Composição de tiro: criar fotos e vídeos cativantes usando movimento de câmera e quadro | Scott Baker | Skillshare
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Composição de tiro: criar fotos e vídeos cativantes usando movimento de câmera e quadro

teacher avatar Scott Baker, Filmmaker

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introdução do curso

      1:55

    • 2.

      Configurações de marcador Ajuda a armar o tiro

      4:49

    • 3.

      Assistente de foco - para garantir que o tiro nunca seja suave

      3:49

    • 4.

      Profundidade de campo

      3:54

    • 5.

      Manual ou automático? Essa é a questão

      3:42

    • 6.

      Como focar manual

      4:43

    • 7.

      Movimentos de câmera

      6:29

    • 8.

      Velocidade de movimento de câmera

      3:10

    • 9.

      Como manter o tiro estável

      5:35

    • 10.

      Reflexões, usá-los para sua vantagem

      6:49

    • 11.

      Técnicas de enquadramento para desenhar o olho

      2:53

    • 12.

      câmera lenta

      2:54

    • 13.

      Conclusão

      0:33

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

352

Estudantes

2

Projetos

Sobre este curso

Junte-se ao cineasta Scott Baker para uma visão em profundidade da composição de tiros para que você possa criar mais atraente e profissional curtos films, vídeos de música, casamentos, material promocional ou qualquer tipo de videografia ou fotografia que você faz.

O que vou aprender?

  • Configurações de câmera — configurações de marcador, assistência de foco
  • Estabilização — gimbals, handheld, lentes
  • Técnicas de moldagem — linhas de liderança, simetria, profundidade de campo
  • Movimentos de câmera — tiros de boneca e caminhões, velocidade de movimentos, panela / inclinação / guindaste

VOCÊ ESTARÁ PRONTO para filmar:

  • Em movimento com equipamentos mínimos
  • Com qualquer tipo de câmera dslr, smartphone ou câmera de ação
  • Com equipamento de iluminação mínimo

Para quem este curso é indicado?

Se você é um aspirante a Cinematographer, vlogger, fotógrafo de casamento ou novato videógrafo, este curso é para todos. E não importa se você estiver usando uma câmera de ponta ou seu telefone, essas técnicas se aplicam a todos. Há algum equipamento adicional que eu recomendarei em toda parte, mas enquanto você tiver uma câmera você pode se beneficiar deste curso e participar do projeto de aula.

Para se certificar de que você entende completamente o material há uma abundância de diagramas, tutoriais e exemplos de vida real. Tudo projetado para que você termine esta aula com confiança e entusiasmado para usar o conhecimento e habilidades que você aprendeu a levar seu cinema para o próximo nível.

Para saber mais sobre as emoções e significados que a composição de tiro pode ter (e outras maneiras de se conectar com seu público) confira este curso de...

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Scott Baker

Filmmaker

Professor

After graduating from film school in 2008 I dove straight into the Toronto film industry Directing and Producing a variety of projects such as music videos and short films that have screened at festivals such as Tribeca and Toronto International Shorts. In between projects I also work on big budget film and television such as Suicide Squad and The Boys.

When not on set I'm on the road working with bands, shooting documentaries, and creating other independent projects. Even while traveling for vacation I can't seem to put my camera down, because when you're passionate about something it becomes second nature.

 

Website: www.scott-baker.ca 

Email: 21.bakers.creative@gmail.com

Instagram: https://www.instag... Visualizar o perfil completo

Level: All Levels

Nota do curso

As expectativas foram atingidas?
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  • Sim
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  • Um pouco
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  • Não
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Transcrições

