Escreva cenas incríveis: diálogo, descrição, conflito e mais para romances e roteiros

1. Introdução: Oi, eu sou Ted. Nesta aula vou mostrar a você como escrever uma ótima cena. As aulas para romances e roteiros de qualquer gênero. Depois de saber o que vai acontecer na sua história, você precisa pegar esse conceito e transformá-lo em cenas com descrição de diálogos e muito mais. Eu vou te mostrar como fazer isso, as aulas para iniciantes e escritores de todos os outros níveis de experiência. Você vai ter um projeto ou vai escrever sua própria cena curta. Estou ansioso para ensinar você no curso. 2. Os 4 elementos: Quatro elementos principais podem ser encontrados nas páginas de um livro ou roteiro Diálogo e descrição são os dois que livros e roteiros usam com frequência Interno. Monólogo e narração são os outros Embora tecnicamente possam aparecer em um roteiro, são muito mais comuns em livros Vamos dar uma olhada em cada um dos quatro elementos. Diálogo é o que seus personagens dizem. Se você está escrevendo um livro ou um roteiro, é seu trabalho como escritor colocar o diálogo na página exatamente como deveria ser falado pelos personagens de um filme Um ator pode, é claro, improvisar uma linha ou duas, tudo bem, isso acontece mais tarde no Ainda é seu trabalho colocar as palavras na página exatamente como você as vê originalmente. descrição mostra o mundo físico de uma cena, qual é o cenário, quais personagens estão lá e o que estão fazendo. Em um livro, um escritor tem muita flexibilidade para inserir o máximo de detalhes que quiser sobre a descrição. Um escritor pode falar sobre a forma particular como as folhas estão soprando em uma característica O que eles quiserem. Os roteiros são muito mais limitados O roteirista simplesmente deve explicar os principais componentes físicos de uma cena e omitir detalhes específicos O diretor, os atores, o figurinista e outras pessoas que trabalham no filme preenchem esses detalhes posteriormente. monólogo interno aborda o que está acontecendo dentro de um personagem, especificamente, o que ele está pensando ou o que está sentindo? Isso é muito comum em livros. Quanto aos roteiros, às vezes nem aparece. Quando isso acontece, acontece como uma narração. narração é quando um personagem se dirige diretamente ao público em um discurso fora do mundo físico da cena Na tela, a narração contém informações da história que o público precisa saber, mas que não estão diretamente relacionadas ao mundo físico da cena atual Por exemplo, digamos que há uma cena e um personagem nela tem uma história de fundo que o público precisa entender para entender a cena Essa informação pode ser expressa como narração. A narração é comum em livros. Quanto a roteiros como monólogo interno, às vezes nem aparece. Quando isso acontece, a narração é um método frequentemente usado para transmiti-la Também pode aparecer como texto que aparece diretamente na tela. 3. POV: Antes de começar a escrever seu primeiro rascunho, você precisa selecionar um ponto de vista, comumente chamado de ponto de vista para sua história Essa é uma perspectiva de que os principais elementos de sua história, como diálogo, descrição, monólogo interno e narração, dependem estilisticamente narração, dependem estilisticamente No ponto de vista que você escolher, você tem muitas opções e deve considerar os prós e os contras de cada uma antes de tomar sua decisão primeira pessoa é o primeiro ponto de vista, é quando um determinado personagem conta diretamente sua história Usando, por exemplo, fui ao banco e testemunhei o roubo terceira pessoa é quando nenhum personagem específico conta diretamente sua história e todos os personagens são chamados por nome ou pronome Por exemplo, Jeff foi ao banco e testemunhou um assalto com um terceiro, existem Você tem limitações oniscientes e veremos o que elas significam mais adiante no vídeo Com o limitado, você tem próximo versus distante. Novamente, abordaremos tudo isso, aprenderemos o que são, pensaremos sobre eles e escolheremos o que seja melhor para sua história. Se você estiver escrevendo um livro, qualquer uma das opções de POV que estamos prestes a abordar está disponível para você Você também pode escrever no tempo presente ou pretérito . Não é uma decisão tão importante quanto o POV, mas ainda é importante e você ainda precisa seguir sua escolha ao longo da história Pessoalmente, gosto de escrever livros no tempo presente. Acho que dá um toque imediato à sensação da história. Mas, novamente, você pode escrever passado ou o presente, depende totalmente de você. Quanto ao roteiro, você não tem opções Você basicamente tem uma escolha. Você tem que escrever pessoalmente, no tempo presente onisciente. Agora, pode haver exceções a isso em roteiros experimentais, mas na maioria das vezes, a terceira pessoa no presente é como os roteiros Primeira pessoa, um personagem que tende a ser o personagem principal conta diretamente uma história inteira usando. Há exceções, mas na maioria das vezes, quando um autor usa um ponto de vista em primeira pessoa, um personagem serve como personagem POV em cada capítulo Este é o único personagem que consegue ter um monólogo interno Conforme mencionado, é quando pensamentos ou sentimentos de um personagem são expressos diretamente. O personagem POV pode discutir seus próprios pensamentos ou sentimentos o quanto quiser Eles podem especular sobre os pensamentos e sentimentos de outros personagens Mas o público nunca entra na cabeça desses personagens para ver se as suposições são precisas Todos