Flores para lavagem de tinta e aquarela

1. Linhas e lavagens de flores soltas 1: Você ama absolutamente a aparência de caneta solta e florais de lavagem em aquarela, mas talvez esteja se perguntando como iniciante, qual é o melhor lugar para começar? Talvez você esteja se perguntando, quais são as informações obrigatórias sobre caneta e tinta, aquarela e sobre a combinação desses dois meios? Assim, você pode construir uma base sólida para saltar. Além disso, como você chega a um ponto em que você é fácil e rapidamente capaz de criar esse tipo de arte completamente por conta própria, completamente do zero sempre que quiser, sempre que tiver algum cartões para fazer, alguns marcadores que você quer dar , peças pessoais, etc. Se você é um artista iniciante, basta começar a desenvolver suas habilidades de desenho e está apenas começando a pular no mundo da lavagem de caneta e aquarela ou você é um artista intermediário, que está apenas começando a combinar esses dois meios em seu trabalho. Este curso é para você. Meu nome é Erica e sou um artista de mídia tradicional e educador online. Tenho mais de 15 anos de experiência trabalhando em campos criativos e artísticos. Primeiro, eu era um designer gráfico que trabalhava em agências de publicidade. Então passei muitos anos trabalhando como professor de arte principal em um ambiente escolar. Nos últimos quatro anos, tenho trabalhado em tempo integral no meu próprio negócio de arte como artista profissional. Meus dias giram em torno de criar arte, vender arte localmente e ajudar aspirantes a artistas de todo o mundo a desenvolver suas habilidades artísticas e sua voz criativa através do meu site, meu canal no YouTube, meu social mídia em geral, e também meu site de associação. Saltando para o que você vai aprender neste curso. Vou ensinar-lhe como desenhar três flores diferentes, uma flor de cone, uma rosa selvagem e um narciso de duas perspectivas diferentes. De uma vista superior e também uma vista lateral ou de perfil para que você possa realmente entender a estrutura dessas flores e suas particularidades. que você seja mais capaz de desenhar isso da imaginação e da perspectiva que quiser. À medida que estamos desenhando, vamos nos concentrar em simplificar essas flores em formas básicas. Que é uma habilidade que vai ajudá-lo no futuro, não importa o que você está tentando desenhar. Este curso é destinado a iniciantes totais. Vou levá-lo pelo meu método no qual primeiro crio meu desenho com lápis de grafite para que eu possa apagar quaisquer erros que eu precise apagar. Em seguida, rastreamos nosso trabalho a lápis definindo bordas e adicionando mais detalhes usando caneta e tinta. Então, finalmente, trazemos nossas lavagens coloridas vibrantes usando aquarela. Eu incluí aulas neste curso em que compartilho as principais informações que você deve conhecer como iniciante, começar a usar caneta e tinta, começar a usar caneta e tinta, começar com aquarela, e começar a combinar esses dois meios para que você possa alcançar o sucesso mais cedo. Antes de começar com as três peças finais em que vamos trabalhar juntos, também compartilho uma aula completa na qual oriento você pelo meu processo de seleção de cores e como eu experimente minhas cores diferentes para que eu saiba exatamente quais cores vou usar para minhas peças finais. Finalmente, trabalhamos em nossas três peças finais juntas, uma para cada flor. Um pedaço de flor de cone, um pedaço de rosa selvagem e um pedaço de narciso. Ao longo deste processo, eu também polvilho algumas informações sobre a composição que ajudarão a criar composições harmoniosas, bem equilibradas e interessantes para olhar. Como educador de arte, sou um grande fã de não só compartilhar todo o meu processo com você e minhas técnicas, mas também de polvilhar conhecimento dos fundamentos da arte e apenas coisas que eu sempre tenha em mente que continuo me perguntando durante todo o processo criativo que você possa chegar a um ponto em que você está criando arte original do zero. Isso é o que eu quero para você. Com tudo isso dito, espero que você se junte a mim neste curso. Estou tão animado para trabalhar nesses exercícios e projetos juntos. 2. Linhas e lavagens de flores soltas 2: Vamos prosseguir e começar a usar a Classe Número 1 neste curso, no qual vou explicar informações imperdíveis sobre suprimentos que são realmente importantes que você entende para um processo mais suave e melhores resultados quando se trata desse tipo de peça em que estamos combinando caneta e tinta com lavagens em aquarela. Quero lembrá-lo de que todas as aulas deste curso têm um download que você poderá encontrar na guia Projetos e Recursos. Para esta primeira classe, incluí uma lista de verificação de suprimentos para que você possa ter certeza de que tem tudo à mão que precisa para obter melhores resultados. Para outras aulas, você poderá encontrar modelos para download, fazer encontrar modelos para download, referência a fotos que usei e, claro, você também poderá encontrar meus esboços de esboços para download para todos os esses diferentes estudos de flores e peças que vou criar para esta aula. Dessa forma, você pode baixá-los e imprimi-los e tê-los à mão como referência ao criar seus esboços à mão livre. Se você quiser pular a fase de esboço da mão livre e pular diretamente na caneta e na tinta e , em seguida, a aquarela lava e não se concentra tanto no seu desenho de mão livre, você sempre pode transferir meu esboço esboça em sua folha de papel aquarela usando papel vegetal ou qualquer método de transferência você e pule direto para as aulas em caneta, tinta e aquarela. Com tudo isso dito, vamos em frente e saltar direto para os suprimentos que você vai me ver usar nessas aulas. Para começar, esses são os materiais de desenho que você vai me ver usar na classe em que vou compartilhar com você como desenhar um coneflower, uma rosa selvagem e um narciso. Mesmo que este curso seja em lavagens de caneta e tinta e aquarela e nossas peças finais serão peças de mídia mistas que usam caneta e tinta e aquarela, não posso enfatizar a importância do praticando seu desenho com lápis de grafite regulares primeiro ou ao lado de seu desenvolvimento de habilidades de caneta e tinta e aquarela o suficiente. Para mim, é sempre muito importante entender a estrutura do que é que vou desenhar e ser capaz de simplificar o que estou vendo em formas ou formas simples. É muito mais fácil e menos intimidante estudar o objeto ou o assunto primeiro através de um simples esboço de grafite, porque somos facilmente capazes de desenhar levemente para apagar erros e todas essas coisas. Se fôssemos pular direto para desenhar com caneta e tinta sem ter feito nenhuma prática prévia ou estudar com lápis de grafite, bem, isso pode ser muito intimidante porque caneta e a tinta é um meio permanente, e você não será capaz de apagar seus erros. Sem mencionar, se você não usar algum tipo de foto de referência ou algo que você tenha na frente na vida real e nunca arranja tempo para fazer qualquer estudo ou observação de seu objeto ou assunto para entenda pelo menos um pouco mais profundamente antes de pular em seu desenho, então será muito difícil chegar a níveis médios e mais altos de realismo porque você precisa entender, novamente, a estrutura do que é que você está tentando desenhar e as características que definem, neste caso, aquela flor em particular , além de outros tipos de flores. Um caderno de desenho regular e ferramentas básicas de desenho nos permitirão fazer essa prática e preparar o trabalho antes de começar com nossas peças finais para que o processo final possa ser muito mais suave os resultados finais serão muito mais bem-sucedidos. Depois de algum tempo praticando desenho e praticando especificamente com caneta e tinta depois de desenvolver suas habilidades um pouco mais e você se sente muito mais confiante, então por todos significa que você pode pular direto para o desenho com caneta e tinta sem praticar com grafite primeiro ou fazer qualquer esboço preliminar usando lápis de grafite. Mas eu queria fazer este curso para o iniciante total apenas começando, e é por isso que vou compartilhar com vocês como primeiro desenhar com lápis e depois traçar isso com caneta. Honestamente, até o dia, mesmo depois de todos esses anos no desenho e criação de arte, ainda crio esboços preliminares com grafite antes de entrar com a caneta. Vou trabalhar neste caderno de desenho da Strathmore, que tem papel que tem uma superfície fina do dente, o que significa que é bem suave, e este artigo tem 60 libras ou 89 GSM em espessura ou em peso. Este caderno de desenho em particular tem nove por 12 polegadas de tamanho, mas você pode usar qualquer tamanho de caderno de desenho que quiser. Vou usar um lápis de grau B da Faber-Castell. Normalmente, quando crio um esboço preliminar que vou mover para caneta e tinta ou aquarela, gosto de usar um lápis de desenho HB porque um lápis de desenho HB está certo smack no meio entre lápis mais suaves e notas de lápis mais difíceis. A grafite que eles contêm em seu núcleo não é muito difícil e nem muito suave, o que me permite criar um esboço de grafite muito leve ou esboço de esboço que eu vou ser capaz de apague facilmente e também que você não poderá ver através disso uma aquarela translúcida. No entanto, como eu quero vocês possam ver o que estou fazendo, vou ficar um pouco mais suave do que o HB, e vou usar um lápis B. Como a grafite no núcleo do lápis B é um pouco mais macia do que a grafite no lápis HB, ela ficará um pouco escura e você vai poder ver meu trabalho muito mais claramente. No entanto, eu recomendaria usar um HB ou, pelo menos, certifique-se de que você está desenhando o mais levemente possível para que você possa facilmente apagar os erros à medida que você vai para que você não arranhe ou danifique seu papel e também para que o trabalho do lápis não fique visível através da tinta no final. Pessoalmente, não sou um grande fã de notas de lápis mais difíceis. Qualquer coisa mais difícil que uma 2H é um pouco arranhada demais para mim. Mesmo que as notas de lápis mais difíceis ajudem você a criar esboços limpos muito leves, essa grafite é um pouco difícil demais e eu não gosto de arranhar ou danificar meu papel aquarela porque aqueles pequenos amassados e arranhões que você cria, eles não poderão ser apagados, removidos ou corrigidos. Além desses suprimentos, também tenho dois tipos diferentes de borrachas à mão. Eu tenho uma borracha de grafite macia regular. Esta é uma borracha sem poeira também da Faber-Castell, e eu tenho uma borracha amassada, que é aquela coisa de chiclete azul mastigada que você pode ver agora na tela. Ter uma borracha amassada na mão é bastante útil porque, enquanto você está desenhando, você pode mudar sua forma e apagar pequenas áreas que você não seria capaz de entrar com uma borracha comum. Mas muitas vezes, a maneira que eu gosto de usá-los é depois de ter terminado meu esboço preliminar, eu uso minha borracha amassada para fazer movimentos suaves de batida sobre meu esboço para torná-lo ainda mais leve e me livrar de qualquer excesso de grafite que possa estar flutuando na superfície do meu papel, o que certamente pode enlamear ou sujar minhas cores vibrantes e eu vou usar mais tarde. Este desenho que estou compartilhando agora na tela não é um esboço de esboço que eu ia passar para a pintura. Este é um estudo de sombreamento alternativo de grafite, mas eu queria mostrar a você quanta grafite uma borracha amassada é capaz coletar se você fizer o toque sobre seu desenho, que pode ser incrivelmente útil quando você está criando seu esboço de esboço para pintar com aquarela. Dessa forma, não só não poderemos ver nosso lápis funcionar ou nossa linha trabalhar através da tinta no final, mas também evitaremos manchar qualquer grafite que deixamos para trás em nosso papel, o que certamente pode afetar a vibração da nossa aquarela. Finalmente, em termos de meu apontador, uso um apontador metálico básico. Vamos passar para os suprimentos de pintura a caneta e tinta e aquarela que eu recomendaria ter à mão para esse processo. Vou usar papel de prensagem a frio da Primrosia. Este papel tem 140 libras ou 300 GSM em espessura ou em peso. Por ser prensado a frio, é texturizado. Certo, vou fazer um zoom para que você possa ter uma ideia melhor do nível de textura em que vou trabalhar. No meu curso anterior do Skillshare, há uma aula na qual compartilho tudo sobre os diferentes tipos de papel aquarela que você vai conseguir descobrir lá fora; a prensa quente, a prensa a frio e o áspero. Se você quer um acabamento mais suave e está preocupado em ter que lutar contra o dente ou o grão do papel com a ponta do lápis e a ponta da caneta de desenho, então Eu recomendo obter papel aquarela quente. Sempre que estou trabalhando em uma peça que só vai ser caneta e tinta, então não vou trazer tinta, uso algum tipo de papel de desenho suave ou vou com papel aquarela com prensa quente. Mas como vou trazer lavagens em aquarela hoje, eu realmente gosto da forma como a aquarela parece em papel aquarela de prensagem a frio. No entanto, se você está preocupado com a ponta do lápis ou com a ponta da caneta, pulando o dente áspero ou o grão do papel um pouco demais, ou se você está preocupado você não é capaz criar linhas suaves quando estiver trabalhando com caneta e tinta, ou se você está preocupado em danificar a ponta da sua caneta por causa dessa textura no papel, então eu recomendaria indo com papel aquarela hot press para os projetos neste curso. Eu realmente não me importo de ter alguma textura no meu papel aquarela porque o número um, vai me ajudar a desenvolver variação do peso da linha no meu trabalho de caneta e tinta, o que é algo que eu sou vai falar sobre mais tarde na aula sobre dicas de desenho de caneta e tinta. Não me importo que o salto aconteça sobre esse dente do meu papel e minhas linhas quebrando aqui e ali porque isso me ajuda a criar variação de peso da linha e me ajuda a ficar longe do grosso, aparência ousada, consistente e pesada que muitas vezes está presente em páginas de livros de colorir e desenhos animados. Falarei mais sobre isso depois. Além disso, já tenho habilidade suficiente desenvolvida com caneta e tinta que não sinto a necessidade pressionar muito com minha caneta, que muitas vezes é a maneira como as pontas de suas canetas ficam danificadas porque você está pressionando com muita força nessa textura. Novamente, se você está preocupado com qualquer uma dessas coisas, vá com a prensa quente, que é o papel aquarela menos texturizado que você vai conseguir encontrar. Isso será especialmente útil para você se você estiver procurando linhas consistentes mais suaves, e também se você estiver preocupado que você vai danificar a ponta da caneta. Em termos de minha caneta de desenho, vou usar um forro pigmentado da Staedtler, e esta caneta que vou usar é de 0,1 tamanho de ponta. Estes revestimentos de pigmento da Staedtler são super bons para usar em combinação com aquarela porque são permanentes e impermeáveis e não borram nem sangram. Sempre que você vai combinar caneta e tinta com aquarela, é muito importante que você use uma caneta que contenha tinta à prova d'água e à prova de manchas. Eu também gosto muito de canetas Micron. Eles também funcionam muito bem em combinação com aquarela. Em termos das minhas aquarelas que vou usar, vou usar meu conjunto de Daniel Smith. Vou deixar você saber exatamente quais cores vou usar na classe em que vou orientá-lo sobre como escolher as cores para suas diferentes flores e como criar suas misturas de cores. Passando para os outros suprimentos de pintura em aquarela, eu recomendaria ter um ou dois recipientes com água limpa à mão para esta última fase deste processo em que vamos usar aquarela, algum tipo de toalha absorvente. Eu realmente gosto dessas toalhas azuis da loja Scott que são destinadas para uso em carros porque posso reutilizá-las novo e de novo antes de ter que jogá-las fora, mas mesmo toalhas de papel de cozinha comuns servem. Ter uma ou duas toalha absorvente à mão é muito importante porque isso o ajudará a ficar por dentro do controle da água e fazer qualquer levantamento que você precise fazer durante todo o processo de pintura. Em termos de meu pincel, vou usar um para todas essas peças de flores, e este é um pincel redondo tamanho 10 da linha Aqua Elite de Princeton. Eu recomendaria mantê-lo simples e mantê-lo limitado quando se trata de escolher seus pincéis para essas peças porque vamos ser agradáveis, rápidos e mínimos. Um tamanho 10 é o que eu consideraria um pincel de tamanho médio, como expliquei nesse curso Aquarela 101. Eu recomendo verificar isso. Qualquer coisa de um 8, um 10 ou um 12, acho que vai sair bem, desde a ponta seja boa e pontuda, especialmente para as hastes e as folhas em áreas menores. É isso para esta primeira aula neste curso. Vá em frente e certifique-se de que você tenha todos os seus suprimentos prontos para uso. Estou tão animado em compartilhar a Classe Número 2 com vocês, na qual vou explicar todos os projetos em que vamos trabalhar juntos neste curso, que eu sei que vamos divirta-se muito e você vai se sair muito bem . Vejo você lá. 3. Linhas e lavagens de flores soltas 3: Ei lá, e bem-vindo à Classe 2. Este será um vídeo de orientação no qual vou explicar sobre os diferentes exercícios que vou levar você, bem como os projetos finais que estamos vamos trabalhar juntos, nos quais vamos trazer todo o conhecimento e as habilidades que adquirimos, e praticamos nas aulas deste curso. Os exercícios que compartilho em todas as aulas incluídas neste curso devem ser trabalhados em ordem sequencial. Eu não recomendaria pular nenhum deles, e também se você quiser gastar mais tempo em qualquer um dos exercícios antes de seguir em frente, eu recomendo isso. Você pode passar para a próxima aula assim que se sentir pronto, e gastar tempo fazendo todos esses exercícios realmente ajudará você a passar pelo processo para seu projeto final muito mais suavemente e chegue a melhores resultados. Vamos em frente e pular direto para dentro. As primeiras aulas deste curso, Classes 3,4 e 5, estão cheias de informações essenciais sobre desenho com caneta e tinta, sobre pintura com aquarela, e sobre a combinação de caneta e tinta com lavagens em aquarela. Nessas aulas, vou compartilhar muitos exemplos do meu próprio trabalho, e vou compartilhar minhas dicas imperdíveis e informações essenciais que eu gostaria de ter sabido quando estava começando com esses médiuns e com a combinação desses médiuns, isso teria me ajudado a melhorar muito mais rapidamente. Mesmo que essas primeiras aulas não incluam exercícios práticos, incluí planilhas para download, que você pode baixar, imprimir e preencher enquanto estamos nos movendo pela aula, para que essa informação tenha uma chance maior de realmente ficar. Seguindo em frente de suas Classes 6 e 7 são exercícios práticos práticos que servirão como prática e preparação antes de começar com nossos projetos finais. Na classe 6, vou mostrar como desenhar uma flor de cone, uma rosa selvagem e um narciso. Vou explicar exatamente como simplificar essas flores em formas básicas usando as principais informações que podemos tirar de fotos de referência e como começar a desenvolver suas habilidades de visualização como artista para que você possa começar a desenhar essas flores