Criar produções realísticas de MIDI usando o Cubase

1. Apresentação: Olá, meu nome é Will, e eu venho produzindo música em meu próprio estúdio comercial e meu estúdio doméstico há cerca de 15 ou 20 anos. Nesse período, fiz muitas produções para bandas, para cantores e compositores, artistas individuais, EDM. E hoje em dia eu faço muito com TV e cinema, produção musical, dicas de escrita e esse tipo de coisa. E, ao longo da minha carreira, confiei muito no Cubase. Uma das razões para isso é sua incrível capacidade de criar composições realistas e expressivas usando midi. Agora, o Cubase é incomparável com seus muitos recursos e sua usabilidade. E nesta seção, quero focar no poder do Cuvier, nos recursos individuais, seja no editor de partituras, seja na expressão de notas, que é um recurso do VS T3 iniciado no Cubase. Ou simplesmente usar controladores CC típicos para criar aquela expressividade musical que é tão importante para nos ajudar a diferenciar entre o que é falso e o que é real. Nesta seção, falarei sobre todos esses conceitos diferentes, além de oferecer ideias da perspectiva de um produtor que esperançosamente, ajudará você a entender como escolher seus instrumentos e depois como usá-los, e como garantir que o que você está produzindo realmente tenha aquele som realista do mundo real. Realmente parece profissional. E como conseguir isso em termos de uso de seus controladores, mas também em termos de bastidores. Como garantir que o Cubase esteja configurado corretamente para que seu fluxo de trabalho seja otimizado. Agora, se você é produtor de qualquer tipo, se obviamente está fazendo músicas para TV, filmes ou trailers, está procurando maneiras de melhorar o realismo de suas gravações. Este curso vai ser ótimo para você. Se você é produtor de EDM ou engenheiro, engenheiro mixagem trabalhando em um estúdio comercial. Mas você quer poder adicionar conjuntos. Se você quiser adicionar faixas realistas de piano ou cordas para seus artistas este curso será ótimo para você. Será um curso bastante coeso e abrangente centrado nos conceitos intermediários do Cubase. Então, se isso parece uma boa combinação para você, espero ver você no curso. Obrigado por conferir. 2. Escolhendo bibliotecas: Agora, uma das primeiras coisas com as quais você terá que lidar quando começar a tentar criar produções de mídia realistas é escolher suas bibliotecas e seus sons. E eu tenho algumas dicas que acho que fazem uma grande diferença. E você receberia essa mesma dica de praticamente qualquer pessoa que esteja fazendo isso profissionalmente. Você precisa ter bibliotecas de som e instrumentos VST que sejam capazes de dinâmicas e contrastes dramáticos em termos de madeira. Então, o que isso realmente significa? Bem, o timbre é a diferença entre algo quando está macio ou quando está alto. Por exemplo, se fizéssemos apenas uma amostra do som de um trombone e usássemos a mesma amostra do trombone em todos os níveis, seja alto ou baixo, isso não soa real, porque quando um trombonista de verdade toca sua buzina, a intensidade do ar, força com que está soprando. Isso muda o Tambora. Quão brilhante é? Quão escuro está? Se você é guitarrista, sabe, tocando cordas baixas, sua guitarra soa um pouco mais melancólica e um pouco mais monótona. Já as cordas mais altas de uma guitarra soam mais brilhantes e nítidas. Esses tipos de troca de óleo de madeira são essenciais para obter um som realista. Agora, há outro aspecto nisso, que é apenas variação, certo? Assim, podemos obter variação em Midea com coisas como compartilhamento de velocidade. Vamos falar sobre o uso controladores ADCC para usar expressão e modulação, esse tipo de coisa. Mas uma coisa importante para garantir que esteja integrada às bibliotecas de som de sua escolha são coisas como round robins. É aí que você tem várias amostras. E o mecanismo de amostragem, o instrumento, está escolhendo aleatoriamente ou percorrendo uma coleção de amostras. Em outras palavras, mesmo que você atinja o mesmo tom de trombone repetidamente com exatamente a mesma velocidade, você não obtém exatamente a mesma amostra. E, na verdade, é assim que um trombone real soa cada vez que é tocado, mesmo que seja o mesmo tocador no mesmo momento, tentando obter o mesmo tom e o mesmo nível dinâmico, ele será um pouco diferente e esse recurso incorporado aos instrumentos VST é chamado de round robins. Outra coisa a observar são as camadas de velocidade. Portanto, uma mini velocidade mais baixa, digamos em torno de 60, deve acionar uma amostra específica diferente de uma amostra que é acionada a uma velocidade de 80, 100 ou 120. E isso porque, quando alguém toca um instrumento, seja um violão instrumental doméstico ou um trombone, em um volume diferente esse instrumento terá timbres diferentes. E é importante que seu instrumento tenha amostrado esses diferentes timbres que eles foram projetados dentro do instrumento para serem acionados por velocidades diferentes em seu midi. Então, você quer procurar por robins redondos, você quer procurar muitas camadas de velocidade. E esses tipos de recursos farão uma grande diferença à medida que você avança. Se você não tiver esses recursos incorporados em seus instrumentos , muito do trabalho que você pode fazer usando expressão e dinâmica com a roda de modificação, por exemplo , esses diferentes controladores ECC médios, velocidades diferentes não terão o mesmo impacto se seu instrumento não tiver esses recursos. Ok, então você quer começar com instrumentos de primeira linha. Você não precisa sair e comprar os melhores instrumentos. Existem muitos e muitos instrumentos excelentes que são razoavelmente acessíveis, mas você deve procurar esses recursos específicos. Vamos continuar. 3. Começando no Editor de pontuação: Minhas composições começam com uma progressão de acordes e estou pensando em harmonia na minha cabeça. Mesmo trabalhando com um conjunto, mesmo trabalhando com uma orquestra inteira, minha aventura geralmente começa com algum tipo de progressão harmônica. E às vezes eu gosto poder dividi-los em uma pontuação. E outras vezes eu quero poder trabalhar com o comitê. Então, eu vou te mostrar nesta lição como gravar uma simples progressão de acordes. Tenho certeza de que muitos dos alunos deste curso já sabem como fazer isso. Mas, na verdade, estou pensando especificamente em colocar isso no editor de partituras e em alguns ajustes: podemos fazer o erro quadrático para que a pontuação fique legível. Mas também estamos trabalhando com midi em nossa janela de projeto Cubase, que será meio nativa do ambiente DAW. Então, vamos dar uma olhada nisso. Então, o que eu fiz aqui foi criar um evento midi de 16 bar aqui. E isso é baseado nesses núcleos. E você pode ouvir que tocando aqui através da minha faixa de cordas, a faixa Am I Strings é na verdade uma faixa de instrumento. E está executando uma instância de contato aqui. E eu estou executando algo chamado Session strings Pro para. Mas você também pode fazer isso com Halley no Sonic, por exemplo. Então, vou explicar isso e mostrar isso e mostrar como isso funciona no contexto do editor de partituras. Agora, se eu for, o que eu vou fazer é deletar tudo isso. Vou me livrar dessas faixas. Então eu não tenho nada. Estou começando do zero. E eu vou até meus instrumentos aqui. E eu vou escolher Halle no Sonic SE, que deve ser algo que maioria dos alunos desse curso tem. Caso eles não tenham contato ou você não tenha sequências de sessão Pro. Então, eu tenho minha instância de Halley no Sonic aqui. Uma das coisas boas de usar Halley no, Halley no Sonic ou Haley no Sonic SE é que eles suportam a expressão de notas, que é um recurso do VST três que eu gosto muito de usar, mas na verdade só é bem implementado nesses projetos, produtos e dentro do Cubase. Então, eu não tive muita sorte usando a expressão Node em outros Dawes ou em outros instrumentos, como contato, infelizmente, então o Highly Sonic é uma biblioteca muito boa para começar, especialmente se você está tentando apenas fazer uma maquete ou algo parecido. Agora vou adicionar uma faixa de acordes aqui também. Gosto de faixas de cordão porque elas me dão uma boa visão geral do que está acontecendo na minha música de forma harmoniosa. Então, vou mudar para a ferramenta de lápis. E eu vou colocar alguns acordes aqui. Digamos que a cada 2 barras. E, no momento, não tenho minha grade configurada adequadamente. Quero definir minha grade como 1 barra para que elas se encaixem diretamente na barra. Então, sim, a cada 2 compassos, eu vou colocar um acorde e vou tocar, vou fazer uma verdadeira progressão básica de acordes aqui. Vou começar com G. Vou começar com o Sol maior sete. Eu vou fazer, digamos, um acorde D7, não um curso de teoria musical. Portanto, se minha escolha e meus cabos não fizerem sentido para você , não se sentirá à vontade para entrar em contato comigo e ficarei feliz em explicar de onde os tirei. Então. Vamos ver. Eu vou até Mi menor, Mi menor sete. Então eu vou, vamos ver, reduzir isso para C maior. Vamos ver como soa aqui. Bem, é claro que tenho que colocar isso em Halley no Sonic. E então eu também tenho que escolher um som real aqui. Então, vou procurar um conjunto de cordas. Estou fazendo uma busca por string e, em seguida, obtenho essas coisas diferentes aqui. Eu não quero um conjunto dos anos 80. Vou usar, vamos ver, cordas cinematográficas. Na verdade, vou fazer Chamber Strings. Veja como isso soa. Isso é bom o suficiente para começar minhas composições. Não deveria ser retirado. O estilo cinematográfico. Um pouco de coração pesado, um pouco de mão pesada. Então, vou voltar para as câmaras. Tudo bem, então eu vou mudar isso para, digamos, um menor. Eu vou para D. E depois vou voltar para G. E vou mudar isso, o acorde final a ser alcançado. Então, vamos ver como elas soam. Bem, nada está tocando agora. Então, o que eu preciso fazer é colocá-los no meio. Vou pegar meus acordes e arrastá-los até aqui. E você pode ver que cada um dos acordes meu Korczak se tornou um verdadeiro evento midi. Agora, quando eu jogar, não vou fazer você aguentar tudo isso. Mas basta dizer que temos uma progressão básica de acordes. Agora, eu também poderia ter gravado isso na minha faixa midi ou na minha faixa de instrumento através do meu teclado. Então, vou fazer isso rapidamente. Eu vou voltar ao começo aqui. Vou tocar em Record e vou gravar esses acordes do meu controlador midi. Tudo bem, então eu tenho esses núcleos escritos lá. A diferença entre esta versão e a original é que elas foram jogadas por mim. E, como resultado, eles não estão exatamente na grade como estavam se eu simplesmente arrastasse esses eventos até lá, certo? Então, se eu olhar isso no meu editor de partituras , posso ir até o menu de partituras e abrir o editor de partituras. O que eu recebo é uma pontuação meio maluca, e essa é uma das coisas que eu quero abordar nesta lição. Essa é uma pontuação meio maluca, porque o kubernetes está sendo muito, muito literal sobre o que eu fiz e eu posso realmente fazer com que, no Cubase, eu não precise quantizar todos os meus mini. Essa é a última coisa que quero fazer porque quero que meu midi seja realista. Eu quero que tenha um pouco de humanidade. Mas talvez eu também queira dar às pessoas uma pontuação que seja realmente útil. Então, o que eu vou fazer é acessar minhas configurações de pontuação. Se você não sabe como abrir isso, você vai clicar aqui nesta pequena barra preta. Isso abrirá suas configurações de pontuação. Quando estiver nas configurações de pontuação, clique na guia Equipe aqui. E então, dessas subguias, você quer ter certeza de que está em Main e quer ver esta seção aqui que diz Display quantize, isso será essencial. Então, agora, está basicamente quantizando minha pontuação para 16 notas. Mas, na verdade, vou mudar isso para algo muito mais simples e fazer anotações coordenadas. Vou clicar em Aplicar. E você pode ver que essa pontuação fica muito mais simples, ok? É muito mais parecido com isso. Então, eu ainda tenho algumas prisões aqui. E isso é porque meus acordes midi caem. Então, isso é realmente o que a mídia está fazendo. Mas consegui arrumar isso forma significativa sem precisar quantificar meu tempo. Eu também tenho esse F afiado aqui naturalmente. E eu posso mudar minha chave arrastando isso aqui. Vou fazer isso, o que veremos depois de clicar em Aplicar, aqui é que agora não tenho mais os tons de F no meu acorde D. Eles estão aqui na assinatura da chave. Então, essas são algumas dicas para trabalhar com o editor de partituras e não na próxima lição. Na verdade, vamos derivar a faixa de acordes dessa partitura. 4. Derivando uma trilha de acordes: Então, na última lição, acabamos de criar uma pontuação muito simples. Eu criei uma progressão harmônica muito simples. Nesta lição, eu só quero mostrar como podemos pegar essa partitura e como podemos derivá-la de volta para uma faixa de acordes. Porque às vezes eu quero gravar algo primeiro e fazer o cabo Jack depois. Outras vezes, começo desenhando uma faixa de acordes e depois vou para a partitura, mas quero que você tenha a flexibilidade de ir para os dois lados. Tudo bem, então agora o que eu vou fazer é realmente excluir minha antiga progressão de acordes aqui da faixa de acordes. E eu vou imaginar que eu realmente comecei gravando minha gravação diretamente em uma faixa midi e queria obter uma faixa de acordes dela. Portanto, é tão simples quanto eu entendo da maneira oposta. Você tem uma variedade de opções aqui. Se você quiser ver notas graves, como a notação de acordes de barra, você quer saber o que está na base, você pode selecioná-la. Eu não vou fazer isso aqui. Inclua tensões como 9s, 11s, detecte arpejos e transforme-os em acordes. O que estou tocando aqui são claramente acordes em bloco. Não tem nenhum arpejo. Isso. Interpreta o pedal de sustentação. Eu não usei um pedal sustentado. Eu não quero fazer isso. Eu vou bater Ok? E foi isso que surgiu para mim. Então, a única coisa que é um pouco diferente aqui é meu Si menor sete. Na verdade, eu tinha tocado isso um pouco mais como um acorde G com um nove nele. Mas esse Si menor sete está bem na minha tabela de acordes, ou melhor, na minha faixa de acordes. Então, é assim que é fácil derivar uma faixa de acordes. E agora, qualquer outro instrumento que eu queira carregar aqui, esse cordão agora também pode alimentá-los. Então, se eu viesse aqui para usar instrumentos VST e pegasse meu plug-in de teclas viciante aqui, que é como um instrumento Rhodes. E eu deveria mandar esse Korczak para lá. Você pode ver que estou recebendo as teclas viciantes e minhas cordas originais. E eu posso enviar esse Korczak de qualquer maneira. Agora, isso é realmente apenas o começo do córtex. Como você pode ver mais adiante neste curso, passaremos um bom tempo derivando vozes diferentes, como vozes SATB, base de soprano, esse tipo de coisa dessa faixa principal. E isso realmente nos capacitará a criar muita criatividade em nossa produção. Então, na próxima lição, começaremos a estudar o uso de vozes para orquestrar. 