Descubra a sua perspectiva criativa e faça mais arte consistente

1. Introdução: Você quer fazer um trabalho mais consistente e fazer sua marca única no mundo da arte e design, um monte de prática criativa é apenas tentativa e erro. Mas com algumas ferramentas, você pode fazer um trabalho mais consistente que reflita seu estilo pessoal. Bem-vindo a encontrar a sua perspectiva criativa, onde eu vou desmistificar os elementos básicos da arte e do design para que você possa compreendê-los facilmente, e descobrir como você quer usar esses elementos para fazer seu próprio trabalho único. Eu sou Carolyn, uma designer e ilustradora que frequentou a escola de arte e ainda está aprendendo sobre arte e design todos os dias. Eu realmente fiz meu próprio catálogo criativo para mim porque eu descobri que eu precisava de uma ferramenta para ajudar a me guiar e ajudar a definir meu estilo criativo. Eu pensei que eu poderia usar isso para fazer uma receita ou uma fórmula para o meu trabalho criativo, o que realmente me ajudou a focar. Eu posso recorrer à minha fórmula e isso vai ajudar a restringir meus pensamentos e realmente me encorajar a me empurrar e fazer algo interessante e único. Ao longo desta aula, eu vou orientá-lo através do processo de encontrar sua perspectiva criativa e alguns passos simples. Primeiro aprenderemos algum vocabulário para descrever o que você gosta intuitivamente sobre a arte, mas talvez não tenha palavras para ela agora. Aprenderemos os sete elementos da arte e do design. Em seguida, usaremos esses elementos e vocabulário para analisar a arte. Em seguida, vamos coletar referências do que gostamos dentro desses sete elementos e tomar algumas notas em nosso catálogo criativo. Finalmente, você escolherá alguns elementos de arte e design para explorar em uma nova obra. No final da aula, você poderá aproveitar sua intuição estética e transformá-la em parte de seu próprio processo criativo. Vamos começar analisando os elementos da arte e do design e iniciando seu catálogo criativo. Você estará fazendo um trabalho mais consistente em seu próprio estilo único em nenhum momento. 2. Projeto: seu catálogo criativo: Nesta classe, seu projeto será fazer um catálogo criativo que seja completamente único, cheio de imagens que você deseja emular em seu próprio trabalho. Seu catálogo será composto por sete álbuns do Pinterest que funcionarão como um local central para você adicionar constantemente imagens para as quais você é atraído de seus artistas favoritos, designers, fotos que você tirou em sua vida diária e até mesmo imagens de seu próprio trabalho ou esboços. Seu catálogo também conterá notas sobre por que você selecionou suas imagens e palavras-chave que sugerem como você pode usá-las em seu próprio trabalho. Embora eu esteja ensinando um conjunto básico de vocabulário para usar em seu catálogo criativo, será crucial aprender com outros alunos e expandir nosso vocabulário criativo juntos. Certifique-se de postar seus álbuns e notas do Pinterest na galeria do projeto após cada aula. Dessa forma, expandiremos nosso vocabulário criativo juntos e inspiraremos uns aos outros cada passo do processo. Depois de criar seu catálogo, você criará uma nova peça de arte com base em três seções do seu catálogo criativo ou em três elementos de Arte e Design. Vamos começar no nosso catálogo criativo. Se você ainda não tiver uma conta do Pinterest, obtenha uma delas porque é aí que configuraremos nossa parte de imagem do nosso catálogo criativo. Em seguida, baixe a planilha de notas do catálogo criativo a partir dos recursos do projeto para que você possa estar pronto para tomar notas em suas imagens enquanto passamos por elas. Em seguida, vamos começar a aprender os elementos da arte e do design, começando pela composição. 3. Crie um esboço em miniaturas: Vamos fazer uma pequena pausa e ver como fazer esboços em miniatura. Assim, você pode referenciá-los na seção de notas do seu catálogo criativo. A pessoa visual e os esboços muitas vezes significam mais para mim do que palavras. Se você quiser criar esboços como estes, por favor, faça isso. Gostaria muito de encorajar e aqui estão algumas dicas sobre como você pode fazê-los. Então, quando você está criando seu esboço de miniaturas, você realmente só quer começar criando uma forma básica geralmente um retângulo, que comunica a forma da peça geral, e então vamos desenhar dentro dela. Então, como está a tela? Geralmente é um retângulo ou um quadrado. Então eu começaria comprando uma régua ou apenas uma mão livre. Esboçando a forma básica da peça. Novamente, não tem que ser perfeito de forma alguma, e então você vai encontrar o assunto e começar desenhando isso então, porque você quer começar com um pequeno detalhe e então fazer isso maior do que deveria ser e estragar toda a proporção da peça. Eu iria apenas focar nas linhas maiores primeiro, e assim eu vou dividir a tela, semelhante a como ela é dividida no trabalho em si. Então eu estou fazendo isso, enquanto eu estou olhando para o trabalho. Nesta peça é sobre o meu Texture Board no meu catálogo criativo. Na minha miniatura, vou focar nessa textura. Então aqui vamos nós, começando a destacar as partes que eu gosto sobre isso. Esta é uma composição bastante complicada. Então eu estou realmente simplificando para fazer anotações. Então agora que eu tenho os principais componentes, que seria a estrutura das linhas gerais segmentando essa composição, eu estou indo e desenhando essas pequenas texturas que eu gosto. Eu acho que este padrão na parede revelando o respingo traseiro da cozinha é realmente interessante e tem este movimento agradável, que é algo que eu poderia levar comigo. Eu poderia adicionar uma textura semelhante e um de meus próprios trabalhos, e agora que eu simplifiquei isso apenas para essas pequenas linhas, eu realmente posso torná-lo meu próprio. Isso não vai se parecer com o trabalho original porque não deve se parecer com o trabalho original. Agora que você tem seu esboço em miniatura desenhado, eu gosto de usar apenas mais preto, cor bastante neutra para isso. Agora, você pode entrar com uma cor mais brilhante e realmente fazer anotações sobre o que você gosta especificamente sobre isso. Então eu mencionei antes quando comecei a desenhar isso, que eu gostei da composição da grade do segmento. Eu realmente notei esse aspecto para o trabalho porque eu desenhei. Quando você desenha algo, você realmente entende. Eu normalmente faria apenas uma grade. Então, se fosse uma composição bem centrada como o assunto estava bem no meio, eu apontaria isso desenhando uma linha reta através e então uma linha reta através aqui apenas para mostrar que é realmente, tudo está se cruzando e se reunindo no meio, e o caminho da composição está no meio, ou algo estava aqui, então eu faria um não e uma linha que estava fora centrado. Só para mais uma vez, apontar isso e destacar se eu gostei ou não. Acho que o bom também é o cérebro de designer em mim saindo. Eu poderia fazer anotações sobre o que eu gosto sobre isso. Então coloque palavras para esses padrões diferentes. Talvez uma variedade ou padrão, ou são texturas sobrepostas. Assim, as miniaturas não são difíceis. Você pode fazê-las o que quiser fazê-las, contanto que as compreenda e entenda o que quer trazer consigo para o seu próprio trabalho a partir de obras que existem. É como tomar notas num livro. Então você não quer destacar e anotar todo o livro porque isso iria derrotar o propósito de tomar notas. Você só quer escolher essas linhas, ou frases, ou palavras que significam algo para você. Assim, quando você está olhando para o livro, você apenas se lembra desses grandes conceitos. Então, isso é exatamente o que queremos fazer nos esboços em miniatura e na seção de notas do seu catálogo criativo. Em seguida, continuaremos aprendendo sobre os outros elementos da Arte e do Design. 4. Composição: Vamos começar a fazer seu catálogo criativo dividindo-o em seções de acordo com os elementos da arte e do design. Vamos começar com a composição, e depois aprender sobre os outros seis elementos nas lições posteriores. Nós realmente queremos dividir cada elemento de arte e design porque eles são os blocos de construção do nosso InDesign. Uma vez que tenhamos uma compreensão de como podemos usá-los e como os artistas que admiramos os usaram, então podemos recuperar esse conhecimento, fazer anotações do que gostaríamos e como queremos abordar esse elemento e trazê-lo para o nosso próprio trabalho e formar um perspectiva criativa muito original, voz ou estilo ou o que você quiser chamá-lo, e fazer um trabalho mais consistente que realmente reflete como você vê o mundo da arte e do design. Vamos aprender mais sobre a composição. Você pode ter encontrado esses termos em suas aulas de arte e design, mas é ótimo apenas revisá-los, e realmente lembrar o núcleo do que compõe arte e design. Composição é o arranjo dos elementos individuais dentro de uma obra que formam um todo unificado. Para dividir a composição um pouco mais, é útil analisar o equilíbrio, o movimento, a unidade, a variedade, a proporção e o alinhamento. O equilíbrio é o peso visual de uma composição. Poderia ser centrado, por exemplo, poderia ser centrado e inquietante. Você realmente quer olhar para a regra dos terços, e uma grade visual em sua mente ao procurar equilíbrio e apenas realmente olhar para o que seus olhos primeiro atraíram para o que ocupa uma grande parte