Transcrições
1. Introdução: Sou Ellen Lupton. Sou curadora, escritora e educadora. Sou curador sênior de design no Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum em Nova York, e sou diretor do MFA em Design Gráfico na MICA. Eu crio livros, exposições, palestras e cursos sobre design gráfico. Estou entusiasmado em envolver as pessoas no mundo do design thinking. Este é um curso sobre design de cartazes, e vamos olhar para cartazes incríveis da história do meio, e vamos explorá-los em termos da linguagem da comunicação visual, para excitar os olhos, para contar histórias, para converter uma imagem complexa em algo realmente poderoso e compacto. Esta é uma aula que você pode entrar e dar uma chance e descobrir essas ferramentas criativas básicas que podem ajudá-lo a
se comunicar com prazer e facilidade com as pessoas. Então, todos os cartazes que vou mostrar hoje, vêm da coleção do Museu de Design Cooper Hewitt Smithsonian. Temos mais de 4.000 cartazes em nossa coleção. Então vamos fazer uma viagem ao museu, e ver algumas coisas reais nas paredes e a bela mansão Andrew Carnegie, e vamos olhar de perto os cartazes criados por alguns dos grandes mestres do meio. Às vezes as pessoas dizem: “Oh, o cartaz está morto, não existe mais.” Se estás a dizer isso, então os teus olhos não estão abertos porque há cartazes por todo o lado. Preste atenção em como eles nos agarram, como eles nos trazem para um mundo especial, mesmo por apenas alguns segundos.
2. PROJETO: Seu projeto é desenhar um cartaz de filme. Vamos pedir-lhe para escolher um filme que tenha um nome de objeto simples em seu título. Escolhemos alguns títulos de filmes para você considerar, mas você escolhe o que quiser, escolhe algo que você ama. Eu vou fazer os pássaros, e nós vamos mostrar a vocês como criar seu cartaz desde o início de pensar sobre a história que você quer contar, e então olhar para diferentes maneiras de criar iconografia que expressa aquela mensagem emocional essencial que você quer passar. Então, vamos analisar a simplificação. Vamos olhar para as sobreposições. Vamos ver como tornar seu pôster mais dinâmico adicionando diagonais. Vamos ver como você pode manipular a superfície. Você terá um grupo inteiro de direções. Você terá uma série de esboços ou propostas bem trabalhadas. A partir disso, você pode escolher o que mais te excita para criar uma peça final. Nós realmente queremos que você compartilhe seu trabalho como você vai, para fazer perguntas de outros alunos Skillshare, olhar para o seu trabalho, responder suas perguntas porque o objetivo aqui não é apenas criar um cartaz final incrível, mas também, para desenvolver seu próprio processo de design e isso é realmente um resultado importante deste curso.
3. Conte uma história: Então, a primeira lição é como contar uma história. Quase, todo cartaz tem alguma história para contar. Poderia ser muito literal como esses dois cartazes, eles têm caras bons e bandidos, eles têm ilustrações que mostram uma ação muito clara acontecendo, emparelhado com uma manchete, um título. Este é um cartaz político incrível. Quero que imaginem qual seria a imagem que acompanha esta grande manchete, Monstro de
Duas Cabeças Destrói Comunidade. Você quer vê-lo? Aqui está. Então, a imagem é uma surpresa, não
é o que você esperaria ir com essa manchete. Contar histórias precisa estar ativo. Certo? Uma história é sempre acontece ao longo do tempo, e há pessoas fazendo algo. Estes dois grandes cartazes de Seymour Chwast, você pode ver alguém andando, alguém se movendo, certo? E eles estão se movendo na direção em que o tipo se move. Então, aqui está a pomba da paz, tem muitas pernas para mostrar uma comunidade se movendo, pessoas se movendo juntas. Aqui tem mais pernas se movendo, fazendo uma ação. Este é um cartaz incrível para o filme Kabaret. Este é um diagrama famoso de como as histórias funcionam. Então, as histórias começam baixas. Eles começam com o período de introdução ao leitor para qual o desafio, qual o conflito, qual será o objetivo da história. Então, a ação se move, então é para cima, ele constrói energia, atinge um pico, e então ele diminui. Certo? E nos dá a oportunidade de descobrir o que aconteceu no final, qual foi o impacto desse grande conflito que impulsionou a história, é um final feliz? Um final triste? Você quer amarrar essas pontas soltas, certo? No final da história. Então, se você olhar para este cartaz de Vignelli, você verá que ele escolheria aquele ponto no auge do triângulo, o ponto mais alto de energia, que é onde ele deixa Fred Astaire. Sabemos o que acontece a seguir, Fred Astaire vai voltar ao palco, certo? Mas como contador de histórias visual, Vignelli nos dá a ação, certo? Ele nos dá o ponto de maior energia. Normalmente, quando um designer gráfico cria um cartaz, temos que contar nossa história em um único quadro, certo? Não temos várias fotos em que possamos contar a nossa história. Então, designers e ilustradores têm que pensar, como eles podem representar esse ponto de ação, certo? A essência emocional, o ponto de energia em uma história, escolhendo esta única imagem. Este é um cartaz incrível da Guerra Civil Espanhola. O ilustrador escolheu representar o herói da nossa história em seu ponto de maior energia, e esse é o ponto de ação. Não o vemos curvado a cavar um buraco, certo? Nós o vemos empunhando sua ferramenta como uma arma, o ponto de energia máxima. Algumas histórias são muito mais complexas. Este é um cartaz incrível criado pelo governo dos EUA durante a Segunda Guerra Mundial. Então, este cartaz tem três caracteres. Aqui, vemos este jovem rapaz, ele é o ponto de vista, ele é o personagem com o qual devemos nos identificar, certo? Ele tem dois irmãozinhos e irmãs. Eles são ingênuos, eles não sabem o que está prestes a acontecer, mas ele tem o conhecimento, certo? Ele é uma criança, mas ele está olhando para cima, e ele pode ver o que está por vir. Como um ponto de suspense na narrativa. A grande suástica nazista está sobrecarregada, certo? Isto representa um avião, certo? É uma ameaça, estamos neste momento em que suspense na história. Nessa ação, esse perigo é representado indiretamente através de uma sombra, não através de uma ameaça literal, mas através dessa ameaça implícita e, finalmente, essa chamada à ação. Este é outro pôster da Segunda Guerra Mundial, e há uma série de cartazes que eram sobre fazer as pessoas se calarem. Então, cartazes como este eram sobre impedir que as pessoas falassem demais, porque você poderia dar um segredo que faria Johnny dizer, certo? Os submarinos afundavam o navio dele. Então, aqui está um cartaz que nos conta essa história, uma palavra descuidada, um afundamento desnecessário. Mas eu quero que você olhe para a imagem e pense sobre a narrativa, e o ponto de ação na história, certo? A coisa terrível acabou de acontecer. O navio foi atingido, está queimando,