5. Orquestrando com vozes: Agora, para muitos produtores musicais que estão tentando compor músicas orquestrais para músicas e trailers de TV, esse tipo de coisa. Muitas vezes queremos ser capazes de pensar em termos de vozes, soprano, contralto, tenor, esse tipo de coisa. Porque essas vozes têm muitas conotações tradicionais sobre o tipo de instrumentos para os quais elas seriam enviadas. E é apenas uma das maneiras pelas quais podemos transmitir mais realismo em nossa música de mídia se pensarmos e comportarmos da maneira que um compositor tradicional pensaria. Então, nesta lição, veremos como podemos começar a usar essas vozes a partir dessa progressão de acordes muito simples que eu já toquei no projeto. E você verá como as vozes começam a nos oferecer uma flexibilidade incrível no Cubase. Então, antes de fazer qualquer coisa com minha faixa, quero duplicá-la. Eu vou vir aqui para ver minhas versões basicamente de faixas. Eu vou dizer duplicado. O que isso vai fazer é que eu posso fazer alterações nesse evento midi. Mas se eu cometer algum erro terrível, sempre posso voltar. Então, essa é uma boa dica de fluxo de trabalho. Ok, então eu tenho esse evento midi. E o que eu quero fazer agora é selecioná-lo. E eu vou até o menu do meu projeto aqui e selecionar o projeto. E eu vou até a faixa de acordes. Então, de Kortrijk, vou para Atribuir vozes às notas. O que vamos ver é que cada uma das notas dentro dela recebeu uma voz. Então, vamos dar uma olhada no midi aqui embaixo no editor de chaves. Vamos escolher essa nota aqui. Então você vê agora aqui que diz que voz é soprano. Isso foi atribuído ao tenor e ao baixo. Portanto, cada um desses nós foi atribuído com base no Cubase e sua ideia de qual seria a voz mais apropriada. E eu posso fazer isso automaticamente usando Project chord, track down para atribuir vozes à nota. A diferença aqui é que agora eu vou para minha versão antiga, certo, minha versão antiga da faixa, a original. E eu olho para aquela Midea. Essa nota não tem nenhum valor de voz. Se eu quiser selecionar um e atribuí-lo manualmente, posso fazer isso. Mas com um pequeno movimento do mouse, criei uma versão que já tem tudo isso para mim. Então agora eu tenho soprano. Cada um desses nós recebeu uma voz. E isso vai ser importante à medida que avançarmos, porque o que queremos fazer agora é atribuir essas vozes a diferentes tipos de instrumentos agora Outro recurso muito bom do editor de teclas que eu costumo usar muito está aqui, essa pequena paleta de cores de eventos. Agora, o padrão é sempre definido como velocidade, mas eu gosto muito de usar uma voz. Então confira isso. Agora, quando estou vendo isso, percebo que todas as minhas verduras são tenores, todas as minhas laranjas ou base. Tudo bem, eu tenho essa cor marrom, que é a base dois. E então eu tenho Sopranos em roxo. Você tem meus contraltos e vermelho. Portanto, é muito fácil para mim ver visualmente quando escolho ver as cores das peças com base na voz É muito fácil para mim ver que tenho vozes diferentes. Eu tenho quatro tipos diferentes de vozes. Eu tenho soprano, alto, tenor e baixo. E essas duas, tudo bem, então eu realmente tenho cinco vozes diferentes aqui. Então eu posso pensar comigo mesmo agora o que eu quero fazer é enviá-los para cinco instrumentos diferentes, algo adequado para dez ou algo adequado para alto, soprano e assim por diante. Você também pode fazer isso com o editor lógico. Então, eu vou te mostrar um exemplo lá. Vou até o meu original aqui. Portanto, esse é um em que não há configurações de voz. Vou duplicar isso novamente. Tudo bem, se eu quisesse renomeá-los, eu poderia vir aqui para rastrear as versões no meu inspetor. E eu poderia dizer, ok, este era o meu carro e este vai ser o meu manual. E este é meu original. Isso tornará as coisas um pouco mais fáceis quando eu estiver analisando essas opções aqui e escolhendo entre elas, certo? Então, eu tenho meu manual. Este é um em que eu vou usar , na verdade, o editor lógico. Então, eu vou até Midea, e vou rolar para baixo até o editor lógico. E eu vou aplicar a predefinição. Eu já fiz essa predefinição. Eu quero mostrar isso para você. Então, aqui embaixo e predefinições de testamentos. Eu criei essas predefinições lógicas chamadas atribuir Alto, baixo, soprano, etc. Na verdade, deixe-me dar uma olhada neles e explicar um pouco o que eles estão fazendo. Se eu for para a configuração em vez disso, você poderá realmente ver as predefinições e como elas estão configuradas. Então, digamos que eu queira designar soprano, certo? Bem, o que estou fazendo é dizer, OK, onde o tipo é uma nota e está dentro dessa faixa onde o tom mais alto está basicamente entre A2 e C5. Então o que eu vou fazer é atribuir isso à voz da soprano. Portanto, usar o editor lógico pode ser uma maneira muito eficaz se houvesse algo muito específico, como se eu soubesse que tinha um instrumento VSD que eu queria usar um alcance de voz muito específico, então eu poderia manipular a forma como essas diferentes vozes são atribuídas para personalizá-lo aos meus instrumentos VST usando o editor lógico. Agora, na próxima lição, quero examinar alguns direitos simples de orquestração. E agora temos essas vozes definidas. Vou voltar para minha versão automática, que foi atribuída pelo Cubase. E eu tenho a cor das vozes destacada na próxima lição. Na verdade, vamos atribuir esses dois instrumentos e ver como isso começa a nos ajudar a criar uma orquestração básica. 6. Orquestração simples: Ter faixas diferentes para instrumentos diferentes nos dará muita flexibilidade para mixar, adicionar efeitos e também para gravar e sobredublar o ECC médio e os elementos de expressão que darão ao nosso middy essa qualidade realista. Então, eu prefiro tentar colocar essas faixas ou esses sons em faixas individuais, ou esses sons em faixas individuais tanto quanto possível. Atualmente, com os computadores sendo tão poderosos quanto são, não precisamos nos preocupar muito em ter apenas uma instância de Halley no Sonic, por exemplo podemos nos dar ao luxo de criar várias instâncias porque o computador comum atualmente é mais do que capaz de lidar com essa carga. Então eu posso ver que eu tenho essas cinco vozes, certo? Eu tenho minha soprano, e eu tenho meu alto, eu tenho meu tenor, eles têm baixo e eu tenho a base dois. E o que eu vou fazer é atribuí-los a instrumentos específicos reais. Então, vou começar por aqui. Vamos criar outra instância de Halley no Sonic. E a principal razão pela qual estou usando o Halley no Sonic aqui tem a ver com garantir que esses sejam instrumentos que a maioria dos alunos deste curso também terá. Portanto, talvez eu não tenha a mesma variedade de opções como se estivesse usando o disco rígido completo da minha biblioteca. Mas tenha certeza de que, como estudantes, provavelmente terão acesso aos mesmos instrumentos. Então, vamos começar criando sequências de caracteres. O que vou fazer é tornar isso um pouco mais eficiente. Vou clicar com o botão direito do mouse aqui e adicionaremos a faixa do instrumento. E isso vai me dar uma janela que pode me ajudar a criar várias dessas faixas mais rapidamente. Então, eu vou escolher Halle em Sonic, e vou escolher mais quatro. Então, vou pegar um total de cinco faixas. Vou segurar o comando de opção e pressionar B, e isso fará com que minha zona inferior desapareça. Então, eu tenho essas cinco faixas aqui. Na verdade, vou colori-los para eu possa dizer o que são. Eu vou subir até aqui e deixá-los vermelhos. Tudo bem, então eu vou chamar isso, vou fazer com que este seja meu violino. Eu vou ter um violino dois. Eu vou ter viola, violoncelo. E base. Tudo bem, bem, vou adicionar alguns sopros também. Vou adicionar três sopros diferentes aqui. Então, eu vou adicionar uma faixa de instrumento novamente. Desta vez, vou apenas adicionar três, certo? Vou colorir essas cores um pouco diferentes. Então, talvez eu escolha o azul. Tudo bem, então esses serão meus instrumentos de sopro e minha bolsa. O vento vai ser flauta. Meu segundo sopro será clarinete. E meu último será o fagote. Então agora eu tenho esses instrumentos aqui. Na verdade, posso me dar ao luxo de me livrar da faixa superior, se eu quiser. Eu não vou fazer isso, mas vou apenas torná-lo muito menor, estreito. Esses são muito. Ok, então agora eu quero realmente carregar essas instâncias do instrumento. Então eu vou ao violino, vou procurar um violino. E não precisa ser nada particularmente incrível. Violino solo. Parece muito bom. Vou tocar o violino 2, carregar esse instrumento. Violino. Agora eu poderia usar exatamente o mesmo violino solo, mas vou tentar algo um pouco diferente só para que ele tenha um timbre diferente, certo? Esses dois, eles são diferentes, deixe-me tocar a mesma nota. Portanto, eles não têm apenas um toque um pouco diferente deles. Muitos vão até a viola e carregam uma viola aqui. Viola solar. Parece bom. Vá ao violoncelo. E eu estou basicamente examinando cada uma dessas faixas e adicionando os elementos da minha orquestração básica. E o que poderemos fazer é inserir vozes da nossa faixa de acordes em cada uma delas. Agora, quando eu chegar à base, o que estou fazendo com a base é passar da base para a base de voz dois na minha base. Então, outra maneira de fazer isso é ir para strings e base. Esse é o único baixo de cordas que eu tenho aparentemente. Então, nesse caso, eu precisaria me enviar essa base também. Um instrumento diferente. O que eu vou fazer, na verdade, neste caso, talvez mudar isso para contato. Mas não seria algo que eu enviar a todos os alunos porque eles podem não ter contato. Então, posso fazer isso facilmente selecionando minha faixa de baixo aqui, indo até meus V STIs e posso ver que ela foi destacada aqui. Agora, o que eu vou fazer é mudar isso para contato. E em contato, eu vou tocar as cordas. E eu vou até aqui para realmente fazer um conjunto de cordas. E eu vou carregar a base. Eu tenho uma base muito boa agora. Então eu vou entrar na flauta, posso abri-la para procurar por flauta. Veja sobre viver. Está tudo bem. Meu clarinete. E todas essas são etapas que são muito mais fáceis ao saber que vou conseguir extrair vozes da minha progressão de acordes. Viu? Parece um som muito rico para o meu ouvido, mas é uma demonstração boa o suficiente. Ok, então eu tenho todos esses instrumentos montados aqui, violino, viola, etc. O que eu quero fazer agora é realmente trazer minha cópia do midi, assim. Estou apenas trazendo isso para cada 1.1, um azul aqui. Tudo bem, então agora, é claro, maioria das pessoas diria: Oh, isso é quem precisa de uma faixa de acordes. Isso é muito simples. Eu o copiei para todas essas faixas usando minha tecla Option ou Alt. Qual é o problema? Bem, bem, o problema é que você vai ver depois de eu atribuir a este violino duas vozes específicas, que a maioria dessas notas midi desaparecem. Além disso? Eles serão reorganizados. Então, eu vou entrar aqui no inspetor e vou selecionar acordes. Agora, se você não vê a opção de seguir a faixa de acordes aqui , onde ela está acinzentada. Isso é porque você não tem nenhum midi aqui. É por isso que comecei carregando a mediana aqui, você precisa ter algum tipo de evento midi com algumas notas. Porque o que a faixa de acordes seguinte fará é mover esses nós. Se não houver eventos, ele não poderá fazer seu trabalho. Vou escolher uma única voz. E isso vai me fazer essa pergunta, eu geralmente digo siga diretamente. Agora você pode ver que várias notas sumiram. E eu posso escolher minha voz aqui em cima. Eu posso dizer soprano. Na verdade, o que eu queria fazer aqui para violino dois era selecionar soprano novamente. Mas eu quero reduzir tudo em uma oitava. Então, eu posso fazer isso usando uma inserção midi. Vou adicionar talvez modificadores. E aqui eu vou usar a transposição -12. Então, essencialmente, é igual ao violino, mas está uma oitava abaixo. Então, na viola, voltando à minha faixa de acordes, vou dizer voz única. Sim. E então minha única voz aqui será alta, superficial. Vou ter que diminuir um pouco o zoom aqui. Violoncelo, eu vou fazer exatamente a mesma coisa. E esse processo requer apenas um pouco de configuração, mas na verdade economiza muito tempo no futuro. Então, aqui no meu violoncelo, eu quero que a voz seja realmente tenor. E eu vou escolher a base aqui. E então eu vou para flauta. Vou atribuir a isso a mesma voz do meu violino. Então, voz única? Sim, e soprano, clarinete. Vou combinar o violoncelo com isso. Eu poderia tocar violoncelo ou viola. Mas o que eu vou fazer é selecionar, Bem, talvez eu escolha Alto para essa voz. E meu fagote que estará aqui embaixo com base. Então agora eu tenho um arranjo bem completo. Vou silenciar meu conjunto de cordas original. E agora eu posso mixar esses diferentes instrumentos da maneira que eu quiser , se eu quiser, por exemplo abrir meu console misto, posso ir em frente e misturar , abrir meu console misto, posso ir em frente e misturar os diferentes instrumentos de acordo com meu gosto. Mas agora eu tenho cada instrumento, meio solo. Violino dois. Quando eles estão separados por uma oitava. O violoncelo e o baixo, flauta, clarinete e meu fagote. Então, quando olhamos para algumas dessas partes, por exemplo , aqui, posso ver que isso é. Marcado como base, e isso é marcado como soprano. Então, quando eu mergulho em uma dessas partes, certo, eu só deveria ver soprano aqui. Eu posso ver isso por causa do meu código de cores. Eu tenho soprano, eu tenho uma, eu tenho dez ou eu tenho todo tipo de coisa lá dentro. Então, vamos resolver isso. O que vamos fazer aqui é usar a combinação de comandos de teclas e o editor lógico para acelerar esse processo. Então, vou até o menu midi e baixo o editor lógico, vou dizer configuração. E então eu criei uma predefinição aqui chamada select, não voice. E o que ele faz é onde tipo é nota. A variável de contexto não é soprano, certo? Então, isso é algo que eu posso mudar a cada vez. É qualquer evento midi que eu selecionei aqui na janela do meu projeto. Quando eu clico em Aplicar, ele seleciona aqui notas que não estão. Novamente, exclua essas notas depois que elas forem selecionadas. Eu posso ir até aqui até meu violino, que também é soprano. Vou selecionar lá. E exclua. Desça até, acho que é minha viola. Vamos ver para que minha viola estava configurada. Conjunto. Contralto. Peguei minha peça do set Alto. Se você clicar duas vezes no evento, ele carrega o, em vez de apenas carregar o evento midi na janela inferior, ele realmente seleciona a janela aqui, o que significa que, ao clicar em Excluir, você excluirá as notas selecionadas no editor de teclas em vez de excluir esse evento midi. Portanto, é importante clicar duas vezes nele. E agora eu vou procurar por Alto, alguma coisa, qualquer coisa que não seja Alto. Tudo bem, selecione isso e clique em Excluir. Agora só me restam os altos. Então eu posso passar por aqui. Eu posso ir ao violoncelo. Isso vai ser tenor. Muita coisa muda essa voz. Aplique o tenor. Não tinha selecionado isso. E vamos aplicar isso. Minha base, eu deveria ser apenas selecionado na base. Eu quero que apenas minha base exista lá. Aí estamos nós. Aí estão minhas notas graves. A flauta, vai ser, deveria ser, na verdade, soprano. O clarinete vai ficar fora de si. Então, vamos fazer flauta como soprano. E eu posso deletar todos eles. Meu clarinete é alto. Então eu vou mudar meu parâmetro para o alto, aplicar, deletar meu fagote aqui embaixo. Portanto, aprender a usar o editor lógico para esse tipo de coisa pode realmente fazer uma grande diferença em seu fluxo de trabalho, pois pode realmente acelerar e também tornar as coisas muito precisas. Acho que esse também é um aspecto importante disso, sendo bastante preciso. Então, agora eu acabei de ter esses enjôos vocais limitados. Agora, se eu juntasse tudo isso diretamente na minha parte midi, meu tipo múltiplo de edição de minipeças aqui embaixo e o editor principal. Isso é muito bom porque eu posso realmente ver as diferentes tomadas aqui. Eu precisaria renomeá-los se quisesse fossem mais legíveis do que apenas um monte de Halley em sons. Mas você pode ver que as vozes estão mudando à medida que eu percorro e seleciono minhas diferentes camadas. E se você quiser renomeá-los, você pode renomeá-los aqui no seu rack VSTS. Espero que isso tenha ajudado você a entender como você pode usar a faixa de acordes para manipular e criar vozes. E eu só quero ressaltar antes de encerrar esta aula, digamos que estivéssemos vendo essa parte aqui sob esse acorde C. Essa nota aqui está entrando como um g, então esse é o quinto do nosso acorde. Agora, se eu fosse seguir em frente e mudar isso para um acorde diminuído, você pode ver que minha nota aqui mudou para uma rota em vez da quinta porque não há uma quinta perfeita nessa quadra. A outra coisa é que essas notas aqui mudaram. E isso porque aqui na minha faixa de acordes, eu tenho vozes adaptativas selecionadas. E isso é muito legal porque vai mudar, não apenas as vozes do acorde que mudou, mas as vozes subsequentes com base em boas regras de direção de voz. Então, isso também é incrível. Isso significa que não preciso pensar muito em ter boas regras de liderança por voz. E isso significa que minha boa sinalização de voz está surgindo automaticamente, o que faz com que pareça mais tradicional, o que a torna mais familiar e, portanto, mais realista. Agora, na próxima lição, veremos algumas das etapas para refinar um pouco essas vozes em termos de reprodução. 