Transcrições
1. Introdução: Como fotógrafo de zona de conflito, eu definitivamente fui ferido antes, estive em número de atentados,
fui baleado fui espancado, fui explodido, fui esfaqueado. Fui atropelado por um carro, definitivamente tive a aposta de ferimentos e estive em uma situação muito peluda. Meu nome é Benjamin Lovy, eu sou um fotógrafo baseado em Nova York, eu fotografo uma variedade de coisas, seja de zonas de conflito, características, esportes, para mim é tudo sobre fazer imagens e contar histórias, porque há sempre um nova maneira de ver o mundo. Há sempre algo que você não viu isso também é apenas em sua própria vida, em minha própria casa, há sempre uma maneira de eu não fotografar algo, algo que eu não vi até aquele momento. Isso é o que a vida é, é experimentar coisas. Fotografia é apenas gravar essas experiências, cada dia é algo novo. Então, hoje vamos falar sobre alguns dos equipamentos que você pode usar, algumas das opções sobre por que você usaria alguns dos equipamentos em vez de outros equipamentos,
mas, em última análise, estamos falando sobre compensação e sobre abordagem quando você começa a tirar uma imagem e você começa a desenhar e você começa tipo de construí-la para que você não está pegando a imagem, você está fazendo a imagem. Eu entrei na fotografia porque eu era um péssimo ilustrador, eu fui para a escola para ser ilustrador e eu realmente meio péssimo nisso e eu comecei a fazer fotografia para que eu
pudesse rastrear o que eu fotografei em meus desenhos e eu só queria ser um fotógrafo melhor por causa disso e descobri o fotojornalismo. Através disso, uma livraria de arco e meio que mudou minha vida e eu tirei um tempo para me
ensinar fotojornalismo e é isso em poucas palavras. Esta aula tem como objetivo ser uma experiência de aprendizagem, eu não quero que você pense que você tem que criar um show de galeria, seu próximo projeto de livro, ou isso é o que você vai para um editor de fotos para conseguir seu grande trabalho provocado. Esta é uma experiência de aprendizagem em que você empurra o envelope do que você fez antes e faz algo novo e aprende um pouco sobre sua abordagem à fotografia e sua abordagem às
pessoas com quem você se sente confortável. Todos os dias vejo luz de uma maneira diferente, porque ainda me parece fresco. Ainda sinto que estou descobrindo algo e fazendo
algo e isso é, em última análise, a coisa mais importante.
2. Seu projeto: A maioria das fotografias funciona muito bem em clichê. Você quer mostrar às pessoas algo que elas já viram antes, e então você quer introduzir algo novo para ele. É assim que você começa a desenvolver seus estilos, é introduzindo-se nele,
mas, em última análise, a fotografia
funciona, é superficial em geral. Porque é isso que está na sua frente, é o que é. Você não está ficando mais profundo do que isso. Então, como você mostra às pessoas o que elas esperam ver? Algo que eles podem digerir facilmente, que não é super complexo, mas que mostra isso a eles de uma maneira nova. Às vezes é um ângulo, às vezes é uma composição, às vezes é uma ilusão óptica, reflexões o que for. São todas maneiras diferentes de fotografar. Em vez de fotografar um edifício, você fotografa o reflexo do edifício. É como você pode apresentar o mundo de uma forma que as pessoas possam entendê-lo, mas também que mostre seu próprio coração? Porque essa é a parte mais importante, e essa é praticamente a diferença entre tirar uma foto e fazer uma foto, porque quando você tira uma foto, você está apenas tirando. Está bem na sua frente. Quando você faz um quadro você está construindo e você está colocando um pouco de si mesmo na forma de arte. Colocar um pouco de sua alma e isso é uma grande diferença entre os dois, entre o que você realmente está pensando quando você começa a fazer fotografia. Quando tentas levar a outro nível : “Estou a fotografar os meus filhos.” Porque até eu fotografo meus filhos ou é : “Estou tentando fotografar meus filhos de uma maneira que ninguém os tinha visto antes.” Eu acho que quando você tem controle criativo você pode obter o borrão de pessoas entrando e saindo de um trem, há um monte de coisas diferentes. Eu acho
