Fazer música no Logic Pro X: início rápido

1. Introdução: Bem-vindo à minha aula, fazendo música no Logic Pro ten, Quickstart. Meu nome é David e sou produtor musical e designer de som. E na última década, tenho vivido e trabalhado na China. Eu faço música como guitarrista há mais de 25 anos. E eu ainda acho que nada realmente supera tocar na frente de uma platéia ao vivo. Mas nos últimos anos, também venho produzindo música para televisão e videogames como essa armadilha que você pode ouvir agora. E alguns outros como esses. O legal disso é que praticamente qualquer pessoa pode fazer isso e é realmente muito fácil começar. Então, fiz esta aula para mostrar como vou ajudar você a começar a fazer música no Logic Pro ten. Rapidamente. Veremos os fundamentos da lógica. Como formar quadras, como fazer progressões de acordes, melodias, linhas de base, drones. Como misturar adequadamente os diferentes elementos da sua alma, como usá-la. São plug-ins como reverberação, equalização e compressores. E como masterizar uma música para obter um som profissional. A melhor coisa é que você pode fazer tudo isso sem ter nenhuma experiência com o Logic Pro ou qualquer outro software de produção musical. E sem conhecer nenhuma teoria musical ou ser capaz de tocar qualquer instrumento musical. Este curso é para quem quer começar a fazer música em conteúdo lógico. Seja porque você quer começar uma carreira como produtor ou quer fazer batidas, ou quer criar músicas exclusivas para seus vídeos do TikTok e do YouTube. Ou se você está apenas procurando um novo hobby criativo e gratificante, não precisa comprar um equipamento extra caro plugins de terceiros iluminação sofisticada ou algo parecido. Você pode fazer tudo isso apenas com seu computador e uma cópia do Logic Pro Tem. Então, se você estiver pronto para começar a fazer sua própria música de qualidade profissional, nos vemos na minha aula. 2. Espaço de trabalho: Olá, obrigado por participar do meu curso. Eu realmente aprecio ter você aqui. Agora, nas primeiras aulas, vamos nos concentrar apenas nos conceitos básicos do Logic Pro ten. Porque no começo pode parecer um pouco opressor, um pouco intimidador. Então, nesta lição, vamos dar uma olhada no próprio espaço de trabalho. Vamos ver como criar faixas. Vamos fazer uma audição de alguns instrumentos diferentes. Então, quando você inicia um novo projeto no Logic Pro ten, essa é a primeira opção que surge. Escolha um tipo de faixa. Agora, por padrão, provavelmente estará no áudio, o que é muito, se você estiver usando um microfone externo ou conectando um teclado, algo assim. Vamos usar os instrumentos que vêm com a lógica. Então vá em frente e clique nos instrumentos de software no lado esquerdo. Não se preocupe com essas configurações por enquanto, você pode clicar em Criar e criar sua primeira faixa. Então, aqui podemos ver o espaço de trabalho lógico. No lado direito, você tem sua lista de faixas aqui. É aqui que seus diferentes instrumentos, suas faixas ou aparecem. Por aqui. Este é um cronograma. É aqui que as notas que você grava aparecerão. No lado esquerdo. Essa é a biblioteca. É aqui que você selecionará uma audição de instrumentos diferentes. E essa seção intermediária é o inspetor, que veremos um pouco mais tarde. É aqui que você escolherá itens como plug-ins de efeitos para alterar o som das coisas posteriormente. Agora, essas duas regiões, você pode ativá-las e desativá-las para obter mais espaço. Este fechará a biblioteca, este fechará o inspetor. Esse terceiro botão é útil. Esse é o botão Ajuda Rápida. Se você ativar isso para onde quer que aponte o cursor do mouse, essa caixa fornecerá algumas informações. Então, ele vai te dizer o que os diferentes botões fazem. Isso é muito útil quando você está começando. Então você tem sua primeira faixa e seus primeiros instrumentos. Você vai querer ouvir como soa para poder fazer um teste. Agora, se você tiver um teclado midi pressionar as teclas permitirá que você ouça. Mas se você não tiver um teclado midi, não se preocupe, você pode pressionar Command plus k e ele abrirá o que é chamado de digitação musical. Agora, isso é como um pequeno, minúsculo pedaço de teclado. E você pode ver que as teclas aqui têm as letras do teclado do seu computador. Então, se eu pressionar algumas outras teclas do computador, você pode ouvir as notas tocarem. E se você quiser descer uma oitava, você pode usar a tecla Z. E x mudará para cima. A tecla tab funcionará como o pedal de sustentação em um piano. Então, se eu tocar um acorde que é sustentado, mas talvez não seja um piano que estamos procurando. Podemos ir à biblioteca, podemos começar a ver outros instrumentos. Digamos que uma base. Talvez eu queira escrever uma base de estúdio que tenha acontecido. Ouça, um tom um pouco alto demais voltou para baixo. Ou um baixo de Liverpool vai tocar vibração do tipo Paul McCartney. Mas você provavelmente quer mais de um instrumento e, se tiver mais de um instrumento, precisará de outra faixa. Para criar uma nova faixa. Você pode pressionar este botão Plus. Aqui. Você verá que, desde o início , temos a opção de escolher um tipo de faixa. Vou criar novos instrumentos de software novamente. E isso abrirá o patch padrão, que é esse piano elétrico clássico. E eu posso alternar entre os diferentes instrumentos, faixas diferentes apenas clicando. Mas há outro instrumento muito útil que está meio que escondido na lógica e eu não sei por quê. É chamado de sintetizador de alquimia. Então, vou mostrar uma maneira diferente de escolher um instrumento e mostrar o sintetizador de alquimia. Então, vou fechar a biblioteca. E eu vou criar uma nova faixa. Desta vez, em vez do patch padrão, vou clicar na faixa de canais vazia e criar. Agora temos uma pista vazia e vazia. Você não consegue ouvir nada quando eu pressiono as teclas. E em vez de usar a biblioteca, vou até o inspetor e vou clicar nos instrumentos. E isso abrirá esse menu aqui. Agora, se você tiver alguns instrumentos de terceiros, se começar a comprar algumas bibliotecas com diferentes instrumentos amostrados, eles aparecerão aqui na parte inferior. Está meio escondido, difícil encontrá-lo primeiro. Vamos nos concentrar apenas nos que vêm com a lógica. Então, no topo, aqui você verá alquimia, clique em estéreo. E aqui está o sintetizador de alquimia. Agora, esse é um pequeno sentido realmente poderoso que vem com o Logic Pro Tem. E tem um monte de predefinições diferentes. Você pode ver aqui 3.299, então muitos sons diferentes estão acontecendo e você escolhe entre eles com este menu no lado direito. Então, se eu selecionar a primeira dentro do instrumento, existem diferentes predefinições que eles ligaram. Então, se eu clicar em um desses botões aqui embaixo, optamos por gagueira, melodia vocal. Então, eles já colocaram essas diferentes predefinições para você, mas você ainda pode brincar. Você pode mexer com essas configurações. Você não pode quebrá-lo. Faça um experimento, veja quais sons você pode encontrar. É um filtro através de outros instrumentos. Eles têm essas diferentes seções de categorias. Então, se eu estava procurando uma almofada, clicaria nas almofadas. Posso filtrar por subcategoria ou gênero. Vamos escolher um ambiente. Algo complexo acima das nuvens que , portanto, não deveriam. E, novamente, tem diferentes variações. Vamos tentar essa pista rica. Então, uma série de sons diferentes que você pode encontrar dentro da alquimia. E digamos que você encontre uma que goste, mas não seja adequada para a música específica em que está trabalhando. O que você pode fazer é atribuir uma classificação a ele. Agora, isso significa que mais tarde você pode voltar e filtrar os diferentes sons que já ouviu. Aqueles que você gostou ou não, e você pode encontrá-los rapidamente novamente. Ou você pode usar esse recurso de pesquisa se estiver procurando por um som específico. Então, agora você deve se sentir um pouco mais confiante no espaço de trabalho do Logic Pro ten. E você sabe como criar faixas e como fazer audições para instrumentos. Então, as três principais lições desta lição. Agora, mais familiarizado com o espaço de trabalho do Logic Pro Tem, dê uma olhada. Existem todos os tipos de outros recursos e funções sobre os quais não falamos. Você pode achar algumas delas úteis. Tente usar o botão Ajuda rápida para saber mais sobre os diferentes recursos do Logic Pro. E tente criar algumas faixas, adicionar algumas faixas extras ao seu projeto ou adicionar alguns instrumentos diferentes. Tente encontrar alguns sons que você goste de usar para fazer uma música. Na próxima lição, veremos como você pode definir o ritmo, como definir a contabilidade e como começar a gravar instrumentos no Logic Pro ten. Te vejo lá. 3. Gravação: Então, em nossa última lição, você analisou a audição diferentes instrumentos e a criação de faixas. Então, agora você provavelmente está pronto para começar a gravar algumas músicas em lógica. Então, nesta lição, vamos dar uma olhada nas assinaturas de tempo, definir o ritmo usando o metrônomo e começaremos a gravar em seus projetos. Também daremos uma olhada nos ciclos, para que você possa começar a usar loops com sua música para facilitar a construção diferentes camadas de instrumentos. Para gravar em lógica, tudo o que você precisa fazer é pressionar o botão vermelho de gravação na parte superior ou pressionar a tecla R no teclado do computador e ele começará a gravar. Você pode ver que as toneladas lidas do playhead começam a se mover para a direita. E para interromper a gravação, basta pressionar a barra de espaço ou o botão de parada para reproduzi-la. Sua barra de espaço novamente. Agora, quando você está escrevendo uma música, você vai querer decidir o ritmo. Isso é o quão rápido ou lento é. E você pode alterar o tempo com esse valor aqui se clicar e arrastar para cima, para poder aumentá-lo, clicar e arrastar para baixo. Você pode diminuí-lo. Aqui, o tempo, você precisa ligar o metrônomo, e isso é feito com o botão do metrônomo aqui. Agora, se eu pressionar Play, você poderá ouvir esse ritmo. E eu posso aumentá-la ou diminuí-la. Se você clicar duas vezes aqui, poderá definir um valor específico. Agora, por padrão, o projeto será em 44 horas. A maioria das músicas hoje em dia está em 44. Mas se você quiser fazer algo diferente, como uma valsa em 34, você pode alterar o compasso clicando no painel aqui. E então você pode rolar para cima, aqui estão algumas assinaturas de horário padrão, ou você pode inserir uma personalizada se estiver se sentindo um pouco diferente. Agora, porque não é fácil pressionar o botão Gravar e, instantaneamente, colocar as mãos no lugar certo para parar de tocar. Existe o que é chamado de função de contagem. Portanto, se você destacar esse botão aqui, agora, ao pressionar Gravar, ouvirá 1 barra do tempo antes de começar a gravar. E isso lhe dá tempo para colocar as mãos no lugar para se preparar e também para ter uma ideia do ritmo, como alguém contando para começar uma música. Se eu clicar em gravar agora, por padrão, você terá uma contagem de uma barra. Mas se você quisesse mais tempo, poderia clicar com o botão direito do mouse e optar por ter mais contas passadas. Agora, se, como eu, você não é tecladista muito confiante. Um truque muito útil é definir esse ritmo para algo mais lento. Então, se eu reduzir isso para 100, você grava que é um ritmo lento. E depois de gravar, você pode aumentar o ritmo novamente. Isso significa que você não precisa tocar o teclado tão rápido quanto quiser. Então, vamos