os eventos da história são limitados pelo que esse personagem POV saberia Toda descrição, narração e monólogo interno são contados na voz desse personagem POV, se ele tiver uma maneira distinta de falar E grande parte da história em que o personagem POV tem o mesmo diálogo, o personagem POV tem o mesmo diálogo, obviamente também aparece na voz deles No entanto, o diálogo de outros personagens aparece nas vozes desses personagens, como primeira pessoa, terceira pessoa limitada. Tem a ideia de um personagem POV embutida nela. Mas, diferentemente da primeira pessoa, a terceira pessoa limitada geralmente apresenta vários personagens POV em um livro Cada cena tem seu próprio personagem POV. Agora, o protagonista tende a ser o personagem POV em muitas cenas, mas outras, por exemplo, o vilão principal ou um interesse amoroso podem ser o personagem POV Ao contrário da primeira pessoa, no entanto, com a terceira pessoa limitada, esse personagem POV não fala diretamente com o público O uso do personagem é chamado por nome ou pronome, como primeira pessoa Os eventos da cena são limitados ao que esse personagem POV saberia Esse personagem POV é o único na cena que engana, tem um monólogo interno duas variações principais do Existem duas variações principais do ponto de vista limitado em terceira pessoa próximas e distantes, com elementos próximos que não são de diálogo Especificamente, a narração, o monólogo interno e descrição são expressos na voz do personagem POV da cena A palavra eu ainda não é usada, mas a forma como essas informações são transmitidas é feita no estilo de fala que o personagem POV Com um diálogo distante. As informações não são expressas no estilo de fala dos personagens POV Em vez disso, o escritor transmite essas informações usando uma voz externa que não está necessariamente conectada a nenhum personagem do livro. Normalmente, essa voz assume o tom de um observador externo neutro Mas depende totalmente do escritor. O escritor pode escolher uma voz muito distinta, maluca e sarcástica para lidar com esses elementos Se for adequado para a história, tudo o que importa é que não seja a voz de um personagem POV de cenas E que você fique com essa voz ao longo do livro. Você não quer pular de capítulo em capítulo usando essas vozes externas que não pertencem a personagens que são todos muito diferentes uns dos outros. Para manter as coisas fluindo, escolha uma voz para transmitir essas informações e continue lendo o livro Com o ponto de vista onisciente em terceira pessoa, a ideia de um personagem POV Todos os personagens são chamados por nome ou pronome, sem ninguém use para fornecer informações diretamente ao público Qualquer personagem em uma cena pode ter um monólogo interno, e nenhuma cena é limitada pelo que um personagem saberia As informações que não são do diálogo são expressas em uma voz que não necessariamente pertence a um personagem. Se você está escrevendo um livro, você tem opções sobre o que gostaria que essa voz fosse, escolha uma e continue com ela. No entanto, se você estiver escrevendo um roteiro, é recomendável transmitir essas informações uma forma muito simples e direta Você é incentivado a tornar essa narração estilizada. Você quer apenas transmitir as informações de forma muito simples e deixar os detalhes para os atores, diretores e outras pessoas que trabalham no filme. Falando em roteiros, a ideia de POV existe nos Você pode ouvir isso ser discutido. No entanto, o ponto de vista no cinema tem mais a ver com a seleção de cenas do diretor, algo que acontece muito mais adiante no processo do que com a escrita do roteiro No roteiro, você só quer capturar os principais elementos de uma cena e deixar o diretor lidar com detalhes, como montar cenas do ponto de vista de personagens específicos mais tarde no processo Se você está escrevendo um livro, você tem muitas opções de POV, então como escolher uma? Um bom lugar para começar é examinar os POVs que são comuns no gênero em que você está escrevendo No entanto, não escolha automaticamente o POV mais popular do seu gênero Se sua história puder ser melhor contada por meio de um ponto de vista diferente, use esse Vamos ver os prós e os contras de cada um. Muitos escritores mais novos usam a onisciência em terceira pessoa porque ela tem a menor quantidade de regras que você poderia pular da cabeça de um personagem para outro em uma determinada cena, falando sobre seus pensamentos e sentimentos E nenhuma cena é limitada pelo conhecimento que qualquer personagem teria. Isso pode ser muito libertador quando você se senta para escrever seu primeiro livro, porque você não precisa pensar tanto nas regras do POV No entanto, o POV onisciente tem suas desvantagens. Por exemplo, não oferece esse vínculo por um longo período de tempo, por voz, com um determinado personagem ou grupo de personagens que outros POVs possam oferecer Se por acaso você tem um personagem, especialmente seu personagem principal, que tem uma voz distinta e interessante , o POV em primeira pessoa é uma opção a considerar Aqui você pode realmente criar esse vínculo porque o personagem está falando diretamente com o público por um longo período de tempo, durante todo o livro. No entanto, a primeira pessoa também tem suas desvantagens. Por exemplo, seu personagem principal precisa estar presente em todas as cenas da história. Se você tem um vilão principal que também é um personagem interessante, mas o vilão e protagonista não estão juntos na cena até o Você nem consegue colocar seu vilão nas páginas da sua história