que já está em produção. Não é arte conceitual, é pintura que realmente será usada em conjunto com a animação. Se você sabe que os personagens andam na tela e ficam no meio, não desenhe nem pinte elementos bem no meio da cena, não importa o quanto você ache que realmente funcionaria e seria muito bom tê-los lá. Mantenha o espaço livre e aberto para os personagens. Em seguida, emoldurando. Novamente, enquadramento significa como você mostra ao público o que você quer que eles vejam. A maneira mais simples de fazer isso, se você estiver pintando uma foto fixa ou ampla ou como um grande ângulo de uma cena, é usar objetos nas bordas da moldura que literalmente o ponto focal central ou o ponto de interesse, onde quer que ele esteja. De outra forma, se você estiver criando uma foto diferente, não necessariamente uma foto estabelecida, você também pode usar algo chamado linhas principais. É aqui que os itens no plano de fundo são alinhados de forma que apontem em uma direção específica. Eles criam linhas quase imperceptíveis para o público. Eles não são óbvios, mas funcionam poderosamente para chamar a atenção para a área da tela que você deseja mostrar. 8. O princípio da composição: Em seguida, temos a composição, o princípio da regra dos terços. Agora, a regra dos terços é muito simples, mas eu quero dar algumas ideias alternativas sobre ela, ou pelo menos dar outra coisa em que pensar. Não tenho dúvidas de que você já sabe qual é a regra dos terços. É constantemente mencionado como a forma de configurar seu desenho. Mas se você não sabe o que é, basta pressionar. É uma forma de dividir o quadro ou a tela em terços iguais que realmente nos permite fazer uma composição com base nessas partes distintas da moldura. Ter seu ponto focal ou seu ponto de interesse em uma dessas seções ou em uma dessas interseções, digamos, isso geralmente pode criar uma imagem agradável ou interessante de se ver, em vez de apenas centralizar as coisas estaticamente no meio. Agora, a regra dos terços funciona. Faz uma boa composição. Não me entenda mal, eu sempre comparo meu trabalho com a regra dos terços. No entanto, quando você está trabalhando com um painel de storyboard ou uma sugestão de miniatura, como artista de fundo, na maioria das vezes, sua composição já está determinada. Como já discutimos em relação à encenação e ao enquadramento, sua primeira prioridade é abrir espaço para a ação. Quando você ouvir sobre a regra dos terços e ouvir sempre coloque seus pontos de interesse nesses pontos, lembre-se de que isso nem sempre será aplicável ao trabalho de um artista de fundo. Eu queria explicar nesta lição que a regra dos terços ou o círculo mágico ou o Fibonacci, seja o que for, podem criar uma imagem agradável de se ver. Mas, como artista de fundo, você não está lá para criar uma imagem agradável no vácuo. Você está contando ou ajudando a contar uma história muito maior , da qual essa foto ou cena é apenas uma pequena parte. Sim, como artista conceitual ou ilustrador, é uma diretriz muito boa a ser seguida. Mas, como eu já disse, estamos trabalhando na produção ou criando arte de produção, então precisamos estar realmente atentos a onde isso se encaixa e o que é necessário em termos de animação. Sua primeira decisão em termos de composição da cena sempre decidir qual é o ponto da história dessa cena ou da cena. Às vezes, colocar seu ponto focal no centro é, na verdade, mais importante do que o ponto da história. Como uma regra geral ou diretriz muito ampla aqui, uma foto composta centralmente às vezes pode ser lida como sendo mais organizada, pode implicar tradição, estabilidade, status quo, enquanto uma composição que favorece apenas um lado ou outro da tela implica uma cena dinâmica, até mesmo uma sensação de conflito ou uma sensação de jornada e entusiasmo. Lembre-se de que, ao compor sua arte, você deseja apoiar os pontos da história. Você pode fazer isso artisticamente usando o enquadramento para direcionar o olhar do espectador para a ação e seguindo a composição configurada no storyboard que prioriza a ação. 9. Criando a Ilusão da Profundidade: O terceiro princípio que quero abordar aqui é a ilusão de profundidades. Esse é realmente um princípio vital para o artista de fundo. Para mim, é ainda mais importante do que a regra dos terços. Você precisa estar sempre pensando em como criar uma ilusão de profundidade em seu trabalho por um motivo simples. A ilusão de profundidade é o que vai ajudar seu espectador sentir que pode entrar no mundo que você está criando. Esse é um aspecto extremamente importante da animação. Em um mundo animado, tudo é possível e seu público quer acreditar que é real e que quase pode entrar e experimentar esse outro mundo. Há muitas maneiras de criar a ilusão de profundidade, como desenhar uma perspectiva forte, que abordaremos na próxima seção. Mas você também pode criar profundidade sobrepondo elementos em seu plano de fundo. Quando você faz isso, imediatamente parece que há profundidade, porque o olho lê essas sobreposições como literalmente ocupando espaço e volume. Isso cria espaço atrás de cada um. Outra forma muito poderosa de criar profundidade é indicar a escala. Escala significa quão grande ou pequeno algo é. Em segundo plano, você pode ter coisas que obviamente estão ficando menores acordo com as regras da perspectiva, onde algo que está mais próximo do espectador é muito maior do que algo que está mais distante. Lembre-se de que uma das maneiras mais fáceis ou mais claras de estabelecer uma escala de perspectiva é usar o mesmo item. Apenas certifique-se de ter um próximo ao espectador e outro mais distante que seja menor. O olho vai ler as duas coisas e saber imediatamente que a que é menor está muito mais distante e isso criará uma sensação de profundidade. Também queria mencionar que há uma coisa que sempre permitirá que olhos do público entendam imediatamente a escala que você está tentando estabelecer em seu plano de fundo. Há uma coisa que, se você colocá-la em sua pintura digital ou em seu plano de fundo, ela nos mostrará imediatamente a altura das coisas. Essa única coisa é uma pessoa ou uma figura. Como nós mesmos somos pessoas, podemos imediatamente ler e entender escala em relação a uma figura humana em uma cena. É simples assim. Você pode ver a diferença entre uma figura pequena e uma figura muito grande. Mas, como artista de fundo, você não está realmente lidando muito com personagens. Você nem sempre tem personagens em suas fotos. Ao contrário de um artista conceitual em arte de fundo, nem sempre podemos colocá-la em um vendedor de palitos de viagem. Então, o que mais podemos fazer? Bem, outra opção é simplesmente sugerir atividade humana ou mostrar algo que você sabe que é facilmente reconhecível como algo que um humano usaria. Algo tão simples quanto uma porta, ou até mesmo um veículo, uma bicicleta ou algo parecido. Se você colocar coisas assim em sua arte de fundo, o espectador entenderá esse tamanho porque está relacionado ao tamanho de uma figura humana. Portanto, a escala pode ser estabelecida quase imediatamente. 10. O conjunto de habilidades chave de um artista de fundo: As três habilidades de um artista de fundo são pesquisa visual, desenho e pintura. Se você pode fazer pesquisas visuais, coletar imagens e relembrar detalhes com base em suas referências, se você pode desenhar estruturas, estruturas sólidas e confiáveis, se você pode trabalhar de forma criativa com cores, então isso é tudo o que você realmente precisa para ser um artista digital ou um artista de fundo. Todo o resto, o estilo, as texturas, os conceitos, todas essas são técnicas que você pode adicionar e desenvolver. Mas esses três aspectos formam a chave absoluta subjacente, as habilidades fundamentais mais importantes que você precisa desenvolver para ser um artista de fundo. Agora, durante o restante do curso, vamos explorar e desenvolver seu desenho, sua pintura, e eu vou ensiná-lo ao longo do caminho a praticar essas duas habilidades. Mas nesta lição, quero falar sobre pesquisa visual. Em primeiro lugar, uma palavra sobre pesquisa visual versus desenho a partir da imaginação. O grande artista, Kim Jung Gi, que infelizmente faleceu recentemente, mas em uma das últimas entrevistas que ele deu, ele foi questionado sobre quais são os principais conselhos que ele dá para artistas iniciantes. Seu primeiro argumento foi que é muito importante coletar referências visuais e adicioná-las à sua experiência com objetos, lugares e pessoas do mundo real . Se você vê alguém desenhando a partir de sua imaginação, você deve saber que essa pessoa é capaz de se lembrar do que pesquisou ou do que experimentou o que você está vendo. Não é que a imaginação não surge do nada, mas sim da capacidade deles de relembrar uma experiência. pesquisa visual é realmente a primeira e mais importante habilidade que você precisa desenvolver. Aqui estão algumas dicas de como fazer pesquisas visuais. A primeira é , obviamente, começar de onde você está e, literalmente, apreciar o que está ao seu redor. Tente estar visualmente consciente e interessado nos objetos e lugares que você vê diariamente. Apenas olhar para as coisas é uma maneira poderosa de aumentar seu nível de habilidade muito rapidamente. Lembre-se de observar a luz ao seu redor em diferentes momentos do dia. Observe ou observe a estrutura das coisas e como elas ocupam o espaço. Se você puder, comece a tirar essas coisas da vida. Comece a praticar um caderno de esboços se ainda não tiver um e tente tirar proveito da vida o máximo que puder. Nem sempre é possível, mas se você conseguir tirar proveito da vida, será uma das maneiras mais rápidas essa será uma das maneiras mais rápidas de melhorar seu desenho em geral. Se você é bom em capturar imagens , pode começar a criar o hábito de tirar fotos das coisas que vê e coletá-las em uma pasta dedicada. Quando se trata de desenhar e pintar fundos específicos ou peças de arte específicas , obviamente a próxima etapa é pesquisar on-line o objeto ou o local que você está desenhando. Por exemplo, para este projeto, digitei Viking Village no Google e, com base em todas as imagens que o Google divulgou, comecei a criar um mood board, que é literalmente apenas uma coleção de imagens que eu gostei, imagens que ressoavam com o que eu tinha em mente sobre o que eu queria fazer e também imagens que acabei de encontrar interessante olhar para mim mesmo. Um mood board não precisa ser específico ou muito específico, pode ser apenas uma coleção de imagens que você gosta das cores que você vê. O Pinterest é ótimo para coletar imagens. Minha recomendação é criar um quadro de humor como esse depois estudá-lo por um tempo apenas olhando e observando as coisas que se destacam ou as coisas que você talvez nem tenha notado em uma imagem no início. Então, quando estiver pronto para começar a desenhar, guarde esse quadro de humor e tente desenhar com base no que você lembra. Deixe seu recall assumir o controle e tente desenhar algo novo com base em como você se lembra dele. É assim que eu abordo pesquisa visual para qualquer projeto. Tentei não olhar muito para obras de arte finalizadas de outros artistas conceituais, embora eu deva mencionar que um site como o ArtStation é um recurso incrível para artistas e você pode se inspirar muito vendo o trabalho de outros artistas. Mas tente resistir a encontrar obras de arte que você acha tão incríveis que você queira apenas replicar ou duplicar. Tente se deixar inspirar pelo que você vê lá. Faça sua pesquisa sobre os objetos físicos reais e as coisas que você está tentando desenhar. Em seguida, guarde toda essa pesquisa e tente começar a desenhar com sua memória. Na próxima seção, passaremos ao desenho. Vou falar um pouco sobre as habilidades fundamentais que artistas de fundo precisam conhecer para desenhar. Vou mencionar especificamente algumas das principais armadilhas nas quais vejo muitos artistas iniciantes caírem quando se trata de desenhar. Quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. 