da composição. Em seguida, é o movimento ou como o olho se move ao longo da composição. Novamente, olhando para o que primeiro chama seus olhos e depois para onde ele se move em seguida. Em seguida é a unidade; diferentes elementos da composição que são dispostos para que eles se conectem. Esta pode ser uma conexão visual que está literalmente acontecendo na obra de arte. Por exemplo, linhas desenhadas para se conectar umas às outras, ou pode ser uma conexão implícita, onde , por exemplo, seu olho pode se mover de uma forma para outra e unir as duas. Em seguida, é a variedade, o oposto da unidade, onde diferentes elementos da composição são dispostos para que eles se desconectem, enfatizando os elementos que não estão conectados. Em seguida é proporção ou escala, que é a relação de tamanho dos elementos na composição. Isto pode ser realista, isto pode ser abstrato e dramático. Alinhamento é o posicionamento de elementos de uma composição que conecta elementos. Isso vai junto com a unidade, onde certos elementos podem não estar literalmente em cima um do outro ou ao lado do outro, mas porque eles formam essa linha implícita, eles se conectam uns aos outros. Agora que abordamos alguns conceitos básicos de composição, vamos começar a seção de composição do seu catálogo. Comece coletando imagens que ilustrem como você deseja usar a composição em seu próprio trabalho. Aqui estão algumas dicas sobre como escolher imagens para composição. Pesquise seu artista favorito e observe como eles usam a composição ou se voltam para os mestres da composição como Caravaggio, Renoir, Georgia O'Keeffe e Degas. Lembre-se de sempre dar crédito aos artistas. Quando você encontra um artista que talvez goste do Google e leia sua página da Wikipédia ou leia seu site na história. Dessa forma, você pode realmente entender talvez algo que influenciou sua ideia de composição ou o elemento do design artístico. Por exemplo, foi Degas foi um dos primeiros artistas que começaram a trabalhar com fotografia, modo que realmente lhe deu uma perspectiva interessante sobre a composição. Você pode encontrar algo interessante sobre a maneira como o artista que você gosta se aproxima desse elemento, e talvez você possa manter uma mentalidade semelhante. Procure por esses gêneros que você gostaria. Procure obras de arte e os gêneros que você está interessado, como pintura, pintura paisagística ou fotografia paisagística. A partir daí você pode ver como outros artistas nos gêneros que você gosta estão tratando a composição. Depois que você tiver algumas imagens no seu quadro do Pinterest, nós as levaremos para a próxima parada e as analisaremos ou dissecaremos, e tomaremos notas sobre como você deseja usar a composição. 5. Analisar composição: Veja algumas coisas a considerar ao analisar suas imagens para composição. Primeiro, onde seu olho é desenhado pela primeira vez. Segundo, como são os elementos para unir, enfatizar ou criar movimento. Três, os elementos estão equilibrados? Vejamos um exemplo e analisemos uma imagem juntos, usando nossos conceitos centrais da lição anterior e nossas perguntas. Esta é uma pintura de um dos meus artistas favoritos Degas. Eu acho que é realmente interessante na composição porque é quase dividido ao meio, e ele se concentra em um ângulo estranho que você normalmente não veria. Onde está o nosso olho primeiro desenhado, meu olho como provavelmente primeiro desenhado para ser cabeças porque eles são tão escuro e eles estão ocupando tanto espaço na metade inferior da composição, mas também a bailarina luz e seu vestido acima eles atraem meus olhos. Como os elementos são colocados para unir, enfatizar ou criar movimento? Como eu disse, a composição é dividida em, quase no meio da composição, e é a linha de palco que está dividindo, modo que realmente enfatiza os homens da orquestra porque eles são tão grandes, especialmente comparados para as bailarinas, e as bailarinas, bem, uma delas está olhando para baixo quase para o poço da orquestra, mas os rostos dos homens na parte inferior são tão grandes, quase tão grandes quanto o corpo inteiro da bailarina em comparação com sua cabeça menor. Isso parece um pouco menos importante, e ela está mais focada em retratar a orquestra. Os elementos são equilibrados? Eu diria que eles são bastante equilibrados. Como eu disse antes, a composição é dividida ao meio, então eles se equilibram, mas o homem na orquestra na parte inferior é tão escuro e tão pesado, parece certo que lá na parte inferior da composição, mas ainda é bastante pesado e ocupa um monte de peso visual, então eu diria que é talvez um pouco mais pesado no fundo do que no topo. Agora que analisamos essa peça de exemplo, aqui estão algumas imagens do meu catálogo criativo, e vou ver como analisar essas imagens de forma mais intuitiva à medida que as encontro e faço anotações sobre elas. Algo além do quadro do Pinterest, Eu pessoalmente gosto de fazer apenas para ser mais visual como fazer esboços em miniatura para que eu possa desenhá-los e descobrir realmente o que é que eu gosto sobre esta peça específica. Vamos dissecar algumas das minhas imagens. Vamos primeiro pedaço por 100 e t é desta mulher que está sentada muito da composição e primeiro atraída para o rosto dela, e então há esse movimento realmente agradável de redemoinho, e para cima e para baixo suas costas, e depois para cima e ao redor seu braço, então há esse movimento de redemoinho que você tem e essa é provavelmente a minha parte favorita desta peça é o movimento dinâmico, apenas na composição sozinho. Eu gosto que ele é bastante centrado, mas é um pouco superior pesado. Se dividirmos isso nesta regra de terços grade, e então há um pouco mais de peso neste lado direito só por causa da cor, então, no geral, é proporções bastante equilibradas e realistas e o escalonado, e se você realmente piscar e olhe, você vê essas formas adoráveis, que é outro elemento do nosso design que falaremos mais tarde, mas esses elementos nunca são isolados, eles sempre trabalham juntos, então as formas fazem um bom trabalho de comunicando esta composição dinâmica diretamente. Vejamos uma ilustração feita pelo prefeito Coleman que faz parte de suas meninas na série de gramados, então, no início, eu realmente reconheço essas pernas que estão quase em forma de Y com este corpo, e você pode não reconhecer que é uma menina ao nascer, porque você não pode ver seu rosto ou qualquer coisa, então eu gosto que é uma perspectiva realmente dinâmica e única de uma figura, e é bem centrada e a composição também, que é algo que eu também gosto. Aqui está uma abordagem cinematográfica muito interessante, quase narrativa para a composição. Aqui temos essa moldura que desaparece e realmente apresenta essa figura que está no centro da composição. Meus olhos se atraíram primeiro para ele, então eu olhei para baixo e imaginei a linha de visão dele, e então eu subo olhando em volta da vassoura dele, percebendo que ele gosta dela. Ele tem uma bela lareira em um bom apartamento talvez, e então ele tem um gato, então nós realmente aprendemos sobre ele através desta composição, e então nós notamos, esses padrões legais que são apenas muito sutis que compõem isso moldura da janela para nós olharmos. Esta é uma composição muito equilibrada, muito centrada que é muito forte e realmente apenas um passo para trás e define o palco para contar a história. Agora nós temos uma composição que é um pouco desequilibrada, então nós temos essa menina ou menino, e eles são, você vai supor com um pai, mas o pai é realmente cortado para fora. O foco é realmente na criança, e então eles estão olhando, é claro, para os doces nesta janela. Mais uma vez, traçando a linha de visão. Seu olho primeiro se move da criança até a janela. Vamos ver como isso é centrado. Novamente, eu realmente acho que a composição como um pouco mais pesado no lado direito, mas é bastante equilibrado em geral, mas realmente inclinado para o lado direito, e então temos um cartaz de Toulouse Lautrec. Eu amei o movimento diagonal dinâmico nisso. A primeira coisa que olho é outra vez, um rosto. Como humanos, acho que estamos programados para detectar rostos imediatamente, e então meu olho se move para esses elementos mais escuros, e eu realmente aprecio novamente esse movimento diagonal e a composição, então a figura, o próprio sujeito está na diagonal, e então o tipo está imitando sua direção diagonal, e então suas mãos estão todas apontando para ela dessa maneira dinâmica. Há um movimento incrível de como talvez ela esteja se afastando das mãos e as mãos estão se aproximando dela, e então há outros detalhes de confete no fundo que desaparecem, mas talvez dêem uma ideia de onde estão, e se estamos olhando para como isso é dividido na regra dos terços, vemos que seu rosto está bem centrado, mas um pouco fora, e então essas mãos estão realmente neste lado esquerdo, mas eles terminam se equilibrar com a figura que está apenas neste lado direito, por isso é uma composição bastante equilibrada, mas eu acho que é um pouco mais baixo pesado e lado direito pesado, mas ele cria este movimento incrível para o seu olho, que acaba sendo muito interessante, e conta uma história. Agora, nós olhamos para algumas imagens relacionadas à composição e alguns exemplos. Vou retirar minha planilha da seção de notas do catálogo criativo e anotar algumas notas, agora que olhei algumas imagens. Colocando palavras em seus catálogos, imagens realmente ajudarão você a definir como você deseja usá-las em seu próprio trabalho. Então, enquanto eu falava sobre minhas imagens, as dividia, as analisei, tomei notas com meus esboços em miniatura. Vou fazer algumas anotações sobre o que eu gosto. Nestas imagens. Talvez um tema consistente todos estes são centrados, todos estes são diagonais, essa coisa, e dessa forma eu posso notar que mais tarde, quando eu estou realmente fazendo trabalho, e isso vai me guiar sobre como fazer minha própria obra de arte. Eu disse que gosto de composição centrada, talvez um pouco centrada. Eu também gostei de um movimento de contar histórias, então estas podem ser palavras ou frases, eu quero dizer qualquer coisa, desde que você reconheça o que eles significam e você possa dar sentido a eles mais tarde uma vez que você está realmente trabalhando. Agora posso usar essas palavras-chave no meu trabalho mais tarde. Em seguida, continuaremos aprendendo sobre os outros elementos do nosso design. 