até o final Third Person Limited oferece um bom equilíbrio, onde você pode fazer um personagem ou vários personagens desenvolvam um vínculo com o público por um longo período por voz do personagem, usando um ponto de vista diferente, personagem em vários capítulos, oferecendo uma variedade maior de cenas Por exemplo, um vilão que não esteja fisicamente na mesma cena do protagonista até o final da história pode ser apresentado no início da Se o vilão é o personagem POV de uma cena em que o personagem principal não é, por que você escolheria a terceira pessoa, limitada à distância, em vez Algumas histórias podem ser melhor contadas com uma voz externa comentando sobre as ações de um personagem Ou vários personagens, que é onde esse ponto de vista distante pode se destacar Digamos que você esteja escrevendo uma história de comédia sobre personagens ingênuos que fazem coisas ridículas voz externa que está comentando esses eventos pode ser benéfica para a história 4. Escrevendo um bom diálogo: A chave para um bom diálogo é o conflito. Os personagens falando deveriam estar brigando um com o outro Isso vale para cenas que são abertamente conflituosas. Por exemplo, dois personagens gritando um com o outro. É também para cenas que são abertamente conflituosas. Por exemplo, se dois personagens estão flertando, um pode zombar levemente do outro, e esse personagem Em todos os casos, o que você quer fazer é evitar um sentimento de concordância. Se a pergunta for feita a um personagem, ele não deve dar uma resposta direta. O personagem pode dar uma resposta parcial ou responder à pergunta com outra pergunta. Ou acuse a pessoa que fez a pergunta de ter algum motivo oculto Se um personagem fizer uma declaração pela qual tenha uma opinião forte, peça a outro personagem que levante dúvidas sobre essa afirmação. Outra tática a ser usada para criar conflitos com o diálogo é o silêncio Se um personagem disser alguma coisa e outro personagem não reagir com palavras, fique em silêncio. Isso cria uma tensão inerente à cena. O personagem que disse alguma coisa vai se perguntar por que não obteve uma resposta. O que o outro personagem está pensando. E o público naturalmente investirá no resultado dessa interação. 5. Debates explosivos: Assistir a um jogo de futebol em que um time sobe cedo e acaba vencendo por 50 pontos. Isso não é dramático? Um jogo em que a liderança sobe e desce e uma equipe acaba vencendo por um é dramático. Você quer transmitir esse sentimento com os argumentos que captura por meio do diálogo. Os dois personagens que estão discutindo deveriam se envolver em uma luta equilibrada Você quer evitar a ideia de uma explosão em que um personagem obviamente está certo e simplesmente grita para outro personagem que Sim, isso poderia funcionar em um sentido cômico em apenas algumas linhas Mas se você está tentando construir uma cena dramática em torno de uma discussão, você não quer ir nessa direção. Você quer mostrar os dois lados de um argumento em profundidade e dar a eles o mesmo peso. Faça com que os personagens discutam sobre um tópico que não tenha uma resposta objetiva certa ou errada. Cada personagem pode apresentar pontos corretos em sua própria opinião. Em um sentido subjetivo, os personagens estão tentando influenciar um ao outro No final da discussão, você pode fazer com que os personagens terminem empatados ou que um deles vença, mas apenas ligeiramente. Essa tática não apenas aumenta a tensão de uma cena, mas permite que você explore tópicos controversos em profundidade Ao ter um debate ainda abrangente, você pode mostrar os dois lados de uma questão controversa subjetiva que o público pode achar interessante Você pode mergulhar profundamente com pontos e contrapontos, e o público investirá intelectualmente nisso E talvez aprenda algo ao longo do caminho, o que criará uma conexão mais profunda com a história. 6. Caracterização por meio de conversa: O que alguém diz e a forma como diz fornecem muitas informações sobre essa pessoa. O diálogo é uma ótima ferramenta para caracterização. As falas dos personagens devem refletir seus traços físicos, mentais e culturais. Dê vozes únicas aos seus personagens. Não faça com que todos pareçam iguais. O jargão e a gíria são completamente aceitáveis , desde que o público siga o fluxo Tudo isso se eles não entenderem todos os termos mencionados no diálogo. Por exemplo, em uma história de detetive, os personagens geralmente discutem informações técnicas forenses Tudo bem se for feito em doses. Uma ótima tática a ser usada para realmente enfatizar a caracterização em diálogos é algo que eu chamo de história dentro de uma história Se um personagem conta uma história sobre si mesmo, isso pode mostrar quem é esse personagem como pessoa Por exemplo, digamos que um personagem conte outro uma história sobre resgatar alguém de um carro em chamas que pode realmente mostrar quem é essa pessoa Agora, certos personagens que não são necessariamente verdadeiros podem ter a tendência de exagerar ao falar Você quer estar atento a isso porque as histórias que eles contam não terão tanta credibilidade pois podem estar inventando muitas coisas Outra tática a ser usada é a ideia de uma história dentro de uma história em um personagem está discutindo um personagem que não está presente na cena Por exemplo, o personagem B pode contar uma história sobre o personagem A. Dois personagens. Caracterizamos o personagem A sem passar por nenhum preconceito que o personagem A possa ter ao contar uma história sobre si mesmo. 