1. Apresentação do curso: Olá a todos. Meu nome é Scott Baker e comecei a trabalhar na indústria cinematográfica em 2009. Trabalhei em grandes filmes e programas de TV enquanto também dirigia meus próprios curtas-metragens, documentários e videoclipes. Se você tomou alguma das minhas outras aulas, então seja bem-vindo de volta. Se esta é a primeira vez, então é ótimo tê-lo. Se você tem alguma experiência em fotografia ou videografia e quer aproveitar essas habilidades, então você está no lugar certo. Porque nesta aula, vamos nos aprofundar, começando com uma visão mais aprofundada de algumas das configurações e ferramentas mais avançadas que nossas câmeras podem oferecer. Porque se quisermos tirar o máximo proveito de nossa câmera, precisamos entender completamente como ela funciona e o que ela pode fazer. Depois disso, vamos desenvolver nosso conhecimento de uma composição de fotos aprendendo sobre coisas como movimentos de câmera, como colocar e equilibrar objetos dentro do quadro, como trabalhar com reflexos, e muito, muito mais. O conhecimento e o material que estou compartilhando vem da minha experiência prática na indústria e são projetados com diagramas e gráficos fáceis de seguir, vídeos tutoriais que explicam não apenas como fazer coisas, mas também por que as fazemos, e exemplos da vida real em que vamos nos bastidores para ver exatamente como esses filmes foram criados. No final desta aula, você terá o conhecimento e as habilidades para criar fotos muito mais interessantes e atraentes para ajudar a contar suas histórias e levar seus filmes para o próximo nível. Sem mais falar, vamos começar. 2. Configurações do marcador Ajudará a enquadrar o tiro: [NOISE] As configurações do marcador são uma ferramenta muito útil que você pode usar por alguns motivos diferentes. O que ele faz é sobrepor guias na tela da câmera ou monitor de visualização para nos ajudar a enquadrar adequadamente nossas fotos. Vamos aprender mais sobre esses marcadores, começando com a opção central. Essa opção simplesmente adiciona uma mira ao centro do quadro como ponto de referência quando estamos tentando centralizar objetos ou pessoas. A segunda opção é a proporção, mas isso requer uma explicação muito mais longa. Vou deixar este até o último. Passando para a zona de segurança, que tem duas opções, 80% e 90%. Se selecionarmos isso, veremos que nosso quadro tem uma caixa branca. Sem entrar na tecnologia e ciência de como as coisas são transmitidas, o importante que devemos lembrar é que qualquer coisa dentro da caixa será recebida e mostrada em um padrão TV doméstica. Se estiver fora da caixa, há uma chance, dependendo da TV, de que ela possa ser cortada. É melhor não ter detalhes importantes muito próximos da borda do quadro. No entanto, é um espaço tão pequeno que é altamente improvável que você faria. Se você quiser ser muito cauteloso, você sempre pode escolher a zona de segurança de 80%. Em seguida, temos quadro guia. Se ativarmos isso, você reconhecerá a regra da grade de terços. Agora vamos voltar para os marcadores de aspecto. Você provavelmente já está familiarizado com proporções como 3 por 2, 4 por 3 ou 16 por 9, ou outros termos como widescreen e anamórficos. Ao escolher uma dessas proporções, podemos ver que linhas brancas foram adicionadas à parte superior e inferior ou aos lados. Mas por que gostaríamos de usar isso? Se formos para nossas configurações de proporção, veremos que nossa câmera não oferece todas as diferentes proporções. No caso desta câmera, há apenas 3 por 2 e 16 por 9. Mas e se eu quiser que meu filme esteja transmitindo anamórfico ou um mais velho com aparência 4 por 3? A menos que você esteja usando uma câmera muito high-end, é improvável que você tenha a opção de filmar em todas essas diferentes proporções. Mas há uma maneira de enganar isso na edição. Em nosso software de edição, o que podemos fazer é acessar nossas configurações de sequência e alterar o tamanho do quadro. Mas, como podemos ver, quando fazemos isso, nossas filmagens não se encaixam e ficamos com duas barras pretas em ambos os lados ou na parte superior e inferior. Para corrigir isso, uma opção é esticá-lo , o que mostrará todo o nosso quadro, mas distorce a qualidade da imagem. Se esticado demais, parece antinatural. É por isso que eu não recomendo fazer isso dessa maneira. A segunda opção é ampliar a gravação e enquadrá-la novamente. Fazendo assim, vamos cortar parte da imagem, mas ela não distorcerá a imagem. A menos que você tenha filmado em 4K e exporte para 1080, você pode perder um pouco de qualidade de imagem. A terceira opção é onde os marcadores entram em jogo. Essa é a melhor opção porque é feita na câmera. Uma coisa que sempre espero é que sempre podemos fazer algo na câmera, seja efeitos especiais, uma acrobacia ou, neste caso, enquadrar nossas fotos corretamente, é sempre melhor do que fazer isso na edição. Em vez de tentar manipular a filmagem e pós-produção usando os dois métodos que acabamos de discutir, se usarmos os marcadores de aspecto, podemos enquadrar adequadamente nossas fotos desde o início. Sabendo que qualquer coisa fora das linhas brancas será perdida, podemos garantir que tudo o que queremos ver esteja emoldurado dentro dos marcadores. Dessa forma, quando chegamos ao estágio de edição, não estamos preocupados com as partes do quadro que estão sendo cortadas. Não precisamos manipular as filmagens ampliando-as ou esticando-as , o que significa manter sua qualidade no mais alto nível. 