Transcrições
1. Introdução: Como artista, sempre tive um profundo fascínio por rostos. Foi uma obsessão minha
ao longo da minha carreira poder atraí-los de uma forma que me excita e cativa o espectador e está cheio de vida fora da página. Olá, meu nome é Chris Hong e sou um artista do Canadá. Quero ensinar-te a subir de nível os teus desenhos de retratos. Ao longo de minha jornada de aprendizado, percebi que há maneiras de levar a complexidade do desenho de retratos e destilá-lo a uma tarefa mais gerenciável. O foco desta aula será destilar alguns desses conceitos avançados de anatomia, iluminação e design em passos práticos que você pode tomar para ajudar a construir seu desenho do início ao fim. Vou compartilhar técnicas que podem melhorar instantaneamente a qualidade de seus desenhos. Tirando-os de um bom desenho e transformando-os em desenhos cheios de vida. O desenho de retrato é um tópico tão grande para cobrir que é quase impossível tentar ensinar em uma única aula de forma eficaz. Para mim, é muito importante que meus alunos retirem algo que possam aplicar diretamente ao seu processo para ajudar a melhorar seus desenhos. Com isso em mente, esta aula é projetada para aqueles que têm alguma experiência prévia com desenho de
retratos e querem melhorar suas habilidades e compreensão atuais. Mas como vamos nos concentrar em trabalhar diretamente a partir de referências
fotográficas e deixá-los guiar-nos através de nossos desenhos, acredito fortemente que até mesmo os iniciantes podem tirar pelo menos uma coisa que pode ajudar a melhor sua compreensão de desenho de retratos hoje. Porque aqui está um segredo, eu não sei tudo o que há para saber sobre a anatomia humana e iluminação e todas essas coisas, mas estou dizendo que isso quase não importa. Você não precisa ser um mestre absoluto de tudo para poder desenhar retratos impressionantes e atraentes. Estou aqui para te ajudar a chegar lá. Então, sem mais delongas, vamos começar.
2. Materiais: Em termos de ferramentas que você precisará para esta aula, estamos mantendo isso muito simples. Tudo que você precisa é seu lápis de grafite favorito, uma borracha amassável, uma borracha normal, um bastão de mistura e um pouco de papel. Eu pessoalmente uso lápis mecânicos porque eu gosto que eu não tenho que afiá-lo, e eu sinto que eu pessoalmente tenho melhor controle sobre ele do que um lápis de grafite normal, mas realmente, qualquer lápis de grafite serve. Certifique-se de que o chumbo é suave o suficiente para ser capaz de fazer alguns valores escuros. Eu recomendaria uma liderança não mais difícil do que HB. Borracha amassável. Uma borracha amassável é ótima para apagar pequenas áreas que podem ser um pouco mais difíceis com uma borracha tradicional. Você pode moldá-lo em um ponto para levantar o grafite de algumas áreas realmente apertadas. Eu gosto de pastar grandes áreas de grafite com ele se eu quiser clarear toda a área mais gradualmente, em vez de ter que apagá-la completamente. Uma borracha amassada dá-te muito controlo, e recomendo vivamente que o tenhas para esta aula. Borrachas tradicionais são úteis para apagar grandes áreas mais rapidamente. Assim, recomenda-se ter a borracha tradicional e uma borracha
amassável . O bastão de mistura. Esta é uma vara de mistura, e eu gosto de usar isso no meu processo de desenho para rapidamente estabelecer manchas de tom. Eu posso cobrir áreas maiores com ele mais rapidamente do que meu lápis, então eu acho muito útil quando se trata de preencher grandes áreas como cabelo. Vou explicar mais sobre como
usá-los na lição de sombreamento que vem na aula. Se você não possui um, usar o stick de mesclagem não é estritamente necessário para o nosso processo, mas eu vou usá-lo em minhas demonstrações de desenho, então experimente-os se quiser. Você deve ser capaz de encontrá-los muito facilmente em sua loja de arte local. Se você está mais confortável com ferramentas digitais,
então, por todos os meios, trabalhe digitalmente em seu programa favorito. Lembre-se, estamos trabalhando em tons de cinza e não lidando com cores nesta aula. Por último, mas não menos importante, precisamos das fotos das quais trabalharemos para nossos desenhos retratos. Mas por onde começamos a procurar um? Na próxima lição, estarei ensinando a arte de encontrar ótimas referências fotográficas com o propósito de desenhar retratos. Se você está pronto, vamos entrar nisso.
3. Como encontrar referências de fotos: A primeira coisa que faço quando vou desenhar um retrato é encontrar boas fotos de referência. Parece bastante simples, mas é um pouco mais envolvido do que apenas uma imagem do Google pesquisando uma foto de um rosto, e algumas fotos são definitivamente muito mais fáceis de estudar do que outras. Nesta lição, vou mostrar-lhe o que procurar ao procurar referências fotográficas que o preparem para o sucesso no seu desenho retrato. A razão convincente. O que te obriga à foto? O que é interessante para você? Uma boa referência de foto deve chamá-lo a querer desenhá-lo por algum motivo. É sobre a intensidade dos olhos? Ou é a maneira como a luz cai sobre as características? Talvez seja apenas sobre o quão interessante você acha que o nariz dela
é, é ousadia e parece muito estrutural e você quer desenhá-lo como se você pudesse alcançar o desenho e apertá-lo. A razão para a inspiração pode ser tão pequena e boba quanto isso. Isto é obviamente sobre gostos pessoais e vai
diferir de artista para artista, mas antes mesmo de ir para o desenho, é importante que a foto tem alguma qualidade para ele que você quer gastar tempo em replicar. Você não tem que entender exatamente o que você é atraído. Às vezes eu nem me conheço quando estou desenhando para certas fotos, e isso se torna mais aparente para mim durante todo o processo de desenho. Mas você terá uma vantagem sabendo o que
é que você deseja destacar antes de entrar no desenho, que você
possa focar toda a sua atenção e energia nele. Por que copiamos alguma coisa? Acho que é porque, como artistas, temos desejo
de destacar a beleza do que estamos vendo. Desenho é a nossa maneira de interpretar como observamos o mundo ao nosso redor. Com tudo isso dito,
por favor, não escolha apenas qualquer foto antiga que você encontrar no Google Images. Pessoalmente, para mim, sinto-me muito mais investido no desenho se me sentir inspirado pela referência de alguma forma. Boa iluminação. Na sua foto, você pode dizer de qual direção a luz está vindo? Se é difícil dizer, há maiores chances de que seja uma foto mais difícil de trabalhar. O que eu quero dizer com boa iluminação? Eu gosto de trabalhar a partir de fotos onde eu posso dizer claramente de onde a luz está
vindo porque torna mais fácil ver onde eu preciso colocar minhas sombras. Ao procurar fotos, procure sombras de elenco. são sombras criadas por um objeto em outro objeto. Se for uma sombra dura, significa que há um contorno visível da sombra, estes são os mais fáceis de trabalhar, já que os contornos são inerentemente mais fáceis de identificar. Os melhores lugares para detectar essas sombras são o pescoço, onde o queixo e a mandíbula podem lançar uma sombra sobre ele, ou sob o nariz ou sob o osso do sutiã. Fotos diurnas na luz solar direta geralmente produzem essas sombras duras que, de outra forma, podem não ser ótimas fotos, mas agora sabemos que há ótimos para desenhar. Clareza de recursos. Isso deve ser escusado dizer que a foto na qual você está trabalhando deve ser alta o suficiente resolução que você não está tendo olhar para ela para ver com o que você está trabalhando. Desenhar é difícil o suficiente como é, então sempre que você pode tornar o processo o mais fácil para você possível, para que você não tenha que saltar através de quaisquer aros desnecessários. Certifique-se de que na sua foto você tenha uma noção clara de como são os recursos. Você não quer ter que fazer qualquer palpite selvagem enquanto você está desenhando. Nós cobrimos o que devemos procurar quando nos aventurarmos para encontrar ótimas referências fotográficas para o seu desenho retrato. Mas quais são algumas coisas para ter cuidado? Aqui estão apenas alguns tipos de fotos que eu acho que pode ser um pouco mais difícil de trabalhar. Fotografia retrato de beleza. Este tipo de fotografia é projetado para ser muito lisonjeiro