7. Refinar vozes: Agora, queremos refinar nossa reprodução de voz. Conseguimos criar com sucesso uma estrutura harmônica. Nós o dividimos em diferentes vozes usando o editor lógico a faixa de acordes e alguns outros recursos do Cubase. Mas agora, para começar a trazer a realidade do realismo para a performance, queríamos fazer duas coisas que abordaremos nesta lição. Ou seja, primeiro pense no jogador. Por exemplo, se você é um tocador de trompa, precisa respirar. Então, ter filas ridiculamente longas que um tocador de trompa nunca consegue respirar. É claro que o instrumento BST pode fazer isso, mas não parece realista porque não é isso que um músico real faz ao pensar no tocador. Esse é um fator realmente crucial em tudo isso. A segunda coisa é pensar suas frases e articulações, certo? Então, em cordas, por exemplo você tem pizzicato, legato, essas diferentes articulações. E pode ser apetitoso, já que eles estão bem lá, basta usá-los à toa do que dar uma surra neles em qualquer lugar apenas para manter as coisas interessantes, mas não faça isso. Pense no clima. Em outras palavras, use um pizzicato quando estiver tentando transmitir leveza ou leveza, use legato quando estiver tentando transmitir um humor sustentado. Pense no humor que você está tentando transmitir e escolha a articulação que melhor combina com isso. E isso trará suas articulações para esse reino de realismo. E vamos analisar pensar no jogador e pensar nas articulações. Vamos até o computador e dar uma olhada. Eu usei o contato aqui minha base porque Haley no Sonic não tinha um som adequado. Mas o bom de usar pelo menos uma instância aqui é que eu tenho todas essas articulações diferentes aqui. E isso vai ser muito útil aqui. Então, vamos ouvir algumas delas, certo? Então isso é Legato. Vou desligar o Legato. E vou mudar minha articulação aqui para pizzicato. Então, tem uma espécie de som na ponta dos pés. Eu poderia escolher o spiccato, que é um pouco mais intenso. Eu vou usar spiccato. E isso é, eu estou apenas fazendo isso nos instrumentos de contato para que você possa ouvir diferentes articulações. Não estou tendo as mesmas opções. Por exemplo, quando eu entro no meu instrumento de violoncelo aqui, não estou entendendo a riqueza de articulações aqui, mas é importante entender como essas articulações afetarão sua composição, certo? Então, se eu estou apenas olhando para minha base aqui, o solo, isso, e eu tenho esse spiccato acontecendo lá. É um pouco chato. Mas uma coisa que eu posso fazer aqui para usar essa articulação de forma mais eficaz, certo? Então, estamos entrando no realismo aqui: o spiccato não é usado com frequência apenas para tocar um tipo de som de uma nota inteira. É usado um pouco mais para um tipo de som ostinato. Uma maneira de criar um ostinato rapidamente é usando nossas inserções midi. Eu vou até aqui e vou carregar um Apache Sx. Agora, se eu fosse usar isso, mas com uma articulação como legato. Parece muito estranho, mas com o spiccato , ele segue muito bem. Agora você notará que, se eu jogar aqui, obviamente, não, talvez a mídia esteja reproduzindo. Então, o que diabos está acontecendo aqui? Bem, é meu cordão Jack. Meu conector de cabo está configurado para usar qualquer faixa de monitor, que é basicamente essa aqui, a que está selecionada. Então, o que eu posso fazer é silenciar minha faixa de acordes. Isso não mudará o recurso de acompanhamento de acordes. Em outras palavras, se eu trocar um dos cabos, ele ainda mudará o midi aqui dentro. Mas, na verdade, não vai enviar essa progressão de acordes para nenhum instrumento. E agora, quando eu toco, eu não recebo nada até que haja realmente uma nota midi. Agora vou reduzir um pouco meu lançamento aqui novamente, esses são bons recursos para se ter em uma biblioteca profissional. Faz com que meu som lá, meu som arpejado, fique um pouco mais animado. Vamos ouvir isso de novo. Se eu não quisesse algo tão ocupado, eu poderia voltar para o meu Apache aqui em cima. E em vez de configurá-lo como 16º, eu poderia configurá-lo para oito. Acalma bastante as coisas lá. Posso alterar o tamanho da nota para 32º. Isso meio que tem um efeito semelhante ao de mudar o ataque e a liberação. Então, eu estou meio que tocando esses pulsos, certo? Não estou mais arpejando os acordes no cordão Jack, estou apenas recebendo esses pulsos. Agora, o que eu quero fazer aqui é reduzir o alcance aqui. Eu vou escolher, na verdade, vou apertar as duas teclas que selecionam minha ferramenta de alcance. E eu vou selecionar essas barras e clicar na Opção P e isso vai fazer um loop. A razão pela qual eu quero fazer isso é que vou fazer uma mistura meio grosseira aqui. E eu quero poder ouvir uma parte muito específica da música enquanto faço isso. Tudo bem, então eu tenho minha base lá. Agora. Eu quero minha viola. Traga tudo para baixo, traga-os lentamente, um de cada vez. Então, vou começar com o fagote aqui, porque eu poderia fazer a mesma coisa no fagote. Vou trazer um modificador midi ou, desculpe, na verdade, eles são SX irregulares. Vou mudar isso para oito também e a duração para trinta segundos. Vamos ver como isso soa. Deve ter um efeito complementar com a largura, a base. Vamos ver como o clarinete entra. Não é um clarinete que soa particularmente emocionante. Veja como isso traz o fluido, certo? Vamos ver como trazer a viola aqui. Um a menos e acabei de pegar um tipo geral de peso leve e misturar lá. O que eu realmente estou procurando é me assegurar de que o que fiz em termos de criar uma linha de base rítmica que funcionou, que eu goste da maneira como isso soa. Agora vai voltar ao começo. Obviamente, alguns desses nós estão soando muito fortes, especialmente naquele primeiro violino. E vamos resolver isso em breve. Mas o que eu queria demonstrar aqui era, antes de tudo, usar articulações dentro da base. Você pode fazer isso com um arpejador se precisar apenas criar ritmo. E então, se seu instrumento, como meu conjunto de cordas aqui, suporta diferentes articulações, controles de ataque e liberação, então isso é definitivamente o ideal. E você pode ver a diferença que isso fez na minha parte aqui. Então, na verdade, vou trazer isso à tona na minha mixagem para que a outra coisa que estou demonstrando aqui e que você queira saber é, por exemplo, que a flauta está tocando essas notas longas. a outra coisa que estou demonstrando aqui que você queira saber é, por exemplo a flauta está tocando essas notas longas. Mas então há um tempo de amplitude. Há uma chance de respirar fundo. E também estou vendo isso do ponto de vista do clarinete. E a busca de garantir que não sejam apenas notas infinitas lhes dêem tempo para respirar, porque isso também é parte do que transmite realismo. Então, na próxima lição, vou transformar alguns desses instrumentos em uma reverberação. E veremos que apenas adicionar um pouco de reverberação é sempre um bom primeiro passo para trazer uma sensação de realismo e personalidade. 8. Reverb Realismo: Nesta lição bastante curta, vamos nos concentrar em adicionar um pouco de reverberação e uma faixa de efeitos. E isso é essencialmente o mesmo que usar efeitos de envio. Essa é de longe a melhor maneira de fazer isso. Você não quer usar certamente a reverberação como uma inserção em geral, por vários motivos que vou abordar, mas essa é apenas uma lição rápida porque a reverberação realmente adiciona muita personalidade. Às vezes, seus instrumentos VST terão essa reverberação embutida. E isso também está bem. Mas eu prefiro usar canais de efeitos porque isso otimiza meu fluxo de trabalho. E eu vou explicar o porquê. Eu tenho essas sete faixas, que são a base da minha composição até agora. E se eu quisesse executar uma reverberação aqui usando inserções regulares, eu poderia fazer isso com certeza, mas o problema é que, digamos, eu deveria escolher uma reverberação aqui. Uma dessas reverberações que eu tenho, eu poderia simplesmente ir em frente e escolher uma sala que funcione. Tenho certeza de que a maioria das pessoas que têm o Cubase tem esse plugin. E eu poderia usar um quarto, trabalhar nisso e funcionaria bem. É só que se eu quisesse mudar um parâmetro disso, eu queria ter a mesma reverberação usada em, digamos, todas as minhas cordas, ou talvez apenas meus dois violinos e flauta, porque são as vozes de soprano. Então eu tenho que entrar em três instâncias. Usar uma faixa de FX consolida tudo isso, torna meu fluxo muito, muito, muito melhor. Então, o que vou fazer aqui é selecioná-los e adicioná-los a uma faixa de grupo ou melhor, a uma pasta aqui. Então eu sou movido, selecionado para uma pasta. Vou chamar essa pasta de strings. Só para que eu possa ter uma visão mais consolidada. Eu vou mudar isso, mas isso também está em uma pasta e vou chamar essa pasta de wins. Tudo bem. Vou fazer a pasta dos ventos também colorida de azul. E eu vou fazer a pasta de strings , chamá-la de lida dessa forma. É mais fácil para mim ver o que está acontecendo. Mas isso é bom porque eu posso manter meu projeto um pouco mais sucinto. Agora vou clicar com o botão direito do mouse e adicionar uma faixa de efeitos, que está aqui. Diz adicionar faixa de efeitos. Aqui eu escolho o efeito que vou usar. Reverb, vou usar aparelhos de sala, saída estéreo. Tudo isso está bem. Eu só vou chamá-lo de “trabalho de quarto”. Eu sei o que é e posso ter minhas configurações aqui. Digamos que eu escolha placa brilhante como minha predefinição. Certo? Agora, há algumas maneiras de fazer isso. Eu posso seguir em frente. Digamos que eu fosse pegar meu violino. Eu vou fazer isso sozinho. E, novamente, vou usar a ferramenta de alcance apenas para fazer um loop. Só um loop. Algumas notas aqui. Agora, você notará que, se eu acessasse o áudio, Senza e eu escolhêssemos que a sala funciona e como habilitá-la. Eu recebo um pouco de reverberação que eu possa mudar a quantidade de reverberação que eu quero naquele violino. E você pode ouvir os efeitos disso. Agora eu também posso fazer isso no meu mixer, que é minha forma preferida de fazer isso. E eu vou te mostrar o porquê. Se eu abrisse meu mixer aqui e abrisse os envios, você pode ver aqui, eu tenho os trabalhos da sala que eu configurei para minhas cordas, mas eu quero adicionar isso realmente a todos os meus instrumentos para que eu possa selecioná-los todos aqui. Eu posso acessar esse botão de link de fila. E agora eles vão estar todos interligados. Quando eu arrumo um quarto, o quarto funciona, você vê que ele adicionou todos eles lá. Então, se você fizer isso no inspetor como eu fiz no primeiro exemplo, você não pode, você tem que fazer cada um manualmente, mas usar o link da fila é muito bom. Então, vou reduzir tudo para metade do link da fila de desfazer. E agora eu posso ir em frente e adicionar reverberação de controle para cada canal. Agora, se eu fosse silenciar a reverberação, isso é o que parece seco. Isso é o que parece. Esse efeito de reverberação adiciona bastante realismo porque o que as reverberações fazem é recriar o efeito que o som tem em um espaço real. E contanto que você tenha um plugin de reverberação decente, isso realmente ajudará muito a adicionar um pouco de realismo. Agora, nós realmente não abordamos nenhum dos elementos mais essenciais para dar vida a essa composição. Vamos chegar a isso. Nas próximas aulas, começaremos a falar sobre a expressão de Midea. E vamos falar sobre modulação de velocidade, diferentes valores de cc. Tudo isso está chegando. Então, obrigado por ficar por aqui até agora. Eu só quero dizer que se você tiver alguma dúvida, entre em contato comigo. Estou mais do que feliz em responder perguntas. E nenhuma pergunta é uma pergunta ruim. Então, por favor, me avise se você tiver alguma dúvida. Se há alguma coisa no curso que você gostaria que eu passasse mais tempo em algo que eu não abordei e que você acha que eu deveria ter abordado? Estou atento, desde que sejam críticas construtivas e haja algo que eu possa fazer a respeito. Eu adoraria ouvir de você. Ok, então agora vamos continuar nas próximas aulas, começar a falar sobre expressão e ECC médio. 9. Conceitos de expressão do MIDI: Agora estamos entrando em uma série de aulas nas quais analisaremos a expressão. Agora, expressão é uma espécie de termo abrangente para muitas expressões de notas cc, que é uma tecnologia b test3. Mas a expressão também é um dos CCS midi específicos que usamos. Então, eu queria distinguir entre os dois. A expressão como, como uma espécie de termo abrangente, se refere a qualquer coisa que possamos fazer com nosso meio para que pareça mais humano, mais real. E vamos ver como usamos mensagens CC, como modulação e expressão, que é o volume CC1. Podemos usar o vibrato para controlar esses diferentes valores para mudar a dinâmica e alterar o contraste de nossos instrumentos de forma a fazê-los soar mais, mais como se tivessem sido tocados por um ser humano. E isso realmente será o produto de nós, como produtores, aprendermos a tocar os controladores midi. Portanto, para esse tipo de trabalho, você precisa ter faders ou botões. Você tem que ter uma maneira intuitiva e muito humana de esculpir e expressar esses instrumentos. E você ouvirá nas próximas lições como esses diferentes CCS funcionam, como eles mudam o som. E vou explicar exatamente o que eles estão fazendo e quando usá-los. Agora, eu também produzi uma folha de dicas que você vai querer baixar porque ela fala sobre o conjunto principal de valores de expressão e quando e como usá-los, se você os usa com um botão ou um fader e como aplicá-los, o que eles fazem do ponto de vista da composição. Essa folha de dicas será útil para você se tudo isso for muito novo para você. Então, vamos dar uma olhada rápida antes nos aprofundarmos em cada um deles nas próximas aulas Vamos dar uma olhada rápida em alguns desses valores. Ok, então eu tenho esse instrumento de contato aberto, agora eu sei que nem todos os meus alunos terão esse instrumento de contato, mas os que estávamos usando em Halle on Sonic não têm a extensão das articulações e também do controle. Então, eu quero usar isso para que você possa ouvir do que estou falando. E espero que você tenha suas próprias bibliotecas de som. Você pode ter exatamente esse que é o conjunto de cordas. Mas se você não tem isso, espero que tenha outro. Você sempre pode baixar a biblioteca gratuita do BBC Spitfire, que é excelente por ser gratuita. É absolutamente fenomenal. E você pode explorar alguns desses recursos, mas vamos ouvir como isso soa. Ok, então eu vou pegar meu, vamos me ver, ter certeza de que estou no instrumento certo aqui. Então, eu vou desligar, neste caso, vou simplesmente desligar meu midi Insert. E, na verdade, o que vou fazer é duplicar essa faixa para ter uma com a qual eu possa mexer. Porque eu realmente vou querer transformar a articulação legato porque acho que isso realmente ajuda. Isso ajudará você a ouvir muito mais os efeitos disso. Tudo bem. Ok, então vamos ouvir os efeitos da dinâmica aqui. Vou tocar uma nota, segurá-la e experimentar com meu grande Dynamics NAB, que será amarrado à minha roda de modulação, que é CC1. Portanto, independentemente de você ter ou não uma roda de modificação no teclado, você sempre pode usar qualquer controlador midi com um botão ou um fader. Você pode atribuí-lo, talvez CC1, e então você pode atribuí-lo a qualquer controle e seus instrumentos. Se eu clicar com o botão direito sobre isso, esse é um recurso padrão das bibliotecas de contatos. Eu poderia aprender no meio do ECC e depois girar qualquer botão , e depois girar qualquer botão fade ou ligar meu controlador midi. Portanto, é muito fácil configurar isso e você realmente deseja configurar algum tipo de controle que possa manipular com os dedos, com as mãos. Para cada um deles, você não quer fazer isso com o mouse. Você realmente não quer fazer isso com um lápis. Vamos ouvir como soa a dinâmica. Então, o que a dinâmica está fazendo nesse contexto? E geralmente o que a dinâmica em uma biblioteca de desigualdade está fazendo é alternar entre as camadas de velocidade. Então, anteriormente nesta seção, falamos sobre camadas de velocidade e como existem várias camadas dentro dos instrumentos. Então, dentro desse instrumento, há uma coleção de amostras desse instrumento, dessa base. E as pessoas que fizeram esse instrumento amostraram essa base sendo que eu tocava em muitos volumes diferentes é um baixo ou arco e em meio a uma espécie de arco de volume médio e depois arco permitido. E à medida que a qualidade da Boeing muda, o timbre muda o quão brilhante ele é, quão profundo é, quão moderado é, quão harmônico é, tudo está se transformando amostrando isso e permitindo que esse botão dinâmico se mova entre essas camadas. Na verdade, posso simular tocar baixo onde sou Boeing mais forte e depois sou Boeing mais suave. E isso, na verdade, não se traduz apenas em um volume que o ouvido inexperiente possa ouvir isso e pensar : Ah, bem, isso é apenas uma mudança de volume, certo? Há barulho e há silêncio. Mas é mais do que isso. Na verdade, existem essas camadas acontecendo nos bastidores e o timbre está mudando. Então, eu posso realmente simular a força do bot aqui, embora eu não esteja realmente gravando a base agora, expressão tem um som semelhante. Vamos ouvir isso. Mas isso realmente é apenas volume. Então, essa é uma porcentagem do volume midi, então a mídia é C7, e vamos falar sobre isso com mais detalhes. Mas essa é uma porcentagem daquela entre expressão e dinâmica. Esses dois são realmente essenciais para qualquer tipo de obtenção de resultados intermediários realistas especialmente de instrumentos sinfônicos. A expressão é CCM1, a modulação é CC1. E então também temos outros CCS como o vibrato, sobre os quais falaremos. O controle de natalidade é Cdc2. O volume padrão em Midea é C7. E há outros valores midi usados para expressão, como o pedal de sustentação ou a velocidade. Com que força a tecla é atingida? É muito macio ou duro. Você pode realmente ver nesta área aqui neste instrumento em particular, este pequeno ícone mostra como, qual é a velocidade. Então, isso é como uma velocidade muito suave. Essa é uma velocidade muito difícil, na verdade, mostra qual é a velocidade. Meu sucesso naquele momento. Portanto, há muita coisa acontecendo com a miniexpressão. Você quer se familiarizar com apenas alguns valores de cc, o que eles fazem e o que fazem em seus instrumentos. Agora vamos seguir em frente e analisar muitos desses recursos individuais, um de desses recursos individuais, um vez, para falar sobre como eles são usados, para que são usados. 