de diferentes ângulos e perspectivas da imaginação. Porque eu quero manter este curso 100% amigável para iniciantes, primeiro vamos desenhar essas flores usando lápis de grafite comuns, e então vamos trazer caneta e tinta para rastrear nosso trabalho de grafite, definir bordas e adicionar outros detalhes. Assim que terminarmos nossa prática de desenho, vou levá-lo pelo meu processo de seleção de cores, que possamos saber exatamente quais cores para que possamos saber exatamente quais cores estaremos alcançando e como estamos vai criar nossas diferentes misturas de cores para nossas peças finais. Vamos planejar e preparar as diferentes cores que vamos trazer para nossa peça de flor de cone, nossa peça de rosa selvagem e nossa peça de narciso, e você não precisa usar exatamente as mesmas cores que vou usar. Você pode usar o que tiver em mãos que seja semelhante a essas cores que vou ver, ou até mesmo mudar as cores de suas flores inteiramente para algo que você gosta mais. Mas é muito importante que você planeje e prepare suas cores que você usará para que você não tenha surpresas ao longo do caminho, e você pode ficar longe de criar mau humor e cores indesejadas. Finalmente, nas Classes 8,9 e 10, vamos trabalhar em nossas peças finais juntos. classe 8 é a peça de flor cônica na qual vamos desenhar três flores de cone de ângulos e perspectivas ligeiramente diferentes. Isso será feito usando lápis de grafite comum primeiro, que vamos avançar para definir bordas e adicionar detalhes usando caneta e tinta, e então vamos fazer nossas lavagens em aquarela . Na Classe 9, vamos criar nosso pedaço de rosa selvagem, e vamos fazer exatamente a mesma coisa. Primeiro, vamos desenhar três rosas selvagens usando lápis de grafite regulares. Em seguida, vamos fazer nosso trabalho de caneta e tinta, e então vamos fazer nossas lavagens em aquarela. Então, finalmente, a Classe 10 será a peça do narciso. Como os narcisos são maiores, vamos desenhar dois narcisos e ângulos e perspectivas ligeiramente diferentes. Primeiro usando lápis de grafite, depois caneta e tinta e, finalmente, vamos adicionar nossa cor brilhante usando aquarela. Ao longo do caminho, vou fornecer toneladas de dicas para que você possa mantê-las soltas, divertidas, expressivas e frescas. Também vou fornecer algumas dicas importantes sobre composição e como chegar a uma harmonia visual e uma peça de aparência equilibrada. Na guia Projetos e Recursos, você poderá encontrar suas planilhas preenchíveis, modelos para download, meus esboços de esboço, caso você queira usá-los como referência, ou para transferir para suas folhas de papel aquarela usando papel vegetal, ou você está transferindo o método de escolha. As fotos de referência que usei e as fotos das minhas peças acabadas. Isso vai fazer isso para esta pequena classe de orientação de barra de introdução. Estou ansioso para entrar na próxima aula com você, na qual vou compartilhar tudo sobre minhas dicas e informações obrigatórias para saber quando se trata de desenhar com caneta e tinta. Vejo você lá. 4. Linhas e lavagens de flores soltas 4: Ei lá e bem-vindo a esta aula em que vou compartilhar as principais informações que eu gostaria de saber quando eu estava começando com o desenho de caneta e tinta, que me ajudaria a alcançar melhores resultados que eu amei muito mais rápido. Mesmo que este não seja um curso completo sobre desenho de caneta e tinta. Eu queria compartilhar as principais dicas com você para que você possa ter isso em mente, avançando em sua jornada com esse meio, continuar construindo esses blocos fundamentais e mesmo que essas informações essas dicas serão incrivelmente úteis, não importa em que desenho ou arte de caneta e tinta você escolhe trabalhar. Vou enfatizar os pontos-chave que ajudarão você a chegar a obras de arte incríveis quando combinar caneta e tinta com lavagens em aquarela, que é o que estamos trabalhando neste curso. Estarei conectando todos os pontos-chave que compartilho com esse tipo de arte de mídia mista. Com isso dito, vamos em frente e pular direto para o ponto-chave Número 1. A primeira coisa que eu quero compartilhar com você é que não tenha medo de começar com lápis de grafite primeiro, eu realmente encorajaria você a fazê-lo. Isso se aplica de duas maneiras diferentes. A primeira é que, em geral, quando você está começando sua jornada com o desenho, eu recomendo que você comece com lápis de desenho de grafite regulares e comece a construir essas habilidades essenciais, como suas habilidades observacionais, sua coordenação mão-olho, seu controle sobre suas ferramentas de desenho, suas habilidades de medição visual, talvez você e sua capacidade de recriar formas de forma eficaz e comece a construir seus conhecimentos e habilidades com a perspectiva de desenho usando lápis de desenho regulares antes de pular na caneta e na tinta. A razão disso é, é porque desenhar com lápis de grafite regulares é muito menos intimidante porque você pode apagar erros. Quando você está desenhando com caneta e tinta, a tinta é permanente e você não poderá apagá-la. Quando comecei com o desenho de caneta e tinta, consegui construir minhas habilidades relativamente rapidamente porque já sabia desenhar com lápis normal. Minhas habilidades básicas de desenho já estavam lá. Eu entendi esses fundamentos de arte essenciais como forma e perspectiva 3D e, no geral, eu tinha uma qualidade de linha bastante decente já desenvolvida. A qualidade da linha é enorme e super essencial quando se trata de desenhar e esboçar com caneta e tinta porque isso é um trabalho de linha. Estamos estabelecendo linhas e marcas. Certifique-se de que, quando estiver começando com o desenho, comece com lápis de grafite regulares ou que você trabalhe na construção suas habilidades com lápis de grafite regulares juntamente com seu desenho com caneta e tinta. Agora, a segunda maneira que começar com o lápis se aplica é, como você pode ver agora na tela, estou rastreando um esboço preliminar de grafite que criei antes de mudar para o meu caneta e tinta, você nunca deve, nunca se sentir envergonhado antes de criar um esboço preliminar em grafite primeiro e depois mudar para sua caneta e tinta. Depois de praticar mais e ficar cada vez mais confortável com uma caneta de desenho, você pode adicionar menos detalhes usando o lápis de desenho regular nesse esboço preliminar e criar mais desse desenho usando caneta e tinta logo cima do bastão sem ter colocado grafite embaixo. Eventualmente, você estará apenas estabelecendo formas gerais simples com lápis e mudará imediatamente para sua caneta de desenho e criará todos esses tamanhos médios formas e detalhes imediatamente usando sua caneta de desenho. Você vai ter criado apenas seus ossos nus, seu esqueleto com grafite, e você vai fazer todo o resto com caneta e tinta. Então, eventualmente, você será capaz de se acumular para fazer tudo imediatamente com caneta e tinta. Mas a caneta e a tinta certamente podem ser complicadas e frustrantes para iniciantes e, na maioria das vezes, é porque eles não construíram essas habilidades básicas de desenho e seu controle sobre seu meio de desenho via lápis primeiro. É por isso que neste curso, que é destinado a iniciantes, vou levá-lo para desenhar as flores com lápis primeiro e depois definiremos bordas e adicionando mais detalhes com caneta e tinta, e então vamos apagar nosso trabalho a lápis. Esta é a estratégia que eu uso até o dia para minhas peças de caneta e lavo, especialmente quando estou desenhando um assunto um pouco mais complexo ou algo que eu não desenhei também muito no passado. Passando para a dica chave para o sucesso Número 2, e tudo isso está relacionado à variação do peso da linha. A variação do peso da linha é essencial para entender quando você está tentando desenvolver suas habilidades com caneta e tinta e está diretamente relacionada à qualidade da linha. que variação de linguagem se refere é essencialmente a variação de pesos ou espessuras nas linhas e marcas que você cria. Quando estamos desenhando com caneta e tinta, se a aparência que estamos procurando é dinâmica e fluida, queremos que nossos desenhos sejam interessantes e tenham dimensão para eles, temos que fazer uso do peso da linha variação, o que significa que queremos que certas linhas ou certas marcas sejam mais leves e o peso visual e outras observações de linhas sejam mais pesadas em peso visual. Ou mesmo dentro de uma mesma linha ou uma mesma marca, queremos que certas seções dessa marca de revestimento sejam mais leves e outras seções dessa marca de revestimento sejam mais pesadas. Quando formos capazes de controlar nossa ferramenta de desenho, mudar e mudar as diferentes coisas que vou falar a seguir, conscientemente, intencionalmente, a fim de chegar aos resultados e ao olha e o efeito que estamos atrás, pode-se dizer que temos um certo nível de domínio sobre nossa ferramenta de desenho. Através desse domínio sobre nossa ferramenta de desenho, somos capazes de criar uma variação de peso de linha através da qual podemos alcançar uma excelente qualidade de linha em nosso trabalho. A razão pela qual é tão importante ter uma variedade de pesos de linha em um desenho ou um esboço é porque se você já viu um desenho animado ou mesmo uma página de livro de colorir em que todos os diferentes seções, elementos, partes da imagem são delineados por uma linha preta pesada, negrita e grossa que tem uma mesma espessura ou peso consistente em todos os contornos envolvidos, que leva a muita planicidade. Uma das principais coisas com as quais vejo muitos iniciantes lutando é que seus desenhos parecem muito pesados, muito rígidos, rígidos demais, muito gritantes, muito gritantes, e a maioria dos vezes é porque eles estão tentando ter muito controle sobre sua caneta de desenho, eles estão agarrando muito firmemente, talvez até pressionando demais, eles estão hesitando enquanto estão deitados essas linhas e marcas e eles estão trabalhando muito devagar. É isso que a intenção de tornar tudo muito perfeito, mas no final, as coisas parecem um pouco rígidas demais e pesadas demais, muito rígidas, muito gritantes. Ao trabalhar com caneta e tinta, muitas vezes é melhor ter uma ligeira oscilação, pequenas irregularidades e imperfeições em suas linhas, mas fazê-las parecer dinâmicas e fluidas. E algo que pode ser incrivelmente útil é reservar tempo para preencher páginas inteiras de livros de esboços com diferentes tipos de linhas e marcas e rabiscos simples para que você possa ficar mais confortável com sua caneta de desenho de uma forma menos esmagadora. Há quatro coisas importantes para procurar e começar analisar em primeira mão enquanto você está desenhando com caneta e tinta. Isso sozinho ou em combinação leva à variação do peso da linha no trabalho de caneta e tinta. Se você alterar estrategicamente e usar essas quatro coisas importantes em seu trabalho de caneta e tinta para desenvolver peso visual menor ou mais pesado em suas linhas e marcas, no final, seu desenho irá seja muito mais dinâmico e interessante de se olhar e provavelmente vai comunicar um maior senso de dimensão. E no começo, quando você está começando, você quer realmente ter essas quatro coisas em mente. Mas quanto mais você praticar intencionalmente ter essas quatro coisas em mente, mais rapidamente você chegará a um ponto em que muda e mudando intuitivamente essas coisas para chegar a peças com melhor aparência. Essas quatro coisas que afetam muito a variação do peso da linha e qualidade da linha são o tamanho da ponta da caneta, o ângulo em que você usa sua caneta, a velocidade na qual você move seu mão ou braço enquanto você está usando sua caneta e a pressão que você está exercendo sobre sua caneta. Quanto maior o tamanho da ponta da caneta que você está usando, obviamente, mais pesadas e mais grossas são as linhas e marcas que você vai criar. Quanto menor o tamanho da ponta da caneta que você usa, mais finas e mais claras serão suas linhas. Depois de ter um ótimo controle sobre sua ferramenta de desenho, você realmente pode usar apenas um mesmo tamanho de ponta de caneta e controlar as outras três variáveis e ainda chegar a um excelente peso de linha variação em todo o desenho. A segunda variável que você pode usar a seu favor para criar uma variação de peso de linha em todo o desenho é o ângulo em que você está usando sua caneta. Se você usar sua caneta em um ângulo de mais de 90 graus da sua mesa plana ou da superfície em que você está desenhando, mais da tinta fluirá pela ponta, tornando suas linhas e marcas mais pesadas e peso visual. Considerando que se você tentar usar sua caneta em um ângulo de mais de 45 graus da superfície horizontal plana em que você está trabalhando, ou mesmo menos do que isso, um ângulo de 30 graus ou em ângulo de 25 graus, menos tinta fluirá pela ponta enquanto você está desenhando e suas linhas vão parecer mais claras e mais finas. A terceira coisa que você pode usar a seu favor para chegar a um desenho que tem uma boa variação de peso de linha por toda parte é mudar e mudar a velocidade na qual você está usando seu desenho caneta. Se você mover sua caneta mais lentamente sobre essa página, mais uma vez, mais tinta terá essa oportunidade de fluir para baixo e criar linhas mais grossas e pesadas mais ousadas. Enquanto que se você mover a mão e o braço mais rápido, menos tinta terá a oportunidade de fluir para encontrar esse papel e você chegará a linhas mais finas e mais leves. A última variável que você pode usar a seu favor e começar a controlar para que você possa chegar a uma melhor variação de peso da linha é a pressão que você está exercendo em seu papel. Eu nunca exerço muita pressão sobre minha caneta porque não quero danificar o papel em que estou trabalhando. Mas, ao lado de mover sua caneta mais rápido e variar o ângulo, você também pode aplicar um pouco mais de pressão sobre sua caneta para permitir que mais da tinta flua pela ponta e crie mais pesada linhas mais ousadas onde quer que você queira uma linha mais grossa. Então, enquanto você está trabalhando em seus exercícios práticos neste curso e trabalhando em seus projetos finais, quando estamos trabalhando em nossas fases de caneta e tinta, pergunte a si mesmo, onde eu quero mais ousado, mais pesado procurando linhas e marcas? E onde eu quero linhas e marcas mais finas e leves? O que eu tenho que fazer ou mudar ou mudar para chegar a esses resultados? A última coisa que eu quero compartilhar como uma dica importante nesta classe é que, quando estamos trabalhando com caneta e tinta, estamos desenvolvendo valor ou tom e textura simultaneamente. Isso ocorre porque estamos usando linhas e marcas ao invés de quando estamos esboçando com lápis de grafite através qual somos capazes de cobrir uniformemente e suavemente uma grande quantidade de papel com nossa ponta de nosso lápis e somos capazes de desenvolver facilmente transições e gradientes suaves. Quando estamos desenhando com caneta e tinta, estamos desenvolvendo diferentes tons ou valores, o que significa áreas claras, áreas tom médio e áreas escuras e texturas mais escuras simultaneamente através da repetição de linhas e marcas . Se você quiser desenvolver suas habilidades com caneta e tinta ainda mais, vale a pena procurar técnicas alternativas de sombreamento e criação de marcas, como eclosão, crosshatching, rabiscos, pontilhos, linhas de contorno, etc. Para os projetos neste curso, estamos usando principalmente caneta e tinta para definir contornos externos, definir bordas e adicionar uma pequena quantidade de detalhes. Não estamos realmente procurando fazer muito sombreamento ou desenvolver valores com nossa caneta, talvez muito minimamente. Mas como vamos trazer aquarela e vamos combinar dois meios diferentes, não estamos realmente procurando descrever excessivamente com nenhum deles. Porque se o fizermos, nossa peça parecerá excessivamente descrita e exagerada. Vou falar mais sobre isso na classe número cinco. Mas é importante que você saiba que sempre que repetir uma linha ou marcar repetidamente, você estará criando uma textura visual. É importante que você saiba disso porque muitas vezes quando se trabalha com caneta e tinta, porque estamos colocando linhas e marcas, podemos acidentalmente criar uma textura visual que não pretendemos para criar. Ou, por outro lado, você pode simplesmente começar a fazer as coisas parecerem um pouco bagunçadas, porque você está começando a estabelecer muitas linhas e marcas e não há consistência em toda a sua grupos. Fique de olho nisso porque você não quer começar a fazer uma de suas flores parecer peluda porque você está repetindo uma linha repetidas vezes. Basta pensar nos tipos específicos de linhas e marcas que você está criando com sua caneta antes de colocá-las e na quantidade que você está colocando para que elas possam comunique a textura e os detalhes que você realmente deseja descrever. Você pode ficar longe de adicionar mais do que é realmente necessário. É isso para esta aula. Se você sobreviveu, parabéns. Estou ansioso para vê-lo na próxima aula, que será tudo sobre dicas essenciais de pintura em aquarela para saber que não só o ajudarão a ter sucesso com as peças que nós trabalharam juntos neste curso, mas vão ajudá-lo a criar ótimos resultados com outras peças de aquarela que você pode escolher trabalhar no futuro. Vejo você lá. 5. Linhas e lavagens de flores soltas 5: Ei lá e bem-vindo a esta aula em que vou compartilhar algumas dicas obrigatórias sobre pintura com aquarela. Eles ajudarão você a ter sucesso com suas peças finais nas quais vamos trabalhar juntos neste curso, mas realmente também serão úteis para você se você estiver começando com este meio, pois eles realmente se aplicam qualquer tipo de peça em aquarela que você pode decidir trabalhar no futuro e eles ajudarão você a começar a construir uma base sólida de conhecimento para saltar e comece a construir. Vamos em frente e pular direto para dentro. A primeira coisa a entender é que a aquarela é um meio translúcido ou transparente, oposição aos meios de pintura opacos , como acrílicos ou óleos. Nós realmente não estamos procurando encobrir nosso substrato, que neste caso, nosso substrato é papel que estamos pintando com camadas grossas de tinta. Ao trabalhar com aquarela, estamos procurando incorporar esse brilho desse papel sob a tinta como parte da pintura. Durante todo o processo de pintura, continuamos alterando a consistência das tintas adicionando mais ou menos água, dependendo se queremos usar essa tinta de uma maneira mais saturada mais escura, cobrindo mais papel ou se queremos usar a tinta de forma mais leve e translúcida, o que cobre uma quantidade menor de papel. Se quisermos usar nossas cores de forma mais escura e encobrir mais papel, simplesmente adicionamos mais tinta e menos água em nossas misturas de cores. Se quisermos criar cores mais pálidas ou cores mais translúcidas, adicionamos mais água às nossas misturas de cores. Também podemos aprofundar e escurecer certas áreas trabalhando em camadas e colocando mais cores nas áreas que queremos escurecer ou soltando mais cores antes dessa camada anterior começa a secar. Para resumir este ponto, durante todo o processo de pintura em aquarela, estamos constantemente mudando e alterando as proporções de tinta para água em nossas misturas de cores, dependendo dos efeitos que estamos atrás naquele momento. Ponto chave número