está prestes a afundar, e nós estamos no barco com esses caras, que escaparam do navio, eles estão assistindo esse terrível evento se desenrolando diante deles, alguns deles estão feridos, eles vão morrer. O ilustrador criou toda esta história, certo? E há um momento com o navio em chamas, e os caras no barco, e nós estamos no barco com eles, ok? Agora, eu vou mostrar a vocês um cartaz que conta a mesma história, mas de uma maneira diferente, e na minha opinião, uma maneira muito mais poderosa e excitante. Então, você quer ver? Lá está ele. Tudo o que temos é um marinheiro prestes a se afogar na água, ele é o nosso ponto de vista, e ele está olhando para nós, porque a culpa é nossa. Essa é uma atração emocional muito mais intensa para o espectador, este momento único, e ele está olhando diretamente para você. Este é um pôster de filme incrível. É para o Bebê de Rosemarye. Muitos designers de cartazes poloneses estavam criando cartazes que anunciam filmes de Hollywood, mas fizeram isso à sua maneira, eles criaram suas próprias obras de arte únicas. Então, o bebê de Rosemary era um filme de terror incrível sobre essa mulher Rosemary, que fica grávida de Satanás, e dá à luz no final do filme ao diabo. A artista aqui escolheu mostrar esse momento de conexão
pessoal entre Rosemary e seu bebê. Aqui está outro pôster incrível. Este é um cartaz de teatro. O que você vê aqui é uma imagem dos atores na peça, reunidos como eles podem estar no palco, mas os artistas não deixaram assim. O artista usou técnicas visuais para aumentar essa mensagem emocional, certo? O drama emocional deste filme. O desafio na criação uma narrativa visual é saber quanto colocar e quanto tirar. Você quer capturar a atenção das pessoas rapidamente. Você quer ter certeza de que há o suficiente deles, certo? Transmitir esse sentimento emocional no sentido do tempo e da ação, mas você não quer desordenar seu cartaz com coisas
desnecessárias que não fazem parte do cartaz, não fazem parte da história. Um designer de palco não coloca um monte de coisas
no palco que não contribuem para o drama. O desenhista usa luz, certo? Focar no que devemos olhar, focar na ação. Da mesma forma, um designer gráfico quer escolher imagens, cores, contraste
e luz, para se concentrar nesse drama inerente, nessa ação inerente. Então, quando olhamos para este cartaz do pai acorrentado debaixo da mesa, a composição, o bloqueio dos outros rostos, o contacto visual, certo? Esse contato emocional, todas essas decisões estão
nos ajudando a ver que esta é uma história sobre uma família confusa. Papai é o cara com quem queremos nos identificar, queremos nos identificar com sua situação. Como vamos libertá-lo de debaixo daquela mesa? Então, nós olhamos para como contar uma história, como encontrar essa ação essencial na base de um cartaz. Agora, vamos ver como focar o olho, como trazer o espectador para a história que você está tentando contar.
4. Ative a diagonal: A diagonal é uma ferramenta incrível para adicionar energia e movimento ao design bidimensional. Estes são alguns cartazes de E McKnight Kauffer que tem um incrível designer americano trabalhando no Reino Unido nas décadas de 1920 e 1930, estes são cartazes que ele fez para a companhia telefônica. Ele usou a diagonal para criar esta composição realmente dinâmica. Este é um cartaz que ele fez para o chá. Se tirarmos o ângulo para o tipo, será super chato. Isso é o que parece direito. Isso é o que parece com um ângulo e é muito melhor com esse ângulo. Ele realmente lhe dá energia e dinamismo. Ângulos sugerem movimento, eles também sugerem profundidade e essa é uma das pistas mais essenciais em perspectiva linear, que as linhas convergentes para o espaço nos levam ao espaço. Faz parte da nossa percepção, parte de como vemos o mundo. Aqui Kauffer está usando essas grades convergentes e formas
angulares para nos levar para o espaço de seu cartaz. Este é um cartaz anterior de Kauffer que é realmente muito convencional e ele está usando uma técnica aqui que pintores de paisagem têm usado por séculos, que está colocando um caminho sinuoso no meio de sua paisagem para criar um lugar para o olho para ir. Literalmente, um caminho para percorrermos. Como designers, acho que nosso trabalho se torna mais eficaz à medida que nos tornamos mais conscientes do que acontece quando você coloca algo em um ângulo ou faz as linhas convergirem. À medida que começamos a notar o poder, a transformação de uma página plana em uma experiência no tempo e no espaço, nos tornamos mais no controle dos recursos do design, você se torna um designer melhor. Aqui está um cartaz mais moderno onde Kauffer aplicou a mesma técnica. Então, pense nesse caminho passando pelo cartaz como uma história, uma jornada que o olho está fazendo. A motocicleta faz uma viagem até aquela estrada e é assim que a diagonal introduz o sentido da narrativa no design bidimensional. Este é um cartaz de Philippe Apeloig, foi produzido no final da década de 1980 e é um exemplo muito antigo de usar software de
computador para manipular topografia para enviá-la para o espaço. Então, ele envolveu esta palavra Chicago no espaço desta maravilhosa fotografia histórica, para criar este efeito dinâmico de letras ocupando a paisagem urbana tridimensional. Aqui está um cartaz mais recente de Philippe onde ele representou a Torre Eiffel, que é uma imagem clichê de Paris, mas ao torná-la em algo realmente fresco, novo e original. O ângulo lá permite que ele faça a torre mais alta, bem como criar essa miragem como senso de movimento e emoção emocional no cartaz. Os designers usam diagonais para criar uma sensação de movimento e uma sensação de profundidade. Esse movimento e profundidade podem permanecer na superfície, podem ser planos na superfície, mas conduzem o olho através da superfície ou podem penetrar na superfície e criar uma ilusão de profundidade. Então, eu quero trazer de volta o assunto da narrativa porque narrativa é sempre sobre o tempo, sobre algo acontecendo. A diagonal ajuda a introduzir esse elemento do tempo no espaço
bidimensional, criando este sentido de movimento, conduzindo o olho através de um caminho. Olhando para uma viagem que é uma espécie de história ou sugerindo que os elementos do cartaz estão em movimento, como a Torre Eiffel inclinando e lançando uma sombra ondulante. Às vezes, linhas paralelas não convergem. Projeção isométrica é um tipo de desenho arquitetônico, no qual as linhas estão todas no mesmo ângulo permitindo que um arquiteto crie um desenho como este que você pode realmente medir no espaço para as distâncias permanecerem as mesmas. Em certo sentido, é uma representação intelectual de um cubo. É um cubo como o conhecemos, não como experimentamos. Isso pode ser aplicado a topografia de maneiras maravilhosas. Este é um belo cartaz japonês onde o designer essencialmente pegou um pedaço de tipografia e o usou como uma visão de plano, e então projetou essas formas de construção dessas letras base para criar esta bela cidade de formulários de letras. Quando tomamos um formulário de carta e criamos uma cidade a partir dela, isso é uma história. Essas cartas foram transformadas em algo diferente. Em um lugar que podemos visitar. Um lugar onde podemos passear com os olhos deles. Você pode ver uma técnica semelhante
nesses belos projetos onde uma arquitetura foi criada novamente, tratando a forma da letra como uma visão de plano de um edifício e simplesmente
projetando algumas das formas negativas em diferentes níveis para criar esta escapadela da cidade pós-moderna. Aqui está um desenhado por Mark Gowing, um designer contemporâneo, onde ele criou essas formas de letras que estão inclinadas para
frente e para trás no espaço para soletrar o nome do artista, ele foi retratado, escrito no cartaz, Jonathan Jones. Novamente notar que as linhas paralelas não convergem, todas
elas permanecem paralelas porque esta é uma representação isométrica. Agora que analisamos como contar histórias com forma,
linha e cor e criar uma sensação de movimento, vamos falar sobre como fazer uma história sobre o próprio cartaz, sobre a própria superfície.