e, portanto, é propositadamente iluminado de uma forma onde eles tentam minimizar sombras ásperas, tanto quanto possível. Ironicamente, o que é lisonjeiro nas fotos não é o que achei lisonjeiro no desenho. Tirando essas fotos, você pode pegar maus hábitos e aprender a sombrear de uma forma que faça rostos parecerem muito artificiais porque esse tipo de cenário de iluminação não é o que é apresentado na vida real. Pode ser tentador uma vez que as pessoas nesses tipos de fotos são muitas vezes muito bonitas, mas eu vou recomendar contra eles, pelo
menos nesta fase de aprendizagem. Fotos de celebridades. Além disso, não é uma regra estrita para evitar fotos de celebridades, mas para esta classe eu evitaria usar fotos de celebridades
mais convencionais de Hollywood-tipo como esses tipos de fotos são muitas vezes muito uniformemente iluminados, mesmo que a beleza tipo de fotografia de fotos, e também fortemente aerografado e Photoshopped. Agora que sabemos o que procurar e o que prestar atenção, onde procuramos boas referências fotográficas? As chances são se você está fazendo essa aula e você provavelmente tem um profundo fascínio por rostos. Se você é como eu, você provavelmente gosta de observar estranhos e nerd fora sobre o quão interessante você acha que suas características olhar. Você provavelmente já tem uma pasta salva com fotos dos rostos das pessoas que o inspiram. Mas se você não fizer isso, o Pinterest é um ótimo lugar para encontrar referências fotográficas para praticamente qualquer coisa que você possa pensar. O que é ótimo sobre o Pinterest é que ele já é um pouco curado para você, então, quando você começa sua pesquisa, você não precisa passar por fotos terríveis que você possa encontrar no Google Images. Estas são fotos que inspiraram outros e de alguma forma e as
obrigam o suficiente a serem trazidas para o Pinterest. Sua busca já será mais reduzida. Eu começaria a procurar para cima, inspiração de
retrato ou uma fotografia de retrato ou qualquer coisa ao longo dessas linhas para começar a sua pesquisa. A partir daí, tente encontrar uma foto que fale com você, e quando você clicar nela, Pinterest reorganizará automaticamente esta nova página com imagens semelhantes às que você clicou. Salve essas fotos em seu computador ou fixe-as em seu quadro como uma pasta de referência à qual você pode consultar novamente. Espero ter equipado você com informações suficientes para ir
lá e encontrar ótimas referências fotográficas para seus desenhos retratos. Eu sei que vocês provavelmente estão muito animados para chegar na parte de desenho desta aula, mas antes disso, há um tópico muito importante que eu quero abordar, e é uma lição sobre formas. Na próxima lição, vou cobrir o que os artistas querem dizer com o termo “formas”. Por que é importante, como reconhecer essas formas de nossas fotos e como podemos usar formas em nossos desenhos. Vamos começar.
4. Formas: Vou usar as formas do termo muitas vezes ao longo desta aula. Então eu pensei que eu deveria dedicar uma lição inteira sobre o conceito de formas. Criar formas simples é uma ferramenta que os artistas usavam para organizar valores em seu desenho. Mas por que essa organização é importante? Se você já estudou iluminação na arte, provavelmente já ouviu falar do termo valores de agrupamento, e é aí que as formas entram em jogo. Como você deve saber, a iluminação é um tópico extremamente complexo e avançado para tentar aprender. Mas usar formas é essencialmente o ato de agrupar valores. Então, se você pode entender esse conceito de usar formas, então você já pode começar a aplicar iluminação em seu trabalho. Então deixe-me demonstrar como isso funciona. Aqui está uma das fotos que olhamos na lição anterior que eu uso como um exemplo de ter um forte senso de luz. Se eu quisesse simplificar esta imagem em duas formas, uma sendo a forma de luz, e a outra sendo a forma de sombra, aqui está como eu poderia fazer isso. Então aqui está como seria preenchido, e contra um fundo branco para representar a forma da luz. Isso ainda lê para você como uma pessoa? Espero que a resposta seja sim. Agora, vamos dar uma olhada na foto novamente, mas desta vez eu vou usar o controle de níveis, para empurrar todos os valores nesta imagem, modo que todos os valores escuros são agrupados em preto, e todos os valores mais claros são agrupados em branco. Se olharmos para estes lado a lado, eles são muito semelhantes, menos o fato de que eu agrupei o fundo como parte da forma de luz. Quando os valores são agrupados assim, podemos sentir claramente uma sensação de luz e forma. Esta forma de luz e sombra é como nossos olhos são capazes de ler uma determinada foto ou imagem. Neste ponto, você pode estar se perguntando, bem, isso é legal e tudo mais, mas eu não quero desenhar assim. Não quero desenhar Banksy, quero desenhar um realismo. Bem, meus amigos, é assim que você alcança a qualidade do realismo em seus desenhos. Isto é o que os artistas usam para ajudá-los a condensar as complexidades dos valores até passos muito práticos e gerenciáveis. Porque acredite em mim, eu não sei tudo o que há para saber sobre iluminação, mas eu ainda sou capaz de ter uma sensação de luz no meu trabalho, por causa dessa compreensão de usar formas. Deixe-me demonstrar novamente usando uma pintura de John Singer Sargent como exemplo. Sargento era conhecido por seu grande domínio de valores e eu
recomendo fortemente estudar suas obras para obter uma melhor compreensão deste conceito. Eu levei esta foto para o Photoshop, para mostrar como se eu empurrar os valores nesta peça para agrupar em uma forma de luz ou forma de sombra, quão claramente este retrato ainda lê em preto e branco. Então, a partir desta versão em escala cinza do retrato, eu pego uma ferramenta Conta-gotas e passo o mouse sobre as áreas mais leves, onde ela seria agrupada na forma de luz. Veja como o pequeno cursor que nos diz que cor estamos escolhendo na roda de cores se move enquanto eu passo o mouse sobre esta área na pintura. Observe como ele salta muito juntos nesta faixa superior de valores. Agora, quando eu pego a ferramenta Conta-gotas e passo o mouse sobre a área de sombra, observe que ela é muito mais escura, e ela não se aproxima da faixa de valores perto da parte superior da roda de cores, quando eu estava pairando sobre os valores de luz. Isso ocorre porque o sargento era um mestre em agrupar seus valores, de
modo que havia uma clara separação entre luz e sombra, mas também grande variedade dentro dessas formas que o