10. Expressão de velocidade: Vamos começar a analisar esses diferentes atributos observando a velocidade, porque provavelmente é a mais comum. Está embutido na especificação midi original e será comum a todos os instrumentos, não importa quão nuançado ou mesmo quão antigo ou novo ele seja. Mas ainda desempenha um papel muito importante. Então, vamos falar sobre isso primeiro e depois mergulharemos em alguns dos outros controladores que estão chegando. Ok, então vamos dar uma olhada na velocidade. Vou seguir em frente e apenas ativar essa faixa por tomografia computadorizada. E eu vou tocar apenas algumas notas, então vou gravar. Tudo bem, então vamos dar uma olhada nesse midi aqui. Agora, tudo está sendo bloqueado na mesma nota. E isso é porque eu tenho esse instrumento, esse instrumento de baixo está configurado para usar o córtex, certo? Então, o que eu preciso fazer, na verdade, é criar um instrumento fictício. Na verdade, vou arrastar isso até aqui. Em vez de usar o instrumento de baixo aqui embaixo, vou usar esse instrumento aqui em cima, esse Halley no Sonic. Este é o original com o qual começamos. Então, deixe-me prosseguir e começar de novo. Grave e apenas grave algumas notas. Ok. Então, isso não o forçou entrar no OneNote porque não está fazendo uma única nota. Siga Kortrijk. Ok, então isso é apenas um midi muito simples. Aqui embaixo. Isso é velocidade, todos esses valores diferentes aqui embaixo. E eu estou apenas ampliando aqui para que possamos ver que cada um desses nós tem um valor de velocidade específico aqui. E podemos ver que quando estou aqui, esse é um valor de velocidade de cerca de 4.755,61. E esse aqui tem um valor de cerca de 76, certo? Portanto, essa velocidade é antes de tudo, a coisa que escolherá uma camada de velocidade. Uma dessas muitas amostras que um bom instrumento tirou, bom instrumento VSD coleta muitas amostras do instrumento que está sendo tocado em vários volumes. E então eles os transformam no que é conhecido como camadas de velocidade. E essas camadas de velocidade serão definidas como essa amostra é reproduzida quando a velocidade é 40-50, essa amostra é reproduzida quando o fluxo 506.070,80 e assim por diante. Então, à medida que a velocidade sobe e desce, você realmente obtém amostras diferentes. Na verdade, você obtém nuances realistas no instrumento. E essa velocidade foi tirada do meu teclado enquanto eu tocava. Então, se eu apertar o teclado com força, obtenho uma velocidade mais forte e mais alta. E se eu tocar suavemente, obtenho uma velocidade baixa, o que você realmente não quer é esse tipo de coisa em que todas as velocidades são iguais. Você não quer usar velocidade fixa, por exemplo, eu posso fazer isso no meu teclado aqui se eu fosse gravar e ativar a velocidade fixa, agora, não importa o quanto eu aperte as teclas , veremos que, neste caso, todas as velocidades estão no máximo e são todas iguais, certo. Então isso não é bom, porque não é assim que um ser humano se posiciona imediatamente. Acabamos com a chance de nosso realismo. Isso aqui é muito mais o que queríamos. E deixe-me ir em frente e voltar ao original aqui, certo? Então você pode ver o quão variada é essa velocidade. E esse é um dos principais motivos. É um valor real para você, como produtor gravar essas partes para tocá-las, em vez de apenas escrevê-las. Porque quando você os escreve com um lápis, eles terão uma velocidade fixa e então você terá que fazer todo tipo de trabalho para mudar isso, certo? E isso está meio que anulando o propósito. Se você simplesmente interpreta as coisas, tenta se expressar por meio da apresentação. Você obtém velocidades variadas e, logo de cara, obterá resultados muito, muito melhores. Então, o que é exatamente a velocidade? Não é volume. O que é é o volume no momento em que a nota é tocada. O volume pode mudar com o tempo. Vários volumes, veja C7, podem mudar com o tempo. A velocidade é um instante em que a nota é tocada Qual é o volume dessa nota, mesmo que os valores do volume ou da expressão mudem depois. Agora vamos avançar na próxima lição, analisando a modulação Mitty, que em muitos contextos também será conhecida como Dynamics ou CC1. 11. Expressão de modulação (CC 1): Agora vamos falar sobre o Midea CC1, onde você está começando a falar sobre controladores contínuos midi ou CCS. E são diferentes da velocidade. A velocidade é um dado enviado no protocolo midi junto com a mensagem de nota ativada e nota desativada nos controladores contínuos CCS. Existem diferentes tipos de dados, então eles estão em uma classe diferente da velocidade, embora usemos velocidade e CCSE para criar esse realismo que estamos tentando criar. Este é o primeiro CCS do qual estamos falando. É CC1. Muito fácil de lembrar. Tecnicamente, é chamado apenas de modulação. E, na maioria das vezes , ele estará conectado à roda de modificação do seu controlador midi ou teclado. Se você tiver um, e se não tiver, poderá atribuir o midi CC1 a praticamente qualquer botão ou fader e usá-lo dessa maneira. Mas talvez o CC1 geralmente esteja controlando a modulação. E no caso de instrumentos orquestrais, com certeza, e muitos outros tipos de instrumentos que eu já encontrei. Modulação, CC1 é usada para se mover entre as camadas de velocidade após esse valor de velocidade, certo? Portanto, o valor da velocidade é um valor fixo com essa nota e é útil. Mas talvez queiramos mudar isso com o tempo sem alterar o volume da faixa. Porque lembre-se, o volume é apenas o quão alto algo está. Mas o Tambora nunca muda. Você simplesmente abaixa ou aumenta. Mas quando você está trabalhando com modulação desse tipo , é mais propriamente chamado de dinâmica. Certamente, as coisas ficam mais silenciosas e mais altas. Mas à medida que ficam mais baixos e mais altos, eles mudam de tonalidade à medida que ficam mais brilhantes, pois o bot é mais forte, ou o trompista sopra mais forte, você fica mais brilhante, mexe uma Tamar pois o bot é mais forte, ou o trompista sopra mais forte, mais nítida enquanto toca as cordas de um violão com mais suavidade, então você fica mais quente , em vez de tocá-las com força, obter uma Tamar você fica mais quente , em vez de tocá-las com força, cada vez mais brilhante. Então, os manipuladores estão mudando e é isso que o midi see, C1 costuma fazer. Vou usar o midi CC1 aqui neste exemplo. E vamos ver como isso começa a ser muito realismo. Tudo bem, então estamos vendo o midi CC1. Temos a velocidade aqui em nossas faixas de controle no Cubase, mas queremos realmente adicionar outra. Então eu vou até aqui. Vou clicar em Mais e ver alguns dos mais comuns listados aqui. Vou usar a modulação e, essencialmente, adicionar uma nova faixa aqui ao meu editor principal, que é exatamente o que eu quero. Então esses, esses, isso podem ficar um pouco lotados às vezes, tudo bem. Ainda vemos nossa velocidade em que estamos agora, midi CC1, não estamos vendo nada. Agora, se eu mover minha roda de modificação, você pode ver seus valores mudando ali mesmo. Então, minha roda de modificação está definitivamente alimentando o CC1. O que eu quero fazer agora é fazer overdub, certo? Então eu vou, vou refutar esse pequeno motivo. E então eu vou gravar minha roda de modificação e você verá uma espécie de automação como a linha aparecer nesta pista de controle. Vou começar aqui para ter um pouco pela frente. E quando eu bater o recorde, você vai ver ele começar a traçar a linha. Tudo bem, então o que essa curva aqui embaixo está fazendo? Bem, o que está fazendo é manipular o valor dentro de Halley aqui. Então, vou acessar os controles de edição aqui. Vamos ver aqui embaixo essa roda de modulação será qualquer coisa que seja CC1 ou a modulação vinculada, mudará esse parâmetro. Então, se eu parasse, por exemplo, uma hora para aprender um novo CC, eu o conectaria ao CC1. Agora você verá que esse botão de corte acompanha esse botão. Agora, em um instrumento mais avançado, como o conjunto de estúdio ou o conjunto de cordas que estou usando na base, o valor dinâmico escolhido seria mover-se entre diferentes camadas de velocidade dentro do instrumento. Portanto, escolhê-lo funcionaria em conjunto com esses valores de velocidade e, na verdade, me permitiria. Kraft, como a velocidade está sendo alterada. E acho que o que vou fazer apenas para o benefício do exemplo de áudio garante que vocês realmente possam ouvir isso. Vou carregar instrumentos mais dinâmicos. Então, vou carregar o contato aqui. E eu vou usar apenas um conjunto aqui, mas isso vai ser de uma biblioteca diferente. Então, vou trazer meu conjunto aqui. Tudo bem, então eu vou colocar isso lá e ouvir este exemplo. E você verá que essa dinâmica, nós vamos, está constantemente se movendo junto com a mini. Isso fornece um exemplo muito claro de como a modulação dinâmica midi CC1 ajudará sua gravação a soar repentinamente muito mais realista. Então, se eu retirasse tudo isso, o que eu poderia fazer simplesmente acessando o menu midi aqui em cima. E você pode ir até as funções. Você pode dizer excluir controladores contínuos. E você vê que todo o Delete, eu o excluí desse evento. Agora, se você ouvir isso, reproduzido com apenas velocidade , soa muito rígido. Preciso aumentar minha dinâmica que há algum tipo de som. Vamos ouvir isso. Portanto, não importa quão boas sejam essas amostras, o fato de cada amostra estar sendo reproduzida em um nível muito estático o tempo todo é problemático. E quando eu me permito ter essa curva aqui embaixo, minha curva CC1, e ela está impulsionando esse valor dinâmico. E então meu instrumento sabe que, ao usar esse valor de CC1 para navegar e escolher dinamicamente entre diferentes camadas de velocidade, obtenho uma reprodução muito mais sutil. Então, quando você está fazendo isso, uma das coisas que geralmente funciona bem é crescer um pouco por meio de notas individuais. Então, eu vou vir aqui e usar essa ferramenta de linha. Basta usar uma linha e eu vou desenhar. Agora eu sei que disse que é melhor não desenhar coisas. É realmente melhor jogá-los, mas essa é uma boa maneira de demonstrar claramente o que quero dizer, o que estou fazendo aqui. Antes de tudo, quero desligar o snap. Portanto, não está se encaixando na minha rede. Eu quero basicamente criar essas rampas para cada nota individual, certo? Para que cada nota seja tocada com um pouco de crescendo. Cada nota que está sendo tocada tem um crescendo. E ouça como isso soa. Parece mais expressivo. E, em última análise, o que eu quero fazer é algo parecido com isso, onde estou crescendo, mas agora com linhas tão retas, mas com algo que seja jogado de forma mais eficaz, como na curva anterior em que eu joquei. Há uma qualidade nessa linha fluida que é muito mais parecida um jogador real e, em última análise, é exatamente o que estamos procurando. Agora, na próxima lição, veremos a expressão. Expression é outra mensagem mini CC, mini CC às 11. No meu instrumento aqui, ele é dedicado a esse valor de expressão. Vamos falar sobre isso e ouvir como isso soa. 12. Usando a expressão (CC 11): próximo é o Medici CS101, Amity CCM1 é geralmente chamado de expressão. Agora ele pode ser usado como em qualquer mini CC, ele pode ser atribuído e meio aprendido a praticamente qualquer coisa , exceto geralmente à expressão e ao ADCC. A ideia de usá-lo é que seja uma porcentagem dos volumes do volume midi. Agora, o volume geralmente é visto como C7. Assim, você pode ver o C7 funcionando como um fader de volume normal em seu console de mixagem normal. E você pode usar a automação para automatizar esse valor específico. O volume é provavelmente um conceito muito fácil de entender para a maioria das pessoas. A expressão é uma porcentagem do volume. Então, é como um volume dentro do volume, se isso faz sentido. E isso realmente acaba adicionando outro nível de alcance dinâmico aos nossos instrumentos que os seres humanos trazem para tocar. Parte do que fazemos é manipular instrumentos para obter timbres diferentes, mas também manipulamos instrumentos apenas para obter volumes mais altos ou mais baixos. Portanto, podemos usar expressões para fazer isso. modo geral, o que você quer fazer é diminuir sua dinâmica, aumentar sua expressão. Ao aumentar sua dinâmica, você diminui sua expressão. Portanto, a expressão deve funcionar como uma forma de calibrar quaisquer mudanças no volume em relação à sua dinâmica, sua dinâmica mudando em voz alta e silenciosa. Pode ser que você queira um som suave, mas não quer necessariamente que ele desapareça na mixagem, certo? Portanto, você pode usar a expressão em um fader ou botão para aumentar a expressão à medida que a dinâmica diminui. Você sempre quer colocar os dois um contra o outro para manter o mesmo papel dentro da mixagem, dentro da mistura, dentro do conjunto ou dentro da orquestra. Mas você ainda pode trabalhar com o Dynamics sem necessariamente precisar falar muito alto ou muito baixo. Vamos dar uma olhada e ver como isso soa quando começamos a trabalhar com expressão também. Então, no exemplo anterior, tivemos uma dinâmica sendo reproduzida aqui. Pudemos ver essa roda se movendo seguindo os valores de cc. Agora, o que vamos fazer é adicionar mais um valor aqui. Vamos adicionar uma expressão que é C, C 11. Agora, entre a velocidade de modulação e a expressão, você pode fazer 99% do que realmente precisa fazer para tornar seus sons realistas. Vamos em frente. Eu vou te mostrar que eu já tenho algo. Um dos controles do teclado, que na verdade é uma faixa de toque mapeada para CC1 e você pode ver meus valores lá. Então, quando eu estiver gravando isso, você verá que eu tenho outra curva abaixo nesta janela inferior e ela funcionará em conjunto com minha velocidade e em conjunto com minha dinâmica de modulação. E você vai ver esse pequeno controle deslizante aqui e meu instrumento mudar. E você também verá que isso adicionará outra dimensão de realismo. O que estou tentando fazer é manter um volume consistente com minha expressão à medida que esse valor dinâmico muda. É isso que estou tentando fazer e a razão pela qual estou usando a expressão. Então, vamos gravar isso. Então, quando minha modulação está aumentando, estou meio que diminuindo seu efeito geral, tentando criar um volume geral mais suave em relação à dinâmica mais alta, para que ele não apareça e não desapareça. E o que você verá aqui quando eu reproduzir é que agora tanto o valor da expressão quanto o valor da dinâmica estão mudando. Tudo bem, então eu posso até reduzir isso um pouco mais. Aqui mesmo. Eu posso bater um recorde. Assim como esses dados de modulação crescem aqui, eu não deveria reduzir isso um pouco mais. Então, vou fazer um overdub um pouco lá. Assim. E isso faz com que seja uma pequena correção. Tudo bem, vamos ouvir isso de volta. Então, se há alguma coisa sobre aquela Midea com a qual eu me sinta desconfortável ou não, é o que eu estava procurando. Eu posso fazer mudanças depois do fato. Deixe-me mudar para minha ferramenta de seleção aqui. E eu posso realmente selecionar todos eles e usar essas pequenas alças aqui embaixo. Você vê que há uma espécie de amplificação ou diminuição. Eu posso até incliná-los assim. Eu defini o deus, muitas opções para manipulá-lo depois do fato. Então, em poucas palavras, mostra como usamos expressão e modulação meio que em conjunto umas com as outras e quase as jogamos uma contra a outra. Observe que é muito importante que você realmente interprete esses papéis. Eu toquei a parte original, dando-me muita variação na velocidade y. Em seguida, usei uma roda de modificação de controlador para jogar neste valor único de CC. Então, novamente, tem um campo humano, tem um campo humano. Novamente, usei um botão para que eu ou uma faixa de toque pudesse gravar CCM1. Ter todos esses elementos registrados por um ser humano é absolutamente inestimável. Fazer isso com ferramentas e linhas de lápis, não importa o quão criativo você seja, não soará matizado e reelegerá a vontade se você for bom em fazer isso sozinho. Então, eu quero recomendar muito que você sempre toque essas coisas manualmente. Agora, a seguir, vamos analisar o vibrato muito rapidamente. 