7. A verdade escondida: Em momentos emocionalmente carregados, os personagens podem ser protegidos Muitas vezes, isso se deve a uma sensação de vulnerabilidade. Um personagem pode não querer dizer abertamente o que sente em relação a outro personagem ou situação porque não quer se expor emocionalmente Essa sensação de estar protegido também pode vir de uma ideia de culpa Se um personagem está se sentindo culpado por alguma coisa, o personagem não vai querer abordar essa coisa diretamente. Existem outros cenários que causam essa sensação de estar protegido. Mas seja qual for o caso, você precisa ter certeza de que, se um personagem tiver essa mentalidade, ela se reflita no diálogo subtexto é a ideia do que um personagem realmente quer dizer quando fala nesses momentos usando palavras que são apenas uma fachada O subtexto é uma tática muito envolvente porque mostra que um personagem tem algo a esconder Isso automaticamente torna o personagem mais interessante. subtexto também atrai o público para uma cena porque ativa uma dinâmica intelectual em que o público precisa ler nas entrelinhas e tentar descobrir o que um personagem 8. Ritmo das palavras: Ritmo. E o diálogo, como na música, se refere ao som e ao ritmo. Agora, nem toda cena da sua história precisa ter um diálogo rítmico Mas para cenas que exigem isso, isso pode realmente elevar as idas e vindas entre os personagens diálogo rítmico é adequado quando dois personagens que se conhecem bem estão conversando Por exemplo, dois personagens que estão namorando ou que trabalham juntos há muito tempo. Eles entendem como o outro pensa que seus padrões de fala e suas falas podem se diferenciar. Se você quiser criar uma qualidade rítmica para o diálogo, concentre-se em um ritmo acelerado Com linhas curtas, deve haver muitas referências que já foram ditas. Repita palavras, até mesmo sons específicos dentro de palavras e repita as estruturas das frases juntas. O diálogo parecerá musical e o público será atraído para segui-lo. 9. Descrições de configuração: O diálogo acontece dentro do mundo físico da história. A descrição abrange as partes deste mundo que não são dialógicas. A configuração é um componente essencial da descrição. O cenário é onde uma cena acontece. Você quer tentar adicionar uma variedade de configurações por meio seu, embora seja normal duas cenas consecutivas tenham a mesma configuração. Você quer tentar evitar isso o máximo possível. Em qualquer cena, o cenário deve ser um lugar interessante. Deve se prestar à criação de um certo humor. Você não deve usar sua configuração para criar ambientes intrigantes no vácuo Você quer que esses humores se relacionem com sua história mais ampla. Especificamente, definir o clima criado deve aprimorar a caracterização ou o conflito de uma cena Idealmente, o conflito de caracterização pode ser aprimorado. Por exemplo, digamos que você tenha um personagem e queira mostrar que ele está inseguro sobre quanto dinheiro ele ganha Coloque-o em um iate chique com um monte de gente rica. Essa configuração de alta pressão permitirá que essas inseguranças apareçam Digamos que você esteja escrevendo uma cena de suspense e tenha um conflito em que seu personagem principal está tentando escapar de um assassino Use uma configuração que esteja em uma área remota sem serviço de telefone celular. Como uma cabana que vai aumentar automaticamente o conflito. Os roteiristas não devem entrar em muitos detalhes sobre o cenário Os escritores de livros, por outro lado, podem entrar em tantos detalhes quanto quiserem. Obviamente, tem vantagens porque você pode falar sobre muito mais coisas, mas também tem desvantagens Alguns escritores entram em muitos detalhes. Eles abrirão um capítulo reunindo um monte de informações sobre um cenário, maioria das quais não é tão interessante Isso é conhecido como despejo de dados e é algo que você deve evitar Em vez disso, escolha alguns detalhes importantes sobre como definir aqueles que realmente dão vida a isso e inclua-os na história. Não junte todos eles logo no início do capítulo Em vez disso, revele-os pouco a pouco à medida que os personagens da cena vivenciam essas partes do cenário. Ao obter informações sobre sua configuração, use o método show don't tell. Basicamente, isso significa que você mostrará evidências desses detalhes em vez de apenas dizer ao seu público que eles existem. Você pode usar seus personagens para ajudar a fazer isso. Por exemplo, digamos que você queira descobrir que um prédio é alto. Não diga apenas ao seu público que o prédio é alto. Mostre um personagem reagindo ao cenário. Mostre um personagem torcendo o pescoço para olhar para cima e ver o topo do prédio Ao mostrar personagens reagindo ao cenário, tente aproveitar os cinco sentidos Visão, olfato, som, tato e paladar. Personagens que percebem seu mundo através dos sentidos dão à cena uma sensação visceral e realmente ajudam a atrair o A descrição e o diálogo podem trabalhar lado a lado para criar a imagem completa de um cenário, a história dentro de uma história. A tática de diálogo que discutimos anteriormente é uma ótima opção aqui. Por exemplo, digamos que você esteja contando a história em que uma família aparece em uma bela praia para passar as férias. Na descrição, você percebe o quão linda e pacífica é essa praia. Então, naquela noite, um personagem que mora na cidade litorânea conta à família uma história sobre uma série de ataques de tubarão que acabaram de acontecer na praia Agora, o cenário assume instantaneamente uma atmosfera sinistra. 