11. Habilidades de desenho básico - linhas confiantes: Abordamos as especificações de trabalho de um artista de fundo. Analisamos os principais princípios para criar arte de fundo e falei sobre a habilidade necessária para desenvolver nossa pesquisa visual e memória visual. Esperamos que todos esses tópicos comecem a formar uma base muito forte para seu trabalho e ajudem você a ganhar confiança nas próximas etapas que você dará. Os próximos passos são desenvolver suas habilidades de desenho e pintura. Nesta seção da aula, vamos começar o projeto da aula. Quero mostrar passo a passo como desenhar um layout complexo como esse. Ter esse desenho de linha em seu portfólio é uma peça muito importante. Isso demonstrará aos estúdios que você pode desenhar qualquer coisa e que tem uma boa compreensão das habilidades fundamentais que são tão importantes. Eu quero te mostrar exatamente como fazer um desenho como esse. Mas, ao longo do caminho, também quero apontar alguns erros comuns que vejo artistas iniciantes cometendo em seus desenhos e mostrar o que são para que você saiba como melhorá-los em seu próprio trabalho. Antes de mergulharmos nesse desenho, quero lhe dar alguns exercícios de desenho quais quero que você trabalhe. Se você fizer esses exercícios de desenho regularmente, ficará surpreso com a rapidez com que seu desenho melhorará. Vou até o Photoshop. Eu fiz um novo Canvas aqui. Na verdade, isso será apenas para esses exercícios de desenho, mas vou criar uma nova camada acima da camada de fundo. Para o tamanho do pincel, vou usar apenas um dos pincéis padrão do Photoshop aqui, apenas esse pincel duro e redondo. O tamanho do pixel é de cerca de 12 para este Canvas, e eu também me certifiquei de que a opacidade é de até 100. Esses exercícios ajudarão você a melhorar a confiança de sua linha. Ter um trabalho de linha forte e confiante é muito importante. Tudo o que você precisa fazer para esses exercícios é preencher uma página, fazer uma série de linhas retas indo da esquerda para a direita ou até mesmo da direita para a esquerda e continuar fazendo isso até sentir que pode desenhar praticamente uma linha reta e uniforme em um movimento abrangente. Você também pode ir na diagonal. Você notará que não estou parando ou começando pelo meio. Eu não vou como Dash. É realmente um movimento arrebatador. Estou tentando manter meu braço o mais firme possível. Não estou desenhando do meu pulso ou da minha mão. Na verdade, estou quase desenhando. É como se eu estivesse desenhando do meu ombro. Assim, quando você tiver feito tudo isso, quero que faça outro exercício, e este é praticamente o mesmo. Mas o que você vai fazer é criar uma série de pontos no seu Canvas assim. Outra série de pontos aqui. Então, vou usar uma cor diferente só por causa disso, e vou criar uma nova camada, e essa broca tem tudo a ver com controle. Você quer ser capaz de desenhar uma linha reta de um ponto ao outro. Não importa qual. Vamos escolher esse. Mas a ideia é que você comece aqui e termine ali, então essa não é tão fácil. Mas você tem que tentar e , na verdade, é muito complicado fazer isso. Não vou comprar nenhum desses arrozes. Oh, lá vamos nós, quase. Vamos lá. Suponho que se você desenhar devagar o suficiente, você pode. Mas o objetivo é tentar desenhar rápido e ter controle. Se você quiser, existe uma maneira de girar seu Canvas. Se você acha que se sente confortável desenhando apenas em uma direção, como pessoalmente, parece que consigo criar uma linha uniforme e bonita se eu for do canto inferior esquerdo para o canto superior direito. Se isso é o mesmo para você, e você quer desenhar, vá para o outro lado. Você pode pressionar R no teclado e girar o Canvas. Até mesmo um pouco inclinado e isso também pode ajudá-lo. Experimente esse, com certeza. Outro, preencha a página com círculos. Vou tentar desenhar círculos perfeitos rapidamente. Não vá muito devagar. É muito mais fácil se você for mais devagar, mas depois verá que a linha fica muito mais instável. Tente ser fluido, rápido e confiante com sua linha. O último exercício de desenho é treinar-se para traçar o mesmo caminho. Digamos que, se você desenhar uma caixa como essa e depois voltar e tentar desenhar sobre a linha novamente. Este também é um exercício muito bom para fazer. 12. Perspectiva de desenho: A próxima habilidade vital que você precisa desenvolver para desenhar é o desenho em perspectiva. Essa é a primeira grande armadilha em que vejo iniciantes caírem que vejo iniciantes caírem e o maior desafio que as pessoas que estão começando com o design de plano de fundo em particular, o maior desafio que enfrentam. Nesta lição, quero mostrar como você pode ser realmente bom em perspectiva. É incrivelmente simples e você pode até evitar esse exercício porque, como os exercícios de desenho que fizemos na lição anterior para linhas confiantes, parece simples demais para causar algum efeito, mas garanto que, se você desenhar caixas e cubos, aumentará sua capacidade de desenhar em perspectiva muito rapidamente. Você poderá então desenvolvê-lo ainda mais em perspectiva de três pontos muito mais complexa ou em perspectivas extremas. Vamos analisar os principais pontos básicos que você precisa saber. Primeiro, perspectiva de um ponto. Comece com uma linha horizontal em sua tela, assim. Agora, essa linha é chamada de linha do horizonte, mas é efetivamente a linha do seu olho ou a linha dos olhos da câmera. Em qualquer lugar nessa linha, você pode desenhar um ponto e esse ponto é chamado de ponto de fuga. Agora, o ponto de fuga é a direção em que você está olhando. A partir desse ponto, basta desenhar linhas radiantes indo direto para fora. Mantenha pressionada a tecla Shift no teclado enquanto faz isso e você poderá desenhar uma linha reta e, depois de fazer isso, desenhe linhas paralelas à principal do horizonte ou linha dos olhos, assim. Agora, você tem uma grade de perspectiva. No topo dessa grade, você pode começar a desenhar caixas e cubos seguindo essas linhas. Você pode segui-los de forma exata ou aproximada, o que realmente não importa. Este não é um curso de desenho técnico. Eu não seria muito rígido sobre isso, desde que você seguisse consistentemente a direção das linhas de grade abaixo. Como eu disse, não estamos fazendo desenhos arquitetônicos ou de engenharia, estamos fazendo arte, então você pode desenhar à mão livre e ficar um pouco solto com isso. Se você fizer isso, acho que o ajudará a ser mais instintivo ao desenhar a longo prazo, de qualquer maneira. Essa é uma perspectiva. Essencialmente, um ponto significa que estamos olhando para a frente dessas caixas que estão voltadas para nós. Vamos dar uma olhada na perspectiva de dois pontos. Novamente, desenhe uma linha do horizonte no meio da tela e, desta vez, coloque dois pontos ao longo dessa linha. Agora você tem dois pontos de fuga, daí o termo perspectiva de dois pontos. Novamente, desenhe linhas radiantes de cada um desses pontos. Se você estiver tendo problemas para desenhar uma linha reta, toque na caneta em um ponto, digamos, no ponto de fuga, segure Shift e toque no ponto final e isso lhe dará uma linha reta. Agora, depois de terminar de desenhar todas as linhas radiantes de cada um desses pontos, você realmente não precisa desenhar linhas paralelas porque essas linhas que se cruzam são essencialmente sua grade. Agora comece a desenhar cubos e caixas em cima assim como você fez para uma perspectiva de um ponto. Você pode ver imediatamente que o que estamos vendo aqui não é a parte frontal da caixa mas na verdade estamos vendo os dois lados em um ângulo e é isso que caracteriza a perspectiva de dois pontos. Este exercício muito simples para uma perspectiva de um e dois pontos, como eu disse, desenvolverá sua capacidade de desenhar perspectiva em qualquer sentido. Comece a trabalhar com esses exercícios simples. Pratique desenhar cubos e caixas em grades de um e dois pontos. Acho que é muito importante dominar totalmente esses dois desenhos simples em perspectiva antes de esses dois desenhos simples em perspectiva antes passar para uma perspectiva complexa de três pontos ou ângulos extremos. Eu realmente encorajo você a passar um tempo trabalhando primeiro nesses princípios básicos. 