tornam mais interessante do que apenas um preto e branco imagem. Estudando a partir dos desenhos desses antigos mestres, você pode aprender muito sobre onde eles gastaram grande parte de seus esforços. É extremamente útil bloquear em seu desenho em formas como esta porque então é muito mais fácil ver onde você vai sombrear em seus valores mais escuros. Porque sem ele, você tem uma quantidade quase infinita de valores para tentar trabalhar, mas depois de agrupar esses valores em duas formas separadas, agora é um pool muito mais estreito de intervalo de valores para escolher. Quando você entra no desenho sem primeiro estabelecer a declaração de valor simples de luz e sombra, há um risco muito maior de que o desenho se sinta plano e sem graça, porque seus valores podem estar por todo o lado, jogando fora a ilusão da luz. Para ajudar a solidificar ainda mais essa compreensão das formas, vamos dar uma olhada em mais algumas fotos e ver como podemos agrupar os valores que estamos vendo nessas duas formas simples. Se você estiver curioso sobre como estou fazendo esse exercício, eu só levo a foto para o Photoshop crio uma nova camada cheia de branco com a opacidade mais baixa para me ajudar a ver melhor minhas linhas. Então eu pego um pincel redondo duro e basta pressionar a “tecla Shift” para o próximo ponto que eu quero fazer, para fazer uma linha reta em frente ao meu ponto anterior. Eu uso linhas retas para que eu não me perca
nas nuances de cada pequena colisão nos formulários. Acho que a forma parece mais estrutural com linhas retas. Estou tentando decidir onde colocar as linhas para
dividir a área de sombra da área de luz. Algumas áreas são mais sutis em suas mudanças de valor do que outras, e por isso nem sempre é fácil saber onde colocar uma linha. Durante este processo, eu gosto de esconder essas camadas e verificar novamente
na foto periodicamente para ver se as formas estão parecendo bem, porque se parece um pouco engraçado, então provavelmente significa que está errado. Nesse caso, vou redesenhar até que comece a ler melhor. Ao longo destes exemplos, você provavelmente terá notado que as feições também estão agrupadas nessas formas simples. Isso é muito importante notar, porque para usar formas de forma eficaz, você tem que treinar seus olhos e cérebro para esquecer o que você acha que sabe sobre o que algo parece. Tente não ver um olho como um olho ou um nariz como um nariz, mas como manchas de diferentes valores. É por isso que procurar fotos com um forte senso de luz é tão importante como mencionei em nossa lição anterior, para que você possa identificar mais facilmente essas formas, para que você saiba onde usá-las. Esta maneira de ver as coisas anteriormente familiares de repente em abstração, é muito difícil de obter sua cabeça em torno de primeiro lugar. É preciso prática constante e reafirmar seu conhecimento através dele. Espero que agora você tenha uma melhor compreensão de identificar e usar formas, porque é realmente imperativo no meu processo e alcançar a qualidade de vida e a credibilidade em meus desenhos retratos, mesmo que eles estejam no mais lado estilizado. Se até agora isso tem sido toda nova informação para você e passou por cima de sua cabeça um pouco, deixe-me tranquilizá-lo que em nossa classe, nós vamos estar trabalhando com referências fotográficas, que espero fazer este trabalho de desenhar formas muito mais fáceis do que tentar desenhar de nossa imaginação, e ter que inventar tudo por conta própria. Então não entre em pânico, leve o tempo que precisar. Pode ficar mais claro para você, à medida que formos mais longe em nossa classe, uma vez que realmente testamos esse conceito em nossos desenhos. Para testar sua compreensão deste conceito antes de seguir em frente com o resto da turma, eu gostaria de incentivá-lo a fazer alguns exercícios para identificar e desenhar formas. Se você tem o Photoshop, eu tentaria desenhar formas sobre algumas fotos em uma nova camada como eu tenho demonstrado nesta classe. Se você não tiver acesso ao Photoshop ou a outro software de desenho digital, basta tirar uma impressão de algumas fotos e desenhar diretamente sobre elas. Ou pegue algum papel de rastreamento para que você possa praticar várias vezes. Treine seus olhos para identificar onde você pode transformar certas áreas nessas formas, e obter uma sensação de desenhar formas geométricas simples porque esta é uma habilidade muito valiosa para ter como artista. Se você é persistente e começa a ver oportunidades de transformar coisas complexas em formas, e começar a aproveitar o poder de usar formas, eu prometo que esse é realmente o segredo para tirar suas habilidades de desenho para o próximo nível. É uma ferramenta que você estará usando, não apenas no desenho de retratos, mas em todos os aspectos do desenho e da pintura. Então eu realmente espero ter enfatizado a importância disso o suficiente nesta lição, porque se alguma coisa mais, esta é a maior vantagem que eu espero que você saia com nesta aula. Mas é claro, ainda há muito por vir. Até agora você deve ter uma ótima referência fotográfica inspiradora para trabalhar, e a compreensão das formas para levar com você para o estágio de bloqueio onde tudo isso entra em jogo. Vamos entrar nisso.
5. O Block-in: O bloco de entrada. O block-in é possivelmente o estágio mais importante no processo de desenho de retratos. É como um projeto para o seu desenho que vem com um conjunto de instruções muito úteis. Deve dizer-te o tamanho do teu desenho em relação à superfície em que estás a trabalhar. Ele também deve dizer-lhe onde colocar os recursos, e espero que ele deve dizer-lhe como abordar o sombreamento esses recursos para que você saiba onde colocar seus esforços. Desenhar a cabeça humana é um desafio, por isso é vital ter um plano para ela. Nesta lição, vou demonstrar várias maneiras que gosto de abordar meus blocos. Vou discutir o que devemos procurar em um ótimo bloco e apresentar dicas sobre como colocar as coisas com precisão, como identificar pontos de referência para ajudar a colocar recursos em seu desenho. Até o final da lição, você deve estar bem equipado bloco em seu desenho retrato para o sucesso. Em nossa lição anterior, eu mostrei como você pode identificar e desenhar formas de sombra a partir de referências fotográficas. Mas como você desenha a estrutura subjacente da cabeça? Eu acredito que se você aprender a dividir a referência
da foto em formas simples e reconhecíveis, e se familiarizar com certos pontos de referência que você pode rapidamente indicar para mapear facilmente o rosto, então você não tem que ter uma compreensão completa dos planos do rosto ou da anatomia subjacente antes de saltar para o desenho retrato. Afinal, todos nós temos que começar em algum lugar, e eu não acredito que eu tenha uma compreensão completa da anatomia eu mesmo,
mas eu me treinei ao longo dos anos para saber exatamente o que olhar para fora, a fim de desenhar a cabeça eficazmente. Com tudo o que disse, vamos dar uma olhada nesta foto e ver como eu decompus por se aproximar do bloco. Quero ilustrar o que se passa na minha cabeça quando estou olhando para uma referência fotográfica, e analisando como posso desenhá-la. Quando olho para uma foto, tento não me perder nas nuances de tudo o que estou vendo. Em vez disso, tentando escolher
os principais pontos de referência que posso usar para indicar rapidamente no meu desenho, para ajudar a servir como pontos de ancoragem que eu possa medir para preencher o resto do rosto. A definição de quais marcos são em um rosto provavelmente diferirá de artista para artista, mas para mim, eles são os seguintes: os cantos da boca, a linha da boca, a parte inferior do lábio, as narinas e as partes inferiores do nariz, a bola
do nariz, o cume
do osso da testa que se encontra com o nariz, os cantos internos dos olhos, as órbitas oculares, maçãs do rosto e a linha do cabelo no tamanho das orelhas. Esses marcos são as partes facilmente reconhecíveis em todos os rostos das pessoas. Ao indicá-los em nossos desenhos cedo, eles nos ajudam a preencher o resto do rosto. Observe que estou tentando usar linhas retas o máximo possível. Isso porque o uso de linhas retas ajuda você a percorrer complexidades