3. Focus Assistence - Para garantir que o tiro nunca seja macio: [RUÍDO] Focus Assist, também conhecido como pico de foco, é uma configuração na câmera que ajuda fotógrafos e cinegrafistas a encontrar e manter o foco facilmente encontrar e manter o foco delineando as bordas em uma imagem em um cor brilhante. Essa é uma configuração que só é necessária ao usar o foco manual. A câmera procura bordas afiadas dentro da imagem analisando o contraste. Se houver uma vantagem dura, o que só acontece quando algo estiver em foco, haverá um contraste maior. Quando a câmera vê contraste suficiente, ela delineará as bordas em uma cor escolhida. Normalmente, você pode escolher vermelho, verde, azul e amarelo. Vejamos esse exemplo. Essa pilha de livros está obviamente fora de foco, fazendo com que as bordas fiquem embaçadas e desapareçam em segundo plano. Como não há vantagem dura, não há contraste suficiente para alcançar o Focus Assist. Mas à medida que ajustamos o foco, e as bordas dos livros se tornam mais definidas, também o contraste entre os livros e o fundo. Até que, eventualmente, há contraste suficiente para que o pico de foco apareça e descreve os livros. Quanto mais forte o contraste, mais ousadas serão as linhas. Ou seja, quanto mais em foco o objeto está. Aqui, os contornos são mais finos. Ou seja, a imagem está um pouco em foco. Enquanto, agora as linhas são mais grossas. Ou seja, está em foco mais nítido. Dependendo do que está na imagem, você notará que mais objetos podem ficar delineados, quanto mais em foco a imagem está. Isso pode variar um pouco de câmera para câmera. Para esta parte, discutiremos algumas das diferentes configurações dentro da ferramenta Assistência de foco. Primeiro, cores. Pode não parecer tão importante, mas há cores diferentes para escolher por um motivo. Mesmo que o Focus Assist esteja funcionando, contornos amarelos podem ser difíceis de ver em nossa tela ou monitorar ao filmar em locais ensolarados. O azul é mais difícil de ver em cenas escuras, e o verde será difícil de ver em uma floresta. Como padrão, eu sempre tenho o meu definido como vermelho, mas, ocasionalmente, isso não funcionará se houver muitos tons vermelhos dentro da cena, tornando mais difícil diferenciar os contornos e os objetos. Nesse caso, uma das outras cores funcionará melhor. Em seguida, é a sensibilidade ou o nível. Isso determina o quanto é destacado. A maioria das câmeras tem dois níveis: alto e baixo, e algumas câmeras como a minha também têm uma sensibilidade média. nível baixo destacará apenas as áreas mais nítidas e com linhas mais finas. Por sua vez, obscurecendo menos da imagem. Um nível alto destacará mais do que está em foco e usará linhas mais grossas. Por sua vez, cobrindo mais da imagem. Por fim, e embora isso não seja um cenário, é algo que torna a vida um pouco mais fácil. Você pode ativar e desativar a Assistência de foco regularmente. Ligado, para encontrar foco e desligar, ao filmar, já que pode ser um pouco distrativo. É útil programar essa ferramenta como uma opção de menu rápido ou como um botão personalizado. Dessa forma, você não precisa perder tempo rolando para frente e para trás entre diferentes menus toda vez que quiser encontrar seu foco. 4. Profundidade de campo: Para começar, vamos primeiro definir qual é a profundidade de campo. É o alcance ou a área na frente da câmera que está em foco. Você pode ter uma grande profundidade de campo ou uma pequena profundidade de campo, também conhecida como larga e estreita ou profunda e superficial. Em seguida, há três fatores que afetam se nossa profundidade de campo é pequena ou grande ou em algum lugar no meio. Esses fatores são abertura, focal e a distância entre a câmera e o assunto. Abertura. Um f-stop baixo, o que significa que uma abertura maior nos dá mais luz, o que resulta em uma profundidade de campo menor. Um f-stop alto significa uma abertura menor que deixa entrar menos luz e nos dá uma maior profundidade de campo. Distância focal. Para a distância focal, é o oposto da abertura. Um número baixo, que nos dá um tiro mais amplo, também nos dá uma maior profundidade de campo. Enquanto uma distância focal alta cria um tiro mais apertado e nos dá menos profundidade de campo. Quanto menores as distâncias entre o objeto e a câmera resultam em menor profundidade de campo e uma distância maior proporciona mais profundidade de campo. Como podemos ver neste exemplo, quando nos concentramos no caminhão que está mais longe das árvores no meio do solo e o fundo profundo também entra em foco. Enquanto quando nos concentramos nesses galhos que estão mais próximos da câmera, tudo o resto além disso perde o foco. Quando o assunto está próximo da câmera, à medida que ajustamos o anel de foco para focar no assunto, vemos que menos está em foco. Se ajustarmos o foco em um assunto mais longe da câmera, veremos que a profundidade de campo fica maior e mais do quadro entra em foco. O uso da distância para afetar a profundidade de campo também pode ser aplicado entre o assunto e o plano de fundo. Um exemplo perfeito disso são os head-shots para atores. Quando o ator está perto da parede, a parede está relativamente focada. Mas se o ator der alguns passos da parede e ajustarmos o foco, o fundo fica embaçado. O bônus adicional disso é que ele faz o ator se destacar e direciona o foco do público para eles. Então, ao compor um tiro decidir o que deveria estar em foco e o que não deveria, é a combinação desses três fatores que decidirão onde a profundidade do campo cai e se é pequeno ou grande ou em algum lugar no meio. Outra coisa a ser ciente é o tamanho do sensor da câmera. Um sensor maior terá uma profundidade de campo mais rasa em geral e um sensor menor ou cortado terá uma profundidade de campo maior. Para mais profundidade de campo, escolhemos uma abertura mais alta, uma distância focal menor ou aumentamos a distância entre a câmera e o objeto. Para menos profundidade de campo, é exatamente o oposto. Podemos escolher uma abertura mais baixa, uma distância focal mais alta, ou podemos diminuir a distância entre a câmera e o assunto. 