que não é que você vai criar um magnum do sol em Nova York ou algo assim. Já foi feito antes por muitas pessoas como Bruce Davidson, Christo Claude, fizeram um ótimo trabalho no metrô. Quem passou anos fazendo isso e que ainda digo que é idealmente, você quer chegar ao nitty corajoso como idéia entre um ensaio, um ensaio fotográfico e uma história fotográfica. Uma história fotográfica, é o ponto A a B. Bob vai trabalhar, almoça, vai para casa, vai para a academia, vai para a cama. Um dia na vida de Bob. É uma história fotográfica, é muito linear, e a redação fotográfica é um pouco mais esotérica. Um pouco mais de viagem, é tudo que usar uma seta para criar movimento, não precisa ser pregado para baixo pelo ponto A ao ponto B ou pelo tempo. Então, se você vai fazer um dia na vida do metrô
do médico treinado enquanto ele se levanta e passa por este dia até que termine, isso é uma história fotográfica. Se você está falando sobre isso é o metrô de Nova York, não importa se a primeira foto que você tirou mostra menos ou se você tirou por alguns meses e não há nenhum assunto, exceto quando você edita as fotos e as coloca juntos você cria uma narrativa que é evocativa através da composição das imagens devido a nós estamos tendo jogar fora um do outro através, luz, escuro, e composição, são todas uma maneira que você pode criar imagens. Então você tem um geral e o detalhe, tiro no meio do chão. Você descobre como eles criam uma ressonância emocional que passa pela narrativa e que é mais ensaísta. Quando eu entro no metrô na hora do rush e eles estão como 10 mãos no bar, ele foi filmado antes um milhão de vezes, mas para mim é incrivelmente evocativo. Diz uma multidão em um vagão do metrô. Algumas coisas são clichês por uma razão porque funcionam. [ inaudível] de que outra forma nós vamos dizer isso. Sim, é a verdade, mas e daí? Eu adoraria isso. Se eu pudesse fazer uma série de fotos dessas mãos em buracos de
metrô ao redor do mundo, eu faria. Então, aqui estão os caras para esta tarefa em particular, você vai se trancar em um lugar como o vagão de metrô de Nova York, ou qualquer outro vagão de metrô ou quarto, e tentar chegar a uma variedade de imagens diferentes que contam uma história de Este lugar.
3. Composição: Às vezes pode ser um espaço. Então, eu sou um grande fã de espaço negativo, então eu estou vendo que talvez seja apenas o elevador ou uma parede. Então, como aqui, digamos, no metrô, você tem os poços onde os trabalhadores de serviços públicos podem ficar lá dentro. Eu quero que a cabeça dela esteja na metade ou nós a queremos em tudo isso? Então, é mais como se às vezes eu começasse com o espaço em si e esperasse que as pessoas se movessem para o espaço. Ou, às vezes, vejo uma pessoa e espero para ver o que ela faz, como se movem, e onde fica. Então vou tentar fazer essa foto. Então, há realmente duas abordagens para compor com o espaço ou esperar que as pessoas [inaudíveis] entrem no espaço. Acho que o meu estilo muda. Acho que esse é o meu cartão Pelo menos a nível profissional, adapto minha visão para trabalhar com qualquer história que estou cobrindo, e acho que isso é muito importante. Se eu apenas constantemente fazer a mesma coisa uma e outra vez, então é repetitivo, as pessoas ficam entediadas se isso. Mas se eu tentar e deixar que cada coisa que estou cobrindo fale comigo uma certa maneira e mude meus visuais por causa disso e me adapte a ela, eu acho que é mais para onde eu quero ir, isso é mais apropriado. Então, muitas das coisas que às vezes tento fazer são encontrar maneiras diferentes de compor uma imagem. Molduras de janelas. Quando você estiver pronto, eu estou neste espaço que eu quero fotografar, mas então você pode ser como, “Como eu posso ver isso de forma diferente do que eu estou vendo agora?” Então, eu o vi lá dentro e no começo eu desenhei. Eu comecei a atirar nele, e então eu percebi que eu também posso obter o reflexo do trem do metrô no vidro e no céu atrás de mim. Então, eu puxo meu braço para dentro e eu estou usando este feixe transversal para bloquear o reflexo de mim mesmo e eu estou mudando a abertura mais alto porque eu quero mais em foco. Então, fui para a F5. Estou mantendo o ponto de foco nele, mas agora eu sei que vou