tentar isso agora. Vamos tentar gravar algo um ritmo mais lento e depois acelerá-lo. Então, vou bater um recorde. Eu paro. Ok, então se ouvirmos isso de volta neste ritmo, 120. E isso foi muito mais fácil tocar porque só estava sendo reproduzido na gravação a 100 bpm em vez de 120. Então, agora que temos algumas músicas gravadas, o que podemos fazer é pedalá-las, podemos repeti-las repetidamente. E para fazer isso, podemos usar esse botão de ciclo, ou podemos clicar nessa região, ou você pode usar o botão C no teclado. Então, o que você pode ver é que essa área está iluminada. E isso significa que essa parte vai se repetir várias vezes. E podemos mover isso ou esticar a região. Eu vou fazer 8 bar. Agora, quando pressionamos Play, ele será reproduzido repetidamente por meio dessa barra de 8. Poderíamos adicionar outros instrumentos na parte superior. Então, vou adicionar o mesmo sentido, mas talvez com uma predefinição diferente. Talvez isso seja brilhante. E isso é um recorde. Basta apertar o botão de gravação. Agora você notará que ainda não chegou a tempo. Eu não tinha o metrônomo ligado. Eu não pressionei a tecla no momento certo. Então, podemos corrigir isso. Não precisamos gravá-lo novamente. Podemos corrigi-lo usando o editor. Você pode acessá-lo clicando duas vezes neste clipe ou clicando neste pequeno botão aqui. Agora podemos ver as notas que eu toquei. E você pode ver a linha do tempo. Você pode ver as barras na parte superior. Se eu quiser mudar isso, posso literalmente movê-los para a posição correta. Se eu tivesse acertado as notas erradas. Está voltando para o lugar certo. Outra coisa que você pode fazer se quiser chegar a tempo é destacar essas notas. Você pode usar o botão de quantização aqui. Agora, o que isso vai fazer é prender essa nota nas batidas ou fragmentos mais próximos de uma batida. Então, neste caso, é uma décima sexta nota. Então, se eu apertar Q agora, você pode ver que eles estão todos um pouco empurrados para que estejam na batida. Agora, tenha cuidado com a quantização porque se você fizer isso demais, se tudo estiver perfeitamente no ritmo, isso não soará realmente natural. Não parece um ser humano real. Portanto, é útil para aproximar as coisas do ritmo. E para fazer isso, você pode reduzir a força da quantização. Dessa forma, a 100% fixou o tempo de suas anotações, mas as corrigirá. Digamos que, se formos em torno de 50 por cento, será mais preciso, mas não será muito robótico. Então, vamos ouvir isso novamente e espero que isso chegue mais a tempo agora. Eu ainda não acho que esteja certo. Então, o que vou fazer é cutucar isso. Vamos tentar novamente. Agora, outra função realmente útil do Logic Pro Tem que eu gostaria de compartilhar com você é o recurso de gravação de captura. Agora está meio escondido no menu. Mas se você for até o topo e clicar com o botão direito do mouse nessa barra de menu e escolher Personalizar. Aqui você tem a gravação da captura. E se você verificar isso, notará terá um segundo botão de gravação ao lado do primeiro. E o que isso faz é, digamos que você tocou alguma coisa no teclado, gostou de como soou, mas depois pensou: “Eu perdi”. Eu não estava gravando, esse botão vai lembrar as coisas que você acabou de tocar. Então, se eu adicionar outro instrumento para demonstrar isso, vamos escolher um sintetizador principal e um sintetizador dos anos 70. E digamos que eu esteja mexendo nas chaves. E talvez eu goste do som disso. Eu apertei esse botão e você pode ver as coisas que acabei de jogar. Deixe-me silenciar esses caminhões. Eles ficam disponíveis para que você possa editá-los, movê-los, colocá-los em seu som, recurso realmente poderoso. Agora você sabe como gravar no Logic Pro ten. E você está mais familiarizado com o metrônomo definindo o ritmo usando os recursos de assinatura de tempo. O que eu encorajo você a fazer é usar o disco Functions e Logic Pro pratica um pouco. Defina o metrônomo, defina o compasso, use a contagem se você for tocar ao vivo e se acostume a usar a região do ciclo para acostume a usar a região do ciclo poder ter uma peça musical reproduzindo repetidamente em um loop para que você possa começar a adicionar camadas extras. Agora você está praticamente pronto para começar a fazer sua própria música. Mas você pode estar sentado aí pensando, bem, isso é ótimo David, mas eu não sou músico. Eu não tenho nenhuma teoria musical. Não sei como fazer esses tribunais. Na próxima lição, mostrarei uma maneira muito simples de inserir acordes na lógica que você não precisa ser, não precisa ser um especialista em música. Você não precisa ser músico ou tocar teclado. Algo mais? 4. Acordes: Nesta lição, mostrarei uma maneira diferente de colocar notas em lógica sem tocar um teclado, seja físico ou em seu computador. Eu vou te mostrar algo chamado códigos vazados, que é uma forma de você construir acordes sem conhecer nenhuma teoria musical. E então eu vou te mostrar como você pode fazer esses acordes soarem um pouco mais naturais, um pouco mais humanos, como se eles realmente tivessem sido tocados por um músico. Então, vamos começar a inserir algumas notas. Você pode ver que eu tenho um pouco de violoncelo carregado da biblioteca. Eu só vou esconder a biblioteca e vou esconder o inspetor. Então, temos um pouco mais de espaço. E então, na linha do tempo, vou clicar com o botão direito do mouse e escolher criar uma região midi. E isso nos dará um espaço em branco para começar a inserir algumas notas com apenas um byte, então vou clicar e arrastá-las para fora. Então, agora temos 4 bar. E então vou clicar no editor para abrir essa seção na parte inferior chamada rolo de piano. Vou redimensionar isso para que possamos ver o que está acontecendo. Do que a esquerda. Você pode ver as teclas do piano e a nota C é marcada a cada oitava. Se você clicar nessas notas, poderá ouvi-las tocar. Para adicionar uma nota à linha do tempo. Vou pressionar e segurar Command e depois clicar. Então você pode ver que isso criou uma nota aqui. Eu só vou encurtar isso. Então você notará aqui que temos duas pequenas dicas de ferramentas. Agora, o do lado esquerdo mostra o que o botão esquerdo do mouse fará. O do lado direito mostra o que acontecerá se você segurar a tecla Command e clicar. Então, nesse caso, estou usando a ferramenta de lápis que vai me levar a desenhar as notas. Aqui, se eu adicionar mais algumas notas. E logo à esquerda daqui, você pode ver a velocidade. Velocidade é o quão forte ou suave a nota é tocada. Se eu clicar na primeira nota, posso mudar isso e aumentar a velocidade? Você pode ver as mudanças de cor para nos mostrar que se tornou uma velocidade mais alta vai se tornar mais difícil. Neste, vou reduzir a velocidade. Agora você pode ouvir a diferença. Então, vamos tentar adicionar um acorde. Um acorde é apenas um grupo de notas juntas. Vamos começar com um acorde de C maior. Então, nosso nó raiz será C. Então eu vou clicar aqui. E agora temos o C, que são os nós raiz. Agora, se você olhar os códigos de cordão que forneci, verá que um acorde maior tem o código 047. Portanto, zero é nosso nódulo raiz C neste caso. E agora vamos contar as filas a partir daqui. Então isso é zero, aqui é 123,4. Então, vou criar uma nota aqui. E então eu vou adicionar um às sete. Então isso é 4567. E aqui temos as notas, o acorde de C maior. Então, vamos tornar esse código um pouco mais longo. Eu só vou arrastar essas notas para fora. Agora vamos tentar mudar isso para um acorde menor. E podemos ver pelos códigos de código que um acorde menor é zero, três sétimos. Então, eu poderia simplesmente mudar essa nota aqui. Nós temos o zero. Este é um 4.7 porque é importante. Mude para menor alterando isso para três. Então agora isso será um acorde em C menor. Então, usando esses códigos de código, você pode programar praticamente qualquer um dos códigos necessários para fazer uma progressão de acordes no Logic Pro. Então, vamos montar uma progressão de quatro acordes muito simples e comum, que vai em C maior, um menor, F maior, G maior. A primeira coisa que vou fazer é mudar esse acorde de C menor de volta para um maior. Então, em vez de 037, vamos para 047. Então, vou clicar e arrastar isso agora. Agora precisamos de um acorde menor aqui. Então, vou mover o esfoliante para cá. Então, para descobrir que a nota para nossa posição zero, vou contar a partir de C. Então , contando as teclas brancas, temos C, D, E, F, G, a. Então eu sei que isso é um. E eu vou para adicionar uma nota que seja zero. É menor de idade. Então 037, temos 01234567. E posso verificar se isso é menor clicando, arrastando e destacando, e depois olhando aqui à esquerda, ele me dirá o que é a quadra. Então agora eu tenho C maior, um menor. Vou adicionar um Fá maior. Vamos percorrer para ver que a chave é mais fácil. Então temos C, D, E, F. Então aqui está o zero. 1234567. E então g será apenas o OneNote a partir daí. Então, se for F, a próxima nota branca é g01 234567. Podemos verificar Isso é um G-Major. Agora, se ouvimos essa sequência, agora tenha em mente que o código codifica eu apenas dando a você o acorde básico. Eles estão te dando três ou quatro notas. Agora, em um acorde, como um músico pode tocá-lo, ele pode tocar algumas dessas notas. Então, por exemplo , neste primeiro Dó maior, podemos ter outro Dó aqui no topo. Então, teríamos quatro notas nele. Portanto, fique à vontade para adicionar notas extras, desde que estejam dentro do cordão ou reposicionar essas notas. Então você pode querer mover esta nota para baixo deste G. Ela poderia estar aqui em vez disso. E isso nos daria um som um pouco diferente. Portanto, sinta-se à vontade para brincar com os acordes dessa forma para obter vozes diferentes. Agora, não há nada de errado com essa sequência de código, mas ela não parece particularmente natural no momento. E isso porque todas as notas do mesmo comprimento e todas as notas da mesma velocidade. Então, vou fazer alguns ajustes. A primeira coisa que vou fazer é ver que essa nota C está sendo repetida no segundo e terceiro compassos. Então, vou excluí-los. E então vamos estender esse FirstNode. Isso dura mais tempo. Agora, a próxima coisa que vou fazer é selecionar todas as notas ou pressionar Command e a. E então vou entrar nas funções. Vou até Middy Transform e descer para humanizar. Isso trará esse menu aqui. Agora, esse menu vai randomizar alguns recursos diferentes. Então, primeiro de tudo, ele vai randomizar a posição de cada nó, vai randomizar a velocidade de cada nota, quão dura ou quão suave ela é. E vai randomizar o comprimento. Agora eu o configurei, então ele só vai randomizá-los em uma pequena quantidade. Você pode mexer nessas configurações para torná-las mais ou menos drásticas. Mas temos todas as notas selecionadas. Então, se eu clicar apenas em operar, você notará que todas as notas mudaram sua velocidade e mudaram ligeiramente sua duração e posição. Então, agora, quando tocarmos essa progressão, ela soará mais humana. Agora você conhece outra forma de colocar música no Logic Pro que não envolve o uso de um instrumento musical. E você sabe como manipular as notas que você tocou ou nas quais programou. Agora, as principais coisas que você pode tirar desta lição como inserir notas na lógica. Como usar códigos de acordes para transformar essas notas em acordes. E então, como manipular essas notas e acordes para fazê-los soar mais naturais. Na próxima lição, vamos dar uma olhada em algumas progressões de acordes comuns. Como você pode fazer um acorde fluir para o próximo, para o próximo e fazer com que soe como uma boa peça musical. 