Direção de performance: como falar com atores

1. Introdução: Olá, meu nome é Sebastimttiaz Weisbach e bem-vindo à direção de performance, como falar com atores Sebastimttiaz Weisbach e bem-vindo à direção de performance, como falar com atores . Sou ator e diretor do Bowl na Alemanha. E neste curso, serei seu instrutor enquanto aprendemos a dirigir a performance, também conhecida como falar com atores Recentemente, concluí meu primeiro longa-metragem independente, Stutter, e ensino atuação de câmera no Catalyst Institute for Creative Então, eu não só tenho experiência trabalhar com atores experientes, mas também com jovens estudantes que ainda não tiveram a chance de adquirir tanta experiência Dirigir uma atuação é uma das partes mais complicadas de ser cineasta, porque fazer ajustes na forma como um ator se separa e dar um feedback significativo não é tão simples quanto ajustar Não apenas os novatos, mas até mesmo cineastas experientes, muitas vezes entendem o elemento crucial de ser direto ou errado, resultando E o problema é alguns técnicos nos comentários do Youtube podem dizer que você está subexposto em uma parada e introduzir ruído em sua filmagem, mas todos perceberão podem dizer que você está subexposto em uma parada e introduzir ruído em sua filmagem, imediatamente o desempenho empolgado Então, como você acerta? Como você se comunica com os atores de forma eficaz? E como você se certifica de transformar seu filme em um esforço colaborativo para obter os melhores resultados Nesta aula, vou ensinar as mesmas técnicas que os atores usam nas aulas, estudos e workshops. Estamos trabalhando com técnicas de alguns dos maiores profissionais de atuação, como Constantine Stanislavski, Stella Adler ou Li Strasburg Stella Adler ou Li Strasburg E como esse é um curso on-line e não um culto, não aderimos estritamente a nenhum praticante. Nós apenas misturamos e combinamos e vemos o que funciona. Por meio dessas técnicas, entenderemos melhor a jornada do ator e poderemos fornecer melhores comentários e resultados dinâmicos. Você aprenderá a falar a mesma língua que os atores, porque dirigir tem tudo a ver com comunicação Como qualquer outra profissão, os atores usam uma linguagem muito específica. E depois desse curso, trabalhar com atores treinados será muito fácil porque você, como cineasta, falará a mesma Você será fluente, um ator, por assim dizer. E se você estiver trabalhando com atores com menos experiência, poderá ajudá-los a crescer ao longo das aulas desta aula. E embora existam ótimos recursos diretores de Hollywood sobre como dirigir, acho que a maioria dessas aulas só é realmente aplicável se você estiver dirigindo um filme econômico de Hollywood As técnicas que você aprenderá nesta aula serão aplicáveis em qualquer nível, em sets de filmagem, produções teatrais, treinamentos, aulas de atuação ou até mesmo se você quiser melhorar sua própria apresentação Dirigir atores não é apenas uma das partes mais divertidas e gratificantes do trabalho de um cineasta Também é um design de produção gratuito, configurações de iluminação e até mesmo o melhor serviço de bufê Todas essas coisas custam muito dinheiro. Mas se você puder realmente aproveitar o tempo gasto com os atores, seja nos ensaios ou no set, poderá criar mais. Com menos. No final desta aula, você tem tarefa de produzir um dos dois scripts Um adequado para uma pessoa e uma cena de diálogo para duas. Se você ler essas cenas agora como estão na página, talvez se sinta inclinado a dizer: bem, verdade não há muita coisa lá É um pouco básico e esse é exatamente o ponto em que essas cenas de zero texto poderiam oscilar em qualquer direção Eles foram projetados para serem um playground para sua criatividade e para a criatividade do ator. Abra, abra. Isso está aberto. Eles devem parafrasear a grande Stella Adler, o O trabalho do ator e do diretor é colocar um pouco de músculo nesses ossos Para este projeto, você pode manter a configuração bastante simples. Quanto menos você pensa na tecnologia, melhor quer fazer a cena em uma cena longa. Faça uma ótima configuração simples em um tripé. Perfeito. Este curso ainda não trata de combinar os aspectos técnicos e visuais do cinema ou do trabalho com o ator É realmente focado em se comunicar com os atores, fornecer melhores orientações e oferecer orientações mais claras Obviamente, essa aula on-line não é valiosa apenas para diretores, mas também para instrutores, tutores e treinadores de workshops de atores instrutores, tutores e treinadores Se você é ator, basta filmar o projeto como faria, grave e use as técnicas deste curso para aprender a se dirigir melhor e aprimorar seu trabalho a partir do momento em que coloca as mãos no roteiro. Então, vamos começar sua jornada para se tornar um comunicador mestre e um diretor completo Ação. Eu não sei. Então, eu realmente deveria começar antes de dizer ação pela ação, sem ação 2. O objetivo: motivação de personagens para atores: Capítulo dois, o objetivo. É um dos maiores clichês atuação e remonta ao início do que hoje consideraríamos a teoria moderna da atuação Um ator perguntando qual é a minha motivação? Ou, em outros termos, por que estou fazendo o que estou fazendo no sentido mais amplo E falando nas palavras de Konstantin Amizlavski, isso é o que chamamos isso é o que chamamos Cada personagem tem um objetivo em cada cena e um superobjetivo para a peça ou roteiro geral Às vezes, eles também são chamados objetivo da cena e objetivo geral, mas o significado por trás deles permanece consistente. Aqui está um exemplo da cultura pop. Em Empire Strikes Back, Luke quer derrotar os remanescentes do império galáctico Esse é o superobjetivo do personagem. E esse superobjetivo por sua vez, informa todos os outros objetivos Porque Luke sabe que precisa de treinamento Jedi. Assim que ele cair em Dagoba, seu objetivo é encontrar Yoda, o Mestre Jedi Mas o que exatamente significa objetivo? O que eu, como meu personagem, quero? Todas as ações em uma cena são impulsionadas por essa motivação. E mudar esse objetivo por si só pode impactar enormemente forma como um ator aborda a cena e conduz uma performance orgânica Orgânico, nesse contexto, significa uma performance natural e lógica dentro dos limites do roteiro e do gênero É um termo melhor para usar do que Homem-Aranha naturalista ou realista fotografar