5. Simplifique: Vejamos como os designers simplificam. Como eles criam uma imagem central para um cartaz que se livra de muitos detalhes
desnecessários para criar uma iconografia muito clara e comandante. Esta é uma série de cartazes de Albert Exergian. Ele cria estes impressos sob demanda e eles são cartazes de fãs para programas de TV americanos que ele tem representado cada um desses programas em algum tipo de ícone simples estilo suíço. Então, em cada caso, ele pensou sobre essa série de TV e pensou sobre que tipo de objeto ou imagem poderia exemplificar o drama desse programa. Então, por exemplo, MacGyver que é sobre um cara que faz máquinas legais e armas de objetos cotidianos. É só um clipe gigante. Mas esse clipe tem uma pequena reviravolta nele porque MacGyver mexeu com ele, ou representando Mad Men com um copo de uísque. Em cada caso, o próprio objeto é representado da maneira mais simples possível. Estes são muito engraçados para mim. Os Simpsons são apenas a forma do penteado de Bart Simpson. Então, reduzindo todo o programa de televisão a esta linha irregular ou reduzindo True Blood a estes triângulos que se tornam Fang. Então, esse estilo reduzido muito simples. Então vamos pensar sobre como você representa as coisas simplesmente. Dê uma olhada nesta imagem. Eu me pergunto se você pode adivinhar o que é. Na verdade, é uma xícara de café. O cientista Stephen Palmer deu a volta ao mundo e pediu às pessoas para desenhar fotos de xícaras de café. Basicamente, eles desenharam assim. A maioria das pessoas tem uma espécie de imagem icônica em sua mente de como uma xícara de café se parece. Mesmo que estejamos muitas vezes na vida real olhando para baixo para o copo, essa pode ser a
nossa experiência, nosso ícone em nossa mente é sobre vê-lo de lado. Não costumamos desenhar uma xícara de café como esta. Então, como designer, muitas vezes queremos pensar sobre o que é essa visão icônica de um objeto, mas então talvez dar uma reviravolta. Faça algo especial com ele. Por meio de uma caminhada agora na cidade e ver quantas vezes uma xícara de café é representada iconicamente, a maneira como a carregamos em nossos cérebros. Pense em uma lâmpada. Como você pode representar uma lâmpada? É um objeto bem básico com uma forma muito familiar. Aqui está um cartaz de um famoso designer japonês e como um cartaz para uma exposição sobre luminárias, novas e
inventivas luminárias emocionantes. Então, ele usou uma lâmpada como ícone para seu cartaz, mas ele fez algo estranho, ele fez preto. Lâmpadas que pensamos ser a coisa mais brilhante da sala, não a coisa mais escura. Então, ele inverteu isso e dá-nos uma pequena surpresa. Ao redor da borda da lâmpada, você vê este arco-íris de cores que sugerem luz e sugere uma sensação de que coisa preta pesada no meio brilhando. Aqui está um belo cartaz com uma colher em uma bolha de mel ou pudim pingando da colher. Incrivelmente simples de certa forma. É impresso em apenas duas cores de tinta e, no entanto, há essa complexidade maravilhosa na forma como o gradiente cria uma sensação de volume e movimento. Então, novamente, se pensarmos em narrativa e
pensarmos em um cartaz tentando transmitir algum tipo de ação, essa colher tem uma ação implícita através daquele pedaço de delicioso doce e brilhante pingando da borda. Este é um cartaz com uma lâmpada no meio de Alexander Gelman. É uma representação icônica incrivelmente simples de uma lâmpada e ele a está usando para promover uma leitura de poesia. Então, o ícone é realmente simples e reconhecível, mas é uma conexão surpreendente com o significado. E se quisermos fazer uma conexão emocional? Aqui está um cartaz polonês para um filme de King Kong e o artista criou sua própria representação de King Kong, este esboço icônico muito gritante de King Kong. Mas ao invés de ter o rosto escuro, ele nos dá os olhos. Isso cria essa conexão emocional. No final do filme, queremos que King Kong ganhe. Então, ao permitir que ele nos veja para criar esse comprimento emocional para nós como pessoas, isso torna os cartazes muito mais interessantes, muito mais atraentes. Este é outro cartaz polonês, é para o filme Midnight Cowboy, destacando sua linda boca sensual, mas bloqueando seus olhos. Seus olhos são sombreados por seu chapéu de cowboy. Você pode se surpreender o quanto você pode eliminar e ainda ter sua imagem faz sentido. Quero dizer, olha para este retrato do Cowboy da Meia-Noite e tudo o que resta é boca
dele e ainda assim não temos dúvidas de que este é um cowboy. Temos tanta informação do contorno e do sutil senso de sombra. Há um cartaz de Paula Scher e
ela reduziu seu personagem a apenas seu cabelo e bem ali onde seus olhos estariam, é onde ela coloca o tipo porque é onde nossos olhos vão. Nossos olhos estão olhando para fazer contato com o rosto do cara. Então, muitas vezes como designers, estamos procurando maneiras de fazer um elemento fazer dois trabalhos e Paula Scher fez isso lindamente aqui, fazendo com que os olhos também sejam o título do cartaz. Aqui está um cartaz político incrível. Aqui o designer juntou essa imagem de um crânio e criou dentes feitos da Casa Branca. Então, colocando esses dois ícones, esses dois símbolos muito famosos e simples reconhecíveis juntos cria uma imagem muito poderosa, uma imagem que prende. Aqui está um cartaz dos anos 60 dos grandes levantes de Paris de 1968. Isso se tornou um símbolo de revolução, de revolta, de poder de baixo direito no punho e você quase pode ouvir este cartaz como pow, nós vamos bam capitalismo com o nosso punho. Então, usando isso novamente ícone muito reconhecível realmente se comunica com as pessoas. Há um cartaz de Seymour Chwast onde em vez de mostrar violência, ele está mostrando esses pontos de luz e suas mãos segurando luz, iluminando a noite e sugerindo paz, uma espécie de revolta pacífica. Aqui está outra tomada sobre o mesmo tipo de imagem é por M/M Paris. É um pôster que fizeram para o artista Liam Gillick. Então, se você quiser aprender mais sobre ícones e a incrível riqueza de como eles representam as coisas com formas simples, confira Bruno Munari novamente. Ele era um mestre em encontrar arte gráfica muito
convincente para representar ideias complexas. Por exemplo, olhe para todos os rostos que ele fez e ele faria esses esboços maravilhosos e criaria todos os tipos de variações e todos eles representam o rosto humano, mas com uma gama muito rica de elementos. Aprenda a tirar as coisas. Aprenda a se livrar das coisas que você não precisa. Aplique-o em toda a sua vida, mas comece com o design do pôster. Livra-te do lixo e concentra-te no que estás a tentar dizer. Em seguida, veremos o que você faz com esses elementos simples e como você pode criar uma sensação mágica de profundidade sobrepondo imagem e texto.