13. Desenho áspero: Como expliquei na lição anterior sobre a descrição do trabalho de um artista de fundo. Quando você está trabalhando no trabalho, você quase sempre terá um guia ou um local fixo para trabalhar, se não um painel de storyboard, então você não necessariamente começará um desenho do zero, a menos, é claro , que você faça parte de uma equipe de pré-produção e esteja trabalhando em uma obra de arte conceitual ou esteja desenvolvendo o projeto. Dito isso, para o projeto desta aula, quero que seja para uma peça que você possa ter em seu portfólio. Quero mostrar como começar um desenho desde o início e como levá-lo até uma pintura finalizada. É assim que eu costumo abordar um processo de desenho como esse. Depois de fazer toda minha pesquisa visual e criar um mood board estudá-lo, agora tenho uma ideia da composição geral em minha mente. Essa parte é muito importante. Antes de começar a desenhar, você deve tentar visualizar sua foto ou cena e ser bem claro sobre como deseja que ela fique, mesmo que isso mude à medida que você avança na pintura. Estou começando, tendo uma imagem em sua mente. Tente se treinar para pensar visualmente dessa forma. A primeira etapa de todo o processo é fazer um esboço bem aproximado. Aqui na pilha de camadas, vou criar uma nova camada acima dessa camada de fundo bloqueada. Não quero desenhar nisso e depois vou escolher uma cor escura. Preto é bom, e apenas um pincel redondo muito simples. Agora você pode usar o pincel padrão do Photoshop ou um pincel de textura pequeno, se preferir que pareça mais com um lápis, não importa para esse esboço. Então, eu gosto de sempre desenhar uma moldura na minha página só para começar e isso me ajuda a compor o esboço inicial, e também parece uma boa maneira de começar porque algo já está na página em branco. Então é isso que eu faço. Sinta-se à vontade para fazer isso. Então, começando pela esquerda, estou apenas esboçando algumas formas simples. Eu quero uma forma para a casa ou uma cabana. Vou desenhar um por trás deste e mantê-lo bem em blocos e muito simples. Se eu fizesse uma miniatura bem aproximada para mostrar o que estou visualizando em minha mente, isso é mais ou menos o que estou vendo. Estou pensando em casas aqui. Talvez algumas montanhas ao fundo e um meio termo aberto, e também alguns elementos em primeiro plano apenas para emoldurar a cena. Acho que essas cabanas ou essas casas podem ter degraus que descem até o chão, ou pelo menos estão um pouco levantadas em algum terreno e têm esses telhados vikings de aparência muito icônica com detalhes. Mas, por enquanto, não vou entrar em detalhes minuciosos. Eu só quero realmente bloqueá-lo. Aqui atrás, pode haver um barco no porto. Eu sei que o C vai estar lá atrás. Pode ser bom ter um desses barcos vikings icônicos. É assim que vou trabalhar com a ideia do esboço. E a qualquer momento, se você quiser mudar sua linha de trabalho, em vez de apagá-la e começar de novo, basta usar sua ferramenta de seleção. Pressione L no teclado, selecione parte da sua linha de trabalho. Depois de selecionado, você pode pressionar V e movê-lo e , em seguida, pressionar Comando ou Controle D para desmarcar e voltar ao desenho. Aqui à direita, haverá mais dessas casas, talvez uma mais perto de nós. Vai ser maior. Eu não quero que isso talvez tenha degraus descendo. Eu quero que o telhado seja um pouco forte e eu acho, e agora vou adicionar apenas uma indicação do primeiro plano, como se o chão estivesse subindo aqui em cima. Vamos olhar para baixo nesta cena ou nesta vila. Agora, neste ponto, selecionei o desenho usando Comando T e isso abre a ferramenta de transformação gratuita. Estou apenas movendo-a para ver se realmente existe uma composição melhor, ou se preciso mudar o ângulo em que estamos olhando para nós. Às vezes, é difícil mover o desenho de linha usando apenas V ou a ferramenta Seleção. Costumo usar a ferramenta de transformação gratuita para mover linhas, pois ela seleciona tudo e é muito mais fácil de mover. Outra boa dica a ser mencionada neste momento é virar a tela horizontalmente para ver seu desenho em uma versão espelhada. Isso pode realmente ajudar a identificar os erros de composição que seu olho talvez não perceba porque está acostumado a ver de uma maneira. Se você virar, eles se destacam. Na verdade, nos estágios iniciais, isso ajuda você a equilibrar seu desenho. Bem, parece que está tudo bem. Acho que vou esboçar e indicar o plano de fundo aqui, montanhas e florestas. Isso é muito simples, algumas linhas apenas para indicar esses elementos de fundo e eles preenchem o espaço muito bem. Vou resolver isso de novo, ainda é muito difícil e essa é realmente a primeira etapa do meu processo. Agora, eu queria dizer que há muitas maneiras de começar uma pintura. Você pode bloquear com valores em tons de cinza. Você pode começar a pintar com cores. Você nem precisa fazer um desenho real. Isso não quer dizer que essa seja a única maneira de começar seu plano de fundo. Mas eu queria me concentrar nas habilidades de desenho na seção do curso. Porque eu acho que é muito importante entender como desenhar a estrutura subjacente de qualquer plano de fundo e começar com um desenho de linha aproximada. Vamos refinar esse desenho algumas vezes apenas para que seja um layout finalizado. Mas será muito mais fácil se iniciarmos todo o processo assim. Mantenha seu esboço inicial muito simples. Não complique demais as coisas ainda. Eu sei que quero ter muita parafernália viking nos telhados, nas portas. Quero escudos e coisas assim, mas não vou começar a desenhá-los agora. Este é um começo muito simples e você pode se tornar muito mais complexo passo a passo à medida que avança. 14. Como verificar perspectiva: Nesta lição, quero mostrar como você pode verificar sua perspectiva em um desenho aproximado como esse. Essa é minha forma preferida de trabalhar. A razão por trás disso é simples. Se eu tivesse começado com uma grade de perspectiva muito estruturada e tentasse desenhar a cena em que estou trabalhando ou visualizando minha mente em cima dessa grade ou de acordo com essa perspectiva, eu estaria me restringindo muito em termos de deixar a composição aparecer e começar a gerar ideias para a peça final. Quero ser capaz de abordar esse contexto de uma abordagem mais natural, instintiva ou intuitiva, em vez de tentar começar de forma muito rígida e rigorosa sobre coisas como perspectiva. Acho que quando você começa a desenhar em perspectiva primeiro, isso realmente restringe a composição e impede que você seja um pouco mais criativo. É assim que eu faria. Gosto de começar intuitivamente e depois adicionar estrutura e perspectiva além disso. O que vou fazer é criar uma nova camada em cima da camada áspera. Eu já sei que estou lidando com uma perspectiva de dois pontos. Eu posso ver que vou ter dois pontos de fuga em cada lado deste desenho e uma linha do horizonte que está em algum lugar no meio. Vou escolher uma cor vermelha para minhas linhas de grade e começar a desenhá-las. Agora, o importante a observar sobre a perspectiva de dois pontos é que quase sempre preferível ter seus pontos de fuga fora do Canvas ou da moldura. Se os dois pontos de fuga estiverem dentro da moldura ou dentro do desenho, isso realmente tende a distorcer o desenho porque está muito apertado. O que estou fazendo aqui é apertar C no meu teclado. Isso abre a ferramenta de corte. Vou arrastar o tamanho desse recorte para fora. Agora eu tenho um desenho em tela muito mais longo no meio e tenho muito espaço em ambos os lados para pontos de fuga. Em seguida, vou seguir as linhas gerais que estão estabelecidas no desenho como este prédio à esquerda aqui, seguir as linhas que já foram mapeadas. Agora, para desenhar uma linha diagonal reta no Photoshop, você precisa tocar no ponto inicial, manter pressionada a tecla Shift no teclado e tocar no ponto final da linha. Isso funciona melhor com um pincel duro muito redondo, um dos pincéis padrão. Ele tende a não funcionar muito bem com um pincel de textura, pois o efeito de afunilamento que você tem nos pincéis de textura, às vezes torna a linha imperceptível. O que eu costumo fazer é simplesmente desenhar uma linha horizontal reta, que parece muito mais forte. Em seguida, pressiono Command ou Control T e simplesmente uso a ferramenta de transformação gratuita para girar essa linha no ângulo exato que eu quero. Então eu posso desenhar uma linha reta horizontal por aqui. Essa é a minha linha do horizonte. Agora vou completar as diagonais até o segundo ponto de fuga, seguindo desta casa principal, essa é minha unidade básica para a perspectiva. Como você pode ver, estou tomando o cuidado de combinar as linhas diagonais com primeiro as linhas diagonais com o lado esquerdo do desenho. Acho que escolha uma coisa em seu desenho que você saiba que será aquela unidade básica com a qual você pode medir. Você descobrirá que pode facilmente alterar o resto do desenho para combinar, em vez de tentar fazer com sua perspectiva se encaixe em tudo de uma vez. Em outras palavras, estou aproximando minha perspectiva o mais possível do desenho. Mas eu sei que, por exemplo, esses edifícios à direita, eles terão que ser ajustados na próxima fase. Mas isso é ótimo, tudo bem. É disso que trata esse processo. O que estou fazendo aqui é apenas mapear a grade em cima do desenho aproximado para que, na próxima iteração ou na próxima passagem, eu possa criar uma versão limpa que corresponda a essas linhas. Depois de estabelecer sua grade simples, você pode pressionar C no teclado novamente e recortar o desenho no tamanho original. 15. Desenvolvendo o esboço robusto: A próxima etapa desse processo é desenvolver esse conceito ou essa ideia aproximada um pouco mais, agora que temos uma grade de perspectiva mais estabelecida. O que vou fazer é diminuir a opacidade da minha camada de desenho aproximada e da grade. Basta clicar na camada, reduzir a opacidade e clicar nesse ícone de cadeado para bloquear a camada para que você não acabe desenhando nela por engano. Então eu vou fazer uma nova camada acima dela. Mas eu quero que essa camada fique abaixo da grade e eu vou bloquear essa camada de grade também. Agora, pode começar a ficar um pouco mais interessante. Basicamente, vou desenhar todo esse desenho novamente. Mas ainda é muito áspero e solto. No entanto, vou me dar um pouco de liberdade agora para começar a adicionar detalhes e refinar algumas das coisas que quero desenvolver. Só para notar que essa não será a parte final. Eu ainda vou ter que revisar esse desenho, talvez pela terceira vez novamente. Mas nesta parte, eu quero realmente transformar o esboço em algo um pouco mais concreto. Como eu tenho algo em que trabalhar, na verdade é um processo muito fácil. Estou apenas traçando esse desenho muito grosseiro. Além disso, como tenho as linhas de perspectiva, sei que posso segui-las e posso ter certeza que o desenho vai começar a ficar mais estruturado. Neste estágio, ainda estou desenhando de memória. Ainda não estou fazendo nenhuma referência exata por si só. Só quero reiterar o que venho dizendo muito, ou seja, que essa ainda é uma abordagem intuitiva e de forma livre para desenhar. Acho que essa é uma maneira muito mais divertida e interessante de criar planos de fundo, em vez de ter que ser precisa e detalhada logo de cara. Você pode ser muito mais criativo dessa forma. Agora você pode ver se eu desligar a camada áspera, quanto ela já está começando a ficar melhor. Eu tenho as três casas aqui. Elas são muito mais definidas, muito mais claramente expressas e estão começando a parecer casas reais. Eu vou seguir em frente com o barco ao fundo. Mas eu decidi que não tenho certeza sobre esses elementos. Talvez eu não o descreva na iteração final, mas vou desenhar isso de qualquer forma. Pode ser uma opção para mais tarde , se eu decidir que é necessário tê-la. Vou deixá-lo dentro se você quiser adicioná-lo. Se você for usar esse desenho de linha, digamos, como plano de fundo final , vamos ver o que você pode criar. Agora, no lado direito, lembre-se esse é o lado que não tem a perspectiva correta no desenho. Isso está totalmente bem. O que vou fazer é trabalhar com o que