ficar mais do fundo e então eu ajusto minha exposição e eu estou tentando me tornar menor e eu uso esse feixe transversal para bloquear meu reflexo. Depois consigo apanhar o comboio e as pessoas a passar e aquele tipo ali. Quando eu estava na faculdade, eu morava em um abrigo para sem-teto e minha tese era viver em um abrigo para sem-teto e fotografar a vida dentro, e eu tenho uma cena desses três caras lavando suas roupas. Foi esta trindade perfeita, para mim, esta composição que funcionou. Minha editora na época, minha mentora, era uma fotógrafa do jornal Saint Louis e ela disse : “Essa é uma foto horrível porque você tem uma árvore crescendo na parte de trás da cabeça
desse cara e você tem um interruptor de luz próximo ombro deste cara, e não é apenas composto.” Era como, “Como você vê todas essas coisas na câmera quando você está filmando?” Ela disse: “Vai vir. Em algum momento você vai ver cada elemento dentro do quadro quando você atirar.” Quinze anos depois, eu disse: “Isso é coisa minha.” Eu componho analmente. Eu não usarei imagens se elas não forem compostas, se alguém não estiver perfeitamente dentro do espaço que eu preciso que elas estejam. Você pode começar com linhas e grades e manter as pessoas dentro das linhas e grades. Então, bem aqui eu comecei um pouco mais alto e cortei algumas das linhas, e então eu estou apenas movendo meu ponto de vista um pouco mais baixo e tentando manter as coisas dentro das estruturas. Então, você poderia fazê-lo como uma forma de grade onde você está mantendo as coisas, você tem o retângulo dourado e a regra de terços de como as pessoas compõem imagens. Quadrados. Então, se você está pensando no Instagram. Instagram tem sido realmente bem sucedido, e o iPhone em geral, mas está mudando a linguagem visual de muitas maneiras porque estávamos acostumados a sempre, antemão, revistas que olhamos assim, a mesma proporção de nossos olhos, um retângulo. Agora, nós temos isso e quando estamos segurando-o confortavelmente desta maneira, apenas um quadrado funciona. Então, agora, as pessoas estão vendo em mais quadrado. Foi no passado, compondo para um quadrado que não fizemos. Não me lembro que filósofo disse,
mas como Voltaire ou alguém disse: “A simetria é um refúgio para a mente simples”, ou algo assim. Mas agora é muito do que estamos fazendo. As pessoas estão vendo na praça mais do que nunca e está voltando. Durante muito tempo as pessoas não viram isso porque não
foi publicado e a grande diferença é que eu comecei com a foto, eu tenho o quadrado, eu tenho o cara lá dentro e então eu vejo o sinal de emergência atrás de mim e ele apenas dizia Emer- Estava cortando o resto sobre ele, então eu me movo um pouco. Então, uma das grandes razões pelas quais eu digo às pessoas que não usam câmeras de zoom. Use uma lente e, em vez de ampliar a câmera, você mesmo deve usar seus próprios pés e se mover. Então, algumas pessoas têm uma lente de 50 milímetros ou uma lente de 35 milímetros e a grande diferença entre os dois é como três passos. Obviamente, há mais do que isso. As imagens parecem um pouco diferentes quando você filma entre os dois e é realmente profundidade de campo, mas na maior parte, você só precisa de uma lente. Se eu estivesse em uma ilha deserta, eu teria uma câmera, uma lente com lente de 35 milímetros. Isso é tudo que eu realmente preciso. Eu acho que provavelmente a maioria das minhas imagens que eu já fiz são com uma lente de 35 milímetros. Eu estou olhando através dele, eu sou como, “Ok. Será que isso funciona?” , e eu tiro a foto porque eu sou definitivamente o estado de espírito de como, “Tire a maldita foto mesmo que não esteja em foco, apenas levá-la porque pode não acontecer de novo.” Mas vou tirar a primeira foto e dizer: “Isso não está funcionando. Posso colocar a cabeça dele