Criação de marcas dinâmicas/desenho com expressão e criatividade | Brent Eviston | Skillshare
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Criação de marcas dinâmicas/desenho com expressão e criatividade

teacher avatar Brent Eviston, Master Artist & Instructor

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Aulas neste curso

    • 1.

      Trailer sobre a criação de marcas dinâmicas

      2:12

    • 2.

      Boas-vindas à criação de marcas dinâmicas

      3:32

    • 3.

      A psicologia das cores

      16:36

    • 4.

      Linha emocional

      15:03

    • 5.

      Dando vida à forma

      14:29

    • 6.

      Linha tátil

      19:31

    • 7.

      Atmosféricos

      19:08

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

21.471

Estudantes

460

Projetos

Sobre este curso

Desenho não é um talento. É uma habilidade que qualquer pessoa pode aprender.  Projetada para aspirantes a artistas, designers gráficos, ilustradores e artistas de todos os tipos, A série Arte e Ciência do Desenho ensinará a você a base da arte e do design de todos os tipos: desenho.

Fazer marcas dinâmicas é o segundo prato da série e vai ensinar a desenhar um dia de cada vez.

Como você desenha diz tanto sobre você quanto o que você desenha. Neste curso, você vai aprender a dar vida aos seus desenhos com a criação de marcas dinâmica e envolvente. Você vai aprender a se expressar de verdade desenhando das marcas mais delicadas até as linhas que saltam da página com intensidade passionada.

Neste curso, você vai aprender:

  • Como usar o lápis para criar uma ampla gama de marcas de linhas expressivas e envolventes.
  • Como infundir seu trabalho de linha com emoção que realmente se conecta com um espectador.
  • Como desenhar objetos que comunicam sensações táteis aos espectadores.
  • Como fazer objetos parecerem retroceder no espaço usando a perspectiva atmosférica.

Veja como funciona: todos os dias você vai assistir a uma videoaula que introduzirá uma habilidade de desenho essencial e depois fará a prática recomendada. 

Este curso está repleto de insights poderosos sobre o processo de desenho e oferece algumas das instruções de desenho mais claras e acessíveis disponíveis.   Muitas das ferramentas e técnicas que você vai aprender aqui raramente são ensinadas fora de academias de arte privadas. 

FAZER MARCAS DINÂMICAS é o segundo UCL da série Arte e Ciência do Desenho, projetado para levar estudantes do básico absoluto para técnicas avançadas de desenho, como desenho em perspectiva e sombreamento.  Se você é iniciante, recomendamos que você percorra toda a série pela seguinte ordem:

A arte e a ciência do desenho:

Se você tem alguma experiência em desenho, sinta-se à vontade para misturar e combinar os courses de The Art & Science of Drawing para atender às suas necessidades pessoais como artista! 

O Brent tem dois livros de desenho que muitos estudantes encontram ferramentas de aprendizado valiosas para acompanhar seus estudos.  Seu primeiro livro, "The Art & Science of Drawing: Learn to Observe, Analyze and Draw Any Subject" está disponível em paperback e para o Kindle

A série mais recente da Brent The Drawing Laboratory inclui tudo o que foi ensinado no original Aulas de Arte e Ciência do Desenho e muito mais. Ele contém muitas habilidades novas, projetos e demonstrações. O primeiro curso da nova série é Como desenhar: guia para iniciantes

Tutoriais adicionais de fundamentos de desenho podem ser encontrados no Canal do YouTube da Brent.

Muitas perguntas frequentes são respondidas aqui.

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Brent Eviston

Master Artist & Instructor

Top Teacher

My love of teaching matches my love of drawing. I believe that learning to draw can transform the lives of my students, enhancing how they think and how they see the world.


Before creating my bestselling, award winning online drawing series The Art & Science of Drawing, I spent more than 20 years working with students in face to face classes through art studios, schools and museums. I spent these cultivating the most effective ways to teach drawing. To date, The Art & Science of Drawing series has had more than half a million enrollments from students in more than 180 countries.


Drawing is at the root of all of my creative work. I studied numerous forms of drawing including architectural drafting, anatomical dra... Visualizar o perfil completo