5. O manual ou o automático? Essa é a pergunta: Uma pergunta que me fizeram muito é quando usar o foco automático e quando usar o foco manual. Para ser honesto, não há resposta certa, errada ou definitiva para essa pergunta. Pessoalmente, prefiro usar o manual sempre que possível, porque ele me dá controle total. No entanto, há momentos em determinados cenários em que o foco automático provou ser a melhor opção. Vamos dar uma olhada em alguns desses exemplos. Ao fazer close-ups, nunca uso foco automático. Porque, como este exemplo mostra, o foco automático age como se estivesse confuso. Isso porque ao filmar close-ups, nossa profundidade de campo é menor e a menor mudança distância entre a câmera e o assunto, ou entre dois assuntos diferentes faz uma grande diferença. Nossa câmera não consegue decidir o que deve estar em foco e o que não deveria estar. Mas se mudarmos para o foco manual, nossa câmera não precisará mais adivinhar o que deveria estar em foco e, em vez disso, vamos nos concentrar em tudo o que decidirmos que deve estar em foco. Neste exemplo, podemos manter foco apenas no pescoço da guitarra e não nos preocupar com o foco mudando para a mão à medida que a mão se move para cima e para baixo na guitarra. Ao virarmos para a esquerda, perdemos o foco por uma fração de segundo. Mas como temos controle total, é fácil de ajustar e somos capazes de fazê-lo de uma maneira muito suave, mantendo um bom close-up limpo. Quando estou seguindo um assunto, também conhecido como captura de rastreamento, geralmente tenho as câmeras configuradas para focagem automática, e isso porque a distância entre o objeto e a câmera será constantemente mudando. Se eu fosse escolher o foco manual , teria que dividir minha atenção entre foco, enquadramento e onde estou andando, o que pode ser muito para coordenar, especialmente quando há pouco ou nenhum tempo para ensaiar. Por exemplo, casamentos e concertos. Se mantivermos uma distância consistente entre a câmera e o objeto, o foco automático da câmera é ótimo para fazer os pequenos ajustes necessários para manter o foco. Se estivermos filmando com uma lente mais larga, então é ainda mais fácil para o foco automático porque uma lente mais larga nos dá uma maior profundidade de campo. Nesta foto, é fácil ver como o foco muda constantemente entre o primeiro plano e o plano fundo à medida que os lutadores se movem para dentro e para fora do quadro. Nessa situação em particular, não me importo que o foco mude, porque as mudanças são suaves e focadas em assuntos diferentes. No entanto, se quisermos que o foco permaneça em um par de lutadores, talvez porque eles são os personagens principais, então precisamos mudar para o foco manual. Nesta foto, definimos nosso foco para os lutadores em segundo plano, então, mesmo quando outros lutadores cruzam o primeiro plano, eles permanecem autofocus, o que também tem um visual muito agradável. Uma foto como essa pode funcionar tanto no foco automático quanto no foco manual. Depende apenas do visual que queremos e dos elementos da história envolvidos. Espero que esses exemplos forneçam clareza a algumas vantagens e desvantagens para o foco manual e automático e o que funciona e o que não funciona. 6. Como focar manual: Ao puxar o foco, a primeira coisa a lembrar é ajustar devagar e suavemente. Pode parecer óbvio, mas quando estamos no meio da ação e o objeto está se movendo rapidamente, especialmente vindo em direção à câmera. O instinto é tentar recuperar o foco o mais rápido possível. Mas se você não ajustar o foco de forma constante, haverá dois problemas que encontraremos. Podemos errar o alvo e ter que nos reajustar, fazendo com que o objeto entre e saia de foco, o que é extremamente perturbador e pode facilmente arruinar a foto. O segundo problema, se estivermos filmando com a mão, é provável que haja alguma vibração na câmera. Se for muito sutil, às vezes a forma pode ser corrigida na edição. Mas para economizar tempo e tirar a melhor foto possível. É melhor evitar a vibração da câmera durante a filmagem, a menos que seja uma escolha estilística que você esteja fazendo intencionalmente. Talvez para que uma cena de ação ajude a realmente melhorar seu foco, eu recomendo fortemente que você use um Follow Focus. Ele atuará como uma alça lateral, o que também ajuda a estabilizar o tiro. E proporciona um movimento mais confortável e natural, facilitando o foco. Outra opção ao usar um cardan é ter um foco de acompanhamento remoto. Dessa forma, o ponto de contato de nossas mãos está no equipamento da câmera e não na câmera em si. Claro, isso depende do que estamos filmando. Mas quando é possível, ensaiar um pouco pode economizar muito tempo no início, especialmente na sala de edição. Um ensaio rápido nos permite encontrar nossas marcas de foco. E se houver movimento na cena do ensaio, também nos permite garantir que o assunto permaneça dentro da faixa de foco. Caso contrário, é uma chance de praticar o pool de foco e obter o momento certo criando marcadores para nós mesmos