6. Espaço: Agora que analisamos nosso primeiro elemento de nossa composição do InDesign. Vamos passar para o nosso segundo espaço. Espaço são as distâncias ou áreas ao redor, entre e dentro de componentes de uma peça. Quando olhamos para peças de trabalho para o espaço, é bom rever alguns termos diferentes, como espaço positivo versus negativo, espaço fechado versus espaço aberto, profundidade e dimensão. espaço positivo é o principal foco ou assunto no trabalho. Enquanto espaço negativo é o espaço vazio em torno do assunto. espaço aberto na arte tridimensional é as partes abertas ou relativamente vazias da obra. espaço fechado na arte 3D é as áreas preenchidas ou sólidas da obra. Quando falamos de profundidade em relação ao espaço, estamos falando sobre a distância aparente da frente para trás ou perto de longe em uma obra de arte. Isso é muitas vezes descrito como a relação de fundo versus primeiro plano ou profundidade de campo na fotografia. Você pode ter uma grande profundidade de campo, que significa que parece que há muita distância entre o que está mais próximo de você, o primeiro plano, e o que está mais distante de você, o fundo. Você também pode ter uma profundidade de campo rasa, o que significa que parece que não há muita distância entre esse primeiro plano e o plano de fundo. Podemos pensar na dimensão no espaço como uma medida de extensão espacial em uma direção, altura, largura ou profundidade. Duas dimensões podem ser uma maneira de descrever uma peça de trabalho. Isso significa que ele só tem as dimensões de altura e largura, por isso é plano. Ou podemos chamar um trabalho tridimensional, com dimensões de altura, largura e profundidade. Agora que abordamos alguns conceitos fundamentais para o espaço, vamos começar a seção de espaço do seu catálogo criativo. Comece coletando imagens que ilustram como você deseja usar o espaço em seu próprio trabalho. Aqui estão algumas dicas sobre onde você pode começar. Visite os mestres do espaço, como M. C. Escher, Saul Bass, Salvador Dali, Thomas Cole, Ansel Adams, David Turnley e Henry Moore. Você também pode pesquisar campos de arte e movimentos que você gosta. Olhe para campos específicos da arte como pintura ou fotografia e olhar para movimentos específicos da arte como surrealismo ou modernismo. Depois de ter algumas imagens no seu quadro do Pinterest, daremos o próximo passo e as analisaremos ou as dissecaremos para serem usadas no seu trabalho mais tarde. Aqui estão algumas coisas a considerar ao analisar imagens para o espaço. Primeiro, identifique os espaços positivos e negativos. Um domina o outro? Segundo, a profundidade e a dimensão são realistas, largas ou 3D, ou abstratas, rasas em 2D? Três, o espaço sugere movimento ou um significado adicional para a obra? Vamos analisar uma imagem juntos usando nossas perguntas e conceitos centrais do espaço. Você provavelmente já viu esse famoso trabalho de M. C. Escher. É um olhar muito interessante para o espaço positivo e negativo. Vamos começar por aí, identificar os espaços positivos e negativos. Esta peça é realmente interessante porque os espaços negativos e positivos quase mudam. No começo você pode ver o espaço positivo são os pássaros voando, eles são pretos, e então o céu atrás deles é branco. Esse seria o espaço negativo. Uma vez que você chegar a meio caminho do fundo, ele muda e os peixes estão naquele espaço branco. Isso se torna o espaço positivo e o preto atrás do peixe torna-se o espaço negativo. É uma jogada muito inteligente no espaço negativo, positivo e como diferentes pessoas interpretam os negativos positivos ou como ele pode mudar ao longo do tempo. Um domina o outro? Eu diria, não, eles são muito equilibrados e eles mudam dependendo onde você está olhando na peça ou como seu olho está se movendo através dela. A profundidade e a dimensão são realistas ou abstractas? Eu diria que a profundidade e a dimensão são muito abstractas. Os peixes e os pássaros são muito planos. Eles têm um pouco de sombreamento sobre eles, mas definitivamente não se parece com um peixe 3D que você pode segurar em sua mão. O fundo também é, apenas branco liso ou preto liso. Não há indicação de que há água abaixo dos peixes, ou que há um céu com nuvens atrás dos pássaros. Será que este espaço sugere movimento ou adicionar significado? Como eu mencionei antes, eu acho que há um bom movimento aqui porque é um padrão muito previsível que, os peixes e os pássaros estão se movendo. É realmente uma descoberta divertida quando seu olho se move de cima para baixo e o espaço muda. Aqui estão algumas imagens do meu catálogo e eu vou passar por muito rapidamente como eu mais intuitivamente analisar isso em minha própria prática. Nesta ilustração, eu realmente gosto da planicidade disso. Tudo parece muito superficial na profundidade. Estas árvores estão todas no mesmo nível. Não há nada a desaparecer à distância. Eles têm uma variação de tamanho, mas não é consistente o suficiente para onde esta árvore no fundo pode ser realmente pequena em comparação com uma árvore enorme em primeiro plano, tudo é jogado para fora neste padrão de árvores que são todas, uma grande árvore aqui, uma pequena árvore aqui. Não faz sentido espacialmente que esta seja uma representação realista de uma paisagem. O espaço em branco no fundo é claramente o espaço negativo, enquanto as árvores estão em primeiro plano e representam o espaço positivo. Eu acho que no geral há pequenos movimentos espacialmente ao longo desta peça. Só porque, como eu mencionei antes, não há um movimento do primeiro plano para o fundo com seu olho. Está tudo no mesmo campo. Isso permite que seus olhos se concentrem nas árvores. O fundo é apenas branco. Não há nada para olhar lá fora. Você pode notar todas essas ilustrações de árvores muito doces. A próxima peça que eu escolhi para adicionar ao meu espaço foi esta ilustração realmente interessante chamada sobras e tem esta planicidade extrema. Como mencionei no último trabalho, há um espaço negativo claro que é branco ou espaço em branco e que permite que os elementos coloridos do espaço realmente avancem até o primeiro plano. Mas há essa profundidade realmente interessante que entra em jogo com esses diferentes elementos sombreados. Existem algumas cores primárias que são usadas que realmente sobressaem no primeiro plano desta pintura, mas às vezes desfocam. Pode haver esse branco, mas no meio elas são realmente claras, e elas são áreas muito escuras, há esse cinza que sai e que aumenta a profundidade, que adiciona dimensão. Você pode dizer que essas áreas mais escuras devem representar uma sombra. Essas áreas mais amplas de seu corpo e seu chapéu devem representar um assunto que está surgindo em primeiro plano. A terceira peça que escolhi é a sala vermelha. Tem planicidade óbvia para ele, semelhante às duas peças anteriores que eu olhei. Ele realmente não oferece muita dimensão porque como o que eu mencionei com as árvores, não há nenhum movimento realmente dizendo nada sobre isso ser uma sala real onde você pode se mover, que você pode voltar porque esses elementos são todos apresentados de forma tão plana. As cores também realmente se misturam, especialmente na parede e na mesa que ele traz para fora essa planicidade, por exemplo, esta parede, se estivesse realmente em uma sala, provavelmente deveria ter uma cor mais escura porque é mais para trás no espaço. Ou poderia ter uma cor mais clara, mas seria definitivamente mais diferente do que a cor da mesa e isso é um pouco confuso espacialmente, mas reúne esta abstrato realmente agradável que eu realmente Pessoalmente. Então isso faz com que seu olho se concentre mais nesses elementos do que no fato de que isso pode ou não ser uma sala real. Seu olho pode se mover livremente. Nada é mais importante do que a outra coisa. Você pode passar algum tempo apenas explorando uniformemente os elementos desta composição. Eu penso novamente, este é um trabalho realmente interessante do espaço positivo vindo com o espaço negativo para comunicar algo mais forte. Imediatamente eu vejo o que está ocupando mais espaço da composição, esses carros. Esse será o nosso espaço positivo. Então esta área branca do fundo é obviamente o nosso espaço negativo. O fundo branco vem para quebrar o espaço positivo em certos pontos. Eu acho que isso é realmente indicativo para o tipo de impressão que eles poderiam ter usado de volta neste momento. Talvez eles estejam