6. Sobreponha: Vamos falar sobre sobreposição, e falar sobre como a percepção humana funciona. Então, dê uma olhada nesses retângulos na tela. Estão todos a flutuar lá, estão desligados, ocupam espaço. Estes são os mesmos retângulos, e se você é como eu, e como a maioria das outras pessoas, agora você vê algo diferente. Esses três quadrados pretos estão se alinhando para se tornar uma tira que passa atrás dos mais leves. Mas uma vez que esses quadrados pretos não estão mais alinhados, você perde as ilusões, e agora eles são elementos separados novamente. Os designers gráficos brincam com isso o tempo todo. Há um cartaz de Paul Rand, onde ele tem duas camadas de tipo, e nós lemos as letras brancas como atrás das letras pretas. Lemos essa sobreposição como uma indicação de profundidade. Aqui está um cartaz de Alexander Gelman, muito mais complexo, mas a mesma idéia, e ele está representando o tipo, este impresso em duas camadas de papel e uma camada foi arrancada. Mas como as linhas do tipo se alinham, nosso olho os conecta, e coloca esses aviões juntos, certo? Cria essas duas camadas de textos e espaço. Aqui está um cartaz de Felix Pfaffli, e ele criou essas enormes formas de letras condensadas que estão presas juntas na superfície e elas estão tecendo dentro e fora um do outro,
movendo-se na frente, movendo-se para trás. vez, eles criam a sutil sensação de profundidade dentro da imagem bidimensional. Aqui está outro cartaz de Felix Pfaffli, onde ele está mostrando folhas de papel que foram coladas umas sobre as outras, e depois rasgadas, e temos essa sensação de profundidade. Mesmo que na verdade seja plana, tudo é feito digitalmente porque essas listras azuis
se conectam como um plano, e nós lemos isso como um plano no espaço. Aqui está apenas um bar por si só. Agora, aqui está outro correndo por ele. Isso é transparência, e agora temos a sensação de esses dois elementos ocupam o mesmo espaço, bela ferramenta mágica de transparência, e os designers fazem muito com isso. Este é um famoso cartaz de Massimo Vignelli, onde a tinta é literalmente transparente, e que a tinta transparente imprime em cima de si mesmo para criar essas belas sobreposições onde a cor é mais intensa. Há um cartaz de Michael Bierut, onde ele pegou essas duas palavras, e as recolhe em um único plano, e criou o efeito da luz da iluminação, novamente usando software para criar a aparência de estas duas palavras sobrepostas ocupando o mesmo espaço, tão incríveis, tão lindas. Aqui está um cartaz de Eric Nitsche, um designer gráfico suíço, e ele criou esse sentido desses dois caminhos
do avião passando um pelo outro, novamente através da transparência. Aqui está um efeito de transparência criado, não com tinta transparente, mas com padrões transparentes. Todos os elementos parecem ocupar o mesmo plano, e então temos que separá-lo um do outro através da cor e sombra para que possamos ler a palavra aberta como separada da palavra ar, por exemplo. Então, à medida que você trabalha com profundidade e transparência, é útil pensar em quantos planos, quanta complexidade você está tentando criar? Aqui, Paul Rand, nos dá apenas três planos: o fundo, o primeiro plano, o meio termo. Aqui Alexander Gelman nos dá realmente três planos: o fundo, o meio termo, e então aquele pequeno bloco de hebraico direito no topo, que se torna a coisa mais próxima de nós. Com transparência, novamente você está entrando em colapso em um único plano que pode ser louco, mas você ainda quer que o espectador seja capaz de separar a mensagem. Eu ainda posso ler a palavra “knoll” aqui mesmo que as letras estão em colapso em um único plano transparente. Eu ainda posso separar aqui as duas palavras porque elas têm um nível diferente de intensidade. Certo. Então, eu posso conectar os dois padrões, mais claros e mais escuros em duas palavras: luz e ano. As sobreposições criam profundidade. Em seguida, analisaremos diagonais, que também criam profundidade e movimento, movimento para o olho e movimento através do espaço.