desnecessárias que você pode ver na superfície, e isso ajuda você a obter o ângulo geral em vez disso, ou um resumo do que está acontecendo. Observe como seu cabelo está um pouco confuso aqui e, portanto, é um pouco mais difícil ver como desenhá-lo de forma simples. Isto é o que eu não recomendo, que é copiar o que você vê linha por linha, pegando todos os pequenos pêlos flyaway e as curvas que você vê por aqui. Em vez disso, veja além dos cabelos para obter a forma geral do cabelo por baixo. Esta é uma dica realmente grande e algo que melhorou drasticamente a qualidade dos meus desenhos retratos, que é usar linhas retas sempre que puder para uma afirmação mais forte e simples. Afinal, uma única linha reta é mais fácil para nós medir e desenhar, do que uma série de linhas diferentes indo em muitas direções diferentes. Eu acho que usar linhas retas sobre linhas curvas me dá uma melhor noção da estrutura. Espero que você possa ver como, colocando esses marcos em, torna-se muito mais fácil desenhar as formas gerais das características a partir daí. Ao longo do tempo, você começará a reconhecer essas formas semelhantes, e desenvolvê-las como abreviaturas para usar para características de desenho. Essas formas abreviadas obviamente mudam dependendo das características individuais da pessoa. Sem mencionar diferentes expressões e ângulos de
visão mudarão vastamente a aparência deles. Mas observe que ainda existem semelhanças subjacentes. Todos eles parecem ter uma estrutura semelhante, e isso é porque nossos crânios têm estrutura semelhante apesar
das diferenças únicas que nos fazem parecer diferentes uns dos outros. O maior erro iniciantes tendem a fazer quando vão desenhar a partir de referências fotográficas, é tentar copiar tudo o que vêem linha por linha. Isso resulta na criação de linhas que não são confiantes, não intencionais
e inúteis , que não prestam a um senso de estrutura. Eu recomendo se este conceito de identificar marcos e desenvolver uma abreviação para formas é novo para você, então tente praticar sua compreensão fazendo o mesmo tipo de exercícios que eu fiz. Porque ter isso em seu kit de ferramentas permitirá que você desenhe mais rápido e acredite ou não, com
mais precisão e estrutura do que copiar uma linha de foto para linha. Agora que temos uma compreensão de identificar pontos de referência e desenhar formas abreviadas para os recursos, vamos dar uma olhada em alguns dos meus desenhos de blocos e ver como eu os abordei. Eu normalmente começo de duas maneiras; desenhando um círculo para representar a colocação da cabeça na página, ou eu tento obter a silhueta da forma geral da cabeça primeiro. De lá, meço até o queixo para obter o comprimento geral da cabeça. Então, do queixo, estendi a linha de volta
ao círculo para obter um ângulo geral para a linha da bochecha, e bem como a linha da mandíbula, depois encontrando a silhueta geral da cabeça. Eu desenho linhas horizontais principalmente para me ajudar a tocar os olhos corretamente ao longo do mesmo plano, para que eles não se sintam mal. As linhas verticais são úteis para saber onde está o meio do rosto, que eu
possa aplicar o prereshortening adequado para as características do lado dos rostos, recuando em perspectiva. Isso também é conhecido como linhas médias, e eles ajudam a mostrar a perspectiva em que o rosto está. Depois de obter a colocação geral da cabeça para baixo na página, você verá que esses marcos são tipicamente o que eu começo os blocos com. Então eu encontro as características dos marcos e preencho o resto do rosto a partir daí. Uma vez que algumas coisas são mais fáceis de jogar algumas outras dependendo da referência, bloquear em uma coisa, em
seguida, usar isso como um guia para preencher o resto como um quebra-cabeça é geralmente como eu gosto de abordar meus blocos. Uma coisa lhe dá contexto para várias outras coisas ao redor, então meus olhos estão sempre pulando usando a última coisa que eu
coloquei no papel como um guia para me ajudar a fazer meus próximos movimentos. Ao trabalhar com referências fotográficas, sou mais fã de apenas ver o que está lá na foto, do que colocar organicamente as peças do quebra-cabeça juntas, começando com as medidas mais fáceis de identificar primeiro, em seguida, construindo para fora de lá. Eu não tenho uma maneira estrita de me aproximar deles, e muitas vezes depende da foto, como eu vou fazer isso. Como podem ver, estou a tentar obter o resumo geral dos grandes ângulos que estou a ver. Eu não estou tentando pregar todas as nuances que eu vejo na superfície imediatamente, que pode vir mais tarde uma vez que eu primeiro estabelecer o quadro básico. Agora que suas formas principais estão aproximadamente no lugar, eu entro para pegar as nuances do rosto dela. Teria sido muito mais difícil para mim tentar tirar este conjunto de ângulos mais complexo do que apenas esta linha única que representa o resumo geral desta área. Li através da boca desde que senti que não capturei a leveza dela no meu passe inicial. Não tenha medo de redesenhar as coisas. Queremos cometer nossos maiores erros durante este estágio de
bloqueio antes de entrarmos no sombreamento. Lembrem-se, nada está em pedra neste momento. No final, o que você vê é um desenho em bloco onde eu planejei
as características, bem como algumas das formas de sombra que eu vi na foto. Tenha em mente que parte das feições também se enquadram na categoria de forma de sombra. Enquanto desenho, estou pensando em frente e tomando nota do que estou agrupando como parte da sombra e, portanto, onde vou sombrear. Se isto não te excitar, não te preocupes, vamos construir a partir disto até ao fim da linha. Prometo que assim que começares a
sombrear, começará a fazer mais sentido. Antes de passar para a próxima lição, eu gostaria que você colocasse alguns desses conceitos e dicas em prática, e tenha uma sensação de bloqueio em seus desenhos retratos. Encontre algumas fotos ou use as mesmas que eu trabalho e pratique o block-in em algumas cabeças. Mas primeiro, familiarize-se com a identificação de pontos de referência e pratique indicá-los rapidamente em seu desenho, para ajudá-lo a desenhar os recursos com mais precisão. Pratique indicando os recursos em poucas linhas quanto possível usando linhas
retas no lugar de muitas linhas inúteis para obter a impressão geral do que você está vendo. Espere até obter a declaração simples da cabeça primeiro, antes de passar a obter todas as nuances das características e estrutura facial. Mas lembre-se, você não tem que levá-los a um final, e eles certamente não precisam ser chiques. Um block-in é apenas para você, um conjunto especial de instruções para você seguir e não realmente ninguém mais. Eu também encorajo que você documente seu próprio processo de bloqueio, e observe como ele pode diferir do meu para obter alguns insights sobre sua própria mente e processo de trabalho. Já que está nisso, não se esqueça de tirar algumas fotos. Ser capaz de olhar para trás para este estágio de blocos, pode ser muito interessante para comparar mais tarde com o seu desenho acabado. Para não mencionar, faz um ótimo post no Instagram quando você compartilha seu progresso. Até agora, espero ter compartilhado conhecimento e
ferramentas suficientes com você para prepará-lo para um ótimo desenho de retratos. Mas antes de entrarmos na parte divertida de construir o desenho, vamos retocar o sombreamento, na próxima lição, nos vemos lá.