Homem-Aranha naturalista ou realista como lançador de teias ou eu e Sebastian cantando uma música em Lala Land não são ações realistas , mas são orgânicas , mas são orgânicas Eles fazem sentido no contexto dos filmes e mundos que foram criados. Como um objetivo transforma uma performance? Faça uma cena em que um personagem se senta ao piano para tocar uma música para outro personagem. Agora, essa é uma ação bastante clara e direta, mas por que exatamente nosso personagem entra em cena e começa a tocar piano Digamos que nosso pianista queira seduzir o outro personagem para que ele toque sua música e possa cair suavemente nas teclas, talvez mantendo um contato visual divertido enquanto o talvez mantendo um contato visual divertido enquanto Ou digamos que eles queiram impressionar o outro personagem porque fizeram aulas secretas e de piano e agora querem se exibir Quando você imagina as duas cenas consecutivas, consegue ver o quão diferente seria a linguagem corporal dos personagens , mesmo que você não mudasse nada além do objetivo Ou imagine isso. Nosso pianista sabe que sua esposa foi assassinada em um clube de jazz enquanto uma determinada música E agora eles querem incriminar o assassino reproduzindo essa música Ratoeira perfeita. Aqui estão algumas dicas interessantes quando se trata de objetivos. A primeira pessoa é incentivada. Quando os atores falam sobre seus objetivos, eles devem falar em primeira pessoa. Eu quero isso, eu quero aquilo usando o personagem como uma barreira linguística Meu personagem quer comer um biscoito, só cria uma distância desnecessária Eu, como meu personagem, quero um bom objetivo e um biscoito Entradas específicas levam a resultados específicos. Um bom objetivo deve ser claro e preciso. Tente ser específico. Quando você fala com seus atores sobre objetivos, quero mostrar o quanto você me machucou é um objetivo claro. Quero te dizer que algo é um objetivo vago que caberia em quase qualquer personagem em qualquer cena Torne-o visceral, sempre que possível. Atuar não é apenas um processo intelectual. É emocional. É sobre instintos e reações instintivas Se você criar objetivos viscerais, é mais provável que provoque reações emocionais e impulsos espontâneos quanto um ator se inclinará para o objetivo dentro dos limites de um personagem e cena dependerá de vários fatores Mas pense nisso, qual objetivo parece mais interessante? Quero sair da sala o mais rápido possível ou quero fugir. Quero ser má com você, ou quero destruí-la. Até eu quero destruir você pode ter uma aparência muito diferente, dependendo se essa destruição foi feita por JK Simmons e chicote, ou na forma de uma queimadura doentia de Alicia Silverstone e pistas Como o objetivo é um dos aspectos fundamentais da análise cênica, ele será um dos pontos de partida para o detalhamento do roteiro Normalmente, a primeira coisa que um ator experiente mapeia, com certeza, um pouco mais. Atores experientes não colocarão seus objetivos no papel, mas apenas vibrarão com a cena, mas ainda saberão, mesmo que saibam instintivamente e não intelectualmente O cerne do conflito dramático geralmente está na incompatibilidade dos objetivos de dois personagens Um policial quer cumprir a lei, o outro acredita em um conflito de vingança desde Só porque esses dois personagens que foram colocados em cena têm objetivos, colocá-los em caminhos diferentes e incompatíveis , isso não é tão interessante Concluindo, o objetivo é o mapa estrutural que delineia a cena sem muitos detalhes Sem essa trama inicial do curso, trabalhar nos detalhes não importará muito. Se um avião não puder decolar, você não precisa se preocupar muito com o menu de bordo Diretores e atores devem saber quais são os objetivos e superobjetivos dos personagens. E então você pode descobrir quais funcionam melhor para a trama e criar o conflito mais dramático e convincente 3. Ações - verbos, beats e táticas acionáveis: Detector três, ações. Ok, agora sabemos o que queremos, mas como podemos obtê-lo? Para se tornarem atores melhores, os atores precisarão aprender verbos melhores Porque cada novo verbo permitirá que um ator pense a ação de uma forma única e criativa E o mesmo vale para você como diretor. Vamos analisar essa ideia por um minuto e qual é a implicação aqui Muitas vezes, tanto cineastas novatos quanto atores novatos pensam em adjetivos, fazem a cena novamente, mas com raiva e agora felizes A perfeição, mas agindo como um ato de processo, age como nossos atores, não como emoções Não se trata das emoções. É sobre as ações. Se bem feitas, as emoções acontecem como um mero efeito colateral das ações e interações com outros artistas Para realmente criar uma performance orgânica, você procuraria verbos transitivos e acionáveis Mas isso não é um curso de gramática. O que exatamente isso significa? Bem, um verbo transitivo é um verbo que muda de uma pessoa para outra Eu sou algo, algo você. Exemplos comuns são: eu ensino, eu te ameaço, eu te seduzo, e assim por diante Eles são acionáveis porque podem ser transformados em ações significativas Eles criam uma ação clara para um ator executar e algo que eles podem fazer na cena com seu parceiro. As emoções e reações são apenas um efeito colateral bem-vindo das ações. É por meio das ações que criamos uma cena dinâmica e interessante. Essas ações, principalmente em um diálogo, também adicionam um elemento de imprevisibilidade ao desempenho Nem tudo pode ser mapeado detalhadamente e, portanto, o desempenho realmente ganha vida com o objetivo de ser o que você como personagem, deseja alcançar As ações ou táticas traçam uma trajetória de como você deseja alcançá-la O processo de dividir um objetivo em várias ações também é conhecido como ação. Conversar com seus atores e suas ações o ajudará a guiá-los com mais precisão na jornada de seus personagens e, ainda assim, a manter um certo elemento de surpresa. Mas o que são verbos acionáveis? Praticamente qualquer verbo pode ser acionável. Existem alguns recursos excelentes disponíveis, como ações, o dicionário de sinônimos de atos Mas para começar, aqui estão alguns exemplos para desafiar, questionar, consolar, tentar, confessar, intimidar, a lista continua Eu recomendaria não se esquivar de usar verbos de ação física muito fortes, como escudo ou agressão, pois eles podem desencadear uma reação inicial em seu ator e