7. Foque o olhar: Vamos falar sobre como focar o olho, como criar um design que mostre aos espectadores onde procurar. Este é um cartaz incrível do início do século XX, de Lucien Bernhard, que inventou todo um estilo de cartazes chamado aço placket, onde eles apenas colocaram uma coisa no meio de um cartaz, e você sabia que essa era a coisa que o O cartaz estava vendendo. Então, em vez de uma garota bonita digitando em uma máquina de escrever, você acabou de comprar a máquina de escrever, e era um estilo de design brutal muito direto. Aqui você pode ver como Bernhard fez esta bela ilustração simples e limpa, e a tipografia também é parte desse foco, certo? O nome do produto, e você pode ver como ele usou contornos em torno de suas letras e esta caixa vermelha em torno de todo o logotipo para trazer a atenção para esse texto. Então, à primeira vista, isso parece um cartaz muito simples, e foi radical porque era simples. Mas também há muitos detalhes lá, que é sobre trazer foco, certo? Dando ênfase às letras e à imagem no meio do cartaz. Estes são dois cartazes de guerra. Aquele, “Comida é uma arma” é sobre não desperdiçar sua comida. É da Segunda Guerra Mundial e sobre a conservação de recursos. Tem um único objeto, certo? Um prato vazio no meio do cartaz. O artista usou a luz para focar nossos olhos naquele único evento. Novamente, se você pensar sobre o cenário e pensar em como um designer de palco coloca a luz no centro onde a ação está, isso é o que o ilustrador fez nesta imagem. O outro pôster é para a Guerra Civil Espanhola, é um pôster muito raro da década de 1930. Então, aqui você vê esse copo gigante de água limpa no meio do cartaz. Novamente, a luz é usada para chamar a nossa atenção, certo? Como luzes no palco, chame nossa atenção para aquele belo objeto no meio da composição. Ambos os cartazes têm uma espécie de ângulo neles, uma diagonal. Então, o objeto não está apenas sentado lá estático, mas há uma sensação de movimento e uma sensação de movimento através do cartaz que o torna mais interessante. Então, se olharmos para esta imagem, por exemplo, imagine se aquele copo de água estava apenas sentado no cartaz. Bem, eu vou te mostrar. Parece assim, super chato, certo? Adicionar um ângulo cria este elemento de dinamismo que realmente agita o cartaz e cria movimento. Este é um grande livro de Bruno Manari. Ele foi incrível designer italiano e escritor crítico de design e escreveu este artigo na década de 60 chamado, cartazes com imagem essencial, em que ele tira sarro de cartazes que se parecem com isso. Ele o chama de princípio da bandeira japonesa de design de cartazes. Designers de cartazes nos anos 60 estavam fazendo esses cartazes que só tinham uma grande coisa redonda no meio. Este é um cartaz suíço da década de 1960, é para exposição sobre arte de capa de álbum. Em vez de mostrar a arte, o designer apenas colocou este grande álbum redondo no meio do cartaz, mas ainda há um elemento de dinamismo nele. Observe como o designer deixou cair uma linha
central para o meio do cartaz direito através desse grande álbum, e a tipografia é configurada em ambos os lados dessa linha central, e isso cria uma assimetria dinâmica. Então, mesmo que o cartaz pareça à primeira vista muito estático, certo? Muito controlado por aquela coisa redonda gigante no meio, ainda
há este elemento de design tipográfico dinâmico muito moderno. Aqui está um dos meus cartazes favoritos, é de Felix Pfaffli, que é um jovem designer gráfico suíço trabalhando agora. Este é um cartaz que ele fez para a banda, “Ilha do Futuro” e seu cartaz tem uma grande coisa redonda no meio, mas está vazio, certo? Então, em vez de ser um disco sólido, ou um símbolo sólido, ou ícone, é apenas um grande vazio nebuloso, certo? E a tipografia é forçada a enrolar isso, e você tem a sensação disso, que o vazio está corroendo no meio do cartaz. Às vezes, os designers não querem focar seus olhos, e há alguns exemplos incríveis da história de design de cartazes que fazem você louco, cartazes que não dão um lugar para olhar. Então, estes são alguns cartazes psicodélicos famosos dos anos 60. Você pode ver como o artista usou cores vibrantes, certo? Cores que são muito próximas em valor para criar esta sensação óptica para tornar difícil para o seu olho saber onde olhar. Você pode ver que aqui com esta letra em forma de chama que está girando e se contorcendo através da superfície do cartaz, nós não sabemos onde olhar. Estes são dois projetos contemporâneos que apresentam topografia muito proeminente, mas as formas de letra estão
neste espaço louco e redemoinho onde é realmente muito difícil de lê-las. Este é o pôster da exposição de Michiel Schuurman, e você pode ver aqui como ele fez cartas de centenas dessas esferas 3D, e criando este ambiente muito inquieto difícil de olhar. Ok. Mas você também pode ver que Schuurman colocou bolhas em torno desse pequeno texto bem no meio do cartaz para que não possamos vê-lo, e essa é uma técnica um pouco como vemos em Bernhard colocando contornos e caixas em torno de seu tipo para chamar a atenção ele. Então, é muito importante como designer pensar, onde você quer que as pessoas olhem? Você tem um único elemento mais importante? Você tem um ponto de ancoragem? Deseja criar um único ponto focal? Quer trazer pessoas para o centro? Você quer levá-los a uma mensagem forte? Ou você quer criar uma experiência óptica mais complexa? Ambos são grandes ideias, grandes estratégias para um designer. A maioria dos cartazes tomam essa rota mais focada e proposital. Mas realmente para você criativamente, é importante decidir em que lado do espectro você quer estar? Porque muitas vezes os cartazes realmente chatos que o designer
realmente não fez sua mente sobre qual caminho ser, certo? Eles só têm um monte de coisas competindo pela sua atenção sem um ponto real para isso. Uma das maneiras de criar foco é simplificar suas imagens, e é sobre isso que falaremos a seguir.