com um orçamento apertado, por exemplo, e eles só podem imprimir uma cor. Este uso de espaço positivo e negativo seria muito importante para fazer quase uma terceira cor com apenas a sua cor, que é o seu papel, e então a sua cor que é o seu assunto. Há quase esta terceira cor aqui. Mas de qualquer maneira, então talvez seja por isso que este espaço negativo come no espaço positivo. Ele também realmente comunica efetivamente este objeto ou esses dois carros voltando para o espaço. Embora esta seja uma imagem bastante plana no geral, há apenas uma cor, e tudo que é essa cor está no mesmo campo. Há este aspecto de dimensão e profundidade que vem porque tudo se move para este canto superior. Porque ele encolhe, isso sugere que ele está voltando para o espaço como o que eu mencionei com as árvores antes. O que quer que esteja na parte de trás seria menor do que o que está na frente. O tipo está incluído nisso, o que é algo que eu realmente gosto pessoalmente. Toda essa composição se junta e acho que é muito inteligente. Agora que analisamos algumas imagens, vamos passar para o próximo passo e escrever notas em nossa planilha de notas. Eu tenho sido consistente em todos os meus desenhos, ilustrações, pinturas que eu olhei era essa planicidade, que também criou uma abstração. Eu vou fazer anotações para ambos, eu fiz um primeiro plano dinâmico, fundo ou positivo, relacionamento espacial negativo. Sugestões de profundidade. Eu não acho que no geral eu gosto de muita profundidade. Eu não gosto que seja super realista ou eu não quero pelo menos focar nessa profundidade e realismo. Eu quero me concentrar mais em coisas como cor, então eu deveria manter essa planicidade, a fim de me concentrar em outras coisas e elevar essas outras coisas e quase esquecer o espaço. Aprendemos os conceitos centrais do espaço. Recolhemos e analisamos imagens para o espaço. Tomamos algumas notas em planilhas de notas. Vamos passar para a nossa próxima lição, que cobrirá a forma. 7. Forma: Agora que cobrimos os dois primeiros elementos, composição e espaço, vamos para a nossa terceira forma. A forma ou condição em que um objeto existe ou aparece é a forma. O que parece muito técnico. Vamos dividi-lo em alguns termos mais simplificados. Temos forma geométrica, forma orgânica, dimensão e forma a considerar enquanto estamos analisando a forma. forma geométrica é definida em matemática e tem nomes comuns. Por exemplo, círculos ou quadrados, e o oposto de geométricos seriam formas orgânicas, assim formas sem nomes, sem definir ângulos nem padrões. Isso sugere natureza. Dimensão em relação à forma fala sobre como uma forma pode ser bidimensional, mostrando apenas comprimento e largura ou poderia ser tridimensional com realces e sombras que mostram mais profundidade. Forma é uma forma em 3 dimensões. Agora que abordamos alguns conceitos fundamentais para a forma, vamos começar a seção de formas do seu catálogo. Colete as imagens que ilustram como você deseja usar a forma em seu próprio trabalho. Aqui estão algumas dicas sobre como coletar imagens se você precisar de um ponto de partida. Veja como seus artistas favoritos usam a forma ou se voltam para os mestres como Mondrian, Le Corbusier, Kandinsky, Gauguin, Kara Walker, Claes Oldenburg e Paul Klee. Você também pode simplesmente procurar suas formas favoritas que você já gosta e trabalha. Depois de coletar algumas imagens no seu quadro do Pinterest, iremos para a próxima etapa que é analisar essas imagens para extrair o que você quer levar com você no seu próprio processo. Aqui estão algumas coisas a considerar ao analisar imagens para a forma. Um, identifique as formas principais. São geométricos ou orgânicos? Dois, os limites da forma são definidos por linhas, valores, cores ou texturas? Três, as formas são realistas ou expressivas? Complexo ou simplificado? Vamos analisar uma imagem juntos usando nossas perguntas e conceitos centrais, porque estes são realmente divertido imagem de um bolo e pedaços de bolo. Vamos falar sobre as formas e identificá-las. No início, vemos um monte de círculos no bolo e nos pratos distribuídos uniformemente. Depois, há um monte de triângulos e prisma retangular nas fatias. No geral, as formas são bastante geométricas. Como os limites das formas são definidos? Há alguns pequenos pedaços de contornos, mas também há sombras. É uma representação bastante realista do bolo. As formas são realistas ou expressivas, complexas ou simplificadas? Eu acho que no geral o tom desta peça é bastante simplificado, mas em relação à forma, eu acho que é bastante realista. Parece o que você imaginaria um bolo e suas fatias parecendo. Eu não acho que nada é muito abstrato aqui, mas no geral parece bastante simplificado. As formas são apenas repetidas ao longo da composição que cria este ritmo agradável. Eu realmente gosto desse ritmo e eu acho que essa é uma técnica que eu poderia talvez usar no meu próprio trabalho. Aqui estão algumas imagens do meu catálogo e vou falar sobre como eu analisá-las de forma mais intuitiva no meu próprio processo criativo. Esta primeira ilustração de Paul Rand, é uma representação muito abstrata de alguns animais. imediato, reconheço que este é provavelmente um gato e que talvez este seja um cão. Mas isso não é realmente como um gato ou um cão olhar na vida real. Eles são muito esquadrados. Eles são muito geométricos em forma. Bem, apenas algo que eu gosto e que traz uma qualidade abstrata lúdica para aprender. As formas são muito planas e são apenas blocos de cores, o que representa novamente essa simplicidade e abstração que eu gosto. Em seguida, temos uma ilustração do leite. Eu amo a mistura das formas mais geométricas com as caixas mais orgânicas do leite. Mais uma vez, isto exemplifica a abstração e a simplificação. Você vê que as sombras são apenas formas. Na realidade, haveria mais profundidades representadas nisto. Haveria mais um sombreamento claro, por exemplo. Então esta é apenas uma forma simplificada. Eu gosto que é apenas esta forma simplificada e você não precisa de toda essa informação extra. Em seguida, as formas apenas enfatizam a forma das caixas de leite em geral. Há tantas formas pequenas dentro da forma maior, quebradas pelo retângulo repentino quase no meio da composição. Em seguida, é este maravilhoso desenho de um vaso. Isso é mais uma vez super simplificado. É realmente apenas este vaso em forma orgânica com, claro, estas folhas de forma orgânica. Depois há esta mesa redonda e círculos redondos e uma fruta redonda que todos enfatizam o círculo ou como a qualidade redonda. Eu adoro quando diferentes formas ecoam as outras formas dentro da composição. Este é um conceito muito divertido ilustração de um castelo. Isto, claro, tem essas pequenas formas dentro das formas dentro das formas dentro das formas dentro das formas. Isso poderia continuar. Este super orgânico, super brincalhão. Nenhuma dessas linhas e formas são perfeitas. Eu amo esta interpretação super simples, mas realmente brincalhão e divertido do castelo. Então, por último, temos estas ilustrações de mulheres que estão em trajes de banho. Novamente, isso é realista o suficiente para onde é como o corpo de uma mulher. Assim como nós fazemos, não havia extremidades de carro, mas eles são abstraídos e super simplificados. Este é realmente menos sobre o preenchido e formas, realmente apenas seus trajes de banho são preenchidos. É realmente sobre essas linhas se juntarem para fazer um oval ou fazer um triângulo. Apenas essa simplificação é algo que eu realmente amo e eu sei que eu realmente quero imitar em meu próprio trabalho. Eu acho que essas poucas imagens que eu escolhi fizeram um bom trabalho de ilustrar algumas maneiras diferentes de eu fazer isso. Agora que analisamos algumas imagens, vamos voltar para a nossa planilha. Eu definitivamente disse um milhão de vezes que eu gosto de forma imperfeita. Formas dentro de formas é algo que eu disse muito. Simplificado. Você pode dizer também que esta é a terceira vez que eu estou escrevendo na minha seção de notas, e eu definitivamente disse algo ao longo das linhas de simplificado, imperfeito e resumos um milhão de vezes. Eu já sei que essa deve ser a direção que eu vou no meu próprio estilo. Vou escrever óbvio. Porque, às vezes, na vida real, você não vê formas imediatamente dentro de formas quando você olha para um objeto. Mas na minha arte, eu realmente quero puxar para fora e me divertir com essas formas interagindo, talvez apenas dentro de um objeto. Cobrimos os principais conceitos de forma, coletamos e analisamos imagens, e escrevemos algumas notas sobre forma e como queremos usar em nosso próprio trabalho. Vamos passar para a próxima linha de aula. 8. Linha: Agora estamos prontos para o próximo elemento de Arte e Design, que é linha. Vamos rever o que significa linha e alguns termos que se relacionam com ele que nos ajudarão a descrever linha a usar em nosso próprio trabalho. Linha é um caminho identificável criado por um ponto que se move no espaço. Aqui estão algumas palavras com as quais você pode descrever linha, horizontal, vertical, diagonal, curva, qualidade de linha e contorno. Em um nível básico, as linhas podem ser horizontais, o que sugere paisagem, espaço ou descanso. Também pode haver linhas verticais que sugerem altura, espiritualidade ou poder. Também pode haver linhas diagonais que sugerem movimento, e uma peça de trabalho. Existem linhas curvas, que sugerem