dois que eu quero compartilhar com você em relação ao trabalho com aquarela, e isso é, geralmente é melhor trabalhar de luzes a escuros. Como eu disse antes, ao trabalhar com aquarela, estamos incorporando esse brilho do papel como parte de nossa peça. Ao trabalhar com aquarela, a brancura desse papel nos ajudará a criar nossos destaques. Ele se destaca para nossas áreas de valor mais leve, nossos destaques mais brilhantes. É por isso que é super importante planejar formas de destaque e manter essas áreas protegidas e descobertas com tinta durante todo o processo de pintura. Muitos artistas de aquarela acham o fluido de mascaramento uma ferramenta muito útil porque permite que eles mantenham porque permite que eles mantenham seus destaques protegidos enquanto conseguem trabalhar um pouco mais livremente, e eles não precisa se preocupar em encobrir esses destaques. Quando trabalho em camadas, que geralmente é quando estou indo para níveis mais altos de realismo com peças de aquarela, inicialmente, entro com cores muito claras, pálidas, translúcidas e regadas, e eu faço meu caminho incrementalmente em direção a cores mais escuras e saturadas ou misturas de cores que têm menos água nelas e mais tinta nelas. Isso me dá mais controle porque lembre-se de que sempre será mais fácil entrar e escurecer do que entrar e clarear. Ao trabalhar com aquarela, os erros são muito difíceis de corrigir porque, uma vez que esse pigmento é absorvido por esse papel, não há como voltar à brancura que o papel já teve. Para as peças em que vamos trabalhar juntos neste curso, na verdade só vamos entrar com uma camada de aquarela. Isso ocorre porque estamos mantendo as coisas soltas e expressivas com essas peças florais, e também combinaremos aquarela com caneta e tinta. Não queremos exagerar com nenhum dos meios. Queremos criar um bom equilíbrio novo com os dois médiuns, e vou fornecer dicas sobre como fazer isso na próxima aula. No entanto, tudo isso ainda se aplica, e vou mostrar como fazer isso mesmo em peças mais rápidas e expressivas, preparando duas misturas de cores diferentes para cada seção da nossa flor, uma mistura de cores mais clara e uma mistura de cores mais escuras, e caindo nessa segunda cor mais escura enquanto a camada inicial mais clara ainda está molhada. ponta principal da aquarela número três será, para ter cuidado para não sobrecarregar sua peça. Ao pintar com este meio, é incrivelmente fácil começar a sobrecarregar sua pintura. Esta palavra, excesso de trabalho, significa coisas diferentes para diferentes artistas. Para alguns artistas, especialmente aqueles que trabalham com estilos mais expressivos e mais soltos, o excesso de trabalho pode significar simplesmente descrever um assunto. Para um artista que trabalha com uma única camada, que está sempre mantendo as coisas mínimas muito expressivas e soltas, trabalhando em cinco ou seis camadas diferentes e tentando descrever cada um pouco detalhe para chegar aos mais altos níveis de realismo pode ser referido como excesso de trabalho. Nesse caso, é simplesmente sobre a descrição, mas o excesso de trabalho também pode se referir a começar a danificar seu papel. Quando estamos apenas começando com esse meio e estamos apenas começando a desenvolver nosso controle de água, e não entendemos como trabalhar corretamente em camadas se quisermos fazê-lo, pode ser muito, muito fácil começar a danificar nosso papel e até começar a fazer furos nele, especialmente se estivermos trabalhando em papel aquarela mais fino. A maneira como você fica longe de danificar seu papel aquarela é simplesmente praticando seu controle de água, sobre o qual vou falar mais a seguir, e também aplicando tinta com confiança, que realmente só vem com o tempo e a prática, e abraçando os efeitos irregulares orgânicos que a tinta aquarela cria. Uma das belezas desse meio é que há apenas uma certa quantia que você pode controlar. Aquarela tem uma mente própria, e sempre haverá certas coisas que você não antecipou ou que o surpreenderão. Muitas vezes, é melhor abraçar o que acontece no papel, permitindo que a tinta faça suas próprias coisas e deixando-a o máximo que puder. Quanto mais você tentar entrar e lutar com a tinta ou “corrigir ou aperfeiçoar” cada coisa que acontece, mais provável é que você chegue a resultados sobrecarregados. Lembre-se também sempre de que, se você estiver trabalhando em camadas, é muito importante que você permita que essa camada anterior seque completamente antes de começar com a próxima. Dica chave para o sucesso ao trabalhar com aquarela número quatro, e isso é, comece a desenvolver seu controle de água. Durante todo o processo de pintura em aquarela, temos que ficar constantemente atentos e continuar verificando a quantidade de água que temos em nossas misturas de cores em nossa paleta para aplique nossa tinta em um estado mais translúcido ou mais saturado, dependendo do tom e do valor que estamos buscando. No entanto, também temos que prestar atenção à quantidade de água que temos em nossas cerdas de pincel porque toda vez que entramos em nosso recipiente de água, estamos absorvendo o teor de água que estamos trazendo para o nosso papel ou em nossas misturas de cores, regando-as ainda mais. Se não prestarmos atenção a isso, podemos facilmente criar planos de fundo em nossas pinturas e splotchiness porque muita água escorre de nossas cerdas de pincel, perturbando essa tinta que está se instalando nesse papel, e isso já poderia estar no meio do processo de secagem. Também podemos muito rapidamente e sem saber, começar a tornar nossas misturas de cores em nossa paleta extremamente aquosas, fazendo-nos usar mais tinta do que o necessário porque estamos constantemente indo encontre a necessidade de trazer mais tinta da nossa paleta para a mistura de cores. Finalmente, além de perceber quanta água temos em nossas misturas de cores em nossa paleta e em nossas cerdas de pincel, também é essencial que comecemos a prestar atenção ao quão molhado nosso papel está. A aquarela sempre se expandirá no papel que está molhado, e quanto mais movimento quisermos, mais úmido esse papel tem que ser. Temos que começar a desenvolver essa habilidade para perceber os diferentes graus de umidade que um papel pode ter para chegar aos efeitos que queremos quando começamos a colocar essa tinta no papel. Também temos que notar quando o papel chegou a esse estado semi-seco estranho, porque quando aconteceu, realmente não deveríamos fazer mais nenhum trabalho. Essa é uma maneira infalível de voltar a chegar a resultados sobrecarregados. Lembre-se de continuar verificando e prestando atenção à quantidade de água que você tem em três áreas ou coisas diferentes durante todo o processo de pintura. Uma delas é suas misturas de cores, outra é suas cerdas de pincel e outra é o seu papel. Certifique-se de que o teor de água que você tem nessas três áreas é o que você precisa para que esse determinado momento no processo de pintura chegue aos resultados que você está procurando. No meu curso Aquarela 101 que compartilhei anteriormente aqui no Skillshare, vou muito mais aprofundado neste tópico e forneço muitos exercícios obrigatórios. Eles vão ajudá-lo a começar desenvolver seu controle de água. Eu recomendo verificar isso. A dica final que realmente vai ajudar você a seguir em frente com aquarela é manter as coisas limpas e organizadas. Você quer ter certeza de que está mantendo as coisas organizadas em sua paleta de mistura, por isso, por exemplo, algo que poderia ajudar a manter cores quentes separadas das misturas de cores frias ou mantendo os neutros longe de cores vibrantes e simplesmente certificando-se de que suas misturas de cores não estão misturando porque isso pode levar a cores desaturadas e silenciadas, e se você estiver procurando por cores saturadas, e isso não é absolutamente nenhum problema. Mas, por exemplo, para nossas peças florais para este curso, queremos realmente usar cores saturadas vibrantes. Mas outra coisa é que você quer ter certeza de que está enxaguando completamente suas cerdas de pincel entre suas cores, especialmente quando você acaba de trabalhar com uma cor e você está prestes para começar a trabalhar com uma cor muito diferente. Você pode facilmente começar a criar lama ou uma cor indesejada se você tiver uma cor anterior ainda em suas cerdas de pincel e entrar em uma cor, ou seja, é complementar, significando o oposto na roda de cores ou se você tiver um marrom em suas misturas de cores e entrar em uma cor vibrante, você pode silenciá-lo acidentalmente também. Basta ter muito cuidado e certifique-se enxaguar completamente essas cerdas antes de começar com uma nova cor. Finalmente, a última coisa que você quer garantir que você mantenha limpo é sua água em seu recipiente. Você quer ter certeza de que está de olho nisso que, quando começar a ficar obscuro, você a altere imediatamente porque essa tinta e essa escuridão em sua água também podem afetar sua cor. Alguns artistas gostam de usar dois recipientes e até três recipientes para que você possa usar um deles para enxaguar suas cerdas de pincel entre as cores modo que a maior parte disso A obscuridade permanece nessa água, e você pode usar seu outro recipiente de água para trazer água limpa para suas misturas de cores e para quaisquer outras técnicas que possam exigir o uso de água limpa. Mas seja qual for o caso, se você decidir trabalhar com um recipiente, dois recipientes, três recipientes ou mais, certifique-se de que sua água seja mantida limpa. Manter as coisas limpas e organizadas ajudará você a chegar a cores mais vibrantes em suas peças finais. Tudo bem, meu amigo, parabéns se você passou por essa aula, estou animado para vê-lo na próxima em que vou explicar algumas dicas importantes e informações que são vai ajudá-lo a combinar lavagens de caneta e tinta e aquarela com mais sucesso e chegar a resultados bem equilibrados que não estão sobrecarregados. Vejo você no próximo. 6. Linhas e lavagens de flores soltas 6: Ei, amigo. Bem-vindo a esta aula em que vou compartilhar dicas obrigatórias que ajudarão você a criar peças de lavagem com caneta e tinta bem equilibradas e aquarela. Essas são quatro coisas importantes que eu sempre tenho em minha mente quando estou trabalhando nesse tipo de arte que ajudou meu processo de criação de arte a ficar muito mais tranquilo e realmente me ajudou a chegar aos melhores resultados. Antes de pular nas dicas, quero compartilhar por que caneta, tinta e aquarela são uma ótima combinação de meios artísticos. Ao longo da minha jornada artística, explorei muitos meios diferentes de desenho e pintura, e também combinei muitos meios diferentes para criar peças de mídia mista. Posso dizer honestamente que, de todas as combinações de médiuns que tentei, meu favorito absoluto é caneta, tinta e aquarela. A principal razão pela qual isso é, é porque esses dois médiuns elogiam incrivelmente bem. Podemos usar os pontos fortes de ambos os meios em combinação para criar peças bem equilibradas que são interessantes e que têm toneladas de nós mesmos porque há tantas escolhas diferentes e formas de trabalhar, mas há muita oportunidade de trazer mais nós mesmos e nossa maneira de fazer as coisas em nosso trabalho. Quando aplicamos tinta no papel através de uma caneta de desenho, estamos usando um meio de desenho. Uma caneta de desenho permite uma maior precisão, maior controle, a capacidade de definir bordas e adicionar detalhes e usar linhas e marcas de várias maneiras diferentes. Mesmo que possamos realmente usar qualquer cor de tinta, muitas vezes, usamos tinta preta em combinação com aquarela, desta forma, permitindo que a vibração da aquarela brilhe. A aquarela, por outro lado, é um meio de pintura, e uma das belezas da aquarela é que ela tem uma mente própria porque estamos usando muita água. Somos capazes de criar esses efeitos bonitos, orgânicos e menos controlados por meio de lavagens rápidas de cor. Em outras palavras, usamos nosso meio de desenho, neste caso, são nossas canetas de desenho usando linhas e marcas, e usamos aquarela para pintar em áreas e formas maiores através de lavagens. Com tudo isso dito, vou seguir em frente e compartilhar minhas quatro dicas principais com você sobre como combinar caneta e tinta com aquarela. dica número 1 é garantir que você esteja escolhendo as ferramentas certas. Falei um pouco sobre isso na primeira aula em que estou compartilhando meus suprimentos com você que vou usar durante todo este curso. Mas é incrivelmente importante que, se você estiver combinando caneta, tinta e aquarela, esteja usando uma caneta que contém tinta à prova d'água que não vai borrar quando você adiciona tinta e água em cima dela. Ao trabalhar em qualquer tipo de trabalho de arte de mídia mista, você quer ter certeza de que, enquanto estiver trabalhando, seus materiais e suprimentos reagirão bem uns com os outros durante todo o processo. Ao mesmo tempo, você quer ter certeza de que sua arte, especialmente se você passar muito tempo nela, seja capaz de suportar o teste do tempo. Se você não pensar como esses diferentes médiuns vão reagir uns com os outros enquanto você está desenhando ou pintando, provavelmente sentirá que está tendo que lutar contra o substrato que você está desenhando sua pintura em ou contra um dos materiais, e todo o processo pode ser muito mais frustrante. Ao mesmo tempo, se não pensarmos em como esses materiais terão um impacto um no outro ao longo do tempo, depois de terminarmos, eles certamente podem ter um desfavorável reação entre si ao longo do tempo e fazem com que a peça se deteriore muito mais rápido. Passando para minha segunda dica, que vai ajudar você a criar lindas peças de lavagem de caneta e tinta e aquarela, e esta é para pensar em como você vai equilibrar os dois médiuns antes de começar. Como mencionei em uma aula anterior, quando vamos criar uma peça de mídia mista na qual vamos trazer dois ou mais tipos diferentes de mídias de desenho ou pintura para criar uma mesma peça, realmente não queremos descrever excessivamente com nenhuma delas. Queremos pensar no que vamos fazer e quantos detalhes vamos adicionar com cada um porque se não pensarmos nisso, é extremamente fácil continuar adicionando e adicionando e adicionando com todos os seus diferentes médiuns, e no final, você pode chegar a uma paz que é excessivamente descrita e exagerada e talvez até esmagadora de se olhar. O que eu recomendaria para iniciantes começarem suas jornadas com arte de mídia mista é sempre levar cinco minutos antes de começar e se perguntar quanto trabalho e até mesmo quais técnicas você está planejando usar com todos os seus diferentes meios que você está pensando em trazer. Nesse caso, por exemplo, se estivermos usando caneta e tinta e aquarela, e esses são os dois meios com os quais estamos criando nossa peça de mídia mista, qual porcentagem de trabalho eu sou vai fazer com minha caneta e tinta e que porcentagem de trabalho vou fazer com aquarela? Vai ser 50-50? 30-70? 60-40? Respondendo a essa pergunta e decidindo pelo menos de uma forma geral, quanto você vai fazer com cada meio e certificar-se de que você está mantendo isso em mente durante todo o processo de desenho e/ou pintura, há uma chance muito melhor você chegar a um resultado bem equilibrado que é fresco, expressivo, e que o espectador queira continuar olhando. Tirando um momento antes de começar com qualquer arte para se fazer esse tipo de pergunta e realmente prestar atenção ao que está acontecendo no processo criativo e se isso está ajudando você não ajudar você a chegar aos resultados que você quer vai realmente ajudá-lo a começar se descobrir como artista, e isso realmente vai ajudá-lo a começar desenvolver o seu próprio processo criativo, que é extremamente emocionante. Passando para a ponta principal número 3 para ter em mente quando você está combinando caneta, tinta e aquarela, e esta é para pensar se você vai fazer sua caneta e tinta trabalhe primeiro ou seu trabalho em aquarela primeiro. Ambos os métodos são ótimas opções e, em última análise, dependerá do que você mais gosta e do que leva aos efeitos que você mais gosta. Para mim, pessoalmente, gosto de começar com um desenho que tem alguma quantidade de detalhes já renderizada, dependendo da quantidade de trabalho que vou fazer com aquarela, um desenho que tem alguma quantidade de detalhes já renderizada, dependendo da quantidade de trabalho que vou fazer com aquarela, decida se vou adicionar mais ou menos detalhes com minha caneta e tinta. Mas para mim, só faz sentido criar essa estrutura inicial primeiro usando minha caneta e tinta, e depois entrar com minha aquarela. Isso me ajuda a trazer um certo nível de realismo para o meu trabalho que eu gosto porque sou capaz de passar mais tempo primeiro criando meu esboço a lápis preliminar, depois fazendo minha caneta e a tinta trabalha sobre esse esboço a lápis preliminar, e eu sou capaz de desenhar minhas formas, colocar minhas proporções na perspectiva certa e tudo mais, o que é super importante para criar níveis médios a mais altos de realismo. Uma vez que eu tenha isso, posso ser mais solto e mais expressivo quando se trata de usar minha tinta. Mas outros artistas realmente gostam de fazer suas lavagens e formas em aquarela primeiro, e depois trazem sua caneta e tinta. Isso também é incrível. Normalmente, esses são os artistas que procuram um visual mais abstrato, um visual altamente expressivo, e eles estão procurando menos controle inicialmente, e eles estão procurando a tinta para fazer a maioria das conversas. Pode ser realmente um processo emocionante primeiro brincar com a tinta, ver o que acontece no papel e, com base no que aconteceu, você pode tomar decisões sobre o que você vai fazer termos do seu trabalho de linha e sua marca com caneta e tinta. Eu diria que é um processo mais intuitivo em geral. Isso pode ser um processo muito, muito emocionante para explorar com certeza. Você pode se perguntar se gosta de desenhar mais, ou se você gosta de pintar mais, ou se você gosta de um visual mais controlado ou um visual menos controlado. Em seguida, crie uma estratégia para você com base nisso. Isso é muito, muito importante. Não importa o meio que você entre primeiro, seja caneta e tinta ou aquarela. Certifique-se de permitir que ele seque completamente antes de começar com o seguinte meio. Se você usar uma caneta à prova de manchas à prova d'água e permitir que ela seque completamente antes entrar com sua aquarela, você não deve ter manchas ou manchas. Trabalhe em camadas e deixe secar no meio. Passando para a última dica que quero compartilhar com vocês nesta classe, e isso é seguir com pelo menos uma estratégia básica. Este realmente vai na mão com as duas últimas dicas. Depois de decidir quanto trabalho você vai fazer com cada meio, e também qual meio será o primeiro e qual meio será o segundo, basta ir um pouco mais fundo e pergunte a si mesmo, quais técnicas específicas você usará com cada meio, e em que ordem você está pensando em abordar cada área? Você vai adicionar em segundo plano? Você vai fazer alguma camada? Você usará qualquer técnica alternativa de sombreamento ou marcação de caneta e tinta alternativa de sombreamento ou marcação , como eclosão, crosshatching, rabiscos, pontilhos, etc? Você vai usar técnicas molhadas em molhadas ou molhadas em técnicas secas ao pintar com aquarela? Além disso, pense nas cores específicas que você vai precisar para sua peça. Dar tempo para selecionar e mostrar suas cores e até mesmo os misturadores de cores que você usará é super importante porque a cor, como explicarei na classe número 7, vai ajudar nós criamos uma peça de aparência bem integrada e harmoniosa. Mas o que eu gosto de fazer antes começar com uma nova peça em que vou passar um pouco de tempo é me fiz essas perguntas que acabei compartilhar com você e pego algumas notas, e eu até escrevo etapas para mim, 1, 2, 3, 1, 2, 5. O que vou começar, e como estou pensando em passar pelo meu processo, e tudo isso me ajuda imensamente. Isso ajuda meu processo a funcionar muito mais suavemente, e torna muito mais provável que eu chegue a resultados que eu amo. Levar até 5-10 minutos para fazer algum trabalho de planejamento e preparação faz toda a diferença no mundo. Tudo bem, meu amigo. Se você passou por essa aula, parabéns. Estou tão animado para passar para a próxima aula em que vamos desenhar flores juntos. Vou explicar como simplificar três flores diferentes, uma flor de cone, uma rosa selvagem e um narciso em formas simples, e como você pode começar a trabalhar em seu habilidades de visualização que você pode desenhar mais tarde da imaginação, de diferentes ângulos e perspectivas. Mal posso esperar para trabalhar em nosso desenho juntos. Vejo você no próximo. 