8. Ataque a superfície: Design é um processo ativo de fazer. Às vezes podemos adicionar narrativa à nossa peça, narrando a produção do trabalho, fazendo coisas à superfície, transformando os elementos com os quais estamos trabalhando para criar outro tipo de narrativa, outro tipo de história. Este é um famoso cartaz de Saul Bass, o grande designer de filmes e designer de identidade corporativa. Este é um cartaz que ele fez para o filme Êxodo em 1961. O que ele queria
fazer era parecer que o cartaz estava pegando fogo. Então, ele projetou um cartaz, mas então ele enviou essa imagem para outra narrativa, uma narrativa de queima. Ele acabou usando essas imagens para os títulos do filme e para todos os materiais de marketing ao redor do filme. Tornou-se uma assinatura muito identificável. Aqui está um cartaz onde o designer colocou este tipo de tinta
violenta rasga na parte inferior
do cartaz para sugerir uma espécie de assalto ou grafite. Você chega perto e vê que, o designer permitiu que as rodas dentadas do filme aparecessem. Então, o designer quer que vejamos o cartaz como um artefato físico, como algo que foi feito, e que a criação do cartaz faz parte da história, é parte da narrativa. Isso é feito de uma forma mais gráfica ou pop onde o artista criou essa sensação de pingar, onde este grande quadrado vermelho na parte de trás do cartaz está derretendo no espaço abaixo. É um filme sobre vampiros, então o cartaz está sangrando. Estava sangrando para fora de si mesmo, para dentro do espaço em branco. Aqui está um cartaz que usa graffiti e tinta spray para criar este complexo espaço em camadas, e para criar essa sensação de algo cru acontecendo em cima de uma imagem digital muito polida. Esse contraste entre o perfeito e o imperfeito, o digital e o feito à mão, é uma peça maravilhosa de conflito, conflito
emocional, conflito visual, para os designers trabalharem. Mais uma vez, acrescenta este tipo de tensão narrativa ao seu trabalho. Neste cartaz temos a sensação de uma parede que foi pintada, e o designer nos deu essa textura. Podemos ver através dessa textura o que está por trás dela, mas há uma imagem muito limpa e legal sobreposta no topo, que novamente cria conflito entre o perfeito e o imperfeito. Certo? Podemos ver o todo que é muito limpo, mas chegamos perto e essa superfície tem uma história para contar. Aqui, o designer pegou cartas e as esticou. Parece que está esticado em uma máquina de xerox, ou separado fisicamente, e isso se torna um tipo de história. O assunto está no meio e o nosso olhar é atraído para aquele
tipo de faixas pegajosas que as letras fazem à medida que se separam, enquanto esse espaço se torna o herói do cartaz. Ou aqui as letras foram manchadas, e isso nos dá uma sensação de tempo. Certo? De algo que aconteceu. As cartas fazem uma pista, deixam provas de si mesmas na página. Isso é realmente o que dá a este cartaz o poder emocional. É essa sensação de que as letras fazem parte de algum tipo de ação. Ou aqui esta montagem fotográfica, onde o ato de cortar a imagem cria uma espécie de ação, uma espécie de violência à imagem. Então, o cartaz por si só parece muito sereno e estático, mas ao cortar o rosto da figura e colocar o texto lá, temos esse senso de ação e narrativa. Finalmente, este cartaz leva uma imagem histórica de arte tradicional, mas corta-a em pedaços para criar esse senso de violência, esse senso erótico de violência. Adicionando essa tinta vermelha ao rosto. Novamente, temos a sensação de que algo ruim está acontecendo, certo? Algo explosivo e negativo. Então, simplesmente desmontando uma imagem convencional e adicionando jags, espaço e fragmentação a ela, obtemos um impacto emocional diferente do que teríamos da imagem por si só. Então, os designers pensam sobre o tipo de humor que eles querem criar. Eles querem um humor violento? Eles querem um humor rápido e barulhento? Eles querem algo para se sentir suave, ocorrendo ao longo do tempo? Adicionar esses tipos de ações pode ser feito de
uma forma muito deliberada para ajudar a construir esse humor. É duro ou macio? É gentil ou rápido? Foi repentino ou aconteceu há um milhão de anos? Então, tente pensar deliberada e intencionalmente sobre o que você quer fazer com a ação. Então, esses efeitos podem ser físicos. Você pode literalmente espirrar tinta em seu cartaz, ou eles podem ser puramente gráficos. Eles podem ser feitos inteiramente com ferramentas digitais. Você pode insinuar movimento. Você pode usar materiais reais e reduzir o gesto real da mão em seu trabalho, ou você pode usar técnicas digitais para esticar, manipular e distorcer. Mas o que estamos procurando aqui é o senso de ação, de algo acontecendo com os materiais visuais da peça. Essa é outra forma de narrativa, é essa narrativa de fazer. Quando você segue este caminho, você tem que se preparar para o fracasso. Nem tudo vai funcionar. Nem todos os experimentos darão frutos. Se atropelares o teu cartaz com o camião do Big Mac, pode ficar arruinado para sempre. Então, este é um negócio arriscado. Vá ter uma aventura. Experimente e veja o que acontece. Parte do prazer é não saber bem o que vai acontecer.
9. Visitando o Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum: Olá, bem-vindos ao Museu de Design Cooper Hewitt Smithsonian. Estamos aqui na mansão histórica Andrew Carnegie onde nosso museu está localizado. Estou muito animado para caminhar pela exposição com você e mostrar algumas das grandes peças que temos em vista. Estes são cartazes inspirados em psicodélicos, música e graffiti onde os designers estão realmente fazendo uma bagunça visualmente. Onde eles estão aglomerando toda a superfície com cor, forma, linha e imagens. Eles tentam te colocar dentro do cérebro de alguém, tipo um processo de pensamento louco deste artista. Então, esta peça interativa realmente grande, mostra o design em relação ao seu corpo. Então, tudo o que é projetado é realmente criado para que os seres humanos interajam fisicamente. Então, esta peça interativa convida você a fazer um gesto e, em seguida, encontra um objeto de nossa coleção que mostra como alguém criou um artefato que responde ao seu corpo dessa maneira. Então, aqui está como um bule de chá. Adoro como os designers gráficos podem tirar uma imagem muito simples, mas ao cortá-la e
separá-la, cria uma sensação de ação, emoção
e tensão. Então, simples pegando seu rosto e criando espaço, e colocando o tipo no meio. É este gesto incrível que nos traz para o mundo emocional da imagem. Então, este simples ato de sobreposição, de colocar uma letra na frente da outra, cria uma sensação de profundidade. Essa incrível sensação de espaço bem ali na superfície bidimensional, e pode se tornar bastante complexa. Onde você realmente tem que trabalhar com o olho e fazer a conexão de letras em diferentes camadas, planos diferentes. Então, ele pode ir de simples para complexo, e ainda assim é a mesma idéia. É essa magia, esse poder de se sobrepor e colocar uma coisa na frente de outra para criar uma sensação de espaço. Então, estamos acostumados a ver cartazes na rua, no metrô, em cabines telefônicas e em uma revista. Estamos acostumados a ver design comercial. É divertido entrar no museu e ver essas coisas emolduradas e em uma parede. Eles convidam você a abrandar e realmente olhar para eles, e olhar para eles como uma espécie de arte, mas não é arte, porque ao contrário da arte, um cartaz está sempre tentando te dizer algo. Hoje, usamos principalmente ferramentas digitais, mas no passado, impressão tipográfica que é relevo, então a tinta sempre atingirá aquela superfície superior e essas pegadas. Você verá aqui que é para trás, porque quando você coloca o papel em cima, em