uma energia ou talvez uma calma ou suavidade, ou natureza, semelhante às formas orgânicas. A qualidade da linha pode ser usada para descrever a natureza de uma linha criada por uma ferramenta ou uma técnica. qualidade da linha pode ser descrita como fina, grossa, variada, reta , curva, ziguezague, curta, longa, cruzada ou tracejada, entre muitos outros. Contorno é a borda aparente de um objeto. Esboço geralmente não existe no mundo real, mas é muitas vezes como as pessoas interpretam objetos na arte. Agora que cobrimos alguns conceitos básicos para linha, vamos começar a seção de linha do seu catálogo. Comece a coletar imagens que ilustrem como você deseja usar a linha. Se você não tiver certeza, aqui estão algumas dicas sobre como escolher imagens para sua seção de linha do seu catálogo criativo. Uma das coisas mais fáceis que você pode fazer é procurar artistas famosos que são conhecidos por seu grande uso da linha. Leonardo Da Vinci, Henri Matisse, Jackson Pollock, Pablo Picasso, pintura de lavagem de tinta ou arte chinesa são ótimos exemplos de formas únicas de usar a linha. Você também pode procurar as ferramentas e mídia que você sabe que gosta. Procure arte que usa as ferramentas e mídia que criam o tipo de linha que você gosta. Se você gosta de desenho a lápis, por exemplo, procure arte de lápis, ou se você sabe que gosta de tinta, então procure, pinturas. Depois de reunir algumas imagens na sua linha, quadro do Pinterest para o seu catálogo criativo, vamos dar o próximo passo e analisar essas imagens para que possamos dissecá-las e descobrir como queremos usá-las em nosso próprio trabalho. Aqui estão algumas coisas a considerar quando você está olhando para suas imagens para linha. Um, identificar as linhas, qual é a direção e a qualidade deles? Dois, a linha leva seu olho ao redor da composição? As linhas formam uma forma ou adicionam significado? Três, a linha é óbvia, sugerindo simplicidade e brincadeira, ou as linhas são sutis sugerindo realidade? Vamos analisar uma imagem juntos para revisar essas perguntas e ver como podemos usar nossos conceitos centrais para descrever uma imagem. Aqui temos uma imagem muito poderosa de Pablo Picasso. Vamos identificar as linhas e falar sobre qual é sua direção e qual é sua qualidade. Esta é uma pintura muito dinâmica com realmente um monte de linhas. Eles são principalmente, eu os descreveria como um esboço. Eles são bastante sólidos e escuros na maioria das vezes. Sua direção está em todo o lugar, que é o que torna esta pintura tão interessante e dinâmica. Há linhas que se movem juntas e organicamente na página do cabelo dessa mulher. Mas também há triângulos muito geométricos e chocantes no meio do rosto dela, que é perturbador porque você sabe que não há triângulos aleatórios e formas geométricas estranhas no meio do seu rosto. Você sabe que esta é uma peça abstrata. Você sabe que é um pouco perturbador. A linha lidera o seu olho em torno da composição? As linhas formam uma forma ou adicionam significado? Como estávamos dizendo, há um movimento realmente dinâmico em torno de toda a composição porque a linha sólida e ousada leva você ao redor da composição. É como uma montanha-russa de uma linha, e isso cria aquele movimento realmente dinâmico. Como eu mencionei antes, as formas geométricas que estão no meio do rosto acrescentam um significado ou uma história que algo claramente não está certo aqui. Se olharmos para o título da peça, 'The Weeping Woman', que o uso de linha geométrica no meio da fase orgânica realmente enfatiza que ela está chorando, há algo errado e também o espectador deve talvez se sentir chateado como Bem. A linha é óbvia sugerindo simplicidade e brincadeira? Ou a linha é sutil, sugerindo realidade? Como referi quase imediatamente, esta linha é claramente um esboço. Não é para ser realista e definitivamente não é sutil. Eu não chamaria de brincalhão neste caso, mas eu acho que é muito óbvio e enfatiza a destruição e o rosto. Agora que analisamos o Picasso juntos, uma vez que você tenha algumas imagens, quero que você faça essas perguntas e use nossos conceitos básicos para descrever suas próprias imagens. Vou mostrar alguns exemplos de imagens no meu catálogo criativo que analisarei e como escolho de forma mais intuitiva o que quero anotar no meu catálogo criativo. Estas linhas são realmente expressivas e curvas e orgânicas ao longo de toda a peça, que é algo que eu realmente gosto. Há muito movimento em toda a peça porque há uma variação em todas essas linhas que facilmente movem você através das plantas, e até mesmo para baixo para dentro do vaso. Realmente toda a ação está acontecendo nas flores e nas plantas, porque o contorno do vaso é apenas isso, um contorno. Esta metade inferior é super simplificada e não muito interessante de se olhar. Eu amo a qualidade lúdica deste e apenas a qualidade esboçada das linhas. Esta próxima peça, eu amo por causa dos contornos desta mulher, do seu rosto. Novamente, qualidade imperfeita da figura. Adoro como o assunto, a mulher no meio é super orgânica e curvilínea em suas linhas e o que ela está sentada e esta vegetação no fundo, enfatiza sua curvatura. Há muito poucas linhas horizontais geométricas ou retas nesta peça. Mas eu gosto de como há um uso sutil desta grade no fundo, que parece um pouco mais geométrico e feito pelo homem enquanto ela está apenas sentado na frente dela. Adoro como a curvatura dos elementos ao seu redor enfatiza a curvatura deste assunto ou da mulher. Nossa próxima peça é uma ilustração conceitual muito bonita. Eu escolhi este para o Line porque tem muita linha nele. Há essas linhas sutis no fundo, quebrando o espaço e dividindo as diferentes figuras em primeiro plano. Há também um bom uso da linha na roupa das figuras. Depois, há um uso diferente e mais sutil de Line no fundo, com esses dançarinos andando por aí. Estas linhas são um pouco mais diagonais. Depois, há linhas muito apertadas em áreas mais escuras. Depois, há linhas mais turbulentas, para representar diferentes instrumentos e diferentes componentes da composição. Eu acho que há uma grande variedade de trabalho de linha nisso. Em cada uma dessas linhas estão se comunicando uma coisa diferente e acho que torna a peça muito brincalhão geral. Estas linhas também adicionam uma quantidade muito agradável de textura para a paz e comunicam uma dimensionalidade agradável. Este esboço de alguns figos é realmente agradável e expressivo. Adoro como essas linhas parecem apressadas. Ele realmente parece feito à mão e não é perfeito novamente, mas comunica o que é suposto comunicar. É muito brincalhão e tem muito movimento. Você pode quase imaginar os artistas, rabiscando sua caneta para fazer isso, o que é muito divertido. Então nossa última imagem é uma representação divertida e abstrata de um rosto. Adoro como a linha é bem reta. Mas então, de repente, há essas curvas realmente agradáveis que ajudam a mover você, e quase juntar a coisa toda para que você possa ver que é um rosto. Isso é realmente brincalhão, um pouco mais geométrico e simplificado do que as outras peças que eu mostrei a vocês. Mas eu acho que é um uso muito simples e agradável do Line para comunicar exatamente o que você quer comunicar com pouca informação. Agora que analisamos um punhado de imagens, vamos voltar à nossa folha de notas para concluir a última etapa nesta seção do nosso catálogo, que é escrever notas. No geral eu realmente gostei de variação no trabalho de linha. Gosto que as linhas comuniquem algo. Então eu gosto do uso de esboço, que novamente remonta àqueles conceitos abstratos que eu gosto. Penso que o esboço representa uma simplificação. Eu gosto de trabalho de linha que cria uma forma. Como aquela peça conceitual com um monte de figuras nele eu acho que foi um bom uso da linha, criando coisas como um instrumento ou como o cabelo de alguém. Isso é um pouco mais interessante do que apenas ter uma forma lá. Estamos todos feitos de rever os conceitos básicos, definições e análise de linha. Vamos passar para a próxima seção, que é cor. 9. Cor: Vamos falar sobre o nosso quinto elemento de arte e design, cor. cor é a tonalidade percebida de um objeto. Podemos descrever a cor em alguns termos diferentes, matiz, valor, saturação, contraste, esquema de cores de uma peça de trabalho, ou o humor e o significado que vem com a cor dentro de uma peça de trabalho. A tonalidade é a cor, por exemplo, vermelha. Algumas categorias básicas de tons são cores primárias, cores secundárias e cores terciárias. O valor da cor é a leveza ou a escuridão. Por exemplo, rosa é uma versão mais clara do vermelho, enquanto marrom é uma versão mais escura do vermelho. Saturação é a intensidade da cor, por exemplo, pastéis que são mais leves em intensidade, e cores primárias que são super intensas. Contraste é a separação de valores entre duas ou mais cores. Por exemplo, se amarelo, que é mais leve em valor, estiver ao lado de azul, que é mais escuro em valor, isso vai parecer muito separado. esquema de cores é a combinação de cores usadas em um trabalho. Há um monte de diferentes tipos de esquemas de cores que podemos falar, mas eu vou apenas mencionar os principais esquemas de cores que são comumente discutidos, monocromático, análogo, complementar, split-complementar, triádico, neutro, pastel, silenciado, quente, fresco, claro e escuro. Você pode usar qualquer um desses termos para ajudá-lo a descrever o que você