7. Linhas e lavagens de flores soltas 7: Ei lá e seja bem-vindo à Classe Número 6, na qual vou compartilhar como simplificar as flores em formas básicas. Vamos nos concentrar em estudar e praticar as três flores específicas que vamos trazer em nosso projeto final. Vamos desenhar essas flores com grafite primeiro e depois vamos segui-las para rastreá-las com caneta e tinta para que possamos praticar nossas canetas de desenho. Coletei algumas fotos de referência diferentes para cada uma das flores que precisamos praticar para que possamos realmente estudar e observar sua estrutura e características principais. Eu me certifiquei de compilar fotos diferentes para cada flor para que possamos vê-las de diferentes ângulos e perspectivas. Isso é importante porque seremos capazes de entender muito melhor a estrutura tridimensional de cada flor e suas características específicas. Você poderá encontrar todas essas fotos de referência diferentes que eu compilei para você na guia projetos e recursos deste curso. Esses exercícios em que vamos trabalhar juntos nesta aula são incríveis, pois ajudam você a desenvolver sua capacidade de simplificar o que você está tentando desenhar e você vai para poder visualizar mais facilmente essas flores que você vai esboçar da imaginação quando estiver criando suas peças finais. Vamos em frente e pular direto para dentro. Como você pode ver, dividi uma das páginas do meu caderno de desenho em três seções. Vou usar um desses terços para o meu coneflower, outro terço para a rosa selvagem, e outro terço para o narciso. Vou praticar esboçar cada flor em duas vistas. A primeira vista será uma vista do topo como se estivéssemos olhando para baixo para a flor e a segunda vista será a vista do perfil como se estivéssemos olhando para esta flor do lado exatamente ao nível dos olhos. Lembre-se, para este exercício , realmente se trata simplificar e visualizar como formas simples. Essas duas habilidades vão ajudá-lo tremendamente à medida que você seguir em frente em suas jornadas de desenho e até pintar. Vamos prosseguir e começar com o coneflower. Primeiro, quero compartilhar algumas fotos com você e quero apontar algumas características principais e como eu visualizaria essa flor em particular. Em um nível macro, quando vejo imagens diferentes desta flor, tenho a sensação de que se eu visse essa flor de uma vista superior olhando para a flor, as pétalas criariam uma forma de círculo. Então a parte central da flor é outro círculo menor dentro desse círculo maior. Algo que eu noto, é que essa parte central da flor tem muito volume para ela. Você pode ver como ele realmente aparece. Tem uma altura que sobe, além das pétalas. Para manter as proporções críveis no meu esboço, também quero perceber a quantidade de diferença que há em tamanho entre o círculo menor criado pela parte central da flor versus o círculo maior criado pelas pétalas. Existem certas flores como, por exemplo, o girassol, tem uma enorme seção central. Existem outros tipos de flores nas quais essa seção central é relativamente pequena. Para coneflowers, estou percebendo que esse círculo central é bem grande quando comparado às pétalas. Você quer notar como a circunferência do círculo maior criado pelas pétalas se compara com o círculo menor criado pela seção central da flor. Isso ajudará você a obter proporções diretamente em seus esboços. Mas há um intervalo nas fotos que estou vendo, em certos coneflowers essas pétalas são mais longas, o que cria um círculo externo maior. Em outros coneflowers, as pétalas são mais curtas, o que cria um círculo externo menor. Outra coisa que eu noto sobre essa flor em particular é como as pétalas estão caindo para baixo criando esse efeito guarda-chuva. Outras coisas que eu realmente gosto de perceber porque essas são características essenciais que variam de flor para flor ou planta para planta são as pétalas das flores e o folhas de flores. Gosto de notar a forma, o tamanho e o número aproximado de pétalas nesta flor e também a forma e o tamanho de suas folhas. Eu diria que as pétalas de coneflower têm um tamanho médio para elas. Eles não são muito curtos nem muito longos, e têm dicas bem arredondadas. Quanto ao número de pétalas, às vezes eu apenas vou em frente e conto as pétalas na foto de referência, em outras vezes eu tomo tempo para fazer um pouco de pesquisa. Nesse caso, procurei e os coneflowers têm entre 15-20 pétalas. O que notei sobre as folhas de coneflower é que elas têm um final pontudo e não são muito curtas nem muito longas. Eles são de tamanho médio, eu diria, e também tendem a cair dentro de um intervalo. O que significa que em algumas fotos que eu vi, as folhas pareciam um pouco mais curtas e em outras fotos que eu vi, elas parecem um pouco mais longas. Agora que tomamos tempo para observar algumas fotos de referência de coneflowers de diferentes ângulos e perspectivas, vamos prosseguir e começar com nossos esboços. Lembre-se, isso é tudo sobre simplificar, então afine todos os detalhes de tamanho médio e menor e concentre-se nas maiores formas gerais. O primeiro esboço será a vista superior do coneflower. Pelo que vimos nessas fotos, podemos ter uma boa ideia de que as pétalas criariam visualmente um círculo, e dentro desse círculo maior, teríamos um círculo menor criado pela seção do meio dessa flor. Observe como estou fazendo o meu melhor para manter meus esboços leves. Isso ocorre porque vou apagar essas formas iniciais mais tarde. Agora, se você está tendo problemas para desenhar círculos, não se preocupe, é uma questão de prática. Meus círculos ainda não são perfeitos e eu tenho praticado há muitos anos, então não desanime. Continue praticando e ele virá até você. O objetivo dessas formas é simplesmente obter proporções corretas para essas diferentes partes desta flor. Também nos ajuda a visualizar as áreas em que vamos desenhar. Eles não precisam ser perfeitos e vamos apagá-los mais tarde. Depois de ter terminado com esse esboço básico para essa visão superior do coneflower, agora estou trabalhando na visão de perfil do coneflower. Faça algumas visualizações. Feche os olhos se precisar e imagine como seria essa flor se você segurasse uma na frente do seu rosto e estivermos olhando para uma de uma vista lateral ou de perfil. Como vimos nessas fotos de referência, as pétalas caíram neste tipo de flor criando uma forma de guarda-chuva ou meio círculo. Também observamos que essa seção central no meio das pétalas tem um pouco de altura. Também podemos visualizar essa seção central da flor como um segundo meio círculo menor ou forma de semicírculo. Você pode ver como eu o empilhei bem em cima desse semicírculo maior bem no meio. Agora que eu tenho essas formas básicas estabelecidas para mim, que realmente me ajudarão com proporções e visualizando onde tudo vai estar nesta flor, agora vou conseguir começou com o desenho das pétalas e outros detalhes. Nesta parte do processo, estou trazendo à mente o que observei nessas fotos de referência em termos da forma desses pedais, a quantidade aproximada de pétalas neste tipo de flor, e também o comprimento das pétalas. Não há muito pensamento envolvido no comprimento das pétalas, porque se já criamos esse círculo central e o círculo externo, esse espaço vai me dizer quanto tempo faça as pétalas. Ao desenhar essas pétalas, estou trazendo à mente as formas de pétalas que vi nessas fotos de referência. Algo que eu adoro fazer também é saltar por toda essa seção de pétalas e criar pétalas sobrepostas. Em vez de trabalhar no sentido contrário ou anti-horário e encher minhas pétalas dessa maneira, estou pulando em todo o círculo. Isso me ajuda a criar mais irregularidade em todas as pétalas, que é tão importante porque não quero que essas formas pareçam muito organizadas ou padronizadas. Ao saltar em todo o círculo, isso também me ajuda a criar uma aparência mais crível de pétalas sobrepostas e agrupamento. Estes são objetos naturais orgânicos que estamos desenhando e sempre deve haver irregularidade e imperfeição envolvidas. Eu adicionei detalhes menores naquela parte central da flor e isso é suficiente para meu esboço a lápis. Agora é hora de passar para a visualização do perfil. Como você pode ver, estou desenhando as pétalas dentro desse semicírculo maior. Para este, vou adicionar algumas pétalas extras em ambos os lados fora do semicírculo. Quando você estiver trabalhando nas vistas laterais, lembre-se de como todas as pétalas estão crescendo fora dessa seção central. Ao desenhá-los, lembre-se de que eles devem parecer que estão todos ligados a essa área central. Essas pétalas estão caindo quando se trata do coneflower. À medida que faço o meu caminho em direção à esquerda e à direita, as bordas exteriores das pétalas ficam cada vez mais curvas à medida que faço o meu caminho em direção a ambos os lados. Você pode ver como eu adicionei algumas pétalas extras fora desse semicírculo. Eu me certifiquei de que essas duas pétalas fossem diferentes, e que, no geral, não há muita simetria presente ao longo deste esboço. Se você fizer algo parecer muito perfeito, ou muito simétrico quando se trata de objetos orgânicos naturais, pode acabar parecendo mais um desenho animado e esse não é o estilo que eu sou indo para essas peças. Depois de terminar com as pétalas na vista lateral coneflower, eu adicionei o caule. Quando estamos desenhando flores de diferentes perspectivas, é importante lembrar que o caule deve estar alinhado com a parte central da flor. Uma vez que acabei com meus esboços a lápis, era hora de fazer algum trabalho de prática com minha caneta. É super inteligente praticar e fazer algum trabalho de aquecimento com as ferramentas que você usará para as peças finais. Então, o que estou fazendo aqui é que sou um traçado levemente sobre meu trabalho a lápis. Gosto mais de pensar nesse processo como uma definição das bordas, em vez de delinear. De um modo geral, queremos ficar longe de contornos grossos, ousados e pesados. A razão disso é, é porque esses tipos de contornos levam ao peso e à planicidade. vez para um visual mais cartunho. Para ficar longe desse peso e planicidade, estou mantendo-o em movimento. Estou pulando de pétala em pétala. Se eu fizer um zoom, você provavelmente notará que em algumas seções minhas linhas nem estão se conectando. Você vai notar que quando eu terminar com as pétalas, quando estou desenhando esse círculo interno para a parte central da flor, eu realmente entro e crio uma borda muito irregular para esse círculo. Isso vai me ajudar a comunicar essa textura na parte central da flor. Finalmente, entro e adiciono algumas marcas para descrever melhor a textura na parte central. Como estou fazendo todo o meu trabalho de caneta e tinta, não estou pressionando demais e não estou hesitando. Quanto mais lento você mover sua mão e quanto mais você hesitar, mais a tinta fluirá pela ponta da caneta e isso levará a linhas mais pesadas e rígidas. Se eu tiver alguma pequena imperfeição, e até mesmo oscilações acontecendo, tudo bem. Só os deixo em paz, não me preocupo muito com isso. É preferível honestamente ter um pouco de imperfeição e oscilações acontecendo, mas ter linhas mais finas, mais fluidas e mais dinâmicas que tenham uma variação de peso de linha para elas do que tem um trabalho de linha muito pesado e muito gritante e muito perfeito. Lembre-se que estes são objetos naturais orgânicos, afinal. Precisamos dessa irregularidade e dessa imperfeição. Depois que terminei com minha caneta e tinta, permiti que tudo secasse completamente por cerca de 10 a 15 minutos e depois fui frente e apaguei todo o meu trabalho de lápis usando minha borracha de grafite macia. Como você pode ver, consegui apagar todo o meu trabalho de lápis muito bem. Isso porque eu me certifiquei de desenhar de forma muito leve. Muito bem amigos, é hora de passar para nossos estudos de rosas selvagens. Mais uma vez, assim como o que fizemos com a primeira flor, vamos ver algumas fotos de referência diferentes que coletei, das quais a rosa selvagem ou as rosas selvagens são mostradas ângulos e perspectivas diferentes, para que possamos ter uma melhor compreensão da estrutura tridimensional e das principais características desse tipo de flor, para que possamos informar melhor nosso trabalho e ser capaz de tirá-los da imaginação. Então vou rever todos os pontos que passei antes com o coneflower. A primeira coisa é que se eu estivesse olhando para baixo para esta flor, diretamente de cima da flor, eu tenho a sensação de que as pétalas criariam mais uma vez, uma forma circular. Então temos essa seção interna da flor, bem no centro dessas pétalas. Mesmo que esta flor não tenha uma estrutura muito volumosa nessa seção central, ela tem uma pistola longa e estame longo crescendo a partir de um ponto menor que está bem no centro de a flor. Então eu mais uma vez visualizaria esta flor inicialmente como dois círculos, um círculo menor dentro de um círculo maior, criado pelas pétalas. O que estou percebendo sobre flores silvestres é que algumas delas têm mais de uma cor em suas pétalas. Como por exemplo, este que estou compartilhando agora na tela, essa seção central é cercada por uma tonalidade amarelada. Enquanto a maioria das pétalas é rosa. Isso não significa que toda a área cercada por aquele anel que tem uma tonalidade amarela seja a seção central da flor. Porque esse amarelo é simplesmente a porção interna das próprias pétalas. Se virmos outras flores silvestres como esta aqui, que só têm uma tonalidade rosada principal em todas as pétalas. Você pode ver como essa seção central e a estrutura são realmente bem pequenas quando comparadas ao tamanho das próprias pétalas. As pétalas para a rosa selvagem, eu posso ver são diferentes, elas têm bordas muito irregulares, especialmente ao longo das seções externas dessas pétalas. Além dessa irregularidade ao longo das bordas externas das pétalas de rosa selvagem, outra coisa que as torna muito diferentes das pétalas de coneflower é que essas pétalas são muito maiores e elas são apenas cinco quando comparados às 15-20 pétalas presentes em coneflowers. Algo que também torna essas pétalas diferentes das pétalas coneflower é que elas estão realmente se curvando. Quando pétalas de coneflower onde se curvam para baixo. Eles estavam caindo para baixo criando esse efeito guarda-chuva. Nesse caso, essas pétalas estão criando mais forma de guarda-chuva invertida. Finalmente, olhando para as folhas de rosas silvestres, notamos que as bordas dessas folhas são o que seria chamado de dente. Você pode ver como suas bordas são pontiagudas e não suaves. Eles têm uma forma de amêndoa para eles. Eles são pontudos na ponta. Eles são de tamanho médio, não muito curtos, nem muito longos. O que também estou percebendo é que existem várias folhas saindo de um único caule. Com essas informações em mente, vamos prosseguir e trabalhar em nossos esboços. Vamos começar com o trabalho do lápis primeiro. Então, neste momento, estou colocando o primeiro círculo maior, então vou continuar adicionando o círculo menor para a parte central da flor. Aqui você pode ver como eu fiz esse círculo menor do que o círculo menor no coneflower porque estou tentando obter essas proporções certas para flores silvestres. Essa é a visão superior simplificada muito básica. Agora vamos trabalhar na vista lateral ou na visualização do perfil. O que aprendemos tendo visto essas fotos é que as pétalas criam essa forma de guarda-chuva invertida. Dependendo de quão aberta a flor é, ela pode ser mais como um semicírculo completo ou mais como uma forma de tigela. Como o que estou mostrando aqui. Aquele pequeno círculo que eu adicionei no meio dessa forma de tigela é apenas uma indicação daquela parte central da flor onde a pistola e o estame vão crescer. Agora é hora de dividir essas formas maiores em formas de tamanho médio. Então, começando com a vista superior aqui, notamos que as flores silvestres têm cinco pétalas. O que estou fazendo é adicionar cinco ovais ou círculos dentro desse círculo maior para que eu possa dividir esse círculo maior em seções e visualizar onde vou desenhar meus diferentes pétalas. Ao adicionar essas ovais ou esses círculos, posso ter certeza de que mais tarde, quando chegar a hora de desenhar minhas pétalas reais, elas terão o tamanho que eu preciso que elas tenham, elas vão ser onde eu preciso que eles estejam localizados, e eles terão o nível certo de sobreposição entre eles. Então eu fiz exatamente a mesma coisa para a vista lateral. Claro, para a vista lateral, vemos apenas certas pétalas e certas porções de outras pétalas. Mas, assim como o que fizemos com a visão lateral dos coneflowers, é muito importante ter em mente que todas as pétalas estão crescendo fora dessa seção central. Portanto, certifique-se de que, ao desenhar essas formas, todas elas parecem estar crescendo fora dessa seção central e parecem estar se conectando nessa seção central. Observe como as pétalas externas na borda esquerda e na borda direita são elipses mais longas ou mais planas, e a borda mais externa é mais uma curva, enquanto a pétala central é mais um oval regular esmagado forma. Acabei de adicionar algumas pequenas formas de pétalas espreitando por trás dessas pétalas dianteiras que conseguimos ver mais. Finalmente, com essas formas médias adicionadas, era hora de ligar para minha caneta. Vou fazer exatamente a mesma coisa que fiz com o estudo de flores anterior. Estou definindo bordas, mas como você vai notar, estou adicionando mais detalhes, estou adicionando mais detalhes, fazendo com que as coisas pareçam um pouco mais irregulares, especialmente ao longo das bordas externas dessas pétalas, e também ao longo das bordas externas desse círculo central menor. Para esta flor, você pode ver como eu adicionei algumas técnicas de criação de marcas lá para descrever o estame alto que está crescendo fora dessa seção central. Mas estou tentando o meu melhor para manter esses relativamente simples. Observe como na visualização do perfil eu me certifiquei de que o caule esteja alinhado