está aqui e adaptar isso às linhas da grade para ficar mais correto, digamos. Agora, para a área do primeiro plano, quero que o solo se levante no plano do primeiro plano aqui. Eu quero emoldurar a cena. Vou colocar na lateral um grande, estou pensando em um poste ou algum tipo de estrutura, uma daquelas coisas de aparência monolítica. não tenho certeza do que isso vai ser, mas preciso de algo que equilibre o resto da composição, algo muito alto e imponente por aqui. Eu também vou colocar alguns postes da cerca. Novamente, elas funcionarão muito bem como linhas principais na composição. Eles estarão apontando para dentro, em direção ao centro. Ainda não preciso ser muito específico sobre eles. Basta colocar algumas formas. esse lado, eu queria ser específico. Eu quero ter uma caveira em um poste. Novamente, essa noção de uma estrutura muito alta para dar essa sensação de escala. Vou desenhar o poste diretamente para cima e para baixo primeiro e depois transformá-lo com a ferramenta de transformação e colocá-lo no lugar certo. Então, aqui em cima, por enquanto, vou desenhar uma forma vaga para um crânio, um crânio de animal com chifres longos. Isso parece bom. Então, na base, vamos colocar um escudo, talvez algumas armas quebradas, uma espada ou algo assim, algumas flechas, algo assim. Bem, isso parece muito bom agora. Acho que estamos quase na última etapa do nosso desenho de layout. Estou muito feliz com isso. Estou feliz com o resultado. Eu posso te dizer agora que todo o trabalho árduo que foi feito. verdade, o trabalho árduo está sempre em como você compõe sua foto e como você entra na página, que você tem em mente. Depois disso, é só uma questão de preencher as coisas , ser paciente e , às vezes, se comprometer com um processo bastante longo e trabalhoso. Mas esse estágio inicial inicial é o estágio mais importante. Se você chegou até aqui com seu próprio desenho, bem feito, é uma boa parte do trabalho concluído. Mesmo que isso ainda seja difícil, nossa base para o plano de fundo está aqui neste esboço inicial. Tudo o que eu realmente preciso fazer é dar mais uma passada neste desenho e fazer uma linha mais limpa. É isso que vou explicar como fazer no próximo vídeo. Quando estiver pronto, junte-se a mim na próxima lição e desenvolveremos isso para um desenho de layout finalizado. 16. Estrutura de desenho Parte 1: Nesta lição, quero abordar algo que, para mim tem sido um problema um pouco marcante para muitos artistas iniciantes , muitos pintores digitais iniciantes, e é assim que eles abordam ou desenham uma estrutura em seus trabalhos. Este é um ótimo lugar no processo para explicar como pensar sobre a estrutura do desenho. Porque é realmente a única coisa padrão que fará com que seu desenho pareça bem-sucedido ou não explicarei exatamente o que quero dizer nesta lição. A primeira coisa que eu quero fazer, porém, é arrumar um pouco minhas camadas. Eu tenho coisas em camadas diferentes, o que é bom porque na verdade me dá a margem de manobra ou a liberdade de talvez mover as coisas se eu precisar. Eu tenho meu desenho em primeiro plano em uma camada diferente. Então eu acho que isso está começando a parecer bom. O que posso fazer agora é agrupar todas essas camadas. Selecione todos eles pressionando Shift e depois Command ou Control G para colocá-los em um grupo. Então, o que você pode fazer é clicar duas vezes no nome do traço e digitar. Vamos digitar um desenho aproximado. Você também pode diminuir a opacidade de todo o grupo , o que é útil. Agora, o que quero ressaltar é que, se eu acessar minha referência ou meu quadro de humor, quero falar um pouco sobre como realmente procurar a estrutura em seu trabalho que dará essa impressão de realismo. Quando você está desenhando algo tão simples como o telhado de um prédio, por exemplo, o que muitos iniciantes fazem é simplesmente desenhar a forma externa. Eu quero encorajá-lo a começar a pensar sobre as coisas que estão em 3D. Se você olhar para esta imagem aqui, há um plano externo, mas também há um lado inferior e há até uma área abaixo dele com esses pilares e postes lá atrás. Em vez de apenas desenhar uma moldura A simples, comece a pensar nas bordas das coisas e na estrutura 3D e, se você conseguir desenhar isso , seu desenho terá muito mais solidez. Vai parecer muito mais real e muito mais verossímil. Se voltarmos ao meu desenho, você verá que eu não tenho isso neste desenho, na verdade. Acabei de indicar uma forma triangular para o telhado, mas agora quero entrar e realmente definir a forma desse telhado triangular. Se eu começar aqui no topo, digamos que com o topo do telhado aqui, vou me certificar de que estou desenhando isso com um senso de estrutura. Pode haver esse avião aqui que possamos ver. Mas também há um aspecto 3D nisso que vou indicar. Isso realmente lhe dará a estrutura sólida que estou procurando em meu trabalho de linha. Quando eu estava começando como iniciante, assim que percebi esse único fator em meu desenho, tudo melhorou muito. Acho que, junto com o que eu estava falando de ter um trabalho de linha confiante essas são as duas coisas que, se , essas são as duas coisas que, se você é iniciante e deseja melhorar como artista ou melhorar como ilustrador, concentre-se em trabalhar com linhas fortes e confiantes e se concentrar em desenhar seus objetos 3D da forma mais clara possível eu estava falando de ter um trabalho de linha confiante, essas são as duas coisas que, se você é iniciante e deseja melhorar como artista ou melhorar como ilustrador, concentre-se em trabalhar com linhas fortes e confiantes e se concentrar em desenhar seus objetos 3D da forma mais clara possível . objeto como está no espaço, como você o veria. Eu realmente espero que isso faça sentido. É difícil de explicar e espero que você esteja entendendo o que quero dizer neste desenho enquanto eu o trabalhava. Você pode ver que eu nem estou sendo muito preciso, mas ainda estou desenhando de forma muito áspera e solta. Mas estou começando a realmente pensar como essas coisas parecem em um sentido 3D. Mesmo neste telhado, se eu achar que neste estágio será um telhado de palha, ainda vou tentar indicar o fato de que ele tem uma qualidade 3D específica. Então, aqui embaixo, vou indicar a parte inferior de todo o telhado para que pareça muito sólido. Parece um telhado de palha espesso. Nesta fase, vou continuar de novo. Aqui eu quero esses pedaços de madeira que emoldurarão minha porta ou emoldurarão a frente da casa. Quero ter certeza de que elas pareçam sólidas, pareçam ter dimensões e não sejam apenas duas linhas planas. Em outras palavras, se eu desenhar aqui assim, você pode ver que é apenas uma forma de flash. Por outro lado, se eu desenhar o lado dessa forma e dar a ele um pouco de perspectiva imediatamente, é algo que tem essa dimensão de que estou falando. Você pode colocar textura se quiser , mas acho que isso é muito mais importante, é apenas desenhar um pouco de estrutura em seu trabalho. Isso leva tempo e pode parecer um pouco trabalhoso e vou refazer esse desenho mais uma vez depois disso. Você precisa ter um pouco de paciência com o processo. Mas acho que se você está neste curso comigo , adora arte de fundo, adora desenhar e vai gostar de fazer isso de qualquer maneira. Eu também queria apenas deixar claro que tenha cuidado com o peso da linha. Como você pode ver aqui, acabei de desenhar esses pilares na minha casa e a linha é muito pesada e eu não gosto disso. Acho que você deve ter um pouco cuidado com o peso linha, porque se sua linha for pesada e grossa assim, isso realmente prejudicará o desenho geral e você realmente não quer ter linhas muito grossas em seu layout, especialmente se houver uma área com muitos detalhes. A maneira como mantenho minha linha de trabalho leve é que não estou realmente colocando muita pressão no meu tablet com minha caneta. Na verdade, você pode variar a pressão da caneta e isso varia muito o peso da linha. Estou tentando mantê-lo bem leve e não pressionando demais meu tablet Wacom. Eu vou desligar a camada áspera e você pode ver como essa casa se uniu, como se estivesse quase completamente acabada, eu diria. Isso é apenas uma passagem após o sorteio muito aproximado. Vou continuar desenhando a estrutura. Vou continuar me concentrando em garantir que eu tenha tridimensionalidade em meu desenho. a passo, vou percorrer metodicamente todo o resto do desenho. Te vejo no próximo vídeo. 17. Estrutura de desenho Parte 2: Bem vindo de volta. Nesta lição, continuarei versão limpa do meu layout ou, pelo menos , acho que essa pode ser a última parte. Parece que está indo bem. Como você pode ver, agora estou trabalhando na frente desta casa. Eu só quero terminar as etapas. Novamente, falando sobre a tridimensionalidade sobre a qual estávamos falando na lição anterior. Estou me certificando de que essas tábuas tenham estrutura e pareçam que não são apenas linhas na página, elas realmente parecem muito 3D e sólidas. Estou começando a colocá-lo em pequenos detalhes agora para garantir que seja lido corretamente. Isso é um suporte embaixo das tábuas. postes embaixo da escada sustentam a plataforma em frente à porta. Aqui embaixo, no nível do solo, está descendo. De qualquer forma, tudo vai ser neve, então não preciso inserir muitos detalhes, mas agora quero desenhar os degraus. Da maneira como abordo as etapas de desenho, que podem ser complicadas, especialmente em uma perspectiva de dois pontos, sempre costumo pensar primeiro na planície superior da etapa. O que vou fazer é desenhar o retângulo para a parte superior do degrau e, em seguida, desenhar as laterais dele para baixo assim. Agora, vou desenhar alguns posts na parte de trás que apoiarão essas etapas. Então eu vou desenhar meu segundo. Você pode ver se eu desligar o desenho aproximado , fica bem. Provavelmente não é, do ponto de vista da engenharia, a mais estável das etapas, mas acho que, para esse desenho, isso funciona muito bem. Pelo menos, como eu disse, parece que é uma estrutura sólida. Agora, nesta segunda casa aqui atrás, tenho em mente uma forma bastante complexa para os dois postes que sustentam o telhado. Eu quero que eles tenham a forma de um cachorro esculpido, lobo ou cão de caça de algum tipo. Se eu o desenhar de um lado normal à vista, só para mostrar o que quero dizer, vai ficar um pouco assim. Desenhá-lo mais ou menos assim está me ajudando a visualizar a forma dele. Esta vai ser a cabeça do lobo e as mandíbulas abertas assim. A ideia é que essa seja uma torre de madeira muito grosseiramente talhada, ou eu não sei como você a chamaria, uma coisa do tipo gárgula, mas eu ainda quero que ela seja lida com clareza. Vai parecer assim, mas será inclinado para cima e [RISOS] será em uma perspectiva de dois pontos, que parece muito difícil de fazer, mas acho que vai ser fácil. Isso funciona. Vai parecer uma cabeça de lobo esculpida em uma tábua de madeira. Dito dessa forma. [Risos] Estou tentando pensar em termos de blocos que são construídos uns sobre os outros. Se você puder visualizar isso, isso ajuda muito a desenhá-lo. Então eu vou voar pelo resto da casa. Você não precisa me ver fazer isso passo a passo, eu não acho. Então esse será meu telhado de palha caindo. Esse telhado vai até o chão. Só para variar o formato das casas, uma boa dica é tentar ter contraste e variação em seus designs para que não sejam todos iguais. Cada casa é um pouco diferente. Isso fará com que seu desenho ou layout ou fundo pareçam muito interessantes e visualmente agradáveis. Aqui estão as etapas. Novamente, estou mudando as etapas desta. Não quero que seja exatamente igual à casa anterior, mas estou abordando isso exatamente da mesma maneira. Desenhe cada uma das etapas desenhando primeiro o plano superior e depois dando a ele essa estrutura para os lados. 