criar uma fisicalidade e um processo psicofísico interessantes e Trabalhar com ações tem um benefício adicional. Isso dá vida a uma cena, enquanto uma emoção é estática. Enganar alguém é um processo ativo. Uma tática que pode ajudar um personagem a atingir seu objetivo. E então, quando bate em uma parede quebrada, precisa ser trocada por uma tática diferente para derrubá-la Veja como conversar com seu ator sobre o personagem e ter certeza de que você está na mesma página. Cada personagem tem um superobjetivo, que é o que o personagem quer durante todo o filme ou peça. Para cada cena, um personagem terá um objetivo. Existem algumas exceções, principalmente cenas durante o intervalo do ato Então, sempre que algo crucial para a trama acontece, há uma boa chance de que objetivo de um personagem mude no meio da cena. Mas normalmente uma cena, um objetivo. Um objetivo nos diz o que um personagem quer. Uma ação nos diz como eles vão obtê-la. Aqui está seu mini-exercício para o projeto da classe. Divida o roteiro por personagem e identifique o objetivo e pelo menos três ações que o personagem realiza para atingir esse objetivo. Pergunte aos seus atores sobre seus objetivos e ações e veja se você deseja criar uma performance a partir da sua ideia, a partir da deles, ou encontrar algo totalmente novo no processo. Alguns profissionais, treinadores e atores dividirão o roteiro em uma ação por pedaço Pessoalmente, acho que isso torna um personagem muito mutável e maleável, resultando em um desempenho quase previsivelmente Eu prefiro ver uma ação realizada até sua conclusão natural. Mas sou eu. Descubra o que funciona melhor para sua visão e colaboração. A próxima coisa que você precisa saber são as batidas. Uma batida significa uma mudança. Nos verbos de ação, geralmente os atores desenham literalmente uma linha vertical, no meio do diálogo, para indicar uma Dependendo de como o roteiro foi escrito, ele também pode indicar as batidas Literalmente, dirá beat or caps. Como essas batidas são momentos cruciais para os personagens, é importante encontrar o local e o ritmo perfeitos para Batidas fortes e repentinas são perfeitamente adequadas para comédias de ritmo acelerado, enquanto batidas e dramas tendem a ser um pouco Em conclusão, verbos ou táticas acionáveis são o que é usado para um personagem alcance seu objetivo Uma boa regra a ser usada para criar uma jornada convincente para uma cena é a regra dos três Um objetivo deve ser dividido em pelo menos três verbos ou táticas acionáveis, pois isso cria um começo, um meio e um 4. Não há mais texto: exercícios sem diálogo: Capítulo quatro, descartando o texto. Se você não tirar nada mais deste curso além da parte seguinte, eu ainda terei feito meu trabalho. Se uma cena funcionar sem diálogo, ela funciona. Se não funcionar sem diálogo, as palavras não vão te fazer muito bem. Pegue qualquer cena incrível da história do cinema e assista novamente Vale a pena ouvir, prometo. O que está acontecendo ficará igualmente claro sem o diálogo. Ao ensaiar ou bloquear, como garantir uma clareza semelhante Neste capítulo, vou sugerir três métodos diferentes que ajudarão seus atores a entender melhor seus personagens e ter uma razão para tudo o que eles fazem na frente da câmera ou no palco Esses métodos também ajudarão você, como diretor, a criar narrativas mais convincentes O primeiro método é particularmente útil para produções teatrais, mas também pode funcionar em um set de filmagem Para isso, você precisa estar mais adiantado na produção. Seus atores precisam conhecer suas falas e ações. Talvez você já tenha feito um show. Em vez de usar o texto, os atores se envolverão em uma narrativa. Eles narrarão suas ações um para o outro e criarão algo semelhante a uma versão novelizada da peça Estou encantando você, diria um personagem enquanto dança flertando ao redor de seu parceiro Acho esse tipo de série útil no final ensaios de uma peça ou de alguns shows, quando os atores podem sentir que perderam as motivações dos Isso também pode ajudar os atores a descobrir algo novo e criar novas ações surpreendentes. O segundo método é uma execução silenciosa. O diálogo está completamente banido desta execução. Todas as ações são jogadas silenciosamente. Os atores precisam encontrar outros meios de comunicação. Eles podem usar olhares significativos, linguagem corporal, distância e proximidade. Qualquer coisa não verbal vale. Isso exigirá muitos atores e eles precisarão ficar atentos e receptivos às ações de seu parceiro de cena Se bem feito, isso pode criar uma interação verdadeiramente única entre os personagens. E mostre que a maior parte da comunicação não é verbal e não depende de palavras Essa técnica pode até mesmo acabar no filme final, ou nesse projeto de aula, ousar ficar em silêncio E desafie os atores a ficarem em silêncio também. O diálogo é sempre uma costa segura. Mas coisas maravilhosamente interessantes acontecem quando não temos certeza do que a vida nos reserva É da minha avó. Isso significa muito para mim e eu quero que você o tenha. Quer fazer uma variação da corrida silenciosa. Bem, aqui está um ótimo exercício que vem direto de Estrasburgo E método de atuação, esse exercício também é muito bom se você estiver trabalhando com crianças ou atores mais jovens. É chamado de exercício sem sentido. Seus atores interpretarão a cena como fariam com o texto, mas em vez de usar as palavras reais na página, eles simplesmente criarão uma linguagem na hora, linguagem inventada, como se seus atores estivessem se comunicando claramente, se o corpo e a voz falassem, as palavras sim falassem, as palavras Mas um bom exercício adicional e sem sentido é um aquecimento muito divertido e garante que seus atores não apenas saibam o que estão dizendo, mas também saibam o que está por trás todas as palavras e como estão tentando Apenas tente, vamos fazer a cena novamente, mas desta vez sem as palavras. Aqui está o desafio do projeto do curso. Execute toda a cena sem nenhum diálogo. Concentre-se no bloqueio e na comunicação. Você verá que coisas maravilhosas podem acontecer quando não pensamos muito nas palavras Concluindo, o texto é apenas uma ferramenta para os atores comunicarem sua intenção. E esse não deveria ser o foco principal do ator. Remover as palavras da equação pode realmente ajudar a criar e criar uma performance