com essa seção central da flor. Isso é muito importante. Finalmente, assim como no primeiro, permiti que tudo secasse por cerca de 10 a 15 minutos, entrei com minha borracha de grafite macia para apagar todo o meu trabalho a lápis. Porque me certifiquei de desenhar de ânimo leve, consegui apagar tudo muito bem. Finalmente, passando para o narciso. Vou compartilhar quatro fotos de narcisos com vocês para que possamos observá-los e estudar sua estrutura antes saltar para nossa prática de esboços. Como você pode ver, esta flor tem uma estrutura muito diferente das duas anteriores. Esta flor tem o que é referido como uma forma de trompete ou cone para ela bem no meio, ou o que eu gosto de me referir como uma forma de megafone. Esta estrutura cônica ou megafone está protegendo o pistilo e o estame na seção central da flor. Ele também tem um pouco de altura, ainda mais do que a altura dessa estrutura central no coneflower. É quase como se fossem duas flores em uma, duas estruturas separadas que estão anexadas. O que eu percebo sobre narcisos também, o que os torna muito diferentes de outros tipos de flores é que eles não estão voltados para cima, como a maioria das flores, ou ligeiramente inclinados para um lado ou o outro. A parte superior do caule se inclina para que a porção de pétala da flor fique completamente voltada para um lado ou para outro lado. A flor não está voltada para cima como com as outras duas. No entanto, se esta flor estivesse voltada para cima e estivéssemos olhando para essa estrutura, ainda veríamos um círculo maior criado pelas pétalas maiores e um círculo menor criado por esta forma de trompete ou megafone. As pétalas desta flor são bem diferentes das outras duas, embora vejamos seis pétalas nesta. Eles são definitivamente pétalas maiores, mas não tão redondas quanto as pétalas da Rosa Selvagem. Eles não têm muita irregularidade para eles ao longo das bordas externas, como a rosa selvagem faz. No entanto, as bordas da forma de trompete ou megafone são muito, muito irregulares. Você pode ver como as bordas externas dessa forma de trompete estão curvas para fora. Finalmente, em termos de folhas, elas também são bem diferentes das folhas das flores anteriores. Essas folhas são muito longas e estreitas. Então, com todas essas informações em mente, vamos prosseguir e começar com nossa prática de esboço para o narciso. Começando com a vista superior, crio meus dois círculos. O círculo maior criado pelas pétalas e o círculo menor criado pela circunferência da forma de trompete ou megafone no meio. Ao desenhar esses dois círculos, tentei ter as proporções que estava observando em mente. Então, como a circunferência do círculo menor se compara à circunferência do círculo externo? Era então hora de passar para a versão simplificada da vista lateral para o narciso. A primeira coisa que fiz foi visualizar como seriam as pétalas mais planas de uma visão lateral ou de perfil. Então eu desenhei aquele oval achatado primeiro. Uma vez que eu criei aquela base achatada oval, adicionei essa forma cônica ou megafone bem no centro. Eu me certifiquei de que aquele cone ou uma forma de megafone tivesse uma boa altura, e que quando eu comparo os tamanhos dessas duas partes da flor entre si, as proporções fazem sentido. Agora é hora de dividir essa forma geral maior em formas de tamanho médio. Como vimos, os narcisos têm seis pétalas, que são bastante grandes, mas não tão redondas ou largas quanto as pétalas da Rosa Selvagem. Aqui você vai me ver adicionar seis formas ovais dentro deste círculo. Eu quero ter certeza de que minhas pétalas ou ligeiramente sobrepostas, então eu me certifico de que essas ovais sejam levemente tocantes. Você também vai me ver adicionar uma linha irregular extra dentro desse círculo menor e isso é para que eu possa começar a visualizar onde a borda superior ou o lábio superior dessa trombeta a forma que está se curvando está se movendo para a vista lateral ou para a visualização do perfil. Mais uma vez, este é um exercício de visualização. Levando em conta tudo o que aprendi sobre narcisos, estou visualizando como seria essa flor quando vista de lado. Assim como com as outras flores, existem certas pétalas e certas partes da estrutura que não conseguimos ver nessa visualização de perfil. O que você pode ver dessa visão lateral? Como as formas dessas diferentes pétalas e a estrutura central mudam quando vistas dessa perspectiva? Com este, sou capaz de ver pelo menos três pétalas e adicionei uma pequena seção extra das duas pétalas na parte de trás espreitando por trás dessas pétalas na frente. Com meus esboços a lápis prontos, é hora de passar para o meu trabalho de caneta e tinta. Estou começando com a vista superior e todas as mesmas coisas entram em jogo que eu tenho compartilhado até agora com as outras duas flores, certifique-se de mantê-lo fluindo, mantê-lo em movimento, você pode ver como eu realmente estou pensando em criar essa variação de peso de linha, existem certas seções nas quais minhas linhas nem estão se conectando. Estou abraçando essas pequenas imperfeições e oscilações que acontecem e também começo a adicionar um pequeno detalhe extra, especialmente naquela seção central da flor. Começando a pensar nas pequenas linhas e marcas que vou usar nas minhas peças finais para descrever o pistilo, o estame, a textura e as características nessa seção central. Com a vista lateral, eu me certifiquei de adicionar o caule em alinhamento com aquela parte central da flor. Então eu permiti que tudo secasse e fui em frente e apaguei tudo com minha borracha de grafite macia. Só para terminar esses estudos, vou adicionar rapidamente algumas folhas para cada flor porque eu definitivamente quero adicionar algumas folhas em minhas peças finais. Então, eu quero fazer essa prática também. Você vai me ver primeiro esboçar essas folhas com lápis e uma vez que eu as esboço com lápis, eu vou em frente e defino minhas bordas com minha caneta e tinta. Eu lembro o que me lembrei de ser verdade sobre as folhas de coneflower. Lembro-me de que eles têm um comprimento médio para eles, lembro que as pontas são relativamente pontudas e que as bordas são lisas. Você vai me ver adicionar a maior veia central nessas folhas. Nesta folha que você está me vendo esboçar agora, eu adicionei em uma linha extra e isso é apenas para que eu possa criar essa ilusão dessa parte dessa folha curvando-se, ou esta folha estar em uma perspectiva ligeiramente diferente da outra folha. Então, somos capazes de ver um pouco da parte inferior dessa folha. Isso é algo que você pode fazer quando quiser criar esse tipo de ilusão com qualquer uma das outras folhas também. Passando para as folhas na flor silvestre. Como mencionei antes, a flor silvestre tem folhas menores que estão todas presas a um mesmo caule. Também notamos que as bordas externas das folhas da flor silvestre têm um dente para elas. Isso é algo que eu realmente vou ter que lembrar quando estou pintando isso. Esta borda dentuda pontuda dessas folhas é muito particular para esta flor e isso também está presente em rosas regulares. Gosto de pensar nessa borda do dente como um ziguezague modificado. É muito útil antes de começar a notar para onde o ponto desse dente está indo para que você possa manter essa direção consistente em todas as suas folhas. Esses “dentes” ou pontas pouco pontudas não estão indo para a flor ou para o caule principal, mas estão apontando para fora da flor. Aqui vou adicionar outra dessas seções extras nesta folha mais baixa para que eu possa ter uma pequena variedade em perspectiva aqui. Ao adicionar algumas dessas folhas em diferentes perspectivas, podemos, mais uma vez, ficar longe de uma aparência plana. Finalmente, estou desenhando as folhas para o narciso, que são longas e estreitas. Essas, eu imagino mais como cobras com pontas pontudas. Como estou desenhando essas formas longas, estou me certificando de que há muita variedade presente em termos de seu comprimento, em termos de como elas estão curvas, e eu também adicionei isso folha mais curta que está dobrando de uma maneira diferente. Essa variedade ajudará esse esboço a parecer mais natural e mais interessante. Meu amigo, se você passou por essa aula, parabéns. Se você trabalhou nesses exercícios, agora estará muito melhor equipado e pronto para trabalhar em suas peças finais. Estou tão animado para passar para a próxima aula com você, na qual vamos falar , escolhendo as diferentes cores que vamos usar para nossas diferentes peças de flores, e também vou falar sobre como vamos misturar cores em nossas peças finais para que o processo final possa ser mais suave e possamos chegar a melhores resultados. Ótimo trabalho e mal posso esperar para vê-lo no próximo. 8. Linhas e lavagens de flores soltas 8: Ei lá e bem-vindo a esta aula em que vamos trabalhar na escolha das cores que vamos usar em nossas peças finais. Também vou fornecer algumas informações importantes que são muito importantes em termos de consistência e quantidade de misturas de cores. Agora você quer ter certeza de que você se prepara para que o processo para suas peças finais possa ser muito mais suave e você possa obter melhores resultados. Sou um grande fã de planejar as cores que vou usar para uma nova peça e também manter meu esquema de cores limitado. Existem algumas razões diferentes para isso. A primeira é que a cor é um elemento de arte que é incrivelmente importante e desempenha um papel importante por trás de fazer uma composição visual ou uma obra de arte parecer harmoniosa e coesa. Se escolhermos cores aleatoriamente durante todo o processo de pintura, especialmente como iniciantes, quando estamos apenas começando a aprender sobre a roda de cores e a teoria das cores, há uma grande probabilidade de que nosso trabalho artístico não terá integração. A segunda razão pela qual eu acho que é incrivelmente importante, especialmente para iniciantes planejar suas cores se eles vão usar para uma nova peça, é que planejando e examinando cores diferentes e misturas de cores que vamos usar, é muito mais provável que possamos ficar longe da turvidade e das cores indesejadas. Para essas peças finais em particular em que estamos trabalhando neste curso, queremos ter certeza de que estamos escolhendo cores que andam de mãos dadas com o que essas flores realmente se parecem, e também queremos ter certeza de que nossas cores são brilhantes, vivas e vibrantes. Para essas peças neste curso, vou usar meu conjunto de aquarela Daniel Smith. Vou começar com o trabalho de planejamento e preparação para minhas cores que vou usar na minha peça coneflower. Eu decidi ir com pétalas amarelas para este. Estou usando meu pincel redondo tamanho 10, que é exatamente o que é confortável para mim quando estou criando essas misturas de cores, e estou tirando um pouco de água de cada vez do meu recipiente, girando meu pincel úmido na minha tinta e trazendo um pouco de tinta de cada vez para esta área de mistura na minha paleta. O que eu quero fazer é preparar duas cores diferentes para as pétalas de cada flor que eu possa ter uma boa variação de cor e também uma variação de tom ao longo dessas pétalas. E com o tom, realmente, tudo o que quero dizer é que eu quero que certas seções de minhas pétalas sejam mais claras e outras seções sejam mais escuras, e isso vale para todas as diferentes partes da flor também. Se a flor tiver uma área central que tenha uma cor diferente das pétalas, como o coneflower e a rosa selvagem, também estarei preparando duas cores diferentes para essa área central para que eu possa ter essa variação de cor e tom nessa área também. Finalmente, quando se trata do caule e das folhas, também quero preparar duas misturas de cores verdes diferentes para mim. Quero ter um verde mais escuro e um verde mais claro. Preparando-se para cores diferentes para cada área, isso fará com que eu possa dar todas essas partes diferentes para essas três dimensões de flores ou uma sensação de luz e sombra. Mesmo que eu esteja indo para um visual solto e expressivo, que não tem níveis muito altos de realismo simplesmente preparando algumas cores ou variações diferentes da mesma cor para cada área, isso vai me ajudar a criar esse senso de dimensão na flor. Também vou poder brincar com a cor um pouco mais e trazer esses efeitos interessantes que a aquarela permite, esses sangramentos, essas flores, essas transições entre cores diferentes. Agora vou deixar você saber exatamente quais cores é que escolhi para minhas misturas de cores para esta primeira flor. Como eu disse antes, não há necessidade de usar exatamente essas mesmas cores que estou usando. Você pode usar as cores você tiver que são mais semelhantes a estas, ou se quiser tornar as pétalas do seu coneflower totalmente uma cor diferente da minha, você também pode fazer isso. primeira mistura de cores laranja na minha paleta no topo é uma mistura de novo gamboge mais escarlate profundo. Amarelo mais um pouco de vermelho porque eu queria criar uma cor laranja. A cor abaixo disso é apenas uma nova gama simples, que é o meu amarelo que usei para minha mistura de cores anterior, além de um pouco de água. Logo abaixo disso, tenho minha mistura verde escura, que é verde submarino simples de Daniel Smith, que é um verde azeitona muito escuro, profundo e rico. Certo, criei minha mistura de cor verde claro, que é uma mistura de verde submarino mais luz amarela hansa. Ao adicionar esse amarelo naquele verde escuro, consegui criar um verde mais claro. Finalmente, para aquela seção central dos meus coneflowers, preparei alguns castanhos diferentes, e criei essas pequenas poças de marrom em uma seção separada da minha paleta de mistura de cores porque eu não queria que esses marrons começassem a minhas outras cores porque isso misturar com minhas outras cores porque isso dessaturaria minhas outras cores, ou as silenciaria, e como eu disse, quero que minha cor fique agradável, brilhante e vibrante para essas flores. Meu primeiro marrom mais claro, que é um marrom avermelhado, é apenas uma sienna queimada simples com um pouco de água adicionada, e o marrom mais escuro é queimado sienna mais um pequeno pedaço de tonalidade neutra adicionada, que parece um marrom mais escuro e chocolatey. tonalidade neutra é um cinza escuro que pode ser adicionado às cores para escurecê-las. Se você não tiver essa cor, uma ótima opção para substituí-la seria o cinza de um Payne. Você pode até ir com um preto como preto marfim ou preto, se você tiver apenas um desses. Aqui, estou apenas rotulando as diferentes cores que escolhi para que eu possa ter certeza de que estou usando as cores certas quando finalmente chegar a hora de criar essas peças finais. É hora de seguir em frente para escolher as cores que vamos usar para nossa peça de rosas selvagens. A mesma coisa que mencionei para as misturas de cores coneflower, vá para elas também. Queremos ter certeza de que criamos duas cores diferentes ou duas versões diferentes da nossa cor para cada parte da flor. Observe como são suculentas as misturas de cores que estou preparando para mim na minha paleta. Há uma boa quantidade de pigmento e saturação de cor neles, mas também há uma boa quantidade de água neles também. Você pode ver o movimento e o fluxo criados por esse teor de água nessas poças na minha paleta. Essa é a consistência que você está procurando. No meu primeiro curso Skillshare intitulado Aquarela 101, falo tudo sobre as diferentes consistências que você pode usar tinta aquarela em que você definitivamente deve conhecer. Você pode conferir esse curso se quiser saber mais sobre as consistências de tinta aquarela. Mas há a consistência do chá, há a consistência do café, há a consistência do leite, e há a consistência da manteiga. Essa é essencialmente a ordem deles, desde a maioria liquida ou mais aquosa, até a mais grossa e mais saturada. Por que estamos indo com essas misturas de cores é algo como uma cor de 50% de água 50%, então, em algum lugar entre o café leite, como consistência, é o que você está procurando. Não há necessidade de ser super preciso sobre isso, mas você quer ter certeza de que as misturas de cores no seu paladar, algumas poças que você cria para si mesmo, contenham uma boa quantidade de cor neles, que você realmente só precise entrar com uma camada de cor e uma lavagem rápida. Lembre-se de que, se houver muita água em suas misturas de cores, provavelmente, sua cor parecerá bastante pálida no papel. Você vai sentir a necessidade de entrar com uma segunda ou uma terceira camada para tornar essa cor mais saturada e mais vibrante em sua pintura, e estamos realmente tentando entrar apenas uma lavagem rápida de cor depois de fazermos nosso trabalho de caneta e tinta. Muito importante que ele tenha uma boa quantidade de saturação de cores, mas, ao mesmo tempo, queremos um pouco de água na sua mistura de cores também. Por quê? Porque se você não tiver uma boa quantidade de água, não será capaz de carregar eficazmente suas cerdas de pincel e ser capaz de pintar rapidamente. A última coisa que eu quero fornecer como uma dica que vai ajudá-lo a trabalhar de forma mais eficaz em sua peça final é ter certeza de que você tem o suficiente de suas cores diferentes em sua cor paleta de mistura antes de começar com uma nova peça, ou pelo menos antes de começar com uma nova área da sua peça. A razão pela qual isso é porque nossa tinta vai secar rapidamente, e se você não tiver uma mistura de cores suficiente pronta para você em sua paleta de mistura de cores, e você tem que criar mais essa mistura de cores quando você está no meio da pintura de uma área específica em sua flor, provavelmente não, você ficará com uma borda definida nítida em torno da anterior forma em que você pintou, e isso não é necessariamente o que queremos. Queremos poder carregar um pincel e trabalhar rápido e tirar mais tinta da nossa paleta e pegar exatamente de onde paramos para que não fiquemos com essas marcas estranhas, linhas e texturas. As cores específicas que escolhi para a peça de rosas selvagens são para as pétalas, vou usar rosa quinacridona e ultramarino francês. A primeira poça pequena na minha paleta de mistura é uma rosa quinacridona simples com um pouco de água nela. A mistura de cor roxa é quinacridona rosa mais um pouco de ultramarino francês e um pouco de água nele. Os marrons que preparei para mim para a área central da flor, tenho na outra seção da minha paleta de mistura de cores pelo mesmo motivo que mencionei antes, eu não quero estes marrons para entrar em contato com minhas outras cores porque isso vai silenciá-las. Mas eu vou usar ocre amarelo liso como meu marrom dourado mais claro e meu marrom mais escuro vai ser sienna queimado. Finalmente, meus verdes serão exatamente mesmos para todos os três pedaços de flores. Vou usar verde submarino mais luz amarela hansa para o meu mais claro e verde submarino simples como meu verde mais escuro. Aqui estou mais uma vez dando um segundo rápido para rotular todas essas cores para que eu possa saber exatamente o que alcançar quando chegar a hora de trabalhar em minhas peças finais. Passando para a seleção de cores da nossa peça final, que será a peça do narciso. Como você pode ver, dei um segundo rápido para trocar minha água antes de começar com o processo de comutação porque o amarelo pode ficar facilmente sujo com água turva porque é muito leve e cores brilhantes, e eu quero