18. Desenho de formas orgânicas: Seguindo em frente. Nesse contexto, é mais do mesmo. Como eu disse, é um processo e tanto percorrer um desenho como esse. Mas você está apenas rastreando as coisas e adicionando esses detalhes menores à medida que avança. Pode ser um processo divertido. Você pode simplesmente classificar a música e ouvir música enquanto trabalha e não se apressar. O que eu diria durante todo esse processo é não se apresse. Se você sentir que está com pressa, pode começar a cometer erros ou pode começar a pular as coisas e também fazer algumas pausas. Quero dizer, você pode ficar muito cansado rapidamente fazendo um trabalho assim. Eu certamente fiquei muito cansado ao final desse processo e pude ver que, quando chego à última casa ou à última parte do desenho, eu estava começando a omitir as coisas e começando a usar atalhos no processo. Faça pausas sempre que puder. Esse desenho de layout não deve levar dias e dias. Só lhe dará o tempo necessário. Depende da sua própria velocidade, é claro. Mas certifique-se de fazer pausas e de poder percorrê-las passo a passo. Nesta fase, está se unindo. Acho que, no mínimo, a composição está finalizada ou a composição está completamente resolvida, está funcionando completamente. Estou muito feliz com isso. Acho que os detalhes estão começando a funcionar muito, muito bem. Eu estava um pouco preocupado que esse desenho pudesse ser muito detalhado e difícil descobrir, como em termos de escala. Mas acho que não, acho que está começando a ficar coeso. Eu só queria mencionar que, depois de todo esse desenho detalhado de estilo estrutural e, digamos, arquitetônico, quando se trata de desenhar algo como formas orgânicas, você pode ser muito mais livre e estilizado, se quiser, especialmente em um fundo como esse. Por exemplo, árvores ao fundo. Estou literalmente desenhando nessas formas triangulares. Isso é tudo que você precisa fazer para indicar como uma floresta inteira. O mesmo acontece com a montanha, não vou fazer nada detalhado. Estou literalmente desenhando essas formas assim. Se fosse qualquer outro tipo de fundo com uma floresta um pouco diferente, eu apenas me certificaria de que as árvores permanecessem o mais soltas e orgânicas possível , porque contrastariam muito bem e funcionariam muito bem com todas as estruturas que estão posicionadas do meio ao primeiro plano. Novamente, isso volta ao princípio de ter contraste em seus planos de fundo ou em seus designs. Se o foco de sua pintura é uma espécie de estrutura feita pelo homem, tente equilibrar isso com algumas formas orgânicas de forma muito livre. Esse é o fim disso. Acho que estamos quase no final desse processo. Tudo o que vou fazer a seguir é trabalhar em primeiro plano. No próximo vídeo, falarei sobre a importância de separar os planos do plano de fundo em primeiro plano, meio plano e plano de fundo. Quando estiver pronto, me encontre na próxima aula. 19. Desenhe GF, MG. BG: Nesta lição, vou trabalhar nos elementos de primeiro plano dessa pintura. Quero explicar como você deve tentar manter três planos distintos em seu plano de fundo bem claros. Esses diferentes planos ou seções de sua pintura são o primeiro plano, o meio e, em seguida, o fundo frontal. Se eu voltar ao meu desenho, você pode ver que comecei na fase aproximada já criando os elementos do primeiro plano em uma camada separada. Agora vou passar algum tempo trabalhando neles. Enquanto eu faço isso, vou explicar por que você coloca elementos de primeiro plano como esses em uma camada separada. O principal motivo é que, na animação, é provável que você queira que estrutura ou esses elementos estejam acima dos personagens. Em outras palavras, se um personagem estiver nessa cena, talvez ele precise andar na tela da esquerda para a direita, e você não quer que ele passe por cima dos elementos do primeiro plano. Você mantém todos esses elementos de primeiro plano em uma nova camada ou em uma camada separada, forma que, quando for para a fase de edição ou composição, o editor possa então pegar essa camada e colocá-la acima da animação e ainda ter a animação em si acima da camada de fundo, se isso fizer sentido. É por isso que é muito bom sempre colocar seus elementos em primeiro plano em sua própria camada distinta separada ou até mesmo em seu próprio grupo. Você verá que, quando chegarmos à fase de pintura, teremos camadas e camadas mas pelo menos elas serão agrupadas e, no final do dia, você pode simplesmente dividir esse grupo em uma camada. Outra coisa que geralmente é feita em animação é que, se essa é uma foto marcante, é muito comum ter o que chamamos de câmera se movendo em uma foto como essa. Pode haver um zoom muito pequeno na cena ou um choque. A maneira como isso é feito na animação é fazer com que esses elementos do primeiro plano aumentem o zoom em uma taxa diferente da do plano de fundo. Isso dá o efeito de que a câmera está se movendo para a cena. Novamente, isso só pode ser alcançado se os elementos do primeiro plano estiverem em uma camada separada. Então, atrás do primeiro plano, estará o que chamamos de meio plano, e esse é o plano terrestre, essas são as casas. É aí que a ação principal da animação acontecerá. Por trás disso, há uma seção de sua pintura que chamaremos de plano de fundo. Isso é basicamente apenas o céu. Neste caso, possivelmente a cordilheira. Acho que a floresta e isso provavelmente estariam incluídos no meio do solo, então, nesse caso, seria apenas o céu ao fundo. Novamente, isso pode ser manipulado em post ou manipulado na fase de composição, se for separado e distinto do resto das camadas no plano de fundo geral. Novamente, tudo isso ficará claro como lama quando chegarmos à fase real de pintura e, quando começarmos a criar camadas, tudo fará sentido. Mas agora, mesmo na fase de desenho, eu queria ter certeza de que você pudesse começar a entender todo o seu plano de fundo em termos desses três planos distintos, seu primeiro plano, seu plano médio e seu plano de fundo. Estou terminando aqui. Não tenho 100% de certeza de qual é esse tipo de estrutura de totem à direita aqui. É um pouco como um daqueles elementos vagos que às vezes coloco quando tenho uma ideia do que isso deveria ser, mas não tenho 100% de certeza. Nesta fase, vou continuar com isso. Eu sei que preciso ter um elemento grande e alto aqui à direita para equilibrar a escala e realmente emoldurar toda a cena. Pode ou não ter todos esses detalhes quando começarmos a pintar, mas acho que parece bom por enquanto. 20. Como iniciar o processo de pintura: Nesta lição, passaremos a pintar e adicionar cores. O que vou fazer é achar que posso me livrar desse desenho áspero. Eu só vou deletar esse grupo por completo. Este é meu desenho final. Vou reduzir a opacidade dessa camada e bloqueá-la. Então eu vou criar uma nova camada acima disso, porque a primeira coisa que eu quero fazer é escolher algumas cores. Se você já participou de meus outros cursos de pintura de fundo , sabe que gosto de me concentrar em uma paleta limitada. O que eu tenho aqui são apenas algumas cores que acho que funcionarão para a imagem que tenho em mente. Vou mantê-los em uma camada separada e usá-los como meu ponto de partida. Agora essas cores podem mudar à medida que eu avança. Mas uma das razões pelas quais é tão importante limitar-se a [RISOS] um pequeno número de cores no início é porque A elimina a sobrecarga. Isso tira a sensação de por onde você começa. B, ajuda você a relacionar suas opções de cores a um esquema existente, o que significa que você terá uma aparência mais coesa em geral. Em outras palavras, você não está escolhendo cores aleatoriamente. É muito útil. É também uma forma muito eficiente de passar por um processo que pode ser bastante longo e trabalhoso. A primeira coisa que eu quero fazer é colocar a cor do céu. Vou pegar minha ferramenta Marquee, certificando-me de que é a tenda para festas quadrada ou retangular e simplesmente clicar em uma área. A próxima coisa que vou fazer é criar algumas formas para a área do primeiro plano. Vou fazer isso com a ferramenta Caneta. Você pode pressionar “P” no teclado, clicar e arrastar seus pontos. Como você pode ver, quando eu faço isso, eu tenho uma linha preta muito grande vai até aqui, onde diz: Preencha, mude para a cor que eu quero. Onde diz Stroke, certifique-se de que esteja desligado assim. Isso garantirá que eu tenha apenas a cor preenchida aqui e não qualquer contorno. Vou fazer três grandes formas redondas na fronteira. Talvez eu varie um pouco o tom com um tom para garantir que pareçam distintos e separados. O terceiro lá. Novamente, clique duas vezes no ícone e mude a cor se quiser. Mude qualquer cor da sua forma vetorial. Acima da minha camada do céu, agora vou usar minha ferramenta Polygon Lasso e vou começar a traçar esse plano terrestre. Há o que parecem ser pedras no fundo. O resto vem aqui desse jeito. Eu tenho uma nova camada acima da minha camada do céu e vou preenchê-la com essa cor. Tenho meu céu, meu plano terrestre e minhas três formas em primeiro plano. Para a próxima seção ou a próxima fase desta pintura, quero bloquear em cores planas. É muito importante anotar seus blocos de cores seus blocos de cores antes de começar a adicionar texturas, porque essa é a base da sua pintura. Será uma questão de traçar diligentemente cada uma das formas principais no plano de fundo. Essas serão as casas à esquerda, as casas à direita, os elementos do primeiro plano, a floresta e as montanhas. Vamos fazer isso passo a passo. O que eu costumo fazer é usar a ferramenta Lasso, mas se você quiser, também pode usar a ferramenta Caneta. Em seguida, comece a esculpir a silhueta geral. Não vou entrar em detalhes ou não estou tentando desenhar mais nada aqui. Estou apenas esculpindo uma silhueta básica da casa porque quero preenchê-la com uma cor plana. Agora