na praça de cima e o outro cara na praça de baixo?” Então eu vou trabalhar nisso. Eu vou me mover um pouco e então eu vou mudar meu foco um pouco. Então, agora, no começo eu me concentrei nele para trás e então eu mudei o plano do meu foco. Então, eu o coloquei na frente, ele atrás? É tudo sobre mudar coisas diferentes e ver o que funciona. Eu sou um grande fã, uma das grandes influências do meu trabalho é Alex Webb, Jill Perez, e David Alan Harvey apenas no sentido - e eu acho que Steve McCurry - em como eles compõem e como eles se encaixam. Camadas é muito importante para mim em termos de construir a imagem e ter diferentes perspectivas das pessoas. O elemento-chave para a forma como fotografo é que gosto de ter elementos composicionais distintos. Essas são as minhas camadas. Então, primeiro plano, meio termo, fundo, pessoas sendo elementos composicionais em torno de outras pessoas, implicando movimento. A grande coisa sobre fotografia de rua, fotografia
não configurada, eu diria, é que você está tentando capturar a serendipidade da vida acontecendo em um instante e sem impedi-la. Se você pode colocar tudo alinhado perfeitamente onde você quer, então é aí que você sente em seu coração e sua alma. É como se eu tivesse conseguido capturar a vida de certa forma, para mim uma forma estruturada de composição, sem fazer nada, sem mudá-la, sem interromper o seu fluxo, e tenho orgulho disso. É para isso que pratico.
4. Fotografando: Então, duas coisas boas lá. Uma é quando você vê algo pegá-lo, e então, “Oh, posso me aproximar um pouco mais? Posso continuar?” Porque nós sempre começamos mais atrás. E a segunda é, eu sou sempre assim, porque você está no metrô e se você não tem certeza de onde diabos você está, você pode ser morto. Então, eu estava aqui, e eu vi isso, e eu pensei, “Onde está minha cabeça. Onde está todo o resto que está acontecendo lá?” Então, aqui está uma maneira de pensar sobre a composição, você tem esse espaço negativo do céu. Eu sempre digo: “E daí?” Quando você não tem mais nada melhor para fazer. Mas ainda deixar é uma boa maneira de aprender sobre camadas. Então, você tem todos esses postes, e todas essas barras transversais. Todas essas coisas de matemática. Então é mais sobre, “Ok, se eu ficar aqui...” Obviamente, veja por si mesmo, certo? Eu estou bem, há alguém ali, há alguém aqui, há um primeiro plano e fundo e eu posso começar a organizar um tiro, baseado na composição na própria estrutura, que é quando você começa a diferença entre tomar um imagem e fazer um filme, enquanto eu simplesmente não estou pegando. Não foi um acidente de carro que acabou de acontecer lá em baixo, eu puxei o meu telefone e vou levá-lo. Não, estou pensando, estou tentando construir, mas não estou interrompendo. Eu não estou mudando a serendipidade da vida, eu quero capturá-la, mas agora eu quero construir a imagem. Então é aí que eu desenho, então eu começo, ok, eu estou olhando para ele. Até agora é isso e eu vejo, e estou focado no fundo. Eu quero mudar a minha exposição um pouco porque eu quero desfocar o fundo para me esconder em uma silhueta. Então eu vou me mudar porque talvez eu não esteja colocando as pessoas no enquadramento certo. Sim. Talvez eu tenha que dar um passo assim, mas então eu cortei uma mulher ao meio com uma das barras transversais e agora eu tenho que voltar. É tudo sobre ver o espaço e descobrir como fazer uma imagem. Às vezes isso só requer ficar lá, se vale a pena para você, e é aí que você tem que definir qual é o seu objetivo em fazer tudo isso. Vale a pena para você se destacar no frio ou na chuva ou no calor, e apenas tentar capturar aquela imagem que você viu na parte de trás da sua cabeça? Então é perfeito. Lembro-me que estava numa sessão para a ESPN cobrindo último jogo de
Brett Favre no Lambeau Field, no Green Bay Packers. E a maioria das minhas câmeras operam o foco automático pressionando um botão na parte de trás. Algures no terceiro quarto