seguida, que recebe a impressão indo no caminho certo ou impressão
litográfica que ainda é usado hoje, mas é um processo de impressão plana. Basicamente, o que você faz é colocar uma imagem
naquela superfície plana que resiste à água e então você deixa a coisa toda molhada, e depois tinta que rastreia a parte que tem a imagem nela. Então você pressiona papel em cima dele que pega a tinta. Com serigrafia que muitas pessoas usam hoje, e você pode realmente fazer em seu próprio apartamento se você tem o equipamento certo. Assim, serigrafia é essencialmente um estêncil, e parte da tela é bloqueada e a outra parte permite que a tinta passe por ela. Então, enquanto você pressiona através da tela que cria as impressões. Cada um desses meios de comunicação, tem seu próprio tipo de estética que incentiva assim como
Photoshop e Illustrator incentivá-lo a trabalhar de uma certa maneira, o processo de impressão final que você usa para criar seu trabalho tem uma estética para ele. Você pode ver que no design de cartazes, como a tecnologia influencia as formas que as pessoas criam. Estes cartazes são feitos em Paris durante as famosas revoltas estudantis de 1968. Os alunos trabalhavam em seus estúdios à noite, cortando esses estênceis muito simples e depois
serigrava-os e, no dia seguinte, estariam por todas as ruas de Paris. Você pode ver a simplicidade disso e como o design é realmente criado para maximizar o processo de serigrafia e a simplicidade de criar apenas um caminho de tinta. É muito divertido olhar para capas de livros porque eles são a mesma coisa que um cartaz só que eles são pequenos, mas apenas como um cartaz eles contam uma história. Eles têm que transmitir emoção. Eles têm que se conectar às pessoas de uma forma imediata de um tempo muito curto para vê-lo e se interessar por ele. Hoje os cartazes não são apenas impressos, eles aparecem online, eles aparecem em placas gigantes iluminadas na Times Square. Então, os designers hoje estão tomando os mesmos princípios de foco do olho, se sobrepõem, usam a diagonal, fazem contato visual. Todas essas ideias ainda estão sendo usadas em outras mídias onde os cartazes são animados, e se movendo e mudando ao longo do tempo. Aqui, você pode ver como o designer pegou as formas de letra e as distorceu digitalmente. Então, eles vão para o espaço do cartaz. Eles se tornam esse aspecto dinâmico, tridimensional do cartaz, e então toda a fotografia atrás também está em um ângulo que cria um sentido da cidade dinâmica, esta grande cidade de Chicago que construiu o primeiro arranha-céus no início do século XX. Então, este cartaz tem olhos gigantes que você não pode fugir dele. Todos os cartazes aqui estão olhando para você. Eles estão tentando se conectar com você. Eles estão fazendo contato visual. Eles estão estendendo a mão para você com este olhar, este olhar que você não pode escapar. Estes cartazes de Massimo Danieli usam a grade e fazem parte do design. Então, muitos designers usam grades para organizar seu espaço. Mas normalmente não vemos isso. Ele vai para o fundo, e Danieli era realmente famoso por pegar esses elementos da grade e torná-los visíveis, transformando-os em parte do que você estava olhando. Designers usam cor, forma, forma, imagem e tipo para contar uma história, colocar emoções, chamar sua atenção, e você pode ver tudo em cartazes. Temos milhares de cartazes aqui no Museu de Design Cooper Hewitt Smithsonian. Você os vê em nosso site, e você pode vir ao Museu e ver nossa exposição como os cartazes funcionam. Bem-vindo, divirta-se e faça suas próprias coisas.
10. Criando um pôster: Agora vamos realmente fazer um projeto. Vou levá-los passo a passo através do processo de criação de seu próprio cartaz de filme. Então você vai escolher um filme que você gosta e nós queremos um filme com um substantivo no título. Título orientado a objetos simples agradável. Vou fazer “Os Pássaros” do Hitchcock. Você poderia fazer Janela Traseira, Veludo Azul. Há todos os tipos de filmes e nós fornecemos a lista. Mas a idéia é escolher um onde você pode se
concentrar neste tipo de imagem singular muito simples. A primeira coisa que vamos querer fazer é uma pesquisa de aquecimento. Então, obviamente, você vai querer assistir o filme. Passar um pouco de tempo absorvendo o filme e descobrindo qual é a grande ideia. Então a próxima coisa que eu recomendo que você faça e que eu fiz foi, eu fiz uma espécie de brainstorm verbal. Eu fiz uma lista completa de substantivos relacionados com meu filme corvo, predador, enxame, bico, garra e então eu fiz uma lista completa de verbos porque eu realmente quero que nossos cartazes sejam ativos e transmitam algum tipo de ação em torno do filme. Então atacar, enxame, sobrecarregar, multidão, invadir. Vamos passar um pouco de tempo
pensando em qual deles realmente me excita, como essa palavra enxame, que é um substantivo e um verbo. Então eu gosto disso porque isso parece ser uma idéia muito ativa. Coçar, isso parece importante. Gaiola de pássaros, estou interessado nisso como uma espécie de imagem. A próxima coisa que eu quero fazer é realmente pensar sobre o que é a principal ação deste filme. Então, para os pássaros, a ação principal é que esses pássaros atacam a civilização. É como uma revolta terrorista da natureza contra o homem. A próxima coisa que quero que pense é qual é a principal emoção do seu filme? Então, há ação, certo, o que acontece, mas que tipo de emoção este filme está tentando provocar as pessoas e como você pode, no seu design de pôster, tentar agitar essa emoção também? Então, para os pássaros, a emoção é realmente essa idéia de ameaça e ameaça espreitando nas coisas cotidianas. Mesmo nós queremos fazer alguma pesquisa visual para começar, as pesquisas
do Google são realmente úteis porque você conectar uma palavra e você tipo de instantaneamente sentir como o que é o clichê l, como o que aparece automaticamente? Agora você mergulhou no filme e nas idéias, na emoção e na ação. Agora você quer fazer alguns esboços realmente soltos para ter suas próprias idéias. É muito importante esboçar à mão porque esses esboços são casuais. Eles não são um grande investimento. Você ainda não está se comprometendo com fontes e você não está se preocupando com o