dedicada, diferenciada e atraente Quer executar o projeto da sala de aula sem palavras? Mostre-me o que você pode fazer com ações justas em um monólogo em determinadas circunstâncias 5. Circentures dadas e as 9 perguntas: Capítulo cinco, Circunstâncias dadas. A ideia de determinadas circunstâncias foi criada por Constantine Stanizlovski e basicamente se resume ao que está acontecendo ao meu redor, qual Para entender completamente por que algo que parece tão básico tem tanto significado histórico, você precisa entender que, na época de Stanizlovsky, um dos problemas com a atuação era que os atores simplesmente subiam ao palco e exibiam emoções exaltadas sem qualquer compreensão mais profunda da jornada lógica do personagem ou da peça É como se as pessoas imitassem frases emocionais de filmes em Tektok, ele inventa frases emocionais de filmes em Tektok, algo chamado de circunstâncias dadas Uma das primeiras técnicas de análise que qualquer ator precisa empreender apenas para ter uma ideia da cena e fazer as escolhas lógicas certas Às vezes, essas circunstâncias são dadas e, às vezes, precisam ser criadas. É também aqui que entram alguns trabalhos no estilo Sherlock Holmes para atores ou diretores, pedindo-lhes deduzam o que exatamente está acontecendo Os atores geralmente precisam fazer isso nas audições porque recebem apenas alguns lados Mas os diretores também precisam ser flexíveis com as circunstâncias dadas. Porque a produção latente, a filmagem de um carro em movimento, pode se transformar em um passeio de bicicleta Parte das circunstâncias dadas é o que está ao meu redor. Que horas são? De onde eu venho quando entro em cena? Para onde eu vou depois? Qual é a minha aula? Gustan az Laski foi um grande membro da burguesia russa do início do século XX. Uma forma muito precisa de detalhar as circunstâncias dadas foi criada pela atriz e praticante Utter Hagen, as nove perguntas Se um ator ou você, como diretor, puder responder a essas nove perguntas, então você está pronto para começar. Número um, quem sou eu? Isso pode ser muito simples e superficial, como nome e idade, ou detalhado. Traços físicos, cicatrizes, ética, história psicológica, etc Não sobrecarregue seus atores com fundo. Mantenha as coisas simples O que importa para eles, na cena, na peça ou no filme. Número dois, que horas são? Esses dois podem ir do exterior, de um futuro não muito distante. Para ser mais específico, são 21h15 , horário da chegada do trem O tempo também pode oferecer aos atores uma ótima ferramenta de pesquisa. Como as pessoas agiam na década de 1950? Número três, onde estou? Isso pode ser um escritório, uma criança aconchegante em casa, uma delegacia de polícia, etc O país e a região também podem desempenhar um papel importante nisso. Número quatro, o que me rodeia? Este é um exercício perfeito para atores que perambulam pelo set, pois permitirá que eles visitem os locais e vejam se há algo que possam usar ou com o qual se acostumar Também será seu trabalho preencher, sob certas condições, se você estiver remendando o espaço na edição, por exemplo, onde agora você vê a tela verde panorâmica, veremos as belas paisagens do Arizona Número cinco, quais são minhas circunstâncias? Isso se refere ao passado, presente e futuro. O que aconteceu logo antes da cena, o que está acontecendo nessa cena e o que acontecerá na próxima cena? É importante que atores e diretores mapeiem e acompanhem a jornada do personagem Número seis, quais são meus relacionamentos em um nível superficial, isso se refere aos relacionamentos que os personagens têm uns com os outros. Mas toda vez que um ator entra em um espaço ou toca em um adereço, uma nova relação é estabelecida Ajustar essas relações e garantir que toda relação com objetos e personagens seja significativa possa preencher uma performance com vida. Número sete, o que eu quero? Este é bem simples, já falamos sobre isso. Esse é o objetivo. A forma como os atores normalmente expressam o objetivo é uma boa indicação disso. Eu quero algo, algo, número oito, o que está no meu caminho? Ah, o obstáculo. Em outras palavras, se um personagem quer algo, por que ele simplesmente não entende? É aí que entra o obstáculo. Algo que está no caminho que força um personagem a empregar táticas diferentes Um obstáculo pode ser externo, alguma coisa ou outra pessoa, ou interno, um medo, uma fobia, uma hesitação, etc Seus atores devem conhecer seus obstáculos e, se você achar que a jornada deles é muito simples, uma chave inglesa em Não, na verdade você não pode simplesmente confessar porque se o outro personagem descobrir, eles contarão para sua mãe Ajustes como esses podem facilmente criar contraste e conflito na cena número nove. Como faço para conseguir o que quero? Bem, essa pergunta segue uma trajetória clara. O que um personagem quer? Por que eles não conseguem simplesmente entendê-lo? Bem, então como eles fazem isso? Isso tem tudo a ver com as ações que um personagem está disposto a realizar para cumprir seu objetivo. Para dar um exemplo, em uma cena de interrogatório, um policial e um suspeito estão sentados em uma sala mal iluminada O policial quer solucionar um crime, mas o suspeito não confessa apenas pelo objetivo e pelo obstáculo Imediatamente temos um conflito configurado. Vamos começar ou não, não é? Quais são as ações que o policial poderia tomar? Eles poderiam ameaçar o suspeito, intimidá-lo, negociar com ele, consolá-lo, prendê-lo . E, de repente, temos uma transição significativa de ações e uma cena com batidas diferentes Mas até agora, vimos apenas um personagem e um ator, digamos, neste roteiro imaginário É evidente que o suspeito não falará. Talvez seja porque eles querem proteger sua irmã, que eles sabem que cometeu o crime. Agora, o obstáculo é bem aparente. Eles enfrentarão consequências se não falarem. Portanto, eles não podem simplesmente proteger sua irmã se protegendo, evitando o policial e depois confrontando-a evitando o policial e depois confrontando-a Podemos criar outra transição significativa de verbos de ação e, mais importante, conflito Em conclusão, as circunstâncias dadas transformam um roteiro em um romance repleto de rica vida interior. Somente o diretor e os atores realmente precisam conhecer. Talvez o público nunca veja o que está escondido embaixo da cama de um personagem, mas o ator precisa saber 