5. Progressão de acordes: Então, da última vez que analisamos códigos de acordes, como você pode montar acordes apenas contando uma sequência de números. Nesta lição, vamos dar uma olhada nas progressões de acordes. Vamos dar um pequeno mergulho na teoria musical. Não se preocupe, não se deixe intimidar. Tudo será apresentado de forma muito simples. Você pode usar o folheto que eu forneci sobre progressões de acordes. E vamos dar uma olhada em como fazer algo realmente musical. Portanto, uma peça musical normalmente tem mais de um acorde. E os acordes podem ser agrupados em famílias chamadas teclas. Então, no exemplo da nossa última lição com os códigos de código, começamos com um acorde de C maior. Dó maior é o primeiro acorde na tonalidade de dó maior. E há outros seis acordes nessa tecla que podemos usar, e podemos juntá-los em diferentes ordens para fazer uma progressão. Agora, no final dessa lição, sem aspas, fizemos uma progressão. Tivemos um acorde C maior seguido por um acorde a menor, seguido por Fá maior, seguido por G Maior. Agora, outra forma de dizer isso é que tínhamos um acorde seguido pelo acorde de seis, seguido pelo acorde de quatro, seguido pelo acorde de cinco. Agora você pode usar a mesma progressão em uma chave diferente. E a única coisa que mudaria seriam os acordes que você usou. Essa mesma progressão na chave de Ré maior. Nosso primeiro código será d. Um segundo acorde seria Si menor, ou o terceiro acorde seria Sol maior. E nosso quarto acorde seria um acorde maior. E teria o mesmo tipo de som, mas estaria em uma tonalidade diferente. Então, uma coisa a se notar é que, mesmo que você esteja em uma tecla maior, uma tecla maior ainda terá alguns acordes menores nela. E isso vale para teclas menores para teclas menores que terão quadsim maior. E é a relação entre esses diferentes tipos de sons que dá a cada tecla um sabor particular. Agora, a outra coisa que você pode notar é que quando chamamos um acorde, dois acordes e assim por diante, eles serão escritos com um número romano. Então, se for um acorde maior, será um algarismo romano em maiúsculas. E se for um acorde menor , será em minúsculas. Há também uma peculiar no final do sétimo acorde aqui que está diminuída. Você não precisa se preocupar com o que significa diminuição. Está se aprofundando na teoria musical. Mas esteja ciente de que você verá esse pequeno círculo acima dos seis. Agora, outra coisa a observar é que toda chave principal está relacionada a uma chave secundária e vice-versa. Então, se dermos uma olhada nessa chave principal aqui de C, e dermos uma olhada nesses acordes. E agora, se dermos uma olhada nas teclas secundárias, você verá que a primeira chave nesta lista é menor. Agora, isso é o relativo menor de C maior. E você notará que esses sete acordes são, na verdade, os mesmos acordes. Temos um menor, B diminuído, C maior, D menor. Vamos dar uma olhada em C novamente. Temos os mesmos acordes. É só que eles aparecem em uma ordem diferente. Agora, algo que você deve ter notado nesses gráficos que eu montei é que alguns dos acordes estão destacados nessa cor roxa rosada. Agora, os cordões destacados são apenas os acordes principais da tecla. Então, esses são os acordes mais importantes. Eles são aqueles em que você provavelmente vai querer começar ou terminar. Eles são os que têm mais efeito dentro da chave. Então, na tecla maior, você pode ver que são os acordes de 14,5, teclas menores. São os três, os seis e os sete acordes. Também é bastante comum que uma tecla, uma progressão em uma determinada tecla , comece no primeiro quarto termine no primeiro acorde. E há vários efeitos emocionais diferentes ao passar de um acorde de quatro para um acorde, ou de um acorde de cinco para um acorde, por exemplo, então, como você usa essas tabelas? Bem, a primeira coisa a fazer é decidir uma chave maior ou menor. Então, digamos que eu queira uma chave menor. Agora vou escolher meu acorde raiz, meu único acorde. Então, só por uma questão de simplicidade, vou dizer um menor. Um menor é minha chave. Agora, vou dar uma olhada nas diferentes progressões. Então, vamos escolher uma progressão menor que comece em um acorde. E nós temos um aqui embaixo. Nós temos, uh, 154.1. Então, se eu levar isso de volta para minha mesa, posso dizer que tenho um 1a5a4 e um. Então, eu diria um menor, E menor, D menor, um menor novamente. Agora, isso não é, todas as progressões de acordes custaram, existem muito mais. Ou você precisa fazer uma busca por progressões de acordes comuns. E você obterá muitos resultados com diferentes progressões de acordes para músicas famosas. Também há um vídeo muito engraçado de um grupo chamado Axis of Awesome. Eles têm um vídeo no YouTube sobre uma progressão de quatro acordes ou uma música de quatro acordes. E, basicamente, é uma apresentação musical em que eles tocam todos os tipos de músicas usando os mesmos quatro acordes, mesma progressão de quatro acordes, porque são muito comuns em toda a música popular. Outra coisa que você pode achar útil para fazer suas próprias progressões de acordes é esta tabela, a tabela das progressões de rotas usuais. Agora, esta é uma análise da música e onde vão os acordes depois de começarem com um acorde específico. Portanto, temos um código inicial nesta primeira coluna. Portanto, há sete acordes diferentes em uma tecla que pode começar. E então, aqui estão os diferentes tipos de probabilidades de qual acorde pode vir a seguir ao analisar a maioria das músicas. Então, quando você começa com um acorde, geralmente ele será seguido pelo acorde de quatro ou cinco acordes. Mas às vezes é seguido pelo acorde de seis. E muito raramente será seguido pelo segundo ou terceiro acorde. Portanto, você pode usar isso para começar a criar suas próprias progressões de acordes com base em quão acessível comum você deseja que sua progressão soe. Você quer que soe muito papoula, algo que as pessoas possam ouvir e reconheçam a progressão? Ou você quer fazer algo que seja um pouco à esquerda, um pouco estranho. Você pode usar essa tabela para ver quais acordes têm maior ou menor probabilidade de seguir um determinado acorde. Agora eu sei que são muitas informações para serem absorvidas, de uma só vez. O que eu gostaria de enfatizar é que você não precisa memorizar todas essas coisas. Você não precisa saber tudo. É apenas um ponto de referência para você quando você está tentando montar algumas progressões de acordes. Agora, sou guitarrista e produtor musical. Minha teoria musical, como muitos guitarristas, é provavelmente meu ponto mais fraco. E isso é bom. Porque desde que você saiba como montar algumas quadras que soem bem juntas, você pode fazer algo musical. Então, o que você pode fazer com essas informações? Bem, como eu disse, você não precisa memorizar tudo. Apenas experimente algumas outras progressões. Tenha uma ideia dos que você gosta. Esqueça os que você não gosta. Experimente juntar diferentes sequências de acordes. Você pode tentar colocar uma progressão após a outra para poder desenvolver algo que tenha um pouco mais de variedade. Você não quer ficar preso em um ciclo interminável dos mesmos quatro acordes. E você pode experimentar suas próprias progressões. Use a tabela de progressões de raízes como guia. Escolha um acorde, escolha uma tecla e comece a juntar alguns códigos em sequência. Então, a seguir, vamos dar uma olhada nas melodias. E vou mostrar alguns pequenos truques que você pode usar para facilitar a escrita uma melodia em cima da sequência de acordes. 6. Melodias: Vamos começar com um pequeno experimento. Eu quero que você pense em uma peça musical famosa. Eu só quero que você pense em uma peça musical famosa e a mantenha em sua mente por um momento. Agora, aposto que a coisa em que você está pensando é a melodia dessa peça musical, o gancho, a linha vocal principal ou a linha principal do instrumento. E isso porque as melodias geralmente são a parte mais importante de qualquer música. Nesta lição, mostrarei maneira muito simples de criar uma melodia de acordo com sua progressão de acordes e garantir que ela esteja na mesma tonalidade em que você está tocando as notas certas. Estou escrevendo uma pequena peça musical para um jogo de RPG. E eu montei uma progressão de acordes. Está em Si menor. E eu montei uma progressão que vai de 1765. Se eu colocar isso em um loop, podemos ouvir. Então você pode ver que eu já humanizei isso. Eu desenhei, não toquei isso. Eu desenhei isso com as notas. E eu mudei o comprimento das notas, mudei a velocidade, abstraí algumas delas nos acordes. Parece mais natural. E eu também escolhi um instrumento para o, para a melodia. Eu escolhi isso porque soa assim. Muito eco, muito atraso, muita reverberação porque eu queria algo que soasse um pouco misterioso. Agora, para a melodia, quero que ela tenha mais de 4 bar. Eu vou fazer uma melodia de oito compassos. Então, a primeira coisa que vou fazer é repetir essa progressão de acordes para que ela toque duas vezes. Então, se eu passar o mouse aqui, você pode ver quando temos esse pequeno ícone em loop, eu posso clicar e arrastar, pronto. Aí vamos nós. Temos um circuito completo. Temos dois loops. A progressão duas vezes 8 bar. E a próxima coisa que eu quero fazer é começar a tentar escrever uma melodia. Mas eu não vou tocar as teclas. Eu não vou tocar essa melodia. Vou desenhar a melodia com a ferramenta de lápis. E minha teoria musical não é muito boa. Então, isso pode ser um pouco desafiador. Então, vou compartilhar com você um truque que o ajudará a saber quais notas você pode usar e quais notas você não pode usar. Agora, a primeira coisa que vou fazer aqui é duplicar essa faixa. Vou duplicar isso, pois tenho que fazer isso, vou pressionar o Comando D ou posso clicar nesse botão de duplicação. E você verá que dupliquei esse sintetizador. O que vou fazer é clicar com o botão direito do mouse e vou criar uma região midi. Agora você pode ver que eu tenho 1 barra sem notas. Aqui dentro. Vou selecionar o intervalo de notas que vou usar para minha melodia. Então, digamos que, de aproximadamente C3 para cima, eu também vou silenciar essa faixa. Você verá o porquê em um minuto. Então eu vou escrever uma nota. Vou escrever todos os nós do intervalo de notas que eu quero tocar para minha melodia. Ok, se eu fosse fazer isso. Agora, você vê a razão pela qual eu silenciei isso é para que você não precisasse ouvir todas aquelas notas. Então, agora vou pressionar o Comando a para selecionar todos eles. E eu tenho todos esses nós destacados. Agora isso é inútil. Isso vai soar horrível. O que eu vou fazer é usar essa escala quantizar porque eu sei a chave, porque eu a escolhi. Eu escolhi uma progressão em Si menor. Então, nesta escala quantize, vou selecionar B. aqui embaixo, na parte inferior. selecionar menor natural. E você pode ver que o que aconteceu foi mudar as notas, então ele se livrou de todas as notas que não pertencem a essa escala, a essa chave. Agora eu tenho as notas da escala menor natural B, e elas estão todas aqui. Mas isso não é muito útil porque serão apenas todos os nós. Vai soar horrível. Então, o que vou fazer é arrastar essa seção intermediária para fora. Eu vou fazer um loop. Vou fazer um loop para que tenha 8 bar de comprimento, para que tenhamos quatro voltas. Temos cinco e ignoramos o primeiro. Temos quatro repetições. Vamos, temos oito repetições. Agora, essa faixa principal com o violoncelo é “Eu vou continuar com ela”. Então, vamos