e para o assunto. Essencialmente, fazer um ensaio rápido economiza tempo durante filmagem e nos impede de filmar várias tomadas ruins, o que significa menos filmagens para ver na sala de edição, novamente, economizando tempo. E se estivermos filmando um evento ao vivo e ensaiarmos não for uma opção? O que fazemos então? Nessas circunstâncias, queremos encontrar pontos de referência iguais ou próximos à mesma distância da câmera em que nosso objeto estará. Neste resumo aqui, eu uso os dois postes de luz como pontos de referência. Então, em vez de tentar focar nos lutadores enquanto eles estavam se movendo, eu sabia disso simplesmente focando novamente nesses dois postes de luz. Eu também os teria em foco. Primeiro, se estivermos usando uma lente de zoom, podemos ampliar e facilitar o ajuste do foco e , em seguida, diminuir o zoom. Algumas câmeras e lentes têm esse recurso embutido e ampliarão digitalmente para nós. Segundo, pegue um monitor. Não precisa ser um grande problema. Algo assim funciona perfeitamente e comanda diretamente para seu equipamento. A tela de nossas câmeras pode enganar. Em uma tela tão pequena, a loja pode parecer focada. Mas quando visualizado em seu computador ou em telas maiores, se estiver desfocado, mesmo que um pouco, será muito perceptível. Eu cometi esse erro muito cedo na minha carreira porque, primeiro, eu era muito barato para comprar o monitor. E segundo, achei que minha visão era perfeita, só para descobrir depois que algumas das minhas fotos ainda estavam um pouco suaves. Então não faça isso. Eu comprei um monitor para você. Terceiro e último, como todos os outros movimentos da câmera e muitas outras coisas sobre as quais aprendemos. Você precisa sair e praticar usando o foco manual. É uma habilidade que você precisa aprender e desenvolver. E isso leva tempo porque o foco automático não pode fazer tudo por você. 7. Movimentos de câmera: [RUÍDO] Além dos diferentes tipos de tiro, que incluem close-up extremo, close-up, close-up médio, médio, médio, largo e extremo largo, também podemos criar composições interessantes pela forma como nos angulamos e como movemos a câmera. Vamos começar com os diferentes ângulos. Primeiro, há o ângulo alto, também conhecido como visão de olho de pássaro, que é realizado apontando a câmera para baixo sobre um assunto. Isso faz com que o assunto pareça menor e inferior. Um ângulo baixo, também conhecido como visão de um verme. Isso faz o contrário. Ao apontar a câmera para um assunto, ela faz com que pareçam maiores e superiores, e um ângulo holandês é quando a câmera é inclinada ligeiramente para o lado para fazer a foto aparecer em uma diagonal. Isso é usado para criar um desequilíbrio e uma sensação de desconforto. Agora, vamos passar para alguns movimentos da câmera e começaremos com uma rápida revisão dos básicos. Panela. Quando a câmera permanece em um lugar como em um tripé e ela gira esquerda para a direita ou da direita para a esquerda. Isso é chamado de pan right e pan left. Algumas pessoas também podem dizer pan up e pan down. No entanto, esse movimento é chamado de inclinação. Se virarmos a câmera para o lado, isso é considerado rolar a câmera e chamar um rolo de tiro. Quando a câmera se move para cima e para baixo ao longo do eixo y, isso é chamado de tiro de guindaste ou tiro de pedestal. Tiro de rastreamento. Esse tipo de tiro se move lateralmente ao longo do eixo x. Depois, há o tiro de boneca, que se move em direção ou para longe do objeto ao longo do eixo z. Isso também pode ser chamado de empurrar para dentro e puxar para fora. Não deve ser confundido com zoom e zoom para fora. Uma captura de zoom é quando a câmera permanece estática em um ponto e ampliamos e diminuímos ajustando a distância focal de uma lente de zoom. Isso não pode ser feito com uma lente principal. Se estivermos usando lentes primárias e mudando as distâncias focais, isso é chamado de perfurar e perfurar. Isso também pode ser feito mantendo a mesma distância focal, mas movendo a câmera para mais perto ou mais longe do objeto, desde que o ângulo da câmera permaneça o mesmo. Por fim, há o tiro de arco que é uma versão do tiro de rastreamento mas como você pode ter adivinhado, a câmera se move ao longo um caminho circular ao redor do objeto. Se a câmera não se mover de forma alguma, isso é chamado de tiro estático, que é exatamente o que estou usando para filmar essas lições. Por fim, há um PDV, que significa ponto de vista, significa que a câmera toma o lugar de um objeto, e pode ser qualquer objeto como uma câmera de segurança ou um veículo. A câmera também pode se tornar os olhos do personagem, que faz com que o público se sinta como se estivesse na cabeça do personagem e vendo o mundo da mesma forma que o personagem o vê. [MÚSICA] Este tipo de tiro pode ser qualquer um dos movimentos que acabamos de discutir ou combinações deles. As fotos também podem ser perfeitamente paradas ou muito instáveis porque o mundo está sendo visto, no entanto o personagem ou o objeto veria as coisas. A melhor parte dessa foto é que não há regras e, ao editar, a maneira mais suave de incluir essas fotos é mostrar o objeto logo antes ou depois da captura do PDV. Para o PDV do personagem, normalmente, o personagem primeiro será mostrado olhando para algo que é chamado captura de configuração e, em seguida, cortamos para o PDV deles o que é que eles estão olhando, seja um objeto ou outra pessoa. Um conselho, é melhor não deixar essas fotos muito instáveis ou durar muito tempo, pois isso pode causar dores de cabeça e enjôo para alguns membros do público. O Projeto Blair Witch é um exemplo popular que faz com que algumas pessoas sofram enjôo, enquanto que o filme Being John Malkovich, na minha opinião, é um ótimo exemplo que usa POVs também, mas não exagere. 