Transcrições
1. Apresentação do curso: Olá a todos. Meu nome
é Scott Baker e comecei a trabalhar na indústria
cinematográfica em 2009. Trabalhei em grandes filmes e programas de
TV enquanto também dirigia
meus próprios curtas-metragens, documentários e videoclipes. Se você tomou alguma das minhas outras aulas,
então seja bem-vindo de volta. Se esta é a primeira vez, então é ótimo tê-lo. Se você tem alguma experiência
em fotografia ou videografia e quer
aproveitar essas habilidades, então você está no lugar certo. Porque nesta aula, vamos nos aprofundar, começando com uma visão mais
aprofundada de algumas
das configurações e
ferramentas mais avançadas que nossas
câmeras podem oferecer. Porque se quisermos tirar
o máximo proveito de nossa câmera, precisamos
entender completamente como ela funciona
e o que ela pode fazer. Depois disso, vamos desenvolver
nosso conhecimento de
uma composição de fotos aprendendo sobre coisas como movimentos de
câmera, como colocar e equilibrar
objetos dentro do quadro, como trabalhar com reflexos, e muito, muito mais. O conhecimento e o
material que estou compartilhando vem da minha experiência
prática
na indústria e são projetados com
diagramas e gráficos fáceis de seguir, vídeos
tutoriais que explicam
não apenas como fazer coisas, mas também por que as fazemos, e exemplos da vida real em
que vamos
nos bastidores para ver exatamente como
esses filmes foram criados. No final desta aula, você terá o conhecimento
e as habilidades para criar fotos
muito mais interessantes e
atraentes para ajudar a contar suas histórias e levar
seus filmes para o próximo nível. Sem mais
falar, vamos começar.
2. Configurações do marcador Ajudará a enquadrar o tiro: [NOISE] As configurações do marcador são uma ferramenta muito útil que você pode usar por alguns motivos diferentes. O que ele faz é sobrepor guias
na tela da câmera ou monitor de
visualização para
nos ajudar a enquadrar adequadamente nossas fotos. Vamos aprender mais
sobre esses marcadores, começando com a opção
central. Essa opção simplesmente adiciona uma
mira ao centro
do quadro como
ponto de referência quando estamos tentando
centralizar objetos ou pessoas. A segunda opção é
a proporção, mas isso requer uma explicação muito
mais longa. Vou deixar este até o último. Passando para a zona de segurança, que tem duas opções, 80% e 90%. Se selecionarmos isso, veremos que nosso quadro
tem uma caixa branca. Sem entrar
na tecnologia e ciência de como as coisas
são transmitidas, o importante que
devemos lembrar é que qualquer coisa dentro da caixa será recebida e mostrada em um padrão
TV doméstica. Se estiver fora da caixa, há uma chance, dependendo
da TV, de que ela possa ser cortada. É melhor
não ter detalhes importantes muito próximos
da borda do quadro. No entanto, é um espaço tão pequeno que é altamente
improvável que você faria. Se você quiser ser muito
cauteloso, você sempre pode escolher a zona de segurança de
80%. Em seguida, temos quadro guia. Se ativarmos isso, você reconhecerá a
regra da grade de terços. Agora vamos voltar para
os marcadores de aspecto. Você provavelmente
já está familiarizado com proporções como 3 por 2, 4 por 3 ou 16 por 9, ou outros termos como
widescreen e anamórficos. Ao escolher uma
dessas proporções, podemos ver que
linhas brancas foram adicionadas
à parte superior e inferior
ou aos lados. Mas por que
gostaríamos de usar isso? Se formos para nossas configurações de
proporção, veremos que nossa câmera não oferece todas as diferentes proporções. No caso desta câmera, há apenas 3 por 2 e 16 por 9. Mas e se eu quiser que meu
filme esteja transmitindo anamórfico ou um
mais velho com aparência 4 por 3? A menos que você esteja usando uma câmera
muito high-end, é improvável
que você tenha a opção de
filmar em todas essas
diferentes proporções. Mas há uma maneira de
enganar isso na edição. Em nosso software de edição, o que podemos fazer é acessar nossas configurações de sequência e
alterar o tamanho do quadro. Mas, como podemos ver,
quando fazemos isso, nossas filmagens não se encaixam
e ficamos com duas barras pretas em ambos os lados
ou na parte superior e inferior. Para corrigir isso, uma
opção é
esticá-lo , o que mostrará todo o
nosso quadro, mas distorce
a qualidade da imagem. Se esticado demais,
parece antinatural. É por isso que eu não
recomendo fazer isso dessa maneira. A segunda opção é
ampliar a gravação
e enquadrá-la novamente. Fazendo assim, vamos
cortar parte da imagem, mas ela não
distorcerá a imagem. A menos que você tenha filmado em
4K e exporte para 1080, você pode perder um pouco
de qualidade de imagem. A terceira opção é onde
os marcadores entram em jogo. Essa é a melhor opção
porque é feita na câmera. Uma coisa que sempre
espero é que sempre
podemos fazer algo na câmera,
seja efeitos especiais, uma acrobacia ou, neste caso, enquadrar nossas fotos corretamente, é sempre melhor do que
fazer isso na edição. Em vez de tentar
manipular a filmagem e pós-produção usando
os dois métodos que acabamos de discutir, se usarmos os marcadores de aspecto, podemos enquadrar adequadamente nossas
fotos desde o início. Sabendo que qualquer coisa fora das linhas brancas será perdida, podemos garantir que
tudo o que queremos ver esteja emoldurado
dentro dos marcadores. Dessa forma, quando chegamos
ao estágio de edição, não
estamos preocupados com as partes do quadro
que estão sendo cortadas. Não precisamos
manipular as filmagens ampliando-as ou
esticando-as , o que significa manter sua
qualidade no mais alto nível.