ignorar essa primeira barra. Vamos começar do segundo bar. Agora vou selecionar a faixa na qual quero que minha melodia apareça. E vou clicar com o botão direito do mouse para criar uma região midi. E vou esticar isso para que tenha 8 barras de comprimento. Ele notou o cursor aqui. Isso serve para alterar o comprimento da região midi. Se você colocá-lo no topo, é para fazer um loop. Ok, agora estou pronto para começar a escrever algumas notas lá. Mas eu quero ver essas notas que fiz abaixo. O que vou fazer é segurar a tecla shift e clicar nessa região também. Agora, se eu rolar para cima, você verá que eu posso ver. As notas fantasmas desse bate-papo que eu criei antes de me mostrarem todas as notas que estão disponíveis nessa escala. Então, isso funcionará como um guia. Se eu clicar neles, nada acontece, eles simplesmente aparecem em segundo plano. Mas eu posso adicionar notas e muito mais, e posso usá-las como um guia de onde eu poderia colocar notas. Agora vou usar isso como um guia e vou tentar escrever uma melodia. Vou acelerar esta seção porque normalmente você passaria um pouco de tempo fazendo anotações, ajustando por quanto tempo elas estão mudando as coisas. Então, vou acelerar isso para que você não precise ficar sentado esperando por mim. Então, vamos ouvir o que temos. Ok, então essa é uma estatística decente. E agora eu posso me livrar dessas notas fantasmas que estavam lá em segundo plano. Vou apenas deletar essa região, deletar aquela faixa. Vou destacar os dois e movê-los de volta para a primeira barra. Então, você verá que as notas fantasmas são uma maneira muito útil de escrever rapidamente uma melodia que esteja na tecla certa, usando a escala certa para acompanhar a progressão de acordes, mas sem realmente precisar entendo a teoria por trás disso, um pequeno truque muito, muito útil. Agora, em termos de escrever uma melodia, algumas dicas seriam é sempre bom dar grandes saltos em sua melodia. Então eu comecei com esse grande salto da primeira nota para a segunda nota. E então ele volta para baixo. E isso é apenas formar o acorde b menor. Mas ter esse grande e grande salto na melodia sempre torna as melodias mais atraentes. Agora, outra característica comum das boas melodias é ter um padrão de chamada e resposta. Se você ouvir essa melodia com atenção na verdade, é a mesma coisa repetida duas vezes. Então, a mesma frase ou ideia se repetiu duas vezes, mas as duas últimas notas, na segunda vez, foram um pouco diferentes. Então, isso é frio, chamada e resposta são chamadas de resposta. Também é uma boa ideia deixar alguns espaços na sua melodia. Você não quer ter uma nota em cada batida. Você não quer simplesmente jogar notas em todo o lugar. Deixe espaços, deixe espaços entre suas anotações. Tenha algumas outras notas mais longas do que outras, às vezes tenha notas de retenção longas. Outras vezes, as notas são tocadas de forma muito curta e rápida nesse tipo de variedade de suas melodias, e isso as tornará muito mais interessantes. Então, você pode ver que usar notas fantasmas é uma maneira realmente eficaz criar de forma rápida e simples uma melodia que corresponda à sua progressão principal. Agora, há algumas coisas que posso recomendar para escrever uma melodia memorável e bem-sucedida. Tente usar a estrutura de chamada e resposta. Então, se você tiver 8 compassos de melodia, repita a mesma melodia de quatro compassos duas vezes, mas na segunda vez, talvez varie o final ou varie a parte no meio. Tente fazer com que seja como uma conversa entre duas pessoas. É por isso que é chamado de chamada e resposta. Não se esqueça de incluir saltos entre as notas em sua melodia. Se você estiver usando a escala como base, a base da sua melodia, você não quer que ela soe como alguém que está apenas subindo e descendo essa escala, será mais musical, mais melódica. Se você tiver grandes saltos entre as notas que escolher. Lembre-se de deixar espaço entre as notas. Você não precisa ter uma nota em cada batida ou em cada meia batida. Inclui espaço, tem algumas notas mais longas que as outras. Algumas notas que vêm mais rápido, algumas notas que vêm mais devagar nesse tipo de variedade. E isso ajudará suas melodias a serem mais interessantes e, portanto, mais memoráveis. Então agora você tem uma progressão de acordes e uma melodia que combina com ela. A próxima peça do quebra-cabeça que vamos adicionar é uma linha de base, e faremos isso na próxima lição. Te vejo lá. 7. Bassline: As linhas de base variam dependendo do tipo de música que você está escrevendo. Alguns tipos de música têm a linha de base, quase como uma melodia em si. E nesta lição, você vai libertar gatos. Nesta lição, mostrarei maneira muito rápida e eficaz de definir a linha de base seguindo suas progressões de acordes. Ben, ele vai se juntar a nós. Depois de implementar uma progressão de acordes, é muito simples adicionar rapidamente uma linha de base simples. É a sua música. A primeira coisa que você vai querer fazer é criar uma nova faixa. Eu já escolhi a base que eu queria. Então, é um sintetizador de alquimia e eu dei uma classificação para que eu pudesse encontrá-lo facilmente mais tarde. Se eu clicar nesse campo. Base pesada escura. Aqui vamos nós. Achei que era um som muito interessante. Então eu vou te mostrar como isso soa. Muito escuro, muito baixo. Agora, tudo o que vou fazer para criar essa linha de base é clicar na progressão de acordes. Vou segurar a chave de opção. Vou clicar e arrastar até minha pista de corrida. Agora eu não quero que a base esteja tocando acordes. Então, todas essas notas aqui, eu vou me livrar delas. Eu só vou deixar os nós da raiz. Então, se eu destacá-los e excluir os dois últimos. Agora, se ouvirmos essas notas básicas com o resto da música, o que você notará é que a terceira nota não é realmente, não é realmente mordaz o que você notará é . Não estamos ouvindo isso chegar. E isso porque, em nossa progressão de acordes, tornamos isso mais natural ao sobrepor essas notas. E isso funciona para o violoncelo, mas não está funcionando na base. Então, vou destacar esses nós. Só vou reduzi-lo. Uma vez deu um pouco de espaço no final. Agora poderemos ouvi-las com mais clareza. Ok, então, como uma linha de base muito simples , tudo bem, mas vamos tentar torná-la um pouco mais interessante. Então, vou selecionar a segunda nota e, em seguida, vou segurar shift e selecionar a quarta nota. Agora, vou para o menu Editar aqui. Em seguida, neste menu suspenso, vou clicar em transpor. Vou selecionar mais 12 semitons, então isso é uma oitava a mais. Isso significa que haverá as mesmas notas mas haverá um tom mais alto. Então, agora vamos ter a base se movendo entre essas notas muito baixas em uma oitava acima. E vai soar um pouco diferente, um pouco mais interessante, assim. Então aí está. Essa é uma maneira muito rápida e eficaz de criar uma linha de base a partir de sua progressão principal. Então lembre-se, copie sua progressão de acordes e coloque-a na faixa do seu instrumento baixo. Você pode remover as notas separadas das notas de raiz, manter as notas de raiz lá, e essa será a base da sua linha de base. E depois adicione alguma variação a essas notas. Você pode adicionar notas entre elas. Então você tem como uma linha de baixo ambulante, ou você pode simplesmente mudar as notas para cima ou para baixo em uma oitava, como fizemos no exemplo. Agora nossa música está realmente começando a tomar forma. Você tem uma progressão de acordes, você tem uma melodia e você tem a linha de base. A próxima parte que vamos adicionar é a bateria. Eu vou te mostrar uma maneira muito divertida de adicionar bateria ao Logic Pro ten. vejo na próxima lição. 8. bateria: Há várias opções para criar uma faixa de bateria no Logic Pro ten. Mas nesta lição vou mostrar a vocês o que eu acho que é a maneira mais divertida e também subestimada. E isso é usar a função de baterista. Agora, a razão pela qual eu acho isso tão legal é porque ele simula como você realmente trabalharia como produtor musical em um estúdio com um baterista de sessão. E com isso quero dizer, você não estaria sentado lá dizendo ao baterista exatamente qual tambor tocar em qual batida. Você tenta dizer a qualquer baterista do mundo como tocar bateria. Eles não vão ficar muito satisfeitos com você. Então, na lógica, o que ele oferece como opções para falar sobre o drama. É como uma conversa. Digamos, eu quero que essa seção seja mais complexa, ou quero que essa seção tenha um pouco menos de chapéu. Ele oferece a opção de manipular a bateria e fazê-la soar como você quiser, sem precisar programar cada dose das drogas. Vamos entrar e dar uma olhada para criar um drama. Tudo o que preciso fazer é criar uma nova faixa, selecionar baterista, clicar em Criar e, em seguida, na biblioteca, tenho um conjunto diferente de informações. Eu tenho alguns gêneros à esquerda. À direita de cada gênero, tenho algumas fotos de diferentes bateristas e, se eu passar o mouse sobre elas, obtenho uma descrição do estilo deles. Então aqui está Gavin, roqueiro independente. E na parte inferior, tenho diferentes kits de bateria que eu poderia escolher. Todos eles vêm com seu próprio kit de bateria padrão que combina com seu som. Então, se eu visualizar uma lacuna aqui, deixe-me selecioná-las. E no lado esquerdo e nas edições, há ritmos diferentes que esse drama pode fazer. Então, se eu quiser mais controle sobre isso, posso usar essa grade x-y para me mover entre mais alto e mais suave. E mais complexo e mais simples. Veja como isso muda a forma de onda aqui em cima enquanto eu ajusto a complexidade e o quão alta ela é. Eu poderia trocar essa bateria enquanto ele tocava. Então eu poderia mudar para Manchester, vir aqui. Posso selecionar os diferentes elementos que eu quero que eles joguem e o quanto eu quero que ele os toque. Vamos voltar ao kit do Brooklyn. No lado direito, eu tenho esse estilo aqui. Essa é a quantidade de filmes que ele vai fazer. Então, quantos pequenos rolos de tambor são feitos? Isso quer dizer que é o swing. Então, como antes ou depois das miçangas ele chegou até mim. E eu posso escolher entre se serão 16ª ou oitava notas. Se eu clicar em Detalhes abaixo, posso entrar em detalhes mais detalhados sobre esse ponto. Então, se eu quiser que eles toquem mais notas fantasmas ou menos, quero que pareça mais empurrar ou puxar. E eu posso escolher como ele está usando os chapéus altos aqui. Ok, então uma coisa que é bastante útil aqui é que você pode estar brincando e pode ter o som o volume, a suavidade e a complexidade que você gosta. Mas então você quer mudar para um baterista diferente. Quando você muda para um baterista diferente, ele redefine essas configurações, mas você pode alterar isso aqui e as predefinições de batida. Se eu clicar aqui, posso dizer manter as configurações ao trocar dramas ou manter kits de bateria ao trocar dramas. Então, eu poderia destacar os dois. Agora, se eu mudar o drama, eu poderia escolher um baterista completamente diferente. Vamos lutar pelas mortes. Agora ele ainda está tocando o kit do Brooklyn e ainda está brincando com essa instrução que eu dei ao drama anterior. Outra coisa legal que posso fazer para mudar o som é ir até a biblioteca e clicar nos kits ou uma bateria selecionada aqui no Inspetor. Eu posso trocar as partes do kit. Eu posso escolher entre diferentes tambores ou talvez eu queira afinar a caixa. Eu tenho todo esse controle sobre os kits. Vamos ficar com esse baterista. Eu vou ficar com as mortes. Vamos trocar o kit. Eu vou comprar