13. Usando o Vibrato: Agora falamos sobre os principais elementos do middy que trarão realismo às suas apresentações. Principalmente a velocidade, muito importante e você joga à mão. Modulação Cc1, que geralmente se correlaciona com o que chamamos de dinâmica. E então C, C 11 para expressão. Esses três são os detalhes essenciais para colocar um pouco de realismo em seu midi. Mas agora estamos mergulhando em um CCS midi subordinado, embora muito útil. E então vamos ver como podemos usar S3 como um valor de vibrato. E o que o vibrato vai fazer é nos permitir adicionar um pouco de interesse e animar qualquer nota sustentada. Qualquer passagem, por exemplo, em uma parte de corda de legato ou parte de chifre. O que veremos é que, se usarmos vibrato para animar ou adicionar textura a notas sustentadas, isso fará com que a performance pareça muito mais animada, muito mais enérgica e muito mais realista. Vou usar midi, veja S3 para isso. Então, eu vou carregar o conjunto aqui. Então, mais uma vez, vou descer e adicionar uma nova pista. Agora eu não tenho S0, S3 aqui. Então, o que posso fazer é dizer que configure os controladores disponíveis. Isso abre essa janela aqui. E eu vou adicionar o controlador três. Essa lista atingiu. Ok, agora eu posso vir aqui e selecionar o Controle três. Agora, se eu quiser ouvir esse vibrato, às vezes tenho que trocar meu instrumento. Eu vou até as cordas, encontrar esse conjunto de cordas. Em vez disso, vou usar as violas. O bom disso é que isso realmente vai me permitir jogar com vibrato. Quero ter certeza de que selecionei o legato. Só vou fazer uma pequena mudança aqui. Na verdade, posso selecionar neste instrumento mais avançado aqui diferentes tipos de legato. Vou usar o controle de vibração ou vibrato aqui, que posso então atribuir isso ao que eu quiser. Vou usar o Medici S3. Vamos apenas ouvir um exemplo simples. Isso não é vibrato. Isso porque o nascimento trouxe um valor aqui, faz parte dessa articulação específica e me dá um botão para controlá-la. Então eu vou, já que mapeei isso agora para ver C3 aqui embaixo no meu C S3, eu posso realmente gravar isso, já que eu realmente só queria nesta nota legato, neste caso, acho que provavelmente não há problema em usar apenas uma linha reta. Tudo bem, então eu poderia fazer algo assim. Então, estou basicamente aumentando meu vibrato à medida que o aviso se sustenta. E esta é a melhor aplicação para vibrato. E eu posso ver aqui enquanto eu reproduzo, eu posso ver esse valor aqui mudando à medida que o vibrato aumenta de valor. Agora, eu realmente quero levar isso um pouco mais alto. Então, vou abrir minha janela um pouco mais para ter mais espectadores, que entrem nela. E eu vou falar sobre isso até o fim. Muito alto lá. Um pouco exagerado. Assim. Lá vamos nós. Na verdade, talvez eu tenha mencionado isso ainda mais cedo. Então, eu posso até mesmo aumentar o valor da nota por mais tempo para que esse efeito mais amplo seja sentido um pouco mais assim. Então é assim que eu gostaria de usar o vibrato principalmente como uma forma de animar e adicionar um pouco de interesse: notas muito longas e sustentadas ou partes longas. Se você tivesse partes de sua composição em que havia longas notas de legato , você pode fazer isso com vibrato. E isso realmente depende se seu plug-in, seu instrumento VSD, permite ou não esse controle. Tudo bem, a seguir, veremos o volume midi, veja C7. 14. Expressão por volume (CC 7): Nesta lição, fiz algumas mudanças na sessão, no projeto que vou explicar. Mas vamos analisar o volume e automatizá-lo usando C, C7 e ver como isso funciona com dinâmica e expressão. Então, principalmente aqui, mudei meus instrumentos de Halley para Spit Fire Audios Discovery. Agora, esta é uma orquestra totalmente gratuita, mas soa infinitamente melhor do que os sons que tínhamos Halley nos sons. Então, caso você queira ouvir e ter uma ideia melhor de como dinâmica, o volume e todos esses outros CCS com os quais estamos trabalhando soarão em comparação com bibliotecas de amostras de instrumentos e instrumentos mais modernas que são realmente projetadas para trabalhar com dinâmica, expressão e esse tipo de coisa. Mudando para cuspir fogos. A descoberta aqui parecia uma ideia muito sensata para a continuação desta seção. E você pode realmente ver a expressão e a dinâmica aqui. Essa expressão à esquerda e dinâmica à direita. Você pode vê-los se movendo. Isso será reverberação e diferentes articulações básicas. Você também pode selecionar instrumentos aqui. Você também pode selecionar instrumentos com base em onde eles estão tradicionalmente localizados em arranjos orquestrais. Então eu transferi todos os instrumentos. Não estou mais usando Halley em. Não estou usando o contato para nada. Isso é todo o áudio Spitfire, BBC Symphony, discovery e biblioteca de som totalmente gratuita. Tem cerca de 200 MB, então ele deve ser carregado em todas as máquinas, exceto nas mais antigas e mais antigas, deve funcionar bem. Soa muito melhor. Tem todos os detalhes da expressão que queremos ver. Então, vou compartilhar que, como o projeto que você pode baixar junto com esta lição, ele deve ser pré-carregado com este plugin. Obviamente, você precisará instalá-lo. Mas, como eu disse, colocar as mãos nele é gratuito e muito fácil. Outra mudança que fiz no projeto anterior, eu tinha um mini modificador aqui em cima, transpondo a parte do violino para baixo. Agora, o violino um está realmente transposto para cima. Então, isso tem a ver com os intervalos que estão disponíveis no plugin Spitfire. Então, neste momento, temos uma instrumentação de som muito mais rica. Se olhássemos nosso exemplo original aqui, na verdade veremos aqui. Isso é das últimas aulas em que gravamos CC1 e CCA1 e vibrato, aqui vamos ver CC1, desculpe, mudando a dinâmica aqui à direita. E vamos ver C, C 11 mudando expressão à esquerda enquanto interpretamos esse papel. Como você verá, ambos se moverão para cima e para baixo. Desculpe, deixe-me abrir essa instância. Vamos lá. Então você pode ver isso acontecendo aqui. Agora você pode ver que, à medida que a dinâmica aumenta, a expressão diminui. E esse é o propósito pretendido: que a dinâmica controle as camadas amostradas, as camadas de velocidade do nosso instrumento. E à medida que isso fica mais alto, queremos que a expressão o equilibre, certo? Portanto, é uma troca entre esses dois controles que mantém o nível geral. Mas a dinâmica está realmente impactando as mudanças de função da TAM. Agora, uma coisa que vou anotar rapidamente nesta biblioteca gratuita do Spitfire é que eles têm apenas um dia dinâmico ou mais. Essa dinâmica não é tão rica quanto você teria na outra biblioteca de contatos que eu estava usando lá, a série sinfônica, por exemplo ou muitas das Spitfire, são bibliotecas profissionais. Você vai ter muito mais camadas dinâmicas e isso vai te dar um som melhor. Mas, como eu disse anteriormente, isso é gratuito. É muito bom para o que é. Você não vai realmente competir com os profissionais se estiver usando apenas esta biblioteca. Mas neste curso, é uma maneira muito adequada de começar. E um grande avanço em relação a qualquer um dos sons comuns que você terá no Cubase. Agora, uma coisa que eu gosto de fazer é juntar todas as minhas partes de string, por exemplo , e usar minha edição de várias partes aqui no editor de chaves. Mas o problema é como eu decido em quais notas eu estou realmente trabalhando em algum momento, o violino um, o violino, o violino três, certo? Não quero sair do tópico do volume sete. Só que essa é uma dica de fluxo de trabalho necessária. Aqui mesmo. Há uma caixa suspensa contém todos esses valores e que são essencialmente os nomes dessas partes individuais, certo? Então, como faço para renomeá-los para o canal apropriado? A coisa mais fácil de fazer aqui é clicar duas vezes lá. Você segura a tecla Shift e pressiona Enter, e verá que ela renomeia todos os eventos nesse canal. Então, eu vou fazer isso muito rapidamente. E você poderá ver isso no projeto depois de baixá-lo, porque o projeto que eu compartilho para cada um é após o final da minha gravação da aula, para que todos possam ver os benefícios, ou seja, tudo o que aprenderam. Mas dessa forma, quando eu carrego tudo isso no editor de chaves, agora, eu posso ver isso. Deixe-me selecionar todas essas partes. Agora eu posso ver minhas partes aqui e posso simplesmente escolher a viola, e eu posso voltar e ver onde estão minhas partes de viola. Isso é muito, muito útil. Então, vamos adicionar algumas curvas de volume a cada uma dessas vozes, certo? Então, vou me livrar da minha velocidade aqui e vou mudá-la para volumes principais, veja C7. E eu já tenho um controle, um controlador midi configurado para controlar isso. E como você verá, quando eu transformo isso, estou vendo meus valores. Então, enquanto gravo, posso simplesmente voltar ao início desta seção. E eu vou clicar em Gravar e depois vou ajustar o volume. Então, eu mantive uma espécie de curva muito conservadora aqui. O que eu costumo fazer é inchar para cima e para baixo, criando isso à medida que avança. Agora, se eu mudar aqui para o violino dois, veremos que não há volumes principais. Portanto, essa é uma ótima maneira de fazer tudo isso de dentro de um editor. E eu posso ver que agora estou lidando com as partes roxas da soprano. Se você quiser ver o que é colorido, você passa para essa cor agora minhas cores estão configuradas para voz. Então, podemos ver violino, um violino, viola, que está mudando as vozes. Violoncelo está mudando vozes e bases mudando vozes, certo? Então, a coloração está sempre aqui. Estou selecionando a parte que estou editando. E então eu posso vir aqui e ir até a primeira nota. Como a base é na verdade um pulso, não vou realmente adicionar volume a isso, mas vou fazer isso para o violoncelo. Então, vamos gravar isso aqui. Você notará que eu gosto de subir em um acorde e depois descer novamente no outro lado. Esse tipo de pulsação para cima e para baixo ao longo de algumas medidas pode adicionar uma qualidade emocional e realismo muito bons ao que estamos fazendo. Então fizemos o violoncelo, tínhamos feito a viola mais cedo. Vamos tocar um violino para ter em mente que o valor de fazer isso de forma manual é que você está fazendo isso como ser humano. Você está efetivamente tocando seu midi. E isso é crucial para o realismo geral. Tudo bem, então gravamos , veja o volume midi C7 para cada canal. E o que efetivamente alcançamos aqui é um nível muito, muito mais profundo de realismo. Parte disso é que escolhemos uma biblioteca melhor com a descoberta do Spitfire. E parte disso é que agora adicionamos uma expressão e adicionamos a modulação para o Dynamics. E adicionamos esse controle de volume. Agora, uma coisa que eu sempre quero deixar claro é que, quando mudamos para o console misto aqui, podemos ver que temos um conjunto de faders configurados aqui. Essa foi minha mistura original. E, geralmente, quando estou trabalhando com volume, quero ser muito claro sobre o que está acontecendo no volume médio e o que está acontecendo no volume do mixer. Portanto, eles não estão relacionados. Em outras palavras, quando meu, vamos voltar ao editor de chaves aqui, quando ele estiver carregado. Volume aqui, para que possamos ver isso, ok? Então, essa curva aqui é média do ECC. Isso não é automação no meu canal real. Então, como isso está fluindo e diminuindo, isso não está tendo nenhum impacto no meu canal, que está aqui. Violoncelo, certo? Então, enquanto desempenhamos essa parte, por exemplo, podemos ver em nosso gráfico aqui que há a sobreposição dos dados do controlador para o volume midi. E isso não afetará em nada a forma como esse fader se move. Então, vamos em frente. Portanto, esse fader é uma entidade de volume totalmente separada e, na verdade, tem a ver com sua mixagem. Então, isso é muito bonito porque podemos criar essa performance expressiva, que é realmente o que um tocador de cordas ou soprador de sopro faria. Eles desempenhavam seus papéis com sensação real de usar o nível de volume como parte de sua expressão. E então podemos gravar essa apresentação, gravar a orquestra inteira e depois mixar o álbum, certo? É isso que é o estágio de mixagem, o que queremos usar. Todos esses quatro, há um impacto que você deve observar ao manipular suas curvas de volume para o middy, que ele muda essencialmente o que está acontecendo em sua mixagem, mesmo que essas posições do fader não sejam ditadas ou relacionadas diretamente ao que você está escrevendo com seu see C7, você está mudando o volume. Além disso, com a expressão, você está alterando o volume dentro do volume e o volume da sua expressão ou o efeito da sua expressão, por exemplo, vamos dar uma olhada nisso. Tudo isso é uma extensão do volume, na verdade. Esta parte da flauta no momento não tem nenhuma expressão escrita nela. Como podemos ver, há uma camada vazia aqui. Vou reduzir isso para ajustar a visão. Há uma faixa vazia, mas à medida que escrevemos uma parte da expressão, ela afetará o volume porque a expressão é uma porcentagem do volume. Então, é como desenhar uma curva para determinar a porcentagem desses níveis de volume. E, finalmente, no final de sua estrutura de ganhos está esse fader, que está decidindo bem quanto disso está na mistura. Portanto, você deve ter muito cuidado e estar ciente de todas essas implicações. Está trazendo muito realismo, mas você também deve estar ciente de que está afetando os níveis e o volume em diferentes níveis e onde alterá-los para obter o efeito que você está procurando. Agora, na próxima lição, veremos o uso do controle de natalidade C, C2. 