vou escolher uma cor marrom escuro e preenchê-la. Agora, para o elemento superior desta casa, porque há grandes curvas nela, quero usar a ferramenta Caneta. É muito mais fácil criar formas curvas com a ferramenta Caneta e, usando a caneta, ela preenche automaticamente as cores para você. decide se deseja continuar trabalhando com a ferramenta Caneta durante todo o processo. Costumo usar tanto a ferramenta Pen quanto a Lasso. Mas para formas como essa, para formas curvas em que você deseja que sejam bastante precisas, use definitivamente a ferramenta Caneta. Isso parece bom. Se você quiser entrar e alterá-lo, você pode ajustar esses pontos vetoriais. Basta manter pressionada a tecla Option ou Alt no teclado. Selecione o ponto vetorial e mova-o se necessário. Vou clicar com o botão direito do mouse sobre isso e depois descer até onde diz rasterizar camada. Agora isso é rasterizar e depois vou mesclá-lo com a camada da minha casa. Agora está tudo em uma camada. Vou clicar duas vezes no nome da camada e chamar isso de left house 1. Então eu vou passar para o próximo. O que você pode fazer é criar algumas formas e depois mesclá-las. Acho que é mais fácil nesta casa, especialmente com essas formas complexas. Acho que é mais fácil fazê-las uma de cada vez. Vou apenas traçar essa cabeça de lobo esculpida [RISOS] com a ferramenta Caneta e depois posso mesclá-la novamente quando precisar. Como mencionei, esse processo pode ser muito demorado e um pouco trabalhoso [RISOS], e talvez até um pouco tedioso. Mas eu acho que é muito necessário passar por isso. Não sei se há muitos atalhos ou se você precisa acelerar esse processo. Tudo faz parte da pintura no final do dia. Todo esse trabalho criará um plano de fundo de aparência muito rica. Continue com isso e faça isso passo a passo, como eu continuo dizendo, faça muitas pausas. Certifique-se de não se cansar disso com muita rapidez ou facilidade. Não há muito a destacar em termos de técnica ou dicas nesta fase. Tudo o que estou fazendo é garantir que minhas cores permaneçam em um registro coeso e que sejam ligeiramente diferenciadas entre cada uma das estruturas, porque não quero que cada uma dessas casas seja exatamente a mesma. Essa é a única coisa que estou fazendo é realmente variar ligeiramente as cores . Estou usando muito a ferramenta Caneta porque é útil que a cor já esteja definida enquanto você cria a forma. Estou apenas acompanhando o desenho abaixo o perto possível e traçando-o. Se você conseguir superar tudo isso, isso é ótimo. Eu tenho todas as casas prontas. Agora que eles estão todos em suas próprias camadas e em suas próprias formas distintas, posso até movê-los se precisar e alterar a composição. 21. Cores planas para formas complexas: Nesta lição, vou finalizar as cores planas da composição. Quero percorrer os elementos do primeiro plano, bem como as montanhas ao fundo. Novamente, continuando o processo e usando a ferramenta de caneta o máximo possível e depois rasterizando ou convertendo essa camada de uma forma vetorial em uma camada de pintura normal. A razão pela qual eu faço isso é apenas para garantir que eu possa pintar nessa camada mais tarde. Na verdade, você não pode pintar diretamente em uma camada vetorial , então eu sempre gosto de clicar com o botão direito do mouse e convertê-la em uma camada rasterizada. Em primeiro plano aqui, quando se trata de criar a forma desse escudo, quero mostrar como eu o abordaria: pegar a Ferramenta Elliptical Marquee, que é a segunda abaixo, segurar Shift no teclado e que permite criar um círculo perfeito. Então, em uma nova camada, vou preenchê-la com uma cor, apertar Command ou Control T para distorcê-la. Deixe-me colocá-lo no lugar certo e então eu posso manipular as bordas. Estou pressionando Option ou Alt em seu teclado, agora quero realmente duplicar a camada. Se você clicar na camada em que está essa forma e pressionar Command ou Control mais J no teclado, isso duplicará a camada. Agora eu tenho exatamente duas formas iguais, se você clicar no pequeno ícone de miniatura da camada, ele selecionará a forma inteira e clicará nela desse jeito, talvez um pouco mais escuro. Minha camada superior é cinza, mas se eu clicar na camada inferior, vou tirar essa camada e você verá que é uma maneira muito rápida e fácil criar uma forma 3D. Com minha ferramenta de laço, vou entrar e gostar de desenhar isso de novo, mas apenas usando a ferramenta Lasso. Vou desenhá-la e depois clicar em Backspace, que exclui essa cor e essa é da camada superior. Então eu vou até a camada inferior e esculpir como outro ***** ou outro pedaço que está faltando e, com a ferramenta Lasso, vou começar a desenhar o crânio. Agora, a maneira de trabalhar com a ferramenta Lasso é enquanto estiver no laço poligonal Se você pressionar Option ou Alt no teclado, poderá alternar entre isso e o laço normal, que significa que você pode criar linhas retas e linhas curvas e é um fluxo de trabalho muito útil. Estou fazendo isso apenas para traçar a forma e depois preenchê-la com uma cor e , para os chifres, vou mudar para a ferramenta de caneta e garantir que eu obtenha essas curvas. Esses pequenos itens, novamente, usarão a ferramenta Lasso e os traçarão e eu não preciso fazer nada muito complicado que possa ser bastante estilizado. Passando para o lado direito, inicialmente pensei que seriam uma cerca mas acho que vou deixá-las apenas como estacas genéricas no chão, como estacas de madeira ou algo como traço e preencher todas elas com a mesma cor. Agora, o que vou fazer é tentar arrumar minhas camadas antes de prosseguir. Vou agrupar essa camada e chamá-la OL direita e você pode ver que eu nomeei o lado esquerdo de OL esquerdo. OL significa que é um termo de animação, significa sobreposição e é o termo usado para itens que serão essencialmente sobrepostos sobre a animação. Lembre-se de como mencionei no vídeo anterior, quando você mantém o primeiro plano distinto do meio e do plano de fundo, isso ajudará os animadores ou dará a liberdade aos animadores terem personagens andando por trás desses elementos do primeiro plano. O que também estou fazendo aqui é que, depois de agrupar tudo, vou separá-los nessas três seções distintas. Essa também é uma prática muito boa e muito comum Vou criar um grande grupo para o primeiro plano, o meio e o plano de fundo e, em seguida, dentro de cada uma dessas pastas ou subpastas que contêm camadas. 22. Testando texturas de neve: Acredite ou não, terminamos nossas cores planas. Chegamos ao final dessa parte do processo, e admito que é preciso um pouco de tempo e um pouco de paciência para superá-la. Mas está pronto agora, e a próxima fase do projeto pode ficar muito mais empolgante e interessante quando começarmos a adicionar texturas e detalhes. Eu queria mostrar a você como ajustar os valores em sua composição neste estágio inicial. Mas antes de fazer isso, decidi colocar um pouco de neve no chão, porque acho que só quero começar a testar como isso vai ficar com alguns pincéis de textura. Tenho certeza de que você provavelmente está um pouco cansado da fase de cores planas. Pensei em mergulhar e colocar um pouco de neve no chão e brincar com algumas texturas quase como um teste, e ver como lidar com isso. Em uma nova camada, vou mergulhar em alguns desses pincéis de textura. Esta é realmente uma chance de experimentar, não existe uma regra rígida e rápida sobre qual pincel usar para qual textura você deseja criar. Realmente depende de você, então brinque com esses pincéis, comece a experimentar e fique confortável. Experimente entender o que cada um dos pincéis de textura pode oferecer. Estou literalmente pintando com talvez um ou dois desses pincéis de textura, só para ter essa sensação de neve. Acho que está funcionando. Em primeiro plano, o que vou fazer é me certificar de criar camadas acima das formas. Dessa forma, posso alterar a cor subjacente das formas ou posso alterar a cor ou o valor da textura em si. É sempre bom tentar manter a textura separada da forma subjacente. Eventualmente, você descobrirá um pincel que você realmente gosta e um pincel que funciona para você. Isso parece bom. Acho que isso vai ficar muito bom, depois que todas as texturas forem adicionadas, fico muito feliz em ver isso. Na próxima lição, vamos falar sobre valores e como garantir que sua pintura tenha uma leitura muito forte e clara em termos de valores. Quando estiver pronto, nos vemos na próxima aula. 23. Ajustando valores e adicionando céu: Se eu identificasse ou destacasse duas das principais áreas com as quais vejo dificuldades para iniciantes, seria nas áreas de valor e nas áreas de texturas. Você pode ter uma composição muito bem composta, você pode ter muitos detalhes e um senso de história muito forte, mas se os valores estiverem errados e não funcionarem muito bem juntos, isso pode realmente deixar essa composição ou deixar a pintura de fundo de lado. A outra área de texturas, vou explicar um pouco mais quando entrarmos nela. Mas nesta lição, eu queria mostrar como ajustar seus valores, como garantir que seus valores sejam lidos com muita clareza. Valores se referem ao contraste em sua pintura. Os elementos em primeiro plano têm maior contraste e os elementos em segundo plano terão menos contraste. Às vezes, depende da configuração específica de iluminação que você está usando, mas essa é uma diretriz muito boa. Aqui está uma maneira muito prática e rápida de ajustar os valores em sua pintura. Se você selecionar uma camada e pressionar Command ou Control U, essa caixa de diálogo será exibida, essa caixa de diálogo de saturação de matiz. A partir daqui, esses controles deslizantes são muito úteis. Se você arrastar o controle deslizante de saturação, por exemplo, você pode ajustar a saturação, você também pode arrastar a luminosidade ou o brilho da camada. É uma maneira muito rápida e fácil de ajustar os valores. Eu vou tornar isso muito mais sombrio. Isso parece melhor. Todos esses elementos na frente devem ser um pouco mais escuros , então estou arrastando o controle deslizante para baixo em todos eles apenas para deixá-los em segundo plano e serem muito mais dramáticos. é muito mais fácil alterar o valor do que Na minha opinião, é muito mais fácil alterar o valor do que mudar a tonalidade, então eu me certificaria de que a cor base estivesse satisfeita o suficiente com o traço e depois trabalhasse com luminosidade e saturação. O céu precisa estar muito mais claro. Mas o que vou fazer agora é criar uma nova camada acima dela. Este é um pincel redondo grande e macio, um dos pincéis padrão do Photoshop e vou adicionar esse tom muito claro na parte inferior do céu. Isso é ótimo, isso dá a você aquela sensação de gradiente no céu. Talvez eu possa até escurecê-lo na parte superior. Mas mesmo esse pequeno ajuste fez uma grande diferença na pintura em geral. É imediatamente dada uma sensação de profundidade. Permanecendo com o céu, acho que vou adicionar outra camada, dar um pouco de brilho, porque quero que o sol nasça aqui e que seja como um céu ao amanhecer com um lindo nascer do sol brilhando logo no horizonte, então vou dar uma pitada. Tudo isso é feito com um pincel redondo muito macio e muito leve. Você não precisa ser muito pesado com esse efeito. Você pode realmente dar um toque muito sutil. Na verdade, esse é um daqueles casos em que menos é mais, então eu posso até deixar por aí e não fazer mais. Gosto da aparência das nuvens. Uma coisa que eu poderia fazer, como fiz com a floresta, é estilizar um pouco as nuvens, pegar a ferramenta Lasso e desenhar uma forma muito simples como essa. Depois, com a ferramenta de pincel , vamos escovar até o limite da minha seleção. Se eu selecionar, você pode ver que isso cria uma bela borda estilizada. Estou literalmente apenas escovando a borda só para dar essa definição no céu. Agora estamos prontos para a fase final dessa pintura de fundo, que será a fase de textura. Quando estiver pronto, me encontre na próxima lição e vamos nos aprofundar em como aplicar texturas reais e realistas em coisas como essas cabines de madeira e coisas como o painel. 