um kit de armadilha que seja mais adequado para ele. Ok, vamos pré-visualizar isso. Ok, então isso é interessante, o que vou fazer a seguir é experimentá-lo no contexto dessa música. Então, vou fechar a biblioteca, nos dar mais espaço. Eu vou desfazer isso sozinho. Eu vou ter a bateria chegando depois da apresentação. Um pouco também. Ok, então agora eu tenho algo que eu acho que está bem. Vou adicionar uma segunda região. Nesta região, observe que isso é separado. Eu posso, eu posso mudar o ritmo disso. Então, eu poderia fazer isso ficar um pouco alto e talvez um pouco mais complexo. Vou aumentar substancialmente os preenchimentos. E você pode ver na música que esta é a próxima seção silenciosa. Então, vou criar outra região. Vou reduzir isso. Essa. Quero que seja muito mais simples e muito mais suave. Mas eu gostaria que tivesse um grande final. Talvez. Estou colocando os preenchimentos e, em seguida, vou segurar a opção de clicar e arrastar até o final daquele. Agora vamos ouvir. Na verdade, acho que quero mudar esta seção para algo mais substancialmente diferente. Então, vou pedir a ele que compre um tipo diferente de batida. Vamos ver como isso soa. Sim. Então você pode ver que essa é uma maneira muito rápida começar a montar baterias. E você tem muito controle sobre o som. Posso dizer esse controle ainda mais porque este instrumento aqui você verá que tem um pequeno menu suspenso. E isso é chamado de pilha de faixas. Então, na verdade, essa faixa é feita de várias partes diferentes. E cada uma dessas partes, eu posso editá-las. Eu posso mudar o ganho, posso mudar o equilíbrio. E aqui no Inspetor, eu poderia adicionar qualquer plug-in. Eu queria mudar o som de cada parte separada desse instrumento. Portanto, é uma ferramenta muito poderosa para editar o som da sua bateria. Também não precisamos parar por aí, porque se estamos felizes com esse som de bateria, o que posso fazer é convertê-lo em Midea, e então eu tenho controle sobre cada nota individual. Então, para fazer isso, vou criar outra faixa. E eu preciso colocar instrumentos. Vai ser o mesmo, esse alçapão. Então, vamos ao kit de bateria da biblioteca. Até o fundo. Aí vamos nós. Agora vou destacar esse áudio e arrastá-lo para a faixa abaixo. Agora você verá que todas essas notas foram convertidas em midi. Então, eu tenho controle sobre os sons individuais. Então, se eu quisesse que isso tivesse uma velocidade maior, eu poderia simplesmente aumentar essa velocidade. Então, isso realmente me dá o controle total sobre o que começou como uma sessão de drama, na qual parecia que eu acabei de entrar e estava fazendo suas próprias coisas. Na verdade, ele me forneceu uma estrutura para mudar cada nota, cada som dentro dessa bateria. É uma ferramenta muito poderosa. Uma observação rápida, se você estiver usando um kit de bateria tradicional, é que ele não vem com uma pilha de faixas da mesma forma que as baterias eletrônicas. Então, se eu olhar aqui, não há nenhuma lista suspensa que me permita ajustar as peças separadas do kit. Eu posso ter acesso a isso. Eu só preciso ir até o final desta lista aqui. E eu seleciono kits de produtores. E você encontrará todos os mesmos kits de bateria tradicionais, mas o ponto positivo está no final. E isso vai sobrecarregar os kits mais extensos. E aqui você pode ver que esta é uma pilha de trilhas e eu tenho controle sobre cada parte individual do kit. Então, se você é realmente exigente com sua bateria, você realmente quer controle total sobre tudo. Essa é a maneira de acessá-lo. É assim que você pode usar a função de drama para criar o bico de sua música e depois manipulá-la para que fique ao seu gosto e como você pode convertê-la em midi para ter um controle mais preciso. Se houver algo que você queira mudar ou algo que você queira adicionar. Então, coisas importantes a serem eliminadas disso. Encontre o baterista certo para sua música. Existem dramas diferentes para gêneros diferentes. Então escolha aquela que combina com o tipo de música que você está fazendo. Ou se você quiser fazer algo um pouco incomum, escolha um de um gênero diferente, misture um pouco as coisas. Lembre-se de criar regiões extras e variar os padrões da bateria para mantê-la com um som realista. Um verdadeiro baterista não toca o mesmo ritmo, as mesmas batidas em toda a música. Mesmo que as mudanças sejam sutis, isso gera interesse. Isso torna seu som de bateria mais real. Se você está procurando um controle muito preciso de sua bateria, lembre-se de converter sua faixa de bateria em midi. Depois de terminar de ajustá-lo, você pode usar os kits de produção para ter um controle ultrafino sobre cada elemento dos kits, como soam e quaisquer efeitos que você queira aplicar a eles. Agora você tem todos os fundamentos de como fazer uma música. Você pode criar uma progressão de acordes, melodias básicas na bateria. A próxima coisa que vamos abordar é sobre como você reúne esses elementos, como você pode misturá-los, usar efeitos, usar a automação para fazer com que pareça realmente profissional. Te vejo na próxima lição. 9. mixagem: Agora que você tem vários instrumentos diferentes em sua música, é hora de pensar em mixar. Agora, a mixagem pode parecer quase uma das artes das trevas. Especialmente se você estiver procurando dicas de produção musical no Instagram, no YouTube ou em qualquer outro lugar. Mas o que vamos fazer é realmente dar uma olhada nos fundamentos da mixagem. Como você pode fazer sua música soar bem com os níveis corretos de forma rápida e fácil. Também vamos dar uma olhada na panning. Então, posicionando os instrumentos dentro da mistura. E vou mostrar alguns truques com automação para que você possa realmente ser criativo. A mixagem tem tudo a ver com obter os níveis de suas faixas ou instrumentos em relação uns aos outros. Mas você precisará de algum tipo de ponto de referência para o nível geral de todo o mix. Agora, se você olhar aqui embaixo no inspetor, você tem dois medidores de volume e dois Thetas. Então, no lado esquerdo, você verá que o violoncelo é, o lado direito é a saída estéreo. Agora, nas saídas estéreo, esse será o nível da mixagem geral. E eu quero que isso esteja entre menos três e menos seis dB para os picos. Agora, ter esse nível tornará minha etapa de masterização muito mais fácil. Isso vai me dar um pouco de espaço livre. Então, a primeira coisa que vou fazer é acessar os efeitos de áudio aqui. Vou começar a medir. E vou colocar o medidor de nível na minha saída estéreo. E isso vai me mostrar os picos da música geral, da música geral. Então, desde que esteja entre menos seis e menos três, isso é bom para quando estou fazendo minha masterização. Com isso resolvido, podemos começar a mixar a música. A primeira coisa que eu recomendo que você faça é decidir quais instrumentos ou qual faixa será a parte principal da sua música. Então, qual parte está carregando o conteúdo emocional ou o significado? Onde você quer que o ouvinte se concentre? E como essa música é uma faixa de fundo para um videogame, vou usar a progressão de acordes nessa música, That's the yellows. Eu selecionei violoncelo como meu conteúdo principal, meu principal conteúdo emocional para a música e todas as outras faixas. Vou construir em torno disso que eles estejam relativamente no nível certo. Então, vou adicionar um medidor de nível ao meu violoncelo também. Então, isso está no lado esquerdo do inspetor. Vou clicar abaixo deste canal EQ. E como eu uso o medidor de nível pouco antes de ser lançado recentemente, vou adicionar um medidor de nível aqui para meus colegas. Agora, a partir dos meus instrumentos principais, quero que isso atinja um pico entre -18 dB menos três dB, dependendo do estilo de música que você está fazendo e do que é o instrumento. Então eu vou ouvir esse violoncelo. O violoncelo está sozinho e veja onde eles estão neste medidor. Você pode ver que eles estão atingindo um pico em torno menos nove dB e tudo bem. Vou configurar as outras faixas para tentar combinar com isso para que elas soem exatamente em relação aos amarelos. Então, vamos ouvir. Quando os outros instrumentos começarem a entrar. Imediatamente. Você pode aqui, você nem precisa olhar para este medidor de nível. Você provavelmente percebeu que está atingindo um pico acima de zero. Mas você pode ouvir que a base está muito alta. Então, vou selecionar a faixa de baixo. E eu vou voltar e ouvir. E enquanto escuto, vou ficar de olho no medidor de volume aqui embaixo. E eu vou ajustar esse fader para ajustar o nível da base. Ok, acho que é muito melhor porque agora estou sentindo a base, a base está lá. Eu sentiria falta se desaparecesse. Mas não está muito na sua cara. A base não é a parte principal dessa música, então eu só preciso de sua presença na extremidade baixa, mas não quero me sobrecarregar. Então, vou começar a ajustar os níveis dos outros instrumentos também, começando daqui com esses aplicativos staccato. Então, você provavelmente notou que as operações estavam um pouco barulhentas e a linha principal, achei que estava um pouco quieta. Então, eu os ajustei adequadamente para que eles se encaixem perfeitamente na mistura. Agora, se voltarmos aqui e ouvirmos e dermos uma olhada no nosso medidor de nível geral para ver onde está o pico. Então, podemos ver que isso está nos deixando um pouco de espaço livre para quando estivermos masterizando mais tarde. Acho que também quero baixar um pouco a bateria. Vou ouvir e ajustar a faixa de bateria. Portanto, observe que é uma boa prática ouvir a música inteira e também ficar olho no medidor de volume ao mesmo tempo. Não tente configurá-lo apenas com os olhos ou ouvidos, use esses dois sentidos. E você provavelmente já viu gráficos de referência on-line dizendo que seu bumbo deve ter um certo número de dB e o vocal deve ser outro número. E sua armadilha é isso e tudo mais. Agora, tudo bem como pontos de partida, lembre-se de que gêneros diferentes terão sons diferentes. Sua música deve soar como sua música. Portanto, identifique o instrumento principal, a faixa principal, defina o nível entre menos três e -18 db de acordo com o que você acha que soa melhor. E, em seguida, defina as outras faixas para coincidir com elas. Dessa forma, você criará sua peça musical única nos níveis certos. Depois de ter seus níveis mais ou menos onde você quer que estejam, você pode começar a jogar com o equilíbrio ou a panorâmica. Essa é a distância que um determinado instrumento soa para a esquerda ou para a direita. Você pode controlar isso com esse estilo aqui. Você pode movê-lo para a esquerda e para a direita. Então, se eu tocar isso desde o início, posso mover o violoncelo. Se você clicar com o botão direito do mouse nesse controle, poderá alterar o tipo de balanceamento para panorâmica estéreo, o que proporcionará uma sensação de estéreo mais ampla. A versão mais divertida, acho que a configuração mais divertida para o equilíbrio é selecionar o painel binomial. E isso muda o controle para uma pequena tela de radar. Se você clicar duas vezes nele, esse controle será ativado. Agora, isso permite que você escolha a distância da direção em que uma faixa vai soar e também sua largura. Então, se eu tocar novamente e começar a manipular isso, você pode ver que isso lhe dá um grande controle da direcionalidade, da largura do som de cada faixa. E se você quiser mudar o volume ao longo da música? Você quer que o nível do seu desafio suba e desça. Ou você quer que a direcionalidade, a panorâmica de uma de suas faixas mude. Você pode fazer