15. Controle e automação por respiração: Vou analisar mais um valor de CC porque esse é um controlador contínuo para, e geralmente é chamado de controle da respiração. E o controle da respiração pode ser usado especificamente em buzinas ou instrumentos relacionados ao vento. Se você realmente tem um controlador de respiração, que é um tipo especial de controlador midi que você pode realmente tocar como um clarinete ou algo assim. E então ele começa a transmitir um pouco de sua expressividade para o instrumento de software. Esses tipos de controladores geralmente se espalham, veja C2. Agora, o fato é que C, C2 nem sempre estão integrados em instrumentos, até mesmo instrumentos de trompa e esse tipo de coisa. Além disso, quando estiver na caixa, depois de fazer a gravação, veja C2 pode ser qualquer cc porque você pode decidir qual CCS deseja usar a qualquer momento. E há muitos que ainda não foram atribuídos genericamente. Portanto, CCL2 é uma variável. Não é tanto um valor fixo quanto, digamos , expressão volume ou modulação. Mas eu quero trazer isso aqui porque, na maioria das vezes, você usa controle de natalidade não é com chifres, mas como um ponto de corte ou um valor de brilho dentro de um instrumento. Portanto, posso conectar C, C2 a um EQ, por exemplo, ou a um filtro para acentuar o brilho usando um filtro ou EQ para acentuar frequências mais altas. E, na verdade, vou usar o controle da respiração como uma espécie de controle de brilho. É assim que normalmente funciona em um instrumento relacionado à amplitude. Quanto mais forte alguém sopra, mais brilhante tende a ser a madeira que sai do instrumento. Correlacionar o controle da respiração, o CCL2 com um conceito de brilho, faz muito sentido. Às vezes, na minha composição, gosto de ter apenas mais um valor de CC além da dinâmica, além da expressão, além do volume um, a mais do que eu posso manipular para trazer outro nível de realismo. E agora vou mostrar como eu meio que configuro isso e usaria isso para controlar o brilho. Vou fazer uma simples mudança aqui no meu clarinete, que é trazer elementos de brilho. Então, vou fazer isso indo até meu inspetor aqui. E vou adicionar uma inserção de áudio. E essa inserção será um EQ. E eu vou descer e escolher o EQ de estúdio. O que eu quero fazer é ter essa última etapa aqui. Vou desativar os outros estágios. O que eu quero fazer é controlar isso com meu controlador midi com a amplitude. Veja C2. Agora, nesse contexto, eu tenho uma escolha. Eu posso registrar o valor C, c no Midea. Mas aqui eu vou realmente gravar isso como uma automação rastreada usando trolls rápidos. Então, aqui no inspetor, vou passar aos controles rápidos. Vou me certificar de que está habilitado aqui. E eu vou ir até aqui para inserir, inserir uma banda de estúdio para ganhar alta frequência para aquela prateleira. E então eu vou diminuir o zoom aqui. E o que vou ver é que posso usar essa função de aprendizado, que está nos meus controles rápidos. A função aprendida que está nos meus controles rápidos. A função aprendida permite que você simplesmente clique com o botão direito do mouse em olhar, verifique se o aprendizado está ativado. Clique em qualquer um dos controles rápidos de clique e, em seguida, basta mover o botão e ele o vinculará. Na verdade, posso gravar a automação aqui. Então, vou prosseguir e habilitar a taxa de automação ali mesmo. E vou desligar meu modo de ciclo, trocar as ferramentas e voltar aqui. E agora vou realmente escrever automação com meu controle midi. Estou tentando criar, vou começar uma estratégia para criar mais brilho. Enquanto a passagem continua. À medida que a passagem continua, ela está ficando cada vez mais brilhante. Então, tudo o que estou fazendo aqui é criar uma automação tradicional e regular. No entanto, existe a capacidade de usar o amplitude Control C, C2 como meu controlador para isso. E você pode até mesmo usar o ECC médio no Cubase e transformá-lo em automação. E você pode pegar a automação de uma trilha de automação e transformá-la em ECC médio, por exemplo, se olhássemos esta parte aqui e eu mostrasse meus valores de expressão. No momento, eu só tenho o volume definido, mas eu poderia extrair esse volume aqui. Eu posso extraí-lo para uma via de automação como essa indo até meu menu midi, aqui em cima, descendo até meu menu de funções e descendo para extrair muitas automações. Se eu clicasse com o botão direito do mouse na minha faixa e dissesse Mostrar automação usada, veríamos agora que minha faixa de volume foi transformada em automação. Eu poderia mudar a forma como isso funciona, na medida em que posso selecionar o que não quero que execute o volume. Em vez disso, quero que ele execute minha inserção. Digamos que eu pudesse ir até aqui, abrir essa janela aqui, ir até minha inserção e dizer: “ Sabe, eu tinha como automação de volume”. Agora quero jogar isso contra mim novamente. E vamos ver esse passeio agora. Então, vou desligar a leitura na minha automação original. Agora vamos ver que essa automação que eu extraí do Midea é agora o que vai impulsionar esse ganho. Então, eu poderia realmente pegar essa automação e usar o Command X. E vou colá-la selecionando todos os meus pontos de automação, certificando-se de que meu cursor esteja totalmente definido no início e colando. E agora, quando eu reproduzir, você verá que essa curva que eu extraí do volume agora é a coisa que vai acionar esse botão de ganho aqui. Então, vamos ver como isso funciona. Então, novamente, o controle da respiração não é um dos CCS integrados que você sempre precisa usar. Mas quando quero dar mais vida a algo e, particularmente, quero trabalhar com brilho ou curvatura. Então, geralmente confio na amplitude Control C, C2 porque é relativamente padronizado e compreendido por outros compositores e músicos para desempenhar essa função. Se alguém abrir meu projeto, eles devem saber o que está acontecendo. Vou reverter minhas operações de recortar e colar para que o projeto qual vocês tenham acesso tenha essa curva de volume no ECC médio. E nos vemos na próxima aula. 16. Expressão para pitchbend: Agora, você também pode usar alguns elementos intermediários muito comuns como pitch bend, em suas produções. E isso pode ser muito útil quando você está tentando recriar algo que um instrumentista real executa. No caso da guitarra, digamos, por exemplo quando um guitarrista pode estar dobrando uma nota enquanto toca outra nota e depois deixando que ela se abaixe, algo assim. Você pode conseguir isso com o pitch bend mais facilidade do que com outros CCS midi pitch bend está embutido. É quase essencial para qualquer teclado midi. Portanto, você certamente terá um controlador de inclinação. Mas quando você está trabalhando com instrumentos sinfônicos ou orquestrais, você pode adicionar um pouco de inclinação aqui e ali apenas para criar uma pequena variação. E eu vou te mostrar como eu poderia fazer isso de uma forma muito, muito sutil. O que você realmente está fazendo aqui é recriar tipos de erros cometidos pelo jogador, erros sutis. Portanto, você não está tentando, certamente gostaria de evitar que essas curvas de tom neste caso específico sejam realmente óbvias, porque uma curvatura de tom realmente óbvia no caso de um violonista, por exemplo , será realmente um erro. Mas adicionar um pouco de mudança tonal pode realmente adicionar um pouco de realismo. Então, vamos dar uma olhada nisso. O que vamos fazer aqui é fazer um solo de viola e seguir em frente. E vamos abrir isso em nosso editor midi. E vou examinar essas duas notas em particular. E eu vou ativar a curva de inclinação Lane. E eu vou voltar ao começo aqui. E eu vou gravar uma pequena curva de inclinação, uma curva muito, muito, muito inclinação muito, muito, muito sutil que estou tendo aqui. Você pode ver o que está acontecendo na curva de inclinação. O que eu realmente estou fazendo aqui é adicionar uma sutileza que espero que transmita um pouco de humanidade. É o tipo de coisa que quebra a consistência estática absoluta das notas midi. Agora, se minha biblioteca vai acomodar ou não essa curva de inclinação é absolutamente crucial. Mas se minha biblioteca respondesse à curva de inclinação, eu perceberia que havia apenas uma imperfeição muito sutil no desempenho. Acabei de fazer isso em algumas notas. Não estou tentando estragar a peça. Não estou tentando fazer mudanças dramáticas. Apenas uma sutil curva de inclinação aqui é uma ferramenta que eu posso usar para apresentar um pouco de humanidade. Na próxima lição, vamos analisar o uso de chaves. 17. Usando interruptores chave: Agora vamos examinar os interruptores de teclas. Agora, os interruptores de teclas são comuns à maioria das bibliotecas profissionais e geralmente são usados para alternar entre diferentes articulações. Então, digamos, por exemplo que você tenha seu baixo tocando pizzicato e queira temporariamente mudá-lo para tocar notas longas, como faremos neste exemplo, então você pode usar interruptores de teclas para alternar dinamicamente entre diferentes articulações. Às vezes, os interruptores de teclas executam outras funções. Se você tivesse uma biblioteca de guitarras, por exemplo, ela poderia alternar entre as posições do pescoço ou eu poderia alternar entre os movimentos descendentes, ascendentes ou algo parecido. Portanto, qualquer tipo de articulação ou recurso exclusivo que o artista executaria, você pode manipular com interruptores de tecla. Então, vamos dar uma olhada nisso agora. Temos essa articulação escolhida aqui, a articulação spiccato, mas temos três para escolher. Portanto, você pode realmente alternar entre eles nesta biblioteca usando chaves. E lá até aqui embaixo. No final, eu poderia vir até aqui e dizer que queria fotografar dois eventos. Agora, quando eu for aqui e fizer essas anotações, elas se encaixarão nesses eventos. Há eventos midi acima deles, que torna um pouco mais fácil para mim ter certeza de que eles estão sendo posicionados corretamente. Uma coisa que você geralmente quer fazer com os interruptores de teclas é que eles ocorram um pouco antes da nota midi. Então, o que eu provavelmente faria aqui selecionar todos eles, eu os traria um pouco desse jeito para que o interruptor da tecla possa dizer ao instrumento o que está acontecendo antes de a nota realmente ser tocada. E vamos derrubar tudo isso. E se quisermos jogar, vamos ver um. Vamos ver quanto tempo vai durar aqui. C menos para o espiccato será C nítido menos dois e pizzicato será D12. Então, queremos ter esse aqui e esse aqui. Na verdade, queremos subir em C-sharp para este até C2, que vai voltar para longo. E então esse aqui, nós vamos trazer para lá. E então esse vai voltar para os pulmões. E você pode realmente ver isso aqui nesta área. Quando eu mudo esses valores midi, isso muda a articulação e é isso que os interruptores de teclas fazem. Mas quando eles reproduzirem, teremos um longo spiccato, longo spiccato junto com interruptores de teclas. Uma forma muito elegante de incorporar seu guarda-roupa. Elementos como diferentes articulações que você deseja usar para legato, staccato, spiccato, pizzicato, adicionar tremolo, esse tipo de coisa. Também é uma ótima maneira manipular a expressividade de suas peças. A consideração que eu faço quando estou aplicando articulações é como isso me ajuda a contar a história que você deseja evitar simplesmente usar chaves todo lugar aleatoriamente, apenas para obter um efeito interessante. Mas, em vez disso, você quer contar uma história com isso. Então, o que estou contando, a história que estou contando aqui é que a base está se apoiando e depois pontuando Suporte com pontuação longa e depois apoio. O spiccato. A articulação para mim está funcionando como uma pontuação, como um ponto final no final de uma frase, sem ter um traço longo. A base está se afastando e deixando as violas e os violinos terem precedência. Então, isso é parte da história que estou contando e é por isso que escolhi essas articulações. Eu recomendaria que você escolhesse articulações a serviço de sua história, não apenas porque você pode usar chaves. Agora, na próxima lição, teremos apenas uma breve discussão sobre quantização. 18. Quantificar ou não?: Agora, quantizar é algo que faz parte do middy desde o início. E uma das melhores e mais valiosas características do Midea é que você pode fazer apresentações, coisas que foram tocadas em um determinado momento. Mas então você pode mudar o tempo. E, idealmente, com a quantização, você está realmente usando coisas para fixá-las na grade e manter o tempo absolutamente precisos, trigêmeos muito precisos, notas 16 muito precisas, esse tipo de coisa que um jogador talvez não consiga executar perfeitamente. Mas o fato é que, como os jogadores geralmente não executam esse tempo com muita precisão, eles acabam sendo uma parte importante da humanidade e do realismo, mas está geralmente não executam esse tempo com muita precisão, eles acabam sendo uma parte importante da humanidade e do realismo, por trás de nossas peças. Então, como lidamos com isso? Bem, eu vou te mostrar algumas coisas diferentes aqui. Primeiro, a regra geral para mim é tocar tudo, realmente executar tudo, tudo o que você grava, executar. Não escreva com lápis. Porque então normalmente será quantizado e na verdade não será, apenas terá muito menos humanidade envolvida. Esse é o primeiro passo. Mas depois de gravá-lo, não presuma necessariamente que você precisa quantificá-lo ou que haverá algum benefício disso. Especialmente com coisas como arpejos. Usar coisas que são altamente estruturadas e altamente, muito limitadas e restritas à rede. Eles simplesmente não parecem humanos e isso vai diminuir o realismo, certo? Então, eu geralmente não quantizo nada, mas como vou mostrar aqui, você pode usar a quantização iterativamente no Cubase. E isso significa que você pode melhorar o tempo, mas você o está melhorando em um valor específico. Você não está realmente bloqueando tudo na rede. Então, vamos dar uma olhada nisso. Então, estamos vendo aqui essa performance que eu fiz, e dividimos em partes. Agora, os acordes haviam sido tocados por mim em um teclado de controle midi. E podemos ver que as notas não estão caindo diretamente na grade. Então, poderíamos consertar isso. Claro, se quiséssemos, vou fechar esse instrumento aqui. Poderíamos corrigir isso apenas quantizando aqui, vemos que tudo se encaixa perfeitamente na linha. Vou desfazer isso com o comando Z. Geralmente não encorajo isso porque o que vai acontecer é que seu desempenho será perdido. E haverá menos realismo no produto final definitivo. Mas há um recurso muito útil aqui chamado quantização suave. Parecem essas duas flechas com uma linha entre elas quase como uma fração. Então, o que eu vou fazer é ir para o painel quantizado. Vamos dar uma olhada em algumas configurações aqui. Eu tenho meu painel de quantização aqui. Vamos dar uma olhada nisso de perto. Então, o que posso fazer aqui é ativar e desativar a quantização suave e decidir qual será a força disso. Essencialmente, isso significa melhorar a quantização em 60%. Se eu clicar, se eu habilitar isso, certo, e eu ficar de cabeça e olhos, quantize isso suavemente. Podemos ver que isso melhorou, mas ainda não está certo, como seria se eu não tivesse essa quantização suave lá e eu quantizasse agora, ela a bloqueia diretamente na linha. Perfeitamente. quantização suave é uma ótima maneira de ser muito mais sutil. Eu vou desfazer os dois. E vou ver algumas outras opções aqui para quantizar. Assim, você pode definir um alcance de captura e um alcance seguro. Então, o alcance, quando eu menciono isso, você pode ver como ele se move ao redor da batida. Eu posso definir a grade, digamos que eu defina dois quartos. Qual é o alcance de captura? Dentro dessa faixa, você vê mudanças aqui. Essas notas que estão dentro dessa faixa estarão, na verdade, sujeitas a quaisquer regras de quantização, incluindo a quantização suave. A faixa segura aqui significa que coisas dentro dessa faixa não serão quantizadas. Isso significa que eu poderia dizer: Ok, olhe qualquer coisa que esteja dentro de cerca um trigêmeo da minha nota trimestral, deixe-a em paz. Qualquer coisa que esteja dentro dessa faixa, então eu quero quantizá-la e quero uma quantização suave. E eu poderia mudar o valor para, digamos, 30%. E agora, quando eu os quantizo, posso seguir em frente e fazer essa única nota porque está claro aqui. Se eu apertar Quantize, isso não mudou nada porque não está dentro do meu alcance de captura ou está dentro do meu alcance seguro. Assim, você pode realmente analisar seu próprio desempenho e fazer avaliações sobre o que realmente deseja fazer com a quantização. Assim, você pode realmente melhorar o ritmo de uma apresentação sem desumanizar e sufocar totalmente a vida e a humanidade. Isso também é uma boa coisa a se fazer quando você está quantizando tambores. Pode ser muito útil. Quantize muito suave, digamos, o chapéu alto, onde você quer ter um pouco, você não quer ter isso certo na grade. Mas talvez os chutes, você queira colocá-los exatamente no grid. Talvez as armadilhas, uma cabecinha ou um pouco para trás. Você pode usar as faixas de captura e segurança para garantir que qualquer uma dessas nuances no desempenho e desempenho original seja mantida, desempenho original seja mantida mesmo que o chute, por exemplo seja quantizado. Assim, você pode aplicar essas configurações de quantização em qualquer nota que tenha selecionado. Assim, você pode selecionar todas as notas e chutar e aplicar um valor quantizado. E então você pode selecionar todos os chapéus altos e assim por diante. Dessa forma, a quantização é muito mais uma ferramenta criativa e construtiva usada em um método cego de simplesmente aplicar quantização, bloquear tudo na grade. Eu recomendo fortemente que não seja assim. Se seu objetivo é produzir música que soe como se fosse tocada por um ser humano. Agora, na próxima lição, veremos uma técnica para uma técnica controlar a velocidade com a roda de modificação. E isso pode ser feito em uma situação em que você não tem um controle de dinâmica em seu instrumento, mas tem várias camadas de velocidade. Então, vou analisar esse processo na próxima lição. 