ter certeza de que as cores que estou exibindo são realmente o que elas vão parecer na peça final. Tudo o que compartilhei com você na mistura de cores até agora no passado também vale para este também. Estou me certificando de preparar duas cores diferentes para cada área da flor. Muitas das flores do narciso que vi têm dois amarelos diferentes ou duas cores diferentes em suas pétalas. A estrutura cônica no centro às vezes é um amarelo mais escuro ou mesmo uma laranja ou um vermelho laranja em algumas fotos que eu vi. Eu queria preparar um amarelo e uma laranja amarela. No entanto, com narcisos, eles não têm uma seção central acastanhada ou mesmo preta como outras flores. Para este, não vou estar preparando nenhum marrom. Finalmente, os dois verdes que crio serão exatamente os mesmos que as outras duas flores. Para as cores em minhas pétalas, fui com luz amarela hansa simples para o meu amarelo mais claro, minha laranja amarelada mais escura vai ser luz amarela hansa mais um pouco de nova gamboge, e para os verdes em minhas folhas, vou usar verde submarino mais luz amarela hansa como meu mais claro e verde submarino simples para o meu verde mais escuro. Com isso, acabamos de selecionar as cores que vamos usar para nossas três peças finais. Lembre-se de todas as dicas que eu forneci nesta aula quando você está misturando suas cores e enquanto você está se movendo em seu processo de pintura para suas três peças finais. Estou tão animado para finalmente começar com a primeira de nossas três peças finais, que será nossa peça coneflower. Se você estiver pronto para começar com sua primeira peça final e estiver pronto para usar todas as informações que você ganhou e as habilidades que você praticou até agora, participe eu na próxima aula. Veja Veja lá. 9. Linhas e lavagens de flores soltas 9: Ei pessoal, bem-vindos à classe número 8. Estamos finalmente começando com a primeira das nossas três peças florais finais de caneta e aquarela. Este primeiro será o pedaço de flor de cone. Todas as informações que compartilhei com você nas aulas anteriores neste curso, e as habilidades que praticamos nas aulas práticas serão usadas nessas três peças. Além disso, vou compartilhar algumas dicas sobre composição. Vou explicar sobre algumas coisas que sempre tenho em mente sempre que estou criando meu esboço a lápis preliminar para que minhas peças sejam assimetricamente equilibradas e interessantes de se olhar. Sem mais delongas, vamos em frente e pular direto. Vamos começar com a fase número 1, e vamos passar pelas mesmas três fases para todas as nossas peças finais. Para a fase número 1, estamos nos concentrando em criar um esboço a lápis preliminar efetivo que é essencialmente os ossos e a base para as próximas duas fases. Não só queremos desenhar a flor do cone também, usando as técnicas de simplificação e visualização que eu estava compartilhando com você antes, mas também queremos ter certeza que estamos usando nosso espaço de desenho forma eficaz e que tanto o tamanho dos elementos que estamos desenhando, assim como seu arranjo no espaço, levará a uma composição bem equilibrada e interessante . Quero lembrá-lo de desenhar o mais levemente possível nesta fase inicial para que você possa apagar erros ao longo do caminho para que seu lápis não fique visível através de sua caneta e tinta e sua aquarela lava no final e também para que você não arranhe ou danifique seu papel. Então, desde antes de começar com meu esboço a lápis preliminar, eu visualizo o que eu quero na minha peça final parecer. Então eu já sabia que estaria adicionando flores de três cone nesta peça. Eu também sabia que queria que todas as minhas flores de cone tivessem um ângulo ou orientação ligeiramente diferente no espaço. Eu queria que minhas flores de três cone tivessem ângulos ou perspectivas ligeiramente diferentes. Isso não só pareceria mais realista no final, mas também mais interessante. Levando à mente as informações visuais que coletei daquelas fotos de referência que compartilhei com você na aula anterior sobre o desenho dessas três flores e também trazendo à mente o simples formas que me ajudaram a visualizar essa flor em particular naquela classe e o método geral que compartilho com você, eu começo com esse processo. Agora, como você provavelmente se lembra na classe número 6, praticamos desenhar essas três flores de duas visões diferentes; olhando para a flor de cima, e também de uma vista lateral ou de perfil, nenhuma dessas três flores de cone será vista diretamente de cima. No entanto, ao entender essa flor se parece dessa perspectiva, agora sou capaz de distorcer esse círculo inicial. Eu sou capaz de esmagá-lo e transformá-lo mais em forma oval ou elipse e inclinar essa forma dependendo da perspectiva e da orientação que eu quero que aconteça. Esses desenhos simples de vista superior e vista de perfil que criamos no início, nos permitiram entender a estrutura da flor a partir dessas duas perspectivas. Agora que entendemos essa estrutura e as principais características da flor, podemos dar um passo adiante e visualizar como seriam essas mesmas formas se a flor tivesse um orientação ligeiramente diferente no espaço, ou estava voltada para um lado mais do que para o outro lado, ou estava olhando para baixo ou para cima um pouco mais. Normalmente, o que vemos flores na vida real, seja um buquê ou arranjo floral, ou estamos vendo flores na natureza, elas terão uma variedade de orientações. Nem todos eles vão olhar para a mesma direção. Eles vão ter inclinações diferentes, etc. Eu quero realmente brincar com essas orientações porque isso vai ajudar minha peça a parecer um pouco mais natural e realista. Eu também quero ficar longe da rigidez e da planicidade. Dependendo da orientação da flor que eu queria que acontecesse, fui com o círculo, que aprendi primeira prática em que estávamos olhando para a flor. Se eu quisesse criar uma visão mais lateral, fui com o guarda-chuva ou a forma do semicírculo. A flor na parte inferior, como você pode ver, é uma combinação das duas, eu adicionei nas seções centrais das flores, a maneira que praticamos onde fazia sentido com essa orientação. Com isso, acabei de colocar minhas formas básicas. Além de estabelecer essas formas básicas que me permitirão passar com mais sucesso para a próxima parte desse processo preliminar, que será começar a desenhar minhas pétalas, minhas hastes e minhas folhas. Também me certifiquei de que essas formas básicas tivessem um arranjo interessante e que os tamanhos não fossem muito grandes ou muito pequenos para o tamanho do papel aquarela em que estou trabalhando. Como você pode ver, eu os coloquei em um arranjo triangular. Isso vai me ajudar a criar um equilíbrio assimétrico na minha peça e isso vai tornar mais interessante olhar. Eu não queria colocar minhas flores em linha reta ou ter nenhuma delas bem no centro. Eu sei que isso levaria a muita simetria e assimetria é muitas vezes chato em uma obra de arte. É sempre útil procurar maneiras pelas quais podemos criar equilíbrio assimétrico para que a peça possa ser interessante de se olhar. Além disso, isso ajudará os olhos dos espectadores continuarem se movendo e fluindo pela peça. Agora que nosso arranjo composicional foi classificado e essas formas iniciais foram estabelecidas. Estou começando a desenhar as pétalas. Continuo a desenhar o mais levemente possível, permitindo que essa forma oval me guie em termos de quanto tempo fazer essas pétalas. Estou trazendo à mente tudo o que compartilhei naquela aula passada, lembrando as particularidades sobre pétalas de flores de cone, sua forma, seu número aproximado, como elas estão se sobrepondo, e também me certificando de que estou trazendo muita irregularidade porque este é um objeto orgânico e natural, afinal. Assim como o que fiz com meu esboço de prática, estou pulando pelo oval aqui e não estou realmente adicionando minhas pétalas no sentido horário ou anti-horário, mas pulando ao redor do oval. Novamente, isso vai me ajudar a criar uma sobreposição mais natural em pétalas e ficar longe desse padrão que você olha, eu quero agrupar pétalas juntas de maneiras diferentes e talvez até mesmo fazer com que certas seções pareçam um pouco mais esparsas do que outras. Esta vista lateral, comecei com a pétala bem no centro. Uma vez que a pétala central está entrando, que está caindo para baixo em uma posição mais vertical, é mais fácil adicionar as pétalas de ambos os lados que ficam cada vez mais curvas à medida que fazem seu caminho em direção às bordas esquerda e direita. Com esta flor na parte inferior, eu realmente visualizo como essa flor e suas pétalas seriam a partir dessa perspectiva particular. Como seriam essas pétalas que estão caídas, que estão todas conectadas à que estão todas conectadas à seção central desse ângulo? Vemos muito menos das pétalas na parte de trás do que as pétalas na frente. Por causa disso, as formas que crio para essas pétalas na parte de trás são muito diferentes das formas que crio para as pétalas na frente. Você também pode ver como eu adicionei naquela seção central da flor mais próxima da borda superior dessa elipse inicial do da borda inferior porque isso só faz mais sentido para essa perspectiva. Então, finalmente, chegou a hora de adicionar as hastes e as folhas. Lembre-se de que quando você está adicionando suas hastes, elas precisam parecer que estão ligadas à seção central da flor. Imagine que eles estejam alinhados. No entanto, como você pode ver, eu me certifiquei de adicionar curvas sutis a essas hastes em vez de apenas criar linhas verticais perfeitas que levaria a muita rigidez. Mais uma vez, simplesmente não pareceria natural. Quando chegou a hora de desenhar as folhas, também trouxe à mente todas as características particulares das folhas desta flor. Lembrei-me que as folhas de flores de cone não são muito longas e não muito curtas. Eles são pontudos no final e têm bordas lisas. Esta é uma composição completa que estamos criando com essas três flores. Você pode ver as áreas de pétalas como sendo os elementos primários ou pontos focais desta peça e, em seguida, as folhas podem ser consideradas como elementos secundários. As folhas são elementos secundários de apoio, então, mesmo que eu quisesse ter certeza de adicionar alguns, eu não queria exagerar com a quantidade ou colocá-las de uma maneira que fosse muito distrativa. Também me certifiquei de brincar com a orientação das folhas. Eu queria uma certa variedade nos ângulos que eles criaram e sua forma. Tudo bem, passando para a fase número dois, que será a fase caneta e tinta. O objetivo com esta fase será definir bordas externas e também adicionar um pouco mais de detalhes. Você vai me ver adicionar um pouco mais de detalhes do que eu fiz nos um pouco mais de detalhes do que eu meus primeiros esboços de treino, mas ainda quero mantê-lo mínimo. Não quero exagerar com a quantidade de trabalho que faço com minha caneta e tinta porque vou trazer aquarela e queremos um visual solto e expressivo para essas peças. Lembre-se de fazer o seu melhor para mantê-lo em movimento, mantê-lo fluindo, tente não ficar preso em um único lugar e lembre-se de que a variação do peso da linha é fundamental. Traga à mente essas quatro coisas que eu estava falando antes que contribuam para que você possa desenvolver essa variação de peso de linha. O primeiro é o tamanho da ponta da caneta. Você pode trazer um segundo tamanho de ponta de caneta e isso por si só, o ajudará a desenvolver mais grossas e linhas mais finas. O segundo é o ângulo em que você está usando sua caneta. Você pode usá-lo em uma posição mais de 90 graus ou vertical para obter linhas mais grossas e mais ousadas e mais de 45 a 35 graus para linhas mais finas e mais leves. A terceira variável é a velocidade na qual você move a mão e o braço. Quanto mais rápido você movê-lo, mais finas e mais claras as linhas, e quanto mais lentamente você se move, mais grossas e mais ousadas serão suas linhas porque mais tinta vai desça a ponta da caneta. Finalmente, há também a pressão que você está exercendo sobre o papel. Quanto mais pressão, ousada a linha, menos pressão, mais fina e mais leve será a linha. Tente combinar essas variáveis de maneiras diferentes ou explorá-las individualmente. Aqui, estou adicionando algumas marcas na seção central da flor. Lembrei-me da textura que vi nessas fotos de referência para flores de cone e acabei de escolher um tipo de marca que pensei que me ajudaria a descrever isso. Eu fui para formas de queda invertidas e me certifiquei de adicionar essas marcas novamente de uma maneira muito irregular, realmente tentando o meu melhor para ficar longe de qualquer visual padronizado ou visual organizado, fazer alguns maiores, outros menores e angulando-os de maneiras diferentes. Também adicionei muito rapidamente alguns detalhes nas próprias pétalas. Estas são linhas curvas mais longas que criei muito rapidamente e muito rapidamente dentro dessas formas. Você provavelmente pode ver como essas linhas são muito finas quando comparadas às linhas de contorno dessas pétalas. Eu não queria que essas duas linhas competissem, então eu me certifiquei de criar um menor peso visual nas linhas internas e marcas que eu adicionei para as texturas dentro das pétalas. Estou me certificando de mover meu braço e meu pulso muito mais rapidamente e também mal estou tocando a ponta da minha caneta no meu papel quando estou adicionando as linhas que quero tornar mais leves no peso visual. Enquanto as linhas de contorno do lado de fora ao longo das bordas das pétalas, estou me aproximando um pouco mais devagar e exercendo apenas um pouco mais de pressão. Ao controlar essas duas variáveis, ou seja, a velocidade e a pressão, você pode ver como essas linhas que estou criando dentro das pétalas parecem mais leves e finas e as linhas que eu crio no exterior, o contorno externo para essas pétalas parecem mais grossas e mais escuras. Este é um exemplo de como estou fazendo uso consciente da variação do peso da linha. Continuo com cuidado, mas rapidamente, rastreando meu trabalho a lápis e estou realmente abraçando quaisquer imperfeições, oscilações, irregularidades que possam acontecer ao longo do caminho. Estou tomando cuidado em não rastrear certas seções de caule, especialmente em outras pequenas partes de folhas ou pétalas que realmente seriam cobertas por outro elemento que está na frente delas. Por exemplo, esta flor na parte inferior aqui está na frente do caule daquela flor atrás dela, então eu tenho que ter cuidado para não traçar sobre essa seção do caule da flor atrás se eu quiser criar essa ilusão dessa flor na parte inferior estar na frente da flor por trás dela. Está parcialmente cobrindo esse caule. Temos que ter cuidado com esse tipo de coisa porque tinta é permanente e não poderemos apagá-la. Estou terminando com esta flor na parte inferior e me certifiquei de manter minha linha funcionando e meus tipos de marcas que estou usando consistentes em todas essas flores de cone. Eu acabei com a caneta e a tinta. Eu permiti que tudo secasse por cerca de 15-20 minutos e agora estou pegando minha borracha de grafite macia e estou apagando todo o trabalho com lápis. Você também vai notar que eu pó esses pedaços de borracha com minha toalha absorvente que está completamente seca neste momento porque eu não quero usar minhas mãos para limpar isso. Podemos ter óleos em nossas mãos que, se eles entrarem em nosso papel aquarela, eles podem criar splotchiness quando estamos pintando. Bem aqui, notei que perdi uma pequena parte do caule para a flor central, então eu me certifico adicioná-la antes de seguir em frente. Finalmente, estamos passando para a Fase Número 3, que será a fase de lavagem em aquarela. Já selecionamos as cores específicas que vamos usar para cada peça. Agora é uma questão de garantir que tenhamos uma boa quantidade dessas misturas de cores suculentas preparadas para nós em nossa paleta antes de começar. Lembre-se de que é muito importante que a consistência de suas diferentes misturas de cores seja útil para o que estamos tentando fazer hoje, que é carregar bem nossas cerdas de pincel, e queremos ser capazes de trabalhar bem e rápido, e também que você deseja ter certeza de que você tem o suficiente de suas diferentes misturas de cores prontas para você no seu paladar. Tanto a consistência da sua tinta quanto a quantidade de tinta precisam fazer sentido para o que você está tentando fazer. Estou trabalhando na preparação belas misturas de cores suculentas para mim na minha área de mistura. O primeiro passo, o topo, é a laranja que criei misturando novos gamboge e escarlate profundo. Logo abaixo disso, tenho uma nova gama com um pouco de água nele. Então eu tenho meus dois verdes, meu verde mais escuro e verde mais claro. O verde mais escuro é verde submarino simples, e o verde mais claro é uma mistura de verde submarino mais luz amarela hansa. Então, do outro lado da minha área de mistura, tenho meus dois marrons. O marrom mais claro é queimado sienna com um pouco de água, e o marrom mais escuro é queimado sienna mais um pouco de tonalidade neutra. Vou usar meu pincel redondo tamanho 10 para tudo. A primeira coisa que estou pintando é a seção central das flores. Como você sabe, preparamos duas cores diferentes para essas áreas centrais, o marrom mais claro e o marrom mais escuro. Para todas essas diferentes partes da flor, estou primeiro trabalhando com a cor mais clara que preparei e, em seguida, estou caindo na cor mais escura enquanto a camada inicial mais clara ainda está molhada. Isso criará transições suaves entre minhas cores mais claras e mais escuras. Como estou caindo nessa cor mais escura enquanto a cor inicial mais clara ainda está molhada, essa cor mais escura se expande e sangra nessa camada mais clara, criando bons efeitos suaves difusos. Para que isso aconteça, você precisa trabalhar com relativa rapidez porque essa tinta começará a secar imediatamente quando você colocá-la no papel. Se a tinta e a primeira camada secarem antes de você cair na cor mais escura, essa segunda cor não se expandirá para essa umidade. Estas são formas bem pequenas que estamos pintando , então temos que ficar por dentro do controle da água. Se você entrar com muita água em suas cerdas de pincel de pintura ou cair demais de qualquer uma das suas cores que você está caindo, você pode começar a perder o controle. Toda vez que você entrar em seu recipiente de água, certifique-se de raspar suavemente as cerdas do seu pincel ao longo da parte superior do recipiente para que o excesso de água possa escorrer. Garante que o tamanho do pincel que você está usando seja apropriado para esses tamanhos dessas formas que estamos pintando. Continue também se ajudando com sua toalha absorvente. Ao longo do caminho, você vai notar que estou constantemente tocando a ponta do meu pincel na minha toalha absorvente para ter certeza de que não vou entrar com muita água. Aqui você está me vendo fazer um levantamento. O levantamento é uma técnica muito útil. Sempre que você sentir que caiu em cores saturadas demais em qualquer área, ou aquela cor mais escura que você está deixando cair em sua cor mais clara está se expandindo muito rapidamente e cobrindo completamente essa cor mais clara anterior, você pode remover imediatamente essa dor das cerdas do pincel, remover o excesso de água tocando a ponta das cerdas em sua