Level: Beginner

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Transcrições

1. Trailer sobre a criação de marcas dinâmicas: Um desenho é composto por centenas, se não milhares, de marcas e linhas individuais. Cada linha individual, é uma oportunidade de comunicar algo ao espectador. Assim como a linguagem falada, como você está dizendo algo é tão importante quanto o que você está dizendo. Nos desenhos mestres, descobrimos que mesmo fora de contexto, as linhas individuais e a marca ficam sozinhas como belas formas de expressão. É só quando recuamos que as linhas começam a trabalhar juntas para criar a ilusão de forma reconhecível. Há um momento em que essas marcas abstratas se unem em cabelo, tecido e pele. Ao variar a qualidade de suas linhas, podemos expressar uma ampla gama de emoções e idéias. Você vê que cada linha tem um mínimo de duas funções. A primeira é comunicar algum tipo de forma reconhecível. A segunda é comunicar uma ideia ou uma emoção. Cada linha é uma oportunidade para expressar uma opinião, crença, filosofia ou sentimento sobre o seu assunto. Vamos dar uma olhada mais de perto no que os alunos vão aprender na criação de marcas dinâmicas. No primeiro dia, exploraremos a infinita gama expressiva de linhas e marcas que o lápis pode fazer. No segundo dia, vamos dar uma olhada em como linhas e marcas podem expressar e comunicar emoções específicas a um espectador. No terceiro dia, você aprenderá a usar essas linhas e marcas em seus desenhos, a fim de expressar algo que vai além do que você está desenhando assunto. No quarto dia, você aprenderá a fazer desenhos que comunicam sensações táteis a um espectador. Fazendo objetos duros parecer duros e objetos macios parecem macios. Finalmente, no quinto dia, você aprenderá a usar a perspectiva atmosférica para comunicar espaço profundo com seus desenhos. 2. Boas-vindas à criação de marcas dinâmicas: Bem-vindo ao curso Dynamic Mark Making na arte e ciência da série de desenho. Sou seu instrutor, Brent Eviston. Há algumas coisas que gostaria de compartilhar com você antes de começar a primeira lição. A primeira coisa é que eu absolutamente amo trabalhar com estudantes. Ensinar, desenhar é uma alegria e um privilégio que levo muito a sério. Antes de criar a arte e a ciência da série de desenho. Ensinei desenho por 20 anos em estúdios, escolas, museus e universidades. Enquanto trabalhava com os alunos, eu me perguntava constantemente, quais são as ferramentas e técnicas de ensino que realmente se conectam com os alunos? Quais ferramentas e técnicas mostram a maior melhoria em suas habilidades de desenho? Como posso ensinar essas técnicas de uma forma que realmente acelera seu desenvolvimento de habilidades? Este curso é a resposta a essas perguntas. Os cursos e a arte e ciência da série de desenho contém algumas das ferramentas e técnicas de ensino mais poderosas, que são comprovadas para ensinar os alunos a desenhar. Então, aqui está como o curso funciona; todos os dias, você vai assistir a uma aula de vídeo e, em seguida, receber um projeto para fazer. Depois de concluir o projeto desse dia, você estará pronto para começar a próxima aula de vídeo. Agora este curso foi projetado, para que você possa assistir a uma aula de vídeo por dia e fazer um projeto por dia. Mas, você é bem-vindo para se adaptar à estrutura do curso para se adequar à sua programação. Se você só conseguir uma aula de vídeo por semana, tudo bem. Sinta-se livre para fazer este curso, trabalhar para você. Agora este é um curso baseado em projetos, que significa que cada lição virá com um projeto específico, que é projetado para você aproveitar ao máximo as habilidades que você acabou de aprender. A prática que estes projetos fornecem, é absolutamente essencial para a sua aprendizagem a desenhar. Se você não está praticando, se você não está fazendo esses projetos, você não vai melhorar. Ter uma compreensão intelectual dessas idéias é ótimo, mas a prática é necessária para realmente ficar boa no desenho. Agora, uma das minhas grandes alegrias como professora, é ver os alunos evoluírem e crescerem ao longo do tempo. Por isso, encorajo-te a partilhar o teu trabalho. Você pode compartilhá-lo com a família e amigos. Você pode compartilhá-lo nas mídias sociais e, claro, você pode compartilhá-lo aqui mesmo no Compartilhamento de Habilidades. Quando você compartilha seu trabalho nas mídias sociais, eu encorajo você a incluir a hashtag, evoluir sua arte. Construir uma comunidade quando você está aprendendo a desenhar, é uma ótima maneira de se inspirar para praticar e receber feedback sobre seu trabalho. Agora este curso é um dos sete na arte e ciência da série de desenho. Cada curso da série se concentra em uma habilidade de desenho essencial diferente. Agora, se você é um aluno iniciante, eu recomendo percorrer esta série em ordem. Mas se você tem alguma experiência em desenhar, sinta-se livre para misturar e combinar os cursos de acordo com suas próprias necessidades e interesses. Agora, enquanto você está fazendo o curso, eu recomendo vê-lo em uma tela maior. Você é bem-vindo para fazer o curso em seu telefone, se é isso que você tem disponível. Mas ao vê-lo em uma tela maior, você terá uma experiência mais rica. Você poderá ver mais detalhes nos desenhos. Se você quiser qualquer outra informação sobre outros cursos arte e ciência de séries de desenho, recursos de desenho, ou uma descrição detalhada de que tipo de materiais usar, eu encorajo você a visitar o site, evolveyourart.com. É um ótimo lugar para ir para mais recursos de desenho. Bem, muito obrigado por se juntar a mim. É uma honra e um privilégio ter-te como estudante. Então vamos começar com a nossa primeira lição. 3. A psicologia das cores: Olhando para um desenho de perto, é como olhar para uma peça de arte expressionista abstrata. Um desenho é composto por centenas, se não milhares, de marcas e linhas individuais. Quando estamos tão perto da superfície do desenho, é difícil dizer quais assuntos e formas essas marcas e linhas descreverão. Aqui a marca ganha uma vida própria, contando uma história que vai muito além da representação. Cada linha individual é uma oportunidade para comunicar algo ao espectador. Assim como a linguagem falada, como você está dizendo algo é tão importante quanto o que você está dizendo. Os mestres aproveitaram todas as oportunidades que podiam para variar os tipos de linhas que estavam fazendo, eles constantemente exploraram e experimentaram. Nos desenhos mestres, descobrimos que mesmo fora de contexto, as linhas individuais e a marca ficam sozinhas como belas formas de expressão. Só quando recuamos, as linhas começam a trabalhar juntas para criar a ilusão de forma reconhecível. Há um momento em que essas marcas abstratas se unem em cabelo, tecido e pele. Ao variar a qualidade de nossas linhas, podemos expressar uma ampla gama de emoções e idéias. Você vê que cada linha tem um mínimo de duas funções, a primeira, é comunicar alguma forma reconhecível, a segunda, é comunicar uma idéia ou uma emoção. Cada linha é uma oportunidade para expressar uma opinião, crença, filosofia ou sentimento sobre seu assunto. Um bom desenho não nos diz apenas como é algo, ele nos dá uma idéia de como algo se sente. Esse sentimento pode ser tátil, como pele ou carne, ou pode ser algo mais emocional. Uma boa marcação pode nos dizer algo sobre a experiência humana. Pode começar a transmitir a complexidade turbulenta de pensamentos e emoções que ocorrem durante alguns dos momentos mais carregados da vida. Penso em cada linha individual, como uma carta. Assim como na linguagem, letras se unem para formar palavras, palavras se unem para formar frases, frases formam parágrafos, até que eventualmente, temos uma idéia do que é toda a história. A linha é a menor unidade de um desenho e, de fato, um desenho é composto por centenas, se não milhares, de marcas e linhas individuais. Como eu mencionei na introdução, cada linha que você vai colocar para baixo vai servir um mínimo de dois propósitos. A primeira, é que a linha precisa descrever a forma que você está desenhando, seja qual for o assunto, ele precisa dar uma idéia do que a forma realmente é. Mas a segunda coisa, é que precisa expressar algo sobre o assunto que você está desenhando. Esta é uma oportunidade para você dar uma opinião, uma idéia, uma crença ou uma emoção sobre o assunto que você está desenhando. O que a maioria das pessoas não percebe, é que como você está fazendo suas falas, diz mais sobre você como artista do que o que você está desenhando, e a maioria das pessoas não pensa muito no que suas falas estão dizendo sobre eles. Lembre-se, suas falas estão comunicando seus pensamentos e emoções sobre seu assunto, quer você esteja pretendendo ou não. Então, o que vamos fazer esta semana é realmente dar-lhe uma noção de como se comunicar com o espectador de uma forma que realmente expresse seus pensamentos e sentimentos sobre o assunto. Então eu vou começar dando a vocês uma definição muito simples do que é uma linha. Gosto de definir uma linha como qualquer caminho que o olho possa seguir. O que eu gosto nesta definição, é que deixa em aberto uma ampla gama de possibilidades e interpretações do que é uma linha e do que ela pode fazer. Esta definição de linha é importante porque nos permite indicar linhas que são contínuas, mas também nos permite implicar linhas e ser capaz de puxar o olho do espectador ao redor da página. Aqui está um exemplo de linha contínua, que se curva ao longo de um lado da página para o outro. Isso nos dá um caminho óbvio para o olho seguir. Vamos explorar duas outras maneiras de fornecer esse caminho sem uma linha contínua. Agora, na parte inferior da tela, você verá cerca de algumas dúzias de linhas verticais, cada linha vertical está em uma altura diferente. A forma como as linhas verticais são espaçadas nos permite facilmente ignorar linhas individuais e, em vez disso, focar no mesmo caminho que são linhas contínuas feitas. Isso é chamado de linha implícita, dá aos nossos olhos o mesmo caminho a seguir sem a linha contínua real estar presente. Aqui está mais uma variação na mesma linha implícita. Cada uma dessas três variações fornece aos nossos olhos o mesmo caminho a seguir. Agora que temos uma definição para o que é uma linha, em seguida, precisamos falar sobre como as pessoas se relacionam e interpretam linhas. Agora, como cada desenho é feito de centenas, se não milhares, de linhas individuais, a primeira coisa que eu quero fazer é simplesmente realmente simplificar isso para ver como nós reage a uma única linha, a esta única unidade que nós somos vai encontrar mais e mais e mais em nossos desenhos. Quando nós, como humanos vemos uma linha, nós empatizamos com ela, tendemos a antropomorfizá-la, que significa que projetamos nossos pensamentos e emoções nela e tratamos isso quase como se fosse uma coisa viva. Então, como uma linha é feita, quão rápido ela foi feita, a qualidade que ela tem, todos tendem a nos dar uma idéia e uma sensação de emoção sobre essa linha. Os estados emocionais que estamos sentindo e estamos expressando através de nosso trabalho de linha podem ser captados por um espectador, e é importante lembrar que você não