3. Focus Assistence - Para garantir que o tiro nunca seja macio: [RUÍDO] Focus Assist, também conhecido como pico de foco, é uma configuração na
câmera que ajuda fotógrafos e
cinegrafistas a
encontrar e manter o foco facilmente encontrar e manter o foco delineando as bordas em uma
imagem em um cor brilhante. Essa é uma configuração que só é necessária ao usar o foco manual. A câmera procura bordas
afiadas dentro da imagem analisando
o contraste. Se houver uma vantagem dura, o que só acontece quando
algo estiver em foco, haverá um contraste maior. Quando a câmera vê contraste
suficiente, ela delineará as
bordas em uma cor escolhida. Normalmente, você pode escolher vermelho, verde, azul e amarelo. Vejamos esse exemplo. Essa pilha de livros está
obviamente fora de foco, fazendo com que as bordas fiquem
embaçadas e desapareçam em
segundo plano. Como não há vantagem dura, não
há contraste suficiente
para alcançar o Focus Assist. Mas à medida que ajustamos o foco, e as bordas dos livros
se tornam mais definidas, também o contraste entre os livros
e o fundo. Até que, eventualmente, há contraste
suficiente para que o pico de foco apareça
e descreve os livros. Quanto mais forte o contraste, mais ousadas serão as linhas. Ou seja, quanto mais em
foco o objeto está. Aqui, os
contornos são mais finos. Ou seja, a imagem está
um pouco em foco. Enquanto, agora as
linhas são mais grossas. Ou seja, está em foco mais nítido. Dependendo do que está
na imagem, você notará que mais objetos
podem ficar delineados, quanto mais em foco a imagem está. Isso pode variar um pouco
de câmera para câmera. Para esta parte,
discutiremos algumas
das diferentes configurações dentro
da ferramenta Assistência de foco. Primeiro, cores. Pode não parecer tão importante, mas há cores diferentes para escolher por um motivo. Mesmo que o Focus
Assist esteja funcionando, contornos
amarelos podem ser difíceis
de ver em nossa tela ou monitorar ao filmar
em locais ensolarados. O azul é mais
difícil de ver em cenas escuras, e o verde será
difícil de ver em uma floresta. Como padrão, eu sempre
tenho o meu definido como vermelho,
mas, ocasionalmente, isso não funcionará
se houver muitos tons vermelhos dentro
da cena, tornando mais difícil diferenciar
os contornos e
os objetos. Nesse caso, uma das
outras cores funcionará melhor. Em seguida, é a
sensibilidade ou o nível. Isso determina o
quanto é destacado. A maioria das câmeras tem dois
níveis: alto e baixo, e algumas câmeras como a minha também
têm uma sensibilidade média. nível baixo destacará apenas as áreas mais nítidas
e com linhas mais finas. Por sua vez, obscurecendo
menos da imagem. Um nível alto
destacará mais do que está em foco e
usará linhas mais grossas. Por sua vez, cobrindo
mais da imagem. Por fim, e embora
isso não seja um cenário, é algo que torna a
vida um pouco mais fácil. Você pode ativar
e desativar a Assistência de
foco regularmente. Ligado, para encontrar foco e desligar, ao filmar, já que
pode ser um pouco distrativo. É útil
programar essa ferramenta como uma opção de menu rápido ou
como um botão personalizado. Dessa forma, você não precisa
perder tempo rolando para
frente e para trás entre diferentes menus toda vez que
quiser encontrar seu foco.