toalha absorvente e entrar para fazer um pouco de levantamento desse excesso de cor usando suas cerdas de pincel como uma pequena esponja absorvente. Você também pode entrar com a toalha absorvente. Contanto que você faça isso rapidamente e enquanto a tinta ainda estiver molhada, você será capaz de levantar pouco desse excesso de cor, revelando um pouco mais dessa cor mais clara embaixo e iluminando certas seções que você talvez acidentalmente escureceu demais. levantamento pode realmente ajudar você a adicionar dimensão de volta áreas que talvez pareçam um pouco pesadas demais ou muito planas. No final do dia, o principal será criar uma variedade de cores e valor em todas essas diferentes partes da flor. Depois de terminar com a seção central dessas flores, estou começando a pintar nas pétalas. Quando comecei a pintar as pétalas, essas seções centrais já estavam secas. Se seus marrons não estiverem completamente secos e você começar a pintar nas pétalas, esses marrons podem começar a sangrar em suas pétalas amarelas e laranja. Se você não quer que isso aconteça, espere um pouco mais para que essas seções de marcas centrais secem alguns artistas como a aparência desse sangramento. Depende totalmente de você e dos seus gostos. Eu me certifiquei de remover todo o marrom das cerdas do meu pincel antes de usar meu amarelo e minha laranja. Porque novamente, se você tiver castanho em suas cerdas de pincel que você não removeu, esse marrom vai começar a infiltrar-se se misturam com essas cores mais brilhantes e vai silenciá-las ou dessaturá-los. Estamos à procura de cores vibrantes brilhantes, especialmente para as pétalas. Mas o método que estou usando para pintar nas pétalas e todas essas diferentes áreas da flor é exatamente o mesmo. Primeiro vou entrar com uma cor mais clara dos dois. Neste caso, é o amarelo. Embora essa camada de cor inicial mais clara ainda esteja molhada, estou caindo um pouco da cor mais escura, que é neste caso a laranja. Estou sendo muito irregular sobre onde deixo cair na minha laranja, mas é útil pelo menos reconhecer quais seções dessas pétalas seriam mais escuras. Você pode soltar a segunda cor nessas áreas. Talvez onde você tenha pétalas sobrepostas umas sobre as outras, criando sombras umas nas outras, ou apenas levando em conta a curva e a estrutura das pétalas, você pode decidir onde cair em sua cor mais escura. Agora, se você achar que sua tinta está secando muito rapidamente antes de cair em sua segunda cor, algo que poderia ajudá-lo a passar suas cerdas de pincel sobre toda a área 2-3 vezes com essa primeira cor antes de cair na próxima cor. Isso ajudará essa camada inicial ficar mais úmida por um pouco mais e tornaremos muito mais provável que você chegue a esses gradientes agradáveis e macios e difundidos. Em outras palavras, leve uma pintura um pouco mais longa na primeira cor mais clara. Passe suas cerdas de pincel sobre essa forma 2-3 vezes e, em seguida, vá em frente e caia na segunda cor. À medida que você avança pelo processo de pintura, certifique-se de continuar a notar a consistência de suas misturas de cores no paladar. Lembre-se de que você quer uma boa quantidade de cor neles, mas também uma boa quantidade de água neles. Você realmente quer brincar com a translucidez do médium. Se alguma dessas seções de suas flores que você pintou até agora parecer muito pesada, muito plana ou talvez até muito escura. Provavelmente significa que você precisa usar um pouco mais de água. Estou quase terminando a pintura nas pétalas aqui. Depois de terminar as pétalas, vou passar para pintar nas hastes e nas folhas. O mesmo vale para as hastes e as folhas. Vou remover todo esse amarelo e laranja para minhas cerdas de pincel, e então vou começar com o verde mais claro primeiro. Enquanto o verde mais claro inicial ainda estiver molhado, vou seguir em frente e cair no meu verde mais escuro. Como as hastes são tão estreitas, quero ter certeza de pintá-las usando apenas a ponta do meu pincel. Quando se trata das folhas em si, porque são formas maiores, posso pressionar a barriga do meu pincel um pouco mais. Algo que você vai notar é como eu deixo uma pequena pequena forma de destaque sem pintura nas minhas folhas. Essas formas de destaques que eu realmente não planejei que elas acontecessem organicamente, pois estou movendo meu pincel rapidamente e de maneiras diferentes. Tudo volta à ideia de que eu estava compartilhando com você em outra classe em que estamos trabalhando com aquarela, é muito importante ver como podemos incorporar isso brilho do papel sob a tinta como parte da peça. Estou usando esse papel para ficar no lugar para meus destaques. Isso vai me ajudar não só expandir essa gama de valores que estou tentando desenvolver através do uso de cores diferentes e translucidez diferente é porque lembre-se que é essa faixa de valores que incorporam áreas de luz mais claras, áreas de tom médio e áreas mais escuras que nos ajudarão a desenvolver dimensão e um certo nível de realismo nesta peça solta. Mas ao incorporar esse brilho do papel, também poderei chegar àquele belo visual brilhante que é particular para esse meio. Só terminando com os toques finais com meu verde mais escuro aqui. Com isso, vou acabar com esta peça floral de tinta solta e aquarela. Estou super animado para começar com nossa segunda peça floral de mídia mista final, que será a peça de rosas selvagens. As técnicas e o processo geral dessas três peças finais serão exatamente os mesmos, o que é incrível porque realmente nos dá a oportunidade de aprimorar o processo, para realmente pratique e resolva quaisquer pequenas coisas com as quais você possa estar lutando e até mesmo para tornar esse processo seu. Meu amigo então, quando estiver pronto, vejo você na próxima aula. 10. Linhas e lavagens de flores soltas 10: Ei amigo, bem-vindo de volta. Esta é a classe número 9 neste curso. Vamos trabalhar na caneta de rosas selvagens e na peça de lavagem em aquarela. Como mencionei em nossa última aula, as técnicas e o processo geral serão exatamente os mesmos que com a peça de flor cônica. Claro, a secagem das flores, as cores que vamos usar e a composição em si será diferente. Sem mais delongas, vamos avançar e pular direto para a fase número 1, que será a fase preliminar de esboço a lápis . Você quer desenhar levemente, que você possa apagar seus erros ao longo do caminho, para que você não veja seu lápis funcionar através de sua caneta e tinta e sua tinta no final desse processo. Além disso, você não arranhe ou danifica seu papel. Lembre-se do objetivo desta fase inicial. Estamos colocando os ossos e as bases para tudo o que está chegando a seguir. Estamos nos concentrando em utilizar nosso espaço de desenho de forma eficaz. Queremos ter certeza de que as formas que estamos colocando não são muito grandes, que elas pareçam apertadas neste espaço e não muito pequenas que tenhamos um monte de espaço negativo vazio ao redor delas. Também é importante que nesta parte do processo estejamos pensando em acertar as proporções das flores. Em outras palavras, os tamanhos dessas diferentes partes dessas flores têm que fazer sentido em relação umas com as outras. Levando em conta, é claro, tudo o que aprendemos para rosas selvagens. Também queremos ter certeza de que estamos trazendo à mente as formas básicas que praticamos na classe número 6 para essa flor em particular. Que eles mostram perspectivas ou variações ligeiramente diferentes das flores, para que nossa peça pareça interessante e tenha uma aparência natural. Também queremos pensar em arranjo composicional. É por isso que não quero desenhar essas flores em linha reta. Não quero colocar nenhuma flor em particular no centro. Vou tentar usar outro arranjo triangular aqui, que eu possa criar equilíbrio assimétrico e manter os olhos do espectador fluindo pela peça. Mais uma vez, trouxe à mente as formas básicas que usei para simplificar e visualizar essa flor em particular quando estávamos praticando desenhar essas flores inicialmente na classe número 6. Mais uma vez, para a rosa selvagem, temos um círculo dentro de outro círculo e temos uma forma de guarda-chuva ou semicírculo. Assim como com a peça de flor de cone em que acabamos de trabalhar antes, distorci um pouco ou inclinei essas formas básicas. Para a flor superior, esmagei esse círculo e o transformei em uma forma mais oval ou elipse. Mas quando se trata da flor no meio, inclinei um pouco essa forma de guarda-chuva. Isso é para que essas flores possam parecer um pouco mais naturais e eu possa ficar longe da rigidez ou formas que são um pouco organizadas demais para parecer realista. Eu adicionei uma nova variação dessas flores na parte inferior. Você pode ver como eu adicionei em uma forma oval menor. Essa é a forma básica que vou transformar em um pequeno bulbo de rosa selvagem. Achei que isso seria um ótimo complemento para a peça que adicionaria variedade e interesse a essa composição. Acabei de lembrar como são as lâmpadas de rosa e depois escolhi uma forma básica para estabelecer que eu possa passar para a próxima parte desse processo. Uma vez que essas formas básicas foram colocadas na minha área de desenho, era hora de dividi-las em formas de tamanho médio. Vou entrar e dividir este oval maior em cinco ovais menores que vão ficar no lugar para as pétalas que vou tentar em seguida. Estou me lembrando de todas as características das rosas selvagens sobre as quais aprendi quando estava observando essas fotos de referência. Estou me lembrando da forma dessas pétalas, o tamanho dessas pétalas e seu número aproximado. Rosas selvagens têm cinco pétalas maiores e muito arredondadas que têm bordas irregulares ao longo do topo. Agora estou mantendo as coisas super simples. Não vou criar essas bordas irregulares até mais tarde. Bem aqui, estou começando a adicionar um pouco mais de detalhes no Rose Bowl. Eu adicionei em uma linha curva que essas podem parecer pétalas separadas lá e também algumas folhas. Era então a hora de começar adicionar as hastes e as folhas. Lembre-se de que as hastes têm que parecer que estão presas à parte central da flor. Mas, ao mesmo tempo, você deseja adicionar pequenas curvas que você pode ficar longe da rigidez. Quando chegou a hora de adicionar as folhas, trouxe à mente o que aprendi a ser verdade sobre as folhas de rosas selvagens. Lembro-me de que eles são um pouco mais curtos, são pontudos no final, têm bordas dos dentes e há várias folhas saindo de um mesmo caule. Vou criar essas bordas irregulares de dentes mais tarde com minha caneta e tinta. Estou mantendo as coisas simples aqui. Novamente, você pode considerar essas folhas como elementos de suporte secundários. As próprias áreas de pétalas são os principais pontos focais desta peça. Mesmo que definitivamente queiramos adicionar algumas folhas, não queremos exagerar com o valor. Ao adicionar as hastes e as folhas, observe quais elementos estarão se sobrepondo ou cobrindo outros elementos por trás deles. Dessa forma, quando você está pintando as coisas, há menos chances de você estar rastreando certas seções que não devem ser visíveis no final. Meus amigos. Vamos entrar na fase número 2, que é a fase caneta e tinta. Lembre-se dos objetivos desta fase. Estamos rastreando nosso trabalho a lápis, definindo bordas e adicionando em detalhes que não adicionamos. Você vai notar, por exemplo, que eu adiciono as bordas irregulares nas seções exteriores dessas pétalas. Também adiciono mais detalhes na seção central da flor onde quero descrever essa textura. Lembro-me de como as rosas selvagens têm a pistola e o estame naquela seção central. Penso em quais tipos específicos de marcas podem me ajudar de forma rápida, fácil e mínima, descrever esses elementos. Eu fui com linhas curtas com um loop no topo. Só me certifiquei de que essas pequenas marcas que adicionei tivessem muita variação nos tamanhos nas orientações. Às vezes, o loop estava para a direita, outras vezes o loop estava para a esquerda. Alguns deles estavam apontando para o lado, alguns deles estavam apontando para baixo, etc. Uma vez que eu adicionei esse detalhe, desci a peça. Assim como com a peça de flor de cone anterior, eu me certifiquei de ter a variação do peso da linha em mente. Quero ficar longe da aparência de contornos pesados, grossos e ousados e daquele tipo de visual de desenho animado da página do livro para colorir. Estou mantendo-o em movimento e estou mantendo-o fluindo. Quaisquer imperfeições, oscilações, irregularidades que acontecem ao longo do caminho, eu apenas abraço e continuo. Você pode ver como algumas seções das minhas linhas nem estão se conectando. Estou lembrando essas quatro variáveis que me ajudarão a alcançar uma variação de peso de linha ao longo do meu trabalho. Estou usando apenas uma mesma caneta para todas essas peças, mas estou mudando e mudando a pressão que estou exercendo sobre minha caneta, o ângulo em que estou usando minha caneta e a velocidade em que estou me movendo minha mão e meu braço. Aqui você pode me ver adicionando a borda do dente nessas folhas. Estou sendo muito cuidadoso e me certificando que esses pequenos fins pontudos são todos consistentes e apontando para a mesma direção eles deveriam estar apontando para a qual está longe da flor. Este é um detalhe desafiador para adicionar para mim pessoalmente. Quando se trata desse tipo de detalhe, sempre me vejo olhando para trás minhas fotos de referência apenas para ter certeza de que estou adicionando os detalhes corretamente. Portanto, se em algum momento você achar útil olhar para essas fotos de referência novamente, ou mesmo fotos extras que você encontrar para si mesmo, reserve tempo para isso antes de desenhar esses detalhes. Então, finalmente, estou adicionando essa veia central nas folhas. Tentei tornar essa veia central um pouco mais leve em peso visual do que os contornos externos dessas folhas. Então, depois que terminei, permiti que tudo secasse completamente. Eu recomendaria permitir que 10-15 minutos passassem antes de apagar sua grafite porque ele pode entrar com minha borracha de grafite macia para apagar todo o meu trabalho de lápis com muito cuidado, e então em vez de usar minha mão para tirar o pó desses pedaços de borracha, fui em frente e usei minha toalha absorvente seca que vou usar para o meu processo de aquarela. Dessa forma, não recebo nenhum óleo de mão no meu papel e aqui mesmo antes de avançar, decidi adicionar algumas linhas e marcas extras nessas pétalas para comunicar um pouco de dimensão e textura nessas pétalas. Você pode ver como eu fiz a mesma coisa que fiz com a peça de flor de cone para essas linhas. Eu me certifiquei de me mover rápido e exercer uma pequena quantidade de pressão no meu papel com minha caneta para que essas linhas e marcas pareçam muito mais leves do que as linhas que criam os contornos externos dessas formas de pétalas. Com isso acabei com minha fase de caneta e tinta. Agora é hora de passar para a fase número três, que é a fase de lavagem em aquarela. Já selecionamos as cores específicas que vamos usar para esta peça, e queremos ter certeza de que preparamos o suficiente de nossas diferentes misturas de cores em nosso paladar e que o consistências com as quais as criamos serão adequadas para o tipo de trabalho que estamos fazendo hoje. Então, queremos uma boa quantidade de misturas de cores suculentas e suculentas para todas essas cores diferentes que precisamos. Estamos à procura de cerca de 50% de água, 50% de pigmento nessas misturas para que possamos carregar ou pincelar bem e fazer nosso trabalho de cor em apenas uma camada. No topo da minha área de mistura, estou preparando meus dois verdes diferentes, meu verde mais claro e meu verde mais escuro. O verde mais claro é novamente uma mistura de verde submarino e entrega uma luz amarela. O verde mais escuro é verde submarino simples com um pouco de água nele. Na parte inferior, preparei meu roxo e meu rosa. Meu roxo é quinacridona rosa com um pouco de ultramarino francês nele e a mistura rosa é rosa quinacridona simples com um pouco de água. Para meus marrons, que eu preparei do outro lado da minha área de mistura. Estou usando ocre amarelo liso com um pouco de água e sienna queimada simples com um pouco de água nele. Terminando de trabalhar nessas misturas de cores aqui e quando estiver pronto com todas as cores que preciso, é hora de começar com o processo de pintura. Vou usar meu pincel redondo tamanho 10 para tudo. Vou começar novamente com a seção central desta flor que vemos no topo, sempre trabalhando de luzes a escuros. Então, como você pode ver, eu comecei com meu ocre amarelo, que é meu marrom dourado mais claro. Eu pintei essa seção central e, em seguida enquanto aquele marrom mais claro inicial estava lá ainda molhado, eu caí em um pouco do meu marrom mais escuro. Então esta é a única flor mostrando essa área central. Então eu fui em frente e removi todo aquele marrom das cerdas do meu pincel e comecei a pintar essa rosa selvagem abaixo dela. A razão pela qual eu saltei para trabalhar nesta rosa selvagem em oposição a pintar nas pétalas no topo imediatamente, é porque se eu tivesse começado a pintar nas pétalas cor-de-rosa no topo, aqueles marrons nessa seção central que acabei de pintar ainda estão molhados. Eu poderia arriscar aqueles castanhos sangrando em minhas rosas e meus roxos. Então, se você não quiser que esse sangramento aconteça, certifique-se de permitir que a seção central seque completamente antes de pintar nas pétalas. Então o que estou fazendo aqui é que entrei pela primeira vez com meu avião quinacridone rosa, minha cor rosa, que é o mais claro dos dois que eu usaria para as pétalas e enquanto aquela camada inicial mais leve ainda está molhado, entrei em um pouco de roxo aqui e ali para escurecer certas seções dentro disso. Porque estou caindo no roxo enquanto o rosa inicial ainda está molhado, estou recebendo essas transições suaves e borradas entre minhas cores. Novamente, se você está descobrindo que sua camada inicial está secando um pouco rápido demais e você não está obtendo essas transições agradáveis entre suas cores quando você cair em sua cor mais escura, basta gastar um um pouco mais longo nessa camada inicial. Passe suas cerdas de pincel sobre toda essa forma usando sua cor mais clara duas a três vezes e isso fará com que a camada inicial demore um pouco mais para secar. Então essa seção central na flor superior já estava bem seca e eu poderia ir em frente e pintar as pétalas no topo. Então, o mesmo processo aqui. Estou primeiro pintando no rosa e depois estou caindo no roxo para criar uma boa variação na cor e no valor. Continuo a pintar de forma agradável e rápida e usando apenas uma única camada. Estou permitindo que essa tinta faça suas coisas e abraçando os efeitos irregulares orgânicos que acontecem ao pintar com este meio. Não vou voltar a nenhuma área e tentar aperfeiçoar nada, porque isso provavelmente vai achatar tudo e é muito mais provável que eu chegue a resultados sobrecarregados. Estou caindo na minha cor mais escura, que é meu roxo de uma forma muito irregular, certificando-se de que não estou criando padrões ou formas de aparência gritante com meu roxo. Claro, é útil visualizar onde as pétalas estão se sobrepondo umas sobre as outras e criando pequenas sombras umas nas outras e trazendo à mente as curvas e a estrutura do as próprias pétalas para que você possa cair nessa