gosta em um esquema de cores. Depois, há humor e significado, quando uma cor evoca uma emoção e/ou associações culturais dentro de uma obra. Por exemplo, as cores escuras muitas vezes podem se sentir inquietantes, branco geralmente pode representar inocência e cultura, e o vermelho pode ser associado à marca Coca-Cola. Agora que abordamos alguns conceitos básicos e descritores básicos de cor, vamos começar a seção de cores do seu catálogo. Colete imagens que ilustrem como você deseja usar cores em seu próprio trabalho. Aqui estão algumas dicas sobre como começar a coletar suas imagens para cores. Se uma imagem não saltar imediatamente à sua mente para o seu tabuleiro, você sempre pode recorrer aos mestres. Procure artistas como Henri Matisse, Cezanne, Monet, olhe para Pop Art, olhe para o período azul de Picasso, procure o trabalho de Mark Rothko, ou Helen Frankenthaler, ou Josef Albers era realmente grande em teoria de cores. Se você sabe para quais cores você é desenhado e você gravitará em direção, as cores de pesquisa são combinações de cores que criam o tipo de arte que você gosta. O Adobe Color é um ótimo recurso. É um aplicativo e um site. Você pode fazer seus próprios esquemas de cores, ou se você precisar de alguma inspiração, você pode pesquisar sua biblioteca de esquemas de cores. Depois de coletar algumas imagens no seu quadro do Pinterest, vamos passar para a etapa de análise e extrair o que é sobre as imagens que você quer levar com você para o seu próprio trabalho. Algumas das perguntas que você pode considerar ao olhar suas imagens e analisá-las para cores são: Primeiro, quais cores ou matizes você vê? Segundo, como descreveria as cores e o esquema de cores na obra de arte? Três, que humor o esquema de cores evoca? As cores adicionam significado? Vamos analisar rapidamente apenas uma imagem juntos antes de começarmos em seu próprio catálogo criativo. Esta é uma bela imagem brilhante de Henri Matisse. Vamos começar com as cores ou tons que você vê. Eu definitivamente vejo uma variedade de tons. Usando nossos conceitos básicos que aprendemos anteriormente, vejo uma cor roxa azulada silenciosa, definitivamente vermelho, amarelo muito saturado, tem essa cor rosa claro em seu vestido, tem laranja, e então há também uma cor verde muito saturada. Como descreveria as cores e o esquema de cores? Eu descreveria isso como um esquema de cores muito saturado. Há aquela cor azul púrpura silenciada, mas geralmente os vermelhos, os amarelos, as laranjas, e até mesmo o verde estão muito saturados. Eu acho que, no geral, é um esquema de cores bastante equilibrado. Pode até inclinar-se um pouco para aquecer, mas eu acho que o verde faz um bom trabalho de equilibrar as cores mais quentes. Eu não diria que é claro ou escuro. É, novamente, equilibrado com algumas das cores mais escuras no fundo e as cores mais claras em primeiro plano. A figura é bastante leve e, em seguida, a base é bastante leve. Que humor o esquema de cores evoca? As cores adicionam significado? Para mim, as cores evocam essa qualidade brincalhão. Sabemos que, realisticamente, a sala na cena provavelmente não parece tão brilhante e tão colorido, mas o artista tomou algumas liberdades e fez esta pintura arco-íris. Eu não sei se isso realmente evoca um significado, mas eu poderia interpretar isso como um cenário de sonho. Uma vez que você tem algumas imagens em seu quadro do Pinterest para cores, Eu gostaria muito de encorajá-lo a usar essas perguntas e nossos conceitos principais para analisar as imagens. Eu vou falar através do meu processo de como eu extraio e disseca as imagens para cor. Este primeiro é apenas uma pintura super simples em um caderno de esboços, mas eu amo como ele é tão simples e apenas blocos de cores. As cores são bastante silenciado em geral, mas há essa variedade realmente divertido em cores. Eu posso ver que há preto, azul, esta cor de salmão, um rosa mais escuro, um rosa mais claro, uma cor azeitona, uma cor azulada, uma cor roxa mais escura, e então uma cor laranja de aparência enferrujada, o que torna mais divertido e brincalhão. Esta próxima imagem eu realmente gosto porque é tão brilhante e colorido. As cores aqui estão muito saturadas. Parece que alguém usou as cores da caixa de lápis, e não as diluíram, então estão super brilhantes e saturadas. Temos esta cor vermelha mindinho que ocupa a maioria da composição e cria um rosto, que é realmente deslumbrante, e obviamente não sua cor real do cabelo ou cor da pele, mas é realmente divertido e expressivo. Então temos ela segurando algumas flores ou plantas azuis e verdes, que é um contraste muito agradável com a cor vermelha e quase esta cor complementar. Então, sua mão tem realmente uma grande mistura de ambos o azul, que está comunicando quase uma sombra, e o rosa-rosa, que está comunicando sua pele. Esta próxima ilustração de um leão é muito divertida porque é realmente apenas duas cores, amarelo e azul, mas eles se sobrepõem no processo de impressão, então eles criam um verde onde eles se sobrepõem, que é muito divertido, e expressivo, e brincalhão. Esta pintura realmente bonita de uma mulher tem tantas cores nele e é quase como um arco-íris. Eles são bastante saturados embora pouco tonificados e silenciados. Eles obviamente não são uma expressão realista de como esta mulher se parece na vida real, mas é uma representação realmente bonita da mulher e super expressiva. Este melão eu realmente gosto porque ele só tem um par de cores, o roxo, o amarelo, o azul escuro, e, em seguida, alguns rosa e roxos se juntando no interior do melão. Novamente, isso é super simplificado e realmente tem apenas um par de cores, mas eles se misturam em certos pontos, o que é realmente bonito. Em vez de serem sua própria faixa roxa separada ou círculo rosa, eles se unem um pouco sublime. Agora que analisamos um punhado de imagens, é hora de você olhar para suas imagens, ver o que deseja extrair e usar em seu próprio trabalho criativo. Podemos fazer isso facilmente, dando nosso próximo passo nesta seção do nosso catálogo, que é anotar algumas notas em nossa planilha de notas. Saturado. Então, eu notei que eu realmente gravitava para esquemas de cores que incluíam talvez quatro cores, pelo menos três ou quatro cores, eu acho que eu diria, e então até talvez 10 cores. Isso é, novamente, vai ajudar a orientar meu esquema de cores tomando decisões quando eu vou pintar ou desenhar no futuro. Sobreposição, mistura de cores como na fruta, sobreposição como no leão, como você pode realmente usar apenas duas cores, mas você pode misturá-las de maneiras diferentes para criar cores diferentes sutis que tudo juntos porque é realmente apenas as duas cores. Eu vou adicionar um resumo aqui novamente, só porque eu tinha alguns retratos que eram super coloridos e não necessariamente representam realisticamente as mulheres que estão sendo retratadas. Eu acho que eu realmente não gravitar para uma cor específica, mas eu poderia escrever vermelho aqui ou laranja. Agora que terminamos com nossos conceitos centrais, nossa análise e nossa seção de notas de cor, vamos passar para nossa próxima seção do nosso catálogo criativo, que é textura. 10. Textura: Vamos falar sobre textura ou sexto elemento de arte e design. Textura é a sensação visual de uma peça. Esta textura pode ser real ou implícita. Você quer pensar sobre os materiais, as ferramentas e as técnicas que estão por trás dessa textura. Quando falamos de materiais em relação à textura, estamos falando do campo visual criado pelos materiais usados para fazer o trabalho. Por exemplo, uma tela ou metal. Quando pensamos em ferramentas em relação à textura. Estamos falando do campo visual criado pelas ferramentas usadas para fazer o trabalho. Por exemplo, uma escova plana ou uma escova de ventilador na pintura. Você também pode pensar sobre as técnicas. A sensação visual criada por técnicas ou processos usados para fazer o trabalho. Por exemplo, uma técnica do tipo pincel seco ou uma técnica de eclosão cruzada e todas elas criam texturas diferentes. Agora que abordamos os principais conceitos de textura, vamos começar a coletar imagens que ilustrem como você deseja usar a textura em seu catálogo criativo. Inicie o teu álbum do Pinterest e comece a procurar imagens que reflitam a forma como podes querer usar a textura no teu próprio trabalho. Aqui estão algumas dicas para você começar a escolher imagens para sua placa de textura. Vire-se para os mestres. Alguns artistas que são conhecidos por seu uso de textura são Vincent van Gogh, Robert Rauschenberg, Andy Goldsworthy e artistas do movimento Realismo. Pesquise também a mídia que você gosta. Procure os materiais, processos e ferramentas que criam o tipo de arte que você gosta. Depois de ter coletado algumas imagens, você vai para a próxima etapa que é a análise da sua placa de textura. Algumas coisas a considerar ao analisar suas imagens para textura são uma; descrever como se sente a peça de trabalho, dois, quais materiais, ferramentas e técnicas você acha que contribuem para a textura? Além disso, você pode saber quais ferramentas, materiais e técnicas os artistas usam se você fizer mais alguma pesquisa sobre a imagem. Três, a textura é sugestiva de algo no mundo, um período de tempo ou uma cultura? Há mais contextos por trás do trabalho e da textura que você poderia incorporar em seu próprio processo? Aqui está um exemplo de imagem que vamos analisar juntos para