6. Exercício Improv - dadas circumstances: Capítulo seis, Dadas as circunstâncias, um exercício. Aqui está um pequeno exercício que eu gosto de fazer com meus alunos. Você também pode achar isso útil quando estiver trabalhando com um grupo de atores para usar como aquecimento de improvisação ou se estiver trabalhando com atores mais jovens ou É um exercício derivado do teatro de improvisação que, mais uma vez, mostra o quão flexíveis as palavras em um texto podem ser Junte dois ou mais atores e dê a eles suas falas. Eles só podem usar essas três linhas, mas podem dizê-las em qualquer ordem ou repeti-las quantas vezes quiserem. As linhas são: estava ali mesmo. Onde está? Desapareceu. Agora, dê a eles um conjunto de determinadas circunstâncias para criar uma pequena cena divertida de improvisação Aqui estão alguns dos meus favoritos. Alguém em um jantar no século 19 percebe que o colar de diamantes sumiu Duas pessoas presas em um barco de resgate por uma semana no meio do oceano avistam um helicóptero, duas pessoas em um trajeto no metrô quando descobrem um rato do tamanho de um cachorro, alguém disposto a pagar resgate a um sequestrador em um parque, mas meio do oceano avistam um helicóptero, duas pessoas em um trajeto no metrô quando descobrem um rato do tamanho de um cachorro, alguém disposto a pagar resgate a um sequestrador em um parque, mas perderam o dinheiro do resgate. Você vê como uma cena baseada no mesmo roteiro pode ser totalmente diferente e como somos maravilhosamente criativos quando nos desafiamos a concluir que determinadas circunstâncias e formulamos as nove perguntas de Haagen podem parecer um pouco básicas, mas isso é porque eles são quando nos desafiamos concluir que determinadas circunstâncias e formulamos as nove perguntas de Haagen podem parecer um pouco básicas, mas isso é porque eles Esses fundamentos de uma cena, porém, permitirão que os atores apresentem uma atuação mais sutil e orgânica E faça escolhas que sejam fiéis ao personagem e ao cenário. nove perguntas de Uterhagen são particularmente úteis porque fornecem aos atores uma lista de itens para simplesmente marcar um após o Às vezes, os atores recebem uma biografia de personagem desnecessariamente longa retirada diretamente da Bíblia de uma série Mas como alguém pode realisticamente manter todas essas informações em suas cabeças Além disso, realisticamente, o que importa se seus pais lhe deram aquele pônei que você sempre quis quando tinha seis anos? Se a cena mostra apenas você pedindo café, as nove perguntas fazem um ótimo trabalho ao simplificar as informações necessárias para que os atores apresentem suas atuações com clareza e É uma questão de escolher as coisas que importam e separar as que não clareza das circunstâncias ajudará seus atores, mas também o ajudará como diretor. 7. The Magic If - Imaginação para atores: Capítulo sete, Memória de emoções e o Magic If. Como você pode ajudar seus atores a dar vida aos adereços e às circunstâncias sem ser muito intrusivo? Mesmo no início da teoria moderna da atuação por volta do início do século XX, essa era uma pergunta que os praticantes se E havia duas escolas de pensamento. Uma é a escola de experiência pessoal que se ramificou em métodos de atuação Isso se resume a lembrar como você se sentiu quando. Agora, por favor, você poderia sentir isso de novo? Essa pode ser uma técnica poderosa, mas reviver experiências traumáticas obviamente pode ser prejudicial para Como diretor, você não deve pedir aos atores que aliviem traumas pessoais Você pode nem ter a menor ideia vida pessoal deles Então, como você saberia? E depois há a coisa óbvia. Nem sempre funciona. Nem sempre funciona para a cena. E isso nem sempre funciona. Workshops de atuação que criam um espaço confortável e seguro e proporcionam aos atores tempo para preparar e montar a cena. Em minha experiência, trabalhar com memória efetiva ou emocional pode ser uma verdadeira revelação e um exercício de abertura da mente. Mas comece com as luzes ao redor dos atores. O AD mexendo na lista de lojas, se maquiando, dando looks finais e um poste logo acima de suas cabeças Além disso, isso pode ser bastante limitante porque você confiaria nas experiências pessoais dos atores com quem está trabalhando Lembra daquele momento em sua vida você foi perseguido por um bando de robôs alienígenas Então, aqui está a outra escola de pensamento: engajar a imaginação até certo ponto, engajar a imaginação até o que será necessário para os atores de qualquer maneira, simplesmente porque há uma equipe nos estandes de iluminação do set, pode haver uma tela verde. O outro ator pode nem estar no set naquele dia. Nada muito estranho. Uma das técnicas de Stanislavsky pode ser particularmente útil para alavancar essa imaginação É chamado de mágica se. E a beleza dessa técnica é que ela respeita os atores como seres pensantes e não exige que eles se iludam em um estado de estupor A mágica pode fazer com que os atores façam perguntas inteligentes sobre qualquer interação e desencadeiem um processo único em suas cabeças Vou te dar um exemplo. Este é um copo do que estou segurando, mas e se fosse um uísque caro E se eu fosse um alcoólatra secreto? E, de repente, sem muito trabalho prévio e sem um processo de preparação dedicado, simplesmente porque agora posso começar a ler uma lista de perguntas na minha cabeça e deixar minha imaginação se perguntar, preenchemos a ação simples, segurando um copo com vida. E também não se sinta obrigado a usar apenas os ses naturalistas Imagine se esse copo causasse um choque estático toda vez que você o tocasse. Se esse copo fosse o Santo Graal, mas você não queria que seus amigos soubessem disso Mantenha-o divertido e divertido. Em conclusão, a imaginação é uma ferramenta poderosa na atuação e na direção. Aprender a usar a imaginação de seus atores, como guiá-los, como inspirá-los, será inestimável para sua jornada como diretor e contador de histórias A magia, é uma técnica fantástica, pois permite que você, como diretor dê uma dica simples e depois veja aonde seus atores vão com a imaginação. 