24. Pintura de luz e sombra: Nesta lição, o que eu quero fazer é trocar a neve no chão antes de prosseguir. Foi uma espécie de experiência para ver como minhas texturas funcionarão e estou feliz o suficiente com isso, mas não acho que a camada de neve esteja funcionando como uma camada de neve. Vou excluí-lo. Quero desenhar uma forma novamente, uma forma bastante estilizada, da mesma forma que fiz as nuvens e a lição anterior. O comando ou o controle mudam para essa camada. Vou criar uma nova camada por baixo e aqui posso começar a pintar minha neve. Vou criar sombras usando a ferramenta de laço e apenas esculpir sombras por baixo com um pincel macio e redondo. Vou me certificar de que estou pintando bela cor suave por baixo dessas seleções. Então eu posso fazer o mesmo desse lado. Depois de colocar tudo em uma camada, agora vou mudar para o meu pincel de textura e gostei daquele pincel de cerdas redondas. Vou pegar isso e pagar, dividir levemente as bordas aqui para fazer com que pareça um pouco mais e não, então eu quero ter certeza que essas bordas não sejam realmente duras e definidas. A próxima coisa é que agora decidi que vou colocar neve no telhado dessas casas. Quero usar a ferramenta de caneta novamente para fazer isso. Quero seguir a forma da casa ou seguir a forma do telhado embaixo e ter a sensação de que é muito óbvio ou é um visual muito icônico em uma animação como eu digo Klaus, se você já viu aquele filme em que a neve no telhado dessas seções de neve reais muito estilizadas. Quase. Agora que está começando a parecer muito diferente, eu realmente amo a neve e os telhados. Acho que é uma ideia muito melhor do que tê-los apenas como telhado de palha. Parece muito bom. Como eu disse sobre estrutura em detalhes. Não quero que a neve seja plana como uma folha de flash. Eu quero que tenha dimensão. O que vou fazer é rasterizar a camada e, em seguida, entrar com minha ferramenta Lasso e selecionar a borda dela. Essa é a borda que eu quero ter, nós, voltados um pouco para a luz e depois vou apertar Command ou Control+M no meu teclado, e isso abre o editor de curvas. Esta é uma ferramenta fabulosa de usar. Se você quiser alterar rapidamente o valor ou alterar a cor, você pode usar o controle deslizante de saturação de matiz. Esse é só mais um. Basta empurrar essa curva para cima e você verá na minha pintura que a seleção é muito mais clara. Deixe-me percorrer o resto dos pedaços de neve e dar a eles um pouco mais de profundidade e dimensão extra, que funciona de forma incrível, tem um efeito fantástico e é tão simples e rápido de fazer. 25. Finalização da floresta: Nesta lição, eu queria destacar a diferença entre usar algo como um pincel estampado para, digamos, a floresta e desenhar árvores individualmente. Vou fazer uma camada na parte inferior aqui e puxar o pincel relevante que eu queria mostrar a vocês. Está em seus pincéis de paisagem e se chama Spruce Forest e você pode ver imediatamente que o pincel em si é a imagem de um monte de árvores. Você ficaria tentado a transformar toda a sua floresta com isso. Mas o que eu queria ressaltar é que, na maioria das vezes, estamos buscando uma imagem bastante estilizada e algo como esse tipo de pincel estampado, onde na verdade é a silhueta de uma imagem real de uma árvore. Vai se destacar muito se você usar isso, pois o que você pode fazer é usar algo assim em conjunto com sua estilização e eu recomendaria usar isso como pano de fundo para dar a sensação de uma floresta recuando em direção a uma montanha distante e você pode criar isso com literalmente dois tipos de sua caneta. Você criou uma floresta inteira. Também decidi que minha floresta precisa de muito mais variações. É um pouco plano, sem graça e desinteressante. Eu vou escolher um terceiro tipo de árvore. Vou desenhá-lo com minha ferramenta de laço, assim. Selecione isso. Deixe-me puxá-lo para a frente aqui. Você pode ver isso muito melhor. Isso vai contrastar enormemente com as árvores existentes, pois , com esses galhos distintos, ela realmente se destacará em comparação com as outras árvores. Eu quero adicionar neve nesta árvore. Essencialmente, com a ferramenta de laço, vou desenhar, o que eu imagino, é acúmulo de neve em cada um desses galhos. Estou fazendo isso na mesma camada da própria árvore , então não preciso usar uma máscara de recorte. Ele apenas preencherá a borda da árvore do desenho existente abaixo. 26. Texturas de pintura Parte 1: Olhando para esta peça agora, sei que será necessário muito trabalho para criar a textura do timbre nas casas. Vou mostrar meu método de fazer essas texturas, que consiste essencialmente em pintar cada uma à mão, em vez simplesmente usar uma textura de pincel sobre tudo. É um pouco mais detalhado e um pouco mais demorado, mas terá um efeito muito mais rico dessa forma. O que vou fazer é, antes de tudo, na minha pilha de camadas, destacar a camada minha cor base está para que eu saiba que não pinto nela. Para fazer isso, basta clicar com o botão direito do mouse e adicionar uma cor a essa camada. Então, vou tentar, o máximo que puder, pintar minhas texturas em cima disso. A razão pela qual eu faço isso é caso não funcione ou caso eu queira mudar minhas texturas ou até mesmo alterar a cor base posteriormente. Estou acompanhando o desenho porque acho que o desenho está claro e provavelmente será um guia muito bom. Essencialmente, o processo é o seguinte: vou fazer uma seleção com a ferramenta Lasso, pegar um pincel de textura e depois pintar com um tom ligeiramente variado. Algo um pouco diferente da cor base, talvez um pouco mais escuro ou um pouco mais claro. Agora, alguns pontos a serem observados durante todo esse processo. Primeiro, serão necessárias algumas experiências para encontrar o pincel de textura certo. Pessoalmente, comecei experimentando alguns pincéis de textura diferentes e, ao final do processo, optei por apenas dois pincéis específicos, o grão de madeira e a cerda redonda. O outro ponto que quero destacar ao longo desse processo é que você pode seguir em frente e fazer suas seleções para cada uma dessas tábuas de madeira de uma só vez, mas a textura pode não parecer que está nas tábuas individuais se você fizer isso. O que eu quero tentar é fazer com que pareçam tábuas de madeira separadas e distintas. Então, se você achar que está pintando suas texturas e elas parecem um pouco monótonas, tente fazer as tábuas uma a uma. Às vezes, você também pode mudar a cor. Você nem sempre precisa trabalhar marrons, por exemplo, você pode adicionar um destaque ou uma cor contrastante aqui e ali que realmente fará com que ela se destaque. Então, na próxima etapa, depois de fazer as tábuas individuais, quero adicionar tiras muito finas de cor escura. Esse elemento é chamado, ou o termo técnico é uma sombra de oclusão. Uma sombra de oclusão é onde duas bordas de um objeto se entrelaçam. Eu quero colocar isso , é muito importante ter esse elemento. Para isso, vou usar a ferramenta de balde de tinta e tocar na seleção. Ótimo. Agora vou usar exatamente o mesmo método para adicionar as vigas que atravessam essa base de madeira. Eu tenho essa longa viga de suporte aqui que quero indicar que é arredondada. Adicionando essa textura, também estou considerando a queda de luz na parte superior. Como está saindo do resto da casa na frente, quero que capte a luz. Estou adicionando uma cor mais clara na parte superior e uma cor um pouco mais escura na parte inferior. Na parte superior da casa, essas vigas também precisam ter a mesma sensação de dimensão pois estão no topo da base. Vou me certificar de considerar isso, fazer com que a sombra mais escura de esteja à esquerda para fazer com que pareçam resistentes, pesados e saindo de casa. Essa é a frente da casa, mais ou menos pronta. Se eu diminuir o zoom, você poderá ver imediatamente o efeito. É preciso um pouco de tempo e paciência, mas vale muito a pena, e você pode ter uma estrutura realista, ou pelo menos crível, partir de um processo realmente simples de selecionar com a ferramenta Lasso e adicionar textura com um pincel de textura. O último ponto que quero nesta lição antes de passar para a próxima é que, quando você desce até a base da casa, onde a estrutura encontra o solo, e isso pode ser aplicado a qualquer edifício que você esteja pintando, sempre pense como essas estruturas ou edifícios se encontram com o solo, quais são as bordas ou a transição. Em outras palavras, eu não quero ter apenas a casa flutuando em cima da neve. Vou pintar com algumas marcas para indicar essa transição áspera e pintar um pouco de neve subindo até a base, e isso vai ficar muito melhor. Na próxima lição, continuarei pintando essas texturas. Quando estiver pronto, me encontre lá. 27. Texturas de pintura Parte 2: Como todas as casas são do mesmo material, ou seja, são todas estruturas de madeira. Você adivinhou, é exatamente o mesmo processo em todos os sentidos. Eu só quero ressaltar novamente que, a propósito, você não precisa ser muito pesado com essas texturas. É por isso que eu tenho uma base de cor plana embaixo. Porque você quer que a textura seja um pouco sutil e fique sobre a cor base e que a cor base apareça levemente. Na verdade, as texturas só precisam ser indicadas levemente. Muito disso vai começar a parecer chocante. É também por isso que é uma boa ideia usar apenas dois ou três pincéis e não ter muitas texturas variadas em um material de superfície, neste caso, as casas de madeira. Dito isso, porém, ao longo da pintura como um todo, você deve ter cuidado ou atenção, devo