pode deixar de expressar algo através de seu trabalho de linha. Então, novamente, o que queremos fazer hoje é ter algum controle sobre isso, estar ciente do que estamos transmitindo para um espectador e ver se podemos usar linhas para expressar as idéias e emoções que queremos. Uma ótima maneira de ter uma noção de como nós, humanos, interpretamos linhas é perguntar a si mesmo quando você vê uma linha, se essa linha fosse uma pessoa, o que ele ou ela estaria fazendo? Não pense demais. Se esta linha fosse uma pessoa, a pessoa estará de pé. As linhas verticais tendem a ter uma qualidade vertical e assertiva para elas, elas são estáveis, mas são fortes. Se uma linha horizontal fosse uma pessoa, essa pessoa estaria deitada. Nós tendemos a nos sentir mais estáveis e calmos enquanto olhamos para as linhas horizontais, elas são equilibradas e parecem mais seguras e alguma forma menos confrontacionais do que as linhas verticais. Ângulos oblíquos são onde as coisas ficam interessantes. Lembre-se, um ângulo oblíquo é qualquer ângulo que não seja horizontal ou vertical. No estúdio, quando os alunos são questionados sobre o que esta linha oblíqua estaria fazendo se eles fossem uma pessoa, eles tendem a dar respostas muito diferentes. Para alguns espectadores, ângulos oblíquos são emocionantes, dinâmicos e envolventes. Sua mudança bem-vinda para a qualidade rígida e segura que horizontais e verticais têm. Estes alunos tendem a dar respostas como correr, voar, saltar, mover-se e deslizar. Para outros, a natureza desequilibrada dos oblíquos é instável, perturbadora, perturbadora e até parece perigosa. Esses alunos tendem a dar respostas como queda, queda , tropeçar e cair. Enquanto verticais e horizontais sugerem ordem, equilíbrio e previsibilidade, oblíquos adicionam um elemento de imprevisibilidade, de caos. Mas é essa imprevisibilidade, eles podem adicionar emoção e dinamismo a um desenho. Lembre-se, não há uma maneira certa de interpretar qualquer uma dessas linhas, mas queremos ter uma noção de como os espectadores podem reagir a eles em nossos desenhos. Agora que você tem uma definição de linha, e uma noção de como os espectadores vão interpretá-los, vamos praticar fazer diferentes tipos de linhas. Os materiais que você vai me ver usando hoje são muito simples, você ainda vai me ver trabalhando com papel de 18 por 24 polegadas, e um lápis preto. Mas lembre-se, eu não estou encorajando nenhuma mídia em particular, você pode usar uma caneta esferográfica, você pode usar caneta e tinta, você pode usar carvão ou Conte Crayon. Lembre-se, o tipo de mídia que você está usando não é tão importante quanto como você está usando, as técnicas e conceitos que você está trazendo para a prancheta que realmente vai mostrar o que você é como um artista. A linha em constante mudança que fará parte do seu projeto hoje, lhe dará a oportunidade de explorar várias linhas diferentes. As direções são simples. Você vai desenhar uma linha contínua que muda a cada poucos centímetros. Esta linha pode enrolar em torno da página como você gosta. Nesta demonstração, você vai me ver principalmente usando o aperto overhand. Lembre-se, o aperto overhand, que introduzimos na semana 1, nos permite envolver não apenas a ponta, mas também este lado do lápis. Ao contrário da aderência do tripé, o punho overhand nos permite fazer marcas suaves e nebulosas com um lado cheio do lápis, mas também nos permite mudar imediatamente para linhas afiadas usando a ponta. Durante este projeto, você deve tentar empurrar seu lápis para seus limites. Veja como pode ficar escuro. Tenha uma noção de como é usar o lado completo do lápis e, em seguida, ver como é usar apenas parte do lado. Empurre-se para descobrir o máximo de novas marcas que puder. Experimente a pressão, o quão duro você está empurrando para baixo no lápis. Experimente diferentes maneiras de mover a mão e o braço. Mesmo que eu lhe tenha pedido para desenhar linha contínua, não se esqueça de como estamos definindo linha. Qualquer caminho que o olho possa seguir. Isso significa que você pode ter marcas individuais, desde que o olho possa segui-las ao longo do caminho. Aqui você vai me ver rolando o lápis para frente e para trás entre meus dedos. Em seguida, você vai me ver moendo a ponta do lápis no papel antes de levantá-lo suavemente. Observe que meu lápis está constantemente mudando de direção. Lembre-se, não há maneira errada de fazer este projeto. Você é bem-vindo para copiar algumas das técnicas que você me vê fazendo aqui, mas eu o encorajo a experimentar. Eu fiz este projeto dezenas, se não centenas de vezes e cada vez que eu me desafio a encontrar alguma nova forma de fazer marcas. Algumas das maneiras que experimentei incluem jogar o lápis na página a 10 metros de distância, usar minha mão não-dominante para fazer marcas e com um lápis em cada mão, tocar o pedaço de papel como se fosse um conjunto de bateria, tocando e batendo os lápis na página. Nem tudo o que você tentar vai fazer uma linha ou marca interessante. Esta experimentação é fundamental para poder ver o que o lápis pode realmente fazer. Mesmo que eu esteja encorajando você a usar o aperto overhand para a maior parte do processo de desenho. A aderência do tripé ou qualquer outra aderência que você possa pensar certamente não está fora dos limites quando experimentado com qualidade da linha. Mesmo que a aderência do tripé, não nos permite engatar o lado do lápis, que torna desafiador fazer linhas suaves. Ainda podemos modificar a pressão com que estamos empurrando para baixo, a velocidade com que estamos fazendo nossas linhas, bem como os movimentos das mãos e dos braços. Se você precisar suportar a ponta do lápis para realmente empurrá-lo para seus limites mais escuros, nada supera a aderência do tripé. Ao desenhar escuro, é muito menos provável que você quebre a ponta do lápis enquanto usa o aperto do tripé do que o punho overhand. Dito isto, uma coisa que eu costumo dizer aos alunos no estúdio é que se você não quebrar seu lápis pelo menos uma vez durante este projeto, você não está empurrando o lápis com força suficiente. Uma das melhores maneiras de testar qualquer meio é empurrá-lo para além de seus limites. Você também pode tentar usar a aderência do tripé mais atrás da ponta dos lápis. Isso torna mais fácil para obter um linhas mais leves. Durante este projeto, tente não se preocupar com o que essas linhas podem ser usadas para um desenho representacional. Neste momento, o objetivo é gerar tantas linhas diferentes quanto possível. Para começar, pense sobre o que essas linhas podem comunicar a um visualizador. Tente e comece a sensibilizar-se para como um espectador pode interpretá-los emocionalmente. Uma linha em particular parece mais confiante do que outra? Você acha que uma linha em particular é mais bonita do que outra? Há algum que você simplesmente não gosta? Cada linha está aberta à interpretação. Embora nunca seremos capazes de controlar completamente a resposta dos espectadores a uma linha, nós, como artistas, temos muito mais controle sobre a resposta emocional dos nossos espectadores aos nossos desenhos que percebemos. Uma das minhas metáforas favoritas para qualidade de linha é tom de voz. Novamente, como dizemos algo é muitas vezes mais importante do que o que estamos vendo. Pergunte a si mesmo, quais adjetivos relacionados ao tom de voz poderiam ser usados para descrever essas linhas? Algumas linhas parecem gritar enquanto outras parecem sussurrar? Algumas linhas parecem mais suaves enquanto outras parecem mais agressivas? O objetivo deste projeto é começar a explorar a infinita gama de marcas que seu lápis pode fazer, e perceber que cada uma dessas diferentes linhas e marcas tem seu próprio caráter que comunica algo ao espectador. Quanto maior for o seu vocabulário de diferentes linhas em marcas, mais oportunidades de expressão você terá em seus desenhos. Seu projeto hoje é simples, usando papel de 18 por 24 polegadas, eu quero que você faça três diferentes, páginas de linha em constante mudança. Lembre-se, você pode explorar a linha de tantas maneiras diferentes quanto você pode pensar. Não se limite, realmente jogar ao redor, e também você pode mudar de mídia também. Estou usando lápis preto, mas você pode usar qualquer coisa que tenha por perto para deixar uma marca. Uma vez que você tenha feito suas linhas em constante mudança, o que eu gostaria que você fizesse é selecionar qualquer lugar entre três e seis das linhas que você gosta e você pode gostar delas por qualquer motivo. Eu gostaria que você praticasse replicá-los em uma página. Como você está me vendo fazer isso é que eu tomei uma página, eu levemente desenhei algumas linhas retas que vão fornecer o caminho para o olho seguir, e depois sobre isso eu coloquei na linha mais escura, praticando ser capaz de reproduzir uma linha que eu acho interessante. Muito obrigado por se juntar a mim aqui no primeiro dia de marca dinâmica e estou ansioso para vê-lo novamente no dia 2. 4. Linha emocional: Bem-vindo ao Dia 2 da Marca Dinâmica. Na sessão anterior, aprendemos que cada linha e marca que você fizer servirá para dois propósitos. A primeira é ajudar a representar o objeto que você está desenhando, mas a segunda é comunicar alguma idéia ou emoção sobre seu assunto ou o que você está sentindo na época, e eu também falei sobre a idéia de que não podemos deixar de fazer isso . Seja qual for o seu pensamento ou o que quer que esteja a sentir sobre o seu assunto ou o que quer que esteja a sentir em geral, de alguma forma vai vir através da sua qualidade de linha. Hoje, o que vamos fazer é explorar como assumir o controle disso e como tentar comunicar ideias e emoções específicas através do trabalho de linha. Agora é importante lembrar que as linhas e marcas que vamos desenhar hoje serão abstratas em vez de representacionais. O que isso significa é que se eu te pedisse para desenhar uma emoção particular como raiva, eu não quero que você desenhe olhos irritados ou um rosto irritado porque isso seria representativo. Isso é desenho que está tentando representar um objeto ou imagem específico. Mas queremos desenhar linhas que sejam abstratas. Linhas que parecem ter características que estão irritadas ou felizes ou tristes sem tentar desenhar uma imagem específica. Eu vou direto para uma demonstração hoje de tentar comunicar uma emoção específica através de uma linha. Para o projeto de hoje, vamos manter os materiais muito, muito simples. Você vai me ver usando uma folha de papel de 8,5 por 11 e um lápis de placa. Mas realmente qualquer papel ou qualquer material de desenho funcionará. Primeiro, precisamos selecionar uma emoção. Para esta demonstração, vamos usar a sensação de nervosismo. Antes de começar a desenhar, vou me fazer uma série de perguntas. Essas perguntas vão me ajudar a traduzir essa emoção em linha. Lembre-se, as pessoas tendem a simpatizar com linhas antropomorfizadas. O que acontece em seu corpo quando você se sente nervoso? Também aprendemos que a qualidade de uma linha pode ser semelhante ao tom de voz. O que acontece com sua voz quando você se sente nervoso? Que adjetivos você usaria para descrever o sentimento de nervosismo? Agora, pergunte a si mesmo