8. Texto e subtexto: o que está por baixo do texto: Capítulo oito, texto e subtexto. Não é o que você disse, é como você disse. Às vezes, acho que tanto na minha experiência como ator quanto como diretor ou professor, uso de ações pode ser um pouco vago Especialmente quando se trabalha com texto. Você pode ver instantaneamente quando um ator não sabe o que pensar ou não tem certeza de qual é o significado por trás das palavras. Às vezes, atores melhores podem blefar por meio de algumas linhas de diálogo, mas essa não é uma abordagem sustentável de uma cena É aqui que o trabalho com subtexto entra em jogo. Stanislavski usa uma boa distinção entre subtexto e monólogo, mas às vezes os termos mas às vezes Realmente não importa qual terminologia você usa, porque o que elas significam é a mesma coisa O que um personagem pensa? Stanislavski usa subtexto quando o personagem é texto e, em um monólogo, quando o personagem normalmente não diálogo coincide com uma linha de Porque é muito difícil pensar em um ritmo diferente do que você fala. O subtexto é uma ferramenta que eu descreveria quase como um atalho Quando você sente que as falas de um ator soam erradas, você sempre pode perguntar a ele: qual é o seu subtexto Aqui, eu vou te dar um exemplo. Usamos uma linha super simples, talvez apenas uma palavra. Talvez o subtexto para talvez seja não. Pode ser que sim. Ou pode ser, talvez até possa ser, eu te odeio, o céu é o limite. Se você realmente deseja que seus atores alinhem o subtexto e o texto, peça que eles digam o subtexto primeiro Não, sim, eu absolutamente odeio você. subtexto quase pode ser usado como um truque, uma maneira rápida de atores e diretores garantirem que estão na mesma página quando se trata do que um personagem está dizendo e pensando Na prática, geralmente acho que o subtexto é um pouco mais preciso do que um verbo acionável A ação pode ser, peço desculpas a você, mas o subtexto pode ser eu sei que te machuquei e sei que nunca poderei compensar Muito mais específico, não é? E você descobrirá que quando um ator acerta seu subtexto, ele também acertará seu ponto de bônus no texto É muito fácil anotar o subtexto porque você ou o ator podem simplesmente escrever uma linha de subtexto ao lado do texto no script É uma bênção que os roteiros nos dêem tanto espaço vazio para preencher. Veja como isso pode funcionar e praticar. Peça ao seu ator o subtexto ou a frase de abertura. Você pode perguntar a eles, à queima-roupa: Qual é o seu subtexto? Ou você pode suavizar uma pergunta. Mas o que você está realmente tentando dizer? Personagens com uma vida interior rica também terão um rico subtexto Ou, como diz Stanislavski, público não vai ao teatro para ouvir o Eles podem ler o texto em casa. Eles vão ao teatro para ouvir o subtexto. E aqui está seu exercício para o projeto. Peça aos atores que escrevam uma linha de subtexto para cada linha de texto Se você estiver trabalhando com o monólogo, peça aos atores que interpretem a cena depois de terminarem, mas eles não atuam com o texto Em vez disso, eles nos fornecem apenas o subtexto. Isso pode parecer direto e muito mais abertamente honesto do que qualquer um de nós é na Então, diga a eles que se debrucem e se divirtam com isso. Esta é a chance de revelar tudo se você estiver trabalhando com o diálogo. Peça aos seus atores que criem o subtexto como um exercício de parceria Muitas vezes, os atores não têm com quem trabalhar e precisam se preparar sozinhos em casa. E isso não é o ideal. Embora você tenha dois atores na sala, eles devem preparar o subtexto linha por linha para seus respectivos personagens Porque na vida real somos mestres em captar subtextos Se alguém entrar na minha loja e disser oi com o subtexto, quero registrar uma reclamação sobre você Minha reação não seria olá com o subtexto. muito bom ver que é um exercício de preparação divertido e interativo. E então deixe que eles batam um no outro com seu subtexto. Orientar o subtexto pode ser uma ferramenta extremamente útil para você como diretor Concluindo, texto e subtexto nem sempre precisam ser drasticamente diferentes Mas tenha isso em mente. O subtexto permite que você produza uma camada de significado que não está no roteiro, incutindo o filme Ou brinque com uma vida que antes não existia. Um bom exemplo disso vem do clássico cult The Room. Quando o atendente da loja diz a Johnny que você é meu cliente favorito, a linha soa muito errada porque não há subtexto Imagine se ela realmente dissesse a ele para cancelar, ou este é meu último dia e eu estou apenas trabalhando na política da empresa. O subtexto é uma ferramenta maravilhosa para usar a imaginação coletiva de todos os criativos no set e fazer ajustes fáceis e rápidos durante filmagens ou ensaios 9. Casting - a primeira escolha de um diretor: O capítulo nove, Elenco, Direção de Atores, começa assim que você começa a escolher atores E essa escolha pode nem sempre depender totalmente de você. Pense nisso como uma busca por locais, sua mente pode ver uma coisa, mas a realidade da produção força você a se contentar sua mente pode ver uma coisa, mas a realidade da produção força você a com outra coisa Ou você vai trabalhar em um local surpresa que supera todas as suas expectativas. O mesmo vale para atores de elenco. Para esta lição, vamos presumir que você será responsável, ou pelo menos parcialmente responsável, pelo elenco Você pode ser o único a fazer a chamada de elenco e organizar a audição. Você pode ver bobinas e autofitas. Ou você pode ir aos cinemas locais ou perguntar ao seu grupo de amigos se alguém está interessado em atuar Você pode incluir Dame Judy Dench e Gary Oldman em seu Pitch Deck, mas provavelmente não conseguirá que eles façam parte do seu filme ao escrever a chamada de Seja relativamente específico, mas não exagere. De qualquer forma, você precisará de alguma flexibilidade, então não há necessidade de assustar o elenco perfeito com um cuidado excessivamente descritivo retirado diretamente do roteiro Ben, 25 anos, é um homem de dois metros de altura com cabelos grisalhos e uma cicatriz na bochecha direita Estamos procurando um ator alto na casa dos 20 anos que seja bom o suficiente. Além disso, tente incluir o gênero em suas chamadas de elenco sempre que puder. Às vezes, uma certa parte exige um determinado gênero, mas nem sempre. Se você tiver um grupo maior de atores, isso só aumentará suas chances de fazer um filme melhor. E se você testar um ator para um papel para o qual ele pode não ser adequado, talvez ele seja mais adequado para um papel diferente, ou você trabalhe com ele no futuro Quando você