dizer, ao adicionar tipos de texturas variados ou diferentes. Não pinte exatamente a mesma textura nem use o mesmo pincel em absolutamente tudo. É muito bom ter uma aparência coesa e geral. Mas tente descobrir como você pode ter áreas em sua pintura com texturas diferentes. Se você usar o mesmo pincel, por exemplo, mude no mínimo as pinceladas ao passar do primeiro plano de volta para o meio do e até mesmo de volta para o fundo mais distante. Reduza as marcas do pincel à medida que você se afasta e diminua o tamanho do pincel à medida que você se move pela pintura. Essa pintura é acinzentada porque a neve realmente acrescenta aquele contraste entre as estruturas de madeira muito detalhadas com muitas texturas pequenas muito específicas, um contraste com a neve branca e macia no telhado. Gostei muito dessa variação. O mesmo pode ser dito sobre as árvores ao fundo. Mantê-los planos e estilizados realmente funciona para adicionar esse contraste visual, e isso é algo que você realmente deseja ter em qualquer pintura. Já vi muito isso em trabalhos para iniciantes onde você tem uma composição muito boa, tudo está funcionando bem, mas as pinceladas e as texturas são exatamente as mesmas em toda a pintura. Isso torna as coisas muito, muito planas. Com isso em mente, quando eu começar a usar a textura da palha, vou trocá-la completamente, e agora vou desenhar linhas muito simples com um pincel duro e redondo e pronto. Eu poderia ir e encontrar um pincel de textura para palha, mas acho que esse efeito se destaca muito melhor porque é muito mais simples. Contra a madeira, realmente funciona, e contra a neve é bom. É realista e é muito rápido e fácil desenhar à mão essas poucas linhas para indicá-las. 28. Detalhes de pintura para adicionar riqueza: Nesta lição, vou adicionar os escudos domésticos casas e começar a adicionar um pouco mais de detalhes. Para criar um escudo, vou clicar e arrastar um círculo perfeito, torná-lo uma cor escura e usar a ferramenta de transformação gratuita para incliná-lo e movê-lo para o lugar certo. Além disso, vou duplicar a camada. Agora tenho duas camadas iguais. Vou reduzir essa e quero deixar essa cor um pouco mais exuberante, então dá a sensação de que ela tem uma peça de metal na parte superior. Em seguida, mesclarei essas duas camadas apenas selecionando-as, clique com o botão direito do mouse e escolha Mesclar camadas. Para adicionar os detalhes, novamente, vou optar por pintá-los à mão. Não vou exagerar com os detalhes desse escudo. Como esse escudo , na verdade, será muito pequeno quando você diminuir o zoom, você realmente não verá nenhum pequeno detalhe em que trabalha. Vou adicionar rapidamente esses pedaços chanfrados aqui e ali para fazer com que pareçam um escudo. Debaixo do escudo, vou adicionar uma cruz, talvez haja alguma armadura embaixo ou duas espadas cruzadas. Agora, o último detalhe desta casa será o crânio, e eu vou desenhá-lo com a ferramenta Lasso. Em seguida, farei meu procedimento usual, adicionarei um pouco de cor lisa e usarei um pequeno pincel redondo para marcar apenas alguns detalhes. Só para me repetir, isso será visto de longe então não há grandes detalhes aqui. Se você inserir muitos detalhes, eles realmente não lerão muito bem. Agora, todos esses elementos que você começa a adicionar, sobre seu design ou sobre sua pintura, você pode facilmente duplicá-los e usá-los por toda parte, não precisa desenhar tudo do zero, não precisa refazer cada elemento individualmente. Mas eu só quero fazer dois comentários sobre isso, se você estiver duplicando elementos. A primeira é garantir que você mantenha suas camadas organizadas. Se você duplicar, por exemplo, o escudo de uma casa para colocá-lo em outra, certifique-se de arrastar essa camada da pilha até a outra casa ou colocá-la nesse grupo. Isso vai tornar a vida muito mais fácil mais tarde. Se você mantiver tudo organizado à medida que avança, em vez de ter muitas camadas e elas não estiverem realmente agrupadas. Então, o segundo ponto a ser destacado é quando você duplica algo, apenas certifique-se de alterar levemente o elemento duplicado. Adicione algo pequeno a ele ou exclua algo dele, gire-o ou vire-o. Apenas certifique-se de fazer uma pequena alteração para que não se destaque por ser exatamente a mesma coisa. Se duas coisas forem exatamente iguais em sua pintura, elas se destacarão. Vai ser bem óbvio. Basta fazer qualquer pequena alteração que você quiser e isso funcionará perfeitamente. 29. Pintando os elementos de primeiro plano: Pintar os elementos do primeiro plano agora é realmente a penúltima fase de todo esse processo. Depois de pintar esses elementos em primeiro plano, a última fase é apenas uma questão de adicionar os retoques finais. Isso realmente está começando a se formar como pano de fundo e está ótimo. Estou animado para examinar esses elementos em primeiro plano e terminar esta pintura. Agora posso começar a ser um pouco mais detalhado e um pouco mais variado aqui em primeiro plano, porque esses elementos estão tão próximos do espectador que você realmente deseja destacar alguns desses detalhes. Por exemplo, acho que quero adicionar um pouco de cor aqui. Nada chocante, mas na verdade algo que vai dar um pouco de contraste. Então, talvez adicionando esse tom rosado ou avermelhado no escudo. Isso pode funcionar muito bem. Há tanto azul, tantas cores frias em toda a pintura que aqui em primeiro plano, esse leve toque pode funcionar muito bem. Vou adicionar um pouco mais de saturação ao céu na fase de retoques finais. Isso está na próxima lição, mas, por enquanto, eu só quero manter as cores e os tons bem sutis. Para pequenos detalhes, como a espada, vou usar novamente um pequeno pincel redondo e basicamente adicionar a alça e dar a ela dimensão de que eu estava falando dessa tridimensionalidade. Se você quiser enfatizar a espada ou pode ir em frente e colocar muito mais detalhes. Para mim. Na verdade, quero que a espada aqui seja mais uma silhueta do que qualquer outra coisa. Agora, o crânio é uma oportunidade de pintar um lindo toque de destaque nas bordas para que pareça estar captando a luz porque é muito alto e muito alto. Isso vai ser muito bom. Parece que estaria captando a luz do sol quando o sol nascesse no horizonte. Vou manter a parte de trás do crânio em uma cor muito escura porque ela ficará na sombra. No lado direito, agora esses postes também podem ter um toque de luz na parte superior. Eles estão apenas captando um pouco a luz. Novamente, essas são formas aleatórias em silhueta. Eles funcionarão muito bem, como eu disse anteriormente, para criar linhas principais que apontam para a composição, para a área focal no meio, mas isso é tudo que eles não precisam ser excessivamente detalhados. É só para dar a impressão de postes saindo da neve. No pilar, vou imaginar que está voltado para a luz desse lado e adicionarei uma cor mais clara como essa. Isso vai ser uma estrutura de madeira. Estou usando exatamente as mesmas técnicas e processos que usei nas casas usando o mesmo processo de seleção e pincel de textura. A única coisa a observar aqui é que estou usando uma máscara de recorte com a textura e isso simplesmente me permite pintar fora da borda e fazer com que ela não apareça porque está cortada na forma abaixo. Agora, o último detalhe é adicionar uma camada acima desses elementos e nessa camada, quero fazer com que pareça a neve está se acumulando na base. Novamente, isso é o que eu estava dizendo sobre as casas. Você deve estar atento à forma como as coisas estão no chão e como você pode indicar isso tornando as bordas ao redor da base desses itens. É isso. Eu acho que isso parece incrível. Não acredito que estamos aqui. Estamos quase no final desse longo processo. É muito emocionante ver isso. Vamos entrar na última lição e finalizar essa pintura com os retoques finais e dar a ela a aparência final renderizada. 30. O Passe final: Como venho dizendo o tempo todo, usar texturas sutis e variar suas marcas é muito mais eficaz do que usar texturas pesadas e usar a mesma pincelada em toda a pintura. Eu quero que você pense sobre isso para esta última etapa. Vou prosseguir agora e adicionar uma pitada de luz em toda esta pintura. Mas eu quero ser muito sutil sobre isso. Vou adicionar um brilho do nascer do sol na parte de trás. Mas tem que ser um toque bem leve, nada pesado. O que vou fazer é adicionar uma nova camada e, em seguida, com um pincel padrão muito simples, o grande pincel macio e redondo, vou adicionar o menor toque de cor. Literalmente, isso é tudo, quero acrescentar mais. Eu adoraria ficar um pouco selvagem com o céu do nascer do sol, mas não vou fazer isso. Vou controlar tudo e deixar assim mesmo. Eu acho que isso é o suficiente. Em seguida, vou selecionar a forma da montanha e adicionar algumas texturas aleatórias e também dar a ela um pouco mais dessa cor de brilho suave. O que isso está fazendo é dar toda essa importante perspectiva atmosférica. O que quero dizer com isso é que a ideia ou o conceito de que coisas que estão mais distantes têm mais ar ou mais céu entre elas, entre você e elas e, portanto, elas têm muito menos contraste e muito menos saturação. Meu último toque agora será apenas uma varredura de textura no meio termo, nem menos, e acho que vou recuar por um momento e deixar essa pintura agora. Eu acho que é isso. Na verdade, vou deixar você continuar com isso, se quiser. Eu adoraria ver sua pintura final e adoraria ver se você adicionaria mais elementos daqui em diante. Quero dizer, você pode ir em frente e adicionar o barco que fizemos no desenho do layout. Você pode colocar isso e pintá-lo, ou você pode até adicionar armas extras, talvez algo como uma carroça ou um carrinho. Há muitas coisas que você ainda pode adicionar e eu adoraria agora entregá-las a você e ver o que você pode criar com elas, o que você pode pintar com base em todas as etapas e no processo que abordamos até agora. Quando estiver pronto, publique seu trabalho finalizado na seção de projetos ou na seção de perguntas e respostas para que todos possamos nos inspirar em sua visão. Eu realmente espero que você tenha aprendido muito nesta aula. Quero te agradecer por fazer essa jornada comigo. Tenho a honra de oferecer a você minha perspectiva real sobre as coisas. Espero sinceramente que isso ajude você em sua carreira artística e que, em breve, você possa mostrar seu portfólio a um estúdio de animação e ser contratado como artista de fundo. Isso vai ser incrível. Por favor, fique em contato comigo, envie-me uma mensagem e me diga como você se sai e sempre saiba que estou aqui para responder a quaisquer perguntas que você tenha. Obrigado novamente por estar aqui e obrigado por sua contribuição para esta aula. Vou cuidar de você na seção de projetos e espero ver você na próxima aula também.