cor mais escura nas seções onde faria sentido que você tenha alguma sombra. Dito isto, você não precisa apenas aplicar o roxo nessas áreas de sombra, porque quando se trata de flores, há muita variação natural de cor e valor ao longo de suas pétalas. Então, contanto que você mantenha as coisas irregulares, você terá ótimos resultados, especialmente para o estilo de arte que estava acontecendo. Como as consistências das minhas misturas de cores na minha paleta têm uma boa quantidade de pigmento nelas, sou capaz de aplicar cores vibrantes suficientes no meu papel que não sinto a necessidade de entrar com um segunda camada. No entanto, há uma boa quantidade de água nessas misturas também para que minha tinta não seja aplicada super grossa, que pode levar a muito peso e nivelamento em uma pintura. Sempre queremos ter certeza de que estamos trazendo translucidez em aquarelas para criar pinturas claras e brilhantes. Portanto, certifique-se de que você está usando água suficiente. Se você aplicar sua tinta muito saturada e muito grossa, isso muitas vezes levará a peso e nivelamento. Lembre-se sempre de incorporar esse brilho do papel como parte da peça e a maneira fazemos isso é usando a translucidez dos médiuns e mudando as proporções tinta para água em nossa misturas de cores. Outra maneira de fazer isso é incorporar destaques onde esse papel é deixado brilhando através da tinta descoberta ou não pintada. Então eu terminei de pintar as seções de pétalas para todas essas flores e você provavelmente pode dizer como eu deixei pequenas seções de papel brilhando e pequenas formas aqui e ali. Essas pequenas formas de destaque acontecem naturalmente quando eu estava pintando nessas pétalas e mudando e mudando a maneira como eu estava usando meu pincel ao longo do caminho. Acabei de deixá-los acontecer e deixei-os lá porque sabia que eles se pareceriam com pequenos destaques. Você vai ver isso acontecendo nas folhas também. Depois de terminar com as pétalas, era hora de enxaguar todas essas cores para minhas cerdas de pincel e começar com meus verdes. Como você pode ver, estou usando o mesmo processo que uso para a peça de flor de cone primeiro pintando no verde mais claro e depois caindo no meu verde mais escuro em certas seções que eu queria escurecer dentro dessa luz maior, forma verde. Então, estou terminando com as folhas aqui. Você vai notar que nesta seção inferior, onde eu tenho muitas hastes e folhas sobrepostas, sou cuidadoso com a ordem em que abordo essas formas porque sei que o molhado a pintura pode começar a sangrar em novas formas que eu pinto ao lado delas ou ao lado delas. Assim, você sempre pode pular para permitir que a forma anterior seque e depois volte para aquela área que você precisa pintar ao lado dela. Essas formas também são relativamente pequenas, então estou sempre me ajudando com minha toalha absorvente, colocando as cerdas do meu pincel nela e me certificando de que eu não estou trazendo muito água do meu recipiente. Lembre-se de que você também pode usar as cerdas limpas do seu pincel como uma pequena esponja absorvente sempre que você colocar muita água no papel. Com isso, acabei com este pedaço de rosas selvagens. Eu realmente espero que você tenha gostado trabalhar nesta e estou animado para passar para a última peça em que vamos trabalhar juntos, que será a peça do narciso. Leve seu tempo terminando este e praticando o que for que você precisa praticar e eu te vejo no próximo. 11. Linhas e lavagens de flores soltas 11: Olá amigo. Bem-vindo de volta a esta última aula, que vamos trabalhar em nossa última peça juntos, que será a caneta e lavará a peça do narciso. Espero que até este ponto você já esteja bem familiarizado com o processo e as técnicas que vamos usar. Toda a estratégia e as fases serão as mesmas que apenas com as últimas peças, é claro, desta vez estamos desenhando narcisos. Que é como vimos naquela classe em que mostrei como desenhar os três tipos diferentes de flores, uma estrutura muito diferente. Esta flor tem características muito particulares que a tornam diferente das outras flores que desenhamos até agora. O desenho será diferente, as cores serão diferentes e, em geral, a composição também será diferente. Traga à mente as particularidades, as características, tudo o que aprendemos sobre este tipo de flor na classe Número 6 quando compartilhei essas fotos de referência com você. Porque mesmo que estejamos indo para um tipo de peça solto relativamente simples, ainda queremos fazer com que elas pareçam narcisos. Lembre-se de sua estrutura geral, lembre-se de sua forma e tamanhos, e número aproximado de suas pétalas, lembre-se daquele cone de trompete ou estrutura de megafone muito particular que eles têm em sua centra, e lembre-se do tipo de folha que eles têm. Vamos pular direto para a fase Número 1, que é nosso esboço a lápis preliminar. Nesta fase, estamos nos concentrando em algumas coisas diferentes. Estamos nos concentrando em estabelecer essas formas básicas que nos permitirão simplificar e visualizar as flores que vamos desenhar. Também estamos nos concentrando em criar uma grande proporção nessas flores, portanto, certificando-se de que os tamanhos e as localizações de suas diferentes partes façam sentido em relação uns com os outros. Um objetivo para esta fase também é utilizar nosso espaço de desenho de forma eficaz. Queremos ter certeza de que essas formas preliminares que criamos para nós mesmos são de um ótimo tamanho. Que eles não são muito pequenos e não muito grandes para que não pareçam muito apertados nesta área de desenho ou flutuando em muito espaço vazio negativo ao redor deles. Também queremos pensar neste ponto do nosso arranjo composicional. Queremos garantir que a localização desses diferentes elementos no espaço seja interessante se olhar e de alguma forma equilibrada. Quero ter certeza de que estou desenhando levemente que eu possa apagar os erros para que meu trabalho de grafite não fique visível através da minha caneta e tinta na minha aquarela no final, e para que eu não danificar ou arranhar meu papel. Agora, para esta peça de narciso, porque essas flores definitivamente têm uma estrutura maior e mais complexa para elas, decidi apenas trazer duas em vez de três. Porque acabei de trazer dois, não consegui criar outro arranjo triangular. Eu decidi ir com uma curva. Assim como com as outras duas flores naquela versão simplificada em que estávamos vendo essa flor diretamente de cima, também a simplificamos em dois círculos básicos, um círculo menor dentro de um círculo maior. Quando vistos de uma perspectiva lateral ou de perfil, vimos aquela estrutura cônica ou de megafone, e tínhamos uma forma oval muito plana abaixo dela. Ao entender o que essa estrutura se parece quando vista diretamente de cima e de uma perspectiva lateral ou de perfil, posso visualizar mais facilmente o que essa flor em particular ficaria como quando visto de outras perspectivas. Como você pode ver, esses dois narcisos excessivamente simplificados que criei estão em algum lugar entre as duas perspectivas que praticamos naquela primeira classe de desenho. Eles estão em algum lugar entre a vista superior e a vista do perfil. Eu distorci esses círculos, esmaguei-os levemente e transformei ambos em uma forma mais oval ou elipse, e também os inclinei para que eu possa criar esse arranjo curvo. Porque neste caso esses narcisos estão ligeiramente inclinados para nós, tive que abrir o oval superior dessa estrutura cônica um pouco mais. Em outras palavras, somos capazes de ver esse cone um pouco mais dessa perspectiva. Também me certifiquei de que o narciso no topo fosse um pouco maior que o narciso abaixo dele. Isso me ajudaria a tornar a composição mais interessante e mais assimétrica. Uma vez que eles tinham minhas formas básicas, era hora de começar a dividir esses ovais em formas de tamanho médio. Começamos a desenhar as pétalas. Lembrei-me que os narcisos têm seis pétalas, e também me lembrei do tamanho e da forma deles. Lembrei-me que eles eram redondos e um pouco mais bonitos no final. Eles têm bordas relativamente lisas, portanto, não há irregularidade irregular em nenhum lugar. Você pode me ver trabalhando para dividir essa forma oval ou elipse maior em seis formas menores. Enquanto estou desenhando essas pétalas simplificadas, estou realmente visualizando quais pétalas eu seria capaz de ver se estivesse vendo esse narciso dessa perspectiva e quais essas formas para essas pétalas ficaria parecendo, e me perguntando se eu estava vendo essa flor dessa perspectiva, como essa estrutura cônica bem no centro da flor encobriria bem no centro da flor encobriria aquelas pétalas mais distantes longe de mim por trás dessa pequena estrutura. Que forma eu veria para aquelas pétalas que estão mais distantes e que estão sendo cobertas por outras pétalas ou por essa estrutura central? Lembre-se de como essas pétalas se curvam e como estão todas conectadas à parte central da flor. Estou muito feliz com as formas que criei para essas pétalas. Eu adicionei um pouco mais de detalhes no topo desses cones em ambas as flores. Isso é para que eu possa dizer onde está o lábio superior dessa estrutura cônica. Isso é algo que eu definitivamente quero detalhar quando estou fazendo meu trabalho com caneta e tinta. Adicioná-lo com lápis primeiro facilitará esse processo para mim. Se você quiser adicionar mais detalhes com seu lápis antes de começar com seu lápis antes de começar uma fase de caneta e tinta, por todos os meios, você pode ir em frente e fazer isso, apenas certifique-se de continuar desenhando levemente para você pode apagar seu trabalho de grafite. Depois de acrescentar isso, era hora de desenhar as hastes para minhas flores. Para as hastes, mais uma vez me certifiquei de que eles pareciam estar presos à base daquela seção de pétala. Quero ter certeza de que eu inicio esse caule logo abaixo daquela seção central da flor. Mas você pode ver como eu incorporei, mais uma vez , muitas curvas a essas hastes para que elas possam parecer muito mais naturais. Eu não queria criar linhas perfeitamente verticais ou qualquer coisa assim que levasse a muita rigidez. Finalmente, era hora de adicionar as folhas longas e estreitas para esses narcisos. Acabei de adicionar três folhas e me certifiquei de que algumas delas eram mais altas e algumas delas fossem mais curtas e que elas estavam curvando-se ligeiramente de maneiras diferentes. Variedade e irregularidade são fundamentais. É hora de começar com a fase Número 2, que é a fase caneta e tinta. Lembre-se do objetivo dessa fase. Era para definir bordas e adicionar detalhes. Assim como nas duas últimas peças, você quer realmente criar uma variação de peso de linha em seu trabalho e certificar-se de que está mantendo-a em movimento, mantendo-a fluindo. Abrace quaisquer oscilações, imperfeições, quaisquer irregularidades que acontecem ao longo do caminho enquanto você está rastreando seu trabalho de lápis. Você pode ir em frente e adicionar mais irregularidade e trabalho detalhado. Por exemplo, aqui, você pode me ver adicionando bordas mais irregulares ao longo da parte superior dessa estrutura cônica ou de megafone. Também estou adicionando no pistilo e no estame, os tipos de linhas ou marcas que adiciono para o pistilo e o estame são muito semelhantes aos que usei para a rosa selvagem. Estas são linhas com um pequeno loop na parte superior. Bem aqui eu decido também adicionar um pouco mais de detalhes dentro das pétalas adicionando algumas linhas muito irregulares. Assim como o que fiz com as duas últimas flores. Essas linhas que adiciono para textura e dimensão dentro das pétalas são muito mais leves em peso visual do que as linhas que criei para os contornos externos dessas pétalas. Eu os fiz parecer muito mais leves e finos, simplesmente movendo minha mão e meu braço muito mais rápido e exercendo menos pressão sobre minha caneta enquanto eu estava desenhando essas linhas e marcas. Bem aqui, você vai me ver girar meu papel aquarela para que eu possa fazer meu trabalho de tinta neste narciso inferior. Observe como estou mantendo minha linha e minha marcação consistentes em toda essa peça. Ou seja, se eu me comprometi com tipos específicos de linhas ou marcas, eu me certifico de usar essas linhas e marcas específicas para ambas as flores. Isso é importante para que todas essas diferentes seções desta peça pareçam bem integradas. Só estou fazendo meu rastreamento sobre essas folhas longas e estreitas. Com isso, vou acabar com meu trabalho de caneta e tinta. Finalmente, era hora de permitir que tudo secasse completamente para que eu pudesse apagar todo o meu trabalho a lápis. Eu recomendaria permitir que sua tinta seque por cerca de 15 a 20 minutos antes de fazer qualquer apagamento. Além disso, tente não tirar o pó desses pedaços de borracha com a mão. Sugiro usar uma toalha de papel de cozinha comum ou se sua toalha absorvente que você usa para sua pintura em aquarela estiver seca, você também pode usar isso. Se você usa sua mão, óleos que você tem em sua pele podem entrar em seu papel aquarela e isso pode criar splotchiness mais tarde quando você estiver pintando. Então, tenha cuidado com isso. Finalmente chegou a hora de fazer nossa pintura em aquarela para esta peça final do narciso. Já selecionamos as cores que vamos usar para este. Tal como acontece com as duas últimas peças, é muito importante que criemos uma boa quantidade de misturas de cores suculentas para nós mesmos antes de começar com o processo de pintura. Lembre-se de que a consistência e a quantidade de suas misturas de cores no paladar precisam estar logo antes de começar a pintar para que você possa carregar bem o pincel e trabalhar rapidamente. Ainda usando meu pincel redondo tamanho 10, estou preparando essas misturas de cores para mim. Vou precisar de quatro misturas de cores diferentes para esta peça de narcisos. Aqui, começando pela parte inferior, essa cor laranja é luz amarela Hansa e um pouco de nova gama. Logo acima, tenho luz amarela Hansa simples com um pouco de água nele. Os dois verdes no topo são os dois verdes que eu tenho usado o tempo todo. Meu verde mais escuro é verde submarino com um pouco de água nele. O verde mais claro é verde submarino mais um pouco de luz amarela Hansa adicionada. Esses narcisos não têm uma cor acastanhada para essa área central. Essa estrutura cônica central, vou pintar com uma cor amarela, laranja. As pétalas ao redor serão pintadas primeiro com o amarelo e depois vou cair um pouco da laranja amarela. Depois de pintar essa seção central aqui, estou fazendo um pouco de levantamento. Removi toda aquela laranja para minhas cerdas de pincel. Removi o excesso de água esfregando as cerdas com meu pincel na minha toalha absorvente. Entrei e usei minhas cerdas como uma esponja absorvente para pegar um pouco de pigmento em excesso. Estou fazendo isso aqui também. O levantamento é uma ótima técnica sempre que você sente escureceu demais uma seção ou quer desenvolver valores mais leves e translúcidos em uma área. Você sempre pode entrar e fazer seu levantamento com cerdas limpas e levemente úmidas do pincel ou até mesmo entrar com sua toalha absorvente e levantar um pouco desse excesso de tinta para revelam um pouco mais desse papel por baixo. Isso adicionará dimensão de volta a essa área. Depois de ter pintado naquelas seções centrais mais laranjadas para esses narcisos, agora estou pintando as pétalas ao seu redor. Assim como com as últimas flores, vou entrar com minha cor mais clara primeiro, criando essa camada inicial mais clara. Embora essa camada inicial mais clara ainda esteja molhada, eu deixo cair na minha segunda cor mais escura para escurecer seções menores dentro dessa forma maior e mais clara. Estou mais uma vez visualizando onde essas pétalas estariam criando um pouco de sombra umas nas outras e soltando essa cor mais escura nessas áreas. Certifique-se de soltar sua segunda cor de uma forma muito irregular. Se essa camada inicial mais leve começar a secar em você muito rápido, lembre-se de gastar um pouco mais pintando nessa primeira camada mais clara. Passe suas cerdas de pincel sobre toda essa forma duas a três vezes. Isso fará com que a camada inicial de seca um pouco mais devagar, de modo que, no momento em que você cair na segunda cor, essa segunda cor se dissipe suavemente no amarelo embaixo dela, criando transições agradáveis, suaves e borradas. Se essa cor inicial secar em você, esses efeitos não vão acontecer. Faça o seu melhor para cair nessa segunda cor com confiança e não entre e comece a mover a tinta depois que ela for colocada no papel. Tente abraçar os efeitos orgânicos irregulares que a aquarela cria e não vá para mover sua tinta a menos que você realmente precise. Sempre que entro para fazer um pouco de movimento e suavização da cor que coloquei no papel, faço isso com muita gentileza e minimamente. Estou terminando pintando as pétalas aqui. Finalmente, estou pintando nas folhas com meus verdes. Primeiro entrei com um verde mais claro e enquanto o verde mais claro inicial ainda estava molhado, eu caí em um pouco de verde mais escuro, onde queria criar um pouco de efeito de sombra. Por exemplo, logo abaixo dessa grande estrutura de pétala, acrescento um pouco de verde mais escuro e também onde as hastes e as folhas sobrepõem umas sobre as outras. Tenho muito cuidado de entrar com a ponta do meu pincel nessas áreas muito estreitas. Mesmo quando estou pintando as folhas, estou me certificando de passar as cerdas do meu pincel sobre essas formas duas a três vezes antes cair no meu verde mais escuro para que eu possa ter certeza de que verde mais escuro dissipará e desfocará e criará gradientes nesse verde mais claro. Mas trabalhar rapidamente também é muito importante. Isso é algo que eu prometo que você virá até você com a prática ao longo do tempo. Com isso, acabei com esta caneta de narciso e uma peça de lavagem em aquarela. Eu realmente espero que você tenha gostado de trabalhar nessas três peças comigo e também fazer os estudos que fizemos antes. Espero que você aprenda algo novo e que use esse conhecimento e essas habilidades que você adquiriu para criar ótimas obras de arte próprias. Se você trabalhou nesses estudos e essas peças ao meu lado, certifique-se de compartilhar seu trabalho aqui na comunidade. Eu adoraria vê-lo. Parabéns por passar por essa aula e vê-lo no último vídeo. 12. Linhas e lavagens de flores soltas 12: Muito obrigado por se juntar a mim neste curso. Eu realmente espero que você tenha gostado de trabalhar nesses exercícios e projetos comigo e espero que você tenha aprendido petiscos especiais que você pode manter em sua bolsa de ferramentas e aplicar e pensar no futuro com qualquer tipo de arte em que você possa optar por trabalhar. Não se esqueça de compartilhar qualquer um dos trabalhos que você fez para este curso na guia de projetos aqui no Skillshare. Mal posso esperar para ver o seu trabalho. Ouvir a mim mesmo e continuar a arranjar tempo para minhas paixões e interesses é algo que é incrivelmente importante para mim. Quero incentivá-lo a continuar em seu caminho artístico, continuar desenvolvendo suas habilidades artísticas e sua voz artística. Eu realmente acredito que, se você for chamado para a arte, é por uma razão. Nunca deixe essa grande parte de si mesmo de lado e ignore isso. 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