4. Profundidade de campo: Para começar, vamos primeiro definir
qual é a profundidade de campo. É o alcance ou a área na frente da câmera
que está em foco. Você pode ter uma grande profundidade de campo ou uma pequena profundidade de campo, também conhecida como larga e
estreita ou profunda e superficial. Em seguida, há três
fatores que afetam se nossa profundidade de campo é pequena ou grande ou
em algum lugar no meio. Esses fatores são abertura, focal e a distância entre a câmera
e o assunto. Abertura. Um f-stop baixo, o que significa que uma abertura maior nos
dá mais luz, o que resulta em uma profundidade de campo
menor. Um f-stop alto significa uma abertura
menor que deixa entrar menos luz e
nos dá uma maior profundidade de campo. Distância focal. Para a distância focal, é o oposto da abertura. Um número baixo, que nos dá um tiro mais amplo, também nos dá
uma maior profundidade de campo. Enquanto uma distância
focal alta cria um tiro mais apertado e
nos dá menos profundidade de campo. Quanto menores as
distâncias entre o objeto e a câmera
resultam em menor profundidade de campo e uma distância maior
proporciona mais profundidade de campo. Como podemos ver neste exemplo, quando nos concentramos no caminhão que está mais longe das árvores no meio
do solo e
o fundo profundo também entra em foco. Enquanto quando nos concentramos
nesses galhos que estão
mais próximos da câmera,
tudo o resto além
disso perde o foco. Quando o assunto está
próximo da câmera, à medida que ajustamos o anel de foco
para focar no assunto, vemos que menos está em foco. Se ajustarmos o foco em um assunto mais
longe da câmera, veremos que a
profundidade de campo fica maior e mais do
quadro entra em foco. O uso da distância para afetar a
profundidade de campo também pode ser aplicado entre o
assunto e o plano de fundo. Um exemplo perfeito disso
são os head-shots para atores. Quando o ator está perto
da parede, a parede está relativamente focada. Mas se o
ator der alguns
passos da parede e
ajustarmos o foco, o fundo fica embaçado. O bônus adicional disso é
que ele faz o ator se destacar e direciona o foco do
público para eles. Então, ao compor um tiro decidir o que deveria estar em
foco e o que não deveria, é a combinação
desses três fatores que
decidirão onde a profundidade do campo cai e se é pequeno ou grande ou
em algum lugar no meio. Outra coisa a ser ciente é o tamanho do sensor da
câmera. Um sensor maior terá uma profundidade de
campo mais rasa em geral e um sensor menor ou cortado terá uma
profundidade de campo maior. Para mais profundidade de campo,
escolhemos uma abertura mais alta, uma distância focal menor ou aumentamos a distância entre a câmera
e o objeto. Para menos profundidade de campo, é exatamente o oposto. Podemos escolher uma abertura mais baixa, uma distância focal mais alta, ou podemos diminuir a distância entre a
câmera e o assunto.
5. O manual ou o automático? Essa é a pergunta: Uma pergunta que me
fizeram muito é quando usar o foco automático e
quando usar o foco manual. Para ser honesto, não
há
resposta certa,
errada ou definitiva para essa pergunta. Pessoalmente, prefiro
usar o manual sempre que possível, porque
ele me dá controle total. No entanto, há momentos em determinados cenários em
que o foco automático provou ser
a melhor opção. Vamos dar uma olhada em
alguns desses exemplos. Ao fazer close-ups,
nunca uso foco automático. Porque, como este exemplo mostra, o foco automático age como se
estivesse confuso. Isso porque ao
filmar close-ups, nossa profundidade de campo
é menor e a menor mudança distância entre a
câmera e o assunto, ou entre dois
assuntos diferentes faz uma grande diferença. Nossa câmera não consegue decidir o que deve estar em foco e
o que não deveria estar. Mas se mudarmos
para o foco manual, nossa câmera não precisará mais
adivinhar o que deveria estar em foco
e, em vez disso, vamos nos concentrar em tudo o que decidirmos que
deve estar em foco. Neste exemplo, podemos manter foco apenas no pescoço
da guitarra e
não nos preocupar com o foco mudando para a mão à medida que a mão se move para
cima e para baixo na guitarra. Ao virarmos para a esquerda, perdemos o
foco por uma fração de segundo. Mas como
temos controle total, é fácil de ajustar e somos capazes de fazê-lo
de uma maneira muito suave, mantendo um bom close-up
limpo. Quando estou seguindo um assunto, também conhecido como captura de rastreamento, geralmente
tenho as câmeras
configuradas para focagem automática, e isso porque a distância
entre
o objeto e a câmera
será constantemente mudando. Se eu fosse escolher o foco
manual
, teria que dividir
minha atenção entre foco, enquadramento e onde estou andando, o que pode ser muito
para coordenar, especialmente quando há pouco
ou nenhum tempo para ensaiar. Por exemplo, casamentos
e concertos. Se mantivermos uma distância consistente entre a câmera
e
o objeto, o foco automático da câmera
é ótimo para fazer os pequenos ajustes
necessários para manter o foco. Se estivermos filmando
com uma lente mais larga, então é ainda mais fácil para
o foco automático porque uma lente mais larga nos dá uma
maior profundidade de campo. Nesta foto, é fácil
ver como o foco muda
constantemente
entre o primeiro plano e o plano fundo
à medida que os lutadores se movem para dentro e para fora do quadro. Nessa situação em particular, não
me importo que o foco mude, porque as mudanças são suaves e focadas em assuntos
diferentes. No entanto, se quisermos que
o foco permaneça em um
par de lutadores, talvez porque eles são
os personagens principais, então precisamos mudar
para o foco manual. Nesta foto,
definimos nosso foco para os lutadores
em segundo plano,
então, mesmo quando outros lutadores
cruzam o primeiro plano, eles permanecem autofocus, o que também tem um visual
muito agradável. Uma foto como essa pode funcionar
tanto no foco automático quanto no foco manual. Depende apenas
do visual que
queremos e dos
elementos da história envolvidos. Espero que esses exemplos forneçam clareza a algumas
vantagens e desvantagens para o
foco manual e automático e o que funciona
e o que não funciona.