19. Corte de velocidade de roda mod: Agora, encontrei instrumentos que podem conter camadas de velocidade, às vezes até mesmo aquelas feitas por mim mesmo. E estou procurando uma maneira de controlar a velocidade por meio de algum outro método além tocar as teclas, certo? Então, normalmente, quando eu toco as teclas, que força eu pressiono a tecla que é traduzida no valor da velocidade. Mas às vezes eu quero esculpir esse valor de velocidade um pouco mais separadamente, certo? um pouco mais de cuidado, ou talvez até exagere neles sem precisar desenhá-los com o lápis. Então eu vou te mostrar como você pode configurar o mod wheel. Agora você pode configurar realmente qualquer controlador para fazer isso. Vou usar a roda de modificação como exemplo. Vou orientá-lo no processo de como você pode configurar um controlador midi como o mod wheel para controlar a velocidade enquanto você se apresenta. E isso pode lhe dar outra nuance adicional em suas performances. Então, vamos dar uma olhada. Tudo bem, então eu vou fechar a janela de baixo e vou até essa parte de violino da BBC aqui em cima. Vamos começar de novo aqui. Agora vou gravar uma nova parte e, na verdade, vou mudar a velocidade com base na minha roda de modificação, não com base no teclado, certo? Então, quando eu gravar agora, você poderá ver que, enquanto eu gravo, esses valores de velocidade estavam sendo definidos com base em como eu toco o teclado. Quando terminarmos, veremos que podemos realmente usar um controlador midi para controlá-los em tempo real com essa configuração que estou prestes a mostrar no Cubase. Então, vamos ver como configuramos isso. Eu vou deletar isso. Vou me certificar de que minha faixa seja selecionada. E eu vou até Midi Inserts aqui no inspetor. E vou adicionar muitos modificadores em série. Adicione um modificador midi aqui. E então eu vou adicionar um modificador midi aqui também. Então, estou adicionando dois deles, um logo após o outro. A próxima coisa que você vai querer fazer é clicar Gravar saída para rastrear aqui. E você vai querer configurar seu controlador midi ou teclado midi para enviar uma velocidade fixa. Quando meu teclado está enviando uma velocidade fixa, ele está enviando uma velocidade fixa de inclinação total 127. Agora, neste primeiro modificador midi, temos um valor aqui chamado mudança de velocidade. Agora vamos definir isso para -64. Ok, isso é basicamente subtrair metade da minha velocidade fixa, que é definida como 127. Então, vamos até o modificador midi para ampliar um pouco aqui. E eu vou querer manipular essa mudança de velocidade em tempo real para um minimodificador. Então, basicamente, subtrairá 64 da entrada de valor fixo. E então esse modificador midi adicionará mudança de velocidade com base em algum tipo de entrada. E uma das maneiras mais simples de fazer isso é, na verdade, usar controles rápidos. Então, aqui embaixo, vou expandir os controles rápidos e reduzir um pouco o zoom para que possamos ver o que está acontecendo aqui. Agora, isso é padronizado para diferentes controles rápidos do instrumento carregado neste canal. Mas eu posso ignorar qualquer um deles a qualquer momento. Vou definir este primeiro aqui para o meu midi, insere meus modificadores midi. O segundo aqui. E eu vou escolher a mudança de velocidade. Então agora isso é mudança de velocidade para o segundo modificador midi. E eu posso ver, vamos ver, se eu sair até aqui. Eu deveria elevar isso para 72. Eu posso ver agora que esse valor é 72, certo? Então, estou mudando isso com o controle rápido. Agora, posso pegar qualquer controlador midi de minha escolha e atribuí-lo a esse controle rápido. Assim, você pode seguir em frente e ativar os controles rápidos, clicar em Aprender e selecionar seu controle rápido aqui. E então você pode ligar o controle em seu teclado. E eu posso ver agora que estou recebendo esse valor. Então, eu segui em frente e o mapeei na minha roda de modificação. E você pode ver esse valor mudando agora, à medida que eu transformo isso. Isso significa que aqui , na minha inserção midi , esse valor aqui está sendo alterado. Então, o que vou fazer de forma eficaz é tocar uma nota midi, já que a gravação ativada aqui está ativada, as notas midi entrarão. Isso vai subtrair 64 da velocidade. E então ele vai ajustar a velocidade com base em tudo o que minha roda de modificação está fazendo. Então, vamos ver como isso fica. Vou tentar criar uma espécie de efeito crescente com meus valores de velocidade. E isso vai ser totalmente independente do que eu toco quando estou realmente tocando o teclado. Você também vai querer ter certeza de que tem o segundo modificador midi configurado para gravar. E vamos seguir em frente e começar. Agora você pode ver que gravei esse arco bastante dramático, ascendente e descendente, enquanto tocava essas notas. Portanto, essa é uma ótima maneira de você obter controle sobre as camadas de velocidade sem realmente ter seu teclado A força com que você pressiona as teclas é o que determina os termos. Você quer ter certeza de que configurou isso durante a gravação ao vivo. Parece que não funciona. Se você está tentando fazer overdub. Se você quiser que ele tenha o recurso de overdubbing, você precisaria ter uma biblioteca compatível com o Dynamics. E então você pode gravar a roda do mod de dinâmica dessa forma. Mas isso é uma espécie de alternativa para ser capaz de manipular a velocidade em tempo real. Agora, começaremos a falar sobre expressão de notas nas próximas aulas. E a expressão de notas será uma extensão realmente fascinante da velocidade e do CCS que discutimos. E então fique por aqui. Essas aulas serão inestimáveis para todos os usuários do Cubase que estão trabalhando com midi. 20. Visão geral da expressão: Vou encerrar esta seção com algumas lições sobre expressão de notas. Agora, a expressão de notas é um conceito VST três. É uma tecnologia que permite que você realmente escreva o equivalente às mudanças de controle, mas por nota, certo? Então, tudo o que fizemos até agora com C7 ou CC1 é tudo por canal, o que significa que toda vez que escrevemos uma curva e uma expressão, isso afeta todas as notas desse canal. E geralmente essas serão todas as notas que você vê na parte central. A expressão de notas é uma tecnologia que permite reproduzir dados de expressão ou registrar dados de expressão por nota. Isso pode ser muito bom quando, por exemplo você pode tocar duas notas e uma das notas crescendos na outra. Assim, você pode criar um pouco mais de drama, ou talvez duas notas que comecem e uma que fique mais alta, outra que fique mais baixa. Ou se você estivesse usando um violão, um instrumento de guitarra, uma biblioteca de instrumentos sampleados, por exemplo você poderia dobrar a corda enquanto toca outra corda e você poderia ter uma díade tocando lá, mas uma das notas seria pitch bend. Portanto, há muita coisa que você pode fazer com a expressão de nós. Infelizmente, expressão de notas não se popularizou em todo o setor. É algo que está disponível como parte do tipo de protocolo da tecnologia VS T3. Então, na verdade, as pessoas poderiam implementá-lo se quisessem, mas na verdade não o fizeram. E não sei exatamente o motivo disso. Tenho certeza de que tudo se resume ao tempo de desenvolvimento e esse tipo de coisa. O que eu quero abordar aqui, já que essa é uma classe específica no Cubase, é como usá-la no Cubase, você pode gravá-la como parte de sua performance. Você pode desenhá-lo e sobredublá-lo. E eu vou examinar os métodos para fazer isso. Mostre o que ele faz. Porque eu acho que se você estiver usando um instrumento que permite expressão do Node, isso seria principalmente PAD shop, registro retrô, qualquer coisa em Halle on, ou Halley no Sonic ou Halley e Sonic SE. Então, você terá muitas opções de como manipular notas individuais, não apenas específicas do canal, mas também de notas específicas. Existe uma tecnologia diferente chamada MAPE e que está assumindo isso, que está ganhando impulso no mundo dos controladores que é muito semelhante a essa expressão polifônica de middy. E se você tem um instrumento como esse, gostando do instrumento principal ou algo parecido, você pode realmente gravar esses dados polifônicos como expressão de nós. Então, talvez haja um processo pelo qual expressão de notas se popularize com outras bibliotecas e outros fabricantes de plug-ins se esses instrumentos MP se tornarem mais comuns e essenciais. Mas, até agora, encontrei um suporte muito, muito limitado para essa tecnologia de expressão de notas Apesar de adorá-la, acho que é realmente incrível. Outra coisa muito legal sobre expressão de notas é que a expressão correta, de forma nativa, está vinculada a esse nó, o que significa que você arrasta notas em seu editor de chaves. A expressão segue , o que é muito legal. Agora você pode fazer isso com minha configuração de preferência no Cubase para garantir que todos os dados do controlador sejam seguidos, mas isso acontece de forma nativa e automática. Então, na próxima lição, vamos nos aprofundar e ver, na verdade, alguns exemplos de expressão de notas. Esta lição acabou de ser uma visão geral. Na próxima lição, vamos começar a trabalhar. 21. Usando a expressão de nota: Tudo bem, nesta lição vamos usar alguma expressão de nodo. Vou te mostrar como configurá-lo, como gravá-lo e como soa. Então, vamos começar. Então, para começarmos, há apenas algumas dicas que eu sugeriria. Primeiro, você deve habilitar Mostrar dados de expressão da nota na barra de ferramentas que está aqui. Mostrou dados de expressão de notas. Clique duas vezes para abrir o editor de expressões de notas é outra coisa que eu acho que você deveria habilitar. Se isso estiver desativado, o que acontece é quando você clica duas vezes e nota que ele aparece ou desaparece. Por outro lado, se você ativou isso, ao clicar duas vezes em uma nota, obterá a expressão da nota. Sou editor aqui e vamos usar isso com grande efeito aqui. Mostrar dados de expressão de nós basicamente os mostrará meio que sobrepostos às suas notas. No momento, estou vendo os nomes das notas, mas quando eu habilitar isso, vou realmente ver as linhas agora. Não há dados de expressão de notas aqui. É por isso que não estamos vendo nenhum. Mas eu sugeriria que quando você estiver trabalhando com a expressão de nós , certifique-se de que ambas estejam habilitadas. Agora, outra coisa para ficar de olho é aqui, na entrada midi. Esse recurso de entrada midi aqui também vem junto com essa entrada midi de expressão de notas. E há ocasiões em que, se os dados midi da expressão não parecerem estar gravados corretamente , isso deve ser ativado. Mas se eu incluir em minhas demonstrações isso for necessário, vou indicar isso para você. Tudo bem, então vamos sair daí, fechar o editor e ver como podemos fazer isso. Vou gravar uma nova parte e gravar alguns dados de expressão de nós e mostrar como isso é feito. Vou criar uma nova faixa de instrumento aqui, e vou usar Halley no Sonic SE. Agora sei que os sons são mais antigos ou um pouco fracos, mas o problema é que não é como eu disse, nem todos os instrumentos existentes. Muitos dos meus instrumentos de contato não suportam a expressão de notas, mas Halley no Halley no Sonic e Halley no Sonic SE sim. Se você está curioso sobre Halley em Sonic e Halley em Hi Leon é uma ferramenta de design de instrumentos de nave-mãe. Tem uma incrível capacidade sintetizada. É uma ferramenta de criação de instrumentos ou ferramenta de design de som. E se você estiver familiarizado com o player de contato e contato, Halley no Sonic e Halley no ou similar, na medida em que altamente ativo, permitem que você crie instrumentos. E, claro, você também pode usar instrumentos dentro do Halley on, mas altamente no Sonic é mais limitado. Não permite tanta criação de instrumentos quanto Halle on. E é como se fosse um jogador. Qualquer coisa que você fizer em Halle on, pode ser tocada em Halle on Sonic. A versão Se é gratuita e vem com o Cubase. E o Haley on Sonic completo não é gratuito, mas vem com uma biblioteca muito mais extensa. Como o on Sonic, a versão completa, a versão paga, também permite que você coloque em camadas até quatro sons diferentes. Portanto, existem algumas ferramentas de criação de som, até mesmo Halley no Sonic. Mas se você está realmente interessado na criação de instrumentos, provavelmente quer trabalhar em Halle em Halley em Sonic é boa para esta demonstração em que vou me concentrar em mostrar como uma expressão de nota funciona. Então, vamos chamar essa expressão de nota de demonstração. Vamos adicionar isso. Agora, quando você estiver pesquisando muito sobre o Sonic SE aqui, se você fizer uma pesquisa pela nota X P EXP, certo, verá que há vários patches que têm esse valor. Agora, existem outros patches e a maioria, muitos deles incorporam alguma qualidade de expressão de notas, por exemplo, vamos dar uma olhada aqui. Eu quero descobrir, bem, vamos tentar um pouco de sotaque e latão. Vamos ver como isso soa. Vamos tentar outro patch. Uns. Tudo bem, então vamos trabalhar com esse. O que vamos ver, já que este é um patch de EXP de nota, é que aqui, se selecionarmos o canal ou a faixa, e viermos até aqui, veremos uma área de expressão de nota em nosso Inspetor. Você pode ver o volume. Opa, desculpe por isso. Você pode ver o ajuste da panorâmica de volume. Esses três serão comuns a praticamente qualquer patch em Halle on Sonic. Mas aqueles sem dx be vão além desses princípios básicos em coisas como tom, cor e ênfase. Agora, você também pode registrar os valores tradicionais de cc como expressão de nota, e definitivamente vamos analisar isso também. Portanto, há três maneiras de gravar ou colocar a expressão do nó nas partes centrais. Você pode gravá-lo enquanto estiver jogando. Você pode sobredublá-lo e desenhá-lo. Então, vamos examinar cada um desses três métodos. Agora que temos um, um instrumento e um instrumento apropriado carregados. Ok, então o que eu vou fazer aqui é gravar. Na minha expressão de nota, vou registrar alguma ênfase, ok? E o que eu vou fazer aqui é que, como eu não tenho um botão de controlador de ênfase nativo ou algo assim, eu posso realmente vir aqui e a entrada, e eu posso dizer: Você sabe o que, eu quero, minha roda de modificação CC1 será copiada para dar ênfase. Então, enquanto eu estiver gravando, gravaremos a expressão da nota de ênfase quando eu usar minha roda de modificação. Ok, então vamos tentar. Tudo bem, vamos ver como isso aparece no editor de notas ou no editor de chaves. Então você pode ver aqui embaixo que há essas linhas verdes aqui em Essa cor verde se correlaciona cima. Essa cor verde se correlaciona aqui com aquela cor verde ali. Você também pode ver esse pequeno retângulo verde embaixo do mouse piscará. Está piscando porque diz, está me dizendo que o controlador midi que estou girando está, na verdade, gerando esse valor de expressão de nó específico. Agora, anteriormente eu disse que é uma boa ideia habilitar esse botão para mostrar dados de expressão de notas. Você verá que, se eu desabilitasse isso, você não conseguiria ver que não há nenhuma expressão de nó. Obviamente, você não verá que há nenhum dado de expressão aqui nas faixas cc, cc porque isso não é cc, uma expressão de nota. Então, habilitar isso me permite ver isso. É assim que você pode gravá-lo. E eu vou gravar outra versão aqui, que será apenas um acorde, porque eu quero, quero demonstrar um exemplo simples de como a expressão de nós pode afetar as coisas. Tudo bem, então podemos ver que eu não gravei nenhum valor para a expressão da nota de ênfase lá. Mas eu posso ir em frente e posso desenhá-lo, e é isso que vou fazer aqui. Então eu te mostrei a versão do disco. Agora vamos desenhá-lo e ver como isso funciona, trazendo isso aqui. Então, tudo o que eu fiz, desde que eu tenha esse botão aqui ativado, ele diz clicar duas vezes, abre o editor de expressões de notas. Então, quando eu clico duas vezes e anoto, isso abre. E como você pode ouvir, quando eu seguro a nota, eu também a ouço, porque eu tenho esse feedback acústico nela. Desligue isso, então eu não ouço a reprodução toda vez. Então isso depende de você. Eu gostaria de ouvir isso. Se eu abrir esta nota aqui, posso ir em frente e expandir isso um pouco. O que eu vou fazer é mudar para a minha ferramenta de desenho e desenhar o nível de som que ela reproduz. Agora, um pouco, você verá que há uma linha grossa que dá lugar a uma linha mais fina. A linha fina mostra um valor de liberação para essa nota midi. A linha grossa mostra as notas reais da reunião. Se eu quisesse. É melhor que isso seja silenciado pelo nodo. Ok? Então, o que isso está fazendo é apenas uma nota. Isso reduzirá a ênfase. E o que eu provavelmente quero fazer, já que quero tornar isso muito audível, é trabalhar com volume. Então, em vez disso , estou selecionando o volume aqui na expressão do nó. E agora, quando eu entro aqui, eu estou