8. Velocidade de movimento da câmera: [RUÍDO] Uma coisa que notei que quase sempre é negligenciada ao falar sobre movimento da câmera, é a velocidade do movimento, que é estranho porque isso é tão importante quanto o movimento em si. Quanto mais rápido o movimento, mais energia, caos ou excitação que ele pode adicionar, enquanto movimentos mais lentos podem intensificar a emoção, aumentar o suspense ou sinalizar o começo ou o fim de alguma coisa. Mover-se devagar é bastante fácil, mas nem sempre será possível a câmera ou o assunto se mova mais rápido. O que fazemos então? Aqui estão algumas maneiras muito simples de acelerar o movimento dentro de um tiro. Quando a câmera está se movendo, seja uma foto de rastreamento ou um tiro de boneca, ter um primeiro plano ou objetos passados em primeiro plano pode criar a ilusão de movimento mais rápido. Isso porque quanto mais próximo estiver da câmera, mais rápido ela se move pelo quadro. Neste exemplo de ângulo baixo, o solo está mais próximo da câmera, o que faz com que pareça se mover mais rápido. Enquanto que, se levantarmos a câmera e mudá-la para uma linha reta sem primeiro plano, é apenas o fundo que parece estar se movendo, por sua vez, diminuindo o tiro. O mesmo com este exemplo. Se filmarmos perto da cerca, parece que está batendo muito rápido. Mas se dermos alguns passos para trás, a cerca não estará mais em primeiro plano imediato e não cruza o quadro tão rapidamente. Agora, o movimento parece mais lento mesmo que eu ainda esteja andando no mesmo ritmo. Outro truque é mover-se na direção oposta em que o sujeito está se movendo. Sem o objeto ou a câmera se movendo mais rápido, a foto parece instantaneamente mais rápida. Se quisermos abatê-lo lentamente, podemos manter a câmera estática ou, para diminuir ainda mais, movemos a câmera na mesma direção em que o objeto está se movendo. A terceira técnica é o quão apertado ou largo é nosso tiro. Sem alterar a velocidade da ação, por ter um tiro mais apertado, o tiro parece mais rápido porque nos aproxima da ação. Com mais do quadro sendo preenchido pela ação, tudo parece mais rápido. Agora, se assistirmos a mesma ação em um tiro largo, mais do ambiente e do fundo podem ser vistos e leva mais tempo para que as coisas atravessem o quadro, o que faz com que a ação e o tiro pareçam mais lentos. 9. Como manter o tiro com sombra constante: [RUÍDO] Na lição anterior, aprendemos sobre diferentes movimentos da câmera. Agora, que sabemos o que eles são, precisamos saber como fazê-los sem problemas para reduzir qualquer vibração distrativa da câmera. Para esses movimentos, a câmera só gira. A maneira mais fácil para eles é usar um tripé. No entanto, esses movimentos também são muito fáceis de realizar portáteis. Pessoalmente, acho que eles têm uma aparência mais natural quando feitos mão porque o tiro não será muito instável e também não será perfeitamente suave, o que dá às filmagens um preenchimento mais natural e orgânico. Para fazer isso, a chave é manter a câmera perto do seu corpo para que ela se mova como se fosse parte do seu corpo. Mantenha as duas mãos na câmera, mantenha os pés firmemente plantados e faça a maior parte do movimento do tronco, mantendo os ombros, os cotovelos e os pulsos o mais imóvel possível. Se isso não fornecer alcance suficiente, por exemplo, ao fazer um tiro de inclinação, então é melhor mover-se dos ombros enquanto ainda mantém os cotovelos e pulsos congelados. O objetivo é manter seu corpo e câmera o mais imóvel possível enquanto move a menor quantidade de seu corpo conforme necessário para obter a foto. Agora, se estamos indo de mão para fotos onde a câmera está se movendo, a primeira coisa a saber é que sempre haverá um pouco de vibração da câmera, mas há maneiras de reduzi-la. Uma das melhores ferramentas é uma alça superior, ou melhor ainda, uma gaiola de câmera com uma alça superior. Isso nos permite embalar a câmera, o que ajuda a mantê-la nivelada e suaviza pequenos movimentos. Em seguida, queremos aplicar técnicas semelhantes que usamos para a panela e o tiro de inclinação com uma diferença. Agora queremos manter a câmera longe do nosso corpo levemente para que nossos braços possam se ajustar e absorver qualquer choque que aconteça ao caminhar. Quando você está andando, é melhor se agachar um pouco, transformando as pernas em outro tipo de amortecedor. Isso também prepara você para movimentos bruscos que possam ser necessários. Você provavelmente notará que você toma essa posição naturalmente sem sequer pensar nisso. Mais importante, você quer andar levemente como se estivesse se esgueirando. Além disso, tente manter um ritmo constante, pois isso também fará com que suas filmagens pareçam mais suaves. Ao filmar de mão, é impossível ter imagens perfeitamente suaves, mas o objetivo é fazer com que uma filmagem pareça fluida e natural em vez de nervosa e distrativa. Agora, que sabemos como se mover, o que nosso equipamento pode fazer para nos ajudar? Já discutimos a alça superior, mas e as lentes? A maneira mais fácil e uma das melhores maneiras de tornar a vibração da câmera menos perceptível é usando distâncias focais baixas porque quanto maior a distância focal, mais ampliado estamos. E mesmo os menores tremores da câmera tornam-se muito visíveis, enquanto quanto