, estava a 12 graus. Em algum lugar por volta do terceiro trimestre, nada estava em foco. Eu estava tipo, o que diabos está acontecendo? Olhei para o meu polegar, na verdade era azul. Porque eu estava parado naquele lugar tentando fazer um filme, e meu polegar congelou na minha câmera. Eu estava dizendo para apertar o botão, mas não estava fazendo nada. Então, depende, qual é o seu objetivo? Está a caminho do trabalho? Então, você só está fazendo isso por diversão, então não importa. Para mim é como, ok, eu quero ter certeza de que esta imagem funciona. Acabei de passar tempo suficiente, configurando isso na minha própria mente, vai ser perfeito? Nada nunca é. Eu equipararia a tecnologia de telefonia móvel de muitas maneiras é uma espécie de ser como uma holga digital. Holga é esta câmera de plástico $20 que você nunca realmente obter algo totalmente preciso ou exato o que saiu dele. Você conseguiria uma imagem, que era interessante e muita gente usava. Tenho um bom amigo meu, um fotógrafo, David Burnett, que realmente o usou na Casa Branca. No Salão Oval e mostrou a câmera. Então, quando você tem uma câmera mais robusta, qualquer uma dessas câmeras,
esses DSRs, o que quer que tenha invertido isso. Tenho o meu obturador, tenho a minha abertura, tenho o meu ISO. Agora, todos os três que eu posso combinar e ser como, ok, eu gostaria de uma pessoa parada, e um borrão de humanidade passar por aqui. Bem, então eu tenho que ter uma velocidade lenta do obturador. Posso compensar diminuindo minha ISO ou alterando minha abertura. Você não tem essa opção, realmente, com isso. Quero dizer, há algumas coisas que você faz em um telefone mais novo. Nós temos algumas opções em alguns dos telefones Android, você tem essas opções na mídia do Windows. Mas é a qualidade da imagem. Mas mesmo isso, para ser honesto, não há
muita diferença entre os dois neste momento em termos de tecnologia. É mais sobre a qualidade real e imagem, eu imprimi imagens do iPhone facilmente 40 polegadas por 40 polegadas. Acabei de imprimir em papel aquarela, algo com textura. Para que ele o mantenha unido um pouco, e à medida que você se aproxima, ele acaba parecendo um Monet ou George Seurat, e começa a se tornar inútil. Mas eu acho que quando você está usando uma câmera que tem elementos de vidro e um super preciso,
e, em seguida, testado, e tem altos ISOs e altos valores de velocidade do obturador. Se você está ciente de tudo o que ele pode fazer, e você tem as técnicas prontas, você pode ter mais controle criativo porque você pode pré-planejar com antecedência, tipo, este é o tipo de imagem que eu quero fazer. Em vez de ficar surpreso com o que você ganha. Depende do seu objetivo final. Então, se você olhar dentro desta lente muito, muito suja, você verá que há uma íris, se você olhar dentro desta lente que abre e fecha, e essa é a abertura. Quanto menor o buraco, maior o número. Eu não sei por que eles inventaram isso, quanto mais isso está em profundidade. Um obturador é o quão rápido a cortina se move na frente do filme real jogado. Então, agora estou em 2.500 de segundo. Veja, as persianas se movem muito rápido, se eu mudar, então é um quarto de segundo. É apenas sobre quanta luz a câmera está deixando entrar no clipe. Então, quando você combinou o obturador e uma abertura, você está tentando fazer uma exposição correta para a luz. Não há nada certo, então se você olhar aqui e ficar tipo, oh a exposição aqui dentro. Uma ISO é a velocidade do filme, então todos eles também são eles criam a sensibilidade e afins. Então, se você está filmando 400 ISO nesta sala na F4 a 60 de segundo. Você também pode filmar um bidirecional em 125º de segundo. Será exatamente a mesma exposição, exceto que você teria uma profundidade de campo diferente porque a abertura está ligeiramente aberta. Se eu fotografar F56 a 30 de segundo, que é a mesma exposição, então eu poderia começar a ficar borrão de movimento mesmo que a qualidade da luz seja a mesma. Então esse pilar vai parecer o mesmo, mas não há como um borrão de pessoas passar, enquanto que em 125 de segundo iria congelar o movimento. Ou eu poderia apenas mudar meu ISO, se eu comecei em um ISO realmente menor, câmera não