6. Sombreado: Antes de começarmos a construir o nosso desenho, quero tocar rapidamente no sombreamento. O que quero dizer com sombreamento? Sombreamento é o ato de aplicar um valor mais escuro para indicar onde o formulário se transforma da luz. Uma vez que esta parte da forma está voltada contra a luz, nós sombreado mais escuro para indicar que está na sombra. Para nossos propósitos e o que eu quero que você se afaste desta classe, será tomar as formas de sombra que
bloqueamos na lição anterior para nos guiar para onde a sombra. Vamos nos concentrar mais em colocar até mesmo manchas de tom, em
vez de criar gradientes de tom que pode ser uma maneira mais familiar de moldar para alguns. Queremos criar manchas de tom tão uniformes quanto possível, porque em nossos desenhos, queremos que nossa declaração de iluminação brilhe não necessariamente a marca individual. Não se preocupe, haverá espaço para brincar com a criação de marcas assim que estabelecermos firmemente uma base sólida para o nosso desenho. Quando eu sombra, eu não estou preocupado em tentar criar um olhar atraente com qualquer técnica especial de sombreamento, porque eu não acredito que eu tenho uma. Isso é realmente uma grande notícia para esta classe, já que isso significa que o que faz meu desenho de retrato se destacar, não é devido a algo que pode ser difícil de replicar e aplicar em seu próprio trabalho. Se você tem uma maneira de se aproximar do sombreamento que pode ser diferente do meu, eu encorajarei que você tente da maneira que eu demonstrei a classe pelo menos enquanto ainda estamos construindo nosso desenho. Eu geralmente gosto de manter minhas linhas indo na mesma direção dentro de cada patch de sombra com o qual estou trabalhando para mantê-la o mais uniforme possível. Linhas indo em todas as direções diferentes, criarão muito ruído e arriscarão algumas áreas ficando desnecessariamente mais escuras do que outras por acidente. Aqui está o maior erro que os iniciantes tendem a cometer quando se trata de sombreamento, que é misturar entre suas luzes e suas sombras. A mistura é desencorajada porque queremos preservar as formas que fizemos, distinguindo entre a luz e a sombra o mais
claro possível durante o maior tempo possível. Misturando entre eles, irá desfocar essas linhas diluindo a declaração de valor que acabamos de fazer. Felizmente para nós, porém, podemos evitar fazer isso porque já bloqueamos as
formas de sombra para que saibamos exatamente onde sombrear e concentrar nossos esforços. Agora, vamos falar sobre o bastão de mistura porque há algumas coisas a saber antes de usá-lo. Você pode incliná-lo para o lado para usar uma ampla borda exposta do bife para estabelecer uma rua de tom. Você também pode usar a ponta do stick para uma aplicação mais controlada para entrar em áreas menores. Eu costumo usar o bastão de mistura quando eu queria
colocar rapidamente uma camada uniforme de tom em uma área grande. Às vezes eu vara de mistura utilizável para suavizar algumas das minhas linhas de sombreamento quando eles são um pouco irregular e inconsistente olhando, e, portanto, distraindo. O manípulo de mistura pode ser muito útil para diminuir o contraste pois ajuda a suavizar quaisquer arestas, variantes e valores que distraem. Mas eu tento usar isso o mais moderadamente possível e tento não usá-lo em todo meu desenho, uma vez que tem uma tendência a fazer as coisas parecerem muito suaves por todo o lado. Eu sempre tenho meu lápis na mão para desenhar de volta algumas
das linhas que podem ter ficado um pouco mole com o bastão de mistura. A maior coisa a ter em mente é, novamente, não
use um bastão de mistura para misturar entre as formas de luz e sombra. Eu sei que é um pouco contrário ao seu nome, mas misturando entre um valor escuro e
um valor de luz para criar uma transição uniforme entre eles, é realmente um pouco difícil de fazer com o bastão de mistura e eu muitas vezes
acho que eu tenho melhores resultados e mais controle se eu fizer isso a lápis. Em última análise, como você sombra, é uma escolha artística pessoal, mas para o propósito desta aula, eu sugiro mantê-lo limpo e até mesmo para começar. A principal vantagem desta lição, é manter o sombreamento simples mesmo intencional, e usar uma mão leve para começar. Temos algum espaço para construir os valores mais sombrios à medida que avançamos. Próximo passo, estamos finalmente prontos para começar a construir um retrato desenhos.
7. Como criar o desenho: Agora estamos finalmente prontos para começar a construir nosso bloco e desenvolver nosso desenho de retrato. Mas como devemos proceder? Depois de ter feito muitos desenhos de retrato para se preparar para esta aula, identifiquei e dividi meu processo em etapas gerenciáveis que você pode seguir junto com. Mas, por favor, note que enquanto vou apresentar esta lição em etapas, quando estou construindo em meus desenhos, eu tenho tendência a saltar de passo a passo. Pegue o que puder do meu processo destilado e construa seu próprio processo em cima dele que melhor se adapte ao seu próprio ritmo de desenho. Com isso dito, vamos começar. Preenchendo as formas de sombra. Aqui é onde nossas formas do bloco no palco realmente entram em jogo porque eu concentro toda a minha atenção nessas áreas. Se você foi diligente em seu bloco em e você bloqueou suas formas de sombra como este, então esta parte do processo deve realmente ser tão fácil como colorir em um livro de colorir. Eu só estou procurando as formas que eu tinha desenhado no bloco no palco e
sombreando-os com um tom claro para começar a construir nossa declaração de iluminação. Quando estou sombreando, estou tentando aplicar meus traços da forma mais uniforme e consistente na pressão possível para não criar nenhuma mudança de valor desnecessária dentro da sombra. Há certas áreas no bloco em que eu não tinha certeza se a bloquear como parte da forma de luz ou parte da forma de sombra, como as bochechas ou partes do cabelo, por exemplo, porque as mudanças de valor nessas áreas foram mais sutil na foto. Gosto de deixar áreas complicadas como esta para mais tarde. Tento evitar o sombreamento nas áreas claras até todas as formas de sombra que bloqueei tenham sido sombreadas. Uma vez que você começa a sombrear as áreas claras e trazer valores mais escuros para
ele, ele fica confuso com as formas de sombra
neste estágio inicial, quando os valores ainda não foram construídos. Tento manter estas áreas tão separadas quanto possível. Pense de volta para nossa lição de forma novamente sobre esta quebra de ossos
nuos de valores em luz e sombra. Quando estou sombreando, estou tentando manter essa afirmação simples em
mente apenas o que está na luz e o que está na sombra,
tentando descobrir quais áreas precisam ser sombreadas paraque eu
possa chegar o mais mente apenas o que está na luz e o que está na sombra, tentando descobrir quais áreas precisam ser sombreadas para perto possível da declaração. Esculpindo as características. Depois de preencher suas formas de sombra, seu desenho deve ser parecido com isso. Com a camada inicial de sombreamento no lugar, torna-se mais fácil para mim ver onde as coisas precisam ir, então eu me sinto mais confiante entrando com marcas mais escuras para começar a destacar os recursos. Eu [inaudível] com o palco de escultura porque
realmente sinto como se eu estivesse esculpindo as características, como se eu estivesse esculpindo, se comparando o estágio anterior para moldar grosseiramente as principais formas de um busto. Agora estou começando a estreitar e lascar lentamente as características e descobrindo-as a partir das formas de sombra. Concentro-me primeiro os meus esforços nas principais características, especialmente nos olhos, uma vez que muitas vezes é o ponto focal de um retrato. Estou sendo mais cuidadoso com as marcas que estou fazendo porque eu estou indo em um pouco mais escuro agora e eu quero começar a obter as nuances dos recursos para baixo cedo. É importante lembrar de não ficar muito escuro
neste ponto , porque ainda queremos deixar algum espaço para construir nossos valores e valores muito escuros muito cedo
nesta fase podem descartar as relações de valor. Queremos construir aos nossos valores das trevas gradualmente. Você deve estar se perguntando, enquanto você está me vendo desenhar este retrato, que tudo isso parece dolorosamente lento, isso é porque é. Cada marca que faço, estou fazendo uma pausa e verificando se parece certo. Eu quero ter certeza de que estou configurando o desenho para o sucesso, já que como eu me sinto sobre como o desenho está indo é muito crucial para o seu resultado. Preciso sentir que está indo bem e que está indo na direção certa e desenvolver o desenho ainda mais me ajuda com isso. Tome o tempo para desenhar cuidadosamente as coisas direito na primeira vez, como obter a forma certa para as narinas e obter a distância certa das pálpebras. As pequenas nuances das características do assunto em mãos, sinto que realmente faz a diferença no retrato geral, e por isso vale a pena fazê-lo mais cedo do que mais tarde. Eu quero saber quando eu vou para a construção adicional