como você pode pegar as respostas para todas essas perguntas e traduzi-las em linha. Sua linha nervosa seria grande na página ou pequena? Seria feito de linhas claras ou de linhas escuras? Sua linha nervosa seria feita de uma linha dura ou talvez de uma linha mais suave? É importante lembrar que não há uma resposta certa para essas perguntas. Todos experimentam essas emoções um pouco diferente, e devemos esperar que todos as desenhem de forma diferente. Também é importante lembrar que a solução que você encontrar não precisa ser uma única linha. Pode ser uma coleção inteira de linhas e marcas. Depois de me fazer uma série de perguntas e pensar um pouco, estou pronto para tentar minha linha nervosa. Quando fico nervoso, não me sinto confiante ou ousado, sinto-me pequeno. Portanto, minha linha deve ser pequena. Dependendo do quão nervoso eu estou, minha voz e meu corpo podem começar a tremer. Muitas vezes, quando fico nervoso, sinto-me um pouco confuso. Não sei bem o que devo fazer ou dizer ou para onde devo ir. Tentei colocar todas essas características em uma única linha. Claro, você pode sentir nervosismo diferente do que eu. Mas esta linha começa a refletir como me sinto quando estou nervosa. Para a primeira parte do seu projeto de hoje, você vai deixar o vídeo funcionando enquanto eu o conduzo através de um exercício. Assim como você me viu demonstrar, você vai me ouvir te dar uma emoção e você vai ter um pouco mais de um minuto para tentar desenhar esse movimento abstractamente através de linhas e marcas. Vou pedir-lhe para desenhar apenas uma emoção por página, e dessa forma você pode realmente explorar a emoção e também você pode considerar a colocação na página. Além disso, eu quero que você se lembre que você não tem que se limitar a uma única linha. Você pode ter toda uma coleção de linhas e marcas. Realmente não há maneiras erradas de fazer este projeto e eu realmente quero que você se sinta confortável para explorar e experimentar. Primeiro, vou pedir-te para fazeres uma linha zangada. Antes de desenhar. Tente fazer a si mesmo a mesma série de perguntas que eu fiz antes de fazer minha linha nervosa. O que a raiva se sente no corpo? Como é que a raiva soa em sua voz? Sua linha irritada será grande na página ou pequena? Será duro afiado ou mais suave? Será que terá uma leveza ou será mais pesado e escuro? Que outros adjetivos você usaria para descrever o sentimento de raiva? Depois de pensar um pouco, deixe sua marca quando estiver pronto. Lembre-se, não tem que ser apenas uma única linha, pode ser uma coleção de linhas e marcas, se você quiser. Não há uma única solução correta. Não há maneira errada de fazer este projeto. Eu só quero que você explore como uma única linha pode tentar comunicar uma emoção específica. Só mais um pouco. Se achar que precisa de mais tempo, sinta-se à vontade para pausar este vídeo e retomar sempre que terminar. Em seguida, desenhe uma linha ou uma coleção de linhas que parecem estar calmas. Lembre-se, estou lhe dando um pouco mais de um minuto, mas por favor sinta-se livre para pausar o vídeo. Se achar que precisa de mais tempo. Desenhe quando estiver pronto. Próximo. Desenhe uma linha triste. Meus alunos relatam que pode ser útil tentar e realmente sentir essas emoções antes de traçar uma linha. Finalmente, faça uma linha animada. Uma linha que parece alegre e extasiada. Como a excitação se sente em seu corpo? Como isso se traduz em linha? Só mais um pouco. Em cada aula de desenho inicial que ensino, levo os alunos através deste mesmo exercício depois de lhes dar os mesmos avisos que você recebeu neste vídeo. Estou surpreso ao descobrir que mesmo que todos experimentem essas emoções um pouco diferente, e todos as retratem de forma diferente na página, quantas semelhanças existem entre os alunos retratam essas emoções? Agora vou mostrar a vocês uma série dessas linhas emocionais que os alunos fizeram nas minhas outras aulas. Gostaria que prestasse especial atenção às semelhanças e diferenças entre como as pessoas retratavam essas emoções. Eu também gostaria que você comparasse suas próprias soluções com essas emoções para ver como as suas se relacionam e como elas são diferentes. Agora, obviamente, eu não estou lá com você e eu não posso ver o que você desenhou, mas eu imaginei que você ficaria bastante surpreso com algumas das semelhanças entre o seu trabalho que você acabou de produzir e as imagens que estou prestes a mostrar a você. Linhas que retratam a raiva tendem a ser escuras, agressivas e duras. Ao desenhar linhas irritadas, não é incomum que os alunos quebrem os materiais de desenho que estão usando porque eles estão pressionando muito. Linhas irritadas muitas vezes parecem irregulares e perigosas. Essas linhas muitas vezes eram grandes na página. Se os alunos escolherem usar cores, eles geralmente selecionam preto ou vermelho. Embora cada uma dessas linhas irritadas seja única, elas compartilham algumas semelhanças marcantes umas com as outras. Nós, como espectadores, muitas vezes podemos sentir a raiva saindo da página. Quando solicitado a desenhar linhas calmas, os alunos tendem a adotar uma abordagem muito diferente. Eles geralmente desenham linhas suaves e sutilmente curvas que se movem de um lado da página para o outro. Muitos espectadores podem sentir que essas linhas calmas foram desenhadas de forma mais lenta e mais delicada. Um dos elementos mais comuns que vemos em linhas tristes é a linha que desce e se dissipa à medida que cai. Novamente, cada uma dessas linhas é única, mas há algumas semelhanças surpreendentes entre elas. Essas semelhanças ilustram que, embora nunca possamos controlar completamente ou prever como o espectador interpretará uma linha, temos muito mais controle do que muitas vezes percebemos. As linhas excitadas são muitas vezes desenhadas com uma explosão de energia. Observe que a página dificilmente pode contê-los. Eles têm uma velocidade e espontaneidade que é emocionante para os olhos. Depois de passar por este exercício, os alunos vão muitas vezes estar convencidos de que as emoções podem ser comunicadas através da linha, mas expressou a dúvida de que os artistas estão realmente a usá-las para este fim. Mas compare estas linhas excitadas abstratas mostradas aqui com as linhas de Rembrandt neste forte. Eles demonstram uma notável semelhança que mostra o amor absoluto de Rembrandt pelo desenho, bem como sua alegria e paixão pelo tema. Agora, vamos revisitar este exemplo estudantil de uma linha irritada e compará-lo com este desenho mestre de Tintoretto, cujo trabalho expressivo dá uma tensão agressiva a essa figura próspera. Para o projeto de hoje, eu gostaria que você continuasse explorando o que significa tentar traduzir uma emoção em linha. Agora, há muitas maneiras de fazer isso. Você pode passar pelo mesmo exercício que eu te guiei hoje. Eu até encorajaria você a tentar trazer familiares ou amigos para este projeto para ver as semelhanças e diferenças com como eles passam por essas emoções. Uma das ideias importantes na arte é continuar a empurrar uma ideia cada vez mais. Esta é uma grande oportunidade para fazer isso. O que quero dizer é que você pode tentar este exercício novamente, mas veja se você pode fazer sua linha irritada olhar ainda mais irritado, sua linha animada para olhar ainda mais animado. Você pode tentar mostrá-los para a família e amigos para ver como eles reagem a eles. Veja se eles podem dizer uma diferença entre sua linha irritada e você é linha excitada, lá entre sua linha triste e você é linha calma. Bem, divirta-se com este projeto hoje. Lembre-se que este é o lado criativo e expressivo do desenho. Não há maneiras erradas de fazer isso. Eu quero que você se sinta confortável sendo criativo com forma como você está explorando essas linhas e emoções. Bem, divirta-se com este projeto, e verei você de novo no terceiro dia. 5. Dando vida à forma: Hoje vamos realmente entrar nesta idéia, que cada linha e marca que você fizer em um desenho vai servir um mínimo de dois propósitos. Novamente, o primeiro propósito é que ele vai comunicar algo sobre a forma que você está desenhando, mas o segundo propósito é comunicar algum tipo de idéia ou emoção sobre o assunto que você está desenhando. Agora é importante lembrar que a base de luz inicial de formas básicas nunca deve ser vista por um espectador. Pode haver alguns remanescentes dele no seu desenho acabado, mas queremos desenhar a base das formas básicas levemente o suficiente para que, quando colocamos nossa marca dinâmica fazendo sobre ele, essa base quase que completamente desapareça. Se por alguma razão você não passou pela semana de habilidades básicas deste programa, ou se você só precisa de alguns lembretes, eu vou passar e dar uma recapitulação básica de algumas das idéias que aprendemos que vão ajudá-lo junto com o projeto. Agora o assunto com o qual vamos trabalhar hoje é uma xícara de chá. Ou como espero que você como estudantes de desenho descobriram, é um grande círculo e sete ovais em vários tamanhos, vários níveis de abertura em vários eixos. Lembre-se, queremos ser bons em traduzir todos os formulários em formas desenháveis básicas. Para o projeto de hoje, eu vou ficar com meu papel de 18 por 24 polegadas, um lápis preto, e você vai me ver usando um lápis azul para o desenho inicial da fundação. Mas eu quero que você se lembre de qualquer tamanho de papel que você tem na mão, qualquer material de desenho que você tem na mão vai funcionar. Estou mais interessado em como você está usando os materiais em vez de quais materiais você está usando. Na seção Habilidades Básicas da arte e ciência da série de desenho, apresentei cinco perguntas que você repetirá várias vezes até que a base leve das formas básicas seja desenhada. Aqui estão as cinco perguntas. Qual é a maior forma? Qual é o seu eixo? Quão grande deveria ser? Onde na página deve ir? Depois de responder a essas quatro perguntas, você vai fazer sua primeira tentativa leve na forma. Finalmente, você vai se perguntar, que mudanças posso fazer? Apesar de sua melhor primeira tentativa, é improvável que você tenha acertado exatamente. Talvez a forma precise ser movida ou precisa ser maior ou menor. Uma vez satisfeito, você vai repetir esta série de cinco perguntas novamente com uma pequena mudança para a primeira pergunta. Qual é a próxima maior forma? Você vai repetir esta série de cinco perguntas uma e outra vez até que a base básica do seu desenho seja colocada. Durante a demonstração de hoje, você vai me ver usar as duas ovais que compõem o cabo da xícara de chá como base para a improvisação. Mais tarde nesta série, vamos dar-lhe estratégias mais específicas para desenhar formas complexas compostas, como esta. Nesta primeira demonstração, desenhei a base de formas básicas em lápis azul. É importante notar que eu desenhei essas formas fundamentais claras mais escuras do que eu normalmente faria. Isto é apenas para fins instrucionais, que você possa ver como as formas básicas claras se relacionam com as linhas mais escuras que eu vou colocar mais tarde. Agora você vai me ver mudar para um lápis preto para meus experimentos de marca dinâmica. A maneira mais fácil de adicionar dinamismo rapidamente