reiterar nossos conceitos centrais e mostrar como você pode levar esses conceitos básicos com você em seu próprio processo. Tenho certeza que todos estão familiarizados com este quadro, Noite Estrelada de Vincent van Gogh. Primeiro, descreva como a peça de trabalho se sente. Para mim, este trabalho parece acidentado, talvez e agitado. Uma textura implícita seria essa mundanidade porque sabemos que a tinta não está girando. São apenas os efeitos que você obtém do movimento nas linhas e na forma. Em seguida, a textura real parece que a tinta pode realmente ser construída sobre a superfície da tela, modo que é uma textura realmente acidentada. Quais materiais, ferramentas e técnicas você acha que contribuem para a textura? Isto é uma pintura a óleo. Sabemos que Van Gogh usou essa técnica de impasto, então é por isso que parece acidentado. Ele construiu a tinta na superfície da tela para conseguir uma aparência em camadas. Presumo que com o impasto, ele provavelmente usou como uma faca de palete ou algo assim também em uma tela, então se eu quisesse criar um trabalho parecido com este, eu manteria isso na minha mente, a técnica de impasto, Lona, tinta a óleo. A textura é sugestiva de algo no mundo, um período de tempo ou uma cultura? Isto é definitivamente sugestivo de algo no mundo. É como se chama, uma noite estrelada. Mas é um pouco abstraído porque uma noite estrelada não é exatamente assim. Há espaço para interpretação que Van Gogh usou. Então também sabemos porque sabemos a data em que esta peça foi criada, que isso fazia parte do movimento pós-impressionismo na arte moderna. Novamente, se estivermos interessados em criar um trabalho como este, podemos pesquisar mais sobre artista moderno ou Arte Pós-Impressionismo. Agora vou passar por alguns exemplos de peças de trabalho que tenho no meu próprio catálogo criativo para textura. Estou olhando para esta maravilhosa peça com talvez uma mãe e seu filho. Talvez seja uma impressão digital ou apenas uma peça digital. Parece bastante suave em geral, mas eu amo o uso das muitas texturas ao longo desta peça. Há um pouco de textura de linha no céu, no geral o céu parece bastante suave e plano. Mas então esse plano de fundo parece mais distante do que esse fundo porque eles são separados por essas duas texturas diferentes criadas por essas linhas se movendo ao longo. Então essas linhas atingem essa forma, que tem mais uma textura com ainda mais dessas linhas, mas estão mais preenchidas criando uma textura diferente. Depois, há esta textura quadriculada que vem na criação de mais um elemento na peça. Depois, há um banco plano, que é um pouco não interessante e apenas uma forma simples. Depois há todas essas folhas planas que vêm em que são planas como o grupo e não super interessantes, mas eles fazem um bom trabalho de quebrar todas essas outras texturas. Então você tem pequenos detalhes como as listras em suas pernas. Eu acho que isso é realmente interessante para mim porque há uma variação de texturas que acabam de criar com estas formas simples e esta peça. A próxima peça já está marcada um pouco. Mas isto é impressão de linocut. Novamente, só há uma cor aqui e é apenas uma tinta. Você realmente tem que criar profundidade e dimensão em uma peça quando você tem apenas uma tinta de cor através de diferentes texturas. Existem várias técnicas diferentes usadas aqui. Eu não sou uma impressora de tela, então eu não sei os termos técnicos para eles, mas há essa textura realmente agradável que temos aqui no fundo de um monte dessas formas se juntando. E tem essa textura mais solta aqui embaixo no armário. Depois há outra textura de cheques nesta toalha se separa do forno que é mais escura e mais preenchida aqui em baixo. Depois há as diferentes ferramentas de cozinha que são separadas por suas próprias texturas. As linhas ficam mais soltas em algumas partes como aqui em baixo no armário e, em seguida, apertar outras partes aqui em cima na esquina e que comunica as diferentes formas e objetos diferentes que estão nesta composição. Eu realmente gosto desta variedade de texturas usando a textura para comunicar profundidade e contar uma história dentro desta composição. A seguir temos um gato maluco e arranhado. Parece que foi criado com tinta. Às vezes, pode parecer bastante suave quando a tinta é mais uniformemente distribuída e mais totalmente distribuída nessas partes mais escuras principalmente e, em seguida, parece mais riscado quando está caindo fora dos contornos que foram criados. Parece que alguém criou esse contorno do gato e então eles queriam expressar essa raiva no rosto do gato e realmente empurrar essa raiva e expressão de sentimento ficando louco com essa tinta. Eu acho que este é um trabalho muito legal de comunicar o humor deste gato e talvez raiva. Talvez houvesse uma técnica de escova seca usada para criar esses arranhões e parecer tão pouco polida e inacabada, mas isso faz um bom trabalho de comunicar um significado mais profundo. Esta próxima imagem de tesoura se sente realmente áspero e quase apertado como. Adoro o quão esboçado e aberto e movimentos que se sente. Talvez tenha sido uma textura criada por um lápis de cera. Parece muito rabiscado, o que é divertido. Você ainda pode dizer o que é. É óbvio que é um par de tesouras e uma mão, mas simplificado. É realmente apenas apontando o contorno básico da forma da mão e a maior forma da tesoura, mas comunicando essa forma de uma forma realmente expressiva com a rapidez das marcas. Essas marcas sugerem movimento e você pode novamente sentir o lápis se movendo e assisti-lo. Depois de tirar um minuto para olhar para todas as minhas imagens ou talvez apenas minhas imagens favoritas. Vou passar para a última etapa nesta seção do nosso catálogo criativo escrevendo notas ou criando minha fórmula criativa na minha planilha de notas. Eu vou dizer variado, porque eu gosto dessa variedade de texturas para contar uma história e ajudar a separar objetos. Eu também vou escrever que objetos separados cortar componentes. Vou escrever decorativo, porque muitas das obras que acabei de mostrar a textura não se comunicavam muito. Por exemplo, era uma textura arranhada comunicando casca em uma árvore. Era como aquele movimento rápido, expressando raiva ou apenas rabiscos para fazer um par de tesouras. Eu deveria dizer simplificado e ferramentas e materiais porque não era uma mídia realmente misturada do que eu estava puxando para fora no meu catálogo. Era só um linocut. Era um meio, uma ferramenta e material usado para criar isso, mas dentro dessa ferramenta ou material, havia uma variedade de textura criada por aquela ferramenta ou material simples. Agora que cobrimos alguns conceitos básicos e definições de textura, coletamos algumas de nossas imagens em nossa seção de textura do nosso catálogo criativo, analisamos e tomamos algumas notas, é hora de passar para nossa última seção, que é assunto. 11. Tema: Assim, estamos em nosso último elemento de arte e design, assunto. assunto não é tecnicamente um elemento de arte e design, mas eu realmente gosto de tê-lo como uma seção no meu catálogo criativo porque, assunto é enorme, é o que você desenha, é o que você fotografa. assunto é o foco visual ou narrativo de uma obra de arte. Descobre o que queres comunicar através do teu trabalho, porque esse vai ser o coração do teu trabalho. Então, agora é hora de você coletar algumas imagens para o seu quadro do Pinterest assunto e, em seguida, anotar algumas notas na última seção de sua planilha de notas. O que você gosta de desenhar, atirar, filmar, pintar, projetar, bordar, o que quer que seja que você faça. Como outros artistas retratam esses assuntos ou narrativas? Isso vai ajudar você a seguir em frente e criar sua própria história. O que você quer dizer com sua arte? É muito importante ter uma mensagem clara na sua arte. Não queres que as pessoas não entendam o que estás a tentar dizer ou a pensar que estás a dizer o contrário. Você precisa usar suas ferramentas visuais para poder se comunicar claramente com seu público. Agora, vamos ver alguns exemplos do que está no meu quadro assunto do Pinterest. Então eu tenho esse retrato muito divertido dessa mulher, eu amo apenas a composição geral disso, e como não é apenas esse rosto em uma roupa típica, é muito divertido fora dela com um monte de bolhas nele, E então, em cima de sua cabeça, estão essas flores para a zona de resumo, e talvez ela realmente goste de flores e eu pensei que, essa era uma maneira divertida e divertida de talvez comunicar algo sobre ela. Talvez ela seja um jardineiro e estas flores sejam dela, e elas estejam na cabeça dela por alguma razão. Eu tenho outra cor abstrata bloqueada, pintura em forma legal de duas mulheres em trajes de banho. Adoro o quão abstrato, mas simples isto é. Adoro como há estas pequenas formas dentro das formas. É quase como um quebra-cabeça se juntando, e eu adoro como as mulheres estão no centro do quebra-cabeça. Eles não se parecem com mulheres típicas, eles são mais abstratos, mas também talvez mais realistas, eles não são apenas figuras de pau. Eles são talvez até são representação mais realista de mulheres do que revistas. Esta maravilhosa peça que, eu acho que é um cartaz na verdade, mas só mostra o alfabeto e pessoas diferentes interagindo com as letras, eu acho que é tão divertido e brincalhão, e as cores são realmente brilhantes, ele apenas geral faz você realmente feliz, e eu