isso usando a automação. E você pode acessar a automação pressionando a tecla a no teclado do seu computador. E isso mudará sua visão sobre isso. Na visualização de automação, há um menu suspenso aqui que permite selecionar o parâmetro que você deseja alterar à medida que a música é reproduzida. Então, por exemplo, digamos que eu queira que essa base mude. Então, eles estão nesta seção da música onde há apenas os aplicativos, o baixo e a bateria. Eu quero que a base seja mais alta. Eu clico nessa área. Agora eu tenho uma linha mostrando meu nível. Posso clicar para criar pontos, mas posso arrastá-los para cima e para baixo para mudar o nível. Agora, a melhor maneira de fazer isso, para alterar toda a seção, é segurar a tecla de comando. Selecione uma região. E agora eu posso clicar e arrastar isso para cima. E agora isso vai impulsionar a base apenas nesta seção, assim. E uma coisa criativa muito divertida que você pode fazer é combinar a automação com o binômio panorâmico. Se eu escolher essa linha principal aqui. E se eu mudar o padrão balanceado para binaural, clico duas vezes nele. Agora, na automação em vez do volume, vou para o principal e vou escolher o ângulo binaural. Esse é o ângulo de onde o som está vindo. O que eu posso fazer é criar pontos aqui para automatizar. E então eu posso movê-los e isso mudará automaticamente o ângulo. O painel. Eu apenas os movo, por exemplo e agora vamos ouvir essa seção. Assim, você pode usar a automação combinada com panorâmica e volume para obter efeitos realmente criativos e interessantes em si mesmo. Então, esses são realmente os principais elementos para obter uma boa mistura. E não posso enfatizar o suficiente, o principal é identificar quais instrumentos ou faixas são o principal conteúdo emocional de sua música, qual é a parte que você quer que esteja na vanguarda. E depois construindo o resto da música em torno dessa peça. Defina os principais elementos da sua música. Então, quais instrumentos ou qual faixa carrega o conteúdo emocional principal? Concentre-se primeiro nisso e, em seguida, defina os níveis das outras faixas ao seu redor de acordo. Lembre-se de usar a panorâmica para que diferentes instrumentos possam ocupar espaços diferentes no mix estéreo. E não se esqueça de usar a automação para poder alterar os níveis ao longo da música. Ou você pode até mesmo mudar a posição dos diferentes instrumentos dentro da mixagem. É muito raro ouvir falar sobre mixagem nos círculos de produção musical. Sem ouvir falar em masterização, essas palavras parecem estar sempre juntas. Mas as diferentes etapas do processo. Nas próximas aulas, veremos como masterizar suas faixas de forma rápida e fácil para torná-las profissionais. E também vamos dar uma olhada em alguns efeitos que você pode querer usar para realmente turbinar suas músicas. 10. Reverb: Antes de passar para a etapa de masterização, há um ou dois plug-ins ou efeitos que acho que serão úteis para você. Uma delas é a reverberação. reverberação está ao seu redor o tempo todo. São os reflexos dos sons que você ouve. Então, por exemplo, pense em como a voz de uma pessoa soa em uma sala de reunião em comparação com se você estiver em uma igreja ou em um grande salão A qualidade do som é diferente e isso se deve à reverberação. Agora, a reverberação informa seus ouvidos ou seu cérebro sobre o espaço. Esse é um som em que você pode usá-lo em lógica para dar a um instrumento seu próprio espaço para fazê-lo sair de uma mixagem ou com o qual fazer algo criativo. Aqui você pode ver que eu tenho uma faixa de piano simples em um projeto. E a primeira coisa a notar é que no inspetor aqui, há esses dois ônibus. Isso significa que essa faixa está enviando qualquer música para duas faixas separadas , cada uma com efeitos sobre elas. Se eu clicar neste, você verá que ele tem um Space Designer, que é um tipo de reverberação. E eu sou o chefe daqui que tem um cromossomo que já tem uma reverberação nele. Porque a maioria dos instrumentos em Logic tem sua própria reverberação. O sintetizador de alquimia também tem seu próprio botão de reverberação na interface. Então, a primeira coisa que vou fazer é realmente desligar esses ônibus porque nós mesmos faremos a reverberação para que possamos explorar como o ChromaVerb funciona. Então, para adicionar uma reverberação, tudo o que preciso fazer é ir abaixo desses plug-ins, clicar no espaço do botão descer até reverberar. Vou escolher ChromaVerb e estéreo. E aqui está a configuração padrão do ChromaVerb. Se eu clicar em Reproduzir e ativar e desativar esse efeito, você ouvirá o que ele está fazendo. E você pode acessar diferentes predefinições neste menu superior. Este é um menu rápido aqui, mas não mudará a curva de EQ que você vê. É melhor acessá-los por meio desse menu. Dessa forma, você pode dizer que eu quero tocar, eu quero o Piano Concert Hall. E está mudando esse EQ e também representa o espaço em que deveria soar. Então, se eu pressionar Play agora, você ouvirá o som de uma sala de concertos. E aqui embaixo está uma representação gráfica. Então você pode ver cada um desses pequenos pontos. É como um reflexo desse espaço. E você pode ver a frequência, bem, ela está refletindo. Então, se eu quiser cortar a extremidade inferior, posso simplesmente clicar nela. Você pode personalizar ainda mais as predefinições com os controles aqui embaixo. Portanto, o ataque será a rapidez com que o volume ou a densidade se acumulam. O tamanho representa as dimensões do espaço que você está simulando. A densidade significa quantos reflexos estão voltando. A deterioração é a rapidez ou a lentidão com que o som refletido diminui. A distância é a que distância da fonte sonora, neste caso o piano, seus ouvidos deveriam estar. E no lado direito, o seco e o molhado. Esses são os níveis do sinal seco e úmido. Portanto, o sinal seco está sem reverberação e o sinal úmido está com a reverberação. E você pode ajustar as proporções delas para obter um efeito mais sutil. Aqui embaixo, o pré-atraso, representa o atraso entre o som original e o retorno dos primeiros reflexos. Se você clicar nesse pequeno botão de nota musical, o que isso fará é sincronizar o pré-atraso com o ritmo da sua faixa. Assim, você pode escolher um valor de comprimento da nota e duração de acordo com a duração. E o mesmo aqui com a decadência. Se eu clicar nesse botão, ele sincronizará a decadência com a velocidade, com o ritmo da minha alma. O recurso de congelamento aqui embaixo é bastante interessante. Se você apertar o botão congelar, qualquer que tenha notado que está sendo reproduzido ou o código está sendo reproduzido naquele momento, seremos refletidos infinitamente. Então, vou demonstrar que é difícil de explicar. Dessa forma, você pode manter esse som reverberando, criando um drone embaixo da música. Muito bom para faixas ambientais. Quando você estiver usando reverberação para colocar uma faixa na mixagem, lembre-se de que quanto mais reverberação você tiver em uma faixa, em uma faixa, mais para trás na mixagem ela soará, soará como se estivesse mais distante. Portanto, os instrumentos que você deseja que sejam mais diretos, como suas linhas principais, provavelmente deveriam ter uma reverberação mais sutil, enquanto seus pads e seu acompanhamento, sua seção de cordas. Se você adicionar mais reverberação a isso, isso pode fazer parecer que está mais em segundo plano. Então, essa é uma boa regra para posicionar os instrumentos em sua mixagem. Aumente as coisas com apenas uma reverberação sutil, uma reverberação ambiente muito pequena. E você é mais uma espécie de cores de fundo épicas. Você os tem em segundo plano dando-lhes mais reverberação. Quando você está apenas tentando adicionar um pouco de reverberação sutil para fazer um instrumento se destacar. Uma coisa muito boa a fazer é visualizar a reverberação e, em seguida, desligar lentamente o sinal úmido até que você só possa notar a reverberação que aqui está, essa reverberação. Agora é uma reverberação muito, muito sutil. Isso vai ajudar seu piano a sair da mixagem. Se eu desligar isso para ouvir a pequena diferença. Então você pode ver que o ChromaVerb é algo realmente poderoso e versátil para usar em suas misturas. Então, aqui estão algumas coisas para lembrar. Muitos ou a maioria dos instrumentos lógicos já têm algum tipo de reverberação aplicada a eles, geralmente em um ônibus e geralmente na forma de um designer espacial. Talvez você queira ajustar isso antes de adicionar outra reverberação ou desativá-la completamente. reverb pode ser usado para ajudar um instrumento a sair da mixagem. Se você o estiver usando dessa maneira, sutil com ele. Menos é definitivamente mais; nesse caso, a reverberação em frequências mais baixas pode tornar sua mixagem turva. Isso significa que sua música pode parecer obscura, como se estivesse se abafando em todas essas frequências baixas reverberantes. Use o EQ no ChromaVerb para tentar domar alguns dos itens mais baixos. Agora que você conhece o ChromaVerb, eu recomendo que você o coloque em uma faixa, inexplore as predefinições e, seguida, ajuste os parâmetros de acordo com sua preferência. Lembre-se de que é melhor deixar esses enormes reverberações de espaço vazio para estilos musicais mais ambientes. vejo na próxima lição. 11. EQ: Dq, ou equalização, é outra daquelas coisas que tendem a intimidar as pessoas. Mas não é realmente tão complicado. Tudo o que é é aplicar o ganho em frequências específicas. Então, aumentando certas frequências ou cortando certas frequências para moldar o som geral. Ele pode ser aplicado a instrumentos ou faixas individuais, ou pode ser aplicado em toda a mixagem. Nesta lição, vamos direto para o EQ e mostrarei como você pode controlar os diferentes parâmetros. Para adicionar um EQ para atrair, você precisa ir até o inspetor, para áudio FX, descer para EQ e Channel EQ estéreo. E isso abrirá essa janela de equalização aqui. Esta janela de equalização mostra uma linha que representa as frequências da audição humana. Então, desde 20 hz até 20.000 hz no subbaixo. Agora, na vida real, você não pode realmente ouvir 20.000 Hz. E 20 hz é algo que é mais provável que você sinta do que aqui. Mas todas essas frequências são representadas porque são importantes, mesmo que você não consiga ouvi-las, elas interagem umas com as outras. Portanto, tendo o controle sobre eles uma coisa útil, o canal EQ é dividido em bandas diferentes. Então você tem todos esses símbolos diferentes representando as diferentes áreas, como a subbase, a base, os médios baixos, os medicamentos e, em seguida, suas frequências mais altas. Você pode ativar ou desativar o controle das diferentes bandas clicando nesses símbolos na parte superior e qualquer coisa que tocarmos ou desativar o controle das diferentes bandas clicando nesses símbolos na parte superior e qualquer coisa que tocarmos nesta faixa agora poderemos vê-la. Nós, temos que ver as frequências neste analisador. Assim, você pode ver que até mesmo uma nota é composta por uma frequência. São várias frequências diferentes atuando juntas. E é por isso que o EQ é importante, porque os sons são compostos por grupos de frequências ou harmônicos interagindo e como o fim de semana os controla, seja impulsionando-os ou cortando-os, vai moldar o tom de um som. Portanto, para ajustar o EQ, qualquer uma dessas bandas sobre as quais você passar o mouse, ela acenderá e você poderá ver uma faixa de frequências que serão afetadas se você arrastar para cima ou para baixo. Então, se eu clicar e arrastar esta