10. Descrições de personagens: Traços visuais básicos sobre um personagem podem ser listados diretamente na descrição. Os roteiristas não devem entrar em muitos detalhes aqui, os escritores de livros podem, mas devem ter cuidado para não ir muito longe. Coisas como sexo, idade, altura, tipo de corpo e cor do cabelo podem ser expressas com dizer, não mostrar. Mas o que você não quer fazer é entrar em um depósito de dados em que você conta ao público 50 características visuais diferentes sobre um personagem, maioria das quais não são relevantes para a história Como regra geral, mais importante for um caractere, mais espaço na página você deseja usar para descrevê-lo um pouco. Personagem que só aparece em uma cena só pode ser descrita por gênero. Para traços de caráter que são visuais básicos, você deve transmiti-los mostrando, não contando. Isso vale para traços mentais, culturais e físicos que você não consegue captar com apenas um olhar. Por exemplo, digamos que um personagem seja pobre. Não diga apenas ao público que o personagem é pobre. Mostre o personagem andando pela rua em uma noite fria, sem usar um casaco com buracos nos problemas. Mesmo se você estiver usando o método show, você ainda deve ter cuidado com quantidade de informações que fornece ao seu público. Concentre-se apenas em características que ajudem a dar vida a um personagem ou a desempenhar um papel na trama. E tenha cuidado ao colocar todas essas informações no público de uma só vez Quando um personagem é apresentado pela primeira vez, ocultar informações sobre um personagem geralmente é melhor Você poderia criar suspense dessa forma. Você pode criar surpresas para revelar informações sobre um personagem no momento certo para a história Não se sinta pressionado a divulgar tudo de uma vez. Para características mais abstratas, você deve confiar nas reações de outros personagens para transmiti-las. Por exemplo, digamos que você queira expressar que John é ótimo em seu trabalho. Novamente, não diga apenas ao público John é ótimo em seu trabalho. Mostre John fazendo uma apresentação no escritório. Em seguida, mostre aos colegas de trabalho de John reagindo de forma positiva à apresentação, impressionando os colegas de trabalho 11. Descrições de ação: Ação se refere à descrição seus personagens envolvidos em algum tipo de atividade física. Podem ser eventos intensos, como escalar uma montanha, ou eventos simples, como almoçar Em um roteiro, você quer fazer uma ação cruzada de uma forma básica e direta Em um livro, você tem muito mais flexibilidade para detalhes, como vimos com outros tipos de descrição. Você deve ter cuidado com a quantidade de detalhes que insere. Certos tipos de ações exigem mais detalhes, enquanto outros exigem muito poucos detalhes. Se uma ação em sua história desempenha um pequeno papel na caracterização e não realiza nada mais, coloque essa ação na página em apenas algumas palavras Por exemplo, digamos que você tenha um personagem Dave, que vai à academia passar cinco parágrafos descrevendo uma tarefa diária como malhar, não seria uma boa opção Basta dizer que Dave vai para a academia. No entanto, digamos que depois do treino, Dave venda esteróides no vestiário da Isso agora dá à cena um contexto muito diferente. Dave vendendo esteróides. Caracterização interessante 0,5 parágrafo de Dave se exercitando assumiriam uma luz diferente Se ele acabar vendendo esteróides após o treino, Dave poderia ter procurado clientes o tempo todo Esses cinco parágrafos contribuiriam para revelar que Dave está vendendo esteróides no vestiário O público sentiria que os cinco parágrafos da página valeram o investimento de tempo para chegar a essa conclusão interessante com detalhes da ação Como terminamos com a configuração, tente se concentrar nos cinco sentidos. Qualquer coisa que atraia o público para uma cena por meio de detalhes sensoriais ajuda a criar uma conexão e a dar vida à cena Uma ação que desempenha um grande papel no conflito pode ter mais espaço na página do que uma ação que desempenha um papel pequeno. Por exemplo, digamos que você esteja escrevendo uma cena de luta, um conflito muito alto. Você pode entrar em detalhes sobre cada soco e cada chute sem entediar seu público conflito ainda dá a você a oportunidade de realizar ações mundanas e torná-las interessantes, caso uma cena tenha suspense todos os dias Ações podem aumentar o suspense. Por exemplo, digamos que você esteja contando uma história e o público saiba que um assassino em série entrou sorrateiramente na casa de uma personagem chamada Cindy está em casa. Em seguida, o público a vê chegar. Ela não tem ideia de que o assassino está na casa. Ela entra, esquenta um pouco de comida no microondas, verifica seu e-mail. Ela se senta no sofá. Ela pega o controle remoto. Ela folheia os canais da TV em um contexto diferente Cindy fazer essas ações seria muito chato. Mas com um assassino em série à espreita na casa, eles se tornam extremamente interessantes O público estará esperando na beira da cadeira se perguntando quando o assassino vai aparecer. 