dos valores que eu estarei trabalhando fora de uma boa base. Uma vez que eu me sinto mais confiante no desenho, eu começo a escolher algumas linhas para ajudar a fortalecer o senso de formas e eu
limpo minhas formas à medida que eu vou desenhando em torno delas que elas pareçam mais propositadas e projetadas. Construindo os valores para fortalecer a declaração de iluminação. Com as características começando a parecer mais definidas e desenhadas de uma forma agradável aos meus olhos, sinto-me confiante em ir mais longe para desenvolver a gama de valor
no retrato e aprofundar algumas das formas de sombra para um desenho mais dinâmico. Como eu mencionei antes, estamos colocando a maior parte do esforço nas formas de sombra, então isso é realmente apenas sobre camadas em cima do sombreamento que já fizemos na primeira parte do processo de construção. Eu lentamente trazer as formas para fora das características, bem, colocando esses valores mais escuros. Repare como eu quase não fiz nenhum trabalho nas áreas de luz. Isso porque a maior parte da informação visual está nas áreas de sombra, não na luz. Embora, quando eu começar a trabalhar na forma de luz, eu tento ter uma mão realmente leve com ele para
que eu não confunda essas áreas com a forma de sombra. Como todos se lembram de nossa lição de forma, lembrem-se de como John Singer Sargent manteve seus valores na luz. Temos que fazer o mesmo em nosso desenho para cada área para ler como luz e sombra. Qualquer marca que colocamos na área de luz que
bloqueamos tem que ser mais leve que a área de sombra. Meus olhos estão constantemente pulando ao redor do desenho e de volta para a referência da foto, vendo onde eu posso melhorar o desenho, se ele está ficando melhor semelhança ou fazendo formas de sombra
mais limpas e geométricas fora do sombreamento que eu fiz. Estou sombreando, ficará mais aparente para mim se eu não tivesse agrupar algo na forma da sombra, ou vice-versa na forma da luz. Vou redesenhar algumas das formas à medida que avanço, seja escurecimento e área ou apagando e levantando o valor de volta. Neste ponto, estou tentando definir as bochechas mais que o rosto se sinta mais tridimensional. Você pode ver aqui que eu estou empurrando esta parte da bochecha para a sombra moldada por escurecê-la mais porque não parecia suficientemente escuro. Eu estou tentando encontrar a melhor e mais atraente maneira de redesenhar esta forma por aqui, já que eu sinto que esta área é um pouco ambígua e ocupada ao olhar para a forma negativa. Decidi combinar as formas de sombra desta área para uma afirmação mais simples. Observe como eu percorrer toda a área uniformemente com o sombreamento para misturar as formas e ajudar a tornar essa área mais coesa. É importante notar que você pode manter as coisas flexíveis e fixas à medida que avança. Se uma área que você agrupou como parte da sombra se sentir muito pesada e escura, talvez ela pareça melhor na forma clara e por isso precisa ser iluminada ou talvez até mesmo apagada completamente. Você não precisa ter as formas desenhadas perfeitamente para começar, eu estou sempre redesenhando minhas formas como eu vou junto no desenho. Estou começando a prestar mais atenção ao cabelo deste ponto. Então eu percebi que a área inferior de seu cabelo estava se sentindo muito complicada com todas as linhas indo em diferentes direções e os valores variados que estavam lá. O que aconteceu é que eu me perdi nas nuances do cabelo lá, tentando escolher cada fio individual de cabelo saindo, em vez de ver a grande forma geral do cabelo. Eu peguei o bastão de mistura e borrei as linhas para formar uma forma maior e mais simples. Eu gosto de trabalhar no cabelo mais tarde
no processo e concentrar meus esforços no rosto primeiro, já que o cabelo é mais de uma forma secundária que fica no topo da estrutura subjacente da cabeça. Além disso, eu só acho o cabelo um pouco difícil de abordar às vezes, especialmente quando eu não reconheço imediatamente as formas dentro deles. Eu gosto de deixar o desenho se desenrolar primeiro para que eu possa projetar as formas enquanto eu vou junto. Quando eu estou construindo os valores na imagem e fortalecendo a declaração de valor que fizemos com as formas de sombra, eu gostaria de me perguntar, há algum valor branco distraindo dentro das sombras? caso afirmativo, considere derrubá-lo com o bastão de mistura ou sombreamento sobre ele. Sempre desconfie de qualquer coisa no retrato que se destaca e chama muita atenção, e considere se voltar para as formas simples é, em última análise, uma melhor afirmação geral, e algo que lê como confuso e Confuso. Priorize uma leitura das grandes formas simples primeiro, então podemos trazer os detalhes para cima mais facilmente. Finalizando o desenho. Este é o palco ou eu me sinto confiante o suficiente na direção o retrato vai realmente começar a se comprometer com o que eu tenho para baixo na página. Agora que construímos nossos valores e nossa declaração de iluminação o suficiente, estou mudando meu cérebro para pensar mais em termos de design e desenho e linhas que
solidificam o retrato e criam um roteiro visual atraente para o ponto focal. Eu acho que por este ponto, eu estou olhando menos para a referência da foto e mais trabalhando fora do que eu tenho para baixo na página para descobrir meus próximos passos. Você vai notar que eu estou pulando de um ponto para outro ao redor do retrato, e isso é porque eu estou constantemente recuando e tentando olhar para o quadro geral quando eu estou fazendo essas marcas finais e o desenho. Sempre que faço uma marca, isso afeta a aparência de toda a imagem e sinto a necessidade de equilibrar essa marca anterior de alguma forma. Cada marca que você faz na página é peso visual, e por isso precisa haver alguma consideração de como isso afeta a composição geral do desenho. Por exemplo, eu queria que o cabelo do lado direito se sentisse realmente brilhante, então eu estabeleci um valor mais escuro para o fundo para que ele tenha algo para contrastar. Perceba que assim que comecei a colocar um monte de marcas neste canto, meu instinto é pular para o canto oposto
da imagem ou equilibrar a forma visual que acabei de criar. É importante observar como cada marca que você faz lhe dá mais contexto para desenhar em termos do que fazer e do que não fazer. Quando você se sentir preso, basta seguir em frente e desenhar um vem à mente e ir a partir daí. Mesmo que acabe sendo um erro que você tem que apagar, ele ainda vai ajudar a informar seus próximos movimentos. Algo que eu fui atraído para a foto inicialmente foram os fios de cabelo perdidos que têm tanto movimento neles, e eu definitivamente queria usar ritmos para chamar a atenção de volta para o rosto. Algo que eu realmente gosto de fazer nesta fase é ver o desenho abstractamente para extrair elementos de design do próprio desenho. Por exemplo, eu estava vendo este crescente escuro como forma formando aqui e estava ajudando a equilibrar a grande forma de sombra do outro lado. Observe também a forma pelo cabelo aqui que também é semelhante. Eu fortaleço a forma dele para que ele fosse mais reconhecível, não por qualquer senso de lógica real, mas porque eu gostei dele como um elemento de design. Uma vez que eu fortaleci essa forma, eu realmente senti que essas três formas enquadrar o rosto muito bem. Ver formas semelhantes como esta sendo repetidas em outras partes
da imagem faz com que o design se sinta mais coeso e intencional. É mais fácil e parece mais natural tirar o que já está no papel em vez de tentar impor algum elemento de design arbitrário na imagem após o fato. Quando estou perto do final do desenho do retrato, gosto de dar uma última olhada nos recursos para ter
certeza de que estou tendo a impressão que eu quero com eles. A natureza desta referência fotográfica e também o rosto do modelo têm uma vibração muito angélica. Em vez de deixar sua expressão facial mais neutra como está na foto, eu decidi dar-lhe um pouco de um sorriso, então eu levanto os cantos de sua boca ligeiramente para que sua expressão fosse menos vaga e mais intencional. É uma coisinha tão pequena, mas eu sinto que faz uma enorme diferença na aparência geral da imagem. Em última análise, você decide o que você coloca na foto. Sinta-se livre para tomar certas liberdades artísticas como esta, porque não há nenhuma regra que diga que temos que copiar a foto como a vemos. Como artistas, temos o poder e a permissão para