maior a foto porque há mais para ver no quadro e como os objetos são menores, qualquer vibração da câmera se torna menos perceptível. Se você quiser usar uma distância focal maior, precisará de um cardan. Eu também recomendo um cardan se você estiver fazendo rastreamento ou fotos de boneca em um ritmo acelerado porque quanto mais rápido você se move, difícil se torna estabilizar a câmera naturalmente. Pode ser um pouco caro, mas eles valem cada dólar, libra, peso, coroa baht, rublo, rupia, real, euro, iene, qualquer moeda que você use. Eles valem a pena e fazem um trabalho fantástico de estabilizar nossas fotos ajustando até mesmo o menor tremendo da câmera, mas não pense porque você está usando um, que cada tiro vai seja perfeito. Mais uma vez, a forma como movemos nosso corpo tem um grande efeito porque, seja qual for a maneira como nosso corpo se move, a câmera seguirá. Só porque o cardan está fazendo a maior parte do trabalho, não deve significar que ficamos preguiçosos. Colocar um pouco de esforço extra só tornará nossas filmagens muito melhores. Algumas outras formas criativas de obter bonecas suaves e rastrear fotos, simplesmente, pegar rodas. Podemos filmar de um veículo, ter o operador da câmera, usar patins ou sentar em uma cadeira de rodas. Para fotos de produtos em close-up, basta deslizar a câmera em uma toalha de mão ao longo de uma superfície plana pode criar ótimas fotos. Por fim, também podemos definir nossa câmera para 60 ou 120 quadros por segundo, porque em câmera lenta, tudo é suavizado, mas sugiro usar isso apenas como último recurso ou quando o tiro faz sentido estar em câmera lenta. Caso contrário, isso leva à criação de filmes preguiçosos e você acabará com vídeos chatos se tudo estiver em câmera lenta. 10. Reflexões, usá-los para seu benefício: [RUÍDO] Nesta lição, vamos ver como lidar com reflexões. Se eles vêm de espelhos, janelas, água, eletrodomésticos, essencialmente, qualquer superfície reflexiva. Ao filmar, eles podem ser um obstáculo que cria dores de cabeça e desafios, ou podem ser transformados em uma ferramenta brilhante. Para fazer isso, devemos primeiro ser capazes de reconhecê-los. Vamos começar conferindo alguns exemplos. [FUNDO] Como você deve ter notado, o maior problema com reflexos é ver coisas que não devem ser vistas, como tripulação, equipamento ou pontos brilhantes brilhantes das luzes. Para corrigir esses problemas, não é tão difícil. Só requer que prestemos muita atenção antes de rolar a câmera. Aqui está o que podemos fazer. Se alguém puder ser visto, faça que eles se movam para outro lugar. O mesmo vale para qualquer equipamento que não deveria estar lá. Se algo não puder ser movido, tente mascará-lo com algo que é bom ser visto. Como um adereço ou um pedaço de molho. Se for uma janela, considere ajustar as cortinas, persianas ou sheers. Às vezes, até mesmo um ator ou ator de fundo pode ser colocado estrategicamente para bloquear reflexões indesejadas. Se for um objeto pequeno, mudar seu ângulo também pode fazer o truque. Se nada disso funcionar, veja se uma pequena alteração ângulo da câmera pode corrigir o problema. Se é um brilho que está causando o problema, é um pouco diferente. Mas aqui está o que podemos fazer. Ajuste a luz ou a foto. Se isso não funcionar, também podemos usar um spray de entorpecimento ou spray de cabelo também pode fazer o truque. Você também pode sujar a superfície reflexiva se fizer sentido para o tiro. Um exemplo disso seria uma superfície reflexiva ou ferramentas brilhantes, mas em uma oficina mecânica suja. Elimine a luz ou use um difusor para suavizá-la. Anexar um capô de lente à lente pode bloquear os flares da lente, o mesmo acontece com a adição de um filtro polarizador à sua lente e também pode reduzir e às vezes até eliminar reflexos da água. Finalmente, se nenhum desses funcionar, mais uma vez, ajustar a foto da câmera para encontrar um ângulo que não capte a luz é sempre uma opção. Agora que sabemos como eliminar reflexões, vamos entrar nas coisas divertidas e aprender como podemos usá-las a nosso favor. Para fazer isso, há duas coisas principais que precisamos saber, como os ângulos funcionam e como a profundidade de campo funciona. Saber como os ângulos funcionam é uma das maneiras pelas quais podemos esconder nossa câmera dos reflexos. A primeira coisa que devemos sempre lembrar ao filmar reflexos é que qualquer que seja o ângulo da câmera para a superfície reflexiva, esse é o mesmo ângulo do sujeito ou objeto que nós quer capturar também deve ser para essa superfície reflexiva. Ou seja, se o ator estiver em um ângulo de 45 graus em relação ao espelho, a câmera também deve estar em um ângulo de 45 graus em relação ao espelho, ou pelo menos perto do mesmo alcance. Mas e se esse ângulo mostrar a câmera no reflexo? Bem, movendo levemente a câmera, podemos fazer com que ela desapareça da foto. Mas isso também significa que talvez tenhamos que ajustar a posição do assunto para obter o quadro que queremos. Ou seja, talvez tenhamos que experimentar e fazer pequenos ajustes até encontrar a configuração certa. Usar fotos mais apertadas também facilita ocultar reflexos. Quando se trata de puxar o foco e definir nossa profundidade de campo, é fundamental lembrar que não é apenas a distância da câmera ao espelho que devemos medir, também devemos a distância do espelho ao assunto. Isso porque nossas câmeras não reconhecem o espelho ou a superfície reflexiva como uma superfície sólida. Em vez disso, ele o reconhece como uma extensão do espaço em que estamos