sou um designer, então, eu amo letras e rega, então, Eu aprecio esta mistura de letras com ilustração. Então essa última peça que eu acho é muito fofa, doce e divertida. É uma garota comendo uma pilha enorme de panquecas. Embora panquecas sejam apenas rabiscos, que é muito divertido e brincalhão, eu gosto disso, é super simples, é só uma cadeira, e depois essa outra cadeira, e as meninas nela. Há uma pequena pista de novo de que são panquecas porque há xarope de bordo para o lado, e então ela parece tão sobrecarregada por todas essas panquecas no tampão superior. Eu amo que esta é uma história mesmo que seja apenas uma cena, mas eu amo a forma das cadeiras, e então a brincadeira de seu rosto, e sua roupa, e seus pés entrando um no outro. Vamos retirar minha planilha para preencher a última seção. Uma das minhas palavras-chave vai ser mulheres, letras, figuras corpóreas surgiram muito e apenas aquele punhado de imagens que olhamos, brincadeira, então, não só é importante que haja mulheres e letras podem estar envolvidas em um dos meus peças, um elemento de brincadeira provavelmente deve estar envolvido. Então, é claro, a abstração surge uma e outra vez. Honestamente, eu acho que é a palavra que eu estou procurando, então, é honesto e verdadeiro sobre como eu vejo o mundo. Eu realmente gosto dessa lista. Uma vez que você tem algumas frases e idéias para o assunto parte de sua planilha, por que você não escolher uma ou duas dessas e realmente reduzi-lo para que você possa criar sua nova peça de trabalho com base em sua escolha de assunto em seu catálogo criativo e, em seguida, faremos uma nova peça de trabalho totalmente baseada em suas anotações do seu catálogo criativo. 12. Use seu catálogo: um elemento: Vamos passar de falar sobre o trabalho de outras pessoas e focar em você e no seu estilo. Sei que passamos muito tempo aprendendo sobre os elementos do nosso InDesign, e espero que agora você tenha uma idéia de como deseja abordar cada um desses elementos e usá-los em seu próprio estilo criativo. Por isso, analisamos todos os elementos da arte e do design e criamos seu catálogo criativo para você fazer referência. Agora vamos colocar esse catálogo criativo em uso e fazer algo. Nesta lição, vou mostrar rapidamente como você pode se concentrar em um elemento do InDesign e criar com isso em mente. Em seguida, passaremos para o nosso projeto real para a aula, que envolverá combinar alguns elementos diferentes e usar seu catálogo criativo para inspirar essa nova obra de arte. Escolhi a nossa composição para começar, e vou pintar estas lindas flores que tenho ao meu lado. Mas primeiro eu queria tirar algumas notas do meu catálogo criativo. Quero que este trabalho seja centrado, focado e simples. Essas são outras duas palavras que tirei do meu catálogo. Como mencionei anteriormente, essas palavras que você pode pensar como uma receita ou uma fórmula para o seu trabalho criativo. Neste caso, esta é a minha receita centrada, focada, simples. Essas são as três principais coisas que eu vou pensar quando eu estiver fazendo essas flores. Eu tenho um pequeno esboço em miniatura aqui que eu fiz muito rapidamente, só para que eu possa fazer uma nota de como exatamente eu quero enquadrar esta composição. Assim não vou às cegas quando chegar ao meu lençol em branco. Eu acho que focar em apenas um ou dois elementos no início é ótimo apenas para ter o hábito de escrever sua fórmula e referenciar isso, e ver como incorporar isso em seu processo criativo. Mas também é bom experimentar as coisas. Por exemplo, eu tenho essa composição centrada escrita em minhas notas, mas talvez eu tente isso e talvez eu tente mais alguns também e eu simplesmente acabo não estando realmente interessado em nós sob composição. Posso remover isso do meu catálogo criativo e nunca mais tenho que pensar nisso. Fazer essas pequenas peças rápidas, apenas estudar um ou dois elementos do nosso InDesign realmente ajudará você com sua tentativa e erro ao encontrar sua voz e seu estilo de forma rápida e fácil. Agora que começamos com aquela pequena peça de treino, vamos passar para o nosso trabalho final com base no seu catálogo criativo. 13. Use vários elementos: Agora que começamos com aquela pequena peça de treino, vamos passar para o nosso trabalho final com base no seu catálogo criativo. Você já deve ter seu médium em mente. Então você já deve ter escolhido um assunto que você gostaria de explorar. Com esses elementos em mente, escolha três elementos diferentes de arte e design que discutimos. Olhe para trás para suas notas, olhe para trás para seus álbuns do Pinterest e dê si mesmo uma direção de onde você quer ir com essa nova peça de trabalho. Para a minha última peça de arte, eu vou fazer uma pintura baseada no conceito de arte de Mary Blair que está no meu catálogo e, em seguida, uma foto que eu tirei de uma estufa em um jardim. Para me ajudar a tornar minha arte consistente, vou escolher meus três elementos para focar: composição, forma e cor. Assunto aqui, eu coloquei estufa lúdica e abstrata em um jardim porque é literalmente o que eu estou fazendo e focando. Não é realmente o seu próprio elemento, mas eu coloquei lá só para que eu possa ficar focado. É útil escrever sobre duas palavras ou frases diferentes para cada um dos seus três elementos de arte escolhidos para criar sua fórmula criativa. Olhando para trás para o meu catálogo de composição, eu puxei histórias centradas. Forma, eu escolhi formas imperfeitas dentro de formas. Cor, saturada e sobreposta com um ponto de interrogação porque eu posso querer explorar isso ou eu posso não querer. Vou me referir a isso quando eu estiver fazendo minha peça e, obviamente, tomar decisões enquanto estou criando. Sua fórmula não é seu livro de regras acabado. É um guia que você pode experimentar e ajustar suas palavras enquanto trabalha a qualquer momento. Usando todas essas palavras-chave, vou empurrar isso para o lado enquanto estou criando para inspiração e retornando-os sempre que eu estiver me sentindo perdido ou precisar de mais orientação ou orientação. Estes também vão me ajudar a limitar meu trem de pensamento quando eu estou fazendo, modo que eu não estou muito sobrecarregado, como eu deveria usar cores pastel? Não, refiro-me à folha. Estou usando cores saturadas. Eu já decidi isso. Agora posso concentrar-me em fazer o meu trabalho. Quando desenhei a minha pintura pela primeira vez. Eu realmente queria me concentrar naquela composição centrada que eu escrevi e então eu literalmente apenas centralizei a estufa e comecei a torná-la realmente abstrata. Então, com meus elementos de forma, eu disse que eu queria ter formas dentro de formas. Eu realmente tentei empurrar isso e, em seguida, empurrá-lo ainda mais com o tema do jardim de plantas e fazer as formas formas de folhas ou formas de flores. Eu realmente não acabei sobrepondo as cores muito, mas as cores parecem sobrepostas na maneira que eu as misturei. Por exemplo, usei o azul mais brilhante no fundo e depois tonifiquei esse azul no azul um pouco mais escuro, menos saturado dentro da casa. Eu acho que as formas florais, naturais e orgânicas dentro da casa realmente emprestam esse elemento de narração. Depois que eu pintei minhas formas básicas e realmente focado em pregar minha composição, forma e cor que foram os três elementos que eu escolhi, Eu pensei que eu poderia referir-se de volta a outros elementos de design como linha e adicionar aqueles extra detalhes que irão enfatizar a minha palavra narrativa que eu escolhi para a minha fórmula para melhorar a peça final. Parabéns, criamos sua própria fórmula criativa baseada em seu catálogo criativo e em uma obra de arte completamente nova. Publique seu novo trabalho e a fórmula que você usou para torná-lo na galeria do projeto para mostrar como você desenvolveu seu catálogo criativo em algo que você pode usar em seu processo toda vez que estiver fazendo. Vamos terminar com algumas coisas finais. 14. : Parabéns por fazer seu catálogo criativo e aprender outra técnica que você pode usar em seu próprio processo criativo. Muito obrigado por se juntar a mim. Espero que você tenha uma ferramenta realmente útil que você possa referenciar ao longo seu processo criativo para fazer um trabalho realmente consistente que esteja em seu próprio estilo único. Uma coisa muito importante desta aula é, você tem tudo o que precisa para expressar sua própria voz, perspectiva, estilo, quiser chamá-lo, você só precisa fazer anotações e acompanhar o que esses coisas são que compõem o seu estilo e a sua perspectiva. Juntos, aprendemos os elementos básicos do nosso design, como reconhecê-los na arte, e usá-los em seu próprio trabalho criativo, como desenvolver uma ferramenta para criar uma arte mais consistente que seja exclusivamente sua, sua , e aprendemos que encontrar sua perspectiva criativa, estilo, voz, seja lá como você quiser chamá-lo, é muito mais fácil do que você pensa, se você simplesmente dividi-lo em etapas e criar ferramentas para você mesmo para ajudá-lo a fazer facilmente trabalhos que reflitam seu estilo. Você deve enviar seu catálogo criativo junto com suas anotações e sua nova peça de trabalho para a Galeria de Projetos. Estou tão animado para ver que imagens vocês escolheram, que notas vocês têm que compõem sua fórmula, e como vocês juntam tudo isso em uma nova peça. Certifique-se de deixar comentários e, por favor, siga-me para futuras aulas. Obrigado.