manipular certos elementos para se adequar à nossa afirmação desejada. Neste ponto do processo, devemos ter um desenho que parece terminado. Mas o que faz um desenho parecer acabado? Eu fiz uma pequena lista de verificação que você pode ver se seu desenho está chegando perto. Enquanto eu passar por esta lista de verificação, vamos dar uma olhada neste retrato do início ao fim para ver como tudo se junta. Os recursos são lidos? As características estão se sentindo mushy e plana no rosto? Se assim for, as chances são que você provavelmente ainda precisa construir seus valores mais escuros para que eles sintam que eles têm um senso de forma. Enquanto meus recursos começam a se sentir um pouco mole e perdido, eu gosto de reverter para o modo de desenho e apenas atraí-los de volta para fora, embora ser leve entregue com astronauta criar contornos desnecessários. A direção do olho está clara? Isso soa bastante simples, mas acho que a execução dos olhos pode realmente fazer ou quebrar o desenho do porsche. Apenas um pouco de discrepância em como a íris está sentada dentro do olho e quanto a tampa está cobrindo a íris faz uma enorme diferença em como percebemos a direção do olho e a expressão dos olhos. Cruzar constantemente com a sua referência fotográfica para ver se a intenção
dos olhos está traduzindo para o seu desenho realmente ajuda a fazer uma grande diferença. Arr há valores de luz distraindo dentro das sombras? Certifique-se de digitalizar o desenho em busca quaisquer valores de luz na forma de sombra que estejam distraindo, porque ele pode descartar a leitura dele. Um rápido passar por cima com as varas de mistura não
deve essas áreas para baixo para que eles não chamar muita atenção, e atraente senso de ritmo. Os ritmos e o desenho levam de volta aos olhos? Ritmos é um conceito pouco abstrato e isso tem sido difícil para mim tentar explicá-lo. Mas eu gosto de verificar se os ritmos e a imagem que é criada
pelos elementos secos são compostos de
uma forma que, em última análise, leva ao ponto focal da imagem. Mesmo nos desenhos das pessoas que são muito soltos, se os ritmos e o desenho são bem sucedidos em chamar a atenção para o ponto focal e o ponto focal tem uma recompensa suficiente ou o espectador, então até mesmo um desenho solto ou pintura se sente acabado. Quanto mais longe eu vou em minha própria jornada de arte, eu acho que um retrato cuidadosamente projetado parece mais acabado e impactante do que um retrato que acabou de ser renderizado de cima para baixo. Esta é apenas uma pequena lista de coisas, eu verifico para ver se a minha sensação de desenho é feito. Observe que eu disse sentir porque este é um assunto muito subjetivo e acabado significa algo muito diferente para cada artista. Mas acho que é um bom lugar para começar. Desde o início desta aula, meu objetivo era configurá-lo com o conhecimento e as ferramentas para ser capaz de tirar sua referência fotográfica e construir um desenho sólido de retrato a partir do zero. Mas e se pudéssemos ir mais longe daqui? Na próxima lição, vou apresentar alguns conceitos que estão envolvidos no que eu acho que faz um desenho um ótimo, para mostrar como levar seu desenho para o próximo nível.
8. Técnica técnica: para Lixar linhas desnecessárias.: Perdendo linhas desnecessárias. Esta técnica é onde eu tento suavizar ou mesmo perder completamente quaisquer linhas que eu me sinto desnecessário na imagem para uma declaração mais limpa geral. Isso ocorre porque os contornos não são como a vida real é apresentada. Nós precisávamos deles mais cedo no processo de desenho para saber onde as coisas vão em nosso desenho, mas agora podemos nos dar
ao luxo de perder alguns, pois eles podem descartar a qualidade do realismo que queremos alcançar com nossa declaração de iluminação. Vamos dar uma olhada em alguns exemplos. Eu procuro linhas ou bordas duras do meu desenho que se destacam. Eu fico muito desconfiado deles e penso se o desenho poderia ficar sozinho sem eles. Aqui é muitas vezes um ótimo lugar para procurar por estes. Como eu sinto que temos uma tendência a querer indicar cada fio de cabelo como contornos separados, por isso muitas vezes acaba parecendo um pouco ocupado demais e exagerado. O que eu gosto de fazer neste caso é pegar o bastão de mistura e derrubar algumas das linhas para que ele se torne mais de um patch de valor do que um monte de linhas distintas. Eu acho muito mais fácil e francamente mais atraente tratá-lo muito graficamente assim, onde eu tratá-lo como uma grande forma e perder tanto do detalhe dentro dele. Tratando isso simplesmente, ele não só chama sua atenção para o rosto, mas também oferece um elogio textural para a imagem geral porque o rosto provavelmente foi tratado com detalhes mais finos. Nossos olhos acham essa diferença e textura interessante de olhar. Eu muitas vezes acho que um desenho parece melhor se nós subestimá-lo do que exagerado, derramando tudo para o público em vez de deixá-los preencher os espaços em branco por conta própria. Aqui está outro exemplo onde eu decidi ir contra mais complicar o cabelo e fui para uma solução mais gráfica. Como você pode ver quando eu me aproximei do cabelo, eu estava desenhando muitas linhas tentando indicar o que eu pensei ter visto nas nuances de seu cabelo na referência da foto. Mas eu rapidamente percebi que isso não era necessário e tudo
o que eu realmente precisava era a forma geral do cabelo e transmitir que é um valor mais escuro do que o resto da imagem. Eu peguei o bastão de mistura e suavizei todas as linhas enquanto também cobri toda a forma do cabelo em um valor mais escuro. Eu instantaneamente gostei mais do desenho uma vez que eu fiz isso. Os contornos são inerentemente distraindo porque são coisas que nossos olhos podem se agarrar. Se você pode encontrar lugares para se livrar de quaisquer contornos redundantes, experimente-o. Veja como isso parece para você quando você dá um passo atrás do desenho. Desde linhas são muito fáceis de desenhar de volta, eu acho que vale a pena tentar ver se você pode perder alguns para acabar com uma declaração mais simples e mais poderosa.
9. Técnica técnica: Spilled: Esta é uma técnica onde eu imagino que a luz que atinge
a parte do rosto é tão brilhante que está saltando e se espalhando para a atmosfera, criando um olhar quase nebuloso no desenho. Imagine isso assim. A luz está entrando em seus olhos como um espectador e é tão brilhante que você não pode entender todos os detalhes muito claramente. É como quando você vai tirar uma foto e há tanta luz entrando pela lente. Isso resulta na foto sendo superexposta e este é o efeito que eu estou tentando criar no meu desenho com esta técnica. Vamos dar uma olhada em como eu uso essa técnica neste desenho. Observe como o lado superior direito de seu cabelo é
explodido na foto e você não pode ver nenhum detalhe nele. A luz saltando naquela parte do cabelo era provavelmente muito brilhante e por isso resultou em um olhar superexposto na foto. Bem, eu queria empurrar esse olhar nos meus desenhos para que você possa realmente sentir aquela sensação de luz brilhante saltando do cabelo dela. Eu peguei minha borracha amassada e puxei gradualmente do cabelo dela para o lado escuro do fundo. Levantando o backup de grafite e quebrando a borda dura que havia separado as duas áreas antes. Como eu estava levantando um pouco da grafite para a trilha de luz, eu simultaneamente escureço alguns da área circundante já que eu realmente queria que a luz para estourar algo novamente. Mas ter cuidado para
não criar contornos rígidos e para manter a luz olhando muito suave. Repliquei esse efeito em todo o cabelo dela
do lado direito para realmente fazer com que ele se sinta muito iluminado. Este sangramento suave de luz em áreas escuras como este, eu sinto lente um contraste textural muito agradável para algumas das linhas mais duras dentro do retrato e cria uma sensação de movimento e energia que eu acho realmente envolvente como se realmente houvesse luz saltando fora da página. Para experimentar essa técnica em seu desenho, encontre áreas onde há uma forma de luz,
tocando uma forma de sombra, especialmente perto de onde o ponto focal deve estar. Lembre-se, não vai parecer luz se não houver valor sombrio para contrastar com ela. Certifique-se de que é uma área onde uma forma de luz se encontra com uma forma de sombra. Tente desfocar o contorno que separa essas áreas apagando parte da linha, gradualmente através de um toque suave da borracha amassável, em
seguida, estendendo-a para fora mais
na área de sombra para criar este olhar de luz derramada. A suavidade que você acabou de criar oferece uma diferença textural muito agradável contra as bordas duras em torno dele, o que o mantém realmente interessante para o espectador. Se você construiu seus valores o suficiente durante o processo de desenho, esta é uma técnica super simples que pode fazer com que pareça que há uma sensação real de luz em seu desenho.