aos seus desenhos é aumentar a velocidade que você está desenhando. Linhas que foram desenhadas de forma rápida e confiante, simplesmente parecem diferentes das linhas que foram desenhadas lentamente ou timidamente. Nesta demonstração, eu não estou realmente preocupado com a precisão. Estou permitindo que minhas linhas de lápis passem pelos contornos e guindaste fora de controle nas curvas. Lembre-se, nós não estamos tentando fazer bons desenhos de desenhos acabados hoje, estamos apenas procurando por um trabalho de linha interessante. Teremos tempo de sobra mais tarde para explorar renderização, sombreamento em detalhes. Em pelo menos um de seus experimentos hoje, tente desenhar muito mais rápido do que você está confortável. Os espectadores tendem a perdoar mais um desenho que os excita que não é inteiramente preciso do que são de um desenho preciso com trabalho de linha que os aborrece. Estamos tentando evitar fazer desenhos com trabalho de linha não inspirado ou previsível. Aumentar a velocidade da sua marca é uma das maneiras mais rápidas e fáceis de fazer isso. Você também notará que essas linhas fluidas rápidas são desenhadas bastante escuras. Muitas vezes os alunos iniciantes têm medo de fazer linhas escuras. Embora eles sejam mais permanentes, eles são ousados, qualidade assertiva geralmente compensa quaisquer imprecisões. Para o meu experimento de qualidade de segunda linha, escolhi trabalhar com uma linha rabiscada e caótica. Estou levantando meu lápis o mais poucas vezes possível e indo e voltando por áreas que já desenhei. O desenho resultante quase parece um emaranhado de fio ou corda. Em vez de simplesmente traçar sobre a minha base leve de formas. Só estou usando isso como um guia solto. Minhas linhas mais escuras vagueiam por cima e ao redor dela enquanto, às vezes, ignoram tudo junto. Mesmo que a qualidade da linha permaneça constante, você notará que estou escurecendo ou aliviando a pressão que estou usando. Isso me permite dar a ilusão de luz e sombra em algumas das áreas da xícara de chá. A densidade das linhas em qualquer área específica também ajuda com a ilusão de valor. Quanto mais denso o emaranhado da linha, mais escura a área aparece. Embora o estilo de fazer linha parece confuso, eu sou capaz de capturar uma enorme quantidade de detalhes e informações sobre a xícara de chá. Eu também gostaria que você notasse que este emaranhado de linhas imprevisível e caótico nos fornece informações visuais mais do que suficientes para perceber confortavelmente a xícara de chá. Você pode não gostar da aparência deste desenho, e você pode não gostar da forma como alguns de seus experimentos parecem hoje também. Lembre-se, nosso único objetivo hoje é fazer algo interessante. Para quebrar a monotonia do trabalho de linha chata. Quanto mais você experimenta diferentes qualidade de linha e marcas, maior a probabilidade de você encontrar uma maneira dinâmica de desenhar que você ama. Enquanto experimenta com linha, é importante perguntar a si mesmo, o que você acha dessas marcas em linhas? O que eles te lembram? Eles fazem você sentir alguma coisa? Eles fazem você pensar em algo em particular? As linhas e a marca sugerem alguma ideia ou conceito? Não há interpretações certas ou erradas. Mas eu quero sugerir que ver um desenho como este é uma experiência muito diferente de ver um desenho que é simplesmente renderizado para ser realista. Para o meu experimento de qualidade de linha final, vou tentar comunicar um conjunto específico de ideias. Eu ainda tenho uma lembrança vívida de ter 14 anos de idade, e aprender pela primeira vez que nossa experiência humana de matéria ser sólida não é mais do que uma ilusão criada pelo zumbido constante de átomos e partículas. Eu também tive um fascínio há muito tempo com a vastidão do universo e o conceito de tempo profundo. Que nossa média de vida humana é infinitesimalmente pequena em uma linha do tempo cósmica. Eu queria experimentar e ver se eu poderia criar um desenho, cujo trabalho de linha começou a sugerir alguns desses conceitos, para ver se eu poderia comunicar um senso de impermanência dos objetos. Para sugerir a energia contida nos átomos que compõem cada objeto que nos rodeia. Insinuar a natureza misteriosa das leis da física que governam este mundo que ocupamos, e tentar evocar no espectador um sentido da beleza etérea que sinto enquanto contempla até objetos simples. Agora eu certamente não estou alegando que todas essas idéias e informações vêm através deste desenho. Mas eu estou sugerindo que começar com a intenção específica e elevada do que você quer comunicar é uma maneira maravilhosa de estimular sua imaginação e criatividade. Ele permitirá que você crie desenhos que vão muito além da representação. As linhas e marcas que usei para fazer este desenho são totalmente verticais. Eles são criados empurrando o lápis para cima, aplicando uma grande quantidade de pressão no início da linha, mas se dissipando à medida que sobe, permitindo que a linha suavize e desapareça à medida que sobe. A ascensão das linhas é importante. Note que você pode dizer apenas olhando que as linhas estão se movendo para cima e não para baixo. Se as linhas tivessem sido desenhadas descendentes, o desenho teria uma aparência de chuva, ou alguma outra substância particulada que estava sucumbindo à força da gravidade. No entanto, a ascensão das linhas que desenhei dá ao espectador uma sensação de superação da gravidade, como se as partículas individuais do objeto estivessem se separando e subindo. Agora é importante notar que, onde ganhamos uma expressão, muitas vezes perdemos em detalhes. É difícil capturar cada nuance de sombra ou cada mudança sutil no contorno enquanto aplica algumas dessas linhas mais expressivas. No entanto, pode ser um comércio que vale a pena esta criação dinâmica de marcas tem o poder transformar um sujeito de outra forma mundano morto em um drama cósmico. For projeto de hoje, você vai usar o diagrama de xícara de chá que Eu providenciei para você. Vou pedir-lhe para desenhar três xícaras diferentes. Vou pedir-lhe para desenhar as xícaras de chá têm aproximadamente o tamanho da vida na página. Eles não precisam ser perfeitos e se eles são um pouco maiores ou um pouco menores, tudo bem. Mas lembre-se, fazer um desenho muito pequeno pode parecer muito claustrofóbico, você não terá muito espaço para explorar sua marca. Por outro lado, fazer um desenho que é realmente grande, pode parecer esmagador com tanta superfície da sua página para preencher. Uma vez que você tem suas três fundações de chá levemente desenhadas em sua página, eu vou pedir-lhe sobre cada um deles para explorar algumas marcas dinâmicas diferentes. Os tipos de linhas e marcas que você está colocando sobre seus fundamentos levemente desenhados podem ser expressivos emocionalmente como experimentamos no segundo dia, ou você pode tentar criar alguma idéia ou filosofia como você me viu demonstrar. Agora, vocês são bem-vindos para explorar um dos tipos de marcas que eu fiz, mas eu também gostaria de encorajá-los a ver se você pode inventar alguma marca que seja completamente diferente. Gostaria também de lembrar que o objetivo do projeto de hoje não é fazer bons desenhos e não é mesmo fazer desenhos acabados, são apenas estudos e exercícios que nos permitirão explorar experimentais e marcas e linhas dinâmicas. Esta é uma oportunidade para você ser criativo e expressivo sem a preocupação de fazer o trabalho acabado. Mesmo que esses exercícios não estão produzindo trabalho que você pode enquadrar ou pendurar na geladeira necessariamente. Ainda há inestimável o seu desenvolvimento como artista. Eles permitem que você explore que tipo de arte você quer fazer, que tipo de desenhos você quer fazer e realmente quem você é como um indivíduo criativo. Lembre-se, aprender a desenhar não é tanto sobre eu te dizer como você vai fazer as coisas. Meu trabalho é te dar uma base técnica, mas seu trabalho é pegar essa base técnica e fazer algo criativo em cima dela, e isso é exatamente o que vemos demonstrado na maioria dos desenhos mestres. Sobre uma base gestual incrivelmente iluminada de linhas para a figura, encontramos uma enxurrada de rabiscos que sugerem uma onda furiosa, o que dá ao espectador uma sensação distinta de tecido em movimento. Temos uma sensação semelhante de tempo e movimento com a forma como o braço do baterista é desenhado, sugerindo o bater para trás e para frente de um tambor. Todo o tambor é infundido com uma sensação de movimento e emoção. Não tanto por causa dos temas dos próprios desenhos, mas por causa da forma como são desenhados. Enquanto aprendem sobre a criação de marcas dinâmicas, os alunos muitas vezes perguntam sobre manchar ou manchar suas linhas e marcas a fim de alcançar a aparência de forma suave ou um maior senso de realismo. Embora eu não vá desencorajá-lo ativamente de manchar, direi que a maioria dos mestres raramente usa essa técnica, um olhar mais atento, mesmo em desenhos que parecem ser meticulosamente misturados, geralmente revelará centenas, se não milhares de marcas desenhadas individualmente, cada uma claramente visível na página. Você é uma anatomia única, sua experiência de vida. Como você pensa e sente e sua reação única aos materiais de desenho, tudo de alguma forma será transferido para suas linhas e marcas. Sem qualquer esforço, você já tem uma marca que é exclusivamente sua. Eu encorajaria você a pensar duas vezes antes de obscurecê-lo. Obrigado por passar um tempo comigo no estúdio hoje, e eu vou te ver no quarto dia. 6. Linha tátil: Para começar a lição de hoje, eu gostaria de apresentar um conceito crítico, e eu gostaria que você tivesse essa idéia em mente para o resto de sua carreira de desenho e certamente para o resto do programa. A necessidade de linguagem de desenho é a linha. A linha é o que o lápis ou a maioria dos materiais de desenho mais facilmente fazem, agora podemos usar esta linha para criar valor, criar formas, criar todos os tipos de textura em contos. Mas quando destilamos o desenho todo para baixo, estamos trabalhando com a linha. Agora eu gostaria que você desse uma olhada ao seu redor por um momento e se pergunte esta pergunta. Quando seu olho cai sobre qualquer objeto, você vê uma linha em torno deste objeto? Você pode ver algum tipo de linha escura, como vimos em um desenho indo ao redor das bordas do objeto? A resposta, é claro, é não. O que vemos são diferentes cores e valores batendo uns contra os outros, mas não vemos uma linha real indo ao redor da borda dos objetos. O que isso significa, é que a linha, essa ferramenta que nós, como gavetas e artistas que confiamos tanto, não existe na realidade, pelo menos não na forma como fazemos referência e desenho. Agora, eu acho que esta é uma revelação emocionante porque nos liberta para fazer outras coisas com nossa qualidade de linha. Enquanto desenhas, quero que tenhas este conceito crítico em mente. Quando desenhamos, não estamos simplesmente copiando o que vemos, estamos usando nosso assunto é um ponto de referência como um ponto de salto para comunicar algo a um espectador. Agora, mesmo o desenho mais representacional, um que é dificilmente discernível de uma fotografia ainda