para cima, aqui, você pode ver que estou aumentando essas frequências em algum lugar entre cerca de 1 khz e pouco menos de 6 khz. Mas se eu quisesse, as proibições foram mais restritas. Eu poderia colocar dois dedos no trackpad e simplesmente arrastar para baixo e isso vai estreitar a faixa. E se eu quiser que seja mais largo, uso dois dedos e arrasto para cima. Como uma boa regra geral, ao aumentar as frequências, você aumentaria em uma faixa mais ampla. E quando você está cortando frequências, como nos médios baixos aqui, é mais provável que você corte uma faixa estreita de frequências. Isso é o que chamamos de EQ cirúrgico. E você descobrirá que as pessoas costumam fazer isso nas idades médias inferiores para reduzir o mod N MIX. Lembre-se de que muitos instrumentos do Logic Pro ten já têm um equalizador. Então, se eu selecionar essas sequências modernas aqui, você pode ver uma miniatura no inspetor. E isso mostra uma visão aproximada do EQ que já foi aplicado. Se eu mudar isso de cordas modernas para um tipo diferente de cordas. Vamos usar as cordas romanas. Você verá que o EQ muda. Ele já tem um equalizador diferente. E você também pode acessar predefinições para diferentes instrumentos no menu suspenso de predefinições para bateria, teclados, guitarra, e você também tem ferramentas de masterização de equalização na parte inferior. Uma que eu acho bastante útil como guitarrista é a guitarra, ela tem um equalizador de guitarra limpo. Então, se eu estou gravando minha guitarra em lógica, ela tem essa parte aqui, que está cortando as frequências baixas abaixo de cerca de 60 hz. Então, isso é eliminar o zumbido de 60 ciclos que os captadores de guitarra têm. Então, aqui está um exemplo de como você pode começar a equalizar uma música inteira. Então, essa é uma música de uma banda chamada The North Dimension, para a qual estou fazendo algumas masterizações. Eu realmente recomendo que você os confira no Spotify ou na Apple, onde quer que você ouça. Essa faixa se chama Bloom. E se eu tocar por aqui, você terá uma ideia do tipo de som que o gênero pecou. Então, ficou muito legal. O AT simplesmente adicionará um equalizador rapidamente apenas clicando nesse espaço em miniatura estéreo. Ok, então há duas etapas pelas quais você pode passar em uma pista como essa. O primeiro é o EQ corretivo. Então, remova qualquer uma das frequências ou sons, ou reduza os sons que você não gosta. E então, a próxima etapa será um equalizador adoçante, que significa aumentar as frequências ou as áreas em que você gosta de desligar o som. Então, no caso dessa faixa, eu sinto que há muita coisa acontecendo nos médios baixos e a base é muito pesada e soa um pouco turva. Mas eu gosto muito mais dessas teclas e dos sinos e sinos fantasmagóricos do sintetizador na extremidade superior. Então, eu aplicaria um equalizador corretivo, tentando cortar alguns entalhes no meio perto da base. E então eu aumentaria um pouco o topo de linha. Então, algo assim. Vou pressionar play e começar a manipular o EQ para que você possa ver o que eu poderia fazer. Então você pode ver que não é uma curva muito drástica em nenhum lugar disso, mas é uma diferença sutil que meio que reduz um pouco a desordem. E traz à tona os elementos da música que eu gostei. Eu ligo e desligo para que você possa ouvir a diferença. Quando você está fazendo um equalizador como esse. Uma coisa muito importante a lembrar é que, se você sentir que falta um determinado som em uma mixagem, digamos que você queira mais do topo, você quer que mais frequências mais altas brilhem. Às vezes, não se trata apenas de impulsionar esse topo de linha, mas de se afastar de outras partes do espectro. Portanto, é uma boa prática sempre cortar as coisas antes de impulsionar. É muito mais fácil começar a remover as frequências. Assim, você pode ouvir o que resta do que apenas tentar impulsionar em todos os lugares. É muito mais provável que apenas impulsionar tudo resulte em uma mistura muito confusa. Portanto, você pode ver que usar o EQ é uma ótima maneira de realmente controlar seus sons. Alguns pontos-chave para lembrá-los. Os instrumentos lógicos geralmente já têm um equalizador e as predefinições são realmente úteis. Use-os como ponto de partida. Como regra geral, ao cortar frequências, você deve ser mais estreito com a banda no equalizador. E quando você está aumentando as frequências, você pode ser um pouco mais amplo. E quando você usa o EQ, tenta ter um propósito claro em mente, o que você está tentando alcançar? Então, você está tentando tornar uma mistura menos turva quando está tentando fazer com que uma caixa seja realmente um sucesso. Sempre tenha um propósito ao usar o EQ. Não o aplique simplesmente porque muitas pessoas estão falando sobre isso. Se você é um pouco nerd da física como eu , descobrirá que a EQ um tópico realmente fascinante e é um tópico realmente fascinante e algo divertido de experimentar. Mas você pode usar o folheto que eu forneci para começar. Na próxima lição, examinaremos outro desses tópicos intimidantes, que são compressores. Te vejo lá. 12. compressores: Existem muitos compressores diferentes, todos com diferentes configurações aplicáveis a diferentes gêneros musicais. Mas nesta lição, vou mostrar uma configuração abrangente para uma das sete compressões lógicas. É uma forma que você pode usar para colar, você vai misturar para fazer com que pareça realmente profissional. Vamos começar com uma breve explicação do que é compressão. Para desmistificar um pouco. Tudo o que um compressor faz é pegar os picos de sua forma de onda em sua mistura e reduzir o jogo. Enquanto isso, pode aumentar o ganho nas partes inferiores da mistura. Então, esses picos no topo dessa forma de onda são puxados para baixo. E nessas calhas, as partes inferiores são aumentadas, tornando sua forma de onda menos dinâmica ou mais comprimida. E essa é uma boa maneira de fazer com que sua mixagem soe mais unida, se você quiser. Faz parecer que todos os instrumentos estão tocando juntos. Então, vamos adicionar um compressor à saída estéreo. Vou até o inspetor para ver efeitos de áudio. Eu vou estudar dinâmica, compressor e estéreo. E aqui veremos que temos a janela do compressor. Agora você notará que há sete para escolher na parte superior. E isso porque cada um deles é um, é como uma simulação de um compressor de hardware real. Porque antigamente, em portas como o Logic Pro, as pessoas usavam compressores de hardware. Então, cada um deles representa uma simulação de um compressor de hardware real. Todos eles têm sons ligeiramente diferentes e alguns deles têm controles ligeiramente diferentes. Mas aquele em que vamos nos concentrar hoje é o Vintage VCA. E a razão para isso é que este não é um compressor transparente. Ele adiciona um certo som, certos aquecedores, e muitos produtores musicais gostam de um compressor, eles acham que isso adiciona uma certa musicalidade à mixagem. A primeira coisa que vou fazer com configuração do compressor é desligar o ganho automático e desligar o ataque e a liberação automáticos. Então, vou apertar esse botão aqui e também neste. A próxima coisa que quero fazer é garantir que o ganho de entrada aqui à esquerda e o ganho de saída à direita estejam exibindo o mesmo nível. Porque uma das coisas sobre nossos ouvidos é que percebemos que sons mais altos soam melhor. E quando você tem um plug-in de efeitos muitas vezes, o que acontece é que ele adiciona um pouco de ganho e você sente que está melhorando o som, quando na verdade tudo o que você está ouvindo é um pouco mais alto. Portanto, ao garantir que a entrada e saída atinjam um nível, sabemos que qualquer mudança em nossa percepção de quão bom soa é devido à compressão e não ao aumento do jogo. Vou clicar em play e compará-los para ganhar medidores. Vamos ver se é o nível certo. Ok, esses são praticamente iguais. Para que eu possa me acostumar com o ajuste dos parâmetros desse compressor. Então, vamos dar uma olhada nesses mostradores e o que eles fazem. limite aqui é o nível em que o compressor vai começar a agir. E a proporção é a quantidade de compressão que será aplicada quando ela começar a agir. Esses dois mostradores funcionam juntos. Um limite baixo e uma alta taxa resultariam em uma compressão muito forte. E não é isso que estamos procurando quando estamos tentando colar a mistura. Aqui à direita, você verá o mostrador de maquiagem. Agora, como a compressão está diminuindo a intensidade geral, o ganho de seu sinal ao apertar esses pontos altos, o que vai acontecer é que você obtenha uma redução no ganho. O mostrador de maquiagem permite que você reintroduza o ganho no sinal comprimido. O joelho aqui embaixo, no canto inferior esquerdo, se refere a quão suave será a transição entre comprimido e não comprimido . E então esses dois aqui, atacam e soltam, muito importantes para obter o som certo de sua compressão. O ataque é a rapidez com que o compressor começará a reduzir esses picos depois de acionado. E a liberação é a velocidade com que ele libera o sinal e permite que ele se descomprima. Esses dois também trabalham juntos forma muito estreita para captar o som. Então, normalmente, quando eu começo a compactar, o que eu faço é definir o limite para 30. Eu tenho uma proporção de dois para um. Vou deixar a maquiagem em zero por enquanto. Eu vou ter uma ótima. O ataque eu vou estourar para 20 milissegundos. E o lançamento eu vou discar até 100. Agora vamos ouvir isso e eu vou ligar desligar o compressor e podemos ver como soa. Agora, a próxima coisa que quero fazer é ajustar essa versão. E uma maneira muito boa de fazer isso é se você dividir 60.000 pelo ritmo de suas músicas, você terá uma ideia aproximada de onde deveria estar o horário de lançamento. Então 60000/120, que é meu ritmo, é 500. Então, vou aumentar isso para um pouco mais de 500 para obter a versão correta. E então, enquanto estou ouvindo, vou ajustar o ataque para tentar mudar os sons e obter um equilíbrio entre ataque e liberação. E não vou continuar ajustando os diferentes parâmetros até ficar satisfeito com a compressão. Então, como saber se sua compressão está correta? Bem, na verdade, tudo isso se deve ao gosto e preferência pessoais. Mas uma boa regra é que, ao aplicar compressão na mistura completa, você deve sentir a compressão mais do que deveria. Você não quer que suas compressões mudem radicalmente o som da sua mixagem. Você só quer que ele adicione um pouco mais de brilho ao seu resultado final. Então, esse é um ótimo lugar para iniciar suas configurações de compressão. E você pode ajustar esses parâmetros de acordo seu gosto e de acordo com o estilo de música que você está fazendo. Então, aqui estão algumas coisas importantes a serem extraídas desta lição. Mais uma vez, muitos instrumentos do Logic e muitos instrumentos de terceiros já têm um compressor embutido, então talvez não seja necessário adicionar um extra na trilha do instrumento. Verifique isso antes de começar a adicionar mais compressão. Um ótimo ponto de partida para qualquer lógica, os compressores são uma proporção de dois para um, um limite estabelecido em torno de -30, ni de um, ataque de 20 e liberação de 100. E não se esqueça de combinar o ganho de entrada e saída. E talvez o mais importante, não supere a pressão de sua música. Se você usar muita compressão, perderá a dinâmica da sua música. Da próxima vez, vamos dar uma olhada em uma cadeia de masterização muito simples. E eu vou te mostrar como você pode pegar sua música da lógica e depois compartilhá-la com o resto do mundo. 