filmando. Se você já olhou para uma parede de espelhos em uma academia ou em um estúdio de dança e pensou que o quarto parecia duas vezes maior, bem, para nossas câmeras, a sala é duas vezes maior. O que significa que, para nossa câmera, o que estiver na reflexão está realmente mais longe do que as superfícies reflexivas. O que significa que temos que ajustar nossa profundidade de campo de acordo para garantir que nosso assunto esteja em foco. Dependendo da nossa profundidade de campo e de onde definimos nosso foco, podemos até esconder nossa câmera à vista de todos. Ao manter nossa câmera fora do alcance do foco, é possível desfocá-la o suficiente para que o espectador nem consiga dizer que é uma câmera. Se você fizer isso, certifique-se de que o operador da câmera não faça movimentos grandes ou repentinos. Conhecer esses dois fatores ao lidar com espelhos e outras superfícies reflexivas pode ser uma ferramenta incrível, especialmente quando fotografar em pequenos espaços. 11. : [MÚSICA] Agora vamos expandir esses conceitos e aprender mais algumas técnicas de composição para fazer nossas filmagens parecerem ainda mais interessantes e atraentes para os olhos. A primeira técnica com a qual começaremos é chamada de linhas principais. Da mesma forma que focar em um único objeto direciona o olho do espectador para ele, mesmo acontece com a técnica de linhas principais. Veja como esses objetos levam nossos olhos para essa área da imagem, quase como se os objetos estivessem apontando para ela. Saber disso e colocar seu assunto aqui onde as linhas parecem apontar é uma ótima maneira dar mais importância ao assunto. Como cineastas, isso nos ajuda a garantir que o público esteja prestando atenção ao que queremos. As linhas principais também são muitas vezes encontradas na próxima técnica, simetria. simetria essencialmente vai completamente contra a regra dos terços, porque geralmente envolve colocar o sujeito no centro do quadro. Mas se o assunto estiver emoldurado com linhas principais ou ambientes correspondentes, achamos muito agradável aos olhos. Naturalmente, nós, como humanos, gostamos simetria porque dá uma sensação de equilíbrio e ordem. Se você está escolhendo quebrar o conceito de regra de terços, usar a simetria para isso pode ser uma ótima maneira de manter suas fotos interessantes. Nossa próxima técnica é o tamanho. Ao compor fotos, o tamanho de um objeto é importante. Isso não significa necessariamente que o objeto tenha que ser grande na vida real, ele só precisa ser maior na tela, o que significa que está ocupando mais do quadro. Tire esta foto, por exemplo. Quanto maior o objeto estiver na tela, mais importante o público assume que é. Quanto menor o objeto, menos o público o percebe, considerando-o menos importante. Quando se trata de compor nossas fotos, tamanho dentro do quadro importa. Como cineastas, essas são todas as maneiras pelas quais podemos direcionar a atenção dos espectadores para o que queremos que eles prestem atenção. Eles podem parecer técnicas simples, mas fazem prática. 12. Movimento lento: [RUÍDO] Ao escolher filmar em câmera lenta, infelizmente, não é tão fácil quanto simplesmente mudar a configuração na câmera. Há várias coisas que devemos ter em mente. Primeiro, ele ocupará mais espaço nos cartões de memória. Certifique-se de ter espaço suficiente ou vários cartões. Você também deve se certificar de que os cartões são capazes de lidar com isso. significa que eles têm velocidades de leitura e gravação rápidas o suficiente. Em segundo lugar, mais luz será necessária. Lembre-se, a regra do obturador de 180 graus indica que velocidade do obturador deve ser pelo menos o dobro da taxa de quadros para obter a exposição adequada. Aumentar a velocidade do obturador significa que a luz tem menos tempo para atingir o sensor da câmera. Para compensar isso, precisamos ter mais luz. Se fotografar fora durante o dia, isso não será um problema. Mas se filmar dentro ou à noite, precisaremos adicionar mais luz. Fotografe com uma abertura maior, aumente o ISO ou uma combinação destes. Por fim, use câmera lenta moderação e pelos motivos certos. Seja para enfatizar um momento ou emoção específico, ou direcionar a atenção dos espectadores para um elemento específico da história. [FUNDO] Usá-lo quando não for necessário fará o espectador fique entediado com o efeito e não preste muita atenção quando estiver sendo usado para destacar algo importante. Usando demais, diminuiremos rapidamente seu impacto em comparação com o uso seletivo. Pode até se tornar irritante para o espectador se for usado em excesso, porque o ritmo do filme também se torna mais lento. Ao filmar em câmera lenta, há certas coisas que podem ajudar a acentuar o efeito. Coisas como mover água, coisas que podem flutuar ou flutuar ao seguir, pó e poeira que capta a luz, tecidos como bandeiras ou roupas, vapor ou fumaça, movimento rápido ações como esportes , lutas ou explosões. 13. Conclusão: Bem, chegamos ao final desta aula e espero que você tenha gostado. E usaremos o que você aprendeu aqui sobre movimentos e composição da câmera e as configurações de câmera relacionadas para evoluir como cineasta e continuar praticando e aprimorando essas habilidades. E não se esqueça de compartilhar suas fotos ou compilações de vídeos aqui no Skillshare, além de deixar um comentário. Bom ou ruim, não importa. Isso me ajuda a melhorar minhas aulas e a criar aulas melhores no futuro. Então, muito obrigado por se juntar mim e desejo a você tudo de bom com sua produção cinematográfica.