é feito de pequenas linhas, e eu estou incentivando você a usar essas linhas e marcas como uma oportunidade para ir mais longe do que simplesmente representando como o objeto se parece. Hoje, o que vamos explorar é como desenhar linhas e marcas que dão ao espectador uma sensação tátil do que um objeto pode sentir ao toque. Agora, assim como fizemos no início desta semana com emoções, vamos nos fazer uma série de perguntas que vão nos ajudar a traduzir o objeto que estamos desenhando em marcas táteis. Agora, eu selecionei uma série de objetos para trabalhar hoje que cada um tem uma sensação tátil diferente, e eu vou me fazer uma série de perguntas. Como os sujeitos se sentem quando lhes toco? Meu assunto é duro ou macio? É pesado ou é leve? Que outros adjetivos eu usaria para descrever este assunto e como posso usar esses adjetivos para tentar comunicar algo através da linha? Em cada uma das manifestações de hoje, você vai me ver começar simplificando cada objeto em sua maior e mais básica forma, neste caso, é o círculo. Depois de desenhar e o eixo do balão, você vai me ver levemente adicionar sobre o resto da forma para o balão. Em seguida, você vai me ver levemente desenhar no pequeno triângulo e o oval que compõem a extremidade amarrada do balão. Observe que mesmo que este oval seja muito pequeno, eu ainda estou fazendo todo o movimento do oval, assim como você me viu demonstrando na 1ª semana. Em seguida, vou desenhar levemente o ângulo oblíquo para a corda. Agora que a base da minha vida está lançada, posso começar a desenhar as linhas mais escuras que eu quero que o espectador realmente seja capaz de observar. Com cada marca que faço neste balão, quero comunicar a ideia de leveza e elevação. As únicas áreas que eu vou adicionar escuridão ou tensão estão na extremidade amarrada do balão, que não tem hélio nele e não está contribuindo para o levantamento, na corda, que ainda está sendo puxada para baixo pela gravidade. Em seguida, você vai me ver usando um pouco de sombreamento para implicar a redondeza do balão. Falaremos muito mais sobre sombreamento nas semanas 7 e 8, na arte e ciência do desenho. Mas até lá, lembre-se, o objetivo deste projeto não é gravar com precisão a luz e a sombra, é dar ao espectador uma sensação tátil do que esse objeto pode sentir ao toque. Toda vez que meu lápis se move para uma parte diferente do objeto, eu me pergunto, como essa parte do objeto se sentiria? Como se sentiria diferente do resto do objeto? Como posso comunicar isso através de linhas e marcas? Com exceção da corda e da extremidade amarrada do balão, não há marcas escuras nele. Enquanto as marcas escuras parecem e se sentem pesadas, linhas mais leves parecem e se sentem leves, enquanto linhas mais grossas e grossas implicam peso e peso, linhas mais finas também comunicam leveza. A maioria da linha para o contorno ou borda do balão é muito fina. Embora existam algumas linhas mais grossas nas sombras, elas ainda são usadas de forma muito leve, não há linhas escuras e grossas neste desenho. Uma das maneiras que estou tentando comunicar o elevador do balão de hélio é fazendo com que as linhas do contorno do balão fiquem mais leves à medida que se aproximam do topo. Embora nenhuma das linhas para o contorno do balão seja verdadeiramente escura, você pode ver que os que estão no topo mal estão lá. Compare isso com as linhas que eu fiz para a corda do balão, que são de longe as linhas mais escuras no desenho. Novamente, isso implica que a corda do balão está sendo puxada para baixo pela gravidade enquanto o balão real está levantando. Quase todas as linhas deste desenho se comunicam subindo, mesmo a maioria das linhas de sombreamento claro são desenhadas verticalmente, e a maioria da linha para o contorno do balão, foram desenhadas indo para cima também. Nesta demonstração, tentei aproveitar todas as oportunidades que pude para demonstrar uma leveza no levantamento. Mais uma vez, você vai me ver começar desenhando um círculo de luz, que é a forma mais básica do balão de água. Em seguida, vou colocar a linha do eixo. Enquanto a linha do eixo dos balões de hélio estava em um ângulo oblíquo, implicando que ele estava flutuando para cima de certa forma, a linha do eixo para o balão de água vai estar indo para cima e baixo porque a gravidade está puxando para o chão. Em seguida, eu vou completar a forma geral do balão de água adicionando em duas linhas, eles se curvam para cima a partir da borda do círculo e ir para onde o balão de água está pendurado. Observe que essas linhas fazem um triângulo em cima deste círculo, eu desenhei ambas as linhas movendo-se para baixo para ajudar a implicar a gravidade puxando para baixo o peso do balão de água. As primeiras linhas escuras que você vai me ver adicionar são nos lugares que eu quero comunicar a maior tensão no topo do balão, bem abaixo de onde ele está amarrado, o peso da água embaixo estaria dobrando para baixo, puxando a seção superior do balão apertado e tot. Em seguida, você vai me ver desenhando linhas mais escuras e pesadas abaixo para começar a comunicar o peso da água puxando para baixo e enchendo o balão. Dentro das bordas do balão, vou começar a desenhar linhas grossas escuras novamente para ajudar a comunicar o peso da água puxando para baixo. Espero que, se eu fiz meu trabalho corretamente, este desenho de balão de água já parece mais pesado que o balão de hélio, você acabou de ver demonstrado. Mas eu gostaria de continuar a empurrar a sensação de peso do objeto para realmente tentar e comunicar o peso da gravidade puxando para baixo. Com cada linha escura e grossa que eu desenhei, o balão está esperançosamente aparecendo para se tornar mais pesado e pesado. As únicas linhas finas que estou desenhando estão perto do topo do balão, onde novamente a tensão está puxando a membrana do balão apertado, bem como a maré fora do fim do balão onde eu não preciso comunicar peso. Eu gostaria que você notasse, que este desenho não foi feito iniciando em uma área e movendo-se para fora, eu estou tentando abordar todo o objeto de uma vez. Desta forma, nenhuma parte do desenho está mais acabada do que qualquer outra, o desenho se desenvolve como um todo. Essa estratégia me permite avaliar se partes individuais do objeto estão ou não trabalhando juntas como um todo. Em vez de me apressar e tentar completar uma seção antes seguir em frente e depois tentar completar uma seção separada do desenho, estou desenvolvendo o desenho inteiro em etapas. Uma vez que eu estou confiante de que o desenho está indo nessa direção eu queria, neste caso, comunicando peso na parte inferior e atenção perto do topo, eu posso decidir se eu quero ou não fazer outra passagem para empurrar ainda mais estes sensações táteis. Quanto mais você avaliar seus sujeitos em termos de suas sensações táteis e quanto mais você pratica isso, mais sensibilizado para o desenho tátil você se tornará. Mas espero, você não só pode ver, mas sentir a diferença entre essas duas demonstrações. Gostaria mais uma vez de reiterar que os tipos de linhas e marcas que usei neste desenho, não foram observados sobre o assunto e depois copiados, tomei uma decisão consciente de comunicar algo específico ao espectador, neste caso, as sensações táteis feitas a esses objetos. A grande forma básica do travesseiro que estou desenhando é essencialmente um quadrilátero. Antes de adicionar qualquer detalhe, você vai me ver bloquear na forma básica, alterando-o conforme necessário até que eu esteja feliz com a base leve. Em seguida, você me verá desenhando levemente as formas secundárias e terciárias do travesseiro. Novamente, se você está lutando com esta fase do processo de desenho, por favor, confira a semana de habilidades básicas da arte e ciência do desenho. A sensação tátil abrangente que eu gostaria de comunicar neste desenho de um travesseiro, é a sensação de suavidade. Cada linha que me veres fazer, destina-se a reforçar esta sensação de como o travesseiro é macio. As linhas que estou usando para comunicar isso, são gentilmente curvas com bordas suaves. Embora a qualidade da linha que eu usei nas bordas do travesseiro é um pouco mais escura do que o resto das linhas, eu não estou usando nenhuma linha verdadeiramente escura, pesada ou dura. Você também me verá usando linhas ligeiramente mais escuras e firmes nas dobras do tecido perto dos cantos do travesseiro. Essas linhas e marcas me permitem aumentar de repente a tensão das dobras sem fazer o travesseiro parecer rígido ou duro. Novamente, eu não estou desenhando as linhas desta forma porque eu os observei sobre o assunto real. Estou usando linhas suaves por causa da experiência que quero evocar no espectador. Esta marca faz opera quase em um nível subliminar. As linhas e marcas que você me viu usar nos desenhos de demonstração de hoje, não são tão expressionistas quanto as linhas e marcas que usamos nos dias 1, 2 e 3 desta semana. Eles poderiam facilmente ser confundidos com linhas que são puramente representacionais. Eles, no entanto, se comunicam com o espectador de uma forma que é distintamente diferente do que se eu tivesse usado linhas duras, afiadas e angulares. Novamente, eu gostaria que você notasse que em vez de focar em uma única área por qualquer período de tempo real, eu estou me movendo em torno do desenho um pouco, em uma tentativa de fazer com que o desenho se desenvolva como um todo em vez de em pedaços e pedaços. Isso me permite ter certeza de que todas as diferentes seções do desenho estão em relação umas com as outras. Depois de cada passagem sobre o desenho completo, posso avaliar e decidir se o desenho precisa ou não parecer mais suave ou se posso parar. No espírito de empurrar essas sensações táteis até onde podem ir, decidi aproveitar mais oportunidades para suavizar o assunto. Você vai me ver indicando sombra aqui. Mas, novamente, gostaria de lembrá-los que renderizar sombra iluminada com precisão não é o objetivo desta semana. Nosso objetivo é apenas empurrar e explorar as sensações táteis de nossos sujeitos. Quanto mais longe o desenho vai, espero, mais suave e suave o travesseiro parece se tornar. Você pode ver que eu decidi desenhar algumas linhas para cima e sobre a superfície do travesseiro de um lado para o outro para ajudar a comunicar o inchaço. Novamente, essas linhas não foram observadas sobre o assunto, mas eram mais uma maneira de me comunicar, suavidade, inchaço e redondeza. Você deve ter notado que muitas das linhas que eu usei no travesseiro são semelhantes a algumas das linhas que eu usei no balão de água e no balão de hélio. Mas espero que você possa ver que o desenho do travesseiro não tem uma sensação de peso ou peso como o balão de água fez. Mas também não parece que esteja prestes a flutuar. Espero que tenha linhas mais pesadas o suficiente para aterrar. Lembre-se, não há uma única maneira de comunicar qualquer sensação tátil em particular. Esta é apenas uma possível variação de como comunicar a suavidade de um travesseiro. Os temas em nossas três demonstrações anteriores todos tinham alguns elementos de suavidade. Mas neste desenho de demonstração de uma rocha, não deve haver nem um toque de suavidade. Com exceção do desenho de base muito