13. MAESTRIA: Então você quase conseguiu. Você está a um passo de ter sua própria música finalizada. E essa etapa é dominar. Mas antes de começarmos, há algumas coisas que vale a pena mencionar. A primeira é misturar e dominar diferentes disciplinas na indústria da música. Essas duas tarefas são realizadas por diferentes tipos de engenheiros. Agora, quando você estiver fazendo sua própria música, provavelmente acabará fazendo essas duas coisas sozinho. E quando for esse o caso, é importante separar esses dois estágios. Portanto, certifique-se de que você está satisfeito com a mixagem finalizada antes de prosseguir com a masterização. Outra coisa que vale a pena mencionar é que você deve fazer uma pausa cada 20 a 30 minutos durante a masterização para ouvir uma ou duas faixas de referência. As faixas de referência são apenas músicas do mesmo gênero daquela que você está escrevendo. Dessa forma, seus ouvidos podem ser sintonizados para que, quando você estiver tomando decisões criativas sobre o som de sua música, ela se ajuste ao gênero que se encaixa nessas coisas . Vamos mergulhar. Então, aqui estamos dominando a faixa Bloom by the North Dimension. E você notará que no meu ônibus Stereo Out, eu já tenho que aplicar o estilo. Então eu tenho o Channel EQ, que é o EQ de quando estávamos vendo antes. E eu tenho um compressor aqui. Então, eu tenho o Vintage VCA, que estou usando para tentar unir esses sons. E é importante observar que os efeitos que você coloca aqui, os plug-ins que você insere no canal, mudarão o som de cima para baixo. Então, a ordem em que você coloca seus efeitos fará a diferença. Agora, há muita discussão entre as pessoas se elas querem que o EQ esteja antes do compressor ou vice-versa. Às vezes, as pessoas usam mais de um EQ e, na verdade, tudo depende do gosto. Mas eu tenho meu EQ primeiro e depois estou comprimindo. O próximo componente que vou adicionar à nossa cadeia de masterização é opcional. Mas acho que é muito útil saber que é o spread estéreo. Então, vou clicar abaixo do compressor. Vou usar imagens, espalhar estéreo e clicar em estéreo. E isso abrirá essa configuração padrão. Agora, o que isso faz é distribuir bandas, bandas de frequência de sua faixa para os canais esquerdo e direito, para aprimorar seu campo estéreo. Essa configuração padrão é muito extrema para o que estamos procurando para masterizar esta faixa, só queremos um aprimoramento sutil, mas vou pular essa faixa e pressionar Play para que você possa ouvir o que esse efeito está funcionando. Então, se eu avançar na música e clicar em play, você notará como isso realmente melhora o campo estéreo da sua faixa. Mas, como eu disse, não quero que seja tão extremo. Então, vou usar as predefinições. Vou começar a espalhar a luz de alta frequência porque não quero que a extremidade baixa se espalhe muito. A extremidade baixa fará com que tudo pareça muito enlameado. Então, isso é apenas uma luz difusa de alta frequência e vou diminuí-la um pouco mais. Então, vou clicar em play novamente. E eu vou apenas reduzir isso e talvez mudar um pouco as frequências. Portanto, usando quantidades muito sutis efeitos de propagação estéreo, você pode aprimorar sua música e dar a ela um pouco mais de brilho. Então, estamos usando um equalizador para moldar nosso som. Estamos usando um compressor para colar as coisas. E usamos o spread estéreo para melhorar o campo estéreo. Então, agora vamos adicionar dois componentes à nossa cadeia para garantir que nossa música tenha o volume correto. Primeiro, vamos adicionar um limitador adaptativo. Então, abaixo do spread, vou usar o limitador adaptativo dinâmico, estéreo. E abaixo disso, vou adicionar um medidor de volume. E isso é na medição, medidor de volume. Agora eu tenho dois componentes que ajudarão a garantir que nossa música esteja alta o suficiente, mas não muito alta. O limitador vai garantir que nossa música não ultrapasse um certo nível. E podemos usar isso para evitar a introdução de distorções. Para torná-lo mais preciso, vou ativar a verdadeira detecção de picos. Então, está procurando os picos de nós mesmos. Vou clicar duas vezes no teto e inserir -0,97. Isso vai nos dar um teto de pouco abaixo de zero dB. E no lado esquerdo, você verá que temos novamente um medidor aqui, possamos introduzir algum ganho para aumentar o nível da nossa música, da nossa música. Portanto, verifique se o volume está correto. Mas qual é o volume correto? Bem, é por isso que temos um medidor de volume aqui no lado direito. Agora, o volume é medido em uma unidade diferente do nível em que o volume é medido em L UFS. E o que isso nos diz é o quão alta nossa música é ao longo do tempo. Portanto, não apenas os picos, as partes mais altas da nossa música, mas o quão alta a sentimos é baseada no acúmulo de volume. Agora, uma das melhores maneiras de começar uma discussão on-line sobre sonoridade é perguntar para quantos L UFS você deve dominar, porque muitos produtores dirão para você dominar até -14. E a razão pela qual eles dizem isso é porque plataformas de streaming de música como Spotify e Apple Music recusarão qualquer coisa que seja mais alta do que -14, nosso UFS. Mas um engenheiro de masterização profissional lhe dirá que as coisas devem ser dominadas dois menos nove L UFS. Então, qual você deve escolher? Bem, não se preocupe muito com isso. Se você dominar para -14 UFS e depois colocar sua música no Spotify ou Apple Music, vai soar bem. Se você está preocupado com o fato de sua música estar no rádio e ser mais silenciosa do que a música que veio antes ou depois dela, então sim, você pode mascarar os dois menos nove UFS, mas em qualquer lugar entre esses dois valores, você ficará bem. Para usar o medidor de volume. Você pressiona o botão Iniciar na parte inferior. E então você toca sua música do começo ao fim. E você notará, no lado direito, esse é o valor que fornecerá a média geral de volume da sua música no EFS. Então, espero que até o final de sua faixa seja -14 ou menos nove, dependendo de qual você está almejando. Se você achar que sua faixa está muito alta, você pode reduzir o jogo no limitador. E se você achar que sua pista está muito silenciosa no geral , você pode melhorar o jogo aqui. Você provavelmente descobrirá que precisa ouvir a faixa e ajustar o jogo algumas vezes até atingir o volume desejado. Quando você estiver satisfeito com o volume e tudo mais e estiver masterizando, hora de colocar sua música fora da lógica e colocá-la em um formato que você possa compartilhar com as pessoas. Para fazer isso, você precisa realizar o que é chamado de salto. Para abrir o menu de balança, você pressiona Command e B. E você verá essas opções. Eu recomendo exportar como um arquivo WAV porque isso será de melhor qualidade. Mas se você marcar essa caixa, também poderá compartilhá-la como MP3. Nas configurações aqui embaixo, mantenha o modo em tempo real. Isso significa que ela retocará sua faixa em tempo real enquanto você a ouve. E isso pode ajudar a evitar que erros de midi ocorram devido a problemas no computador. E para normalização, escolha somente a proteção contra sobrecarga ou desligue. Porque se você ativar isso, ele introduzirá um pouco de compressão na sua música. E você mesmo já ligou a compressão. Quando você estiver satisfeito com essas configurações, se você clicar em OK, ele solicitará que você selecione o destino para o qual deseja devolver essas faixas e, em seguida, elas estarão prontas para serem compartilhadas com o mundo. Se você está trabalhando em um projeto em que tem muitas faixas visíveis e não apenas uma faixa de mixagem como estou trabalhando aqui. Em seguida, é útil adicionar a faixa estéreo à exibição e, em seguida, fazer seus limites a partir daí. Então, pressione o comando shift e m, e ele adicionará a saída estéreo. E agora, quando você seleciona essa faixa e pressiona Command e B, essa é a faixa que você vai pular e você pode ter certeza de capturar tudo para encurtar o projeto. Se você diminuir o zoom aqui, há uma alça no lado direito e, em seguida, você pode arrastá-la para selecionar quanto dos projetos você deseja pular. Se sua música tiver uma cauda de reverberação longa, talvez valha a pena conferir essa opção aqui, incluindo cauda de áudio. Dessa forma, quando você salta, isso não interromperá o final. Uma maneira diferente de fazer isso seria selecionar sua saída estéreo, pressionar a para automação e clicar no volume. E aqui eu posso escolher um ponto e vez disso, adicionar meus próprios fade outs manuais. Você pode usar essa cadeia simples de masterização para começar e fazer com que sua música soe profissionalmente. E depois, você pode experimentar o uso de mais plug-ins. Então, algumas lições importantes. Lembre-se de separar as etapas de mixagem e masterização. Use referências para garantir que seus ouvidos estejam sintonizados. Ao usar plug-ins como EQs ou compressores, use-os com um propósito em mente. Não os inclua apenas porque você sente que tem dois. E por último, mas talvez o mais importante, acerte seus níveis. Garante que sua música não esteja muito alta nem muito baixa. Então, o próximo é o projeto. Você vai escrever o código, mixar um master, sua própria música. Sempre que você estiver pronto. Te vejo lá. 14. PROJETO: Você chegou até aqui. Muito obrigado por participar minha aula e parabéns por concluí-la. Agora é hora de colocar em prática o que você aprendeu. Sua tarefa de projeto é bem simples. Produza uma música completa usando o Logic Pro Tem. Agora, é provável que você esteja fazendo música enquanto acompanhava esta aula. E não há problema em você usar isso seu projeto ou você pode começar algo totalmente novo. O importante é que você está usando qualquer uma ou todas as coisas que aprendeu nesta aula para criar sua própria peça musical. E se uma música inteira parecer demais, tudo bem. Você pode fazer uma simples progressão de acordes. Você pode fazer um loop de oito barras. Você poderia fazer uma batida totalmente bem. O importante é que você deixe de ter um projeto vazio e passe a criar algo musical. Há algumas coisas que eu quero dizer sobre a produção musical em geral. É muito fácil duvidar de si mesmo ou se questionar e começar a perguntar coisas como E se eu não for bom o suficiente? E se alguém estiver fazendo música melhor do que eu, especialmente com todos os criadores de conteúdo de mídia social postando sobre: “Oh, eu ganhei seis dígitos este ano na produção musical ou tentando vender você. os segredos de invadir o licenciamento de músicas sincronizadas. Esqueça tudo isso, focado em sua própria música. Sua música é tão única quanto você. Mas tudo isso à parte, não se deixe intimidar pelas pessoas que estão tentando vender coisas para você nas redes sociais. E eles se envolveram com outros produtores musicais. Faça perguntas a eles, aprenda coisas novas mostre apoio a pessoas que são apaixonadas pelas mesmas coisas que você. Fazendo. A música é sobre expressão pessoal. Não se trata de buscar curtidas e seguidores online. Depois de concluir seu projeto, não se esqueça de compartilhá-lo na galeria do projeto. Eu adoraria ouvir o que você fez e responder a quaisquer perguntas que você possa ter. Você também pode sugerir quaisquer aulas futuras que você esteja interessado em fazer sobre o Logic Pro Tem ou sobre produção musical. E, finalmente, não se esqueça de deixar uma resenha deste curso. Se você achasse algo útil ou agradável, isso realmente me ajudaria. Isso é para passar seu tempo comigo. E fazer música feliz.