quão bem você desenha, como você vai criar essas ilustrações. Então, eu fiz um monte de esboços e eu gosto de alguns deles, alguns deles são realmente ruins. Definitivamente não vou fazer isso. Gosto de algumas dessas ideias. Sinto que tenho muito com o que posso trabalhar aqui. Por isso escolhi esta ideia. Isto é como um pássaro muito bonito. Mas este pássaro bonito tem um verme na boca, como se este pássaro fosse um predador. Este pássaro é um assassino. Tenho que pensar como bem, como vou representar este rapazinho? Às vezes é divertido fazer esboços com papel porque você tem um tipo diferente de linha. Fiz um desenho vetorial baseado nesse cara. Então eu comecei a colocar isso em um cartaz. Está tudo bem. Não acho que transmita a ameaça que procuro, mas é meio que o começo. Então eu encontrei esta gravura que eu gosto e eu pensei que esta gravura transmite novamente pássaros como um tipo de animais doces amigáveis. Mas eu quero colocar esses vermes malvados em suas bocas e torná-lo sinistro. Então, eu fiz isso e esse cara fez as minhocas. Na verdade, eu os fiz com tinta. Eles têm um fluxo realmente natural para eles, o que é meio agradável. Então você pode desenhar as coisas à mão. Mas é bom desenhar as coisas de outras maneiras também e ver como, bem, se você quiser fazer uma linha fluida, faça com fluido. Então eu fiz meus vermes brincando com tinta. Então, este é um esboço que eu gosto e agora eu estou pensando sobre os princípios que temos falado como focar o olho. Eu quero fazer uma pequena cidade em torno da imagem que tipo de chamar a nossa atenção e também dar a esse fundo um pouco de presença, certo? Então, eu classifico a superfície. Mas aqui estão algumas das outras ideias, como quem está com a gaiola de pássaros. Eu gosto da idéia desta gaiola de pássaros como uma espécie de imagem da vida doméstica onde essas aves estão assumindo a sociedade lá. Este ataque à civilização a esta gaiola de pássaros em forma de casa. Acho que é uma boa ideia para trabalhar. Eu definitivamente quero que minha gaiola de pássaros tenha um sentimento mais sinistro. Então este é como o esboço que eu fiz inicialmente e eu poderia fazer um belo desenho vetorial disso, mas eu realmente gosto do tipo duro de sensação dura dele. Vou fazer uma imagem muito áspera da minha gaiola de pássaros. Mais uma vez, a minha tinta é muito divertida de trabalhar. Então eu posso fazer um desenho de tinta. apenas com pincel e tinta. Eu realmente acho que a qualidade da linha é muito agradável e transmite novamente o sentimento emocional que eu quero. Então, aqui está um esboço. Eu tenho aquela imagem da gaiola de pássaros lá e eu digitalizei a imagem como um bitmap. Então aqui está um tipo de design básico. Ele tem um monte de diagonais nele naturalmente, mas eu estou olhando para o meu tipo e pensando que seria bom ter o tipo ter um pouco de uma diagonal para ele. Eu quero como o que vai acontecer? Onde está a ação? Preciso de alguns pássaros. Preciso de ação de pássaros. Então, eu fiz este desenho de um pássaro para representá-lo apenas como pontos de tinta, ranhuras de
tinta que se tornam uma espécie de representação abstrata de um enxame de pássaros. Novamente, se eu digitalizei este desenho como um bitmap de resolução muito alta, e porque eu digitalizei isso como um bitmap, eu posso mudar a cor dessa imagem. Então, eu vou mudá-lo para branco e agora ele se separa da gaiola, o que é realmente emocionante. Estou trabalhando em design. Eu realmente gosto disso. Eu gosto de como é fácil fazer novas páginas, criar muito rapidamente variações de um design. Você pode fazer a mesma coisa no ilustrador com várias placas de arte com o que você estiver confortável. Então eu posso brincar com ele e no design e assim meus pássaros são brancos contra o fundo vermelho. Acho que isso parece muito legal. E se eu colocar o tipo dentro da gaiola? Eu acho que isso é interessante. Eu então adicionei este tipo de gradiente da idéia do pôr do sol. Então, adicionar um gradiente simples é uma maneira de criar uma sensação de tempo e movimento e mudança em uma imagem bidimensional. Então, aqui está outra idéia que eu tive. Encontrei esta grande gravura de uma revista do século 19 com muitos pássaros nela. Para mim que transmite mais o senso de personalidade e estes pássaros como indivíduos, mas os pássaros são assustadores no filme, porque há muitos deles. Então eu acho este tipo de sinistro e eu coloquei o tipo aqui nesta pequena caixa que é meio elegante e científico. Então, sim. Aí está o meu Burchett. Eu acho que isso é meio legal. E se eu colocar o tipo direito naquele splat? Sim. Agora eu gosto disso. Agora tudo vai junto. Eu tenho que focar o olho, escrever que splat torna-se este quadro para o título de um filme e é ação, certo. É uma superfície, é algo ativo, algo físico no cartaz. Então, são três ideias diferentes e isso é algo que eu gostaria que você tentasse com seu projeto. Basta chegar a três idéias e realmente trabalhar através de todas elas. Veja se você consegue encontrar três que você realmente gosta. Eu realmente gosto desta forma gaiola de pássaro como uma casa como uma espécie de metáfora para o que o filme é tudo sobre. É quase um filme ecológico. É sobre os pássaros que lutam contra os seres humanos. Então eu gosto dessa idéia desse tipo de gaiola doméstica. Ok, então, se você está pensando sobre o tipo, você verá que eu coloquei no nome do filme e do diretor e isso é realmente o mínimo. Se você queria parecer mais com um pôster de filmes comerciais de verdade, é infinito. Você pode colocar as estrelas, o produtor e a empresa que fez a coisa toda, o que você quiser colocar lá. Mas, no mínimo, queremos o título do filme e o diretor. Então, eu vou pegar meus três resultados favoritos deste exercício. Vou postá-los na galeria para compartilhar com todos vocês e eu adoraria que vocês façam o mesmo. Então, crie algumas ideias, leve-as ao seu limite e coloque as melhores coisas lá em cima. É muito bom ver uma gama de soluções para um problema. Compartilhe seus esboços, se quiser compartilhar seus esboços. Se estiver a trabalhar completamente à mão, tire uma fotografia do seu cartaz. Mas nós realmente adoramos ver o que você tem e ter a chance de todos comentarem sobre seu trabalho e aprenderem com o que você fez.
11. Considerações finais: Muito obrigado por fazer isso comigo, eu me diverti tanto. Fomos ao museu, olhamos para cartazes reais em exibição no Cooper Hewitt, Museu de Design Smithsonian, e então estudamos esses princípios universais do design: focar o olho, sobrepor, ativar a diagonal, contar uma história, É disso que se trata. Em seguida, olhamos passo a passo como você pode fazer seu próprio cartaz, encontrar a ação de um filme, encontrar a emoção do filme, e criar alguns ativos claros simples, simplificar. Jogue com eles, veja o que você pode fazer para criar seu próprio pôster e compartilhá-los conosco. Nós realmente queremos ver o trabalho que você faz. Encontre a ação, encontre a emoção do filme e veja como você pode torná-la real em seu pôster.
12. Aprenda mais com Ellen Lupton:
Ellen Lupton, Author and educator, MICA