simples, cada marca e linha nesta demonstração deve comunicar jaggedness e dureza. Em vez de suavemente curvas linhas fluindo para o outro, você vai me ver desenhando linhas retas e afiadas que se juntam em ângulos irregulares para indicar o lado da sombra da rocha. Estou usando uma série de linhas retas paralelas para reforçar ainda mais a idéia das rochas superfícies duras. Em seguida, você vai me ver empurrando o lápis para seus limites mais escuros com uma série de pequenas linhas afiadas, na tentativa de dar ao espectador uma impressão de fragmentos irregulares. É importante lembrar que apenas usar uma linha em um desenho, não importa quão dinâmica essa linha ou marca possa ser, limita o dinamismo e a expressão possíveis nesse desenho. Uma variedade de marcas expressivas e envolventes é fundamental para manter o espectador visualmente interessado em seus desenhos. Assim, mesmo que a maioria das linhas neste desenho seja escura e nítida, você ainda encontrará algumas linhas que são mais leves e mais suaves. Embora eu tenha feito uma tentativa de manter todas essas linhas retas. Agora que o desenho está começando a tomar forma, e as sensações táteis de superfícies duras e bordas irregulares estão começando a ser comunicadas. Posso empurrar o desenho ainda mais escurecendo-o e adicionando mais detalhes. Gostaria de aproveitar um momento para lembrá-los, que não importa o quão sedutor seja qualquer detalhe, é importante adiar os detalhes do desenho até que as formas e formas fundamentais tenham sido desenhadas com sucesso. Todos os desenhos de demonstração de hoje ilustram claramente a ideia de que um desenho evolui ao longo do tempo, começando com formas simples de luz que ganham complexidade até que os detalhes sejam desenhados. Em vez de terminar uma área antes de passar para terminar uma área separada do desenho. Você pode ver o desenho evoluindo como um todo com cada novo passe fornecendo mais detalhes e informações. Agora vamos comparar este desenho de uma rocha dura e irregular com a nossa demonstração anterior de um travesseiro ondulado macio. Em ambos os desenhos de demonstração, eu fiz um esforço para capturar não só como o sujeito se parece, mas como ele se sentiria ao toque, tentando evocar sensações táteis específicas de um espectador. Minha esperança é que você possa ver que, embora esses desenhos sejam representativos, significa que podemos reconhecê-los como uma pedra e um travesseiro, cada um deles está indo além da representação na tentativa de dar ao espectador um visual mais rico experiência. Então, antes de lhe dar o seu projeto hoje, quero deixá-los com alguns pensamentos. Lembre-se, não estamos simplesmente copiando o que vemos, estamos usando nosso assunto como um ponto de salto para se comunicar com o espectador. O que estamos comunicando pode ser emocional, tátil, ou filosófico. Mas nós realmente queremos aproveitar a oportunidade que o trabalho de linha nos dá para ir além da representação. Mais uma vez, isso é o que vemos mestres fazer uma e outra e outra vez em seus desenhos. Então, enquanto se fazem perguntas sobre o assunto, sobre qual seria a sensação tátil se o tocassem? Você deve estar constantemente se perguntando, como traduzir essas sensações táteis em linha? Com linhas claras ou linhas escuras ser melhor? Suas linhas devem ser afiadas macias ou afiadas duras? Devem ser retas e angulares, ou devem ter curvas para eles? Agora, é claro, essas são as únicas perguntas que você poderia fazer. Eu encorajaria você a criar seu próprio conjunto de perguntas para fazer enquanto você está avaliando os assuntos. Mas eu só quero oferecer isso como um ponto de partida. O que eu gostaria que você fizesse é escolher um par de objetos que tenham um senso tátil oposto sobre eles. Se um de seus objetos é duro, o outro deve ser macio, ou se um de seus objetos é leve, talvez o outro deva ser pesado. Você não tem que escolher as sensações táteis opostas que eu abordei aqui. Você pode escolher qualquer sensação tátil oposta que você quiser. Mas o importante é que os objetos que você escolher se sentem completamente diferentes ao toque. Vou pedir-lhe para começar cada desenho, colocando uma base muito leve de formas e linhas básicas. Uma vez que você esteja confiante de que suas formas e linhas básicas levemente desenhadas são precisas, você pode começar a estabelecer as marcas dinâmicas e táteis que realmente vão trazer esse assunto à vida. Lembre-se, cada marca que você colocou deve estar respondendo a esta pergunta de como o objeto se sente? E como posso comunicar isso a um espectador? Agora, se você está lutando em tudo com a uma base leve de formas básicas para esses desenhos, eu encorajaria você a rever a semana de habilidades básicas da arte e ciência do desenho. Mais uma vez, gostaria de lembrar que não estamos preocupados em fazer bons desenhos e não estamos preocupados em fazer desenhos acabados. Nosso único objetivo é explorar e experimentar o trabalho de linha que vai dar ao espectador uma sensação tátil de seu assunto. 7. Atmosféricos: Hoje, vamos falar sobre a atmosfera. Primeiro, quero falar sobre esta palavra atmosfera. A palavra atmosfera tem, na verdade, dois significados primários. Ambos têm implicações no desenho. A primeira definição está relacionada com a atmosfera da Terra. É literalmente a coleta de gases e partículas, incluindo oxigênio ou umidade que compõem a atmosfera da Terra. Agora, a segunda definição de atmosfera sobre a qual vamos falar hoje está relacionada ao humor no ambiente, sensação que temos de um lugar em particular. A frase que as pessoas costumam usar ao falar sobre atmosfera dessa maneira está criando uma atmosfera. Primeiro, vamos falar sobre a perspectiva atmosférica. Há apenas alguns princípios de perspectiva atmosférica que você realmente precisa entender. Aqui estão eles: Objetos que estão mais próximos de nós aparecem mais altos em contraste, o que significa que as escuras são mais escuras e as luzes são mais claras. Eles são mais altos em saturação de cores, o que significa que as cores serão mais brilhantes. Eles são literalmente maiores porque estão mais próximos de nós, e muitas vezes estão em foco mais nítido, que significa que podemos ver mais detalhes. Isso significa que, inversamente, objetos que estão mais distantes de nós aparecem mais baixos em contraste, significa que o mais escuro é escuro e o mais leve é a luz. Eles têm menos saturação de cor, o que significa que as cores não são tão brilhantes. É claro que os objetos ficam menores à medida que se afastam de nós e, finalmente, podem ter bordas mais suaves e menos detalhes. Eles podem parecer um pouco fora de foco enquanto as partículas no ar obscurecem a informação. Agora, só observamos a perspectiva atmosférica a grandes distâncias. Muitas vezes leva quilômetros para ser capaz de ver esses efeitos, mas dada a distância suficiente, podemos esperar ver os efeitos da perspectiva atmosférica em quase qualquer ambiente. Nesta primeira fotografia, você pode ver claramente os verdes brilhantes, as sombras escuras, e os destaques cintilantes na folhagem em primeiro plano. Mas à medida que o litoral se afasta, pode-se ver a cor e o contraste desaparecerem. Quanto mais longe a costa fica, menos cor e menos contraste ela tem. Agora, dê uma olhada nas formações costeiras do lado direito desta fotografia. Você pode ver claramente o contraste se desvanecendo sequencialmente enquanto seu olho se move da formação mais próxima para a mais distante. Até o próprio oceano parece ter a cor sugada dele, quanto mais perto se aproxima do horizonte. Nesta última fotografia, você pode ver névoa à distância, que é claro composto por muitas pequenas partículas de água suspensas no ar. Qualquer aumento de partículas no ar, seja umidade ou fumaça, tende a amplificar o efeito da perspectiva atmosférica. Quanto mais densa a névoa fica, menos contraste de coloração os objetos têm. Agora, vamos dar uma olhada em como os artistas usam essa técnica em seus desenhos. Neste ponto em sua educação artística, ainda não estamos falando de cor, mas sim focando no contraste. Assim como vimos nas fotografias, podemos ver claramente os escuros mais escuros sendo usados nas formações mais próximas do primeiro plano. À medida que o litoral se curva mais longe para a distância, perdemos toda a sensação de contraste em detalhes. Em vez dos temas bem desenhados que vemos em primeiro plano, não encontramos nada além de uma leve lavagem de valor para indicar o litoral distante. Neste desenho, embora as montanhas mais distantes tenham mais detalhes neles, você ainda pode ver que os valores permanecem consistentes com o que esperaríamos da perspectiva atmosférica, e ainda podemos ver que todos os mais escuros escuros são agrupados perto do primeiro plano. Vou apresentá-los a uma técnica hoje de desenho com o lado do lápis, a fim de estabelecer uma grande massa de valor. Quando falamos de valor, estamos simplesmente nos referindo à leveza ou escuridão de um assunto. O objetivo desta técnica é poder estabelecer um valor transparente, mesmo maciço, semelhante à técnica de lavagem em aquarela, mas usando o lápis. Agora, quando feito corretamente, esse tipo de desenho obscurece marcas individuais, e literalmente permite que o valor tome o centro do palco. Na verdade, é difícil dizer em que direção o lápis estava se movendo. Esta técnica é muitas vezes referida como granulação porque permite que o grão ou a textura dos papéis para passar no desenho. Esta técnica de lavagem ou granulação vai ser incrivelmente útil em ambas as idéias de atmosfera que estamos falando hoje, e é uma das técnicas mais comuns usadas entre os artistas. Aqui está um exemplo dessa técnica. Você pode ver que, com exceção das bordas desta forma, é muito difícil dizer qual direção o lápis estava indo ao fazer essas marcas. Você também pode ver a textura do papel vindo através do enorme valor. Enquanto me observa demonstrar esta técnica, observe que meu lápis vai e volta sobre a mesma seção várias vezes. Isso serve a dois propósitos. O primeiro é ajudar a obscurecer quaisquer traços individuais. A segunda é escurecer o valor, se eu desejar. Em seguida, você vai me ver repassar toda a massa de valor novamente, mas desta vez, alterando ligeiramente o ângulo do meu derrame. Esta segunda passagem obscurece ainda mais quaisquer linhas ou marcas individuais. Lembre-se, o objetivo desta técnica é obter uma lavagem de valor que não mostre nenhum traço individual. Em seguida, você vai me ver demonstrar esta técnica novamente, mas desta vez aplicando apenas uma pequena quantidade de pressão. Isso me permite criar uma lavagem incrivelmente leve de valor. Em seguida, você vai me ver tentar uma lavagem ainda mais leve. É importante ficar confortável aplicando esta técnica em qualquer valor, claro ou escuro. Também é importante lembrar que se você quiser um valor mais escuro, você sempre pode revisá-lo novamente, mas esses valores de luz devem ser feitos em uma única passagem. É quase impossível clarear uma lavagem sem destruir o efeito. Finalmente, na parte inferior da página, você vai me ver empurrando essa técnica para seus limites mais escuros, fazendo uma segunda passagem, que