está procurando o elenco perfeito, esteja aberto a mudanças, mude o personagem, apenas o roteiro, se necessário Não tente forçar um ator que simplesmente não funcione. Se você quer escalar alguém no início dos anos 20, mas não consegue encontrar um ator adequado, não tente transformar um ator de 40 anos em uma faixa diferente sem cabelo e maquiagem adequados Esteja aberto a fazer ajustes no personagem para refletir a aparência, tipo e a aura geral do ator que você escolheu. Como o cinema é um meio bastante naturalista, tudo o que um ator trouxer para a mesa será visível para o público Não há como fingir que um ator atlético será algo diferente de um personagem atlético, não importa quantas vezes os outros personagens os chamem Ao lançar gagueira, maioria dos personagens era neutra em termos de gênero, com poucas exceções O papel de um terapeuta, como eu imaginava, era um homem burocrático mais distante, deitado em sua poltrona. Mas quando escalamos nossa atriz, Viviana, para o papel, ela não só trouxe um calor natural, mas a cena de repente assumiu tons de cuidado materno cuidado materno Que tipo de idiota eu seria se jogasse isso fora em vez de trabalhar com isso Veja como faço audições atores quando quero me separar Nos encontramos tomando um café. Primeiro, quero conhecer as pessoas com quem estou trabalhando. Porque eu não trabalho apenas com o ator, mas também com uma pessoa. Fazer um filme é uma experiência pessoal e se trata de uma visão compartilhada e de estar na mesma página sobre o processo de filmagem Não preciso ser a melhor amiga todos os atores com quem trabalho, mas tenho um certo estilo. Quando trabalho, sou espontâneo e geralmente sugiro sugestões malucas ou direções pouco relacionadas despertar a imaginação do ator Não espere um relacionamento colaborativo perfeito com todos os atores com quem você já trabalhou Mas acho que esse é um fator importante do processo de seleção e filmagem e que você não deve ignorar no set Os atores precisam confiar em você e vice-versa. Portanto, conheça-os como o primeiro benefício adicional das pessoas. Isso tende a distrair um pouco os nervos. Portanto, a primeira leitura será muito mais suave. Na próxima etapa, deixo que os atores interpretem a cena conforme se preparam. Idealmente com outro ator lendo as falas. Idealmente, o ator que já fez o papel. Isso geralmente me dará uma boa visão geral sobre seus instintos. Como um ator se prepara? Eles entendem a vibração geral do personagem? E eles trazem algo para a mesa que eu não tinha visto anteriormente no personagem E para a etapa final, darei a eles algumas instruções, não necessariamente o que eu quero ver no dia. Talvez eu lance uma bola curva para eles. Na maioria das vezes, vou copiar o que o ator me apresentou e trabalhar com isso Realizar a cena novamente é meu teste para ver como o ator lida com as direções, se consegue fazer ajustes rápidos no local, se é flexível e divertido trabalhar com elas. Agora, essa não é uma receita mágica que sirva para todos, mas funcionou para mim até agora. Então, talvez funcione para você também. Em conclusão, para citar um general alemão do século XIX, nenhum plano sobrevive ao primeiro contato com o inimigo O mesmo vale para a produção de filmes. A marca de um amador é se ater a ideias que você simplesmente não consegue realizar no dia. Manter a flexibilidade e estar aberto às soluções que seus colaboradores lhe oferecerão não prejudicará seu projeto Na verdade, seu projeto se beneficiará o crescimento além do escopo original. Encontrar o elenco perfeito para um filme, cena ou uma peça teatral pode ser ousado em qualquer condição Mas trabalhando com um orçamento baixo ou baixo, fica ainda mais difícil encontrar boas pessoas com quem você queira trabalhar e usar suas personalidades únicas a seu favor É um ativo. 10. Colaboração criativa: o esforço de criação de filmes: Capítulo Dez Colaboração. A beleza do processo de filmagem está em quão colaborativo o processo é e pode ser Se você é ilustrador, a totalidade do seu trabalho dependerá de Você é responsável por todo o processo, desde o momento em que cria uma imagem em sua cabeça até a última pincelada Mas, como cineasta ou diretor, às vezes você pode simplesmente relaxar Você trabalha com um gaffer experiente. Ótimo. Imediatamente, todas as suas imagens parecerão mais profissionais e talentosas como engenheira de som. Tudo o que você filmar soará muito melhor. E se você tiver atores talentosos , eles trarão suas próprias sugestões e orientações para o personagem. E então criar a performance de forma colaborativa se torna uma questão de negociar os melhores momentos para o personagem e a história Qualquer ator experiente estará aberto a orientações porque sabe que, nas mãos de um bom diretor, terá uma aparência muito melhor. Mas, como diretor, você também deve estar aberto a sugestões. Você deve ouvir o ator e assistir suas apresentações com atenção. Não tente forçar sua visão em todo o set, porque você acredita que está destinado a ser o próximo Tarantino Talvez você seja, e se você é bom em você. Mas dirigir performances também é uma questão de descobrir como outras pessoas podem enriquecer sua visão Porque, e essa é a razão crucial pela qual o cinema com IA nunca produzirá algo que valha a pena assistir Você realmente não quer o que quer. Uma IA lhe dará exatamente o que você deseja. Mas o que você realmente quer é que seu filme seja o melhor possível. E para que isso funcione, você precisa considerar que sua visão única o nível mais baixo a ser superado. E essa barra pode ser bem alta. Mas se alguém trouxer uma sugestão melhor, se um ator apresentar a você uma reviravolta única no arco dos personagens que você não esperava antes , seria muito estúpido dizer não a É como um valor de produção gratuito porque, no final das contas, é isso que faz seu filme parecer melhor e reflete positivamente em seu próprio trabalho e em você como diretor Ainda assim, às vezes cineastas, especialmente jovens cineastas que simplesmente sabem que estão destinados à grandeza, me perguntam como eles podem fazer com que os atores façam exatamente o que querem, como eles podem mexer todas as cordas e fazer os atores repetirem e fazer Line lê, é quando um diretor mostra ao ator exatamente como as falas devem ser executadas e ser obediente. Pequenos fantoches. Bem