6. Como focar manual: Ao puxar o foco,
a primeira coisa a lembrar é ajustar
devagar e suavemente. Pode parecer óbvio, mas quando estamos no meio da ação e
o objeto
está se movendo rapidamente, especialmente vindo
em direção à câmera. O instinto é tentar
recuperar o foco o
mais rápido possível. Mas se você não ajustar
o foco de forma constante, haverá dois problemas
que encontraremos. Podemos errar o alvo
e ter que nos reajustar, fazendo com que o
objeto entre e saia de foco, o que é extremamente perturbador e pode facilmente arruinar a foto. O segundo problema,
se estivermos filmando com a mão, é provável
que haja alguma vibração na câmera. Se for muito sutil, às vezes
a forma pode
ser corrigida na edição. Mas para economizar tempo e tirar
a melhor foto possível. É melhor evitar a
vibração da câmera durante a filmagem, a menos que seja uma escolha estilística que você esteja fazendo
intencionalmente. Talvez para que uma cena de ação ajude
a realmente melhorar
seu foco, eu
recomendo fortemente que você use um Follow Focus. Ele atuará como uma alça lateral, o que também ajuda a
estabilizar o tiro. E proporciona um movimento mais
confortável e natural, facilitando o foco. Outra opção ao usar um cardan é ter um foco de acompanhamento
remoto. Dessa forma, o ponto de
contato de nossas mãos está no equipamento da câmera e
não na câmera em si. Claro, isso
depende do que estamos filmando. Mas quando é possível, ensaiar
um pouco
pode economizar muito tempo no início, especialmente
na sala de edição. Um ensaio rápido nos permite
encontrar nossas marcas de foco. E se houver movimento na cena
do ensaio,
também
nos permite garantir que o assunto permaneça dentro da faixa de foco. Caso contrário, é uma chance de
praticar o pool de foco e obter o momento certo
criando marcadores para nós mesmos e
para o assunto. Essencialmente, fazer um
ensaio rápido economiza tempo durante filmagem e nos impede de
filmar várias tomadas ruins, o que significa menos filmagens
para ver na sala de edição, novamente, economizando tempo. E se estivermos filmando um evento ao vivo e ensaiarmos
não for uma opção? O que fazemos então? Nessas circunstâncias,
queremos
encontrar pontos de referência iguais ou próximos à mesma distância
da câmera em que nosso
objeto estará. Neste resumo aqui, eu uso os dois postes de luz
como pontos de referência. Então, em vez de tentar
focar nos lutadores
enquanto eles estavam se movendo, eu sabia disso simplesmente focando novamente nesses
dois postes de luz. Eu também os teria em foco. Primeiro, se estivermos
usando uma lente de zoom, podemos ampliar e
facilitar o
ajuste do foco e
, em seguida, diminuir o zoom. Algumas câmeras e lentes
têm esse recurso embutido e ampliarão
digitalmente para nós. Segundo, pegue um monitor. Não precisa ser um grande problema. Algo assim funciona perfeitamente e comanda
diretamente para seu equipamento. A tela de nossas câmeras
pode enganar. Em uma tela tão pequena, a loja pode parecer focada. Mas quando visualizado em seu
computador ou em telas maiores, se estiver desfocado,
mesmo que um pouco, será muito perceptível. Eu cometi esse erro muito cedo
na minha carreira porque, primeiro, eu era muito barato para
comprar o monitor. E segundo, achei que minha
visão era perfeita, só para descobrir depois
que algumas das minhas fotos ainda
estavam um pouco
suaves. Então não faça isso. Eu comprei um monitor para você. Terceiro e último, como todos os outros movimentos da câmera e muitas outras coisas sobre as quais
aprendemos. Você precisa sair e praticar usando o foco manual. É uma habilidade que você
precisa aprender e desenvolver. E isso
leva tempo porque o foco automático não pode fazer
tudo por você.