escurece ainda mais. Se você quer ser bom em técnicas de desenho como esta, eu recomendaria praticar o abstrato, assim como você me vê fazendo aqui, sem qualquer pressão de usá-los em um desenho representacional. Isso permitirá que você se concentre exclusivamente em sua técnica, então, quando você precisar usá-lo em um desenho real, você estará pronto. uma vez, você vai me ver começar este desenho colocando uma base muito leve de formas básicas. Como estou inventando uma paisagem de montanhas sobrepostas, não preciso ser tão exigente e me sentir confortável adicionando alguns detalhes a essas formas básicas. Em seguida, você vai me ver escurecendo cada forma com os valores mais escuros sendo usados mais próximos do primeiro plano e os valores mais leves sendo usados para as montanhas na parte de trás. Esta seção mais próxima da montanha será a mais escura e aquela em que veremos mais detalhes. Aqui você vai me ver articulando árvores individuais. O valor escuro e o nível de detalhe ajudarão a puxar esta seção das montanhas para a frente. Agora, usando o lado do meu lápis, você vai me ver colocar uma massa muito escura de valor. Você também me verá repassando várias vezes para escurecer o valor e obscurecer traços individuais. Em seguida, você vai me ver articulando a linha de árvores da seção de montanha atrás da mais próxima do primeiro plano. Você vai notar que eu não estou desenhando com o mesmo nível de detalhe. Ou a mesma quantidade de escuridão que você viu nas montanhas em primeiro plano. Mais uma vez, você vai me ver deitado em uma massa de valor usando o lado do lápis. Tendo muito cuidado para não passar pela borda da linha das árvores. Ser capaz de controlar a forma de sua massa de valor vem com a prática. Quaisquer áreas da forma que a minha primeira passagem possa ter perdido podem ser cuidadosamente preenchidas. Estou tomando cuidado especial para não tornar nenhum dos traços visíveis individualmente. Mas em vez disso, tentando fazer com que esses novos traços se misturem gentilmente com a massa maior. Você vai me ver repetindo essa técnica uma e outra vez. Cada vez, diminuindo a escuridão do valor e o nível de detalhe. É importante notar que o tema deste desenho, montanhas florestadas são um assunto que é bastante escuro em valor. Significa que esta seção mais próxima do primeiro plano será a mais escura. Com cada seção ficando mais leve quanto mais para trás é. Se nossos sujeitos tivessem uma gama mais ampla de valores, em vez de apenas serem escuros como as montanhas florestais que você me vê desenhando aqui, nós esperaríamos ver as luzes extremas ficando mais escuras e se movendo em direção a um valor médio mais longe Eles pegaram. Lembre-se, em última análise, é o contraste que muda. Significando, que quanto mais longe um objeto fica, menor em contraste ele fica. Significa que os escuros não são tão escuros, e as luzes não são tão leves. Trabalhar com a perspectiva atmosférica, começando com um assunto com um valor sombrio unificado, nos permite explorar esta técnica em seu formato mais básico e fundamental. Vamos oferecer-lhe uma oportunidade maravilhosa para praticar o estabelecimento de valor com o lado do seu lápis. Teremos muito tempo mais tarde nesta série de oito semanas para explorar assuntos mais complexos. Eu gostaria que você notasse que, para desenhar linhas e valores extremamente leves, eu afastei minha mão da ponta do lápis e para trás. Embora ainda seja considerado um aperto overhand, essa variação torna mais fácil desenhá-lo levemente. Colocando quase nenhuma pressão na ponta do lápis. Agora vamos acelerar o processo de desenho. Você vai me ver fazendo vários ajustes em valores e bordas. Cuidadosamente certificando-se de que cada seção da montanha tem uma forma distinta e um valor específico. Para se certificar de que as relações entre os valores em toda a imagem estão funcionando como um todo. Que cada seção da montanha está ficando sequencialmente mais leve à medida que volta. Agora que estamos nos aproximando do fim desta demonstração básica de perspectiva atmosférica. Gostaria de falar sobre um equívoco comum sobre o processo de desenho. Muitas pessoas assumem que um desenho que termina com um alto nível de detalhe começa com um alto nível de detalhe. Isso não poderia estar mais longe da verdade. Quanto mais você aprender sobre desenho, mais você entenderá que um desenho evolui ao longo do tempo. Mesmo esta simples demonstração de valores limitados poderia ser transformada em um desenho altamente detalhado e altamente realista se eu tivesse decidido levá-la nessa direção. Na verdade, se eu tivesse planejado desde o início transformar isso em um desenho altamente renderizado e realista, não há muito que eu teria feito diferente. Não subestime o poder dos começos aparentemente simples e humildes. Agora, vamos falar sobre a outra definição de atmosfera. Aquele que tem a ver com criar uma atmosfera ou criar um determinado humor ou sentimento em torno de seu desenho. Agora, há muitas maneiras de pensar sobre a criação de atmosfera. Mas um dos meus favoritos é a idéia de ativar o ar ou o espaço vazio em torno do assunto. Agora, esta é uma técnica muito comum usada por artistas mestres. Mais uma vez, estamos no reino das ideias que não são observáveis. Não podemos ver o ar ativado quando estamos olhando para um sujeito morto. Mas é uma técnica de desenho que nos permite ir além da representação e comunicar algo ao espectador. Aqui, você verá um excelente exemplo de valor sendo definido usando o lado largo de uma ferramenta de desenho. Observe como você pode ver claramente o grão do papel passar ao usar esta técnica. Eu também gostaria que você notasse que, à medida que puxamos para trás neste desenho, é muito difícil encontrar uma linha individualmente discernível ou uma borda dura em todo o desenho. Esta técnica dá a impressão de que o assunto está emergindo de uma névoa espessa. Dando a todo o desenho uma sensação fantasmagórica de mistério. Este é um excelente exemplo do artista ativando e dando a conhecer o ar e o espaço vazio em torno do assunto. Neste próximo desenho, você pode ver que, além das nuvens no fundo, você pode encontrar inúmeras linhas de luz eletrizando o ar. É difícil dizer qual era a intenção original dos artistas com essas falas. Mas qualquer que seja sua intenção, eles adicionam emoção visual e interesse ao que poderia ter sido um fundo mais mundano. Há potencialmente um número infinito de maneiras de criar diferentes humores e sentimentos em seus desenhos. Eu encorajaria você a explorar e experimentar. Para ver que tipos de pensamentos e experiências você pode evocar em um espectador. Muitas vezes uso essas duas interpretações da atmosfera de maneiras sutis, mesmo em desenhos que parecem muito representativos. Uma das minhas coisas favoritas a fazer com a perspectiva atmosférica é aplicá-la a assuntos que não ocupam espaço suficientemente profundo. Produzir os efeitos observáveis da perspectiva atmosférica. No desenho de figuras, por exemplo, nenhuma parte do corpo está tão longe de outra parte do corpo que esperaríamos ver os efeitos da perspectiva atmosférica. Mas isso não deve parar os artistas por empregarem essa técnica para implicar profundidade. Ao desenhar o braço mais próximo do espectador, usei uma combinação de valores escuros e linhas, bem como destaques brilhantes. Dando ao braço uma sensação de alto contraste e um nítido nível de detalhe. Agora contrasta este braço com o braço mais afastado do espectador. Você notará que o braço distante não inclui muito detalhe. Ele não tem nenhum ponto escuro ou nenhum destaque. É deixado esboçado e indefinido. Isso permite que o braço distante retroceda de volta ao espaço. Enquanto o braço mais próximo parece vir para a frente. Você pode ver a mesma técnica usada nas pernas. Não é como se eu observasse os efeitos da perspectiva atmosférica sobre o modelo, e depois copiasse para o meu desenho. Tomei uma decisão consciente de usar esta técnica, a fim de ajudar a implicar profundidade. Uma das minhas formas favoritas de criar uma atmosfera ativando o ar e o espaço em torno do assunto, é deixar para trás evidências de todo o processo de desenho. Todas as minhas tentativas iniciais no formulário, incluindo linhas de gesto, linhas medição e linhas de construção, são deixadas nuas na página para serem vistas pelo espectador. Faço isso por duas razões, em primeiro lugar, é que dá ao desenho uma sensação de tempo e movimento. Eles fornecem um desfoque de movimento que parece capturar a figura em movimento feito. A segunda razão é que eu acredito retirada do fascínio das humanidades é em parte devido ao fato de que um desenho, ao contrário de uma pintura, revela tudo o que o artista estava pensando ao fazer o desenho. Em uma pintura, você pode encobrir todos os seus erros e erros. Mas o processo é mais difícil de obscurecer em um desenho. Tornando a experiência de ver um desenho semelhante a ler o diário dos artistas. Ver evidências do processo de pensamento dos artistas, juntamente com todos os erros e erros, dá ao desenho uma sensação de intimidade e vulnerabilidade. Esses tipos de linhas de processo são chamados pentimenti. Pentimenti são linhas que mostram evidências do processo de desenho. Incluindo erros que são intencionalmente deixados visíveis na superfície do desenho. Apagar ou obscurecer pentimenti deixa o espectador com um sentido mais estéril e menos humano do artista. Eu acho que pentimenti adicionar emoção e dinamismo para um desenho. Além de fornecer um vislumbre da mente do artista. Para o seu projeto de hoje, vou pedir-lhes que saiam para o mundo e vejam se conseguem observar a perspectiva atmosférica em ação. Você deve ser capaz de ver os efeitos da perspectiva atmosférica independentemente do tipo de ambiente em que você está. Seja mais natural ou mais de uma paisagem urbana. Desde que você tenha distância e profundidade suficientes, você deve ser capaz de ver os efeitos. Agora, se for possível, eu vou pedir que você realmente faça um desenho tentando registrar os efeitos da perspectiva atmosférica que você é capaz de observar. Lembrem-se, não vamos fazer nenhum desenho detalhado hoje. Teremos tempo de sobra para isso mais tarde. Esta é uma excelente oportunidade para você praticar a técnica de desenho que aprendemos hoje. Ao estabelecer valor usando o lado do lápis. Lembrem-se, não precisamos incluir detalhes hoje. Estamos apenas procurando obter os efeitos da perspectiva atmosférica. Uma vez que suas formas simplificadas de valor estão começando a funcionar como perspectiva atmosférica, se você quiser tentar adicionar alguns detalhes, você pode. Mas, novamente, a idéia principal aqui, é capturar os efeitos simplificados. Agora, para um desafio bônus hoje, você pode tentar simular os efeitos da perspectiva atmosférica em uma vida morta. Assim como você viu no meu desenho, você pode usar as idéias inerentes à perspectiva atmosférica. A diminuição contrasta as bordas fora de foco para dar aos objetos em uma vida morta simples, o efeito da profundidade. Lembre-se, você não vai ser capaz de observá-lo em uma vida morta. Mas isso não deve impedi-lo de tentar empregar a ilusão da perspectiva atmosférica.