10. Técnica técnica: sombras Atmosféricas: Sombras atmosféricas. Costumo usar essa técnica para adicionar um senso de interesse às sombras. Às vezes, uma área de sombra acabará ficando muito escura durante o processo de sombreamento, e valores escuros tendem a engordar as coisas na página se não forem usadas com moderação. Vou olhar para essas áreas onde eu poderia ter ido muito escuro, e ver se apunhalando minha borracha amassável e gradualmente levantando um pouco da grafite, vai ajudar a fazer a área se sentir mais leve e mais agradável aos olhos. As coisas que estão mais distantes de nós são menos perceptíveis para nós ver, especialmente nas sombras. Ao fazer com
que as sombras não pareçam tão escuras, está imitando a aparência da atmosfera no desenho, o que é um efeito realmente interessante, já que você está tratando o rosto como se fosse uma paisagem, como se o desenho está emergindo de uma névoa. As vezes que eu uso essa técnica mais, muitas vezes parecem ser com cabelos muito escuros, como cabelos pretos. Há uma tendência a pensar, oh, cabelo preto é preto, então deve ser bastante escuro, e usar muita pressão sobre o lápis para obter manchas muito escuras. Foi exatamente o que fiz com este desenho. Na foto, o cabelo parece bastante escuro. Foi assim que tratei inicialmente, mas percebi que estava engordando a forma do cabelo dela. Decidi levantar um pouco do grafite nesta área para fazer parecer que foi afetado pela atmosfera, o que eu acho que fez parecer muito mais dimensional. Isso também fez com que os valores escuros mais escuros fossem deixados no rosto, o que eu acho que ajudou a trazer o foco para ele em contraste. Como você pode encontrar maneiras de usar essa técnica em seu desenho retrato? Procure por grandes manchas de valor sombrio que parecem um pouco pesadas demais. Pergunte a si mesmo, esta área precisa ser bastante escura, ou está tirando do desenho? Não dói muito para tentar levantar parte do valor de volta com sua borracha amassável, e ver como isso se sente para você, uma vez que é muito fácil escurecer algo de volta se não parecer certo. Estas manchas escuras pesadas podem ser chatas para os nossos olhos, uma vez que não deixa muito espaço para se movimentar. Acaba por dar uma aparência plana e morta na página. Mas essa técnica de levantar parte do valor dessas manchas excessivamente escuras, nos
permite ver a vida nas sombras e mover seus olhos através das passagens de sombra. Eu acho, é um efeito realmente puro que ambos aumenta o interesse, enquanto destaca o ponto focal do retrato. Isso me lembra de reservar os valores escuros mais escuros para áreas menores e mais importantes, e que mesmo que eu possa pensar que algo parece realmente escuro na foto, ele realmente não precisa ser tratado dessa maneira no desenho.
11. Projeto estudantis e de encerramento: Espero que, no final desta aula, você se sinta bem equipado para testar alguns
desses conceitos e técnicas e ir ao nível de seus desenhos retratos. Porque, agora é hora de você trabalhar no seu projeto estudantil. Gostaria de ver você fazer um retrato acabado, seja de uma
das fotos que usei em minhas demonstrações ou de uma de sua escolha. Você pode encontrar um link para ele na guia Projeto e Recursos. Certifique-se de verificá-lo para alguns outros recursos, como recomendações de livros e uma placa do Pinterest de grandes desenhos de retratos de outros artistas ou qualquer outra coisa que eu acho que pode ser útil para os alunos que tomam esta classe. Mas antes de enfrentar este projeto, não se esqueça de praticar desenho de formas de sombra e aquecer sua mão de desenho fazendo algumas extremidades de bloco para definir seu desenho para o sucesso. Certifique-se de passar por todas as etapas abordadas ao longo das lições para que no final você tenha um desenho que se sinta terminado. Faça upload de seu desenho junto com a referência de foto que você usou para a galeria do projeto, que eu, bem como outros alunos desta classe, possa dar uma olhada e ver como todos estão lidando com o mesmo assunto do desenho de retratos. Estou bastante confiante, vou ser capaz de ver se você aplicou algum dos conhecimentos que passei nesta aula. Estou curioso para ver o que você pode fazer. Se você gosta de seus resultados, mostre-o nas mídias sociais. Não se esqueça de compartilhar as fotos do trabalho em andamento também. Todos nós adoramos ver como um desenho se desenvolve ao longo do tempo. Antes de ir, quero deixar-vos com algumas palavras de encorajamento para levarem convosco. Desenho de retratos é difícil. Requer não apenas conhecimento, mas também muita quilometragem e prática e uma tonelada de desenhos ruins para chegar a alguns bons. Dependendo do seu nível de experiência, pode
demorar algum tempo para ver alguns resultados. Honestamente, nem gosto de todos os desenhos que fiz em preparação para esta aula. Por favor, não desanime por um ou dois desenhos ruins. Não seja impaciente consigo mesmo. Tudo bem se você não entender esses conceitos imediatamente, vamos sentar e dar um tempo. Mas enquanto isso, continue aprendendo, continue praticando, continue sendo inspirado pelos rostos das pessoas, e continue aplicando algumas dessas lições ao seu processo, mesmo que isso não faça sentido para você, neste
momento, você ainda pode tirar algo que pode ajudá-lo. Eventualmente você vai desenvolver um processo e uma maneira de ver que faz sentido para você. Que talvez um dia você possa passar para outra pessoa. No final desta aula, como bônus, vou deixar algumas imagens em tempo real
de um desenho retrato que fiz do início ao fim. Só cortando pedaços onde tive que tossir ou parar de gravar por um momento. Espero que seja perspicaz para você ver todas as pausas que faço antes de deixar minhas marcas. Todos os saltos que eu faço de seção em seção em tempo real. As vezes em que me sinto confiante e seguro das
minhas decisões contra todo o apagamento e redesenho que acontece. Espero que o informe. Espero que o ache valioso, e espero que ajude a aumentar sua confiança para começar a desenhar. Se você achou esta aula útil e você tem andado com o meu estilo de ensino até agora,
então eu recomendo vivamente que você me siga aqui porque eu estou planejando
liberar mais aulas em breve para que você possa pegá-lo assim que ele for ao vivo. Enquanto isso, você pode me acompanhar no Instagram para ver o que estou fazendo hoje ou mais no YouTube, onde você pode assistir muito mais vídeos onde eu compartilho meu processo e jornada como artista. Muito obrigado por fazerem esta aula e espero vê-los novamente em breve. Cuide-se.
12. Começar com retrato a terminar [RAW Footage]: .
Chris Hong, Artist and YouTuber