7. Movimentos de câmera: [RUÍDO] Além
dos diferentes tipos de tiro, que incluem close-up extremo, close-up, close-up médio,
médio, médio,
largo e extremo largo, também
podemos criar composições
interessantes pela forma como nos
angulamos e como movemos a câmera. Vamos começar com os
diferentes ângulos. Primeiro, há o ângulo alto, também conhecido como visão de olho de pássaro, que é realizado
apontando a câmera para baixo sobre um assunto. Isso faz com que o assunto
pareça menor e inferior. Um ângulo baixo, também conhecido como visão de um
verme. Isso faz o contrário. Ao apontar a câmera
para um assunto, ela faz com que pareçam
maiores e superiores, e um ângulo holandês é quando
a câmera é inclinada ligeiramente para o lado para fazer a
foto aparecer em uma diagonal. Isso é usado para criar um desequilíbrio e uma
sensação de desconforto. Agora, vamos passar para
alguns movimentos da câmera e começaremos com uma rápida
revisão dos básicos. Panela. Quando a câmera permanece
em um lugar como em um tripé e ela gira esquerda para a direita ou da direita para a esquerda. Isso é chamado de pan
right e pan left. Algumas pessoas também podem dizer
pan up e pan down. No entanto, esse
movimento é chamado de inclinação. Se virarmos a câmera para o lado, isso é considerado rolar a câmera e
chamar um rolo de tiro. Quando a câmera se move para cima
e para baixo ao longo do eixo y, isso é chamado de
tiro de guindaste ou tiro de pedestal. Tiro de rastreamento. Esse tipo de tiro se move lateralmente
ao longo do eixo x. Depois, há o tiro de boneca, que se move em direção ou para longe
do objeto ao longo do eixo z. Isso também pode ser chamado de empurrar para dentro e puxar para fora. Não deve ser confundido com zoom e zoom para fora. Uma captura de zoom é quando a
câmera permanece estática em um ponto e ampliamos e diminuímos ajustando a distância
focal de uma lente de zoom. Isso não pode ser feito
com uma lente principal. Se estivermos usando lentes primárias e mudando as distâncias focais, isso é chamado de
perfurar e perfurar. Isso também pode ser feito mantendo
a mesma distância focal, mas movendo a câmera para
mais perto ou mais longe
do objeto, desde que o ângulo da
câmera permaneça o mesmo. Por fim, há o tiro de
arco que é
uma versão do tiro de rastreamento mas como você pode ter adivinhado, a câmera se move ao longo um caminho circular
ao redor do objeto. Se a câmera não se
mover de forma alguma, isso é chamado de tiro estático, que é exatamente o que estou
usando para filmar essas lições. Por fim, há um PDV, que significa ponto de vista, significa que a câmera
toma o lugar de um objeto, e pode ser qualquer objeto como uma câmera de segurança ou um veículo. A câmera também pode se tornar
os olhos do personagem, que faz com que o público
se sinta como se estivesse
na cabeça do personagem e vendo o mundo da mesma forma que
o personagem o vê. [MÚSICA] Este tipo de tiro pode ser
qualquer um dos movimentos que
acabamos de discutir ou
combinações deles. As fotos também podem ser perfeitamente paradas ou muito instáveis porque o mundo está sendo
visto, no entanto o personagem ou o
objeto veria as coisas. A melhor parte dessa foto é que não
há regras
e, ao editar, a maneira mais suave de incluir
essas fotos é mostrar o objeto logo antes
ou depois da captura do PDV. Para o PDV do personagem, normalmente, o personagem
primeiro será mostrado olhando para algo
que é chamado captura de
configuração e, em seguida,
cortamos para o PDV deles o que
é que eles estão olhando, seja um objeto
ou outra pessoa. Um conselho, é melhor não deixar essas
fotos muito instáveis ou durar muito tempo, pois isso pode causar dores de cabeça e enjôo para
alguns membros do público. O Projeto Blair Witch
é um exemplo popular que faz com que algumas pessoas
sofram enjôo, enquanto que o filme Being John
Malkovich, na minha opinião, é um ótimo exemplo que
usa POVs também, mas não exagere.
8. Velocidade de movimento da câmera: [RUÍDO] Uma coisa que
notei que quase sempre é negligenciada ao falar
sobre movimento da câmera, é a velocidade do movimento, que é estranho porque
isso é
tão importante quanto o
movimento em si. Quanto mais rápido o movimento, mais energia, caos ou excitação que ele pode adicionar, enquanto movimentos mais lentos
podem intensificar a emoção, aumentar o suspense ou sinalizar o começo
ou o fim de alguma coisa. Mover-se devagar é bastante fácil, mas nem sempre
será possível a câmera ou o
assunto se mova mais rápido. O que fazemos então? Aqui estão algumas maneiras muito simples de
acelerar o movimento dentro de um tiro. Quando a câmera está
se movendo, seja uma
foto de rastreamento ou um tiro de boneca, ter um primeiro plano
ou objetos passados em primeiro plano pode criar a ilusão de movimento mais rápido. Isso porque quanto mais
próximo estiver da câmera, mais rápido ela se
move pelo quadro. Neste exemplo de ângulo baixo, o solo está mais próximo
da câmera, o que faz com que pareça
se mover mais rápido. Enquanto que, se levantarmos a câmera e mudá-la para uma linha reta
sem primeiro plano, é apenas o fundo
que parece estar se movendo, por sua vez, diminuindo o tiro. O mesmo com este exemplo. Se filmarmos perto da cerca, parece que está
batendo muito rápido. Mas se dermos alguns passos para trás, a cerca não estará
mais em primeiro plano
imediato e não cruza
o quadro tão rapidamente. Agora, o movimento parece mais lento mesmo que eu ainda esteja
andando no mesmo ritmo. Outro truque é mover-se na direção oposta em
que o sujeito está se movendo. Sem o objeto ou a
câmera se movendo mais rápido, a foto parece instantaneamente mais rápida. Se quisermos abatê-lo lentamente, podemos manter a câmera estática ou, para diminuir
ainda mais, movemos a câmera na mesma direção em que o objeto está se movendo. A terceira técnica é o quão
apertado ou largo é nosso tiro. Sem alterar a
velocidade da ação, por ter um tiro mais apertado, o tiro parece mais rápido porque nos
aproxima da ação. Com mais do
quadro sendo preenchido
pela ação, tudo
parece mais rápido. Agora, se assistirmos a mesma
ação em um tiro largo, mais do ambiente
e do fundo podem ser vistos
e leva mais tempo para que
as coisas atravessem o quadro, o que faz com que a ação
e o tiro pareçam mais lentos.