12. Monólogo interno: monólogo interno é uma ótima ferramenta para criar uma conexão entre o personagem e seu público Isso permite que o público entre na cabeça de um personagem. O público pode ver o que um personagem está pensando, pode ver o que está sentindo. Embora essa seja uma ferramenta eficaz, você deve ter cuidado para não exagerar Suas cenas se baseiam principalmente no mundo físico. Isso remonta ao diálogo e à descrição. A maior parte do espaço da sua página deve ser destinada ao diálogo e à descrição, não ao monólogo interno Considere o monólogo interno um complemento ao mundo físico de sua cena Com o monólogo interno, é importante evitar simplesmente reafirmar um pensamento ou sentimento o público já presumiria que um Por exemplo, digamos que um personagem esteja correndo pela floresta tentando fugir de um assassino. Colocar uma linha interna de monólogo que diz: “ Eu estava com muito medo” é O público poderia chegar a essa conclusão com segurança ao ver a descrição do personagem fugindo do assassino em série. Adicionar essa linha interna do monólogo parecerá redundante e muito Em vez disso, o que você quer fazer é se concentrar em adicionar informações à história. O público não conseguiria captar apenas o mundo físico de uma cena. Por exemplo, digamos que um personagem esteja em uma festa e esteja agindo muito bem com os convidados. A descrição e o diálogo desse personagem na festa sugerem que o personagem está fazendo amizade com os convidados. No entanto, em um monólogo interno, esse personagem diz ao público que na verdade está planejando um trabalho e está preparando os convidados para um Isso agora adiciona uma dimensão totalmente nova à cena. Como falamos, sua seleção de POV pode vir com regras sobre quais caracteres podem ser monólogos internos e quando. No entanto, você pode estar escrevendo uma cena em que deseja transmitir os pensamentos ou sentimentos de um personagem quem não é permitido um monólogo interno Como você faz isso? O diálogo é uma opção. No entanto, você precisa ter cuidado ao transmitir certos pensamentos ou sentimentos no diálogo. A linha precisa parecer natural para a cena. Por exemplo, digamos que um personagem esteja sentado em uma lanchonete. Se esse personagem simplesmente falasse, estou me sentindo chateado com um incidente traumático de alguns anos atrás Isso vai parecer extremamente forçado. Você pode usar o diálogo, mas certifique-se de que o contexto esteja correto. Outro caminho para você é a descrição. O que você quer fazer é pegar o pensamento ou sentimento que deseja expressar e vinculá-lo ao mundo físico da cena de uma forma sem diálogo. Por exemplo, digamos que uma personagem Sra. sua ex-esposa. Você pode mostrar esse personagem olhando uma foto de sua ex-esposa e depois respirando fundo. Digamos que um personagem esteja extremamente nervoso. Você pode mostrar a mão desse personagem tremendo. 13. Exposição: Como o monólogo interno, a narração deve ser um complemento ao diálogo e à descrição da A narração não deve ocupar muita base de páginas. Você pode usá-lo para fornecer ao público informações sobre caracterização ou desenvolvimento de conflitos que não seriam óbvias no mundo físico da cena A narração é frequentemente usada para transmitir o que é conhecido como exposição Essas são informações básicas que o público precisa saber para entender completamente uma cena. Digamos que um personagem esteja dirigindo para um lugar onde ele vai cometer um assalto Se o público soubesse que esse personagem já havia sido preso anteriormente e passaria muito tempo na prisão Se ele fosse preso, novamente, a tensão da cena aumentaria. Essa história de fundo do personagem, as prisões anteriores, seria uma exposição Conforme mencionado, você pode transmitir a exposição na narração. No entanto, você deve tentar expressar as informações por meio de diálogo ou descrição. Primeiro, transmitir informações ao público por meio de diálogos ou descrições mantém o público dentro do mundo físico da história, o que ajuda a manter o público envolvido. Toda vez que você pula do mundo físico para a narração, você está tirando o público do mundo físico da Você só deve escolher a narração para exposição. Se transmitir as informações por meio de diálogo ou descrição parecer forçado ou ocupar muita base de páginas Você pode cruzar a exposição com o diálogo, apenas certifique-se de que a linha pareça natural Um erro que alguns escritores mais novos cometem é fazer com um personagem diga algo a outro personagem apenas para transmitir informações ao público Por exemplo, ei Bob, é Larry, seu melhor amigo desde o ensino médio Obviamente, essa é uma linha ruim. Era o melhor amigo de Bob desde o ensino médio. Quando Larry cumprimentava Bob, ele simplesmente dizia olá, ele não precisaria dizer seu nome a Bob e lembrá-lo de que eles são melhores amigos desde o ensino médio Você também pode usar a descrição para transmitir a exposição, que às vezes pode ser mais simples do que o diálogo Por exemplo, digamos que uma tempestade esteja chegando à cidade, isso vai desempenhar um grande fator na trama. Você pode fazer com que um personagem assista TV , folheie os canais, vá a uma estação de notícias e veja um gráfico na parte inferior da tela com um aviso de tempestade Um flashback é outra tática que você pode usar para transmitir a exposição No entanto, flashbacks podem retardar o avanço de sua trama Se você for usar um flashback, seja breve Se você quiser cruzar a exposição com a narração, evite um despejo de dados Por exemplo, digamos que cinco de seus personagens tenham histórias de fundo relevantes. Não insira todas as cinco histórias anteriores consecutivas. Mostre a história de fundo de cada personagem em um momento que seja relevante para esse personagem. Espalhe-os. Outra coisa que você deve evitar é repetir informações em diálogos que o público já conhece Por exemplo, digamos que a personagem Melissa esteja mentindo sobre sua identidade O público já conhece os detalhes de sua mentira elaborada Agora, mais tarde na história, Melissa decide confessar ao marido e contar a ele os detalhes da mentira Você não quer colocar um diálogo na página em que Melissa está dizendo coisas que o público já sabe Embora seu marido ainda não esteja ciente das informações, o público está e vai ficar entediado de ouvi-las novamente. Em vez disso, o que você pode fazer é transmitir que ela confessa ao marido sem entrar em detalhes Por exemplo, ela poderia ir até ele e dizer: “ Tenho uma confissão a fazer Você pode então terminar a cena ali mesmo , sem que ela entre em todos os detalhes no diálogo. 