simples. Você só precisa pagar a eles uma taxa justa. E então você descobrirá que os atores são muito mais receptivos às instruções do que aos comandos, não às sugestões Em geral, eu desaconselharia o uso de leituras de linha de qualquer maneira, porque tudo o que você realmente faz é limitar suas possibilidades , porque então seus atores simplesmente repetirão para você o que você acabou de fazer. E você perde a chance de receber uma oferta melhor deles e ver sua perspectiva e espontaneidade únicas refletidas em seu trabalho Em conclusão, uma boa direção é uma sugestão. É um passe. Todos no set estão na mesma equipe. Você joga um passe para eles. Eles jogam um passe e, eventualmente você marca um gol. É trabalho em equipe. Estamos todos juntos nisso, não saber exatamente para onde a jornada está indo e como ela é mapeada passo faz parte da beleza do processo de filmagem 11. Comunicação - Clareza no set: Capítulo 11 comunicação. Inicialmente, eu não queria incluir isso, mas recentemente estive em um set de filmagem e já faz um tempo que o seguinte aconteceu comigo. Mas não foi a primeira vez. E eu quero evitar que você cometa o mesmo erro. Fui escalado para um papel em um filme e, em nenhum momento eu realmente soube o que estava acontecendo nas cenas Porque ninguém me disse qual parte da cena exatamente seria filmada. E isso não é exclusivo cineastas mais jovens e inexperientes Mesmo equipes bem versadas muitas vezes se esquecem de falar com os atores e se perdem em todos os outros aspectos do cinema, da luz ao som e ao design Bem, os atores estão por aí como adereços glorificados. Sim, os atores podem ler listas de cenas e deveriam, de fato, fazê-lo. Mas uma lista de cenas não lhe dirá muito, e uma ação descrita no roteiro geralmente não sobreviverá à realidade da produção Lembre-se daquela paisagem épica na página cinco, ou aquele é o quintal do avô de alguém agora, e em vez de correr algumas voltas, você dá alguns polichinelos Diga aos seus atores o que eles precisam saber para cada cena. Diga a eles onde a cena começa e onde termina. Esta é a grande separação ou essa cena cinco simplesmente não é boa o suficiente. Explique o que eles precisam fazer. Quanto mais claro você estiver nessa parte do processo de comunicação, mais eficiente será trabalhar com atores no set ou no palco Precisamos que você entre , dê uma olhada, pegue o copo, tome um gole E então você percebe sua mãe sentada na poltrona. Você a confronta com seus olhos até eu gritar, corta. Agora, essa também é a parte em que os atores podem fazer perguntas. Por que exatamente eu entro? Bem, você quer sua varinha mágica volta e suspeita que seu tio Frederick a tenha Ótimo. Não diga mais nada. Qualquer informação que os atores não precisem, como opções de lentes, movimento da câmera ou esquema de cores , etc., não será É ótimo comunicar essas coisas de antemão e apresentar seu filme, mas logo antes de eu gravar, um ator não precisará saber que essa é a única cena anamórfica do Os ensaios adequados são ótimos, mas a clareza no set Se seus atores não souberem o que estão fazendo, estarão apenas nadando. E você sempre pode dizer e, como você sempre pode dizer, você não pode realmente usar nenhuma outra filmagem É aqui que você começa, é aqui que você termina, é isso que acontece no meio. Isso é tudo que você realmente precisa. Todas as melhores técnicas de atuação e as melhores habilidades de treinamento não levarão você a lugar nenhum Se você não consegue comunicar claramente o que está acontecendo na cena e o que está acontecendo na cena. Concluindo, não há nada como clareza na comunicação. Os atores precisarão de orientação, bloqueio e notas para oferecer o melhor desempenho possível. Preparar uma cena leva tempo mais do que suficiente para conversar com os atores e dizer a eles o que vem a seguir. Você pode sentar com eles e vê-los falar, dar um feedback solto ou ensaiar em profundidade, dependendo de quanto tempo você tem Essa clareza e comunicação também fazem parte da relação de confiança que você precisa ter com seus atores para obter o melhor desempenho deles. 12. Conclusão: como os diretores podem aprender a trabalhar com atores: Capítulo 12. Em conclusão, isso nos leva ao final do nosso curso. Estou planejando fazer cursos de acompanhamento. Então, se você gosta deste, fique ligado em mais cursos focados em diferentes aspectos da direção e do trabalho com atores Nos cursos de acompanhamento, falarei um pouco mais sobre os aspectos técnicos do direcionamento do desempenho para a tela e a fisicalidade do A única coisa que resta a você fazer agora é encerrar o curso com seu projeto de classe. E deixe-me reiterar, isso realmente não tem nada a ver com o nível de produção e a aparência É sobre trabalhar com os atores. Configure uma câmera, filme-a como se fosse uma audição. Mantenha-o super simples se você tiver ou quiser. Passamos por algumas coisas neste curso. Então, deixe-me resumir brevemente que você precisa se atualizar para saber com o que trabalhar, ações objetivas e as batidas subtextam a Se usar essas técnicas para preparar o roteiro como diretor, qual é o objetivo de cada personagem e quais ações eles podem realizar para atingir seu objetivo? Use as batidas para acelerar as ações e fazer escolhas interessantes E crie um subtexto rico para cada linha de texto se precisar de um ponto de partida Eu forneci alguns materiais adicionais sugerindo determinadas circunstâncias e objetivos com os quais trabalhar. Peça aos atores que façam o mesmo ao preparar a cena, dirigir a cena, bloquear a cena e escolher uma configuração com a qual você se sinta confortável trabalhando. Realmente, tente fazer desse exercício tudo sobre trabalhar com os atores. Depois de acertar isso, você sempre pode introduzir ou reintroduzir todos os outros aspectos da produção cinematográfica e adicionar camadas variadas de complexidade à de complexidade Foi muito divertido compilar este curso e estou ansioso para ver o que você, sua imaginação e a imaginação de seus atores farão com as cenas mais brandas do mundo Se você adicionar algo interessante a essas duas cenas , certamente encontrará camadas exclusivas em cada cena com a qual trabalhará. Oh, eu gato assim. Se eu deveria primeiro ardósia e depois dizer gato? Além disso, isso deveria ser uma lousa traseira Então, obrigado por assistir.