9. Como manter o tiro com sombra constante: [RUÍDO] Na lição anterior, aprendemos sobre diferentes movimentos
da câmera. Agora, que sabemos o que eles são, precisamos saber como
fazê-los sem problemas para reduzir qualquer vibração distrativa
da câmera. Para esses movimentos, a
câmera só gira. A maneira mais fácil para eles
é usar um tripé. No entanto, esses movimentos também são muito fáceis de
realizar portáteis. Pessoalmente, acho que eles têm uma aparência mais natural quando feitos mão porque o
tiro não será muito instável e também não
será perfeitamente suave, o
que dá às filmagens um preenchimento mais
natural e orgânico. Para fazer isso, a chave é
manter a câmera perto do
seu corpo para que ela se mova como
se fosse parte do seu corpo. Mantenha as duas mãos na câmera, mantenha os pés firmemente plantados e faça a maior parte do
movimento do tronco, mantendo os ombros, os cotovelos e os pulsos o mais imóvel possível. Se isso não
fornecer alcance suficiente, por exemplo, ao
fazer um tiro de inclinação, então é melhor mover-se
dos ombros enquanto ainda mantém os
cotovelos e pulsos congelados. O objetivo é
manter seu corpo e câmera o mais imóvel possível enquanto move a menor quantidade de seu corpo conforme necessário para
obter a foto. Agora, se estamos indo de mão para fotos onde a
câmera está se movendo, a primeira coisa a
saber é que sempre
haverá um pouco
de vibração da câmera, mas há maneiras de reduzi-la. Uma das melhores ferramentas
é uma alça superior, ou melhor ainda, uma
gaiola de câmera com uma alça superior. Isso nos permite embalar a câmera, o que ajuda a mantê-la
nivelada e suaviza pequenos movimentos. Em seguida, queremos aplicar técnicas
semelhantes que usamos para a panela e o
tiro de inclinação com uma diferença. Agora queremos manter a câmera
longe do nosso corpo levemente para que nossos braços possam se ajustar e absorver qualquer choque que
aconteça ao caminhar. Quando você está andando, é
melhor se agachar um pouco, transformando as pernas em outro
tipo de amortecedor. Isso também prepara você para movimentos bruscos
que possam ser necessários. Você provavelmente
notará que você toma essa posição naturalmente sem
sequer pensar nisso. Mais importante, você quer andar levemente como se estivesse
se esgueirando. Além disso, tente manter um ritmo constante, pois isso
também fará com que suas filmagens
pareçam mais suaves. Ao filmar de mão, é
impossível ter imagens
perfeitamente suaves, mas o objetivo é fazer com que
uma filmagem pareça fluida e natural em vez de
nervosa e distrativa. Agora, que sabemos como se mover, o que nosso equipamento pode
fazer para nos ajudar? Já discutimos
a alça superior, mas e as lentes? A maneira mais fácil e uma
das melhores maneiras de tornar a vibração da
câmera menos perceptível é usando distâncias focais
baixas porque quanto maior
a distância focal, mais ampliado estamos. E mesmo os menores tremores da
câmera tornam-se muito visíveis, enquanto quanto maior a foto
porque há mais para ver no quadro e como os
objetos são menores, qualquer vibração da câmera se torna
menos perceptível. Se você quiser usar
uma distância focal maior, precisará de um cardan. Eu também recomendo um cardan se você estiver fazendo
rastreamento ou
fotos de boneca em um ritmo acelerado porque
quanto mais rápido você se move, difícil se torna
estabilizar a câmera naturalmente. Pode ser um pouco caro, mas eles valem cada dólar,
libra, peso, coroa
baht, rublo,
rupia, real, euro, iene, qualquer moeda que você use. Eles valem a pena e fazem um trabalho fantástico de estabilizar nossas fotos ajustando até mesmo o menor
tremendo da câmera, mas não pense porque
você está usando um, que cada tiro vai seja perfeito. Mais uma vez, a forma como
movemos nosso corpo tem um grande efeito porque,
seja qual for a maneira como nosso corpo se move, a câmera seguirá. Só porque o cardan está
fazendo a maior parte do trabalho, não
deve significar que ficamos preguiçosos. Colocar um
pouco de esforço extra só
tornará nossas
filmagens muito melhores. Algumas outras formas criativas de obter bonecas
suaves e rastrear fotos, simplesmente, pegar rodas. Podemos filmar de um veículo, ter o operador da câmera, usar patins ou
sentar em uma cadeira de rodas. Para fotos de produtos em close-up, basta deslizar a
câmera em uma toalha de mão ao longo de uma superfície plana
pode criar ótimas fotos. Por fim, também podemos
definir nossa câmera para 60 ou 120 quadros por segundo, porque em câmera lenta, tudo é suavizado, mas sugiro usar isso apenas como último recurso ou quando o tiro faz sentido
estar em câmera lenta. Caso contrário, isso leva à criação de filmes
preguiçosos e você
acabará com vídeos chatos se tudo estiver em câmera lenta.