desenhando com uma linha vermelha porque você pode ouvir o feedback em segundo plano. Agora, vamos voltar para a ferramenta Selecionar. Eu posso ver o que está acontecendo aqui. Vou pegar esse nodo superior aqui. E eu vou trazer seu volume desse jeito. Então, temos um que está subindo e um que está descendo e temos um que permanece o mesmo. E vamos ver como isso soa. Você realmente pode ouvir isso. Então, vou estender também forçando isso. Fique em silêncio. Certo? Agora podemos ouvir esses três juntos e você realmente vai ouvir como esse sobe e esses dois diminuem. E isso lhe dá muita expressão, poder expressivo, porque você pode essencialmente tratar vozes individuais dentro de você, dentro de suas harmonias e suas partes como se fossem músicos realmente diferentes. E você pode fazer com que diferentes flautistas executem essencialmente com dinâmicas diferentes. E isso pode realmente introduzir um realismo interessante. Vamos dar uma olhada no inspetor aqui e aprender um pouco mais sobre isso. Então você notará que há essa linha pontilhada à direita, com ênfase entre ênfase e CC1. E essa linha pontilhada significa que tudo acima disso pode ser considerado expressivo de nota, dados de expressão de notas, tudo abaixo dela. Pode ser gravado como expressão de nota. Mas não são dados de expressão de notas em si. Na verdade, ele não está necessariamente fazendo nada no instrumento até que você o configure manualmente. Uma dica que eu também daria porque me confundiu com outra é quando você está tentando desenhar algo e espera obter uma curva como essa. Mas, em vez disso, você está acertando, está obtendo algo muito instável. Muitas vezes tem a ver com o fato de você ter um encaixe. Portanto, você pode pressionar a tecla J aqui para ativar e desativar o snap ou ativar ou desativar o snap aqui. Você verá que, quando eu pressiono a tecla J, ela ilumina e desliga, digamos, enquanto o encaixe estiver desligado, então você pode desenhar linhas muito, muito precisas e precisas. Agora, finalmente, digamos que você queira remover parte dessa expressão de nota, o que você pode fazer é selecionar a nota ou simplesmente selecionar a miniparte inteira se quiser que ela impacte toda a parte central. Mas eu vou ter um impacto neste caso aqui. E você pode ir até o menu midi aqui, até a expressão de notas. E então você pode dizer remover expressão da nota e você a verá desaparecer desse nó ou de toda a parte. Se foi isso que você selecionou, eu vou desfazer isso. Mas você pode remover facilmente a expressão da nota. Então, analisamos a gravação da expressão de notas e também o desenho, mas vamos dar uma olhada na sobredublagem, porque essa é para mim, uma das maneiras mais naturais de obter um grande realismo é gravar as partes com certeza da melhor maneira possível. Mas então eu vou querer usar o processo de sobredublagem para realmente refiná-lo e prestar atenção à expressão do nó ou ao CCS. Portanto, essa expressão de nota é bastante simples no caso da minha ênfase aqui, que já está vinculada à entrada para CC1. Tudo o que preciso fazer aqui é clicar nessa expressão de nota overdub. Essencialmente, o que isso faz é excluir quaisquer dados da nota. E isso fará com que, no processo de overdubbing isso seja impossível. Para o registro editado pela chave, qualquer nota midi. Só vai gravar a expressão da nota. Então, eu vou até esta moldura aqui. Vou apenas registrar alguma ênfase sobre isso. Então, eu vou reescrever a linha verde aqui quando eu bater recorde. Então, vou bater um recorde. Eu tenho o overdub ativado e você verá que eu posso reescrevê-lo. Então você pode ver que eu fui capaz de reescrever isso com tanta facilidade. Eu não precisei criar uma nova peça midi e não precisei preocupar com a fusão de midi ou algo parecido. Eu só consegui apertar o botão de overdub e overdubs. Agora, se por algum motivo você não conseguir sobredublar sua expressão de nota, o que eu achei crucial é garantir que esse registro no editor esteja habilitado. Uma das maneiras mais simples de fazer isso é clicar duas vezes no evento e ele prioriza a janela do editor de chaves, sem problemas. Você quer ter esse painel B, o painel ativo. E eu tive os melhores resultados e os resultados mais confiáveis. Fazendo o overdub para que a expressão do node funcione quando esse painel é ativado e a gravação no editor está ativada, você não precisa se preocupar com nenhum dos outros valores. Obviamente, você precisa ter a expressão do nó overdub aqui no inspetor ativada. Mas além disso, você não precisa de mais nada. Nós cobrimos gravação, overdubbing e desenho. Agora, na próxima lição, examinarei algumas considerações mais avançadas sobre expressões de notas para que você esteja totalmente preparado. Você entende totalmente como usar a expressão de nós. 22. Expressão avançada: Agora, quero falar sobre alguns recursos mais avançados de expressão de notas, principalmente para que você entenda quão flexível é a expressão de notas. Provavelmente será novo para muitas pessoas, a menos que você o esteja usando muito. Alguns dos recursos que discuti nesta lição podem não ter surgido em seu radar. Então, eu só quero ter certeza de que cobriremos essas coisas. Eu não os uso o tempo todo. Eles não são recursos essenciais para mim, mas eu os conheço e definitivamente há momentos em que saber que eles estão lá e saber como acessá-los melhora meu fluxo de trabalho criativo. Então, vamos abordá-las agora nesta lição, vamos dar uma olhada. Vamos começar analisando o que podemos fazer para gravar alguns dos CC típicos. Talvez vejamos a expressão aqui. E eu quero gravar esse CC 11 no meu midi, mas não em um controlador ln, em vez disso, como expressão de nota. A primeira coisa que quero fazer é selecionar a nota que vou mudar. E eu vou vir aqui e marcar a caixa de seleção que diz gravar midi como expressão de nó. Vou deixar a expressão da nota overdub ativada. E também vou marcar essa caixa de seleção que permitirá que sejam ativados. E realmente isso vai significar que eu posso ver isso aqui. Veja, se eu desabilitar a ênfase, ela desaparecerá, mesmo que eu tenha mostrado a expressão de notas. Portanto, você deseja que isso seja verificado como ativado para poder vê-lo em suas anotações. Portanto, quero ter certeza de que o CCM1 também esteja ativado. Então, vou ver que está vindo em uma cor um pouco diferente. Pode ser um pouco difícil de dizer porque será um azul claro versus verde. Mas vou fazer uma forma de onda muito diferente com isso, então devemos ser capazes de vê-la com bastante clareza. Agora, novamente, tenho minha janela do editor de chaves ativa e tenho meu registro e editor funcionando lá. Então, o que eu vou fazer agora é gravar, mas desta vez eu estou gravando CC 11. Estou gravando a expressão, não um dos valores de expressão de notas nativas neste instrumento, mas cc 11. E como podemos ver aqui, isso não é exatamente o que eu quero. Está gravando isso aqui embaixo no controle CC. Eu deveria ter tudo em ordem aqui, mas ainda estou entendendo isso aqui. E agora há algumas coisas que eu verificaria neste momento. Primeiro, eu ia até o menu de ajuda e procurava por automação. E eu procuraria esse item aqui, configuração de automação CC, abriria aquela janela e você gostaria de ver esta área aqui em cima, registrar o destino em caso de conflito. O que isso significa é que quando algo está sendo gravado em dois lugares, o que o Cubase deve fazer? E você pode escolher entre a peça midi ou a faixa de automação. Quando estiver na pista de automação, gravará isso uma trilha de automação ou em uma das rotas marítimas e marítimas. Mas se eu escolher a parte midi aqui e clicar em OK. Agora, com exatamente os mesmos valores, eu volto e tento registrar isso. O que vamos ver, na verdade, vou desfazer para perdermos o controle da automação aqui. Agora vou tentar gravar novamente. E podemos ver que agora ele está gravando a expressão da nota sobre esse nó específico. Se eu abrir, posso ver que essa é a aparência do CC 11 ou posso ver, bem, estou priorizando o valor da ênfase agora, certo? Então você pode ver os dois aqui. Na verdade, você pode vir aqui e selecionar entre os dois que estão gravados se quiser editá-los. Vou mostrar alguns dos recursos avançados de edição agora. Quando passarmos o mouse sobre o editor aqui, veremos você aqui embaixo, na parte inferior. Se apenas arrastarmos o mouse para baixo, obteremos essa ferramenta de alongamento. E isso faz algumas coisas bem legais. Isso distorce toda a forma. Então, se houvesse um ponto específico, digamos, na minha automação, em que eu realmente queria que ela parasse nesse segundo. Onde estamos vendo o B2 aqui da minha 41ª medida? Então eu posso ir em frente e arrastá-lo para que eu possa ver que está realmente preso ali mesmo na grade, então isso é bom. Não preciso regravá-lo, não preciso continuar fazendo tentativa e erro. E você também pode deformar em pontos diferentes. Então, isso distorce a coisa toda. Mas se você quiser ampliá-lo, tentar algo diferente sem regravá-lo ou se tiver algo em mente, está tendo dificuldade em desenhá-lo. Você pode usar o recurso Warp. Também há alças de dimensionamento aqui em cima. Então você notará que eu posso escalar tudo para a direita e para a esquerda. Como mencionei anteriormente, você pode realmente arrastar isso para fora e criar um valor de liberação nessa nota midi. Você verá que aqui está representado que há um valor de liberação de nota midi. Portanto, o valor de liberação pode ser bom se você quisesse controlar o tom de uma voz específica, digamos que após a conclusão da nota, talvez em um violino ou piano, onde há muito som ressonante na versão , você possa aplicar algum controle sobre isso com a expressão do nodo. Agora, vamos dar uma olhada em uma última coisa, que é dar uma olhada na afinação, porque isso acontece comigo com bastante frequência. Quando eu uso a expressão de notas de afinação. E eu vou desenhar. O problema com isso é que a faixa de inclinação é extraordinária. E se eu só quiser subir um pouco? Eu tenho que ter muito, muito, muito cuidado com minha linha. E por que isso? Bem, tem a ver com esses valores aqui no inspetor com afinações selecionadas a partir da expressão da nota, eu posso ver um nível máximo e mínimo, certo? Então, agora eu posso ir para oitavas abaixo ou quatro oitavas para cima. Eu posso simplesmente alterá-los para 12,12. E agora o que vou ver é que desenhar nessa curva é muito, muito mais. Na verdade, cometi um erro. E isso é que esse tem que ser o valor mínimo. Não pode ser igual ao valor máximo. Então isso deve ser -12. Agora, na verdade, é um intervalo. E se eu diminuir o zoom e ampliar agora, você pode ver que é muito mais fácil para mim julgar porque um pequeno movimento na minha ferramenta de lápis aqui não significa que estou desistindo uma oitava inteira, duas oitavas ou três oitavas. É muito mais fácil julgar semitons e tons inteiros agora que mudei os valores mínimo e máximo para minha expressão de nota. Então, neste ponto, você deve ver o benefício da expressão de notas, que é que ela oferece um controle muito mais granular. Além disso, adoro usar o CCS como expressão de nota porque posso ver tudo aqui. Vê-lo nas pistas pode ajudar. Mas é bom ver visualmente, por unidade, exatamente o que está acontecendo. Eu posso ver que eu liberei valor aqui. Você pode ver que eu tenho uma válvula de liberação aqui. Eu posso ver que está muito mais ocupado. Esse nó tem muito mais expressão de notas. E veja se eu pegar uma nota e movê-la, observe que a expressão da nota se move com ela aonde quer que vá. E eu gosto muito disso porque elimina algumas das suposições editar e manipular essas coisas depois de eu escrever CC. E, a menos que você tenha as configurações corretas definidas para ECC médio e automação , isso não seguirá as notas. Então, quando você usa a expressão de notas, eu sempre sei que esse é um resultado confiável. Qualquer expressão da minha nota seguirá apenas aquela nota e somente aquela nota. Então, essas dicas sobre expressão de notas são suficientes. Na próxima lição, vou sugerir um projeto. E essa será uma ótima oportunidade para você internalizar tudo o que aprendeu e também ver como tudo se encaixa em algum trabalho próprio. 23. Wrap-up e projeto: Nesta seção, abordamos uma enorme quantidade de informações sobre como obter resultados mais realistas de seu midi no Cubase, muitos dos recursos sobre os quais falamos, como expressão de notas e b test3 e como ela é implementada em instrumentos como Halley on ou alley on Sonic. Esses são exclusivos do Cubase. Mas também analisamos o processo básico de usar o Editor de Pontuação e fazer parte do scorecard. A quantização da tela, permitindo que seu corpo fique fora da grade, mas sua partitura seja legível. Vimos como você pode alternar entre o editor de partituras e a faixa de acordes. Como a faixa de acordes realmente pode acabar ditando vozes para diferentes instrumentos em seu arranjo. Em última análise, quão importante é e como é fácil usar a expressão de notas de usuário middy, CCS e Cubase para começar a incorporar esse desempenho humano expressivo e realista em suas notas ou minipartes, incorporar esse desempenho humano expressivo e realista em suas notas ou para que o resultado geral seja muito mais realista, muito mais vívido, muito mais expressivo. E fazemos isso com uma coleção desses controles ECC médios, como 1234 vibrato sete para o volume 11 para expressão, falamos sobre o uso do Dynamics com o mod wheel e CC1 e a importância de ter bibliotecas que suportem isso. Agora, com a expressão de notas, isso é algo exclusivo do Cubase. Mas, como afirmei, prefiro usar todo o meu ECC médio na expressão de nós para que ele esteja sempre bloqueado e meio que anexado às minhas notas midi. Vou recomendar um projeto aqui em que você comece do zero, escreva uma progressão de acordes em uma faixa de acordes, assim como fizemos anteriormente nesta seção. Traga isso para o editor de partituras. Se você é alguém que sabe como fazer pontuação, você está familiarizado com a escrita de notação clássica. Talvez até tente escrever sua música na notação clássica e depois trazê-la para a faixa de acordes. A partir daí, você pode usar sua partitura através do cordão como uma forma de controlar vozes e, em seguida, criar seus diferentes instrumentos. Eu recomendo usar o plugin Spitfire discover porque, como você pode ouvir, é um som de muito boa qualidade. É totalmente gratuito. Você descobrirá que ele está implementado em todos os projetos para download desta seção. Então, uma vez que você tenha esse tipo de núcleo básico de sua harmonia e tenha algumas partes definidas. Entre e adicione essa expressão. Comece com modulação usando dinâmica do que expressão com CC1. Volume. Considere como o volume e expressão funcionam com os faders do seu mixer. Certifique-se de que as coisas estejam ficando muito quietas, muito altas ou muito desequilibradas umas com as outras. Em seguida, explore a possibilidade de escrever esse CC como expressão de nota. E se você estiver usando um instrumento que suporta a expressão de notas , é uma ótima oportunidade de usar a expressão de nós para os propósitos pretendidos. Por nota, controle as mudanças e veja quanto mais vida e expressividade isso traz ao seu mini. Junte essa composição, exporte e compartilhe conosco, compartilhe comigo, compartilhe com outros alunos da turma. Acho que a colaboração começa com o compartilhamento do que estamos fazendo. E há um certo compromisso que assumimos finalizar e polir coisas quando sabemos que vamos compartilhá-las. Portanto, também é uma ótima oportunidade de refinar seu fluxo de trabalho se você tiver dúvida a qualquer momento sobre alguns dos recursos sobre os quais falamos, ou se houver um recurso que esteja confundindo você, um que eu não abordei o suficiente que talvez eu tenha omitido completamente e você gostaria de ter abordado, entre em contato comigo e acabou de me fazer perguntas. Estou sempre verificando o fórum de discussão. Estou mais do que feliz em responder perguntas por mensagem direta. As perguntas e respostas e os fóruns de discussão também são ótimos lugares para entrar em contato comigo. E adoro ouvir os estudantes. Adoro ouvir a música que você está produzindo. Adoro envolver você no processo de perguntas e respostas para entender como esses recursos funcionam e o que você pode fazer com eles de forma criativa. Então, estou aqui para você. Por favor, entre em contato. Muito obrigado por me acompanhar nesta aula e espero ver você em outro dos meus cursos.