14. Linguagem: A linguagem se refere às palavras que você escolhe para contar sua história e como você as organiza em frases e parágrafos Certos tipos de escrita colocam a linguagem em primeiro lugar. Às vezes você vê isso nos romances de ficção literária. Agora, a menos que você esteja contando uma história em que o idioma está na frente e no centro, você não quer chamar a atenção para o seu idioma ao contar sua história. Você quer usá-lo como um veículo para levar sua história ao público. Isso não significa que você precisa evitar ter um estilo pessoal em sua escrita. Você com certeza poderia. No entanto, esse não deve ser o foco do seu livro ou roteiro O foco deve ser sua história. 15. Obstacles de cena: Cada cena precisa de seu próprio obstáculo. Cada cena precisa de um personagem que tenha uma intenção específica para aquela cena e um obstáculo específico que esteja impedindo que essa intenção seja realizada 16. Tensão: Criar tensão em suas páginas é fundamental. A tensão atrairá seu público para sua história e o manterá virando as páginas. Cada cena da sua história deve ter um elemento de tensão. cada página individual Idealmente, cada página individual da sua história pode ter um elemento de tensão. Agora, isso não quer dizer que você não possa ter um momento agradável em sua história. Você pode mostrar um casal saindo e se divertindo em algumas páginas. Está tudo bem. Mas, imediatamente após essa data, volte à tensão. No entanto, surgem alguns problemas. Uma história que é muito agradável por um longo período de tempo pode parecer algo que o público gostaria. Na realidade, essa história vai ser entediante para o público Você quer começar suas cenas perto de quando o conflito central se desenrola Onde você deseja evitar mostrar personagens de uma cena fazendo ações triviais no início do dia, como escovar os dentes ou Isso é conhecido como começar tarde. Ao iniciar uma cena, você também deve evitar o uso da narração para dizer ao público exatamente que se tratará aquela cena Em vez disso, leve seu público diretamente ao mundo físico, à cena, e faça com que público reúna o que está prestes a acontecer. Deixe um pouco de mistério na cena. Isso aumenta a tensão. Quando o conflito central de uma cena chega a uma resolução, você deseja encerrar a cena em um curto espaço de tempo. Isso é conhecido como terminar cedo. Você deve evitar ficar com os personagens e segui-los enquanto eles realizam outras ações triviais, como ir para casa e tomar um banho Você também deve evitar o uso de narração, final da cena. Para resumir as conclusões, você quer que seu público deduza essas conclusões da cena e a encerre sem precisar se repetir precisar Você pode fazer um ótimo trabalho inventando o conflito central de uma cena. Mas se um personagem superar esse conflito com muita facilidade, as cenas ficarão sem tensão Você quer dificultar seus desafios. Uma boa tática para fazer isso é fazer com que seu personagem entre em cena com um plano E então, ter esse plano não sai do jeito que o personagem pensava. Isso vai forçar o personagem a improvisar, que aumenta a tensão Certos conflitos não devem se desenrolar em cenas individuais. Como regra geral, mais difícil for o desafio, mais tempo esse desafio deve ser enfrentado ao longo de sua história. Se você tem um personagem enfrentando algo extremamente difícil, vencendo o desafio muito rapidamente, primeiro, isso não será realista Segundo, você não vai ter muito espaço para tensão. Em vez disso, enfrente esses grandes desafios em etapas. Por exemplo, digamos que você tenha um boxeador que queira vencer o campeão mundial Não mostre apenas aquele boxeador treinando por alguns dias e depois batendo Mostre o boxeador treinando por um tempo e depois batendo em alguém do nível dele Ele treinou um pouco mais. Ele venceu alguém um nível acima. Ele treinou um pouco mais. Ele bate em alguém dois níveis acima. Ele treinou um pouco mais. E, finalmente , ele enfrenta o campeão e vence. Grandes desafios. Grandes mudanças de personagem não devem acontecer em uma única cena. Eles podem parecer irreais e você terá pouco espaço para tensão Em vez disso, assim como acontece com os desafios, jogue-os em etapas. Por exemplo, digamos que você tenha um personagem que é um funcionário corporativo bem definido. Ele desenvolve um sério problema com drogas. Se você mostrar esse personagem tendo um dia um pouco estressante no trabalho e depois decidindo, na mesma cena, usar heroína, isso não vai Em vez disso, você pode mostrar esse personagem perdendo o emprego. Ele então decide beber com um pouco mais de frequência. aumento do consumo de álcool leva a brigas com a namorada. Eventualmente, ela o deixa. Sua saída o leva a experimentar analgésicos. O hábito de analgésicos piora. Eventualmente, ele se transforma em heroína e se torna viciado. 