10. Reflexões, usá-los para seu benefício: [RUÍDO] Nesta lição, vamos ver como
lidar com reflexões. Se eles vêm de
espelhos, janelas, água,
eletrodomésticos, essencialmente,
qualquer superfície reflexiva. Ao filmar, eles podem ser um obstáculo que cria
dores de cabeça e desafios, ou podem ser
transformados em uma ferramenta brilhante. Para fazer isso, devemos primeiro
ser capazes de reconhecê-los. Vamos começar
conferindo alguns exemplos. [FUNDO] Como você deve ter notado,
o maior problema com reflexos é ver coisas
que não devem ser vistas, como tripulação, equipamento ou pontos
brilhantes brilhantes das luzes. Para corrigir esses problemas, não
é tão difícil. Só requer que prestemos
muita atenção antes de
rolar a câmera. Aqui está o que podemos fazer. Se alguém puder ser visto, faça que eles se movam para outro lugar. O mesmo vale para qualquer equipamento
que não deveria estar lá. Se algo não puder ser movido, tente mascará-lo com algo
que é bom ser visto. Como um adereço ou um pedaço
de molho. Se for uma janela,
considere ajustar as cortinas, persianas ou sheers. Às vezes, até mesmo um ator
ou ator de fundo pode ser colocado estrategicamente para bloquear reflexões indesejadas. Se for um objeto pequeno, mudar seu ângulo
também pode fazer o truque. Se nada disso funcionar, veja
se uma pequena alteração ângulo
da câmera pode
corrigir o problema. Se é um brilho que está
causando o problema, é um pouco diferente. Mas aqui está o que podemos fazer. Ajuste a luz ou a foto. Se isso não funcionar, também
podemos usar um spray de entorpecimento ou spray de cabelo também
pode fazer o truque. Você também pode sujar a superfície reflexiva se
fizer sentido para o tiro. Um exemplo disso
seria uma superfície reflexiva ou ferramentas brilhantes, mas em
uma oficina mecânica suja. Elimine a luz ou use
um difusor para suavizá-la. Anexar um capô de lente
à lente pode
bloquear os flares da lente, o mesmo acontece com a adição de um
filtro polarizador à sua lente e
também pode reduzir e às vezes até eliminar reflexos
da água. Finalmente, se nenhum
desses funcionar, mais uma vez, ajustar a
foto da câmera para encontrar um ângulo que não capte a
luz é sempre uma opção. Agora que sabemos como
eliminar reflexões, vamos entrar nas coisas divertidas e aprender como podemos
usá-las a nosso favor. Para fazer isso, há duas coisas
principais que precisamos saber, como os ângulos funcionam e como
a profundidade de campo funciona. Saber como os
ângulos funcionam é uma
das maneiras pelas quais podemos esconder nossa
câmera dos reflexos. A primeira coisa que devemos
sempre lembrar ao filmar reflexos é que qualquer que seja
o ângulo da câmera para a superfície
reflexiva, esse é o mesmo ângulo do
sujeito ou objeto que nós quer capturar também deve ser
para essa superfície reflexiva. Ou seja, se o ator estiver em um ângulo de 45 graus em relação ao espelho, a câmera também deve estar em um ângulo de 45 graus em relação ao espelho, ou pelo menos
perto do mesmo alcance. Mas e se esse ângulo mostrar a câmera
no reflexo? Bem,
movendo levemente a câmera, podemos fazer com que ela desapareça
da foto. Mas isso também significa que talvez
tenhamos que ajustar a posição do assunto
para obter o quadro que queremos. Ou seja, talvez tenhamos que
experimentar e fazer pequenos ajustes até
encontrar a configuração certa. Usar fotos mais apertadas também
facilita ocultar reflexos. Quando se trata de puxar o foco e definir nossa profundidade de campo, é fundamental
lembrar que não é apenas a
distância da câmera ao espelho que
devemos medir, também
devemos a distância do
espelho ao assunto. Isso porque nossas
câmeras não reconhecem o espelho ou a
superfície reflexiva como uma superfície sólida. Em vez disso, ele o reconhece como uma extensão do espaço em
que estamos filmando. Se você já olhou para uma
parede de espelhos em uma academia ou em um estúdio de dança e pensou que o quarto
parecia duas vezes maior, bem, para nossas câmeras, a sala é duas vezes maior. O que significa que, para nossa câmera, o que estiver na
reflexão está realmente mais longe do que as superfícies
reflexivas. O que significa que temos que
ajustar nossa profundidade de campo de acordo para garantir que
nosso assunto esteja em foco. Dependendo da nossa profundidade de campo e de onde
definimos nosso foco, podemos até esconder nossa
câmera à vista de todos. Ao manter nossa câmera
fora do alcance do foco, é possível desfocá-la o suficiente para que o espectador
nem consiga dizer que é uma câmera. Se você fizer isso, certifique-se de que o operador da câmera não faça movimentos grandes ou
repentinos. Conhecer esses dois fatores
ao lidar com espelhos e outras superfícies reflexivas
pode ser uma ferramenta incrível, especialmente quando fotografar
em pequenos espaços.