é tão sensível à luz, então é preciso mais luz para fazer uma exposição. Então eu teria que abrir minha abertura ou diminuir a velocidade do obturador para obter mais luz. Onde se eu for para 2.000 ISO, bem agora eu provavelmente posso filmar aqui em 500º de segundo na F4. A 2.000 ISO, que é rápido o suficiente para abrandar um jogo de basquete. Então todos esses elementos jogam em como você quer fazer sua exposição. Obviamente, à medida que sobe uma ISO, a queda é sombria. Você começa a ficar cada vez mais sombrio na imagem. Quando nos conhecemos, eu brinco, quando não tenho minha câmera, eu brinco e sou um brincalhão. Mas eu me sinto muito visível quando eu tenho essa coisa no meu pescoço e às vezes
eu gosto de me misturar e desaparecer, e eu gosto de capturar uma foto sem realmente estar lá. Porque como você pode testemunhar a vida? Como pode gravar se está afetando? Você pode fazer todos os tipos de argumentos, da mesma forma, como a lei da observação que, se você está olhando para algo como está acontecendo, não está realmente acontecendo sem você olhar para ele. Que é como um teorema científico ou fato. Obviamente, se estou aqui e as pessoas andam à minha volta, estou a afectar o fluxo. Literalmente. Mas eu não estou pedindo para as pessoas, “Ei! Conte-me seu segredo mais profundo e sombrio.” Eu não estou impedindo eles de flertar, eu estou basicamente tentando no melhor dos casos, minha idéia é apenas dizer que esta é uma fatia da vida que está acontecendo agora e eu quero capturá-la. Então, é isso que eu estou tentando fazer e eu estou fazendo isso no metrô ou na rua.
5. Iluminação: Agora, preste atenção a isto. Fotografia é basicamente pintar com luz como se você estivesse entendendo como a luz salta das coisas e como ela é gravada. Quero dizer que entra em jogo com a composição e dependendo de como você se move como luzes fluorescentes acendem em um flare verde e você tem essa luz que é azul e sua bolsa é vermelha. Há tantas maneiras diferentes como, “Oh, você sabe.” Então, a foto dela por causa da forma como a luz é, mesmo que seu casaco seja bege, ele vai sair amarelo no quadro, porque você está lá fora, você tem uma iluminação mista, você tem uma luz normal, fluorescente A luz e o vermelho. Eles estão todos balançando luz ao redor dela e podemos corrigir tudo depois, mas é apenas entender a luz e como ela cai sobre as pessoas. Então, se eu estou filmando aqui, bem digamos, seus olhos vão equilibrar tudo. Seu cérebro vê tudo isso e equilibra tudo para você. Mas, você tem que ser capaz de entender como controlar criativamente a câmera e ser como, ok, e se eu expor para isso como. Então, se eu for apenas discar e dizer, “Oh, eu só vou expor para este destaque.” Bem, e então, torna-se algo diferente. Então você está usando isso como uma luz de captura para destacar as pessoas que, então, digamos, esse cara porque ele está vestindo sua camisa branca e ela está usando camisas pretas. Então seus rostos vão sair muito mais claros, suas luzes também saltando em sua camisa, certo? Então, vai ser um tipo muito diferente de tiro, se eu atirar nele contra se eu atirar nela. E é apenas um tipo de compreensão, mas é para isso que estou expondo.
6. Considerações finais: Então, quando olho para as fotos, procuro imagens variadas, procuro contar histórias , conteúdo emocional, composição. Cada um de nós traz nossas próprias idéias de como uma boa foto como deve ser. Eu definitivamente vou de mais do lado composicional, algumas pessoas podem ir mais do lado do conteúdo, mas é definitivamente você quer ter algo coeso e evocativo, e é isso que estamos procurando, algo interessante. A ideia é que quando você olha para o seu trabalho, você quer dizer, “Estou fazendo uma imagem que ninguém viu antes?” “ Estou tentando apresentar algo que...” Todos sabemos como é o metrô de Nova York. Então, “Estou tentando mostrar algo que todos sabem como é e tentar mostrar de uma maneira diferente? Estou sendo bem sucedido fazendo isso?” Essa é a chave para este projeto.
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