17. Teatro: Aqui estão dez técnicas de escrita que podem elevar o drama Uma pergunta faz qualquer pergunta para a qual o público realmente queira saber a resposta enquanto está contando a história. Por exemplo, digamos que você tenha um personagem que está alugando uma cabana O locatário chega, o proprietário dá a chave ao locatário, diz: divirta-se, mas faça o que fizer, fique fora do sótão Essa é uma pergunta de história. O público vai querer saber o que há no sótão Suspense significa fazer com que seu público espere por uma informação que deseja saber O suspense está muito relacionado às questões da história. Toda vez que uma questão de história é levantada, o suspense começa enquanto o público espera pela É bom fazer com que o público antecipe as respostas às perguntas da história pelo maior tempo possível Isso pode ocorrer em várias cenas, talvez até em vários atos. suspense também envolve informações o público deseja em uma cena individual Por exemplo, um personagem está pilotando um helicóptero em uma tempestade e está chegando perto de uma montanha O público vai querer saber se o personagem passa pela montanha com segurança. Mesmo dentro dessa cena, porém, o público terá a resposta até o final da cena. Estendendo o tempo que você gasta para oferecer ao público. Essa resposta aumenta o drama e faz com que o público invista mais nessa resposta. Um penhasco envolve o público prestes a obter uma informação, quer saber e, em seguida, a cena termina pouco antes deles Uma tática frequentemente usada com penhascos é o corte transversal, que você termina a cena logo antes que o público receba a informação que deseja saber Então você vai para uma cena completamente diferente depois volta para a cena em que o público está esperando por uma resposta. Essas idas e vindas ampliam a expectativa. Quando você quiser que o público saiba como é um personagem, não coloque um monte de informações sobre ele, mostre o comportamento do personagem e faça com que o público chegue à conclusão de como ele é O conceito conhecido como mostrar, contar versos pode ser aplicado em qualquer lugar da história em que você descreva algo. Por exemplo, o apartamento de um personagem é quente. Não diga apenas que o apartamento está quente. Mostre o sol brilhando pela janela. Se dois eventos em sua história estiverem conectados e o público puder razoavelmente fazer essa conexão sozinho, você diz ao público há um link que pode atrasar sua história Por exemplo, digamos que você tenha um personagem que não tem muito dinheiro e é um criminoso. E esse personagem em uma cena está andando por uma concessionária de carros sofisticada Você então mostra esse personagem algumas cenas depois, dirigindo um dos carros da concessionária Você não precisa dizer ao público que o personagem roubou o carro O público pode chegar à conclusão sozinho sem que você diminua a velocidade da história para obter essas informações Há duas variações disso. A primeira é quando um personagem sabe algo que o público não sabe. Por exemplo, um personagem lê um e-mail, parece chocado, mas o público ainda não vê o que está no e-mail A segunda variação é o oposto. O público sabe algo que um personagem não sabe. Por exemplo, o público conhece o assassino. Escondido no banco de trás de um carro. Um personagem está caminhando até aquele carro e não tem ideia de que o assassino está dentro. Seu personagem deve ser forçado a fazer escolhas difíceis ao longo de sua história. Isso é conhecido como conflito interno. Para aumentar o drama, você deve mostrar o estresse que um personagem sofre ao avaliar uma dessas decisões Por exemplo, você pode ter um personagem que mal dormiu algumas noites seguidas Uma reviravolta é uma grande surpresa que distorce os eventos da história em uma direção diferente Agora, uma boa reviravolta não deve surgir do nada. Você quer desorientar seu público. Você quer dar ao seu público que essa surpresa poderia ter acontecido, mas você quer realmente enterrar essas pistas longe da vista de todos Por exemplo, digamos que temos uma reviravolta em que se um determinado personagem está revela que um determinado personagem está trabalhando com o vilão principal Se soubermos que o vilão principal é de uma determinada cidade. E isso fica muito claro na história. No início, esse personagem, que faz parte da reviravolta, poderia mencionar casualmente que fez faculdade naquela cidade Se um determinado elemento sua história desempenha um papel fundamental em uma cena, você vai querer apresentar esse elemento de antemão, mesmo que seja de uma forma simples e casual Isso permite que o público saiba que o elemento faz parte do mundo da história. Quando usado mais tarde, parece mais natural. Mostrar o elemento é conhecido como plantá-lo. A recompensa faz parte da história quando o elemento é usado. Por exemplo, digamos que temos um personagem que está em casa e um intruso invade O personagem é capaz de afastar o intruso pegando um taco de beisebol armário e batendo na cabeça do batendo Se o personagem fez isso do nada, pode parecer um pouco antinatural Mais cedo, se você mostrasse o personagem voltando do treino de beisebol e colocando o taco no armário, o problema estaria resolvido. Um relógio correndo é um prazo para alguma ação. Um personagem ou grupo de personagens precisa ser concluído para evitar algo ruim. Por exemplo, digamos que você tenha um personagem que recebe um aviso do banco informando que ele tem 30 dias para arranjar um monte de dinheiro, ou então ele vai perder sua casa. É um relógio correndo. O personagem tem 30 dias de história, vamos acompanhar o personagem tentando conseguir o dinheiro. Com o passar dos dias, a pressão vai aumentar.