11. : [MÚSICA] Agora vamos
expandir esses conceitos e aprender mais algumas técnicas de
composição para fazer nossas filmagens parecerem ainda mais interessantes e
atraentes para os olhos. A primeira técnica com a qual
começaremos é chamada de linhas principais. Da mesma forma que focar em um único objeto
direciona o olho do espectador para ele, mesmo acontece com a técnica de
linhas principais. Veja como esses objetos levam nossos olhos para essa
área da imagem, quase como se os objetos
estivessem apontando para ela. Saber disso e colocar seu assunto aqui onde
as linhas parecem
apontar é uma ótima maneira dar mais importância
ao assunto. Como cineastas, isso nos
ajuda
a garantir que o público esteja prestando atenção
ao que queremos. As linhas principais
também são muitas vezes encontradas na próxima
técnica, simetria. simetria essencialmente
vai completamente contra a regra dos terços, porque geralmente
envolve colocar o sujeito no
centro do quadro. Mas se o assunto
estiver emoldurado com linhas
principais ou ambientes
correspondentes, achamos muito
agradável aos olhos. Naturalmente, nós, como humanos, gostamos simetria porque dá uma
sensação de equilíbrio e ordem. Se você está escolhendo quebrar
o conceito de regra de terços, usar a simetria para isso pode ser uma ótima maneira de manter suas
fotos interessantes. Nossa próxima técnica é o tamanho. Ao compor fotos, o tamanho
de um objeto é importante. Isso não significa necessariamente que o objeto tenha que ser
grande na vida real, ele só precisa ser
maior na tela, o que significa que está
ocupando mais do quadro. Tire esta foto, por exemplo. Quanto maior o
objeto estiver na tela, mais importante o
público assume que é. Quanto menor o objeto, menos
o
público o percebe, considerando-o menos importante. Quando se trata de
compor nossas fotos, tamanho dentro do
quadro importa. Como cineastas, essas são
todas as maneiras pelas quais podemos
direcionar a atenção dos espectadores para o que queremos que eles
prestem atenção. Eles podem parecer técnicas
simples, mas fazem prática.
12. Movimento lento: [RUÍDO] Ao
escolher filmar em câmera lenta, infelizmente, não é tão
fácil quanto simplesmente mudar
a configuração na câmera. Há várias coisas
que devemos ter em mente. Primeiro, ele ocupará mais
espaço
nos cartões de memória. Certifique-se de ter
espaço suficiente ou vários cartões. Você também deve se certificar de que os cartões são capazes
de lidar com isso. significa que eles têm
velocidades de leitura e gravação rápidas o suficiente. Em segundo lugar, mais luz
será necessária. Lembre-se, a regra do
obturador de 180 graus indica que velocidade
do obturador deve ser pelo
menos o dobro da
taxa de quadros para obter a exposição adequada. Aumentar a
velocidade do obturador significa que a luz tem menos tempo para atingir
o sensor da câmera. Para compensar isso, precisamos ter mais luz. Se fotografar fora
durante o dia, isso não será um problema. Mas se filmar
dentro ou à noite, precisaremos adicionar mais luz. Fotografe com uma abertura maior, aumente o ISO ou uma
combinação destes. Por fim, use câmera lenta moderação e
pelos motivos certos. Seja para enfatizar um momento ou emoção
específico, ou direcionar a
atenção dos espectadores para um elemento específico da
história. [FUNDO] Usá-lo quando não for necessário fará o espectador fique
entediado com o efeito e não preste muita atenção
quando estiver sendo usado para destacar
algo importante. Usando demais, diminuiremos rapidamente seu impacto em comparação com
o uso seletivo. Pode até se tornar irritante
para o espectador se for usado em excesso, porque o ritmo do filme também se torna mais lento. Ao filmar em câmera lenta, há certas coisas que podem ajudar a acentuar o efeito. Coisas como mover água, coisas que podem flutuar ou
flutuar ao seguir, pó e poeira que
capta a luz, tecidos como
bandeiras ou roupas, vapor ou fumaça, movimento rápido ações
como esportes ,
lutas ou explosões.
13. Conclusão: Bem, chegamos ao final
desta aula e espero que
você tenha gostado. E usaremos o que
você aprendeu aqui sobre movimentos
e composição da
câmera e as
configurações de câmera relacionadas para evoluir
como cineasta e continuar praticando e aprimorando essas habilidades. E não se esqueça de compartilhar suas fotos ou compilações de vídeos
aqui no Skillshare, além de deixar um comentário. Bom ou ruim, não importa. Isso me ajuda a melhorar minhas aulas e a criar
aulas melhores no futuro. Então,
muito obrigado por se juntar mim e desejo a você tudo de
bom com sua produção cinematográfica.
Scott Baker, Filmmaker
